Expresionismo by Mª Àngels

EXPRESIONISMO 1

â&#x20AC;&#x153;Mi arte da sentido a mi vidaâ&#x20AC;? Eduard Munch

DI C

INTRODUCCÓN......................................................................................................................pag.6 EDUARD MUNCH....................................................................................................................pag.9 OBRAS.................................................................................................................................pag.13 DER BLAUE REITER Y DIE BRÜCKE.......................................................................................... pag.17 DER BLAUE REITER.............................................................................................................. pag.19 DIE BRÜCKE........................................................................................................................ pag.21 BIBLIOGRAFIA......................................................................................................................... pag.25

IN TRO DUC CIÓN

El expresionismo fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo con la aparición del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel intelectual. Surgido como reacción al impresionismo, frente al naturalismo y el carácter positivista de este movimiento de finales del siglo XIX los expresionistas defendían un arte más personal e intuitivo, donde predominase la visión interior del artista –la “expresión”– frente a la plasmación de la realidad –la “impresión”–. El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. A menudo se ha calificado de expresionista la obra de diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter Brueghel el Viejo, El Greco o Francisco de Goya. Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (19181939). Esa amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los temas prohibidos. Intentó reflejar una visión subjetiva, una deformación emocional de la realidad, a través del carácter expresivo de los medios plásticos, que cobraron una significación metafísica, abriendo los sentidos al mundo interior. Entendido como una genuina expresión del alma alemana, su carácter existencialista, su anhelo metafísico y la visión trágica del ser humano en el mundo le hicieron reflejo de una concepción existencial liberada al mundo del espíritu y a la preocupación por la vida y la muerte, concepción que se suele calificar de “nórdica” por asociarse al temperamento que tópicamente se identifica con el estereotipo de los países del norte de Europa. Así, mediante la distorsión de la realidad pretendían impactar al espectador. El expresionismo no fue un movimiento homogéneo, sino de gran diversidad estilística: hay un expresionismo modernista (Munch), fauvista (Rouault), cubista y futurista (Die Brücke), surrealista (Klee), abstracto (Kandinski), etc. Aunque su mayor centro de difusión se dio en Alemania, también se percibe en otros artistas europeos (Modigliani, Chagall, Soutine, Permeke) y americanos (Orozco, Rivera, Siqueiros, Portinari). En Alemania se organizó principalmente en torno a dos grupos: Die Brücke (fundado en 1905), y Der Blaue Reiter (fundado en 1911), aunque hubo algunos artistas no adscritos a ningún grupo. Después de la Primera Guerra Mundial apareció la llamada Nueva Objetividad, que si bien surgió como rechazo al individualismo expresionista defendiendo un carácter más social del arte, su distorsión formal y su colorido intenso les hacen herederos directos de la primera generación expresionista.

EDUARD MUNCH

Eduard Munch nació en Loten (Noruega) el 12 de diciembre de 1863 y murio en Ekely el 23 de enero de 1944. Era hijo del médico militar Dr. Christian Munch y su esposa Laura Cathrine, tuvo una infancia muy difícil, ya que su madre y su hermana murieron de tuberculosis cuando él era muy joven, y su padre era un hombre dominado por obsesiones de tipo religioso. De todo ello surgió una personalidad conflictiva y un tanto desequilibrada, que él mismo consideraba la base de su genio. La estilización de la figura, la prolongación de las líneas y, en ocasiones, el intenso dramatismo y la intensidad cromática, hicieron del estilo pictórico del noruego Edvard Munch uno de los modelos estéticos del expresionismo de las primeras décadas del siglo XX. En 1879 comienza la carrera de ingeniería, pero unos años más tarde la deja para empezar su carrera artística que le abrió el camino al desarrollo del expresionismo. En 1881 vende dos cuadros y pinta su primer autorretrato. El pintor naturalista noruego Christian Krohg fue un maestro esencial para Munch que en gran variedad de ocasiones corregía sus trabajos y le ayudaba a mejorar. Participó por primera vez en la exposición de otoño de Cristianía (Oslo) donde estableció relaciones con el círculo de literatos y artistas de la capital. En 1885 hizo el primero de sus numerosos viajes a París, donde conoció los movimientos pictóricos más avanzados y se sintió especialmente atraído por el arte de Gauguin. Visita los Salones y el Louvre, que le impresionó notablemente. También participó en la Feria Mundial de Amberes. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista comienza a pintar tres de sus obras capitales: El día siguiente, Pubertad y La niña enferma, la cual causa un escándalo en la Exposición de Otoño de Oslo en el año 1886. No tardó en crear un estilo sumamente personal, basado en acentuar la fuerza expresiva de la línea, reducir las formas a su expresión más esquemática y hacer un uso simbólico, no naturalista, del color, y de ahí su clasificación como pintor simbolista. En su primera exposición individual con 110 cuadros en Oslo hizo que una parte del público lo aclamara con entusiasmo. Fue un pintor y grabador noruego de corriente expresionista. Sus obras sobre la angustia influyeron profundamente en el expresionismo aleman de comienzos del siglo XX. Sus obras son como variaciones constantes el amor y el odio, el deseo y la angustia, las pasiones y las emociones, son elevados a arquetipos de la vida anímica del hombre moderno o, incluso, de la propia condición humana. El pintor decía de sí mismo que, del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado la anatomía humana y diseccionado cuerpos, él intentaba diseccionar almas. Por ello, los temas más frecuentes en su obra fueron los relacionados con los sentimientos y las tragedias humanas, como la soledad, la angustia, la muerte y el erotismo. Se le considera precursor del expresionismo, por la fuerte expresividad de los rostros y las actitudes de sus figuras, además del mejor pintor noruego de todos los tiempos. 11

De aquí no hay más que un pequeño paso hacia el estilo completamente nuevo que Munch desarrollaría en el “Friso de la Vida” en que destacaríamos cuadros como Pubertad, que refleja por primera vez una asociación entre miedo y sexualidad; Melancolía, serie sobre la plenitud y el fin del amor al igual que Celos. Munch termina con estos ciclos del Friso de la Vida en el año 1900 y empieza a exponerlos en 1902 y en 1905 en Praga, intentando plasmar un terreno más tradicional. Los retratos, paisajes y pinturas de estudio le preocupan cada vez más. En 1903 realiza su primera exposición en la Galería Cassirer en Berlín, un año más tarde cede los derechos de venta en Alemania a Cassirer de grabados y a la Galería Cometer de Hamburgo de óleos con varias exposiciones y toma parte en el Salon des Indépendants. Este periodo de tiempo fue cuando Munch empezó a alcanzar su éxito como artista. Realiza numerosas exposiciones como en Copenhague y en la Galería Cassirer, también La Academia de Bellas Artes de Weimar pone un estudio a su disposición. En 1905 fue duro para Munch, ya que pasa el invierno curándose de neurastenia y alcoholismo. En 1908 viaja a Copenhague, sufriendo allí un colapso nervioso, lo cual provocó su ingreso en un sanatorio. En 1909 regresa a Noruega y realiza una gran exposición en Oslo. Estos años hace numerosos viajes por sus continuas crisis nerviosas a pesar de su éxito. Visitó Berlín, Francfort, Colonia, París, Londres, Estocolmo, Hamburgo, Lübeck y Copenhague. En 1918, publica un panfleto del Friso de la vida en el que incluye sus obras maestras. Los siguientes años Munch decide retirarse un poco, recibe numerosos honores con ocasiones de su septuagésimo aniversario, ya que una afección ocular en el año 1930 le hace casi imposible trabajar. En 1940 con la invasión del régimen Nazi a Noruega le retiraron muchos de sus cuadros de las galerías de arte porque pensaban que escandalizaban a sus visitantes. Munch no quería tener ningún tipo de relación con los invasores, ya que le consideraban un demente. Durante la Segunda Guerra Mundial Munch se hace mundialmente conocido y expone por primera vez sus cuadros en los Estados Unidos en 1942 en Nueva York. Con motivo de su 80 cumpleaños es objeto de grandes homenajes. A pesar de su mal estado, en el que sufre continuamente resfriados, acude a todos ellos con gran honor. El 23 de enero de 1944 muere en Noruega completamente solo. Tras su muerte Ekely dona a la ciudad de Oslo el conjunto de cuadros, grabados y dibujos propios que obraba en su poder. Para celebrar el centésimo aniversario de su nacimiento, se inaugura en 1960 el Munch-Museet.

OBRAS 13

SIMBOLISTA

Esta obra de Eduard Munch se titula “Amor y dolor” aunque la gente lo titula con el nombre de “Vampiresa”, fue pintada en el año 1895 utilizando como tecnica el oleo sobre lienzo, el lienzo mide 91x109 cm y lo podemos encontrar en el Munch Museet en Oslo. Se dice que en la obra es un homenaje a las prostitutas que formaban parte de la vida cuotidiana tdel artista, pero tambien se dice que es una representacion sobre la muerte de la hermana del pintor, un hecho que le dejó una honda huella en su vida. En la obra aparece un fondo oscuro que nos remite a una noche de tintes tenebrosos, don de una mujer joven de piel muy blanca e iluminada por una fuerte luz, con los cabellos largos y de un rojo intenso, abraza a un hombre mayor, que se dice que es Eduard Munch, el cual tambien parece que le abraza, aunque su abrazo carece de caracter, el parece que se deja querer, se deja consolar, se deja devorar. En cambio la mujer es quien ofrece consuelo o quien devora, PAra eduardMunch ella es la representacion del amor y el del dolor desconsolado.

EXPRESIONISTA

“El Grito” es una obra de 1893 realizada por Eduard Munch y se encuentra en el Museo de Estocolmo. Eduard Munch utilizo la tecnica del óleo sobre lienzo, con una aplicación violenta del color. El cuadro nos presenta a un personaje en primer plano en actitud angustiosa. Tanto el entorno marítimo como la perspectiva acelerada no tienden a crear un marco realista al personaje, sino por el contrario, potencian su actitud desesperada y trágica. Podríamos decir que, en realidad, el tema es la propia expresión de un sentimiento de angustia. La figura principal se encuentra en primer término, centrada y deformada a través de constantes curvas, dándole un aspecto de llama.. Sin embargo, tanto la barandilla como las curvas del fondo, nos dan un fuerte dinamismo a toda la escena. Por otra parte, se prescinde de todo tipo de detalles, siendo muy esquemática la realización de la cara o manos. Hay una fuerte contraposición entre las líneas rectas (diagonales) de la zona izquierda y las ondulaciones constantes de la derecha. Tanto unas como otras dinamizan la representación, haciendo moverse al ojo constantemente por toda la superficie del lienzo. Existe, de nuevo, una contraposición entre las gamas cálidas y frías que contrastan entre sí. Tantos unos como otros son por completo antinaturalistas, sin ningún contacto con la realidad. La luz es antinaturalista, sin un foco determinado ni empleo del claroscuro. Gracias a las diagonales y las líneas onduladas (así como por la diferencia de tamaño entre las figuras) se tiene una fuerte sensación de espacio que nos lleva desde el primer plano hasta el fondo sin puntos intermedios, comunicando así figura con fondo y creando un cierto desasosiego a la hora de contemplar la escena, llevándonos con movimientos rápidos de un lugar a otro. 16

Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) y Die Br端cke (El Puente)

Blaue Reiter (El Jinete Azul) Der Blaue Reiter (El Jinete Azul en español) fue el nombre que recibió un grupo de artistas expresionistas, fundado por Vasili Kandinski y Franz Marc en Múnich en 1911 hasta 1913, que transformó el expresionismo alemán. También formaron parte del grupo, entre otros, August Macke, Gabriele Münter, Alexei von Jawlensky, Marianne von Werefkin y Paul Klee. A todos ellos les unía su interés común por el Arte medieval y primitivo así como los movimientos coetáneos del Fauvismo y el Cubismo. August Macke y Franz Marc defendían la opinión de que cada persona posee una verdadera vivencia u experiencia interna y externa, que se dan la mano gracias al arte. Kandinsky construyó las bases teóricas que cimentaron esta idea. El nombre del grupo deriva de un cuadro del mismo nombre del año 1907 de Kandinsky, que sirvió como ilustración de la portada de 1912 del Almanach (Almanaque). Esta obra programática, entregada por Kandinsky y Marc (Editorial Piper, Múnich, 1912) recogía, en palabras de Marc, «Los más nuevos movimientos pictóricos en Francia, Alemania y Rusia, y enseña sus finos hílos de conexión con el Gótico y con los primitivos, con África y el gran Oriente, con el arte originario del pueblo tan fuertemente expresivo y con el arte infantil, especialmente con los movimientos musicales y de los escenarios más modernos de Europa de nuestro tiempo». Arnold Schönberg por ejemplo también aportó junto a textos y cuadros a la composición «Herzgewächse». La preocupación por los orígenes se refleja en la poética de lo que denominaban “el grito original” (Urschrei). Es decir, que el arte debe ser no sólo como el grito infantil, sino como el grito original de toda la humanidad. Lo fundamental para los pintores de Die Brücke era la búsqueda de lo primordial, y ello no como una copia imitativa de la realidad (como habían hecho los impresionistas), sino como transmisión angustiada de una “vivencia”. El término alemán erleben, es decir, “vivir” en su acepción transitiva (“vivir una visión”,”vivir una experiencia”), se convierte en el slogan del expresionismo, y en el de la fenomenología, que era la filosofía alemana imperante en aquellos años. La mezcla de ambas ideas (búsqueda de lo primordial y transmisión de una vivencia) es natural que les empujase hacia el interés por el arte primitivo, que Kirchner pudo estudiar en el Museo Etnológico de Dresde y cuyo entusiasmo transmitió a sus amigos. Otra característica del grupo fue el interés que dedicó al grabado en madera. La xilografía es una técnica antigua, artesana, popular. El grabado en madera, además, exige una violenta acción con el hierro que debe cortar la materia dura de la plancha de boj. Ello produce gruesas líneas rígidas y angulosas. Este grafismo, tan característico de la xilografía, explica en gran parte la estructura simplificada, dura y angulosa que aquellos expresionistas siguieron empleando aun cuando pintasen cuadros al óleo. La primera de las dos exposiciones del Jinete Azul tuvo lugar desde diciembre de 1911 hasta el 1 de enero de 1912 en la Galería Moderna Thannhäuser en Múnich. Se mostraron 49 obras de Henri Rousseau, Albert Bloch, Heinrich Campendonk, Robert Delaunay, Wassily Kandinsky, Macke, Münter entre otros. Más adelante se convirtió en una exposición itinerante recorriendo varias ciudades, entre ellas Colonia y Berlín. La segunda exposición se desarrolló desde el 12 de febrero hasta el 18 de marzo de 1912 en la librería y galería de arte muniquesa Hans Goltz. En ella se exhibieron 315 dibujos y la obra gráfica de más de 30 artistas de esa exposición. 19

Caballo azul I es uno de los cuadros más famosos de Marc y del “ Jinete Azul “Ante un paisaje de colores realmente vivos aparece un potro pintado de colores azules con la cabeza ladeada como reflexionando. Los colores ricos en contrates ( amarillo, violeta, rojo, verde, azul ) dan al cuadro un ambiente de ensueño, mágico,amplificado ,aún más por una extraña planta el agave , que no se da en las latitudes de Marc y que aparece en el extremo inferior derecho. Con este cuadro, Marc dio el paso definitivo del “color exterior“ al “color sustancial“. Partiendo de la imagen animal,encontró una ( primera ) figura simbólica, por así decir un símbolo de la “ espiritualización del mundo” Vestido con las fórmulas nostálgicas del romanticismo alemán ( piénsese en los cuadros de Caspar David Fiedrich , 1774-1840 , o en el símbolo de la Flor Azul que introdujo el poeta Novalis ( 1772-1801, en su fragmento Heinrich von Otterdingen ) el caballo azul simboliza la búsqueda de redención de la pesadez terrena y de la vinculación a lo material . Como dijo Marc en 1914 , se trata de la “nostalgia del ser indivisible, de la liberación de los engaños de los sentidos de nuestra efímera vida “ .Según Marc , esta nostalgía sólo se puede satisfacer “ transmitiendo el sentido de mi existencia a lo espiritual “ a lo que es independiente del cuerpo ; es decir , lo “abstracto “

Die Brücke (El Puente) El grupo Die Brücke (El Puente), hay que situarlo dentro del Expresionismo alemán que surge, a partir de 1905 en concordancia con el fauvismo francés, como contraposición a los movimientos realistas, se alzan las voces de algunos autores que pretenden mostrar justo lo contrario: la realidad subjetiva de las cosas, las percepciones profundas de cada uno. Y Alemania es el escenario perfecto por la situación de posguerra. El grupo lo aglutinó Ernst Ludwig Kirchner que fue el teórico y lider del mismo, al que se incorporaron Bleye, Heckel y Schmidt-Rottluff, todos ellos estudiantes de arquitectura, a los que se unieron más adelante Nolde y Pechstein en 1906 y Otto Müller en 1910. El fauvista Van Dongen también se unió a ellos e hizo de intermediario con sus compañeros franceses. Los artistas que formaron parte de este grupo querían romper con el arte que imperaba a finales del siglo XIX. Creían que el panorama artístico estaba viviendo una época cuadriculada y sin identidad que debía acabar. Hasta 1913 vivieron en una comuna en la que se creaban obras llenas de colorido salvaje, curvas y pinceladas ágiles. Los principales núcleos en el desarrollo del Expresionismo fueron entre 1905 y 1910 la ciudad de Dresde, donde se gestó y llevó a cabo su actividad el grupo Die Brücke (El Puente) y Berlín a partir de 1911. La ciudad de Munich se convirtió al tiempo en escenario de la segunda alternativa expresionista concretada en el grupo Der Blauer Reiter (El Jinete Azul). A pesar de que ambos grupos mostraron un interés sin límites por el color y en consecuencia por la deformación formal, mientras que el grupo Die Brücke (El Puente) desarrolló una posición más radical, crítica, dramática y comprometida ante la vida, que se tradujo en unas creaciones fundamentadas en el anhelo por desentrañar lo que se escondía detrás de las formas vacías, sin contenido ni espiritualidad, Der Blauer Reiter (El Jinete Azul) se mostró más tendente a la exploración formal, manifestando unas inquietudes más dirigidas a la experimentación estética. A partir de la Primera Guerra Mundial Die Brücke experimentó un grado de radicalización que se reflejó en un arte más dramático y tenso, caracteres que se acusaron aún más a partir de la derrota de Alemania en 1918. Características: Rompieron con el Impresionismo a través de la libertad en el uso de la forma y el color y, en algunos casos, de la deformación de la realidad. Emplear un vocabulario estético muy simplificado, con pocas formas que han sido reducidas a lo esencial, cuerpos deformados y espacios disueltos sin perspectiva Los colores, brillantes y saturados, desprendidos del colorido local y pintados superficialmente con un pincel grueso, se encuentran incrustados dentro de un fuerte contorno. Trabajaban los contrastes complementarios, consiguiendo que los colores se reforzaran su luminosidad mutuamente. Usan un colorido apasionado que se correspondía con el deseo de conceder al color una nueva relevancia emocional y composicional bajo aspectos estéticos únicamente internos, creando obras sólo a base de colores como los fauvistas. Su intención era recuperar el sentimiento, revalorizar la visión subjetiva del artista, intérprete y no copista de la realidad objetiva 21

Los integrantes de Die Brücke intentan recuperar métodos “auténticos”, directos, sinceros en su comunicación con el espectador: el arte de los primitivos alemanes, el Art Brut, es decir, el arte de dementes, niños, salvajes... el arte del Pacífico, Oceanía y África. Tratan de recuperar los temas y la técnica. Su estética estuvo muy ligada al cartelismo de la época. Después del la I Guerra Mundial el expresionismo se desplegará en la vertiente utópicovisionaria, en el dadaísmo berlinés o en su polémico maridaje con el realismo de los años 20. Los expresionistas tanto del grupo Die Brücke, como sus continuadores Der Blaue Reiter, fueron perseguidos por el nacionalsocialismo de Hitler, acusados de practicar un arte degenerado, en cambio, los italianos, fueron acogidos en el seno del fascismo de Mussolinni.

Fränzi ante una silla tallada es la más potente de todas las representaciones de esta muchacha y una de las obras más sugetivas de toda la producción artística de Kirchner. Una esquematizada figura de esta misma joven había sido utilizada en la portada del catálogo de la exposición del grupo Die Brücke en la Galerie Arnold de Dresde, celebrada en septiembre de 1910. Se trataba de una xilografía que Heckel había realizado siguiendo una obra de Kirchner. La utilización de esta modelo como imagen de la primera exposición verdaderamente importante del grupo y su constante aparición en numerosas obras de estos jóvenes artistas alemanes, entre 1909 y 1911, hacen de ella un verdadero emblema del arte expresionista del periodo de Dresde. Fränzi , una niña de alrededor de doce años en el momento de posar, pertenecía al grupo de jovencitas del barrio obrero de Friedrichstadt que frecuentaban a los expresionistas y les hacían de modelos. Se la suele vincular con Marcella, otra muchacha que también aparece con frecuencia en las obras de esos años, que a veces es mencionada como su hermana y otras como una amiga. Kirchner la retrata de medio cuerpo y nos ofrece una representación subjetiva de la modelo lejos ya de los ejemplos tradicionales del género. Fränzi está recién peinada, se ha vestido para la ocasión con un traje estampado y lleva un enorme collar de cuentas azules. La joven descansa sobre el respaldo de una silla toscamente tallada, que a modo de sombra fantasmagórica, adopta silueta de mujer. Al contrario que Fränzi, esta figura aparece desnuda y está pintada, de forma intencionada, de color carne muy natural. Nuestra atención se centra de inmediato en la cara de la niña, en la forma en que nos mira fijamente a los ojos. Se trata de la parte del cuerpo más elaborada, sus facciones están enmascaradas de forma antinaturalista con un color verde amarillento, con algunos toques rosas o azules y con pinceladas más gruesas que en el resto del cuadro. Resultan especialmente llamativos sus voluminosos labios, ligeramente entreabiertos y pintados en un color rojo intenso, que hacen que la totalidad del retrato se convierta en símbolo de la sexualidad que despierta. 23

La simplificación de las formas, la deformación expresionista y el uso arbitrario del color son propios del estilo de Die Brücke a partir de 1908, cuando los problemas formales pasaron a primer plano debido a la influencia de los fauves. La aplicación del color con pinceladas gruesas formando grandes superficies, delimitadas por líneas negras o por zonas de lienzo sin cubrir para acentuar la bidimensionalidad de la composición, hacen evidente la huella de Matisse , cuya obra se expuso en la Galerie Cassirer de Berlín en 1909. Por otra parte, la frontalidad de la figura nos remite a modelos pictóricos de Munch , de Van Gogh y, sobre todo, de Gauguin. También se percibe en este retrato la influencia del arte primitivo del museo etnográfico de Dresde. Cercana al arte tribal es también la decoración del estudio de Kirchner, que tiene el retrato como fondo. El mural, realizado por el propio artista con unos desnudos femeninos muy esquematizados sobre un tono verde intenso, es frecuente en otras obras suyas. También podemos vislumbrarlo en una fotografía que el propio Kirchner hizo de Fränzi junto a un muchacho en su estudio de Dresde, en la que la joven aparecía repantigada sobre unos almohadones tirados por el suelo y una mirada bastante provocativa .

BIBLIOGRAFIA http://es.wikipedia.org/wiki/Expresionismo http://www.arteespana.com/edvardmunch.htm http://www.arteespana.com/edvardmunch.htm http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/munch.htm http://es.wikipedia.org/wiki/Edvard_Munch http://www.elcuadrodeldia.com/post/101405434948/edvard-munch-vampiresa-1895-oleo-sobre http://sdelbiombo.blogia.com/2014/013001-analisis-y-comentario-del-grito.-munch.php http://www.ojosdepapel.com/Index.aspx?blog=795 http://www.museothyssen.org/thyssen/ficha_obra/1004

â&#x20AC;&#x153;El arte deriva de un deseo de la persona para comunicarse con otroâ&#x20AC;?. Eduard Munch