Las experiencias estéticas siempre serán cosa sujeta a los sentidos, solo a partir de ellos se pueden generar los conocimientos artísticos (y generales). Esto es claro, un hecho comentado y debatido por filósofos variados. Acarreando consigo las incógnitas del arte y sus límites de conceptos y definiciones. A pesar de que la pregunta más grande como ¿Qué es el Arte?, no será respondida siquiera, estamos seguras de que cada año surgirán nuevas visiones para compartirse a partir de los medios “artísticos”, ya conocidos. En esta revista estamos totalmente seguras también, de que no desaparecerá el motivante creador nunca, ya que es parte de la naturaleza intrínseca del ser humano. Constructor innato de vacíos y espacios, animal simbólico desde las cavernas. Esperamos que este espacio escrito abra oportunidades de creación y entendimiento.
Atte. : Brenda Galindez, Ana Rodríguez, Teresita Parra.
Revista CientĂfica de la Licenciatura de Artes PlĂĄsticas Decanato Experimental de Humanidades y Artes Universidad Centroccidental Lisandro Alvarado Galindez, Brenda Parra, Teresita Rodriguez, Ana Febrero-Octubre 2017 Barquisimeto-Venezuela Contratac-ARTE
Autora: Ana Karina Rodríguez V-27.250.802 Akrc98121@gmail.com Fecha: Octubre, 2017 RESUMEN Auróboros (Movimiento-Espacio- Tiempo), se plantea al movimiento como concepto plástico inspirado en la teoría de la relatividad de Albert Einstein de 1905, la cual describe la física del movimiento en el marco de un espacio-tiempo plano. A partir de esta idea, se inspira y lo lleva hacia un tono metaforico, en el cual describe a todas las cosas como propensas al movimiento continuo, a un eterno cambio, con la intencion de transmitir esta vision plasticamente. El medio que maneja es la instalación (Dibujo-escultura), con ayuda tambien de la tecnica mixta y la experimental de burbugrafia, junto a los elemento de expresión la forma y el ritmo. Palabras clave: Movimiento, Instalacion, Cambio.
(…) El trabajo artístico pareciera que sólo transcurre erráticamente, iluminado aquí y allá por momentos eufóricos de creación, el artista con cierto grado de madurez, siempre puede plantear un sentido último a su obra, ya que esto le brinda cierto orden, con posibilidades de reflexión y crecimiento constante. (Roco, 2005, p. 4)
Es este sentido último el que podría ser llamado interés o motivante y que determinaría el concepto plástico del artista a pesar de los distintos intereses que posea y de la abstracción de sus ideas, pero ¿Qué es un concepto plástico? En las artes al estar frente a cualquier producción es inevitable para el artista ocultar la voz autoral, muestra su forma particular de plantearse la estética y sus maneras únicas de aplicar distintas técnicas, aunque sean técnicas conocidas por todos será la forma del hacer del artista la que hará que la obra sea reconocible como su producción. Así mismo el concepto plástico tiene algo de esto, es decir, es la forma en que un artista ve un tema en particular y como este expresa apoyado a su vez por las distintas técnicas, elementos de expresión y medios del oficio de las artes. Las voces autorales,-según la autora-. Se componen de 3 elementos: influencias, estudio de las técnicas y medios a través de la experiencia, y los valores no negociables1 del artista. En este caso la autora de la presente investigación plantea al movimiento como concepto plástico inspirado en la teoría
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Valores no negociables: El Papa Benedicto XVI se refirió en distintas ocasiones a los que él denominaba principios o valores no negociables de los católicos en la vida política, enumerando varios de esos principios: el derecho humano a la vida, los derechos naturales del matrimonio y de la familia, la libertad de educación, la libertad religiosa, el bien común y la justicia social, etc.
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de la relatividad de Albert Einstein de 1905, la cual describe la física del movimiento en el marco de un espacio-tiempo plano. Según la fisica, el movimiento es el cambio de lugar de un cuerpo a lo largo del tiempo con respecto a un sistema de referencia. A partir de esta idea, se inspira y lo lleva hacia un tono metaforico, en el cual describe a todas las cosas como propensas al movimiento continuo, a un eterno cambio, con la intencion de transmitir esta vision plasticamente. Según Heraclito, citado por Río (2010, p. 31) “la única realidad permanente es el cambio, todo en el universo lleva su antítesis, cada cambio va acompañado de su signo contrario.” Es así como Heráclito deja ver el dinamismo de su visión de la realidad, para él cada ser consigue su esencia por oposición a otro ser, por esta lucha de contrarios se mantenía el orden en el mundo. Hegel también hablo de esta lucha de contrarios y decía que el triunfo de uno de ellos era lo que lograba los cambios. Por ejemplo: la sociedad es un todo, compuesto de contrarios. Todos vinculados entre sí, pero al mismo tiempo contra sí. Un sistema de preguntas y respuestas, enfrentándose, la eterna dialéctica del movimiento del tiempo. Es importante resaltar que para poder percibir al movimiento se debe tener en cuenta un espacio y un tiempo, sin estos dos últimos compendios es cosa casi difícil de diferenciar con el estatismo. Dicho en otras palabras esta concepción del movimiento encierra otros subconceptos como el espacio y el tiempo, entonces resulta por ser un concepto plástico triada que la autora termina por nombrar Auróboros (Movimiento-espacio-tiempo). 2
Dice “Los movimientos se han dado durante la historia y de manera distinta han como marcado parámetros de un momento a otro por el cambio de visión (…)” (2017). Así mismo las corrientes artísticas que han trabajado con la idea del movimiento como el motor de la propuesta son el arte cinético y el op-art (autores como Jesús Soto y Carlos Cruz Diez en un ámbito venezolano e incluso Marcel Duchamp como antecedente más extranjero). Uno propone el movimiento real o sugerido llevado a la escultura y el otro lo propone desde la ilusión óptica en el campo bidimensional. Teniendo entonces claro estos puntos anteriores quedaría entonces escoger en que medio expresarlo, en este caso se toma a la instalación artística, la cual se trata básicamente de intervenir un espacio e interactuar con el espectador invitándolo al recorrido y a la reflexión de la misma. Esta a su vez se ayuda de distintos medios y materiales que podrían ser visuales, auditivos, olfativos o táctiles, con la intención de motivar la percepción sensorial del espectador. Esto a su vez, se ayuda de otras disciplinas artísticas como lo son el video-arte, la fotografía e incluso la performance. En Auróboros, la propuesta de instalación se ayuda de dos disciplinas más tradicionales: el dibujo y la escultura sin embargo, se apoya de una carta inesperada: Las letras, en otras palabras de la poesía experimental. “La experiencia singular y creadora representada en el dibujo de Calzadilla, desde los años sesenta hasta hoy, constituye “una voluntad de integrar la motricidad de la escritura –considerada plásticamente- a una pulsión psíquica incontrolada de naturaleza orgánica que se desarrolla en las dos dimensiones de un soporte plano” (Salazar, 2016)
Auróboros es, en el aspecto de las letras, influenciada por las obras del 3
artista Juan Calzadilla, en donde el dominio de los distintos lenguajes (Dibujoescritura), lo hacen un magistral artista integral. Las letras vendrían a solucionar el enfoque suceso, en el cual no se enfocan las artes plásticas. Vale la pena resaltar, por otro lado, que la escultura por su tridimensionalidad presenta dinamismo y el movimiento como se mencionó anteriormente, vendrá a depender si se representara de manera sugerida o real. En el caso del dibujo esto se reducirá solo a la opción ilusoria. Lo que pasa es que hay una disyuntiva ahí por qué como la imagen visual generalmente es estática ¿verdad?, ha habido artistas que si han trabajado con esos movimientos, incluyendo los movimientos dentro de los mismos espacios ¿no?, y que todo va a depender de la poética y de la intención que tenga el artista (Pimentel, 2017) Evidentemente percibir en el arte el movimiento es una tarea compleja, porque es una cosa sujeta a términos como Objeto-Suceso, en las artes plásticas convencionales específicamente las bidimensionales el enfoque es en el objeto y los sucesos solo son un rasgo que definirá su peso conceptual o intención, una pequeña añadidura, pero es el suceso el que le da al tiempo una lógica de movimiento. “(…) Su significado dista mucho de ser obvio, el avión en el aeropuerto es un objeto y su llegada al aeropuerto un suceso” (Arheim, 1997, p. 409) Dicho problema fue abordado por Duchamp y los futuristas en su tiempo, aplicaban
en
sus
pinturas
repeticiones
que
semejaban
secuencias
de
cronofotografías para la representación del movimiento. La cronofotografía descubierta por Étienne Jules Marey en la época victoriana fue utilizada con el fin de documentar las distintas fases de un movimiento poseían un carácter similar al Hombre de Vitruvio dibujado por Leonardo Da Vinci en el aspecto de desglosar 4
distintas poses de un mismo objeto-cuerpo para describir su movimiento. A su vez La cronofotografía fue un hecho que influencio luego al cine y como se señaló anteriormente a Marcel Duchamp más específicamente en su cuadro “desnudo bajando las escaleras.” Para generar movimiento Duchamp se valió del ritmo como elemento compositivo, que va profundamente relacionado con la repetición de otros elementos plásticos como: el punto, la línea, el color, etc. “Los objetos en movimiento se multiplican y se distorsionan como vibraciones a través del espacio.” (Marinetti, 20 de Febrero 1909). Los futuristas explotaron este elemento de expresión hasta hacerlo una parte esencial de su lenguaje. Ejemplo de ello es Umberto Boccioni y su obra pictórica Dinamismo de un ciclista. La propuesta se proyecta principalmente a través de la transformación de los elementos plasticos: el ritmo, la forma y quiza la línea. Por otra parte cuando se habla de forma en las artes plasticas se alude al contenido, a la apariencia percibida, la configuración. Es tambien la estructura de los objetos o el todo (Cosas, personas, animales, etc.) teniendo en cuenta que todo lo que rodea posee forma. Según Vázquez (1993, pag 65) todo posee forma: “Es curioso pensar que todo tiene una <<forma>>, incluso las cosas que no la tienen que son unicamente propuestas imaginativas, pues la mente humana tiene tendencia a dar figuración a cualquier cosa(…)”. La forma en este concepto esta sujeta a la tranformación, a la alteración continua. Asumiendo la representación del cambio como movimiento. Es infinito y muchos hablan del espiral para representarlo y esas cosas ¿no?, pero no somos seres estáticos. Ni mucho menos… la percepción de las ideas, ahorita podemos pensar una cosa, pero dentro de cuatro días, también podemos profundizar y pensar un poco más eso, podemos construir otros pensamientos o sea y si el hombre estuvo a pie hace un bojote de tiempo y 5
ahorita andamos en carro entonces eso implica también tecnología, implica movimiento. (…) (Pimentel, 2017) Esta idea del movimiento a través del espiral, no puede ser más acertada. Dentro de
Uroborós la espiral y el círculo serán formas recurrentes de
representación del movimiento. Por su parte la espiral, es la forma fundamental de la naturaleza el ejemplo más resaltante es que estamos sumergidos en una enorme espiral: la vía láctea. Gracias a la percepción del hombre de esta figura geométrica en la naturaleza, es representada constantemente por las antiguas civilizaciones como los egipcios, griegos y celtas desde los jeroglíficos, las volutas de las columnas jónicas, hasta las runas, todas estas representaciones aunque con interpretaciones variadas coinciden en el hecho de ser un movimiento infinito en etapas de repetición. En la geometría el espiral parte de una forma similar al círculo con una pequeña variación, consideremos un punto fijo “P” que determinaremos como polo y un radio “r” que indique la distancia a la que nos encontramos del mismo. Si empezamos a dar vueltas alrededor del polo manteniendo fija la distancia “r” describiremos una circunferencia, en cambio, si mientras giramos aumentamos la distancia “r” lo que describiremos será una espiral. Con respecto a las connotaciones simbólicas que el espiral y el círculo poseen es realmente resaltante la naturaleza finita que posee el circulo en comparación a la espiral, aunque de ambas cíclicas la naturaleza cambiante es más detonante en la espiral, la primera parte de la segunda oponiéndose y fundiéndose tal y como mencionó Anaximandro citado por Río (2010, pag. 20) una vez “Lo finito solo puede nacer de lo infinito”. 6
Aunado a esto menciona Eliade en su libro Imagenes y simbolos (1955) a la espiral como representacion para la cultura hindu del tiempo concebida como un eterno retorno de los ciclos cósmicos de creaciones y destrucciones del universo. Nuevamente se hace evidente la presencia de la lucha de opuestos (Creacióndestrucción) y del tiempo aspectos que guardan una fuerte semejanza con la filosofia china del ying y el yang. Por otra parte el círculo en aspectos psicológicos de la forma, se referiría a interpretaciones como: la totalidad y lo perdurable. Con respecto a que la forma posee aspectos psicológicos de interpretación Rudolf A. psicólogo y filósofo que habló de la percepción visual en el arte, dice: “Todo acto visual pertenece al reino de la psicología, y nadie nunca ha podido considerar el proceso de la creación o la creación artística sin referirse a la psicología” (Arheim, 1997) . Cuando percibimos se trata de un procedimiento de análisis y sentidos, es la vista la que se encarga de percibir la forma y de analizar su contenido. Dice también “Donde quiera que percibimos una forma, consciente o inconscientemente supones que representa algo y que por lo tanto es la forma de un contenido” Así mismo, la técnica experimental manejada junto al dibujo, será la burbuja. La cual posee un carácter expresivo similar a la técnica de la mancha, la cual responde enteramente a la aguada. El modo de empleo de esta técnica guarda semejanza a la usada por el artista Jimmy Erns, basada en el soplado de tinta, con la clara diferencia de que este último con el soplado describía un carácter lineal a partir de la gota de tinta por medio de un pitillo o instrumento cilíndrico. Mientras que para la realización de la escultura se ocupará la arcilla 7
Ahora bien la temática a representar será el crecimiento, el cambio de una vida a través de las etapas nacimiento-niñez-adultez-vejez-muerte y como se enfrentan los opuestos vida-muerte en el trayecto del tiempo en estas etapas para causar movimientos en el objeto-individuo. Finalmente el objetivo general de toda la propuesta es representar el movimiento a través de la forma y el ritmo en una instalación artística, para el cual la autora utilizara el paradigma interpretativo. Este se basa, en comprender una realidad dinámica y su significación, y es quizá el paradigma más social y natural en los seres humanos. “(…) Aparte de la receptividad de nuestros sentidos, no conocemos más que nuestra manera de percibirlos –Los objetos, las cosas.-, manera que nos es peculiar, y no necesariamente compartida por todos los seres, aunque sí, indudablemente, por todo ser humano.” (Kant, 1781)
Además de ser una característica fija en la natura del hombre, es también importante en la estructura del arte. Ya que el arte coloca los elementos suficientes para generar ideas inacabadas, abiertas a la interpretación e infinitas alternativas, todas igual de validas entre sí. Del mismo modo el método hermenéutico, fundamente su proceder en el traducir y hacer comprensible un tema, facilitar la interpretación a través de estrategias. Como dice
Martinez (2004)
“Es el método
que usa
consciente o
inconscientemente todo investigador y en todo momento, ya que la mente humana es, por su propia naturaleza interpretativa, es decir, hermenéutica: trata de observar algo y buscarle significado. “ 8
Ya definidas las bases de la investigación, solo queda: la propuesta. El título de la propuesta es Chicharra. Ya que es un componente metafórico importante dentro del discurso visual, por la sencilla razón de que dichos insectos, duran un largo periodo bajo tierra, y solo por un pequeño momento son chicharras, para luego terminar convertidas en algo más. Si bien la temática se centra en las etapas de desarrollo de un ser, en el dinamismo de la conciencia e inconciencia de estarse desarrollando. También tiene una sutil sensación de resistencia, de frustración ante no poder dominar lo fugaz de un momento. Se trata en resumidas cuentas de una instalación conformada por escultura y dibujo, que si bien a simple vista podría pasar por un ensamblaje, la interacción literaria de la propuesta, la lleva hacia su fin último, que es meramente instalativo. La utilización de una pieza del motor de un carro junto a la escultura, le da como se mencionó anteriormente, algo de ensamblaje. El cual se basa en tratar de conseguir la tridimensionalidad, colocando objetos-no-artísticos muy próximos. Hay que resaltar que estos objetos, comparten la característica de que no han sido diseñados con fines estéticos. Así mismo, posee también una tendencia hacia el objeto encontrado de Duchamp. Cita una vez Calzadilla (1993), lo que dijo Duchamp de la obra que ayudo a los inicios del objeto encontrado y al cinetismo “En 1973 tuve la feliz idea de fijar una rueda de bicicleta sobre un taburete y mirar como giraba”. La espontaneidad del objeto encontrado es carismático, pero también lo es la metáfora.
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Volviendo a la pieza de motor, se une a ella dos manos en arcilla, de las cuales una de ellas, sostiene lo que vendría siendo la interacción con el espectador. El poema y la imagen visual trabajan en conjunto, con la intención de crear una imagen a lo abstracto que resulta la idea del tiempo en movimiento en las artes plásticas. A su vez un portarretrato muestra sobre un soporte de cartulina, dibujos con tinta, café y la técnica experimental de la burbugrafia, las etapas (Nacimientodesarrollo-muerte). La técnica es mixta y aunque principalmente los elementos de expresión son el ritmo y la forma, la línea saca a flote ambos elementos en la propuesta. Lo cual tiene sentido, por su carácter de dibujo, la línea “Es un ente invisible. Es la traza que deja el punto al moverse y es por lo tanto su producto. Surge del movimiento al destruirse el reposo total del punto”. (Kandinsky, 1952). De todas estas piezas, se conforma la totalidad de la propuesta. Título: Chicharra Técnicas: Mixta, burbugrafia, modelado en arcilla. Medio: Instalación Artística. Medidas: 38cmx11cm/25cmx34cm
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Referencias Arheim, R. (1997). Arte y percepción visual . España : Alianza Forma. Calzadilla, J. (1993). Marcel Duchamp Concentrado. Caracas Venezuela : Fundacion Editorial El perro y la Rana. Kandinsky. (1952). Punto y línea sobre el plano . Colombia: LUAL. Kant, I. (1781). Critie der reinen bernunf. Alemania : Riga. Marinetti, F. T. (20 de Febrero 1909). Manifiesto Futurista. Le figaro, En primera plana . Martinez, M. (2004). Ciencia y arte en la metodologia cualitativa. Mexico: Trillas. Río, E. (10 de Febrero de 2010). Filosofia para principeantes. Mexico, DF. Roco, L. (2005). El Problema Plástico-Visual. Menoza, Argentina: Universidad Nacional de Cuyo Facultad de Artes y diseño Licenciatura en Artes Visuales. Salazar, É. (2016). Juan Calzadilla, Artista Integral . Revista Nacional de Cultura, 37-38. Vázquez, J. A. (1993). Elementos de teoría de la Artes cuestiones sobre el dibujo y la pintura. Castilla, España: COMPOBELL, S. L. Murcia.
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La Belleza en la Cicatriz Brenda Sabrina GalĂndez SĂĄnchez Universidad Centroccidental Lisandro Alvarado (DEHA), Venezuela brendasag777@gmail.com
Resumen Las cicatrices son marcas en la piel, a consecuencia de una herida después de curada, estas han sido mal vistas por la sociedad, muchos incluso se avergüenzan de mostrarlas, ya que son categorizadas estéticamente como feas. Mi objetivo principal con la siguiente investigación es determinar la belleza que está presente en las cicatrices físicas según su concepto, empleando el método hermenéutico. Introducción Existen dos tipos de belleza, la que se ve a simple vista, y la que se puede explicar, esta es la que define las cicatrices. Al realizar esta investigación existió
una
interrogante
principal,
¿puede
ser
bella
una
cicatriz?
Desencadenando una búsqueda de opiniones y conceptos sobre belleza, Kant nos habla de una teoría de dos tipos diferentes belleza, una belleza libre
y
una
adherente.
La primera no está determinada bajo ningún tipo de concepto y la segunda si,
A su vez, este tipo de belleza esta determinada bajo unas normas que se dan cómo resultado entre el gusto y la razón. Según Kant, existe una relación entre lo bello y el bien o entre el gusto y la razón que llevan al surgimiento de normas. Sabiendo que tanto el gusto como la belleza son de
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carácter subjetivo, y que el hombre se ha hecho cargo de relacionar ambos conceptos dentro de la sociedad; es posible así determinar un valor subjetivo universal y por ende una intersubjetividad al momento de juzgar la belleza.
Mi concepto surgió a partir de la atracción que desarrolle por las cicatrices, ya que comencé a verlas desde un punto de vista más introspectivo, y de esta manera me percaté de que una marca en la piel o en la memoria puede llegar a ser un medio de expresión, ya que las mismas pueden reflejar y comunicar sensaciones, y de igual manera contar una historia, como lo manifiesta Bonnett (2011) en su poema: “No hay cicatriz, por brutal que parezca, que no encierre belleza. Una historia puntual se cuenta en ella, algún dolor. Pero también su fin. Las cicatrices, pues, son las costuras de la memoria, un remate imperfecto que nos sana dañándonos. La forma que el tiempo encuentra que nunca olvidemos las heridas” Por lo tanto con mi trabajo plástico me propongo simbolizar la belleza que yace en una cicatriz apreciando su significado. Es por eso que me plantee la siguiente interrogante, ¿Lo bello puede estar presente en algo que no causa placer a primera vista?
Y como resultado de eso me dispuse a realizar
algunas entrevistas en las que pregunte la opinión de varias personas respecto al tema, e investigar el concepto de belleza encontrándome con Platón, el cual cuando habla de belleza, no se está refiriendo únicamente a
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aquello que da placer sensual, que agrada a los sentidos, sino a todo lo que causa aprobación o admiración, lo que fascina y agrada en cualquier de sus formas. De igual manera señalo a Confucio quien dice que cada cosa tiene su belleza, pero no todos saben verla, con ello no solo define qué es belleza sino que acepta la subjetividad de su apreciación. Por lo tanto determine que una cicatriz puede ser bella, ya que la belleza no está en lo que se puede percibir como perfecto, sino en lo que pueda denotar la naturalidad y sensibilidad del ser, así como Kant define el concepto de belleza, diciendo que la belleza es subjetiva, propia del observador. En sí, la belleza no está basada en características que determinen que algo sea bello, no busca además proporcionar un placer forzado, sino que es libre de expresar su esencia sin ningún interés, logrando así crear en el espectador una satisfacción verdadera. Kant expresa que existen dos tipos de belleza, una belleza
libre
y
una
adherente.
La primera no está determinada bajo ningún tipo de concepto y por tal motivo, los objetos que presentan éste tipo de belleza son naturales y bellos en sí. Son unos objetos con una belleza que place libremente. Estos objetos a su vez son juzgados solo mediante el gusto de carácter puro, no le es atribuido ningún concepto que suponga de cierto fin en la forma del objeto que presenta belleza libre. En cambio la belleza adherente es una
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belleza que está condicionada, es decir, que se rige bajo ciertos conceptos determinados a la forma o figura del objeto y por tal motivo solo puede ser juzgada por la razón.Quiero representar esa belleza reflejando sentimientos y emociones de experiencias vividas y superadas. Entonces podríamos decir que la belleza de la cicatriz que encuentra en la segunda categoría, ya que me estoy basando en un concepto para definir esa belleza, ya que Bruno (1975) Afirmó que “no existe nada que sea absolutamente bello, sino sólo para alguien”. (P.243) Cabe agregar que existe una técnica llamada Kintsugi de origen japonés para arreglar fracturas de la cerámica con barniz de resina espolvoreado o mezclado con polvo de oro, la cual conlleva una filosofía que relaciono con mi concepto ya que la misma nos dice que las cicatrices son parte de la historia de un objeto o una persona y representan un momento único en su existencia, por el cual no debe ser motivo de vergüenza sino más bien de admiración, ya que nos relatan experiencias superadas y heridas sanadas, la curadora Angélica Chávez (2015) expresa “Vivir las experiencias del tiempo y sus marcas transformadas en el cuerpo, hacen sentir, en la piel, ideas como el dolor, la fragilidad como algo indisociable de la vida. Comprender y aceptar el tiempo como devenir y no como posesión”
Una propuesta artística similar es la de Heléenle Guggenheim, una artista francesa que influenciada por el Kintsugi que desarrolló un protocolo especial
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para el ritual de aplicación del dorado sobre las cicatrices, como no puede permanecer sobre el cuerpo para siempre, el ritual implica su aplicación y eliminación de la piel, logrando así una representación de esta filosofía llevada a la realidad humana. Otro artista, y además Venezolano con el que relaciono mi propuesta es Edgar Sánchez, el cual Hacia 1975 realiza serigrafías de rostros compuestos como un collage de texturas de telas, y poco después realiza con grafito, tinta y aguada su serie de rostros "cosidos" que rememoran la tradición manierista, en los cuales se evidencian esas suturas que conllevan a la cicatrices físicas que quiero representar.
El medio por el cual quiero representar mi concepto es el collage, la cual es una técnica artística que consiste en ensamblar diversos elementos en un tono unificado, desarrollada a partir de 1912, Viene del francés coller, que significa pegar, plasmando una figura femenina en donde se evidencie una grieta o
herida, con la que quiero expresar que todos resultamos heridos alguna vez en la vida, y todos tenemos cicatrices. Aplicando también la técnica de las cretas, en la cual se aplicó una experimentación con materiales alternativos como lo son la tierra, la arcilla, la cal, el carbón y el óxido.
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Al retomar esta técnica investigué el principio de utilización de las mismas, pues en el renacimiento los maestros comenzaron a emplearlas para dar forma a sus bocetos dado que era un medio de realización inmediata y facilitaba ver con claridad el principio del cuadro que tenían en mente, no nos olvidemos que tomaban los bocetos del natural , es más la utilizaron mucho para figuras y se puede decir que el que más lo empleaba quizás era Miguel Ángel, dado que sus obras eran de gran tamaño esta técnica le permitía ver con claridad muchos conceptos de los que iba a pintar, pues podía ver las formas, las luces y sombras y el contexto del detalle por adelantado, otros artistas que destacan son Leonardo y Pontormo en el renacimiento, Claude Lorrain y Charles Le Brun en el barroco, y Jean-Honoré Fragonard en el rococó. Esta técnica es utilizada por medio de la línea como elemento de expresión, la cual Según Kankinsky “es la traza que deja un punto al moverse, por lo tanto, su existencia siempre está vinculada al punto”. Otro elemento de expresión utilizado serán la forma, empleando triángulos negros para definir los contornos de la figura y violetas simbolizando la madurez y la experiencia, así como lo describe Goethe, en su libro de teoría la del color, para él el color era la forma de relacionarse sensiblemente con el mundo. El collage está integrado por un dibujo de unas piernas femeninas hecho con cretas, con una mariposa en la parte del ombligo simbolizando la
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transcendencia, la cual desde un punto de vista filosófico incluye la idea de superación, con ello quiero reflejar esas historias de experiencias vividas, superadas y heridas curadas que nos revelan la cicatrices. Esta investigación tiene como objetivo principal representar la belleza de la alteración permanente de la apariencia dérmica desde un punto de vista sensible, siendo la misma categorizada como antiestética. Del mismo modo exponer
mi apreciación de la belleza en las cicatrices
desde una perspectiva personal y de introspección para así sensibilizar al público de una manera en que puedan sentirse identificados con la obra y les transmita esos recuerdos de lo que alguna vez fue una herida, Como lo dice Gina Pane: “La herida es la memoria del cuerpo; memoriza la fragilidad, el dolor, es decir, su existencia real. Es una defensa en contra del objeto y de las prótesis mentales.” Gina Pane (1979) Para concretar la investigación que me propongo, utilizaré el Paradigma cualitativo, del cual Hernández (2003) nos dice: “Por lo común, se utiliza primero para descubrir y refinar preguntas de investigación. A veces, pero no necesariamente, se prueban hipótesis. Con frecuencia se basa en métodos de recolección de datos sin medición numérica, como las descripciones y las observaciones”
Y como método el Hermenéutico, el cual Dilthey (1900), uno de los principales exponentes del método hermenéutico en las ciencias humanistas;
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define la hermenéutica como "el proceso por medio del cual conocemos la vida psíquica con la ayuda de signos sensibles que son su manifestación". Es decir, que la hermenéutica tendría como misión descubrir los significados de las cosas, interpretar lo mejor posible las palabras, los escritos, los textos, la conducta humana gestual y las actitudes comunitarias, así como cualquier acto u obra, pero conservando su singularidad en el contexto de que forma parte. En palabras de Echeverría (1997): "el verdadero punto de partida de la hermenéutica, según Schleirmacher, arranca de la pregunta ¿cómo una expresión, sea está escrita o hablada, es entendida? La situación propia del entendimiento es la de una relación dialogal, donde hay alguien que habla, que construye una frase para expresar un sentido, y donde hay alguien que escucha. Este último recibe un conjunto de palabras para, súbitamente, a través de un misterioso proceso, adivinar su sentido" (Pag. 219)
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Propuesta
Descripciรณn:
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En conclusión defino a las cicatrices como bellas debido a que el observador, al admíralas desde una perspectiva personal de manera empírica puede comprender la belleza en las mismas, y ya que me refiero a la belleza como algo que se puede describir por su valor sentimental cabe destacar que no todas las cicatrices son bellas, sino las que tienen detrás una historia para relatar.
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Referencias AVILA Ruben (2013) La belleza para Platón | La guía de Filosofia http://filosofia.laguia2000.com/filosofia-griega/la-belleza-paraplaton#ixzz4bngJ7nhK BRUNO Citado por Tartarkjewicz, W. (1976), Historia de seis ideas, Tecnos, Barcelona, p. 243 CARCAMO Héctor (2014) http://www.facso.uchile.cl/publicaciones/moebio/23/carcamo.htm Dramaturgiados, (2013) Kandinsky. Línea y punto sobre el plano en: https://dramaturgiados.wordpress.com/2013/04/29/kandinsky-linea-y-puntosobre-el-plano/ [Consultado en 20/09/17]. FLORES Myrna del Carmen (2014) Kintsugi, o el arte de reparar un corazón roto en: https://familias.com/4309/kintsugi-o-el-arte-de-reparar-uncorazon-roto [Consultado en 09/02/17]. LOURIE Julia (2016) Una artista embellece cicatrices con trazos de oro en: http://thecreatorsproject.vice.com/es_mx/blog/una-artista-embellececicatrices-con-trazos-de-oro [Consultado en 08/02/17]. Oreya, I. (2011). Gina Pane: memoria del cuerpo. pezconejo. Retrieved from https://pezconejo.wordpress.com/2011/11/14/ginapane/ [Consultado en 11/02/17]. PULIDO Catalina, GARCIA Lucia, Bitacora de teoria estetica http://bitacoracatalinapulido.blogspot.com/2011/05/emmanuel-kant-filosofoaleman-que-nace.html [Consultado en 20/03/17]. NAVARRO Gabriela (2013) Análisis de la forma en: http://gabrielanavarroravago.blogspot.com/2011/04/los-conceptos-de-bellezaen-kant-y.html [Consultado en 20/03/17]. Sánchez Edgar Wikistoria del arte Venezolano recuperado en: http://vereda.ula.ve/wiki_artevenezolano/index.php/S%C3%A1nchez,_%C3% 89dgar [Consultado en 25/03/17]. VELAZQUEZ Kelvis (2014) https://www.aporrea.org/actualidad/a192347.html [Consultado en 20/03/17]
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Sueños de manifiesto Teresita de Jesús Parra Bello Universidad Centro-occidental Lisandro Alvarado Barquisimeto, Venezuela Lilotere11@gmail.com
¿Qué sucede en nuestros sueños? En los sueños podemos encontrar el onirismo, lo místico y lo fantástico, aunque estos términos persigan una corriente parecida, cada uno contiene un significado diferente, pero siempre puede siempre enlazándose con los sueños y su contenido, en mi opinión los sueños son una fuente de inspiración para la realización de ideas y un fuerte motivador de las mismas, mi intención es representar artísticamente lo que se puede visualizar en un sueño. Desde la época antigua se tiene un concepto de los sueños, en Grecia, Heráclito sustenta lo siguiente: “Los hombres despiertos no tienen más que un mundo pero los hombres dormidos tienen cada uno en su mundo” Heráclito (540 A.C-470 A.C). Es decir que los sueños forman un universo aparte, un mundo el cual su puerta se abre cuando uno cierra los ojos y no puede ser compartido con nadie, cuando abrimos los ojos se nos muestra un mundo compartido con todos. Así Heráclito se convierte en la base del pensamiento científico que trata de explicar el proceso de los sueños en los organismos humanos y animales,
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uno de los científicos que sigue esta base es Sigmund Freud en su obra La interpretación de los sueños habla de los sueños en la antigüedad: Un eco de la primitiva concepción de los sueños se nos muestra indudablemente como base en la idea que de ellos se formaban los pueblos de la antigüedad clásica. Admitían estos que los sueños se hallaban en relación con el mundo de seres sobrehumanos de su mitología y traían consigo revelaciones divinas o demoniacas, poseyendo, además, una determinada intensión muy importante con respecto al sujeto; generalmente, la de anunciar el porvenir. Freud (1899). Aquí nos habla de que los pueblos y culturas antiguas admitían que todos los sueños tienen una relación especial con las revelaciones e inspiraciones, que vienen de un mundo fantástico e onírico. Al igual que Freud, Carl Jung, también estaba interesado en elaborar un método de análisis e interpretación de los sueños, en su estudio sobre el inconsciente, el declara que es un universo más real, infinitamente más rico para un individuo que su propia conciencia, el lenguaje del inconsciente son los símbolos, que son comunicados a través de sueños. El sueño surge de una parte de la mente desconocida para nosotros, pero no por ello menos importante, y tiene que ver con los deseos para el día que se aproxima. Jung Al igual que Jung, J.C Parra en su artículo Sueños Lucidos cita a Tarthang: "Los sueños, siendo una gran reserva de conocimiento y experiencia, son a menudo no considerados en su cualidad de vehículos para explorar la realidad". Sueños Lucidos Despertar Soñando. p.3
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Jung, hizo hincapié en que los sueños no son más que rompecabezas inventados por el inconsciente para ser descifrados. Los sueños, al igual que el inconsciente, tienen su propio idioma y este logra ser representado con las imágenes de los sueños estas tienen su propio predominio y lógica, no siempre tienen una forma fija de representar situaciones, la mayoría del tiempo estas imágenes se encuentran distorsionadas. La distorsión se define como la alteración de la forma o el sonido, la alteración de la forma se estudia en la percepción de la misma, nuestra percepción no es capaz de comprender un número ilimitado de elementos independientes, por lo tanto escoge que imágenes percibir, esto hace que nuestro sistema perceptivo tienda a unificar y organizar los elementos de la imagen en unidades simples. Esto es explicado por Rudolf Arnheim en su libro Arte y percepción visual. Psicología del ojo creador, en el capítulo quinto (El pasado es el presente), menciona lo siguiente: Pero, la percepción no es simplemente directa, es decir, en cuanto a limitarse a ver lo que capta del mundo exterior. También actúan innumerables actos pretéritos similares que perviven en nuestra memoria. Rudolf Arnheim (1979). Estas imágenes y sonidos que son recolectados por la mente mientras estamos conscientes, son un almacén de conocimiento que es usado por la mente para representar ideas mientras estamos durmiendo, por esto hablo
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de la percepción de la forma y como estas pueden ser distorsionadas por los sueños, ya que estos pueden tener orden en el espacio-tiempo o no. En el siglo XX, un grupo de psicólogos alemanes integrantes de la escuela del Gestalt se dedicó a estudiar el cerebro y como percibir los objetos. Científicos como Max Wertheimer, entre otros, crean un laboratorio de psicología experimental, para observar como el cerebro humano hace la mejor organización posible de los elementos que percibe, para después ser organizados como una totalidad o una imagen completa. En el caso del onirismo la percepción juega un papel importante ya que las imágenes recolectas son transformadas o distorsionadas por nuestro cerebro, así crear sentimientos y emociones. Nuestros sueños están sujetos a las percepciones absolutas y el onirismo este se describe como una actividad mental que puede crear confusión y alucinaciones visuales, las cuales pueden significar una disolución parcial o completa de la realidad, en el arte podemos decir que el artista estimulado por la realidad, realiza un proceso de abstracción y síntesis, luego todo esto es internalizado, para escoger detalles o eventos, estos son estudiados y atesorados para plasmarlos en una obra. Así mismo el onirismo y los sueños son considerados una práctica del surrealismo, es un movimiento artístico que se desarrolla en el año 1920 por André Breton, este en su manifiesto del surrealismo menciona lo siguiente:
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Dentro de los limites en que se produce(o se cree que se produce), el sueño es, según todas las apariencias, continuo con trazas de tener una organización o estructura. Únicamente la memoria se irroga el derecho de imponerlas, de no tener en cuenta las transcripciones y de ofrecernos antes una serie de sueños que el sueño propiamente dicho. Del mismo modo, únicamente tenemos una representación fragmentaria de la realidad, representación cuya coordinación depende de la voluntad (…) Aquí es importante señalar que nada puede justificar el proceder a una mayor dislocación de los elementos constitutivos del sueño. Breton (1924). Cabe destacar que el surrealismo es algo que va más allá de la realidad, extrapolarse del ser e ir a la fantasía, el mundo onírico y los sueños. Un representante de esta corriente artistita es: Salvador Dalí siendo uno de los máximos representantes del surrealismo conocido por sus obras oníricas, otro es Rene Magritte cuales obras fueron clasificadas como realismo mágico, perteneció al grupo surrealista de Paris del que formaba parte Dalí. Siguiendo con lo anterior, en el surrealismo podemos encontrar tanto las figuras geométricas en algunos cuadros de Giorgio de Chirico y figuras orgánicas o libres como en obras de Salvador Dalí, André Masson y otros representantes de esta corriente artística. Ahora bien, sueños de manifiesto, se refiere al onirismo presente en los sueños y como en el encontramos una distorsión en la perspectiva de la forma, todo esto inspirado en la búsqueda constante de mi propio mundo, estas teorías sustentadas por Freud
en su libro la interpretación de los
sueños, Jung con sus estudios para descifrar los sueños. 5
Es importante decir por cual medio lo voy a plasmar, en esta ocasión utilizare el collage, el cual consiste en ensamblar diversos elementos sobre una superficie, para crear una unidad, estos elementos pueden ser figuras geométricas u orgánicas. Se considera que los pioneros de este medio fueron Picasso con su pintura Naturaleza muerta con silla de rejilla y Georges Braque con sus papiers collés en las cuales incorpora recortes de papel pintado comercial que imitaba madera en sus obras. Las técnicas a utilizar, son la mixta, ya que utilizare el dibujo realizado con tinta agregando también así la burbugrafia la cual es una técnica experimental, esta consiste en una sustancia jabonosa a la cual se le agrega pigmentos o colorante para crear burbujas de distintos tamaños y formas, muy similares a la técnica de la mancha, una muestra pictórica de la burbuja retratada en el cuadro de Jean-Batiste Simeón Chardin, en el segundo tercio de siglo XVIII llamada Seifenblaser, En cambio la idea de esta técnica experimental es utilizar la burbuja como técnica aguada, para crear una representación dibujistica, ¿Qué voy a representar? Los sueños y como estos me introducen a lo onírico, ¿Cómo lo describo en una palabra? Es dormir, cuando estamos dormidos crecemos física y mentalmente, en este estado podemos entrar fácilmente en el mundo de los sueños y el onírico.
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Algunos de los elementos plásticos a utilizar más resaltantes son la forma y el color, cuando estamos frente a una composición pictórica lo primero que visualizamos son las imágenes las cuales asociamos a una forma, Rius parafrasea en su libro Filosofía para Principiantes lo siguiente dicho por Aristóteles: “La forma es lo que da sentido, un fin último a las cosas”. Rius (2010). Toda obra de arte, en definitiva, puede reducirse a formas geométricas, el fundamento de una obra son las formas, ya sean figurativas o abstractas, existe la forma plástica, esta se encuentra clasificada en forma cerrada o dibujistica y las formas cerradas o pictóricas con las cuales el artista puede expresarse con mayor libertad. El color según la revista, la Psicología del color de Disseny: “el color es sensorial e individual, subjetivo por tanto. La psicóloga clasifica sus percepciones adjudicándoles significados…” Desseny (2015) p.1 En las obras de arte el color es algo significativo y cada uno tiene su razón en la obra para crear sentimientos y emociones en los seres humanos, los colores son usados para cambiar nuestra percepción sobre lo que vemos, por ejemplo el rojo dependiendo de la persona puede significar la pasión o peligro e urgencia. Quiero utilizar el color como un medio que representen emociones y sentimientos, ya sean de curiosidad, tranquilidad o tristeza, los colores
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cumplen las funciones de adaptación y oposición, estos son usados en la mayoría del tiempo por artistas, pero a medida que pasa el tiempo empieza a ser usado por la religión, la política, la publicidad, entre otros. Mi objetivo general con este artículo es representar el onirismo a través de la forma y el color en un collage, todo artículo sugiere la utilización de un método investigativo, que sirva como guía a la investigación y redacción de la información, utilizando así el paradigma interpretativo para deducir el rumbo de la investigación, utilizando en conjunto un método hermenéutico con el propósito de la interpretación de las imágenes, formas y colores utilizados en una obra de arte, En la tesis de Marco Hernández en el capítulo III página 67 parafrasea lo siguiente dicho por Ruiz Olabuénaga e Ispizua en (1989): El enfoque cualitativo-interpretativo parte de la premisa de que el mundo es un mundo construido con significados y símbolos que el investigador busca conocer a través de diseños de carácter emergente. Éstos se constituyen a medida en que avanza el proceso de investigación y ayudan a descubrir significados y sentidos. Marcos Hernández (junio, 2012). Con esto puedo sustentar que mi trabajo investigativo y trabajar en la idea de un enfoque representativo del onirismo en los sueños, en este caso mis sueños y como quiero que las personas a mi alrededor los perciban, trabajando de manera constante en mi investigación y experimentación. Hablando de la experimentación, empezare a describir mi propuesta plástica la cual será a través de un collage en 3D representando un sueño
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que ha sido constante en mí niñez y aun ahora, este me muestra el patio trasero de mi antiguo hogar y en este veo un hueco, al lado de este logro ver a un ser quien le habla a mis seres queridos y les dice que se lancen y por más que trato de gritar no logro pararlos. Yo voy a interpretar este sueño usando un libro como soporte, este simboliza el conocimiento diario, el cual se encuentra forrado con páginas sacadas del mismo, estos son poemas, en este caso la poesía representa una libre interpretación de la palabra. En este libro contiene en la parte superior el dibujo de un ojo, realizado con tinta y rellenado con recortes de colores de gama cálida. El cual representa para mí la percepción de las formas, de como una imagen puede ser distorsionada alrededor del ojo se encontraran burbujas que muestran lo fantástico y mágico de un sueño. En la pupila del ojo hay un vacío en el cual con papeles de colores intervenidos con tinta, realizo un espiral, que para mí significa el flujo constante de acontecimientos y sentimientos, las etapas con cada papel representan momentos pasados en los sueños y mi vida. Utilizando cuatro colores básicos, dos de la gama de colores cálidos que son, el rojo que para mí simboliza un sentimiento de urgencia y peligro, naranja este color como un preludio a la calma y dos de la gama de colores fríos, estos son el morado que da una sensación de tristeza pero también de
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finura, un color usual en la realeza, el azul que significa calma, paz, el infinito y la tranquilidad, en el final de este espiral vemos unos círculos hechos con tinta y muestra un poco del libro. Es importante resaltar de donde provine la idea del collage y como referentes artísticos del mismo están: •
Kacper Kiec el cual es un diseñador e ilustrador polaco, este juega mucho con la temática del cine y juega bastante con como vemos las formas.
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Guillaume Chiron es un artista francés que juega con las dimensiones, en su obra El ataque de la mujer de 50 pies, muestra como juega con las dimensiones del personaje respecto al paisaje.
Es indudable que el collage forma parte de las expresiones más significativas del siglo XX y su impronta puede apreciarse en las expresiones artísticas posteriores, de modo que su prestigio y relevancia para las artes plásticas... Puig (2009).
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Resumen
Este artículo se basa en el onirismo y su manifestación en los sueños, usando la percepción de la forma y el color, mediante un collage en 3D que representa un sueño transfigurando las escenas a un contexto actual, todo realizado gracias a un método de investigación hermenéutico.
Palabras Clave: Onirismo, Sueños, Percepción, Collage, Surrealismo.
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Bibliografía Arnheim, R. (1979). Arte y percepción visual. Psicología del ojo creador. Breton, A. (1924). Manifiesto surrealista. Disseny. (2015). Psicologia del Color. 1. Freud, S. (1899). La interpretación de los sueños. herclito. (540 A.C). Grecia. Hernández, M. (2012). LA LÍNEA COMO REFLEJO ESPIRITUALIDAD DEL ARTISTA. Barquisimeto.
DE
LA
Jung, C. (s.f.). Parra, J. (s.f.). Sueños lucidos despertar soñando. Puig, E. (2009). Percursores del Collage. Barcelona. Rius.
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(2010). Filosofia Mondadori.
para
Principiantes.
Mexico:
Random
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