form 267 – Made in Japan

Design vermitteln /

Communicating Design

Knoten/Knots Archive: Pop and Design

Design Magazine No 267, Sep/Oct 2016 Established 1957 DE €16.90 AT € 17.90 CHF 25.00 BE €19.50 ES € 22.90 FIN € 25.50 LU €19.50 ITA €19.50 FRA €19.50 41 94205016907 05

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Studio Jin & Park

Editorial Design Beim Korrekturlesen dieses Hefts, in der Phase, in der wir alle Texte in ihrer Gesamtheit innerhalb kurzer Zeit lesen, fiel es uns – wieder einmal – auf: Design wird von diversen Disziplinen begleitet – Musik, Film und Fotografie, bildende Kunst und Architektur –, mit denen es Inspirationsquellen, Werkzeuge und Methoden teilt. Mapping (↗ S. 8), Storytelling (↗ S. 62), Modellbau (↗ S. 52), Coding (↗ S. 92) oder das spätestens durch den Pop salonfähig gewordene Kopieren sind als disziplinübergreifende Gestaltungsinstrumente auszumachen. „Alles ist zum Austausch, zur Erweiterung und zur Verbindung bereit“, schreibt Frank Nickerl in seinem Text (↗ S. 86) und meint dies weniger im inter- oder transdisziplinären als vielmehr in einem kon-disziplinären Sinn. Design bildet mit anderen Fach- und Wissenszweigen Assoziationen, ähnlich den sich ebenfalls aus verschiedenen Fächern, wie technische Mechanik oder Werkstoffkunde, zusammensetzenden Konstruktionswissenschaften.

Kontext Gerade weil das Design ein gefragter Assoziationspartner ist, bedarf es einer Eigenständigkeit oder gar einer „Eigenlogik des Designs“, wie die Autoren der gleichnamigen Publikation ausführen (↗ S. 102). Um dieses Profil des Designs anderen, aber eben auch sich selbst gegenüber deutlich zu machen, bedarf es der kontinuierlichen Vermittlung, deren verschiedenen Lesarten wir unseren Schwerpunkt (↗ S. 36) widmen. Lesarten ist dabei durchaus wörtlich zu nehmen, denn zum einen gehört es zum Alltagsgeschäft des Designers, seine Fähigkeiten und Kenntnisse wie auch seine Entwürfe, zum Beispiel in Form von Modellen, zu vermitteln. Zum anderen muss das Design – etwa im Bereich der Markenführung – auch Mitarbeitern, Dienstleistern (und mitunter auch Fans der Marke) vermittelt werden, ebenso wie – beispielsweise im Museum (↗ S. 42) – einer breiteren Öffentlichkeit. „Design ist Vermittlung“, bemerkt Moritz Grund in seinem Beitrag (↗ S. 38), und da damit immer auch eine Kommunikationsleistung verbunden ist, haben wir uns nach intensiver Diskussion und diversen Konsultationen im Englischen für den Titel „Communicating Design“ entschieden.

Situation Ursprünglich, so meine Absicht, sollte dieses Editorial einmal ohne „Kritisiererei“ auskommen, einmal frei sein von den Ärgernissen über das Alltagsgeschehen. Doch dem machte IKEA-Chef Peter Agnefjäll mit der Ankündigung einen Strich durch die Rechnung, man wolle den Kunden zukünftig bessere Qualität für ihr Geld bieten. Das liest sich zunächst einmal ganz gut.

Heißt das aber im Gegenschluss, dass die Kunden bisher nicht adäquat ausgestattet wurden? „Heutzutage kannst Du keine Wegwerf-Produkte bauen“, wird Agnefjäll im Handelsblatt zitiert. Auch das liest sich ganz gut. Heißt das doch nichts anderes, als dass kritische Kunden doch etwas bewirken können.

Dann bleibt nur die kritische Aufforderung, vor allem an uns selbst, Wegwerf-Geschäftsmodellen zukünftig früher einen Riegel vorzuschieben.

Bei Ralf Erlinger bedanken wir uns sehr herzlich für die umfassende und uneingeschränkte Qualität der Bildstrecke unseres Schwerpunkts und bei Ihnen, liebe Leserinnen und Leser, für das uns entgegengebrachte Vertrauen, das wir auch in Zukunft nicht durch opportunistische Niveaujustierungen zu enttäuschen gedenken.

Stephan Ott, Chefredakteur

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Design While we were proofreading this issue, in the phase when we read through all the texts in their entirety within a short period of time, it struck us once again: design has a variety of disciplines as its companions – music, film, photography, fine arts, and architecture – with which it shares its sources of inspiration, its tools, and its methods. Mapping (↗ p. 8), storytelling (↗ p. 62), model-making (↗ p. 52), coding (↗ p. 92), and even copying, which gained respectability at the latest through pop art, can be identified as multidisciplinary design tools.

“Everything is ready to be exchanged, expanded, and connected,” Frank Nickerl writes (↗ p. 86), meaning this not so much in an inter- or transdisciplinary, but rather a co-disciplinary sense. Design constructs associations with other disciplines and subdisciplines, similar to technical mechanics or material science in design engineering, which combine different subjects.

Context Precisely because design is in demand as an association partner, it requires a certain self-sufficiency or even an “Intrinsic Logic of Design”, to put it in the words of the authors of the publication of that name (↗ p. 102).

To make this profile of design clear to others (or even to oneself), continuous mediation is required, the various interpretations of which are our focus in this issue (↗ p. 36).

Interpretation is the keyword here, as it is part of the everyday business of a designer to convey his skills and knowledge, as well as his concepts, for example in the form of models. On the other hand, design – for instance, in the field of brand management – also has to be conveyed to colleagues and service providers (and also at times to fans of the brand), as well as the wider public – for instance, in a museum (↗ p. 42). In the German text of his contribution, Moritz Grund observes that “Design ist Vermittlung” (↗ p. 38), and since there is always a communicative performance connected with this, after intense discussion and various consultations, we decided to render the focus title in English as “Communicating Design”.

Situation Originally, this editorial was supposed to be without “nitpicking”, just once free of annoyances caused by everyday life. But IKEA boss Peter Agnefjäll scotched this by announcing that in the future they want to offer their customers better quality for their money. At first, that sounds pretty good. But conversely, does that mean that customers have been furnished inadequately until now?

Agnefjäll is quoted in the Handelsblatt saying, “today, you cannot build disposable products”. That sounds pretty good, too. But what this means is that critical customers can achieve something after all. So all that remains, is the critical challenge, above all to ourselves, to put a stop to business models based on disposability much sooner in the future.

We wish to extend our heartfelt thanks to Ralf Erlinger for the comprehensive and unconditional quality of his illustrations for our focus theme, and to you, dear readers, for your confidence in us, which we fully intend to honour in the future by not subjecting you to opportunistic adjustments of standards.

Stephan Ott, Editor-in-Chief

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form.de Magazine

Filter 8

/magazine/form267

Analoges Projection Mapping / Analogue Projection Mapping Prelude Spacestream Quartz Grid Body

Drei ausgewählte Beiträge aus dem Heft mit zusätzlichem Bildmaterial können Sie online lesen.

You can read three selected articles from the magazine with additional visuals online. ↗ Analoges Projection Mapping / Analogue Projection Mapping ↗ Marken formen / Living Style Guides ↗ Kann Design Leben retten? / Tackling the Refugee Crisis

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/magazine/form267/linklist

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Knoten/Knots Silent Village Souvenir 1 Bunny Color Cord

Räume voller Grün / Grown-up In der Schwebe / Up in the Air Staging Nature A Piece of Land Hängende Gärten / Hanging Gardens Wand mit Wiese / Wall with Meadow

18 Hier finden Sie alle Links dieser Ausgabe.

Here you will find all links for this issue.

Pasta-Revolution/Pasta Revolution Pasta-Equipment/Pasta Equipment Pasta Patterns

/dossiers Die im Heft mit dem unten aufgeführten Icon markierten Artikel werden auf unserer Webseite in der Rubrik Dossiers erweitert.

On our website at Dossiers you find further content to the articles in the magazine marked with the icon below. ↗ Knoten/Knots ↗ Vilém Flusser / The Dynamic Archive

Pasta Love

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Research Interaktionsdesign für die Radioonkologie / Designing Interaction for Radiotherapy Planning

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Fairs Biennale Interieur

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Agenda Exhibitions, fairs, festivals, events, conferences, symposia, and competitions

Shop /shop Gert Selle, Im Haus der Dinge „Das Museum ist eine Aura-Maschine. […] Dinge, die einst oder noch vor Kurzem ihr unspektakuläres Dasein als Gebrauchsgegenstände fristeten, […] erleben im Museum ihre Verwandlung in auratisiertes Zeug […].

Jedes ‚gewöhnliche Design‘ (Friedl/Ohlhauser 1979) wird ungewöhnlich, sobald man es hinter Glas betrachtet.“ “The museum is an aura machine. […] Things in the museum, that once or recently spent their unspectacular existence as articles of daily use […] experience their metamorphosis into auratic objects […]. Every ‘usual design’ (Friedl/Ohlhauser 1979) becomes unusual as soon as it is viewed behind glass.”

Gert Selle Im Haus der Dinge Deutsch/German Verlag Surface, Frankfurt/Main 192 Seiten/pages, € 39.90 ISBN 978-3-939855-37-8

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Focus 38

Reflecting Design Perspektiven entwickeln

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Text: Moritz Grund

Designvermittlung, das ist, und hier wird wohl niemand mit Alltagserfahrung als Gestalter widersprechen, immer schon immanenter Teil dieser besonderen Profession gewesen.

No one with any day-to-day experience as a designer will deny that communicating design has always been an integral part of this special profession.

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Weil das Museum sonst verborgene Zusammenhänge sichtbar machen und für die Relevanz von Design sensibilisieren kann, ist es prädestiniert dafür, gesellschaftliche Entwicklungen zu hinterfragen, zu diskutieren und Alternativen zu entwickeln.

Because museums can make hidden connections visible and sensitise people for the relevance of design, they are predestined to question social developments, to trigger a debate on them, and to formulate alternatives.

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Text: Norman Kietzmann

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Carte Blanche Christoph Knoth Contemplations on Digital Life Text: Franziska Porsch

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Material Made in Japan Text: Aart van Bezooijen

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Media New books, DVDs, magazines, websites, and apps

Gerhard M. Buurmann, Marc Rölli (Hrsg./eds.), Zürcher Hochschule der Künste Eigenlogik des Designs / The Intrinsic Logic of Design

Text: Marco Spies

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Archive Pop im Design Space Is the Place. There Is No Limit.

Text: Frank Nickerl

Marken formen Living Style Guides Zeitgemäße Vermittlungsstrategien für Corporate Design im Unternehmen setzen eher auf Nachvollziehbarkeit und kontinuierliche Ausbildung von Verständnis als auf starre Regeln.

Contemporary communications strategies for corporate design within a company should best be based on comprehensibility and the continual honing of understanding rather than on rigid, inflexible rules.

Kann Design Leben retten?

Tackling the Refugee Crisis Text: Marie de Vos

Interview: Franziska Porsch

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Discourse Design Perspectives 5 Design in the Anthropocene Text: Bernd M. Scherer

The Model Is the Medium Welten bauen Modelle geben etwas eine Form, das per se keine Form hat. Ideen, Gedanken und wissenschaftliche Erkenntnisse werden durch sie erkennbar, aber auch diskutierund verhandelbar.

Models give form to something that has no innate form: they allow ideas, thoughts, and scientific discoveries to be visualised – and also to be discussed and debated.

Vilém Flusser The Dynamic Archive Text: Anja Neidhardt

Ein unterschätzter Ort Design at the Museum Text: Franziska Porsch

Jin & Park Thinking Out of the Box

Text: Jessica Sicking

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Editorial Imprint, credits Outtakes Index Preview

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Material

Made in Japan

Text: Aart van Bezooijen

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Übersetzung: Franziska Porsch

In den vergangenen Ausgaben der form haben wir bereits zwei Projekte mit Japanbezug vorgestellt, zum einen das „Bambuskohle“-Forschungsprojekt (↗ form 265, S. 22) von ­Toshiki Yabushita, zum anderen die Serie „50 Manga Chairs“ (↗ form 266, S. 96) des japanischen ­Studios Nendo. Wer Japan schon einmal besucht hat und den Reichtum der Bambuswälder in den ländlichen Gebieten sowie die MangaComicshops in den Stadtzentren gesehen hat, versteht plötzlich, warum japanische Designer das tun, was sie tun. Aart van Bezooijens besonderes Interesse an diesem Land hat ihn Anfang 2016 wieder nach Japan geführt, wo er ­einige interessante Materialien entdeckt hat, die er im Folgenden vorstellt.

• Made in Germany bedeutet nicht nur, dass ein Produkt in Deutschland hergestellt wurde.

Der Ausdruck ist zu einer Marke geworden, die für die Qualität und Vertrauenswürdigkeit

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Recently, form featured a few projects from Japan including a research project on “Bamboo Charcoal” (↗ form 265, p. 22) by Toshiki Yabushita and a series of “50 Manga Chairs” (↗ form 266, p. 96) by Japanese studio Nendo.

Once you visit Japan and discover the abundance of bamboo forests in the rural areas and the manga comic shops downtown, suddenly it starts to make sense why these Japanese designers do what they do. Aart van Bezooijen’s special interest for this country brought him back to Japan earlier in 2016 and resulted in a few interesting material discoveries, which he outlines in the following.

eines aus Deutschland stammenden Produkts steht. In ähnlicher Weise begegnet uns Made in Japan auf japanischen Produkten, die mit ­einem Blick für Details, hoher Handwerkskunst und industrieller Perfektion gefertigt wurden. Zu typischen Beispielen für japanische Handwerkskunst zählen unter anderem Origami, die Kunst des Papierfaltens (Dekoration), Urushi-Lack­arbeiten (Möbel), die Kintsugi-Verbindungsmethode (Keramik), Shodō-Kalligrafie (Schrift) und Daruma-Papiermaschee (Puppen).

Viele Produkte in Japan könnten ohne die Fähigkeiten von Handwerkern gar nicht entstehen. Gleichzeitig waren viele der traditionellen Handwerke auf lokale Produkte für lokale Bedürfnisse vor Ort ausgerichtet. Da sich die Bedürfnisse der Menschen ändern und der Markt sich globalisiert, gibt es vermehrt japanische Firmen, die Traditionen lebendig halten und die Brücke zwischen traditionellem Handwerk und zukünftigen Bedürfnissen schlagen.

Made in Germany means more than merely saying that a product has been manufactured in Germany. It has become a brand synonymous of product reliability and quality from Germany. In a similar way, we often see made in Japan in the context of products from Japan with superior craftsmanship, industrial perfection, and an eye for detail. Typical examples of Japanese craftsmanship often involve origami folding paper (decoration), urushi lacquerware (furniture), kintsugi joinery (ceramics), shodō calligraphy (writings), daruma papier mâché (dolls), and so on.

Many products in Japan are impossible to make without the skills of craftspeople. At the same time many of these traditional crafts were focused on local products for local needs.

With the needs of people changing and the marketplace becoming more global, there is an increasing number of Japanese companies keeping traditions alive and bridging the gap between traditional crafts and future needs.

Furoshiki von Link Furoshiki heißt „Badetuch“, und dieses wurde bereits vor tausend Jahren genutzt, um die eigenen Habseligkeiten zu den öffentlichen ­Bädern und wieder zurück zu tragen. Obwohl die die Bequemlichkeit fördernden Plastiktüten die ­Furoshiki-Kultur fast haben verschwinden lassen, entsteht aktuell wieder ein Interesse an ihnen. 2006 hat die damalige japanische Umweltministerin, Yuriko Koike, sogar einen eigenen Entwurf namens „Mottainai Furoshiki“ vorgestellt, das seine Verwendung bewerben und dadurch Haushaltsmüll reduzieren sollte. „Das Furoshiki ist so praktisch, dass man fast alles, unabhängig von Größe und Form, darin verpacken kann – indem man es mit ein bisschen Geschick richtig faltet. Es ist viel besser als die Plastiktüten aus dem Supermarkt oder Einwickelpapier, weil es widerstandsfähig, wiederverwendbar und für verschiedene Zwecke einsetzbar ist“, so die Ministerin. „Genau genommen ist es ein Symbol für japanische Kultur und betont, mit Dingen achtsam umzugehen und Abfall zu vermeiden. Mein Wunsch ist es, die Kultur des Furoshiki in der ganzen Welt zu verbreiten.“ Das Kollektiv Link um Gründerin Kyoko lädt Designer und Künstler aus der ganzen Welt dazu ein, schöne Furoshiki zu gestalten. Bei Link ist man der Überzeugung, dass japanisches Handwerk in Bezug auf Qualität und Detailgenauigkeit unübertroffen ist, weswegen alle ­Furoshiki in Fujisawa (Präfektur Kanagawa) in einem Familienunternehmen mit 50 Jahren ­Erfahrung in der Herstellung von Furoshiki von Hand bedruckt und genäht werden.

Furoshiki by Link Furoshiki means “bath towel” and it was already used by people over a thousand years ago to carry their personal belongings to and from the public bath. Because of the comfort plastic bags offer the furoshiki culture almost disappeared, however, a new interest has come up.

In 2006, the former Japanese minister of the environment, Yuriko Koike, even created a special design named “mottainai furoshiki” to promote its use and to reduce household waste.

“The furoshiki is so handy that you can wrap almost anything in it regardless the size or shape – with a little ingenuity by simply folding it in the right way. It’s much better than plastic bags you receive at supermarkets or wrapping paper, since it’s highly resistant, reusable,

and multipurpose,” the minister said. “In fact, it’s one of the symbols of traditional Japanese culture, and puts an accent on taking care of things and avoiding waste. As my sincere wish, I would like to disseminate the culture of the furoshiki to the entire world.”

The Link collective around founder Kyoko brings together artists and designers from around the world to create beautiful furoshiki.

At Link they believe that Japanese craftsmanship is second to none in terms of quality and attention to detail, which is why all furoshiki are hand-printed and sewn in Fujisawa (Kanagawa prefecture) by a family-owned business with over 50 years of experience in the production of furoshiki.

↑ Link, Stockholm furoshiki, design: Hannah Waldron ↗ Link, Mountain Blossom furoshiki, design: Leah Duncan → Link, making of Maze furoshiki, design: Hannah Waldron

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Washi-Papier von Onao Das Wort „Washi“ steht für japanisches Papier und beschreibt das aus den Fasern der Maulbeerbaumrinde traditionell von Hand hergestellte Papier. Das Papier wird für Bücher, Raum­ teiler und Schiebetüren eingesetzt. Washi wird in drei Gemeinden in Japan hergestellt. Dort ­arbeiten Familien und deren Angestellte unter der Anleitung von Washi-Meistern, denen die Techniken von ihren Eltern übermittelt wurden.

Die Gemeinden spielen eine wichtige Rolle bei der Erhaltung dieses Handwerks, vom Anbau der Maulbeerbäume über die Ausbildung der Techniker bis zur Fertigung der Washi-Produkte. Seit 2014 gehört Washi zu den Objekten des UNESCO Intangible Cultural Heritage-Programms, das das traditionelle Handwerk als ­einen entscheidenden Faktor betrachtet, um kulturelle Vielfalt angesichts der zunehmenden Globalisierung zu bewahren. Der japanische Papierhersteller Onao hat eine spezielle Art

Washi namens Naoron entwickelt. Dieser Papiertyp besteht aus Zellstoff und P ­ olyolefinen und ist dadurch weich, flexibel, wasser- und reißfest.

Onao hat sich mit dem I­ ndustriedesigner Naoto Fukasawa zusammengetan, um die Serie Siwa zu entwickeln. Die ­Alltagsprodukte zeichnen sich durch die spezielle Textur von Naoron aus, die entsteht, wenn das Papier zerknittert. „Siwa“ heißt auf Japanisch Falte und ist gleichzeitig ein Anagramm des Wortes „Wasi“ (Papier).

Onao hat zuletzt das Washi-Papier Naoron mit der Urushi-Drucktechnik kombiniert. Die Muster entstehen, indem feine Linien UrushiLack per Hand auf das Washi-Papier gedruckt werden. Die Urushi-Entwürfe zeigen traditionelle Muster, die in Japan seit vielen Jahren Verwendung finden. 2015 hat Onao 30 Designer eingeladen, der Kollektion neue Entwürfe hinzuzufügen.

Washi Paper by Onao The term “washi” means Japanese paper and describes paper made by hand in a traditional manner, commonly based on the fibres from the bark of the mulberry tree. The paper is used for books, room dividers, and sliding doors.

Washi is being practiced in three communities in Japan where families and their employees work under washi masters, who have inherited the techniques from their parents. The communities play an important role in keeping this craftsmanship viable, from the cultivation of mulberry trees to trainings in the techniques and the creation of new washi products. Since 2014, washi is one of the objects of UNESCO’s intangible cultural heritage programme that sees traditional crafts as an important factor in maintaining cultural diversity in the face of growing globalisation.

The Japanese paper manufacturer Onao developed a special type of washi called Naoron.

This type of paper is made of wood pulp and polyolefin making it soft, flexible, water- and tear-resistant. Onao teamed up with industrial designer Naoto Fukasawa to develop the Siwa series, a range of everyday goods that reveals the special texture of Naoron when the paper is crumpled. “Siwa” is Japanese for crinkle and at the same time an anagram of the word “wasi” (paper).

One of the latest developments by Onao is combining the Naoron washi paper with urushi printing technology. The patterns are realised by laying delicate lines of urushi on washi by hand printing. The urushi designs used are traditional patterns that have been used in Japan for many years. In 2015, Onao invited 30 designers to add new designs to the collection.

Onao, Siwa by Naoto Fukasawa, Urushi collection, pattern design: Harri Koskinen, Klaus Haapaniemi, Minä Perhonen

Wasara, sustainable paper tableware

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Suminagashi von Onitsuka Tiger Onitsuka Tiger ist einer der ältesten Schuhproduzenten Japans. 2016 hat das Unternehmen in einer neuen Schuhkollektion die SuminagashiTechnik wiederaufleben lassen. Suminagashi (schwimmende Tinte) ist eine sehr alte Technik, mit der blankes Papier mittels Wasser und Tinte marmoriert wird. Es ist davon auszugehen, dass es die älteste Form des Marmorierens ist, die Shinto-Priester in Japan bereits im zwölften Jahrhundert praktiziert haben. Die Technik war schon immer reizvoll, da jedes Stück Papier über ein einzigartiges Muster verfügt.

Für die marmorähnlichen Muster werden Tinte oder Pigmente auf eine ruhige Wasseroberfläche getröpfelt. Die feinen (marmorähn­ lichen) Strudel entstehen, indem die schwebenden Teilchen mit einem Fächer, einem Halm, ­einem Stück Bambus oder einem mensch­ lichen Haar bewegt werden. Mit einem Bogen Papier wird die Tinte von der Wasseroberfläche aufgenommen und die Bögen danach getrocknet. Das ­Ergebnis sind dekorative Ober­ flächen, ­deren individuelles Muster es kein zweites Mal gibt.

Glas von Shotoku Das Glasunternehmen Shotoku begann 1922 Glühlampen herzustellen. Inspiriert von der ­Ingenieursleistung und dem Design der Glühbirnen, entschied die Firma in den 1950er-­ Jahren, Glaswaren zu produzieren, die heute in Japan unter dem Namen Usuhari – sehr dünnes Glas – bekannt sind. So wie die Glühbirnen, sind auch die Gläser extrem dünn und leicht.

Die Usuhari-Gläser werden in einer kleinen Fabrik in Tokio gefertigt, in der ein Team aus Glasbläsern um einen großen Schmelzofen arbeitet.

Die Arbeitstemperatur im Inneren des Ofens ­beträgt bis zu 1.350 Grad Celsius, damit die ­rohen Ausgangsmaterialien in eine fast weiße, heiße Masse verwandelt werden können. Nur wenige Handwerker haben die Fähigkeit, 2.500 mundgeblasene Stücke pro Tag zu produzieren. Fehlerhafte Stellen in der Oberfläche führen dazu, dass das Glas leicht bricht, mit Perfektion gefertigt, ist das weniger als einen Millimeter dünne Glas jedoch überraschend stabil.

Schätzungsweise 400 Millionen Leuchtstoffröhren werden jedes Jahr in Japan entsorgt, von denen die meisten auf Müllhalden landen. ­Shotoku startete deswegen eine Kooperation mit einer Leuchtmittelfirma, um das giftige Quecksilber zu entsorgen und das Glas für eine neue Kollektion wiederzuverwerten. Die E-Glass-Serie wurde 2005 vorgestellt und ­bekam als erstes Glasprodukt in Japan den Eco Mark, eine Auszeichnung für umweltfreundliche Produkte.

Die Keramikdesignerin Reiko Kaneko besuchte 2015 die Fabrik in Tokio und entwarf daraufhin in Kooperation mit Shotoku ein elegantes Bierglas für den englischen Markt. Für Kaneko kam das größte Lob für das Design aus der Werkshalle selbst, denn Shotokus Glas­ bläser zählten zu ihren ersten Kunden.

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→ ↓ Onitsuka Tiger, Suminagashi collection

Suminagashi by Onitsuka Tiger Onitsuka Tiger is one of the oldest shoe producers in Japan. In 2016, the company released a new collection of shoes reviving the traditional suminagashi technique. Suminagashi (floating ink) is an ancient technique of marbling plain paper with water and ink. It is believed to be the oldest form of marbling, which was practiced in Japan by Shinto priests as early as the twelfth century. The technique has always been appealing as each piece of print reveals a unique pattern.

To realise the marble-like patterns inks or pigments are carefully dropped to float on a still water surface. The delicate (marble-like) swirls can be realised using a fan, a straw, a split piece of bamboo or even a human hair. The ink is picked up by laying a sheet of canvas atop the ink covered water. The canvas is then dried and results in a decorative surface with a unique pattern (no two canvases alike).

small factory in Tokyo where a team of glassblowers works standing around a furnace.

The working temperature inside the furnace is able to heat up to 1,350 degrees Celsius to transform the raw glass into an almost white, hot substance. Only a handful of craftsmen have the skills to produce some 2,500 handblown pieces per day. Flaws in the surface would make the glasses break easily, but when the hand-blown pieces are made with perfection, the less than a-millimetre-thin glasses turn out to be surprisingly strong.

Approximately 400 million fluorescent light tubes are disposed in Japan every year, mostly ending up on landfills. Shotoku started a collaboration with a lighting company to dispose the toxic mercury and reuse the glass for a new collection. In 2005, the e-glass series was introduced, being the first glass product in Japan to be given the Eco Mark, a recognition for environmental-friendly products.

In 2015, Japanese ceramics designer Reiko Glass by Shotoku Kaneko visited the factory in Tokyo and The Shotoku Glass company started manufacstarted collaborating with Shotoku Glass to turing light bulbs in 1922. Inspired by the encreate an elegant beer glass for the English gineering and design of their light bulbs, the company decided to develop a line of glassware market. For Kaneko, the highest praise for the design came from the factory floor, with in the 1950s, well-known in Japan today as some of Shotoku’s glass blowers among her usuhari, meaning very thin glass. Similar to the first customers. light bulbs, these glasses are paper-thin and very light. The usuhari glasses are made in a

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Porzellan aus Arita Arita ist eine idyllische Stadt inmitten von Bergen und Wäldern in der japanischen Präfektur Saga.

Dieses Jahr feiert die Stadt ihr 400-jähriges ­Bestehen und beginnt ein neues Kapitel in ihrer Geschichte, die sogenannte „Episode 2“. Diese Initiative reagiert auf die Tatsache, dass traditionelle Porzellanprodukte aus Arita nicht mehr den Anforderungen der modernen Konsumenten entsprechen und als Konsequenz die Nach­ frage gesunken ist. Das Produktionsvolumen beträgt nur noch ein Fünftel verglichen mit den 1990er-Jahren. Nicht nur die Gemeinden in Arita sehen sich in einer misslichen Lage, auch jahrhundertealte Handwerkstechniken und Traditionen sind vom Aussterben bedroht.

Die Einführung der neuen Marke 2016/ ist eine Antwort auf die heutigen Herausforderungen und soll Aritas Porzellan wiederbeleben.

Das Projekt wird von dem Kreativdirektor T­eruhiro Yanagihara und dem niederländischen Designstudio Scholten und Baijings geleitet.

Durch das Zusammenbringen der ausgebildeten Handwerker Aritas mit 16 internationalen

­ estaltern, ist eine neue Generation zeitgenösG sischen Arita-Porzellans entstanden. Die Entstehung von 2016/ war ein langer, aber lohnender Prozess kreativer Zusammenarbeit.

Im Folgenden werden drei der sechzehn Kollektionen der Initiative 2016/ vorgestellt: Das niederländische Studio Wieki Somers hat zusammen mit der Koransha-Töpferei zwei Teegeschirre kreiert, die das ikonische „KoranshaBlau“ zur Geltung bringen und mit Mustern ­versehen sind, deren Motive von einer altertümlichen Dekorationstechnik inspiriert sind, die mithilfe von Metallschablonen auf die Oberfläche gesprüht werden. Anstatt mit den traditionellen Schablonen zu arbeiten, hat das Studio entschieden, sich der funktionalen Teile der Produkte zu bedienen, wie dem Deckel der Kanne oder dem Henkel der Tasse. Zufällig offenbarten sich diese Muster als eines der ikonischsten Symbole Japans – dem Mond –, sodass das Teegeschirr am Ende eine starke, auf Kreisen basierende Produktsprache besitzt.

Porcelain from Arita Arita is an idyllic town surrounded by mountains and forests in the Saga prefecture, Japan. This year, Arita is celebrating its 400th anniversary and starts a new chapter in its history, so-called “Episode 2”. This initiative is a response to the fact that the traditional Aritaware products no longer appeal to the modern ­consumer and demand suffered as a consequence. The production of Aritaware is currently a fifth of what it was in the early 1990s. Not only is a community in jeopardy but centuries-old craft skills and traditions are threatened by extinction.

The launch of a new 2016/ brand is a response to today’s modern challenges and should revive Arita’s porcelain. The project is led by the creative director Teruhiro Yanagihara and the Dutch design studio Scholten and Baijings. By bringing together Arita’s skilled makers with 16 international designers, a new generation of contemporary Arita porcelain was born. Accordingly, the making of 2016/ has been a long and rewarding process of creative collaboration.

→ 2016/, Arita, Studio Wieki ­S omers, sketch 2016/, Arita, design: ­ Studio Wieki Somers, photo: Scheltens and Abbenes

← 2016/, Arita, design: Scholten and ­B aijings, photo: Scheltens and Abbenes ↑ 2016/, Arita, Scholten and Baijings, sketch, paper model

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Das Schweizer Studio Big-Game arbeitete mit Kubota Minoru Ceramics zusammen, um eine Reihe neuer Produkte zu entwickeln. Ein überzeugendes Beispiel ist ein praktisches Kaffeeset, das die Eigenschaften extrem porösen Porzellans nutzt. Mit dem Set kann Filterkaffee gebrüht werden, der in Japan sehr beliebt ist. Dabei wird der Kaffee durch das poröse Porzellan gefiltert, sodass er einen verbesserten, weichen Geschmack erhält und die Wegwerf-Kaffeefilter nicht mehr nötig sind.

Das niederländische Duo Scholten und ­Baijings ist zusammen mit der Hataman TouenTöpferei in das Firmenarchiv, in Museen und Sammlungen handbemalter Teller eingetaucht, um die 400 Jahre Arita-Porzellan in 27 neue ­Teller zu übersetzen. Statt wiedererkennbare Bilder zu verwenden, haben Scholten und ­Baijings die Motive zerlegt, abgeleitet und abstrahiert, um sie in einer Palette aus Formen, Farben und Techniken wieder zusammenzusetzen.

Materialausblick Die Materialien und Herstellungsmethoden der besprochenen Firmen haben eine lange Geschichte, in der neue Materialien eine Schlüsselrolle spielen können, wenn es darum geht, eine zukünftige Wachstumsstrategie an die Kunden zu vermitteln. Dass die Entwicklung eines neuen Materials auch der Ausgangspunkt für eine ganz neue Geschäftsidee sein kann, ist ein interessanter Aspekt für zukünftige Produktentwicklungen. Yabushitas „Bambuskohle“Forschungsprojekt ist ein gutes Beispiel für zeitgenössische Produktentwicklung, die auf tra­ ditionellen Materialien und Techniken basiert – und viel Einsatz verlangt.

Ein weiteres interessantes Projekt namens „Agar Plasticity“ wurde von AMAM, das sind ­Kosuke Araki, Noriaki Maetani und Akira Muraoka, initiiert. Das junge Designteam erforscht, wie Agar, ein gelatineartiges Material aus Meeresalgen gewonnen, als umweltfreundliche ­Verpackungsalternative zu Plastik eingesetzt werden kann. Im April 2016 hat das Projekt den Grand Prix des diesjährigen Lexus Design Awards gewonnen. Derzeit sucht das AMAMTeam aus Tokio nach technischer und wissenschaftlicher Unterstützung, um die strukturellen und plastischen Eigenschaften von Agar zu analysieren und mit Bezug auf das Produktdesign besser zu verstehen.

• Der niederländische Materialexperte Aart van ­B ezooijen gründete 2005 Material Stories, eine Agentur, die Materialberatung, Materialrecherchen, Innovationsworkshops, Vorträge und Trend Reports anbietet. Material Stories unterstützt Unternehmen, Organisationen, ­D esigner und Bildungsinstitute bei der Förderung von Wettbewerbsfähigkeit, Innovation und Nachhaltigkeit im Design. Van Bezooijen ist seit 2012 als Professor für Material- und Technologietransfer an der Burg ­G iebichenstein Kunsthochschule Halle tätig und entwickelt dort die Materialsammlung der Hochschule.

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2016/, Arita, making of, photo: Kenta Hasegawa

In the following three of the sixteen collections from the 2016/ initiative are highlighted: Dutch Studio Wieki Somers collaborated with the Koransha pottery to create two tea sets showcasing the iconic “Koransha blue” glaze and featuring patterns inspired by an ancient decorative technique using metal stencils to create sprayed motifs on the surface. Instead of working with the traditional stencils, the studio decided to work with the functional parts of the products, such as the lid of the teapot and the cup handle. Coincidentally, these patterns revealed one of the most iconic Japanese symbols – the moon – ending up in a strong sphere-based product language in the tea set.

The Swiss studio Big-Game collaborated with Kubota Minoru Ceramics to develop a range of new products. One strong example is a practical coffee set, which uses the qualities of exceptional porous porcelain for practical use. Their set makes filter coffee, which is very popular in Japan. The coffee is filtered through the porous porcelain, giving the coffee an improved smooth taste and avoiding the need for disposable paper filters.

The Dutch design duo Scholten and Baijings together with the Hataman Touen pottery dived into the company archive of books and museums as well as archives of hand-painted dishes to translate 400 years of Arita porcelain into 27 new dishes. Instead of using recognisable imagery, Scholten and Baijings dissected, distilled, abstracted, and then reassembled the imagery ending up with an inspiring palette of shapes, colours, and techniques.

Material Outlook The featured companies have a long history of materials and making in which new materials can play a key role in demonstrating its growth strategy for the future and towards its customers. That the development of a new material

can also be the starting point of a whole new business is an interesting development for the future of product development. Yabushita’s “Bamboo Charcoal” research project is a good example of contemporary product development based on traditional materials and techniques – requiring a lot of dedication.

Another exciting project called “Agar ­ Plasticity” is initiated by AMAM, formed by Kosuke Araki, Noriaki Maetani, and Akira Muraoka. This young design team explores how agar, a gelatinous material obtained from marine algae, can be used as an environmentally friendly packaging material alternative to plastic. In April 2016, the project had been selected as the Grand Prix winner at this year’s Lexus Design Award. Currently, the AMAM team is looking for technical and scientific support to analyse and understand structural and plastic qualities of agar for product design.

• Aart van Bezooijen is a Dutch material expert. In 2005, he founded Material Stories, an agency that offers ­material consulting, material research, innovation workshops, lectures, and trend reports. Material Stories ­supports companies, organisations, designers, and educators with materials and methods for more competitive, innovative, and sustainable design. Since 2012, he works as professor for material and technology transfer at the Burg Giebichenstein University of Art and Design Halle establishing the university’s material collection.

unesco.org onitsukatiger.com thelinkcollective.com siwa.jp stglass.co.jp reikokaneko.co.uk 2016arita.com arita-episode2.jp a-ma-m.com

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Design Magazine Established 1957 Verlag form GmbH & Co. KG Holzgraben 5 60313 Frankfurt am Main T +49 69 153 269 430 F +49 69 153 269 431 redaktion@form.de form@form.de form.de Herausgeber/Publisher Peter Wesner Chefredakteur/Editor-in-Chief Stephan Ott (SO) Redaktion/Editorial Team Carolin Blöink (CB) (Bildredaktion/Picture Desk) Susanne Heinlein (SH) (Editorial Design) Franziska Porsch (FP) Jessica Sicking (JS) Marie-Kathrin Zettl (MKZ) Mitarbeiter dieser Ausgabe / Contributors Aart van Bezooijen, Alice Black, Jin Dallae, Ralf Erlinger, Ann-Katrin Gehrmann (AKG), Moritz Grund, Andres Janser, Norman Kietzmann, Christoph Knoth, Mateo Kries, An Michiels, Franziska Mühlbacher, Anja ­Neidhardt, Frank Nickerl, Anjana Ramkumar, Bernd M. Scherer, Julia Sommerfeld (JSO), Marco Spies, David Van Severen, Marie de Vos, Park Woohyuk Art Direction Carolin Blöink Susanne Heinlein form.de Sarah Schmitt sarahjaneschmitt.com Cover Visual Photo: Ralf Erlinger ralferlinger.de Übersetzung/Translation Lisa Davey, First Edition Translation Ltd., Cambridge Nicholas Grindell, Berlin Emily J. McGuffin, Leipzig Franziska Porsch, Frankfurt/Main Iain Reynolds, Whaley Bridge Bronwen Saunders, Basle Jessica Sicking, Frankfurt/Main Textra Fachübersetzungen GmbH, Hamburg Korrektorat/Proofreading Jessica Sicking, Frankfurt/Main

Vertrieb Buchhandel / Distribution Book Trade Verlag form GmbH & Co. KG buchhandel@form.de Vertrieb Zeitschriftenhandel / Distribution Press Retail DPV Network GmbH dpv.de Bezugspreise form erscheint sechs Mal im Jahr: Februar, April, Juni, August, Oktober, ­D ezember. Jahresabonnement Deutschland (inkl. 10,50 Euro Versand und der zurzeit ­g ültigen USt. soweit anwendbar): 93,60 Euro; Studierende: 66 Euro. Jahresabonnement ­a ußerhalb Deutschlands (inkl. 29,40 Euro ­Versand zuzüglich der zurzeit gültigen USt. ­s oweit anwendbar): 116,40 Euro; Studierende: 86,40 Euro. Einzelheft Deutschland: 16,90 Euro (inkl. der zurzeit gültigen USt. soweit ­a nwendbar, zuzüglich Versand). Auslandspreise auf Anfrage.

Subscription Prices form is published six times a year: February, April, June, August, October, ­December. Annual subscription in Germany (incl. 10.50 euros postage and VAT, if applic­ able): 93.60 euros; students: 66 euros.

Annual subscription outside Germany (incl.

29.40 euros postage plus VAT, if applicable): 116.40 euros; students: 86.40 euros.

Single issue (Germany): 16.90 euros (excl. postage and incl. VAT, if applicable). ­International prices available on request.

Konditionen für Mitglieder Mitglieder folgender Verbände erhalten 20 Prozent Rabatt auf das Jahresabonnement (Grundpreis): aed, AGD, BDG, DDC, DDV, Descom Designforum RLP, Designerinnen Forum, DFJ, Hessen Design, Icograda, ICSID, IDSA, IF, TGM, VDID. Conditions for Members Members of the following associations are eligible for a 20 per cent discount on an annual subscription (basic price): aed, AGD, BDG, DDC, DDV, Descom Designerforum RLP, Designerinnen Forum, DFJ, Hessen Design, Icograda, ICSID, IDSA, IF, TGM, VDID. Lithografie und Druck / Separation and Printing printmedia-solutions GmbH, Frankfurt/Main printmedia-solutions.de Basislayout (Relaunch 2013) Michael Heimann und Hendrik Schwantes heimannundschwantes.de

Managing Director Philipp Wesner

Papier/Paper Novatec matt (300 g/m²) Claro Bulk (115 g/m²) BVS (150 g/m²)

Marketing, Vertrieb/Sales Melanie Aufderhaar Janette Wrzyciel

Schriften/Fonts Theinhardt, Optimo Academica, Storm Type

Creative Director, form Editions Barbara Glasner

ISBN: 978-3-943962-24-6 ISSN: 0015-7678

Anzeigenleitung/Head of Advertising Peter Wesner T +49 69 153 269 446 F +49 69 153 269 447 peter.wesner@form.de

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Leserservice/Subscription Service Verlag form GmbH & Co. KG abo@form.de

form 267/2016

Gegründet 1957 als „form – Internationale ­Revue“ von Jupp Ernst, Willem Sandberg, Curt Schweicher und Wilhelm Wagenfeld.

Von 1972 bis 1998 als „Zeitschrift für ­G estaltung“ von Karlheinz Krug fortgeführt.

Founded as “form – Internationale Revue” in 1957 by Jupp Ernst, Willem Sandberg, Curt Schweicher and Wilhelm Wagenfeld. Con­ tinued from 1972 until 1998 as “Zeitschrift für Gestaltung” by Karlheinz Krug.

Diese Ausgabe der Zeitschrift form, einschließlich aller ihrer Teile und Beiträge, ist urheberrechtlich geschützt.

Jede Verwertung, die nicht ausdrücklich vom Urheberrechts­g esetz zugelassen ist, bedarf der vorherigen schriftlichen Zustimmung des Verlages. Dies gilt ins­ besondere für Vervielfältigungen, Bearbeitungen, Über­ setzungen, Mikrover­f ilmungen und die Einspeicherung und Verarbeitung in elek­t ­ronischen Systemen.

Trotz sorgfältiger Recherchen konnten nicht alle Rechteinhaber der verwendeten Fotos einwandfrei ermittelt werden. Falls ein Foto ungewollt widerrechtlich verwendet wurde, bitten wir um Nachricht und honorieren die Nutzung im branchenüblichen Rahmen.

This issue of form magazine, as a whole and in part, is protected by international copyright. Prior permission must be obtained in writing from the publishers for any use that is not explicitly permissible under copyright law. This applies in particular to duplications, processing, translations, microfilms, storing contents to memory and processing in electronic form.

Despite intensive research, the publishers have been unable to find all the copyright owners of the featured ­images: Should any image prove to have been unwittingly published in breach of copyright, we are prepared to settle legitimate claims for fees within the customary guidelines for this sector upon receiving the appropriate information.

Bildnachweis/Picture Credits: Cover: © Ralf Erlinger für Verlag form GmbH & Co. KG Filter: S./p. 6–7 Atoms © Joanie Lemercier in co-operation with Shawn “Jay Z” Carter, commissioned by Barneys New York, artist: Boris Edelstein, sound designer: Thomas Vaquié, designer: Melody Sirman, producer: Juliette Bibasse S./p. 8 Prelude: © GUNEE oHG; Spacestream: © Daniel Widrig S./p. 9 Quartz: © Joanie Lemercier in co-operation with Shawn “Jay Z” Carter, commissioned by Barneys New York, technical designer/developer: Kyle McDonald, sound designer: Thomas Vaquié, producers: Julia Kaganskiy, ­Juliette Bibasse S./p. 10 Grid Body: © Tokujin Yoshioka Design S./p. 12 Silent Village: © Studio Brynjar & Veronika, Galerie Kreo, 2014, photos: Fabrice Gousset; Souvenir 1: © Leeza Regensburger; Bunny: © Daniel Kok and Luke George, production: Tang Fu Kuen, Alison Halit, lighting design: Matthew Adey / House of Vnholy, dramaturgy: Fu Kuen Tang, commissioned by Campbelltown Arts Centre, photos: Bernie Ng S./p. 13 Color Cord: © The World Effect, LLC DBA Color Cord Company S./p. 14 In der Schwebe: © Flyte; Staging Nature: © Atelier2+, photos: Design House Stockholm S./p. 15 A Piece of Land: © studio Thomas Vailly S./p. 16 Hängende Gärten: © Soñadora; Wand mit Wiese: © Planted Design S./p. 18 Pasta-Revolution: © Barilla G. e R. Fratelli S.p.A, photos: Giampaolo Ricò; Pasta-Equipment: © Villeroy & Boch AG S./p. 19 Pasta Patterns: © Ewelina Gąska S./p. 21–22 © Anjana Ramkumar/TU Delft S./p. 24 © Biennale Interieur npo S./p. 25 Le Banquet Gaulois © Matteo Ghidoni, Jean-Benoît Vétillard; Volumes, Patterns, Textures and Colors © Dimitri Bähler S./p. 26 Sequence No. 1 © Filip Dujardin S./p. 28 Xanti Schawinsky: Spectodrama Bühnenelemente, „6 Farb-Architektur, drehbar und verschiebbar“, „7 solide Architektur, kippend“, 1925 © The Xanti Schawinsky Estate; Friedrich Kiesler: MAK-Aus­ stellungsansicht, 2016, „Friedrich Kiesler. Lebenswelten“, Raumstadt, 1925/2010 Belvedere, Wien, MAK-Ausstellungs­ halle © MAK/Georg Mayer; Design Display #2: © Ingo ­Mittelstaedt S./p. 29 &: Hilbert & Künzli: Oh, say!, Brosche, 1991 © Otto Künzli; Radical Design: Lassù © Alessandro Mendini, photo: Studio Mendini; Dream Out Loud: Phenomeneon, Milan 2016 © Pieke Bergmans, photo: Mirjam Bleeker S./p. 30 Roger Tallon: Set of tableware 3T, 1967 © Les Arts Décoratifs, Paris / A.D.A.G.P. 2016; Unter Waffen: YSL001, Serie 7 Necessities © Atelier Ted Noten; Anima: Drapée, chaise, 2014. Ed. Petite Friture © Constance ­G uisset S./p. 31 Masterpieces & Curiosities: Hanukkah Lamp, Menorah # 7, 1986, The Jewish Museum, New York, purchase: Judaica Acquisitions Endowment Fund, 1989-20 © Peter Shire; Scraps: Tikdi shawl, design: Christina Kim, production: dosa inc. (Los Angeles, California) © photo: Raymond Meier; By the People: © Humane Borders, Inc. S./p. 32 +Ultra. Gestaltung schafft Wissen: David Georges Emmerich, structure autotendante © Collection FRAC ­C entre, Orléans, photo: François Lauginie; Bio oder Kunststoff: © Gewerbemuseum Winterthur; Maison et Objet Paris: Fil Vert © Maison et Objet Paris © Organisation SAFI S./p. 33 Brussels Design September: Maarten de Ceulaer, Sundial chandelier © Teri Romkey; London Design Festival: Current Table © Marjan van Aubel S./p. 34 Design Manchester: © Design Manchester Ltd.; Łodź Design Festival: ­C entrum Festiwalowe I – wystawa Fresh Stuff, Festival Center I – Fresh Stuff exhibition © Lodz Design S./p. 35 Design Chain @ K: © Crain Communications Ltd; Death and the City: © Arch Out Loud; AED Neuland 2017: © aed Verein zur Förderung von Architektur, Engineeringund Design in Stuttgart e.V. Focus: S./p. 36–42 © Ralf Erlinger für Verlag form GmbH & Co. KG S./p. 45–46 Vitra Schaudepot © Vitra Design Stiftung gGmbH, photos: Mark Niedermann S./p. 47 Museum für Gestaltung Zürich, Schaudepot, ToniAreal, collection archive © Museum für Gestaltung Zürich, photo: Christine Benz S./p. 48 Hal Chair by Jasper Morrison at the new site of Design Museum in Kensington, photo:

Luke-Hayes © Design Museum London; New Design Museum Kensington, top floor © rendering: Alex Morris Visualisation S./p. 51 “Josef Frank –Against Design”, MAK exhibition hall / “Tracing Information Society – a Timeline”, MAK Forum, MAK Nite Lab © MAK – Österreichisches Museum für angewandte Kunst / Gegenwartskunst S./p. 52 © Ralf Erlinger für Verlag form GmbH & Co. KG S./p. 54 Präsident Abd al-Fattah as-Sisi kündigt eine neue Hauptstadt für Ägypten an, 2015 © AFP Photo / Egyptian Presidency, photo: Mohamed Samaaha S./p. 55 Präsentationsmodell Toni-Areal – Innerer Urbanismus, 2009 © EM2N Architekten AG, photo: Roger Frei; Schuco, Modellauto „Audi RS Q3“: Prototyp in doppelter Größe 1:21,5, 2013, Kunstharz-Guss, Kunststoffe, Original: 2013 © SCHUCO – Dickie – Spielzeug GmbH & Co. KG S./p. 56 Arbeitsmodelle bis zur Serienproduktion des ­Sperrholzstuhls „Houdini“ von Stefan Diez in der Ausstellung „Welten bauen – Modelle zum Entwerfen, Sammeln, Nachdenken“ im Museum für Gestaltung © ZHdK; Stuhl „Houdini“ für e15, Entwurfsarbeit im Atelier, 2009, Stefan Diez, München, photo: anonym; Diverse Testmodelle des SBBHochgeschwindigkeitszuges „Giruno“ von Stadler Rail in der Ausstellung „Welten bauen – Modelle zum Entwerfen, S­a mmeln, Nachdenken“ im Museum für Gestaltung © ZHdK S./p. 58 Rendering, Bee’ah Headquarters, Sharjah, Projekt, 2015 © Zaha Hadid Architects; Feldbahn im Bild 1:22,5, 2014, Lindenholz, Steine, Backsteine, gesiebter Humus, Sand, Gips, Alublech von Senftuben, Wasserfarben, Birkensamen, Schieferplatten © Marcel Ackle S./p. 59 CGI, Sublime, ­Konstruktion eines digitalen Automodells und Integration in eine Fotografie, 2015, © bei den Gestaltern S./p. 60 postcard from Google Earth (46°42'3.50"N, 120°26'28.59"W), 2010 © Clement Valla S./p. 61 Plakat „Welten bauen“, 2016, Museum für Gestaltung Zürich © ZHdK, design: Ralph Schraivogel; Modell des Orgelkonzertsaals im Toni-Areal von EM2N in der Ausstellung „Welten bauen – Modelle zum Entwerfen, Sammeln, Nachdenken“ im Museum für ­G estaltung © ZHdK S./p. 62–63 © Ralf Erlinger für Verlag form GmbH & Co. KG S./p. 65 Markenportal © Think Moto für Messe Frankfurt GmbH; Article dealing with Google Design, published on online platform for social journalism medium. com; Markenportal design.google.com © Google Inc. S./p. 66 airbnb.design, design blog © Airbnb Inc. Files: S./p. 68–73 © Jin Dallae and Park Woohyuk S./p. 74 Vilém Flusser Archive, Berlin © photo: Antonio Castles S./p. 74–77 „Bodenlos – Vilém Flusser und die Künste“, exhibition views, visual identity © graphics/photos: Clemens Jahn S./p. 83 © What Design Can Do Refugee Challenge S./p. 84 “Reframe Refugees”, digital platform for photo agency run by refugees © Marie-Louise Diekema, Tim Olland S./p. 85 “AGRIshelter”, temporary housing © Narges Mofarahian S./p. 86 The Beatles 1962–1966 / The Beatles 1967–1970, 1973 © Apple Records; Guy Hamilton, Goldfinger, 1964, © Eon Productions Ltd.; Stanley Kubrick, A Clockwork Orange, 1971, Korova Milk Bar, film still © Warner Bros.

Entertainment Inc. S./p. 87 George Stevens, Giant, 1956, James Dean wearing Lee 101Z jeans © Warner Bros. Entertainment Inc. S./p. 88 Spex – Musik zur Zeit, February 1986, Spex – Magazin für Popkultur, May/June 2015 © Piranha Media GmbH S./p. 89 Peter Greenaway, Goltzius and the Pelican Company, film still © Kasander Film Company S./p. 90 Roy Andersson, Du levande [You, the Living], 2007, film still © Palisades Tartan; Wes Anderson, The Darjeeling Limited, 2007, film still © Twentieth Century Fox Film Corporation S./p. 93–95 © Christoph Knoth S./p. 96 © Susanne Heinlein für Verlag form GmbH & Co. KG S./p. 97 © Link S./p. 98 © WASARA Co., Ltd.; SIWA by Naoto Fukasawa, Urushi collection, pattern design: Harri Koskinen, Klaus Haapaniemi, Ninä Perhonen © Onao Co., Ltd. S./p. 99 © Onitsuka Tiger, 2015 Asics Europe Corporation S./p. 100 2016/, Arita, sketch © Studio Wieki Somers; © 2016/, Arita, design: Studio Wieki Somers, photo: Scheltens and Abbenes; 2016/, Arita, design: Scholten and Baijings, photo: Scheltens and Abbenes; 2016/, Arita, sketch, paper model © Scholten and Baijings S./p. 101 2016/, Arita, making of © photo: Kenta Hasegawa S./p. 102 © bnb media gmbh niggli Verlag S./p. 107 Last Exit Alexanderplatz: © Mouna GmbH; Wehrhahn Linie: © Christof Kerber GmbH & Co. KG; ­P ublishing as Artistic Practice: © Sternberg Press, Berlin; The Intelligent Lifestyle Magazine: Die Gestalten Verlag GmbH & Co. KG S./p. 108 The Politics of Design © BIS ­P ublishers, Amsterdam; Design. The Invention of Desire: © 2016 Yale University; Design as Research: © Birkhäuser/ Walter de Gruyter GmbH; HA: © Iceland Design Centre S./p. 110 ↗96 © 2016/, Arita, photos: Kenta Hasegawa, Anneke Hymmen ↗70 © Jin Dallae & Park Woohyuk ↗52 Stanley Kubrick, The Shining, 1980, film still, © Warner Bros. Entertainment ↗Cover, Focus Carolin Blöink / Ralf Erlinger für Verlag form GmbH & Co. KG S./p. 111 ↗86 Roy Andersson, Du levande [You, the Living], 2007, film still © Palisades Tartan ↗83 © The Green Card Team ↗42 “Josiah Mcelheny: The Ornament Museum”, p ­ erformance with Susanne Sachsse, photo: Peter Kainz © MAK – ­Ö sterreichisches Museum für angewandte Kunst / ­G egenwartskunst ↗96 Agar Plasticity – A Potential ­Usefulness Of Agar For Packaging And More, photo: Kosuke Araki © AMAM S./p. 114 © Integral Ruedi Baur Zürich for Manifesta 11, “What People Do For Money”, visual identity

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Outtakes

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↗ Cover, Focus

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form 267/2016

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2016/, Arita, behind the scenes, photos: Kenta Hasegawa, Anneke Hymmen 2016arita.com

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Jin Dallae and Park Woohyuk, Meme ­Remix, NK Village of Corners, 2014, postcard jinandpark.com

↗ 52

“Building Worlds. Models for Designing, Collecting, Reflecting”, Museum für ­G estaltung Zürich, Stanley ­Kubrick, “The Shining”, Warner Bros. Entertainment, 1980, film still museum-gestaltung.ch

↗ 86

↗ Cover, Focus

Herzlichen Dank an Ralf Erlinger für die gemeinschaftliche Produktion der ­Bildstrecke.

Many thanks to Ralf Erlinger for the ­collaborative production of the photo series. ralferlinger.de

↗ 86

Roy Andersson, “Du levande” / “You, the ­L iving”, 2007, film still royandersson.com

↗ 83

“What Design Can Do Refugee Challenge”, The Green Card Team, The ­Welcome Card, 2016

whatdesigncando.com/challenge/finalists

↗ 83

Mehr Informationen zu den Finalisten der „What Design Can Do Refugee ­C hallenge“ finden Sie auf form.de/de/ magazine/form267 Further information on the “What Design Can Do Refugee Challenge” finalists at form.de/en/magazine/form267

↗ 42

MAK, Vienna, exhibi­tion view, “Josiah McElheny: The Ornament Museum”, ­p erformance with Susanne Sachsse, photo: Peter Kainz mak.at

↗ 96

AMAM, Agar Plasticity – A Potential ­Usefulness of Agar for Packaging and More, photo: Kosuke Araki a-ma-m.com

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