Historia: El Arte y La Cultura 1

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Directorio Dr. en I. Gilberto Herrera Ruiz Rector Dr. en A. Vicente López Velarde Fonseca Director de la Facultad de Bellas Artes Dr. en A. Eduardo Nuñez Rojas Secretario Académico de la Facultad de Bellas Artes C.P. Claudia Pérez Cordero Secretaria Administrativa de la Facultad de Bellas Artes LDA. Juan Carlos Sosa Martínez Coordinador de la Licenciatura en Docencia del Arte Aurelio Manuel Martínez Jiménez Brenda Rodríguez Ontiveros Carlos Guillermo Fernández Dario Peraza Diáz Diego Ángulo Martínez Dolores Valle López Erik Leonel Quintana Cruz Fabiola Moreno Lobera Gualberto Insunza Villalón Ivonne García López José Enrique Martínez Aguilar Juan Alberto Victoria Hernández Juan Carlos Carmona Mendoza Luis Alberto Nieto Ruiz Magdalena Nava Díaz Miguel Ángel Muñoz Gutíerrez Sandra López Dinorín Alumnos de 1er Semestre Licenciatura en Docencia del Arte Redacción

El arte del antiguo Egipto es único en su enfoque de la representación visual. A lo largo de 3,500 años, el arte egipcio se rigió por una serie de cánones o reglas estrictas.

Los antiguos egipcios no sabían nada de perspectiva matemática, al igual que nadie en ese entonces. La perspectiva lineal es un descubrimiento del arte del Renacimiento.

El arte egipcio es mejor conocido que el de otros pueblos de la Antigüedad. Ello es debido esencialmente a dos hechos: las creencias religiosas de ultratumba (se han conservado numerosos enterramientos) y al empleo de piedra como material en la construcción de sus edificios religiosos y funerarios (templos y tumbas), lo que les dio una gran solidez y durabilidad.

El arte egipcio tiende al gigantismo, es decir, muchos de sus edificios y esculturas son de dimensiones colosales, con las que se demostraba el poder del faraón.

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Las expresiones artísticas egipcias más antiguas se clasifican en las siguientes etapas: Periodo Neolítico (5300-4000 a. C.), periodo Badariense (4400-4000 a. C.), Nagada I - Amratiense (4000-3500 a. C.), Nagada II - Gerzeense (3500-3200 a. C.) y Nagada III (3200-3000 a. C.) En estos periodos predomina la pintura decorativa (en cerámicas) o simbólica (en tumbas) y pequeños objetos.

Es de carácter utilitario y mágico. Destacan las vasijas de piedra, las “mazas” y “paletas” votivas, como la de Narmer.

PERIODO DINÁSTICO (C. 3000 A 30 A. C.) Asombra la perfección, delicadeza y monumentalidad del arte egipcio, con un estilo característico que surge en los primeros siglos y permanece casi inalterado en tres milenios de cultura.

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La pintura y la escultura en relieve empleada en templos y tumbas, unido al empleo de abundantes jeroglíficos ha permitido conocer con gran detalle la historia del Antiguo Egipto.

Se caracteriza principalmente por presentar figuras yuxtapuestas en planos superpuestos. Las imágenes se representan con criterio jerárquico, por ejemplo: el faraón tiene un tamaño más grande que los súbditos o los enemigos que están a su lado.

Predominaba el “canon de perfil” que consiste en representar la cabeza y las extremidades de perfil pero los hombros y los ojos de frente. Este canon principal del arte egipcio antiguo dictamina que todo objeto ha de ser representado desde el punto de vista que mejor lo define. Un rostro está mejor representado de perfil, mientras que el torso se ve más definido de frente. De la misma manera, se dibuja de frente el ojo en el perfil de una cara. Las manos y los pies se dibujan de perfil, con las piernas extendidas cuando la figura se representa caminando.

Las pinturas se encuentran en papiros y paredes de tumbas, los bajorrelieves principalmente en los muros de los templos. Las escenas más típicas eran las de la vida cotidiana o las del “Más Allá”.

Los artistas egipcios tenían que hacer algo más allá de decorar. Pocas personas podían leer o escribir, por lo que las imágenes tenían que transmitir información acerca de un personaje, su importancia y sus actividades. Por ejemplo, los faraones y dioses eran siempre las figuras mayores en la composición.

Sus posturas eran también mucho más formales y angulares para denotar su estatus social. Sus representaciones carecían de expresión emocional por la misma razón. Este enfoque de la representación artística de un personaje de importancia en la sociedad se llama hieratismo.

ESCULTURA Comienza a representarse a faraones y dioses ya en las primeras dinastías, alcanzándose durante la cuarta dinastía el dominio absoluto de la técnica en elegantes representaciones de porte majestuoso con acabados pulidos en materiales tan duros como el granito o la diorita. Predominaba la “ley de la frontalidad”, que consistía en concebir las figuras de reyes y dioses para ser vistas de frente, idealizadas y con fuerte simetría. Las representaciones de los cortesanos siempre eran más reales. También, en el periodo de Amarna se representó a la familia real de forma más realista.

Estas reglas artísticas fueron pasando de generación en generación, y sólo fueron rotas brevemente durante el período de Amarna (nombre árabe de una región situada en la ribera oriental del río Nilo, célebre por ser el enclave donde se edificó la ciudad egipcia de Ajetatón), cuando el faraón Akenatón instruyó a sus artistas a relajar las reglas de postura y representarlo a él y a Nefertiti de una manera más humana y más grácil.

El arte de las primeras dinastías es más hierático (solemne, sagrado), las figuras son algo toscas y el esquema de color es más apagado. El Museo Egipcio del Cairo tiene la mejor colección de este tipo de arte egipcio. más brillante. Es una época de riqueza, con el oro y otros materiales costosos empleados de una manera libre, especialmente en pequeñas figuras, muebles y, por supuesto, la orfebrería. La escultura se transforma en monumental. El arte de esta época, la más gloriosa de Egipto es el más cotizado. Innumerables objetos fueron extraídos de Egipto por exploradores y aventureros en calidad de tesoros durante el siglo 19 y muchos otros han sido saqueados desde entonces. La mejor colección de arte del Reino Nuevo se encuentra en el Museo Británico. De esta época es también el llamado estilo de Amarna, que se distingue por la sinuosidad en los elementos de su diseño.

Es muy útil ser conscientes de estos detalles al momento de apreciar el arte del antiguo Egipto en museos, templos y tumbas

MÚSICA Y DANZA La primera gran cultura para infundir toda su sociedad con la magia de la música y la danza era la el de Egipto antiguo. Los antiguos egipcios disfrutaron de la vida al máximo y ninguna celebración en el antiguo Egipto habría sido completa sin la música y el baile en las fiestas con cantantes y bailarines dedicados a la música de arpas, laúdes, tambores, flautas, platillos, castañuelas y panderetas.

Durante los festivales, las multitudes corearon y aplaudieron, arrastrado por el ritmo vibrante de las orquestas egipcias, mientras que los bailarines realizaban hazañas increíbles, saltando girando y doblando sus cuerpos al ritmo de la música.

La mayor parte de la vida secular y religiosa egipcia estuvo marcado por la interpretación de la música y la danza. Este importante aspecto de la vida cotidiana de los egipcios se representa ya en los períodos pre-dinástico. Paletas ceremoniales y vasijas de piedra indican la importancia que la música tenía aún en el primero de los períodos. La importancia de la música en la vida cotidiana en el antiguo Egipto es subrayada por el gran número de instrumentos musicales que se encuentran en las colecciones de museos de todo el mundo.

En muchas escenas de banquetes que se encuentran dentro de las tumbas de los antiguos egipcios, los banquetes parecen ser más secular. Se muestra en estas escenas son una idealizada en lugar de cualquier evento real. Los componentes básicos de estas escenas cambian muy poco a lo largo de la historia de Egipto, hasta el Imperio Nuevo. Alrededor de la XVII Dinastía, hay un marcado cambio de carácter, en el canto, la danza y el general “sentir” de estas escenas. En este momento vemos un marcado sentido de significado erótico. Flores de loto, mandrágoras, pelucas y conos ungüento, así como hombres y mujeres vestidos con prendas semi-transparentes y los gestos de los participantes banquetes.

Música, amor y sensualidad van de la mano en la mayoría de las civilizaciones, antiguo, así como moderna, y en diferentes esferas. La música en general es un componente importante de la vida, una pieza importante del tanto de la vida secular y religiosa. Probablemente la mejor indicación de disfrute y valor de la música y la danza del Antiguo Egipto es un papiro satírico en el que un culo está jugando un gran arpa, un león con una lira, un cocodrilo con un laúd, y un mono con un doble oboe.

El final del Reino del Antiguo Egipto ha sido explicado desde perspectivas económicas, un agotamiento de los recursos ante el crecimiento de las instituciones funeraria o consecuencia del aumento de poder de los monarcas que llevó a una descentralización del país. Sin embargo, lo que implica el término “crisis” no ha sido analizado desde una perspectiva egipcia, al mismo tiempo que no se ha tenido en cuenta el propio dinamismo de la cultura egipcia, los cambios que se producen en su entorno, próximo y lejano, o las características internas de una cultura que, lejos de ser monolítica a lo largo de su desarrollo, experimenta importantes transformaciones.

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- Mesopotamia significa en griego “entre ríos”. La región así denominada abarcaba inicialmente los territorios comprendidos entre los ríos Tigris y Eufrates - La historia de Mesopotamia es una sucesión de civilizaciones, iniciada por los sumerios hacia el 3.000 a.C. Estos son vencidos por las huestes de Sargón, rey de los acadios hacia el 2.350 a.C. Desde ese momento conviven dos importantes culturas: los asirios (Assur) al norte, y los babilonios (Babilonia) al sur, hasta que toda la región quede bajo dominio del Imperio Persa en 539 a. C. - La sociedad era controlada por una fuerte jerarquía a cuya cabeza estaba un “lugal” (gran hombre), considerado como intermediario de la divinidad, y una casta de sacerdotes.

AKKAD El primer rey de este pueblo de origen semita, Sargón I (2.334 a.C. - 2.279 a.C.), derrotó al rey sumerio Lugalzaggesi y estableció la supremacía acadia en Mesopotamia, Siria y Asia Menor, llegando incluso a la isla de Chipre.

- Su nieto Naram-sin (2.254 a.C. - 2.218 a.C.) hereda el imperio acadio con nuevas conquistas, que ordena perpetuar en obras como la Estela de Naram-sin: esta enorme estela de dos metros supone la máxima exaltación del rey, que aparece de mayor tamaño que sus súbditos y con atributos divinos, como la tiara con cuernos; intenta crear un paisaje, con árboles aislados y una montaña, sobre la que aparecen astros, símbolos de diversas divinidades.

Existe un busto que parece ser su retrato, Cabeza de Naram-sin, obra maestra del trabajo sobre bronce, alcanza un alto grado de belleza idealizada en el rostro y los labios, contrastando con la barba, muy detallada y agrupada en formas geométricas.

SUMER - En Sumer florecen numerosos centros urbanos muy relacionados entre sí, como las ciudades-estado de Kish, Ur, Uruk, Lagash o Mari. Para llevar el control de los crecientes intercambios comerciales se perfecciona la escritura, que se llama “cuneiforme” por estar desarrollada con signos en forma de cuña.

Es la época del poema épico de Guilgamesh, rey de Uruk hacia 2.650 a.C., en el que ya se menciona el Diluvio Universal.

Los templos, con enormes escalinatas de acceso, se alzan sobre plataformas en talud, rematadas por una torre de la oración, un ejemplo es el Ziggurat de Ur III: delante del ziggurat, que presenta un aspecto muy sólido, con pocos vanos, se abren enormes patios abiertos, donde se congregaban los fieles. La escasez de piedra obliga a emplear el adobe o el ladrillo, a veces decorado, como material de construcción.

- En el interior de estos templos ha aparecido una gran cantidad de esculturas que no representan a los dioses sino a los hombres en trance de solicitar ayuda a los dioses, como es el caso de la estatua del Intendente Ebih-il de Mari: sentado en actitud orante, el rostro recibe diferente tratamiento al cuerpo; la cabeza se caracteriza por la minuciosa elaboración de la barba y las incrustaciones de lapislázuli en los ojos; el cuerpo, en cambio, es poco detallado y tiende a la forma geométrica; la figura lleva la típica falda sumeria, hecha con mechones de lana.

- En la llamada Estela de los buitres, las imágenes y texto aparecen unidos para favorecer el carácter narrativo de las victoriosas campañas militares de Eannatum, el rey aplasta sin piedad a los enemigos, que son devorados por buitres (de ahí su título actual). Técnicamente se caracteriza por representar el rostro de las figuras de perfil y el resto del cuerpo con un punto de vista frontal.

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PERÍODO NEOSUMERIO - Hacia el año 2.150 a.C. se unifican los reinos de Sumer y Akkad, consolidando una compleja burocracia e iniciándose transacciones que podemos calificar de bancarias, con préstamos a interés en la compra de productos, pruebas del alto desarrollo político, social y económico alcanzado.

- En general, es una época brillante para el arte, coronada con la figura de Gudea, “ensi” o gobernador civil de Lagash entre 2.141 a.C. y 2.122 a.C. Este poderoso gobernador, también poeta y arquitecto, inicia un intenso programa de creación y reconstrucción de templos, debiéndose a él también el encargo de abundantes obras escultóricas.

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ASSUR - El Imperio asirio se extiende entre 1.800 a.C. y 612 a.C. En su historia podemos distinguir tres períodos: Imperio Asirio Antiguo (1.800 a.C. - 1.375 a.C.), Medio (hasta 1.047 a.C.) y Nuevo (entre el año 883 a.C. y el año 612 a.C., fecha de la invasión de los medos).

- Su primera gran capital, Assur, toma el nombre del principal dios de este pueblo guerrero, del que hay noticias ya en el año 2.500 a.C. Pero pese a la gran cantidad de construcciones civiles y religiosas realizadas por los asirios, su arte viene determinado por la escultura.

Hay mucha diferencia entre las estatuas de bulto redondo, por lo general muy rudimentarias, y los relieves, que suponen una de las cimas del arte universal.

- Los relieves representan animales, seres mitológicos o escenas de caza y guerra, Llenas de vida y movimiento.

- También se fomentan otras artes, como el ladrillo vidriado o la pintura mural, de gran calidad.

BABILONIA - Podemos establecer la existencia del imperio babilónico entre el año 2.000 a.C. y 539 a.C., fecha de su derrota ante el imperio aqueménida.

- El rey Hammurabi (1.792 a.C. — 1.750 a.C.), alterna su condición de guerrero (domina Sumer y Akkad) con reformas internas. El famoso Código de Hammurabi resume toda la legislación vigente, en él se asignan derechos y deberes concretos a los tres grupos de población, los poderosos, el pueblo y los esclavos. Se trata de una estela de diorita de 2,25 metros de altura, en la parte inferior está redactado el texto del Código y en la superior esta representada en relieve una escena en la que Hammurabi se encuentra de pie ante un dios que le dicta las leyes y le entrega los símbolos de poder.

- También reglamenta la propiedad de tierras, muchas de las cuales marcan sus límites con las estelas llamadas kudurru, como en el Kudurru del rey Meli-shipak II, en el que en diferentes registros aparecen figuras de dioses, encarnados en animales, cuya presencia consagra jurídicamente la propiedad de esas tierras; a veces, incluso, aparece también el texto del contrato.

EL IMPERIO NEOBABILÓNICO - El imperio neobabilónico (600 a.C. - 539 a.C.) comienza tras la muerte del rey asirio Assurbanipal. Es la época de Nabucodonosor II, que conquista Jerusalén en 598 a.C. y reconstruye las ciudades míticas de Mesopotamia.

- Es este el gran momento de la ciudad de Babilonia, que tuvo un perímetro de 20 Km., con doble muralla y ocho puertas de acceso, entre ellas la Puerta de Ishtar.

La ciudad también contenía los Jardines colgantes de Semíramis, una de las siete maravillas de la Antigüedad, y la mítica Torre de Babel, objeto de la ira divina en la Biblia, que en realidad tuvo que ser un ziggurat. En el Palacio de Nabucodonosor II, la decoración se realiza a base de motivos geométricos, vegetales y de animales en procesión, tales como toros, dragones o leones, empleándose colores brillantes, predominando los azules y dorados, que dan sensación de lujo.

ARQUITECTURA La arquitectura tenía sus raíces en el suelo mismo, en sus recursos tan especiales: los antiguos procedimientos sobrevivieron por ser los únicos posibles.

Los métodos derivaban de los recursos, no se necesitaba para alzar un palacio mas que obreros capaces de moldear y apilar ladrillos.

Desde los tiempos mas remotos lazos estrechos parecen unir una a otra las arquitecturas de la Mesopotamia y de Egipto; por ejemplo, Amenofis IV señor de las provincias asirias, intenta reemplazar el culto de las divinidades nacionales por el culto caldeo de los astros y esta reforma dejo su huella en la escultura sagrada de Egipto.

TEATRO El dialogo más antiguo que se ha encontrado proviene de Mesopotamia. Además, aquí aparece la proyección mítica por primera vez: el dios se hace hombre, aunque solo sea para enamorar a una mortal.

MÚSICA La música ha estado siempre presente en la historia de la humanidad. Los primeros habitantes del planeta ya utilizaban lo que la naturaleza les ofrecía para hacer música.

La música tiene que ver mucho con la religión, cantaban a los dioses. También se canta en las ceremonias civiles por algún acontecimiento como puede ser un nacimiento, una guerra o un canto dedicado a un buen día de caza.

Gracias a los hallazgos en las tumbas reales de las antiguas ciudades más importantes de, Ur y Kisch, se conoce la existencia de los instrumentos que utilizaban los habitantes de la región. Aparte, estudios arqueológicos constatan que en las pinturas de la época aparecen ya escenas de músicos. Los habitantes inventaron también la escritura y es gracias a ellos que ha llegado hasta nuestras manos un valioso documento que supondría un acompañamiento musical con el instrumento más apreciado de la época, el arpa.

Quizás por encontrarse en una zona de paso, por su ubicación entre el área mediterránea y el área indostánica, fue por lo que recibió la visita de numerosos pueblos que ayudaron a desarrollar un estilo musical que está presente tanto en el culto religioso como en la celebración de fes tividades, sin descartar la música utilizada en momentos de guerra.

Así, los sumerios, el primer pueblo que se instala a lo largo de los ríos Éufrates y Tigris, cantaban himnos de carácter ritual en las ceremonias religiosas. Uno tiene que hacerse a la idea de la importancia de los templos y la religión para los antiguos habitantes del actual Iraq. Se cantaba al soberano que estaba al frente del estado que hacía a su vez las funciones de rey y de sacerdote. Eran cantos que se transformaban en lamentaciones dirigidas al dios. Los sumerios no sólo tocaban el arpa sino que tambores, panderetas, liras y cascabeles se utilizaban para acompañar los salmos.

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La civilización griega tuvo como centro el Mar Egeo y su territorio incluía la Grecia continental (penínsulas balcánica y del Peloponeso), las islas del Mar Mediterráneo Oriental y del Mar Egeo y las costas de Asia Menor (la actual Turquía).

Los griegos fueron contemporáneos de las civilizaciones egipcia, fenicia y mesopotámica, con los que establecieron lazos comerciales. El nombre primitivo de Grecia era Hélade, de ahí el nombre de helenos con el que se denominaba a los antiguos griegos.

Durante la Edad de los Metales en esta región del M. Mediterráneo se dieron la civilización cretense o minoica, la civilización micénica y epoca oscura.

A partir de la formación de las primeras polis, la historia de Grecia abarca desde el año 800 (a.C.) hasta el año 146 (a.C.) y se divide en tres etapas: Época Arcaica: 800- 494 a.C. Nacimiento de las polis.

La polis estaban gobernadas primero por reyes y después por la aristocracia (grupo dirigente formado por nobles y terratenientes) o tiranos (persona que se hacia con el poder por la fuerza).

Se produjo la colonización griega del Mar Mediterráneo (colonias).

Las colonias era un territorio ocupado y administrado por un grupo de personas procedentes de una polis griega. Primeros Juegos Olímpicos 776 (a.C.) Se empezó a producir monedas para el comercio. Época Clásica: 494 - 359 (a.C.).

Había muchas polis. Las más importantes eran Atenas y Esparta.

Al principio de la etapa los abusos de la aristocracia dirigente provocó muchos desordenes que dieron lugar a una serie de reformas que trajeron como consecuencia el inicio de la democracia (gobierno del pueblo), introducida por el legislador Solón en Atenas, mediante la creación de la Asamblea de ciudadanos Ekklesia) Con el gobierno de Pericles, la polis de Atenas vivió su época de máximo esplendor. En la polis de Esparta no había democracia, el sistema de gobierno era una oligarquía (gobierno de un grupo reducido de personas). Se produjeron varios enfrentamientos militares, en tre ellas la Guerra del Peloponeso entre Esparta y Atenas porque Atenas se había quedado con el dinero de la Liga de Delos (alianza de las polis griegas para prevenir ataques de los persas).

Venció Esparta que impuso una oligarquía en Atenas. Época Helenística : 359 - 146 (a.C.) El ejército de Macedonia (reino del norte de Grecia) al mando de Filipo 11 conquistó las polis griegas. Su hijo Alejandro Magno continúo la expansión de sus territorios creando el mayor imperio del mundo antiguo.

Alejandro Magno conquistó las polis griegas, Mesopotamia, Persia, Egipto, etc., extendiendo su imperio y la cultura griega hasta la India.

A la muerte de Alejandro Magno su imperio se repartió entre sus generales dando lugar a los reinos helenísticos Finalmente los reinos helenísticos fueron conquistados por los romanos que formaron un gran Imperio alrededor de todo el M. Mediterráneo que duró hasta el año 476 d. C.

DANZA EN GRECIA La danza era considerada de origen divino por los griegos, expresaban sus emociones y sentimientos más profundos, no ponía acento en la perfección de la interpretación, sino en la fuerza de la caracterización. Saber bailar era cualidad muy apreciada en cualquier profesión y estamento social; considerado un don divino y una forma de comunicarse con los dioses. Presente en los momentos más significativos de la vida de los griegos; acompañaba los banquetes, matrimonios y funerales.

Los orígenes de la danza y el arte lírico de la Grecia clásica tienen lugar en Creta, isla privilegiada cuyos habitantes supieron desarrollar una espléndida cultura y donde los dioses enseñaron la danza a los mortales. Algunos bailes tenían su origen en el culto y la religión, pero los cretenses apreciaron más el aspecto espectacular convirtiéndolos en parte de sus diversiones. La danza intervenía con canciones y procesiones solemnes, en las que el papel dominante lo sustentaba la mujer. La danza era individual donde las bailarinas evolucionaban girando sobre ellas mismas, doblando a veces las rodillas, ó sujetadas de las manos o los pufios, levantando un brazo, dirigiendo la palma hacia el cielo, mientras el otro permanecía abajo con la palma hacia la tierra; esta posición ya se encontraba en Egipto y se verá de nuevo en las danzas dionisíacas y en Eturia.

Danza Cretense en el gran patio central de los palacios se celebraban “fiestas” y diferentes actividades recreativo-religiosas. Los jóvenes protagonistas llevaban a cabo espectaculares manifestaciones corporales, en las que realizaban saltos con movimientos “acrobáticos” y de agilidad.

El apogeo de la danza fue alcanzado durante la edad clásica, en mas de 200 danzas religiosas, atléticas, dramáticas y populares, ejecutadas en el teatro, en el estadio y en el templo. Las danzas más antiguas en Grecia son las Danzas Dionisiacas baile sagrado, en honor del dios Dionisios (Baco), derivará a danza de divertimento, un baile de locura mística y ceremonia religiosa. En sus primeros tiempos era las Ménades quienes lo practicaban, aunque tiempo después hombres y mujeres se travestían; conocidas como danzas frenéticas.

Danzas frenéticas, acompañadas por percusiones, protagonizadas por los Sátiros y las Ménades.

En Delfos, consagrando al dios Apolo, se practicaban danzas que imitaban el vuelo de la grullas y que recordaban al rey Teseo saliendo del laberinto de minos. La historia en la que Theseo, mató al minotauro en el laberinto de Knossos.

El mito surgió con Teseo, el héroe mortal más famoso entre los griegos. Era hijo de Egeo, rey de Atenas y de Etra “El Cielo luminoso”. En Cnosos, capital de la isla de Creta. Aquí reina Minos quien había pedido a Poseidón una ofrenda con la que agasajar a los dioses. Poseidón, el Rey del Océano, le envió un hermoso toro blanco. Era tan espléndido que en vez de ofrecerlo a los dioses, decidió conservarlo como semental para sus propios rebaños. Poseidón, molesto, le castigó haciendo que su esposa Pasifae se enamorara del toro y tuviera relaciones con él. De esta unión nació el Minotauro, mitad hombre y mitad toro. Dédalo construye para él un laberinto.

Un buen día aparece en Atenas un emisario de Minos exigiendo que le enviase como tributo siete de los mejores jóvenes y mujeres para que participaran en los Juegos del Minotauro, en la arena del Laberinto. Hasta ese momento, todos los danzantes , habían terminado muertos. Teseo le pide a su padre que le envié a él como uno de los siete jóvenes.

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El padre se resiste, pero al final accede pidiéndole que si regresa vivo utilice velas blancas para anunciar su regreso. Ayudado por Ariadna, Teseo, con la guía de un ovillo de lana que le ha entregado la joven, entra en el laberinto y logra matar al Minotauro pudiendo salir ileso.

Eros interviene y ambos jóvenes se enamoran. Incendiada y destruida Cnosos, ambos jóvenes huyen en un barco para dirigirse a Atenas. Teseo se detuvo en Delos para ofrecer un sacrificio a los dioses por haberlo salvado, durante este sacrificio, el elaboró un baile con movimientos de serpiente que representaba su camino tortuoso a través del laberinto. Teseo, que quiere proseguir su viaje, no puede impedir que Ariadna se quede en Délos, cautivada por los Misterios que allí se llevan a cabo. Cuando ya avistaba Atenas, Teseo se olvidó de cambiar las velas negras de la embarcación por las blancas que le había dicho su padre. Egeo, lleno de dolor, creyendo que su hijo ha muerto, se arroja al mar al que da su nombre y muere. Así, Teseo se convierte en rey de Atenas.

El laberinto cretense podía ser un laberinto de siete circuitos que se encuentra grabado en la moneda de plata de Cnosos, esta Danza se practica en varias regiones de Grecia y Apolo, actualmente conocida como Danza de la Grulla.

MÚSICA EN GRECIA Era un arte que se encontraba presente en la sociedad de forma universal en celebraciones, funerales, teatro, etc. Representaba un papel integral en las vidas de los habitantes de Grecia.

A través de las fuentes se ha podido investigar, o al menos hacerse cierta idea, sobre cómo sonaba la música griega, su rol en la sociedad, las cuestiones económicas relacionadas con ese arte o la importancia social de los músicos. La propia actividad de tocar instrumentos musicales está presente a menudo en el arte encontrado en las cerámicas griegas. Por su parte, la propia palabra «música» procede de la denominación de las musas, las hijas de Zeus que, según la mitología griega, inspiraban todas las actividades creativas e intelectuales.

El Epitafio de Seikilos o Sícilo. (S. I aprox.)Es la más antigua melodía escrita que se conoce. Es una inscripción griega escrita en una columna de mármol sobre la tumba que había hecho construir Sícilo para su esposa Euterpe.

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Griego Ὅσον ζῇς, φαίνου, μηδὲν ὅλως σὺ λυποῦ• πρὸς ὀλίγον ἐστὶ τὸ ζῆν, τὸ τέλος ὁ xρόνος ἀπαιτεῖ.

Pronunciación Óson dsês, fénu, medén olôs si lipú. pros olígon estí to dsen, to télos o jrónos apetéi.

Traducción Mientras vivas, brilla, no sufras por nada en absoluto.

La vida dura poco, y el tiempo exige su tributo.

La inscripción está precedida por el siguiente texto: Griego ΕΙΚΩΝ Η ΛΙΘΟΣ ΕΙΜΙ. ΤΙΘΗΣΙ ΜΕ ΣΕΙΚΙΛΟΣ ΕΝΘΑ ΜΝΗΜΗΣ ΑΘΑΝΑΤΟΥ ΣΗΜΑ ΠΟΛΥ ΧΡΟΝΙΟΝ Pronunciación Éikon e lízos imí.

Tízesi me Síkilos énza mnímis azanátu séma polí jróñon

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Traducción Soy una imagen de piedra.

Seikilos me pone aquí, donde soy por siempre, señal de eterno recuerdo.

Afinación Pitagórica.

Afinación pitagórica, sistema de construcción de la escala musical que se fundamenta en la quinta perfecta de razón 3/2 o quinta justa.

Se obtenía mediante la división geométrica de una cuerda de un i nstrumento musical en dos, tres y cuatro partes iguales.

Partiendo de una nota base se obtienen las demás notas de una escala diatónica mayor encadenando hasta seis quintas consecutivas por encima y una por debajo, lo que da lugar a las siete notas de la escala.

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Por ejemplo, si partimos de la nota Do, o btenemos:Fa \ Do \ Sol \ Re \ La \ Mi \ Si (Círculo de quintas) Instrumentos Musicales comunes.

Lira: Instrumento de cuerda pulsada, con forma de ábaco, que originalmente se construía utilizando como caja caparazones de tortuga, y en el que había unas siete o más cuerdas.

Aulos: Instrumento parecido a un oboe doble en el que ambos se tocaban al mismo tiempo.

Flauta de Pan, también conocida como siringa (en griego συριγξ), era un instrumento musical antiguo que se basaba en el principio de la resonancia acústica en un tubo taponado.

Hydraulis: Instrumento de viento que se manejaba desde un teclado, precursor del órgano.

Corneta o trompeta aparece en diversas ocasiones en la Eneida de Virgilio.

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TEATRO GRIEGO Los festivales dramáticos estaban especialmente relacionados con el culto a Dionysos (“Bacchus”, dios del vino) en Atenas. Había dos festivales en que se presentaban piezas dramáticas: las fiestas Leneas (a fines de Enero) y las Grandes Dionisíacas (a fines de Marzo) bajo la dirección del Arconte Basileus (magistrado rey) y del Arconte Epónimo (dirigencia) respectivamente.

Los dramas en ambos casos se representaban en el gran teatro de Dionysos. Las Leneas apropiadas para las comedias, y las Grandes Dionisíacas para las tragedias. Las fiestas Leneas, además eran más quietas y su audiencia era casi puramente de ciudadanos. Las Grandes Dionisìacas, por su parte se realizaban en una época del año en que la ciudad estaba llena de extranjeros, eran muchos más fastuosas y brillantes. En ambos festivales, los poetas recibían premios, así como los coregas (coro) y los protagonistas.

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Edificios Teatrales En los teatros de piedra hay cuatro partes principales: 1.

El “théatron”, auditorio. Era una serie ascendente de asientos en filas semicirculares, se dividía por un tosco pasamano horizontal y por las gradas, en bloques como gajos concéntricos cuya fila primera o más baja, en Atenas, estaba formada por los tronos destinados a sacerdotes y funcionarios. Este auditorio estaba destinado para dar cabida a 30,000 espectadores y existían otros más espaciosos.

2.

La “orcheéstra”, sitio para la danza del coro. Inmediatamente junto a la primera fila de espectadores, comenzaba la “orcheéstra”, pista de baile en forma circular destinada a las evoluciones del coro, y a cielo abierto, lo mismo que el auditorio. Tenía accesos laterales, por donde entraba el coro y aun los espectadores podían aprovecharlos para ocupar sus asientos antes que comenzara el espectáculo.

3.

El “proskeènion” o “logéion”, escenario de los actores. Junto a la orquesta y en situación tangente al círculo, estaba el escenario de los actores. Era una plataforma de piedra de unos cuatro metros de altura y tres de ancho, sostenida por pilares, con una escalerilla al frente, por donde se podía bajar a la orquesta.

4.

La “skeneé”, el fondo. Detrás del escenario y cerrándolo por el fondo y los dos lados, en los teatros de piedra era una construcción de dos o tres pisos y que representaba la fachada de un palacio o templo. Por lo general tenía tres puertas que se abrían por el escenario, pero también se llegaba a éste por pasajes abiertos a ambos lados de la escena.

El Escenario Se atribuye a Sófocles el haber introducido el uso de decoraciones pintadas. El escenario del siglo V, consistía en la fachada decorada y permanente de la “skeeneé” ante el cual acontecía, como en una plaza, la acción del dama y que, con pocas excepciones, se mantenía para toda la pieza.

Entre los recursos escénicos están: I. La “ekkúkleema”. Pequeña plataforma movible sobre ruedas que representaba los interiores de las casas.

II. El “meechaneé”. Especie de grúa, mediante la cual las deidades u otros personajes eran descolgados sobre el escenario o levantados por el aire (“deus ex machina”) III. El “theologéion”. Alta plataforma en que solía aparecer un dios trayendo un aviso o mensaje.

IV. Los “charoónioi klímakes”. Por donde aparecían los espectros o deidades menores aparecían viniendo desde abajo.

V. Los “Brontéion, Deraunoskopéion”. Máquinas diversas de truenos y relámpagos.

Disfraces de los Actores Correspondía a la atmósfera heroica de la tragedia griega. Solían rellenarse el cuerpo con postizos y para aumentar su estatura, usaban un calzado o botas de suelas muy espesas llamadas coturnos, llegaron a ser el emblema de la tragedia, una máscara y una peluca. La vestidura reglamentaria era el chitón largo o jonio, lo bastante amplio para cubrir el cuerpo y sus rellenos artificiales. La tela tenía tiras vistosas para a los personajes magníficos o prósperos y colores más sobrios para los humildes o desgraciados y era negra para las figuras luctuosas o afligidas.

La vestimenta de la comedia indicaba la posición social del personaje, como en la vida común.

El primitivo actor cómico tenía el vientre abultado, para producir un efecto grotesco, que todavía se exageraba con varios cinturones. El coturno, se sustituía con unas pantuflas y el emblema de este género teatral: el zueco de la Comedia. El coro de la tragedia, si usaba máscaras y sus vestidos eran los del personaje que representaba. El coro de la comedia usaba disfraz animal.

Las máscaras se les hacía de lino y/o corcho, cubrían la cara y la cabeza, como el actor perdía así el uso de las expresiones faciales, resultaba indispensable que su ademán fuera muy expresivo.

Las máscaras llevaban siempre una eminencia cónica arriba de la frente, donde se colocaba la peluca (ónkos”).

La máscara cómica era más grotesca y gesticulante.

Actores El número normal de actores (“hupocritaí”) era de tres, hombres todos, de los cuales uno era protagonista (“prootagoonisteés”) otro “deuteragoonisteés”, y el tercero “tritagoonisteés”, según la importancia de los respectivos papeles.

La originalidad de Roma, se aprecia en su carácter militar, que hace prevalecer el aspecto útil y practico de las obras, frente a la belleza abstracta e ideal del mundo griego.

El arte de Roma es un arte concebido para ser utilizado; lo primordial es su finalidad y el servicio que pueda prestar a la comunidad y, lo que es más importante, el servicio que pueda prestar a Roma.

ARQUITECTURA Y URBANISMO

La historia de Roma, su progresiva expansión a partir de un diminuto grupo de pueblos –para convertirse en un imperio que marcó con su genio el llamado mundo occidental- y su posterior caída, continúa fascinando y estimulando tanto la imaginación como la curiosidad de la gente.

Sobre un conjunto de colinas aisladas en medio de una vasta planicie de fácil defensa, lo bastante lejos del mar para no temer a los piratas, pero lo bastante cerca para aprovechar su vecindad y unida a él por un río navegable –al menos para naves de poco tonelaje- ,Roma ocupaba una posición ideal para desarrollar su poderío.

El pueblo romano era laborioso por necesidad, pues el territorio malsano en que vivía le obligaba a luchar contra la naturaleza. Rodeada además, de vecinos hostiles. Roma tuvo que combatir por su libertad y aun extenderse y conquistar territorios para poder mantenerse en su propio suelo.

Según cuenta la leyenda, Roma fue fundada en el año 753 a.C. por los gemelos Rómulo y Remo, que habían sido abandonados al nacer y sobrevivieron amamantados por una loba. Estos gemelos se convirtieron en el emblema de Roma.

Hasta el año 510 a.C., la ciudad fue gobernada por los reyes de los etruscos, que habitaban más al norte, un pueblo de piratas y hedonistas que, aparte de cerámica y dentaduras postizas, no nos ha dejado demasiadas cosas. Posteriormente la ciudad se convirtió en república (del latín res pública: asunto público).

Del 510 al 270 a.C., Roma conquista el resto de Italia y se entrega a luchas internas entre patricios (aristócratas) y plebeyos (denominación despectiva para el pueblo).El resultado modelo de muchas organizaciones políticas, y los nombres empleados para designar los distintos cargos perduran hasta la actualidad.

Las primeras comunidades itálicas tenían, naturalmente, carácter agrario y por ello sus primeras ciudades se pliegan a la orografía sin un plan determinado. Se origina así un entramado de calles que resisten mal las necesidades de una ciudad grande. Es lo que sucede con Roma y otras ciudades que crecen sin un trazado lógico.

En las ciudades de nueva planta, sin embargo, los romanos adoptan el sistema de cuadrícula que ya se había impuesto en el urbanismo helenístico, porque ofrece soluciones rápidas y claras.

Dicho plano solía ser rectangular o cuadrado, con cuatro puertas en los extremos, de las que parten dos grandes avenidas (vía Cardo y vía Decumana) en ambas direcciones; se disponían las calles secundarias que dividían la ciudad en manzanas o insulae, formando así una estructura en cuadricula.

Tomaron además otros refinamientos técnicos helenísticos: alcantarillado, traída de aguas, agua corriente, baños, servicios de incendios, mercados, calles.

Las calles eran calzadas de piedra con aceras elevadas, tenían construcciones de pórticos para el sol y la lluvia, y servicios públicos como las tabernas en la entrada de las casas.

El centro de la ciudad lo constituía el Foro, plaza porticada donde se encuentran una serie de edificios de gran importancia.

Los poderosos competían en donar edificios públicos dentro del Foro para el pueblo, ya que era una forma de hacer campaña política.

Aportación propia fue la del arco, que rompió relación con la tradición griega, vislumbrando una alternativa a las columnas.

El arco se vuelve el elemento básico de la arquitectura romana, y el desarrollo ingenieril permite generar posteriormente las cúpulas.

La genialidad romana se plasmó en los edificios públicos, creando nuevas tipologías de edificios: a) La basílica: grandes salas de reunión, bolsas de comercio, tribunales de justicias. Tienen planta rectangular dividida en tres naves, más ancha la central que las laterales; en uno de los extremos se coloca la tribuna para los magistrados. b) Las termas: baños públicos, divididos en varias zonas, el apoditherium o vestuario, el caldarium, tepidarium y frigidarium (zona de baño caliente, templado y frío respectivamente) Más tarde ampliaron sus instalaciones.

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LA ESCULTURA La escultura romana muestra una mezcla de influencias, lo que la hace evolucionar de manera distinta a la arquitectura.

Esto no quiere decir que no haya una escultura romana propia, aunque es cierto que es mucho más difícil de definir.

Los retratos en bustos y los relieves históricos son temas que se han considerado expresamente romanos, caracterizados por el enorme naturalismo y la imitación de los rasgos individuales.

En los relieves se irá alcanzando una personalidad definitiva en la escultura. Será al final de la República cuando se generalice un tipo de relieve de origen helenístico, en el que se empiezan a utilizar técnicas pictóricas como la perspectiva y otros efectos de profundidad.

Sin lugar a dudas el retrato es el tema más importante que nos ofrece la estatuaria romana, este tipo de retrato realista tiene sus orígenes en los retratos etruscos, fundamentalmente en los de tipo funerario.

El artista llega a esculpir en los bustos no simplemente el parecido físico sino también las características psicológicas del personaje representado.

El legado artístico romano ejercerá su influencia incluso después de la caída del Imperio, en el año 476, siendo retomados sus principios hasta su máximo nivel de perfeccionamiento con el Renacimiento, en los siglos XV y XVI.

La división del Imperio romano en dos sectores, oriental y occidental, tuvo para la historia del arte grandes consecuencias, ya que, al salvarse el Imperio de Oriente y caer el de Occidente bajo los bárbaros, el arte romano continuó viviendo en Bizancio o Constantinopla, ciudad que recibió al mismo tiempo el legado del Oriente. Puede definirse este arte bizantino como una síntesis del arte romano, helenístico y oriental. (González, 1996) La expresión “Imperio Bizantino”, deriva de Bizancio, la antigua ciudad sobre cuyo sitio fue construida Constantinopla, fue una fase del Imperio Romano; comenzó con el triunfo del cristianismo y la transferencia de su capital, efectuada por Constantino el Grande a principios del siglo IV, de Roma a Bizancio.

La era del Bizancio, se encuentra entre el antiguo Imperio Romano y el Renacimiento, se mantuvo durante once siglos y formó un enlace estratégico entre la antigüedad y el mundo moderno. Conservó de Imperio Romano la Ley Romana y la organización del Estado, y añadió una tercera fuerza organizadora: el cristianismo. El hecho de designar Constantino a la ciudad como capital no dio origen de inmediato al Imperio bizantino, como algo distinto del romano. Sin duda la semilla de la transformación estaba presente en la conversión de Constantino al Cristianismo.

Los bizantinos se consideraban a sí mismos el pueblo elegido de Dios. Su capital Constantinopla, estaba llena de reliquias de santos y de la Pasión, y había sido dedicada a la Virgen, a quien el pueblo reverenciaba como guardiana espiritual de la ciudad control todos los enemigos. En el palacio imperial, Los Cuatro Evangelios estaban colocados sobre un trono vacío, como símbolo de la presencia viviente de Dios. El emperador afirmaba gobernar por derecho divino, y servir de portavoz de la voluntad del Cielo; en su coronación un coro cantaba: “Gloria a Dios que os hizo emperador” (Sherrard, 1987)

Algunos relatos dicen que Constantino vio una cruz luminosa en el cielo, otros solamente dicen que tuvo un sueño, a consecuencia del cual inscribió un nuevo signo en su bandera. Más tarde esta historia se transformó en que había tenido una visión de la Cruz Cristiana inscrita en palabras: “por este signo vencerás”.

Comprende el arte bizantino no sólo el de la ciudad de Bizancio, sino el de todo su imperio y el de los países independientes, pero sometidos a su influjo cultural.

El arte bizantino evoluciona durante los nueve siglos que van desde Justiniano a 1453, en que Constantinopla cae en poder de los turcos. En tan largo espacio de tiempo pueden distinguirse tres períodos, los cuales se han denominado edades de oro. La primera comprende de los siglos VI al VIII. La segunda edad de oro o primer renacimiento del arte bizantino se extiende del siglo IX al XII, y la tercera o segundo renacimiento hasta el año 1453 en Constantinopla y hasta más adelante en los países que un fueron sojuzgados por los turcos. (González, 1996) El origen de aquel estilo se encuentra en la arquitectura de Pérgamo, Efeso, Mileto y otras ciudades griegas próximas a la costa de Anatolia en el Egeo durante los siglos IV y V. De estos siglos y de aquellas regiones salieron los elementos arquitectónicos básicos de la iglesia bizantina –las bóvedas múltiples, la cúpula y el plan centrado.

LA ARQUITECTURA El carácter principal de la arquitectu-

ra bizantina es el estudio científico de la construcción, lo que se explica por herencia romana. Construyendo bóvedas llegaron a obtener resultados sorprendentes. Superando a los romanos, construían sin cimbras los abovedamientos.

Para aligerar las bóvedas los bizantinos acudieron a diversos expedientes. Emplearon piedras muy ligeras, de consistencia porosa; pero también elementos de cerámica, huecos, tales como tubos y pares de tejas opuestas, a manera también de tubo.

En Bizancio el empuje no se contrarresta aumentando el grosor de las paredes, contrarrestan las grandes bóvedas con otras de medio cañón, casquetes e incluso contrafuertes.

En el Bizancio los espacios son continuos, sugiriendo un efecto de infinitud y sorpresa, en los edificios predomina el muro liso y corrido, lleno de una decoración diminuta e ininterrumpida. Las paredes se cubren con mosaicos vítreos, formando campos extensos, sin solución de continuidad (González, 1996) En Bizancio se emplean los dos tipos habituales de iglesia cristiana: la basilical y la del plan central. La basilical tiene como novedad el abovedamiento de las naves, sobre las naves laterales se edifican unas galerías de columnas, que reciben el nombre de tribunas, lugar destinado en los templos a las mujeres (matronium) Ya que las ceremonias del culto implicaban la separación de sexos. En las iglesias de planta central puede ocurrir que la cúpula cargue directamente sobre las paredes, a imitación del Panteón de Roma.

El gran desarrollo que alcanzan las cúpulas de Bizancio ha de ponerse en relación con el hecho de considerarse ésta imagen del cosmos, regido por Dios.

La arquitectura bizantina usó ricos materiales para las columnas y capiteles. En éstos el uso frecuente es el corintio. Los acantos tienen hojas diminutas, de espinosos contornos, produciendo el capitel un efecto pictórico, rico en claroscuro.

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Primera edad de Oro.

Templo de Santa Sofía de Constantinopla

En este período se erige la obra maestra de la arquitectura bizantina: el templo de Santa Sofía de Constantinopla, que mandó levantar Justiniano para reemplazar a la basílica constantiniana, destruida en un incendio. Fue construida por dos arquitectos minorasiáticos Antemio de Tralles y Isidoro de Mileto. Fue inaugurada en el año de 537, pero al año siguiente se hundió la bóveda, fue reconstruida en 562. Santa Sofía nos ofrece un soberbio compendio de ciencia constructiva en el estudio de bóvedas y contrarrestos.

Un núcleo muy importante de la arquitectura bizantina existe en la Italia norteña. Aparte de la catedral de Parenzo, en Istria, perteneciente al siglo VI, la sede principal de aquella arquitectura fue Rávena, capital del exarcado bizantino del mismo nombre. El tipo basilical se da en las iglesias San Apolinar in Classe y San Apolinar Nuovo, ambas del siglo VI y enriquecidas con suntuosos mosaicos.

A lo largo de éste período el arte religioso adquirió un estilo animado, y se amplió el campo de sus asuntos: los artistas se ocuparon de temas secundarios a Cristo, como los ángeles y los santos.

Segunda Edad de Oro.- Después de un periodo del siglo y medio de menor actividad constructiva, se inicia un renacimiento del arte bizantino que comprende las dinastías de los Macedonios (867-1057) y de los Comnenos (1057-1204). La crisis iconoclasta, lejos de hundir en la decadencia el arte bizantino, lo desvió hacia rutas más prometedoras. El arte será ante todo áulico.

MOSAICOS Una característica distintiva del arte bizantino fueron sus decorados en el interior de las iglesias, alrededor de las paredes se mostraban claramente la relativa importancia de las figuras u escenas de la jerarquía de la doctrina de la Iglesia.

Así, colocaban al Hijo de Dios en la cúpula de la Iglesia, su punto más alto y celestial. Bajo Él en orden de importancia, se disponían los ángeles, las escenas principales de la vida de Cristo, los Apóstoles, los profetas, y finalmente, en lugares inferiores, los santos.

Los mosaicos fueron realizados por hombres cultos, que tenían conocimientos de la perspectiva. Tanto los individuos como las escenas estaban ideados para que fueran claros, sencillos e identificables, de modo que pudieran producir un impacto máximo al ser contemplados a distancia, sin embargo al acercarse al detalle, son revelados toda clase de detalles sutiles, como las curvaturas de las línea. La graduación del color de diferentes matices.

La época iconoclasta tendrá su principal manifestación en una explosión de radicalismo religioso, se comienzan a considerar hieráticas las representaciones humanas en pintura y escultura religiosas. Así las escenas figuradas que se realizan son profanas. Una de las consecuencias más negativas de esta revolución iconoclasta fue la destrucción de las imágenes de épocas anteriores.

El mosaico consiste en un complicado esquema de pequeños piezas en forma de rectángulos dispuestos en hileras, estas piezas son llamadas teselas, trozos de piedra o vidrio, los espacios más complejos se llenan con teselas de forma irregular. La mayoría de los mosaicos bizantinos, especialmente los de los siglos medios, son del estilo llamado hierático, que quiere decir sagrado; estilo formalista, casi rígido, destinado no tano a representar hombres y hechos, sino a inspirar reverencia y meditación. Durante la larga vida de la escuela hierática, se produjeron muchos cambios sutiles, pasaron de las influencias clásicas griegas y romanas a través del ascetismo de Oriente, a una nueva forma de naturalismo.

Al final del periodo del arte bizantino dio un retorno al naturalismo, acentuaron las emociones, más bien que las meras formas físicas, como por ejemplo la Pasión de Cristo, y el dolor y la ternura de María. No obstante la más alta calidad artística se siguió manteniendo en los mosaicos y en las pinturas al fresco, que por razones de economía, prácticamente fueron reemplazando a los mosaicos en la decoración de las iglesias, pues la labor del mosaico era lenta y delicada.

La mejor colección aún existente es la de la iglesia del monasterio del siglo XI de Fócide, Grecia, dedicada a Hosios Lukas.

La Ternura de María 27

PINTURA La pintura bizantina tiene como característica principal, al igual que los mosaicos, la iconografía, en la época de Justiniano se realizaron frescos y pintura de libros.

El icono requería una concentración de lo esencial, con exclusión de lo menos importante y extrínseco.

Lo que importaba era la santidad o la dignidad de una representación sagradas; se quitaba importancia a las cualidades humanas. Se prescindía en gran parte de la perspectiva.

La pintura al fresco, en la cual se aplican directamente pigmentos al húmedo estuco de la pared, con frecuencia se utilizaba como sustituto más económico que los mosaicos. Un ejemplo de pintura al fresco se encuentra en Santa María Antiqua, Roma, realizadas en el siglo VIII, tiene un estilo abstracto, sus figuras son vigorosas y estáticas, dispuestas en una composición compacta, rodeadas de líneas oscuras. Otro ejemplo son los frescos de la iglesia de San Clemente en la ciudad de yugoslava de Ohrid. Las figuras del ábside y de la semicúpula del santuario están dominadas por la Virgen.

Los estribas que fueron autores de los manuscritos bizantinos, y los artistas que los ilustraron, practicaban un arte muy complejo. Usualmente eran libros litúrgicos para utilizarlos en la Misa, que representa una lección diaria sacada de la vida del santo del día.

También entremezclaban las ilustraciones de la página con textos de la Biblia.

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ESTILO ROMÁNICO • El punto de arranque del nuevo estilo es el monasterio de Cluny. Allí se elaboró la reforma, cluniaciense, basada en la adoración por todos los fieles de las reliquias de santos y que sólo podían poseer los monjes.

•

La arquitectura en el románico es lo más importante.

• La escultura y la pintura no existen al margen de la religión y su lugar de destino es siempre el templo, la iglesia o el monasterio, se supeditan a ornamentar el edificio románico.

• El arte románico en general es muy geométrico, emplea formas simples, rotundas, que indican una vuelta a la sensibilidad primitiva y rural, en sus trazos las líneas son estables y quietas, formas pesadas y volúmenes compactos.

• La fachada es lo que primero se ve, es el rostro del edificio y por eso debe ser atractiva, pero el interior debe ser sencillo, fuerte, oscuro y recogido como el alma cristiana.

• El estilo románico es un arte rural: ermitas pequeñas en el campo, monasterios perdidos en las montañas, iglesias pequeñas en pequeños pueblos.

EL ARTE ROMÁNICO CARACERÍSTICAS GENERALES • El Románico es el arte de la plena Edad Media y del Feudalismo (Francia, siglos X, XI y XII) • El estilo artístico se adapta a una sociedad rural, inculta, controlada intelectualmente por la Iglesia. Es el arte de la irracionalidad, el oscurantismo y el misterio, un arte relacionado con la fe, surgido de una cultura teológica.

• La Iglesia coacciona el pensamiento libre y desconfía de los individuos que se ponen a pensar por sí mismos y tratan de ver las cosas con “la luz de la razón”.

• La fe no es algo comprensible para todos y sólo clérigos y nobleza podían inmiscuirse en los misterios de la fe.

• Los monasterios y algunas catedrales románicas son poderosas construcciones, similares a castillos y con idénticas funcionesdefensivas. Orar y guerrear es muchas veces lo mismo: los monjes eran a veces guerreros (órdenes templarias o cruzados) y los obispos eran también nobles. Por eso iglesia +construcción defensiva irán siempre unidas 31

• La iconografía románica profunda no era comprendida por la gran masa de fieles.

• Los sistemas arquitectónicos están en manos de los monjes al igual que toda la precaria ciencia medieval.

• Al fiel sólo le llega el resultado iconográfico final de la obra: el miedo, el castigo, la protección de la Iglesia pero no comprende la narración de la historia.

• Es un arte pedagógico y mediante la escultura y la pintura se pretende educar al pueblo y someterlo, más por el temor a Dios que por la comprensión de su mensaje.

• Por eso las fachadas románicas poseen a menudo monstruos y animales mitológicos para asustar a la gente, además de pasajes bíblicos sencillos para educar a un pueblo analfabeto.

Principales obras arquitectónicas de Francia:

ARQUITECTURA ROMÁNICA

4.Iglesias de Peregrinación: San Sernín de Toulouse de 1088 y Santa Fe de Conques de 1039.

La Abadía de Cluny es el primer monumento con todas las características fundamentales del estilo (Borgoña, Francia) .El Templo Románico es el monumento principal de la arquitectura románica. Su planta suele ser de cruz latina, con una o varias naves longitudinales, También hay templos con planta de cruz griega y templos centralizados(baptisterios o iglesias octogonales de templarios).

El templo románico se resuelve en un juego de volúmenes geométricos. Los muros sobresalientes de la nave central se perforan por una banda de ventanas que contribuyen a la iluminación del interior.

Otra innovación del Románico es la incorporación del campanario al cuerpo de la iglesia.

Una variedad del templo románico es el templo claustral o monasterio, el cual se organiza en torno a un patio central que está rodeado por un corredor cubierto o claustro sostenido por arcos y columnas (Mayores características arquitectónicas y escultóricas). Sobre los muros del claustro se abren todas las dependencias del monasterio: iglesia, refectorio, sala capitular, sacristía, cocina, biblioteca, celdas, etc.

El templo románico se cubre normalmente con bóveda de medio cañón, también el uso de bóvedas de arista, bóvedas de cuarto de esfera.

La columna románica es diferente a la clásica: parte de un plinto cuadrado a modo de basa, un fuste liso muy desproporcionado entre grosor y altura (no hay concepto de esbeltez) y un capitel grande, troncocónico y decorado con temas vegetales, hojas de parra con tallos retorcidos, o temas de animales, frecuentemente figuras monstruosas de animales o personas (irracionalismo, oscurantismo y miedo).

1.La Iglesia abacial de Cluny, la cual fue reedificada entre el 1080 y el 1108.

2.El templo de Santa María de Vezelay 3.La catedral de Angulema (Región de Poitu)

5.El templo de San Trófimo.

El Románico en Italia se sitúa sobre todo en el Norte, la Lombardía y también en el centro, pero es un Románico con pervivencias clásicas, el conjunto románico más grandioso de Italia está en Pisa, república comercial medieval experimentó un gran auge en el siglo XI. Las obras más importantes son: 1.La torre de Pisa del siglo XII, su inclinación progresiva empezó desde el mismo momento de su construcción.

2.La Lombardía región estaba repleta de pequeñas ciudades independientes, del siglo XI, los ejemplos más importantes son: San Ambrosio de Milán y San Zenón de Verona.

La Torre de Pisa

3.San Nicolás de Bari en la región de Apulia, donde los elementos se cruzan con lo mejor de cada arte: la decoración musulmana exterior, los mosaicos y la planta bizantina y volúmenes y materiales románico-normandos.

El Románico en la Península Ibérica.

Del siglo V al X se desarrollan en España cuatro estilos prerrománicos: el visigodo, el asturiano, el mozárabe y el prerrománico oriental o catalán.

1.San Clemente de Tahulles una pequeña iglesia delvalle de Boi en Lérida.

2. La torre lombarda de Tahull tiene seis pisos donde se abren las ventanas geminadas cada vez mayores para disminuir el peso progresivamente y favorecer el equilibrio de la torre, construida en el siglo XI. 3. El monasterio de San Juan de la Peña.

Columna románica.

La catedral de Angulema

La Torre Lombarda de Tahull

4. Catedral de Santiago de Compostela.

33

5.Panteón de los Reyes, creado porDoña Sancha entre los años 1056 y 1066.

6.Catedral de Zamora, construida entre 1157 y 1174.

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Duda de Santo Tomás.

La pintura románica.

Escultura románica • La escultura románica es frontal, amante del geometrismo simplista y estilizado.

• Se busca siempre el simbolismo o la alegoría y que pretenden representar ideas o vivencias.

• Busca la belleza ética, las buenas ideas, la religión.

Para ello se utilizan elementos naturales como animales, personas o vegetales, pero nunca tal y como son, su imagen real no es lo que importa, sino como símbolos, como expresión de un idea, para ello no dudarán en deformar sistemáticamente las figuras.

• Tiene un carácter decorativo.

• Es decorativa, se concibe para rellenar un espacio arquitectónico previsto de antemano y su forma, dimensiones, etc. y dependen de este espacio.

• El otro lugar arquitectónico que más se decora es la Portada. Las arquivoltas se decora con motivos geométricos o figuras humanas y el Tímpano recibe la escena evangélica principal que suele ser el Pantócrator o Cristo en majestad, sedente y en acto de bendecir, rodeado delos cuatro evangelistas, los cuales suelen representarse con las cabezas de sus animales simbólicos: el toro, el león, el águila y el hombre, es decir el Tetramorfos.

Las obras más importantes son: 1.La portada de las Platerías en la Catedral de Santiago de Compostela, España. Se terminó en los primeros años del siglo XII. 2.El Pórtico de la Gloria está constituido por tres arcos que dan acceso a cada una de las tres naves y sobre tímpanos, jambas, arquivoltas y parteluz se disponen más de doscientas figuras.

3.En cuanto al relieve las obras más importantes a nivel nacional están en el piso bajo del Claustro de Santo Domingo de Silos. En uno de los cuatro relieves situados en los ángulos aparece el de La Duda de Santo Tomás.

La pintura románica.

• No se concibe como arte autónomo y no tiene importancia en sí misma sino como ornamentación de paredes dentro del templo. Tiene su origen directo en las miniaturas bizantinas que luego pasan a los monjes prerrománicos de la primera Edad Media. Son miniaturas de manuscritos de donde el pintor románico extrae técnicas. Él sólo tiene que continuar esa tradición y traspasar los límites de la miniatura para realizar los murales al fresco que decoraban la mayoría de los templos románicos.

• La pintura románica tiene sus lugares idóneos dentro del templo. Sobre todo es el ábside y, a veces, también, los muros laterales. También se pintan altares, sobre todo su parte delantera.

• En el ábside se representa al Pantócrator rodeado de los cuatro evangelistas, ángeles y santos.

• Se representa en el ábside a la Virgen si el templo tiene una advocación mariana.

• Los muros laterales se dedican a otros santos o escenas de tipo narrativo en disposición corrida.

• La técnica más empleada es el fresco: se cubría el muro con cal y arena sobre la cual, y antes de que se seque, se debe pintar el mural. De esta manera la pintura se seca a la vez que el revestimiento de la pared.

• La pintura es de tipo simbólico y no se preocupa del aspecto naturalista o estético de las figuras. La realidad no les interesa porque tanto santos, como ángeles, como la figura de Cristo o la de la Virgen pertenecen a un mundo platónico, el de las ideas, y no se parece en nada al real o sensitivo.

• La pintura utiliza la realidad sólo como soporte del mundo espiritual y los personajes tienen casi todas las mismas proporciones y gestos, son sólo figuras convencionales y colectivas.

• El pintor románico no conoce la perspectiva. Sus obras son planas en su ejecución y en su colorido. Cuando hay que representar un momento se elige el más tenso y espectacular, el más expresionista y representativo.

El dibujo es muy importante y las siluetas y los perfiles se señalan con un trazo negro muy grueso que envuelve a las manchas de color, no entiende casi nada de composición.

• En la pintura románica destaca la miniatura, que está realizada por gente letrada. Su objetivo era el de decorar libros para la gente que sabía leer, por lo que no tiene la intención didáctica de las demás obras.

Las principales pinturas son: 1.El Frontal del Altar de Santa María de Aviá. Pintado al temple con relieve formados por barnizados y estucados sobre una tabla de madera de álamo de 105 X 175 cm.

2.La primera carta de Pablo a los Tesalonisenses (nuevo testamento) 3.El Frontal del altar de Cardet de la Iglesia de Santa María de les Cabanesses.

Siglo XII.

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La primera carta de Pablo a los Tesalonisenses.

El judaísmo es la religión de un pueblo que tras ser una minoría ha sido un pueblo con siglos de historia y tradición por ser la más antigua de las monoteístas existentes. En la historia judía se distinguen cuatro períodos principales.

1.

Los reinos antiguos de Israel y Judá, hasta la destrucción del primer templo (587 a.C.) y el exilio babilónico.

Las fuentes cuneiformes llaman habiru, o hebreos, a los migrantes campesinos, esclavos o mercenarios que aparecen en Babilonia, en Asiria, en Asia Menor, en Egipto y en Tierra Santa.

Según el génesis, Abraham deja Mesopotamia para dirigirse a la tierra de Canaán; Dios sella con Abraham su alianza mediante la circuncisión y a cambio le promete una descendencia numerosa, nacida de Isaac, posteriormente, de Jacob, nacen 12 tribus; tras el exilio y un período de esclavitud en Egipto, abandonan este país dirigidos por Moisés, en el Sinaí reciben la ley o la enseñanza en hebreo, lo llaman la Torá, vagan cuarenta años para llegar a Canaán, tras un período inestable, ya federadas las tribus se otorgan a un rey, Saúl.

Tras la muerte de Salomón, hijo de David, se produce un cisma, en el que el reino de Israel reagrupa a las tribus del norte y se establecen en Siquén, luego en Samaría. Mientras que en el reino de Judá se reúnen las tribus de éste y las de Benjamín al sur y que tienen por sucesor a un descendiente de David como soberano.

2.

La fase de los dos centros, Palestina y Mesopotamia, desde el primer “regreso de babilonia” (537 a.C.) hasta aproximadamente el año 500 a.C. Es caracterizada por la existencia de estas dos sociedades judías, a las que les impuso la religión judía tal y como se había elaborado previamente en círculos de sacerdotes y escribas versado en la ley de Moisés, a quien el rey Artajerjes I de Persia dio poderes para establecer magistrados y jueces sobe los judíos de Palestina, de modo que a todo aquel que no cumplía la ley de su Dios y la ley del rey, podría recibir: muerte, destierro, multa en dinero o cárcel. Y el libro de Nehemias, vemos que permitió que la coacción extranjera, misma que fue decisiva para imponer la religión judía, con resultados duraderos.

3.

La fase el judaísmo clásico, o “judaísmo rabínico” va desde la destrucción del templo de Jerusalén en el 70 d.C. hasta el 1040. El elemento del período es la formación y el desarrollo del rabinato y de sus ideales.

El rabino representa un judaísmo que tras la destrucción del santuario jerusalemita y tras la dispersión del pueblo judío, después de la segunda derrota ante Roma en el 132-135 cuando era emperador Adriano, se ve forzado a remodelar el modo de vivir de su religión, puesto que ya ni tiene templo ni vive en la tierra prometida. Además sabe muy bien que o reforma su modo de vida y su manera de entender su religión, o no sobrevivirá ésta ni tampoco el pueblo mismo judío.

4.

La fase moderna, se caracteriza por la descomposición de la comunidad judía y de su poder y por los intentos de restaurarla, entre los que el sionismo es el más importante. Esta fase comienza en Holanda en el Siglo XVII, en Francia y en Austria (excepto Hungría) a inicios del siglo XVIII, en la mayoría de los restantes países europeos a mediados del siglo XIX, y en algunos países islámicos.

ARQUITECTURA

LITERATURA JUDÍA Las Sinagogas

Los textos sagrados Sifrei Kodesh: En la tradición judía, la palabra es un vehículo de enorme poder. Al comienzo de la Torá, las palabras son el agente de la Creación: Y dijo Dios: “Haya luz, y luz hubo” (Génesis 1:3).

El Tanaj: La Biblia judía La Torá La Torá relata la historia de la creación del mundo y cómo se materializó el pueblo judío. El resto de la Torá relata la historia del gran movimiento de los descendientes de Abraham y Sara de la esclavitud a la libertad, el encuentro pactal de los israelitas en el Monte Sinaí, y su deambular por el desierto.

Nevi’im o Profetas Comienza con la historia de Josué y cómo los israelitas llegaron a vivir en la Tierra de Israel y a construir la Primera Comunidad.

Los orígenes son inciertos, la sinagoga constituía el alma de aljama; las había de dos tipos: La bet haknéset, la casa de la Asamblea, donde se agrupan sus miembros para rezar y para escuchar las resoluciones comunales, presenciar juramentos y hace vida comunitaria.

La bet hamidras, para el estudio religioso.

La arquitectura sinagogal es simple, debido a la dispersión del pueblo judío, cada sinagoga refleja el carácter de cada asentamiento judío, por tanto dicha es muy variada.

El recinto sinagogal al debe de contener los siguientes elementos: a) Un muro orientador hacia Jerusalén, que es hacia donde se dirige la oración. b) Un aron haqodesh, armario donde se guardan los sifrei Torá (rollos de la Torá) c) Una bimá, púlpito o mesa de sinagoga desde donde se dirige la ceremonia. d) Un ezrat nashim, lugar donde se reúnen la mujeres a rezar. e) Una ner tamid, vela eterna, lámpara que cuelga frente al araón haqodeshy que estaba presente en el mishkan (tabernáculo.) f) Una menorá (candelabro) g) En un lugar anexo a la misma se ubica la miqweh piscina para la realización del baño ritual.

Ner tamid.

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Menorá

Ketuvim o Escritos Incluye la elevada poesía de Salmos y Proverbios, así como la poesía amorosa del Cantar de los Cantares y la fantástica historia de Ester. También incluye trece libros que cuentan la historia notable de la destrucción y el exilio en Babilonia hasta la renovación del pueblo judío tanto fuera de la Tierra de Israel como en la Jerusalén reconstruida, donde se construyó el Segundo Templo.

La Mishná Durante el período en que Roma conquistó la Tierra de Israel, después de la destrucción del Segundo Templo de Jerusalén, los judíos lucharon por encontrar maneras de practicar Avodat Kodesh/ devoción sagrada. Las ofrendas de sacrificios animales en el Templo habían terminado. La oración institucional fue una de las formas principales de devoción. Los líderes judíos editaron un libro de seis partes llamado Mishná. Gran parte de la Mishná se refiere al ritual y los sacrificios del Templo, pero se encuentran en la Mishná las especificidades del judaísmo como forma de vida y enseñanza que tienen su fuente en la Torá—celebración del Shabat y las festividades, respeto por las leyes dietarias de kashrut, ayuda a los seres humanos para vivir honestamente, y respetando al prójimo.

El Talmud Exilados por los romanos de la Tierra de Israel en los primeros siglos de la Era Común, el pueblo judío trasladó el centro de la vida judía a Babilonia. Durante cientos de años, el judaísmo floreció y continuó la expansión de la kedusha.

La Mishná y la Guemara fueron codificadas en el quinto siglo de la E.C., creando un manuscrito masivo de muchos tratados llamado el Talmud de Babilonia. En el Talmud vemos la emergencia del judaísmo como una religión mundial y también como una forma de vida llena de rituales sagrados, oraciones, celebraciones del ciclo de vida y de festividades MÚSICA JUDÍA La religión judía es auditiva y no visual, la imagen y la representación divina no existen en el templo judío. Durante el periodo nómada, la música se desarrollaba procurando ahuyentar la monotonía del desierto con acentuación rítmica y estridente.

La música en tiempos bíblicos era acompañada por instrumentos, de los cuales, ninguno ha llegado hasta nuestros días y solo a través de la biblia o a la comparación con otras culturas se ha podido dar luz al respecto.

Existían tres tipos de instrumentos: cuerda, viento y percusión.

Cuerda: kinnor, que era una lira, y el nabhel, que probablemente era una arpa de diez cuerdas, en la biblia, al kinnor se le llama arpa y al nebhel, salterio.

Sobre los de viento, el hazoreaj, que consistía en una trompeta de metal, el jalil, una especie de doble oboe.

Cabe destacar que entre los instrumentos de viento, el shofar, es el único instrumento de culto que hoy día es usado por los judíos en su festividad más sagrada.

Las comunidades judías cantaban sus signos y sus canciones. La música instrumental desaparece, durante la conquista griega.

Aunque similares a la antigua sinagoga y la naciente iglesia, dentro del proceso evolutivo fueron separándose en los siglos II y III de la era cristiana. En la sinagoga, los himnos solo se adoptaron en el siglo IV. Con respecto a la Salmodiana, la diferencia se fue produciendo en forma paulatina, pero identificándose en su raíz. Mientras que los judíos el cantor pasa a ser el único funcionario musical hasta los siglos VI y VII, en la iglesia cristiana va desarrollándose el canto coral nacido de la vida monástica.

La música modal hebrea no es otra cosa que la manifestación de una doctrina ético-musical que es caracterís40

Kinnor.

Shofar.

El ARTE UNE ORIENTE Y OCCIDENTE

ARTE ISLAMICO

Inaugurado recientemente en Toronto el museo Aga Khan Museum es el primero dedicado al arte islámico en Norteamérica, cuenta con una colección de objetos (manuscritos, cerámicas, alfombras, cuadros, coranes…) que recoge 10 siglos de historia islámica, desde Andalucía hasta Indonesia, expuestos en galerías de manera cronológica y geográfica.

El museo redefinió el mapa cultural de la ciudad (esperando 250.000 visitantes el primer año) y que incluye el Centro Ismailí (diseñado por el indio Charles Correa), punto de reunión y oración, y un gran parque del serbio-libanés Vladímir Djurovic inspirado en jardines como la Alhambra. En la primera carta que le escribió Aga Khan al arquitecto Fumihiko Maki le habló sobre todo de luz. El japonés ideó un edificio (10.500 metros cuadrados, en un proyecto con un coste total de 232 millones de euros), revestido de granito blanco brasileño, orientado al Sol, que distribuye la luz natural a través de aperturas asimétricas.

El patio, como es tradición en la arquitectura islámica, es la joya. Recubierto de cristales con dibujos demashrabiya (la estrella de ocho puntas clásica de las celosías de madera), crea sombras en las paredes del distribuidor que da acceso a los 2.000 metros cuadrados de galerías que albergan la exposición permanente y las temporales.

Dejamos el link a la página web para más información, www.akdn.org/museum

El arte islámico no nació con unos rasgos definidos ni originales, sino que, al contacto con otras antiguas culturas, asentadas en los países conquistados, recogió y difundió de forma ecléctica sus técnicas y realizaciones.

ARTE TEXTIL, ALFARERÍA, METALURGIA, TALLA EN MADERA, ENCUADERNACIÓN, ARQUITECTURA.

ORIGENES DEL ISLAM El Islam tiene su origen en el impulso de la nueva religión musulmana predicada por Mahoma (571-632) y su capacidad de unificar a los pueblos nómadas del interior de la Península de Arabia.

Mahoma.

En los diferentes centros artesanales del mundo islámico se crearon magníficos ejemplos de diferentes artes industriales. El arte textil: tejido, bordado, estampado, brocado y terciopelo, elaboración de alfombras.

La alfarería alcanzó un alto grado de desarrollo técnico y artístico, reviviendo la técnica del esmalte.

Metalurgia y el trabajo de los metales, creo obras suntuarias, religiosas, instrumentos científicos, armas y objetos de uso común de gran belleza confeccionados en oro, plata, cobre, hierro y alfinde (acero indio).

La talla en madera fue practicada con excelente destreza por los artesanos musulmanes, la madera fue preferida para ciertos objetos y elementos del interior de las mezquitas.

La veneración por el Corán, hizo crear un arte propio del libro, la encuadernación, fue ricamente ornamentada y era en general de cuero.

La Arquitectura es esencial en este arte y dentro de ella cabe destacar su gran amor por lo decorativo y su poco interés por los problemas constructivos, la escultura y la pintura. Los edificios más importantes son la mezquita, lugar de oración y los palacios. Otros edificios destacables fueron las madrazas o escuelas, los mausoleos, las fortificaciones, y los baños públicos.

CARACTERÍSTICAS COMUNES A TODO EL ARTE ISLÁMICO

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Detalle Arquitectura Islam.

1. - Capacidad de adaptación y de síntesis (sincretismo y eclecticismo): se mezclan elementos grecorromanos (capiteles derivados del corintio, bicromía rojo-negro), bizantinos (cúpulas sobre pechinas), visigodos (arco de herradura), persas, hindúes, etc.

2. - Influjo total de su religión (“islam”= someterse a Dios; “musulmán”= creyente) en el arte. En este sentido, coincide con el teocentrismo medieval cristiano, aunque su presencia e influjo son todavía mayores.

3. - Tendencia anicónica e iconoclasta. A Dios sólo lo podemos conocer a través de la palabra revelada (en el Corán). Su naturaleza, su aspecto es inaprensible ausencia de imágenes “figurativas” 4. - Tendencia anti naturalista y geometrizante. Predominio absoluto de las formas geométricas y estilizadas. Se trata de crear un ámbito decorativo “espiritual” alejado de lo terrenal. .La perfección, la repetición y la multiplicidad de formas geométricas y estilizadas perseveran en la naturaleza de Dios.

5. - Importancia de lo ornamental frente a “lo estructural”: a) Efectos de luz que crean una cierta “desmaterialización arquitectónica” • Juego de luces y sombras (articulación de los muros en distintos planos)

Mosaico Islámico.

• Juego de brillos (mediante el uso de azulejos y mosaicos) • Juego de entreluces (mediante las celosías y bóvedas caladas) b) Utilización de materiales pobres en su aparejo: ladrillo, yeso o el estuco (cal polvo de mármol yeso) c) Repetición, reiteración y densidad ornamental (horror vacuii) d) Enorme importancia de lo decorativo (decorativo, iconográfico e incluso estructural).

Se emplean tres tipos de decoración.

• La epigráfica ( la caligrafía) • Cúfica (letras mayúsculas) • Nasjí (cursiva) • La vegetal o ataurique

LA MÚSICA, LA DANZA Y EL TEATRO ISLAMICO “La música es sin duda una de las artes más hermosas que nos lleva a conocer el sentir de un pueblo, y en la cultura árabe-islámica constituye junto con la poesía una de las formas de expresión más importantes de su civilización. El artista árabe encontró en la música y la poesía esa evasión que le permitiría plasmar el genio que encerraba en su interior, de ahí que su patrimonio musical sea una de las más bellas huellas que ha ido dejando a través de su andadura histórica como un auténtico museo oral. Dentro de este patrimonio, la música andalusí, dadas sus características, es un hecho cultural imprescindible para el conocimiento de la civilización áraboislámica en su rama hispano-árabe” (CORTES GARCIA, 1996).

Los musulmanes en la Península Ibérica, y su zona este se denominó Xarq al-Andalus, que dio origen a la palabra «trovador»; tarab se empleaba en al-Andalus para designar el cante. Sin embargo, la música forma parte de la práctica. La primera práctica musical del Islam fue y es el adan «llamada a la oración» realizada en la mezquita. La segunda música en la mezquita es la lectura o salmodia del Sagrado Corán, que emplea una profusa ornamentación «ciencia de la recitación».

Algunas órdenes místicas, como la de los Mawiawi y los Derkawas dan mucha importancia a la música. El canto de los poemas místicos y el baile acompañado por instrumentos musicales es una de las bases de

Ziryab.

La historia ha conservado la memoria de una leyade entera de cantantes y músicos famosos. Mencionemos, a Abulhasán Ali ben Nafi conocido por Ziryab o también a Isaq al-Mawsili (767-850).

Ziryab realizó importantes modificaciones en el laúd, al añadirle una quinta cuerda. El laúd antiguo sólo tenía cuatro cuerdas, las cuales según el simbolismo de los teóricos, correspondían a los humores del cuerpo humano, y son los siguientes: “La primera era amarilla, y simbolizaba la bilis; la segunda, teñida de rojo, simbolizaba la sangre; la tercera, blanca sin teñir, simbolizaba la flema, y el bordón estaba teñido de negro, color simbólico de la melancolía”. La quinta cuerda añadida por Ziryab, representaba el alma.

Ziryab fue también un gran pedagogo innovador en la enseñanza del canto. Su método lo dividía en tres partes o tiempos: “Primero la enseñanza del ritmo puro, segundo, la enseñanza de la melodía, y tercero, los trémulos, gorjeos, etc., con que se solía adornar el canto. Este método se hizo muy popular en España.

La danza y diversos ritmos y melodías surgidos de la escuela andalusí forjada por Ziryab, como las zambras, pasarían a América con los moriscos y se transformarían en danzas como la zamba, el gato, el escondido, el pericón, la milonga y la chacarera en la Argentina y el Uruguay, la cueca y la tonada de Chile, las llaneras de Colombia y Venezuela, el jarabe de México o la guajira y el danzón de Cuba. El más famoso musicalmente fue al-Farabí. El Ministerio de Cultura de Marruecos ha grabado la totalidad de los 14 modos musicales (24 en su origen, uno para cada hora del día) en la versión de grandes maestros.

sus métodos de realización espiritual. Conocidos como la Orden de los Derviches Giradores.

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En el teatro el trigésimo noveno argumento de Ben Saddik contra la actividad teatral revela una gran cantidad de prejuicios contra las mujeres: “El teatro lleva a las mujeres a la prostitución y no hay actrices respetuosas, ya que las mujeres son seres irracionales por naturaleza” ( citado en Bahraoui 1995, 7) y a las actrices se les pide descubrirse frente al público, lo cual hasta los estudiosos contemporáneos de Al-Azhar consideran algo totalmente prohibido ( Ben Saddik 2003, 81). Así pues en nombre Islam, Ben Saddik rechazó por completo todas las actividades relacionadas con la actuación y la representación teatral. En sus argumentos está patente no solo su intolerancia, sino también su sexismo, elementos presentes también en los escritos de los clérigos que fundaron la Iglesia en Europa.

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CALENDARIO DE COMITÉS Y CONSEJOS 2015

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Consejo Universitario

Comité de Planeación

Último día para llevar documentos a Consejo Universitario

Último día para llevar documentos a Comité de Planeación

Consejo de Investigación y Posgrado

Día no laborable

Último día para llevar documentos a Consejo de Investigación y Posgrado

Periodo Vacacional

Consejos Académicos

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