GRANDES PELÍCULAS EN LA HISTORIA DEL CINE IMAGEN Y SONIDO 2019/2020 MARÍA CARRETERO LLANEZA
MARÍA CARRETERO LLANEZA- IMAGEN Y SONIDO 2019/2020
ÍNDICE INTRODUCCIÓN ........................................................................ 2 1927-METRÓPOLIS ..................................................................... 3 1935-UNA TARDE EN LA ÓPERA .............................................. 5 1936-TIEMPOS MODERNOS ..................................................... 7 1939-LA DILIGENCIA ................................................................. 9 1952- SOLO ANTE EL PELIGRO .............................................. 11 1954- LA VENTANA INDISCRETA ........................................... 13 1954- LOS SIETE SAMURÁIS..................................................... 15 1957-12 HOMBRES SIN PIEDAD ............................................. 17 1958- SED DE MAL ................................................................... 19 1959- BEN-HUR ......................................................................... 21 1961- WEST SIDE STORY .......................................................... 23 1962- LAWRENCE DE ARABIA ............................................... 25 1970- PATTON .......................................................................... 27 1972- EL PADRINO................................................................... 29 1985- EL HONOR DE LOS PRIZZI ............................................. 31 1998- SALVAR AL SOLDADO RYAN ...................................... 33 1999- MATRIX ........................................................................... 35 2001- AMELIE ........................................................................... 37 2001- EL VIAJE DE CHIHIRO ................................................... 39 2003- BIG FISH .......................................................................... 41 2007- EL ORFANATO ............................................................... 43 2007- PERSÉPOLIS .................................................................... 45 2012- LOS MISERABLES ........................................................... 47 2016- I’M NOT YOUR NEGRO ................................................ 49 CONCLUSIÓN .......................................................................... 51
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INTRODUCCIÓN En este trabajo haremos un recorrido por películas que han sido importantes a lo largo de la historia del cine. Analizaremos largometrajes de todos los géneros y épocas, fijándonos en su argumento, director y premios que ha recibido. Como consecuencia, observaremos la evolución que ha sufrido el cine desde sus comienzos hasta la actualidad. Además, daré mi propia opinión al haber visualizado todas estas películas: las impresiones que me han transmitido, si me han gustado o no,…También analizaremos el uso del color, la fotografía y la música, y su propia evolución. Finalmente, destacaremos ciertas curiosidades o conceptos interesantes asociados a estas películas.
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1927-METRÓPOLIS Metrópolis representa una ciudad del futuro. Esta ciudad se encuentra dividida en dos mundos paralelos. Por un lado está el mundo de los privilegiados, dotado de grandes construcciones y jardines. Llevan una vida muy acomodada. Por otro lado existe un mundo de trabajadores. Este mundo se encuentra en una realidad muy inferior a la del primero, y sus habitantes están obligados a trabajar forzosamente en condiciones muy pésimas. Ambos mundos no conocen de la existencia del otro hasta que, un buen día, Freder, hijo de Fredersen (hombre que controlaba la ciudad), descubre las duras condiciones laborales de los obreros al enamorarse de María, una joven de origen humilde. Freder le advierte a su padre de la posible rebelión de los obreros quienes, efectivamente, acaban rebelándose y provocando que Fredersen acabe con la ciudad de los obreros.
DIRECTOR: FRITZ LANG PAÍS: ALEMANIA GÉNERO: CIENCIA FICCIÓN BLANCO Y NEGRO
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“Metrópolis” es considerada la película pionera en el género de la ciencia ficción. Fue la primera película de la historia que contó con enormes escenarios y miles de extras. Hasta ese momento no se había visto nada igual. En esta película, el director, Fritz Lang, nos ofrece una visión futurista de una ciudad dividida entre propietarios y obreros, relatando problemas de represión, revolución y reconciliación de ambas clases sociales. En su estreno, la película resultó un fracaso porque las ideas que transmite no fueron captadas por la sociedad de aquella época. “Metrópolis” está llena de referencias, tanto políticas como sociales y religiosas. De estas últimas podemos destacar la influencia de la parábola de la Torre de Babel, y el nombre de María, haciendo referencia a la Virgen María de la religión cristiana. En cuanto a ideas sociales, hay claras referencias al marxismo y a su lucha de clases. También se refleja la idea de la revolución del proletariado ya que el robot envía a los obreros a oponerse a los poderosos, y lo único que consiguen es empeorar su situación. “Metrópolis” ha sido la película más cara realizada por la UFA. El equipo técnico construyó maquetas en miniatura para poder recrear toda la ciudad. Se dice que el director se pudo inspirar en los rascacielos de Nueva York para la estética de la película. Películas como “Blade Runner” se han inspirado tanto en el argumento como en el futurismo representado por Metrópolis. Además, cabe destacar que la película está basada en un libro escrito por Thea Von Harbou, mujer del propio director. En mi opinión, “Metrópolis” refleja a la perfección la lucha de clases, aunque la ciudad no se asemeje a las de la actualidad. El que la película sea muda y carezca de buen sonido de fondo hace que verla resulte algo pesado.
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1935-Una tarde en la ópera El extravagante Groucho vuelve a meterse en el mundo de los negocios. En esta ocasión organiza la gira de un nuevo espectáculo de ópera. Para poder financiarlo se ha ganado la confianza de una viuda rica, la señora Claypool. Groucho, junto a sus amigos, Harpo y Chico, ayudan a un desconocido cantante a conseguir el éxito y a estar con su enamorada, Rosa. Ya en Nueva York, tiene lugar el estreno más alocado y disparatado del mundo de la ópera.
DIRECTOR: SAM WOOD PAÍS: ESTADOS UNIDOS GÉNERO: COMEDIA MUSICAL BLANCO Y NEGRO
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“Una tarde en la ópera” fue la primera película de los hermanos Marx producida por Metro Golden Mayer, tras su etapa en Paramount Pictures. Es considerada una de las mejores películas realizadas por los hermanos y, además, todo un hito del género cómico. Es la primera de sus películas en la que no aparece Zeppo Marx, por lo que a partir de este momento los hermanos pasan a ser un trío. Al haber cambiado de compañía, el guion sufre cambios. Sigue teniendo mucho aire cómico, pero esta vez bastante más reservado. Además, se introducen elementos románticos. Una escena que ha pasado a la historia como uno de los mejores y más cómicos números de la historia del cine es la del camarote. Otis y sus amigos polizones se encuentran hacinados en un camarote mientras que comienzan a llegar los camareros, el fontanero, la manicura,… Otra parte menos conocida pero también destacable es la representación de la ópera de Verdi “Il Trovatore”. La película también cuenta con varios números musicales bastante interesantes, como el recital que dan Ricardo, Tomás y Fiorello en la cubierta del barco. En todas sus películas, los hermanos Marx siguen cada uno un rol: Harpo representa la anarquía, Chico representa la picardía, mientras que Groucho se podría definir como un cínico y desfachatado. Cabe destacar que la actriz Margaret Dumont ha sido gran compañera de los hermanos Marx durante su carrera. Ha participado en varias de sus películas y su rol ha sido siempre de víctima de las travesuras de los hermanos. Ha sido una película, en mi opinión, muy cómica, con golpes irónicos muy buenos. Me ha gustado mucho la estética y el vestuario de todos los personajes, todos con un estilo de la época.
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1936-Tiempos modernos Charlot trabaja en una gran fábrica como obrero. Todas las jornadas las pasa apretando tornillos dentro de una cadena de montaje enorme. Tanto las máquinas como el trabajo en cadena hacen que el protagonista termine volviéndose loco. Charlot, por ello, decide dejar de trabajar: recoge a una huérfana de la calle y sobrevive gracias a su ingenio. Juntos afrontarán las dificultades de la vida.
DIRECTOR: CHARLIE CHAPLIN PAÍS: ESTADOS UNIDOS GÉNERO: COMEDIA BLANCO Y NEGRO
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La película “Tiempos modernos” es una de las películas más conocidas en el género de la comedia muda. Fue dirigida y protagonizada por el magnífico Charlie Chaplin. La idea que trasmite Chaplin en esta película es la de la sociedad subordinada al manejo de las máquinas. El director representa la vida del protagonista como algo aburrido, en el que solo vive por y para trabajar dentro de una cadena de montaje. Al final, de tanto repetir lo mismo, el protagonista se vuelve loco, por lo que decide abandonarlo todo. Esta película se trata de una clara crítica a la revolución industrial y a la explotación laboral. Los trabajadores eran sometidos a ritmos frenéticos de producción, lo que les causaba daños psicológicos, como al propio protagonista. En este largometraje el hombre es representado como si fuera un engranaje más que se puede reemplazar. A pesar de que en aquella época ya existía cine sonoro, Chaplin se negó a introducir diálogos en las películas. Una curiosidad es que el director tenía varios diálogos preparados, aunque acabó decidiendo no ponerlos. Tan solo quiso darle voz a las máquinas. En su estreno, la película causó bastante controversia. Durante esa época, Italia y Alemania estaban gobernados por regímenes fascistas, por lo que los gobiernos de ambos países censuraron la película, al considerar que se trataba de propaganda comunista. El propio Charles Chaplin fue el compositor de la banda sonora de la película. Una curiosidad es que el final, en un principio iba a ser triste. Sin embargo, cuando ya estaba grabado, Chaplin decidió cambiarlo por algo más alegre. Me ha parecido una película muy dinámica y una clara crítica hacia la explotación laboral. A todo ello, Chaplin ha sabido mezclarle una trama ciertamente romántica, por lo que la película es muy completa en su totalidad. 8
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1939-LA DILIGENCIA En la diligencia que cubre el trayecto entre las ciudades de Tonto y Lordsburg, viajan la esposa embarazada de un oficial del ejército, un médico en estado de embriaguez, un comerciante de licores, un ludópata y una joven prostituta que ha sido expulsada de la ciudad. Durante el trayecto se incorporan un banquero y un fugitivo de la justicia llamado Ringo Kid. Después de siete horas, los viajeros ya se conocen y surge una relación especial entre Ringo y Dallas, la mujer expulsada de Tonto. Cuando llega al puesto de Apache Wells, el encargado, Chris, les comenta que el indio Jerónimo merodea por los alrededores. Al mismo tiempo, Lucy comienza a tener los primeros síntomas de parto.
DIRECTOR: JOHN FORD PAÍS: ESTADOS UNIDOS GÉNERO: WESTERN BLANCO Y NEGRO
PREMIOS:
2 PREMIOS OSCAR- MEJOR ACTOR DE REPARTO Y MEJOR B.S.O.
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La película “La Diligencia” está basada en el relato breve “Stage to Lordsburg”, de Ernest Haycox, publicado en 1937 en una revista. Ford quedó impresionado al leer este artículo por lo que lo llevó a la gran pantalla. Su fijación no era representar la película como un western más, sino como un retrato de la naturaleza humana a través de varios personajes. La escena más recordada de la película, y considerada por muchos una de las mejores de los años treinta, es la del asalto al vehículo, con su defensa. Una curiosidad de la película es que, en un principio, los personajes iban a ser un cowboy, una prostituta de gran corazón, un vendedor ambulante de whisky, un tahúr saudita, un ganadero, una mujer que va a ver a su prometido, un sheriff y un conductor. “La diligencia” fue la primera película de John Ford rodada en el Monument Valley. Además, en las escenas en las que aparecían los indios apaches, el director contó con indios navajos del lugar. También cabe destacar que la primera vez que John Wayne aparece en escena se rodó en último lugar. Ford quiso hacerlo así, después de que el actor hubiera pasado por un castigo durante todo el día, para que Wayne tuviera la cara de sufrimiento que requería el personaje de Ringo. Además, se dice que John Ford se inspiró en la película francesa “La Bandera”, de Julien Duvivier, para realizar esta gran obra. Una última curiosidad de “La Diligencia” es que Orson Welles la visualizó unas cuarenta veces para realizar su película “Ciudadano Kane”. Personalmente, la trama de la película no ha hecho que me impresionar mucho. Sin embargo, me ha encantado que los `personajes cubran los distintos roles que existen en la sociedad y que, a lo largo del viaje, vayan mostrando cualidades propias de cada uno de ellos. Además, los conflictos que ocurren entre los personajes hacen que la película resulte muy dinámica.
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1952- SOLO ANTE EL PELIGRO Will Kane, el sheriff del pequeño pueblo de Hadleyville, acaba de contraer matrimonio con Amy. Los recién casados planean trasladarse a la ciudad y abrir un pequeño negocio. Sin embargo, sus planes se truncan cuando empieza a correr la voz de que Frank Miller, un criminal que Kane había atrapado y llevado ante la justicia, ha salido de la cárcel y se dirige al pueblo para vengarse. Ante este problema, ningún vecino del pueblo está dispuesto a ayudar al sheriff.
DIRECTOR: FRED ZINNEMANN PAÍS: ESTADOS UNIDOS GÉNERO: WESTERN BLANCO Y NEGRO
PREMIOS:
4 PREMIOS OSCAR- MEJOR ACTOR, MEJOR B.S.O., MEJOR CANCIÓN ORIGINAL Y MEJOR MONTAJE. 3 GLOBOS DE ORO- MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA, MEJOR B.S.O. Y MEJOR FOTOGRAFÍA
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Con “Solo ante el peligro” nos encontramos, nuevamente, ante un western que tiene una gran parte psicológica. En este tipo de películas, la pionera fue “La diligencia”, de John Ford. “Solo ante el peligro” fue una película que obtuvo un éxito inmediato y que dispone de una fama acumulada a lo largo de la historia. La película comienza a narrarse en tiempo real desde que se anuncia que el criminal Miller llega a la estación por la mañana. Desde ese momento, Kane deberá renunciar a su luna de miel para defender el honor de los ciudadanos. Todos ellos le dan la espalda al sheriff, quien se frustra. Las manecillas del reloj crean una situación de suspense para el espectador ya que marcan el tiempo que va quedando para que el criminal llegue al pueblo. Ante la negativa de los ciudadanos, el sheriff se enfrentará a una lucha interior entre el deber y la razón. La escena más destacable de la historia es aquella en la que Kane, sin ayudas y ya desesperado, se acerca a la estación de tren, entre un escenario silencioso y desolador y, como el propio título de la película indica, se encuentra solo ante el peligro. El sheriff es representado con un gran miedo hacia la muerte, cosa totalmente opuesta a la concepción de sheriff que se tenía hasta el momento. Hasta su propia recién esposa le ha dejado solo. Para poder representar a un John Wayne con una interpretación más matizada, y probablemente más humana en toda su larga carrera, el director dedicó muchísimos ensayos y muchísimo tiempo para preparar a los actores. Personalmente, me ha parecido una película muy dinámica y entretenida. Te hace reflexionar acerca del miedo común que suele tener la sociedad a situaciones de peligro, y como pueden darle la espalda a los que de verdad necesitan ayuda.
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1954- la ventana indiscreta Jeff, un fotógrafo que permanece varios días en su silla de ruedas debido a una pierna rota, pasa el tiempo mirando por la ventana de su casa hacia el patio. Observa continuamente a sus vecinos, hasta que un día comienza a sospechar que uno de ellos ha matado a su mujer. Jeff comparte su hipótesis con su novia Lisa y con su amigo, el detective Tom. Poco después, el perro de otro de los vecinos es hallado muerto. Todos los vecinos, excepto el supuesto asesino de la mujer, acuden a ver lo sucedido, por lo que el hombre se convierte en el principal sospechoso de ambos asesinato. Desde su ventana, y con la ayuda de Lisa y de Tom, Jeff hará todo lo que esté en sus manos para averiguar los misteriosos asesinatos.
DIRECTOR: ALFRED HITCHCOCK PAÍS: ESTADOS UNIDOS GÉNERO: SUSPENSE A COLOR
PREMIOS:
PREMIO JUNTA NACIONAL DE REVISIÓN- MEJOR ACTRIZ PREMIO NYFCC- MEJOR ACTRIZ PREMIO EDGAR ALLAN POE- MEJOR GUION
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“La ventana indiscreta” es una de las obras maestras de Alfred Hitchcock, y es considerado uno de los mejores largometrajes de la historia del cine. La película mezcla una trama interesante, con el escenario de amor entre Jeff y su novia Lisa, y unos guiños irónicos que hacen equilibrio con la propia trama. El título original, “Rear window” (la ventana trasera), hace referencia a dos cosas. En primer lugar, a la ventana trasera del patio por la que Jeff observa a sus vecinos. Por otro lado, hace referencia a la ventana trasera de la mente del protagonista, es decir, a su subconsciente. Una gran curiosidad de la película era que el decorado se construyó en los Estudios Paramount. Medía alrededor de doce metros, la equivalencia a cinco o seis pisos, y constaba de treinta y un apartamentos. Doce de esos apartamentos eran totalmente habitables: disponían de luz, electricidad y estaban amueblados. Hitchcock rodaba desde el espacio que ocupaba la habitación del personaje de James Stewart. Las órdenes a los actores que ocupaban los pisos de enfrente se las daba a través de auriculares de color carne. Se dice que Hitchcock se inspiró en el romance del fotógrafo Robert Capa y la actriz Ingrid Bergman para hacer el romance entre Jeff y Lisa. Durante el rodaje, el director le dio libertad a Georgine Darcy, la bailarina, para que hiciera sus propias coreografías. Otra gran curiosidad es que Hitchcock solía realizar un cameo en casi todas sus películas. En este caso aparece a la media hora en el apartamento del músico, a quien dirige algunas palabras mientras maniobra con el reloj. El color de la película está muy bien logrado. En cuanto al sonido, toda la película está compuesta por sonidos naturales, que provienen del ambiente, exceptuando la banda sonora al inicio y al final. Me ha encantado esta película. La trama me ha fascinado desde el primer momento y ha hecho que me enganchara completamente a ella. La interpretación de Grace Kelly en esta película me parece admirable.
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1954- LOS SIETE SAMURÁIS En el Japón del siglo XVI, los campesinos de un pequeño pueblo que es constantemente asaltado por unos ladrones y asesinos deciden contratar a un grupo de guerreros para defenderse. Su falta de recursos dificulta encontrar a hombres que acepten ayudarlos a cambio, únicamente, de comida y alojamiento. Después de varios intentos, los campesinos dan con Kombei Shimada, un samurái dispuesto a encargarse del trabajo, reclutando a otros seis guerreros. El grupo de siete samuráis prepara a los aldeanos en técnicas de combate con el fin de prepararlos para el próximo ataque de los bandidos. De este modo, cuando los saqueadores vuelvan, se encontrarán al pueblo preparado para recibirlos.
DIRECTOR: AKIRA KUROSAWA PAÍS: JAPÓN GÉNERO: AVENTURAS/DRAMA BLANCO Y NEGRO
PREMIOS:
PREMIO LEÓN DE PLATA- MEJOR DIRECTOR
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“Los siete samuráis” es considerada una de las mejores películas y una de las más influyentes de toda la historia del cine. La película influyó en posteriores producciones como “Los siete magníficos”. También fue la pionera en utilizar dos técnicas muy comunes en la actualidad: la utilización de múltiples cámaras simultáneamente desde diferentes planos (corto, medio y largo), y el stop-motion, para reproducir, de forma ralentizada, imágenes con alta velocidad. Respecto a la imagen, y a pesar de que es en blanco y negro, está muy cuidada. Además, Kurosawa no permitió que se grabara ni un solo plano estáticamente, por lo que la película es muy dinámica. En películas posteriores se ha hecho cierto homenaje a “Los siete samuráis”. Un ejemplo de ello es un vídeo extraído de “Mad Max- Furia en la carretera”, que, además de coincidir en cuanto a argumento, homenaje una secuencia muy memorable de la película: una pelea en off que aporta el carácter de invencible al protagonista. “Los siete samuráis” ha sido producida en tres versiones diferentes, en donde la primera es la de mayor extensión (205 minutos). Además, en 2004 se lanzó un videojuego, “Seven Samurai 20xx”, inspirado en la película original, pero situándola en un futuro alternativo. La principal escena de la película sin duda es la batalla final, de gran duración. Fue rodada utilizando la técnica de las múltiples cámaras, y bajo una lluvia artificial de color negro. Personalmente, la película no me ha llegado a gustar mucho. Hay demasiadas escenas bélicas, aunque comprendo que en realidad eso es la magia de esta película, que hace que el espectador se mantenga en tensión durante toda la película.
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1957-12 HOMBRES SIN PIEDAD Doce hombres sin piedad narra el juicio sobre un asesinato. Este asesinato fue presuntamente llevado a cabo por un hijo que mató a su padre. Un jurado formado por doce hombres, muy diferentes los unos de los otros, deberá decidir por unanimidad si el joven es inocente o culpable y, en consecuencia, si es condenado o no a la silla eléctrica. Si existiera alguna duda razonable de cualquiera de los componentes del jurado, no se podría condenar al joven.
DIRECTOR: SIDNEY LUMET PAÍS: ESTADOS UNIDOS GÉNERO: SUSPENSE/DRAMA BLANCO Y NEGRO
PREMIOS:
PREMIO EDGAR ALLAN POE- MEJOR GUION PREMIO BAFTA- MEJOR ACTOR EXTRANJERO PREMIO WGA- MEJOR DRAMA ESTADOUNIDENSE PREMIO JUSSI- MEJOR ACTOR EXTRANJERO
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“Doce años sin piedad” se ha convertido a lo largo del tiempo en un clásico y referente en el cine y en el ámbito judicial, a pesar de que en su estreno no se obtuvieran grandes beneficios. Toda la película se desarrolla dentro de una pequeña sala, en la que un jurado popular formado por doce hombres deberá decidir sobre el futuro de un joven. Lo peculiar de este largometraje es que, a pesar de desarrollarse todo el tiempo en una sala, al espectador no le da sensación de agobio. Juegan con los planos, filmando conversaciones entre dos o tres de los miembros del jurado y, cuando uno de ellos se marcha hacia otra conversación, la cámara le sigue para dar un efecto de dinamismo. Sin embargo, se puede apreciar la tensión a la que están sometidos los miembros del jurado. Están varias horas en una sala, sin ventilador, con gran agobio al no ponerse de acuerdo. Los doce hombres que componen el jurado representan, cada uno de ellos, una personalidad diferente. Entre ellos hay un presidente, que intenta llevar su obligación con disciplina; un empleado de banca; un pequeño empresario, que vuelca sus frustraciones en el acusado; un corredor de bolsa, frío y calculador; un señor que ha crecido en el mismo ambiente que el acusado y empatiza con él;… El más destacado es el arquitecto, interpretado por Henry Fonda. Es tranquilo y razonable y, al contrario que todos los demás, cree desde un primer momento, en que no pueden demostrar la culpabilidad del joven. Con sus argumentos irá desmontando, a lo largo de la película, las opiniones de culpabilidad del resto de los miembros del jurado. Personalmente, la película me ha entretenido mucho. La situación provoca que estés toda la película con intriga de lo que pueda dictaminar definitivamente el jurado aunque, ya cuando se acerca final, se puede predecir lo que acabará ocurriendo. Los personajes te hacen reflexionar acerca de la sociedad, de los diferentes roles que existen en ella.
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1958- SED DE MAL Mike Vargas, un policía mexicano, y Susan son una pareja de recién casados que interrumpen su viaje de luna de miel después de presenciar en la frontera la explosión de un coche conducido por un mafioso de la droga. El caso lleva al policía Vargas a trabajar en la investigación junto a Hank Quinlan, un corrupto jefe de la policía estadounidense, que no duda en fabricar pruebas falsas para acusar a un joven que él cree culpable de colocar la bomba. Vargas sabe que las pruebas no son reales e inicia su propia investigación, descubriendo que Quinlan y unos mafiosos fronterizos están directamente relacionados con el asesinato.
DIRECTOR: ORSON WELLES PAÍS: ESTADOS UNIDOS GÉNERO: POLICIACO BLANCO Y NEGRO
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“Sed de mal” es una película basada en una novela escrita por Whit Masterson. Es un largometraje en el que se mezclan tanto temas románticos, como peripecias y asesinatos. Durante toda la película, el sonido es diegético, es decir, se escucha de manera natural, como si formara parte de las propias escenas. Este se reproduce a través, de la radio, altavoces,… En un primer momento, el proyecto no iba a tener como director a Welles. Fue el propio protagonista, Charlton Heston (también protagonista en Ben-Hur) quien lo propuso como actor y, posteriormente, como director. Además de su papel como director, Orson Welles interpreta al jefe de la policía estadounidense Quinlan. Su papel es muy bueno. La escena más reconocida de toda la película es la inicial, que dura tres minutos y es considerada una joya del expresionismo y el mejor plano secuencia de la historia del cine. Esta escena comienza con un plano de las manos del asesino colocando la bomba en el coche. Este mismo vehículo cruzará la escena al mismo tiempo que la pareja de protagonistas, a quienes les sigue la cámara hasta el momento de la explosión. Toda la estética de la película está inspirada en el expresionismo alemán, con una gran fotografía en blanco y negro. La banda sonora y todas las canciones de la película han sido compuestas por el italiano Henry Mancini, y son consideradas como una gran pieza maestra. Una curiosidad de la película es que el propio director fue despedido durante el proceso de producción. Por esto, la película se editó de una forma diferente a lo gustos de Welles. Antes de morir, Orson contó como hubiera querido que se hubiera montado la película y, con todo ello, en 1998 se realizó una nueva versión, fiel a los deseos del director. Personalmente, la trama hace que estés durante toda la película enganchado, sin quitar ni un momento la atención. Como personaje me gustó mucho el comisario Quinlan. La música me ha parecido espectacular. 20
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1959- BEN-HUR Judá Ben-Hur, hijo de una familia noble de Jerusalén, y Mesala, tribuno romano que dirige los ejércitos de ocupación, son dos antiguos amigos, pero un accidente involuntario los convierte en enemigos irreconciliables: BenHur es acusado de atentar contra la vida del nuevo gobernador romano, y Mesala lo encarcela a él y a su familia. Mientras Ben-Hur es trasladado a galeras para cumplir su condena, un hombre llamado Jesús de Nazaret se apiada de él y le da de beber. En galeras conocerá al comandante de la nave y más tarde a un jeque árabe, quien participa con sus magníficos caballos en carreras de cuadrigas.
DIRECTOR: WILLIAM WYLER PAÍS: ESTADOS UNIDOS GÉNERO: AVENTURAS BLANCO Y NEGRO
PREMIOS:
11 OSCAR- MEJOR PELÍCULA, MEJOR DIRECTOR, MEJOR ACTOR, MEJOR ACTOR DE REPARTO, MEJOR B.S.O., MEJOR FOTOGRAFÍA, MEJOR MONTAJE, MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO, MEJOR DIRECCIÓN DE ARTE, MEJORES EFECTOS VISUALES Y MEJOR SONIDO. 3 GLOBOS DE ORO- MEJOR PELÍCULA, MEJOR DIRECTOR Y MEJOR ACTOR DE REPARTO. PREMIO BAFTA- MEJOR PELÍCULA 21
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La película “Ben-Hur” está basada en la novela de Lewis Wallace de 1880, con el mismo nombre. La publicación de la novela en esa época hizo que se convirtiera en un best-seller. Fue recomendada hasta por el Papa León XIII, como lectura sobre Cristo. Además, la fama de la novela fue extendida por hogares americanos como modo de distracción, para olvidarse de las consecuencias que había tenido la Guerra Civil americana, terminada solo quince años antes. A lo largo de la historia, la novela ha tenido varias representaciones, desde una obra de teatro hasta varias películas y una miniserie, pero la más conocida de todas ellas es la de 1959. La película está ambientada mayormente en la provincia romana de Judea, en tiempos del emperador Tiberio. Durante la película aparece Cristo, aunque en ninguna de las escenas se le puede ver el rostro. Una curiosidad de la película es que hicieron falta unos 10.000 extras. Además, para la famosa escena de las cuadrigas, Charlton Heston pasó varias semanas de duro entrenamiento, pues en la mayor parte de la escena son los propios actores quienes dirigen a los caballos. Para dicha escena el equipo de producción construyó el escenario más grande construido hasta la fecha. Todo fue para recrear un estadio romano real, lo más costoso de la película. Otra de las curiosidades de la película es que, al principio de la película, el león de la Metro Golden Mayer, no rugió. Fue la única película de la productora en la que apareció la imagen silenciada, puesto que el director se negaba a empezar la primera escena de la película así. El estreno de “Ben-Hur” supuso un gran taquillazo. Alcanzó los 147 millones de dólares de beneficio en sus primeros días. Por tanto, se convirtió en la segunda película más taquillera de la historia, después de “Lo que el viento se llevó”. Además, la película sigue teniendo el récord de premios Oscar ganados. En mi opinión, aunque el comienzo de la película se hace un poco pesado, la trama hace que te vayas enganchando y que se te acabe haciendo muy amena. La escena de la carrera de cuadrigas me ha parecido sencillamente impresionante.
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1961- WEST SIDE STORY En Nueva York a mediados de los años cincuenta, dos bandas de jóvenes, los Sharks, de origen puertorriqueño, y los Jets, estadounidenses de origen europeo, son rivales y viven bajo numerosos conflictos. El principal problema entre ambas bandas surgió cuando María, hermana del jefe de la pandilla puertorriqueña, y Tony, ex miembro de los Jets, se enamoran. Las dos bandas incitan a ambos líderes a pelearse y, aunque Tony se niega, finalmente terminan haciéndolo.
DIRECTOR: ROBERT WISE PAÍS: ESTADOS UNIDOS GÉNERO: MUSICAL A COLOR
PREMIOS:
10 PREMIOS OSCAR- MEJOR PELICULA, MEJOR DIRECTOR, MEJOR ACTRIZ DE REPARTO, MEJOR ACTOR DE REPARTO, MEJOR MONTAJE, MEJOR FOTOGRAFÍA, MEJOR DISEÑO DE VESTUARIO, MEJOR DIRECCIÓN DE ARTE, MEJOR SONIDO Y MEJOR MÚSICA CINEMATOGRÁFICA 3 GLOBOS DE ORO- MEJOR PELÍCULA, MEJOR ACTOR DE REPARTO Y MEJOR ACTRIZ DE REPARTO.
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“West Side Story” es considerada una de las mejores películas del género musical de la historia. La trama del largometraje se puede asemejar al de “Romeo y Julieta” de Shakespeare: una historia de amor imposible, en el que cada uno de los personajes pertenece a un grupo social diferente. Este largometraje surgió de una obra de teatro que en un principio no tuvo mucho éxito. Al ser llevada a la gran pantalla de la mano de Robert Wise, el éxito aumentó muchísimo, batiendo récords de permanencia en las pantallas de todo el mundo. La película está ambientada en los años cincuenta en Nueva York, concretamente en Manhattan. Los grupos que están enfrentados debido al amor entre María y Tony son dos bandas de jóvenes muy rivales, procedentes de ambientes muy distintos. Destaca, como era de esperar, la banda sonora, que le da un toque contemporáneo al film, y que sigue siendo considerado un hit a día de hoy en Estados Unidos. Las canciones permiten combinar un baile más moderno con pasos de ballet. Toda la música fue obra de Bernstein y Sondheim. Una curiosidad de la película es que Rita Moreno, quien ganó el Oscar como actriz secundaria en este film, fue la primera y única latina en conseguirlo en la historia de la Academia. El colorido del vestuario de los personajes, unido al ritmo del baile y la música, hacen que el musical luzca muchísimo visualmente. En su época fue una revolución porque la mayoría de las películas se producían en blanco y negro y no producían tanto impacto. Cada vez que vuelvo a ver esta película, disfruto más y más, cantando todas sus canciones y emocionándome con la historia de amor, aunque con final trágico y bastante predecible, de María y Tony.
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1962- LAWRENCE DE ARABIA El joven oficial Lawrence llega a Arabia procedente de una academia militar. Sus dotes le hacen escalar, en poco tiempo, varios puestos del Ejército. Pronto conoce al príncipe Feisal, enemigo íntimo de los turcos, con el que establece una gran amistad. Feisal y Lawrence deciden atacar el puerto de Akaba, un reducto que los ingleses pretendían desde hacía tiempo. La noticia de la conquista impresiona tanto al mando británico que decide ayudar a las tropas árabes de Lawrence y Feisal para que sigan avanzando sobre los turcos.
DIRECTOR: DAVID LEAN PAÍS: REINO UNIDO GÉNERO: BÉLICO/HISTÓRICO A COLOR
PREMIOS:
7 PREMIOS OSCAR- MEJOR PELICULA, MEJOR DIRECTOR, MEJOR B.S.O., MEJOR FOTOGRAFÍA, MEJOR MONTAJE, MEJOR SONIDO Y MEJOR DIRECCIÓN DE ARTE. 4 GLOBOS DE ORO- MEJOR PELÍCULA, MEJOR DIRECTOR, MEJOR ACTOR DE REPARTO Y MEJOR FOTOGRAFÍA.
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“Lawrence de Arabia” es considerada por muchos una de las mejores películas de la historia del cine. Tanto las escenas como el papel de los protagonistas son admirables. En un principio, estaba pensado que la película fuera rodada al completo en Oriente Medio. Sin embargo, hacia la mitad del rodaje, éste se acabó trasladando a España, por exigencias del productor. Algunos lugares de España en los que se rodó fueron el Cabo de Gata, la playa de El Algarrobico en Carboneras, Almería, las Ramblas de Barcelona, pabellones de la Exposición Universal de Sevilla de 1928,… A nivel visual, las escenas más impactantes son las que se han rodado en los desiertos de Jordania, no solo por los paisajes tan bonitos de la localización, sino por la calidad de las fotografías y el cuidado que se ha tenido con todos los detalles para poder hacerlas. Esta película está basada en el libro “Los siete pilares de la sabiduría”, escrito por Thomas Edward Lawrence. Robert Bolt fue el encargado de escribir el guion a partir de esa novela autobiográfica. En cuanto al uso del color, destaca el contraste de colores, con colores cálidos como el azul saturado para la luna, y con colores más cálidos, en tonos naranjas, para los interiores. Respecto a la banda sonora de la película, fue compuesta por Maurice Jarre. Es considerada una obra inmensa en la historia del cine. Toda la música es esencial para que la película haya podido llegar a alcanzar tanto éxito. Una curiosidad de la película es que no hay ningún papel femenino durante toda la cinta. Es uno de los pocos largometrajes de la historia del cine en los que las mujeres no tienen cabida. Solo aparecen algunas en el entierro de Lawrence, pero que no forman parte del guion. En mi opinión, la película tiene una duración muy larga. Casi cuatro horas. Por otro lado, me han encantado los paisajes que aparecen en las diferentes escenas. Y, por supuesto me ha gustado mucho el personaje de Lawrence. Ha demostrado ser un auténtico héroe durante toda la película.
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1970- PATTON El general Patton es un alto mando del ejército estadounidense. A lo largo de su vida, ha participado en varios conflictos bélicos, como la derrota estadounidense en el paso de Kassenine y la entrega de una parte de Alemania a los rusos al finalizar la Segunda Guerra Mundial. Lo peculiar de este general es que basa todas sus estrategias en guerras antiguas, creyéndose en algunos casos un mariscal del propio Napoleón o un guerrero de Cartago.
DIRECTOR: FRANKLIN J. SCHAFFNER PAÍS: ESTADOS UNIDOS GÉNERO: BÉLICO/HISTÓRICO A COLOR
PREMIOS:
7 PREMIOS OSCAR- MEJOR PELICULA, MEJOR DIRECTOR, MEJOR ACTOR, MEJOR GUION ORIGINAL, MEJOR DIRECCIÓN DE ARTE, MEJOR SONIDO Y MEJOR MONTAJE. GLOBO DE ORO- MEJOR ACTOR.
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“Patton” se basa en la vida del propio general “Patton”. Es una película biográfica de un general estadounidense que vivió muchos conflictos bélicos, entre los que destaca la Segunda Guerra Mundial. La escena más destacada de toda la película es la inicial, en la que aparece el protagonista dando un discurso de seis minutos con la bandera de Estados Unidos al fondo. El protagonista puede evocarnos, en cierto sentido, a la figura de Don Quijote de La Mancha. El carácter de Patton es el de un hombre perseverante, romántico, luchador, que, como Don Quijote con sus libros de caballerías, basaba sus estrategias en historias de guerra muy antiguas, llegando incluso hasta a meterse en el papel de figuras bélicas del pasado. La mayor parte de la trama se centra en contar la historia del general durante la Segunda Guerra Mundial. En todos los conflictos, destaca la intervención de Patton durante la Batalla de Las Árdenas. En cuanto al sonido, hay que destacar la banda sonora de Jerry Goldmisth, para la que se utilizaron técnicas muy avanzadas en comparación con las utilizadas en aquel momento. Una gran parte de la película fue rodada en España, destacando lugares como Almería, el palacio de la Granja de Segovia, Navacerrada y la Sierra de Urbasa en Navarra. También se utilizó a gran parte de Ejército español como extras. Una curiosidad de la película es que el actor principal, Scott, recibió el Oscar por su interpretación, pero no lo recogió. Consideraba que los Premios de la Academia y todo lo relacionado con ello “era un mercado de carne y no quería formar parte de él”. Personalmente, me ha parecido espectacular. El general me ha encantado: su valentía es impresionante. Sin duda volvería a ver esta película unas cuantas veces más.
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1972- EL PADRINO Don Vito Corleone es el respetado y temido jefe de una de las cinco familias de la mafia de Nueva York. Tiene cuatro hijos: Connie, el impulsivo Sonny, Fredo y Michael. El último de todos ellos no quiere saber nada de los negocios de su padre. Cuando Corleone, en contra de los consejos de su consejero, Tom Hagen, se niega a participar en el negocio de las drogas, el jefe de otra banda ordena su asesinato. Empieza entonces una violenta y cruenta guerra entre las familias mafiosas.
DIRECTOR: F.F. COPPOLA PAÍS: ESTADOS UNIDOS GÉNERO: DRAMA A COLOR
PREMIOS:
3 PREMIOS OSCAR- MEJOR PELÍCULA, MEJOR ACTOR Y MEJOR GUION ADAPTADO. 5 GLOBOS DE ORO- MEJOR PELÍCULA, MEJOR DIRECTOR, MEJOR GUION, MEJOR ACTOR Y MEJOR B.S.O. PREMIO BAFTA- MEJOR MÚSICA ORIGINAL
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“El Padrino” es considerado como un clásico en el cine, y, probablemente, la mejor película basada en la mafia de la historia. Está basada en la novela, con el mismo nombre, de Mario Puzzo. Pertenece a una trilogía, junto con “El Padrino II” (1974) y “El Padrino III” (1990). La cuarta parte de esta saga hubiera sido posible, incluso llegó a estar en proceso, pero fue interrumpida debido a la muerte del autor de los libros. El personaje principal, Don Vito, recrea el personaje prototipo de un capo de la mafia italiana. Él controla todos los negocios, siendo el cabecilla de su familia. Marlon Brando realiza un papel impresionante. Una curiosidad respecto al protagonista es que Marlon Brando obtuvo el Oscar en el “El Padrino”, mientras que Robert De Niro obtuvo el Oscar en “El Padrino II”. Es la única vez en la historia que dos actores obtuvieron el Oscar interpretando al mismo personaje. En esta película, la representación de la muerte que rodea a la familia mediante el sonido ha sido muy diferente a lo visto anteriormente. En vez de sonidos muy bruscos, normalmente asociados a la violencia, en este largometraje se utilizan sonidos más lentos, melancólicos, como el vals del principio, que es tan lento y tan triste que recuerda a una marcha fúnebre. Por otro lado, la banda sonora es brillante, una de las más exitosas comercialmente de la historia del cine, aunque no es original. Ya se había utilizado en una película en 1958, por lo que “El Padrino” no pudo ser galardonada con el Oscar a la mejor banda sonora. Muy grande es el legado que ha dejado este clásico. EL clavel rojo es un símbolo muy propio de la película, además de su traje, siempre con pajarita negra. Un símbolo muy claro durante la película es la aparición del color naranja. Cada vez que un personaje aparecía con ropa de ese color, iba a ocurrir alguna tragedia. Para mí, tanto “El Padrino” como toda la trilogía al completo, son las mejores películas que he visto nunca. Me encanta la estética siciliana, esos vestidos tan geniales que llevan las mujeres y esa elegancia que demuestran los hombres. La música me gusta también mucho, y mi escena favorita es la de la boda. Sin duda, nunca me cansaré de volver a ver esta película. 30
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1985- EL HONOR DE LOS PRIZZI Charley Partanna, un pistolero de la familia Prizzi, conoce a Irene, de la que se enamora profundamente. Ella trabaja como asesina a sueldo y está contratada en secreto por la propia familia Prizzi. Tras un atraco en un casino del negocio familiar, Charley es enviado para encontrar al responsable y hacer posible la venganza. Para su sorpresa, su novia Irene es cómplice del atraco y posee todo el dinero. Charley se enfrentará a la decisión de seguir con el código de honor de la familia y matar a Irene, o perdonarle la vida a la mujer de la que está enamorado.
DIRECTOR: JOHN HUSTON PAÍS: ESTADOS UNIDOS GÉNERO: COMEDIA NEGRA A COLOR
PREMIOS:
PREMIO OSCAR- MEJOR ACTRIZ DE REPARTO. 4 GLOBOS DE ORO- MEJOR PELÍCULA, MEJOR ACTOR, MEJOR ACTRIZ Y MEJOR DIRECTOR.
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“El honor de los Prizzi” es considerada una de las grandes películas de su género, y una de las mejores de los años ochenta. Está basada en una novela de Richard Condon que hace un retrato de forma irónica del mundo de la mafia o, más bien, de las películas de mafia, como puede ser “El Padrino”. En esta película se mezcla la comedia, con el drama y la intriga. Además, hay un toque romántico entre los protagonistas, que también se encuentra en tono irónico y sirve como hilo conductor de la película: el dilema entre el honor y el amor. La familia Prizzi responde al prototipo de cualquier familia mafiosa: un patriarca que no habla, solo sentencia; unos hijos con poca personalidad y eficacia; y una tercera generación desesperante, en la que se encuentra el personaje de Anjelica Huston, hija del director. Esta película hizo posible que ella se pudiera meter en el mundo del cine, haciendo un gran papel como la nieta de la familia Prizzi, quien está realmente enamorada del protagonista. Llegó a conseguir el Oscar por su interpretación. También es muy bueno el papel realizado por Jack Nicholson, quien realmente e da un toque cómico a la trama. Personalmente me ha gustado mucho la trama de la película. La intriga sobre el robo y sobre la decisión que tendría que tomar Charley ha hecho que estuviera enganchada a la película desde un primer momento. Sin embargo, el ritmo del desarrollo de la película me ha parecido bastante lento.
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1998- SALVAR AL SOLDADO RYAN Durante el desembarco de Normandía en la Segunda Guerra Mundial, un grupo de soldados estadounidenses se dirigen hacia los enemigos. Durante la batalla fallecen muchos de ellos. De esto es consciente el general Marshall, el cual es informado de que tres de cuatro hermanos de la familia Ryan han perdido la vida en combate, con pocos días de diferencia. Ante esta difícil situación, toma la decisión de encontrar al cuarto hermano, Jamen Francis Ryan. Para ello reúne a un equipo de soldados que pondrán rumbo en busca del soldado Ryan, quien se encuentra en paradero totalmente desconocido.
DIRECTOR: STEVEN SPIELBERG PAÍS: ESTADOS UNIDOS GÉNERO: BÉLICO/DRAMA A COLOR
PREMIOS:
5 PREMIOS OSCAR- MEJOR DIRECTOR, MEJOR FOTOGRAFÍA, MEJOR SONIDO, MEJOR MONTAJE Y MEJOR EDICIÓN DE SONIDO. 2 GLOBOS DE ORO- MEJOR PELÍCULA Y MEJOR DIRECTOR.
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“Salvar al soldado Ryan” es una película ambientada en la Segunda Guerra Mundial. Es mundialmente conocida porque representa a la perfección la situación bélica que se estaba sufriendo. Después de verla, el espectador queda con la sensación de que ha estado presente allí. Aunque la película ha sido grabada hace veintidós años, la calidad de la imagen es impresionante. La mejor escena de toda la película es la inicial, en el Desembarco de Normandía. Se considera la mejor escena bélica de todos los tiempos. Han hecho falta 12 millones de dólares para recrear esta escena, además de 1.500 extras. Otra escena muy importante es el diálogo entre Miller y Ryan antes del último enfrentamiento con los nazis. Toda ella está improvisada. El sonido de la película también es muy bueno. Una de las curiosidades respecto a esto es que los efectos de sonido de las armas que se escuchan en la película fueron grabados a partir de disparos con munición real, armas auténticas. Al ser llevada a la gran pantalla, Spielberg se aseguró que las salas subieran el volumen lo más alto posible para que se pudiera apreciar al máximo el sonido tan cuidadosamente diseñado para la película. Todos los actores, excepto Matt Damon, tuvieron un gran entrenamiento militar durante varios días antes de rodar para mostrar esa crudeza en sus interpretaciones. La película destaca principalmente por el realismo con el que representa la Segunda Guerra Mundial. Dos embarcaciones de la escena del Desembarco se utilizaron realmente en la guerra. Además, se contrataron a extras que tenían amputaciones reales para la escena de la playa. La historia está basada en la de la familia Niland, cuatro hermanos que sirvieron al ejército de Estados Unidos durante la Segunda Guerra Mundial. A pesar de la dureza de algunas escenas, me ha parecido muy interesante la película. Muestra la realidad tal y como fue, todo lo que han tenido que sufrir las familias de los combatientes y las crueldades de la guerra.
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1999- MATRIX Neo es un joven pirata informático que lleva una doble vida: durante el día ejerce en una empresa de servicios informáticos, mientras que por la noche se dedica a piratear bases de datos y saltarse sistemas de alta seguridad. Su vida cambiará cuando una noche conozca a Trinity, una misteriosa joven que parece ser una leyenda en el mundo de los 'hackers' informáticos. Será ella quien lleve a Neo ante su líder: Morfeo. Así descubrirá una terrible realidad y el joven deberá decidir si unirse a la resistencia o vivir su vida como hasta ahora.
DIRECTOR: HERMANAS WACHOWSKI PAÍS: ESTADOS UNIDOS GÉNERO: CIENCIA FICCIÓN A COLOR
PREMIOS:
4 PREMIOS OSCAR- MEJOR SONIDO, MEJOR MONTAJE, MEJORES EFECTOS VISUALES Y MEJOR EDICIÓN DE SONIDO 2 PREMIOS BAFTA- MEJOR SONIDO Y MEJORES EFECTOS VISUALES.
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“Matrix” es considerada una de las películas más importantes de la ciencia ficción a lo largo de historia. Ha sido rodada en varias ocasiones, pero la más actual es la de 1999. Después de esta película, se ha hecho una trilogía, añadiendo “Matriz Reloaded” en 2003 y “Matrix Revolutions”, también en ese mismo año. Lo más destacable de la película es su escena más conocida, un hito ya en la historia del cine. Se trata del momento en el que uno de los personajes queda congelado en el aire dando una patada, a la vez de que al espectador le da la sensación de que está haciendo un círculo alrededor del personaje. Esta es la gran contribución que “Matrix” aportó a la historia del cine. Este efecto se hizo posible colocando muchas cámaras haciendo un círculo alrededor del personaje y, en el momento de la patada, se hizo una fotografía simultánea desde todas las cámaras. El efecto se consiguió al proyectar consecutivamente todas estas imágenes. En la película se pueden apreciar varias influencias de la novela “1984”, de George Orwell. En ambas obras el protagonista creía poder luchar contra el sistema, aunque acababa dándose cuenta de que el sistema lo vigilaba desde hacía años. Una curiosidad sobre la trilogía “Matrix” es que todas las referencias que hacen sobre calles y lugares propios en las películas pertenecen a sitios reales de la ciudad de Chicago, lugar de residencia de las directoras. Otra curiosidad es que esta primera película de la trilogía cuenta con alrededor de 400 efectos especiales, mientras que las dos siguientes cuentan con 2.500 efectos especiales cada una. Personalmente, la trama de “Matrix” no me ha llamado realmente la atención. Entiendo que para la época los efectos especiales de la película eran muy buenos, pero hoy en día se nota que son muy irreales y, en ocasiones, forzados.
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2001- AMELIE Amelie no es una chica como las demás. Ha visto a su pez de colores deslizarse hacia las alcantarillas municipales, a su madre morir en la plaza de Nôtre-Dame y a su padre dedicar todo su afecto a un gnomo de jardín. De repente, a los veintidós años, descubre su objetivo en la vida: arreglar la vida de los demás. A partir de entonces, inventa toda clase de estrategias para intervenir en los asuntos de los demás: su portera, que se pasa los días bebiendo vino de Oporto; Georgette, una estanquera hipocondríaca, o "el hombre de cristal", un vecino que sólo ve el mundo a través de la reproducción de un cuadro de Renoir.
DIRECTOR: JEAN-PIERRE JEUNET PAÍS: FRANCIA GÉNERO: COMEDIA A COLOR
PREMIOS:
PREMIO GOYA- MEJOR PELÍCULA EUROPEA 4 PREMIOS CÉSAR- MEJOR PELÍCULA, MEJOR DIRECTOR, MEJOR MÚSICA CINEMATOGRÁFICA Y MEJOR DECORADO. 2 PREMIOS BAFTA- MEJOR GUION ORIGINAL Y MEJOR DISEÑO DE PRODUCCIÓN.
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La película “Amelie” ha traspasado el éxito cinematográfico para convertirse en un paradigma de lo que la sociedad piensa acerca del cine francés. Su protagonista, que se encuentra muy sola y, aun así, quiere hacer felices a los demás, ha sido la causante de que la película tenga muchísimos seguidores por todo el mundo. A raíz del éxito que tuvo la película en las taquillas, su director la quiso presentar al Festival de Cannes, cuyo director la consideró poco interesante. Este hecho provocó una gran indignación entre la prensa. Sin embargo, la película fue muy premiada. Además de todos sus premios, obtuvo cinco nominaciones a los Premios Oscar. “Amelie” ha servido de inspiración para películas como “Quiéreme si te atreves”, y para cortos como “Ana y Manuel”. También ha inspirado a anuncios de bancos privados y de alimentación. A lo largo de la película, se hacen referencia a obras de grandes pintores como Renoir y “Le moulin de la galette”, pero también a otros como Michael Sowa, que es el autor de los cuadros que cuelgan de la pared de la habitación de la joven. Hace unos años, la película también se convirtió en un musical de Broadway. En anteriores proyectos, el director había rodado en estudio. Sin embargo, le resultó imposible recrear algunos barrios de Paría sin gastar enormes cantidades de dinero. Por este motivo tuvieron que grabar los exteriores en escenarios reales. El “Café des Deux Moulins” se ha convertido en un lugar muy turístico y recibe cientos de visitas de fans de la película. Me ha encantado tanto la protagonista como las escenas aparecen de la ciudad de París. La historia de Amelie, tan tierna y conmovedora, muestra la belleza de las cosas del día a día.
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2001- EL VIAJE DE CHIHIRO Chihiro es una niña de diez años que viaja en coche con sus padres. Después de atravesar un túnel, llegan a un mundo fantástico, en el que no hay lugar para los seres humanos, sólo para los dioses de primera y segunda clase. Cuando descubre que sus padres han sido convertidos en cerdos, Chihiro se siente muy sola y asustada.
DIRECTOR: HAYAO MIYAZAKI PAÍS: JAPÓN GÉNERO: ANIMACIÓN/FANTASÍA A COLOR
PREMIOS:
PREMIO OSCAR- MEJOR LARGOMETRAJE DE ANIMACIÓN.
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“El viaje de Chihiro” es considerada por muchos una de las de grandes obras de la animación de la historia y una obra maestra de “Estudio Ghibli”. A través de su viaje en coche, Chihiro consigue unir a públicos de todas las edades y culturas. Sin embargo, “El viaje de Chihiro” está llena de referencias a la cultura japonesa, lo que la hace muy rica, pero en ocasiones difícil de entender para los occidentales. La protagonista, Chihiro, está inspirada en la hija de uno de los amigos del director, Miyazaki. El director quiso escribir una obra para que las niñas y adolescentes se pudieran sentir reflejadas y a la vez identificarse como unas auténticas heroínas. Además, los nombres de los personajes de la película son simbólicos: “Boh”, que quiere decir “pequeño hombre o hijo”; “Kamaji”, que significa “el hombre viejo de las caderas”; “Yubaba”, que hace referencia a “la bruja de la casa de los baños”;… Una gran curiosidad de la película es que ha sido la primera animación japonesa en ganar un Premio Oscar. Otra de ellas es que, cuando se empezó la producción de la película, Miyazaki no tenía guion. Prefería que la historia y los personajes se desarrollaran de forma orgánica. Para la creación de “La Casa de Baños”, el director intentó representar la estructura social vertical de las empresas de Japón, que se caracteriza por la filosofía de que los trabajadores son propiedad de la compañía de la que forman parte, viviendo por y para ella. La escena más representativa de la película es en la que llega el espíritu lleno de basura y Chihiro tira de una bicicleta para empezar a sacar la suciedad. Esta escena está inspirada en una experiencia de la infancia del propio director. Aunque no sea muy seguidora de películas de animación japonesa, he de decir que “El viaje de Chihiro” me ha gustado bastante. La protagonista capta tu atención desde el primer momento, lo que hace que te acabes enganchando de la película y empatices con ella.
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2003- BIG FISH William Bloom no tiene muy buena relación con su padre, pero tras enterarse de que padece una enfermedad terminal, regresa a su hogar para estar a su lado en sus últimos momentos. Una vez más, William se verá obligado a escucharlo mientras cuenta las interminables historias de su juventud. Pero, en esta ocasión, tratará de averiguar cosas que le permitan conocer mejor a su padre, aunque para ello tendrá que separar claramente realidad y fantasía, elementos que aparecen siempre mezclados en los relatos de su progenitor.
DIRECTOR: TIM BURTON PAÍS: ESTADOS UNIDOS GÉNERO: DRAMA/FANTASÍA A COLOR
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“Big fish” es una película que combina un mundo de imaginación y fantasía con la historia de una pequeña familia. El hijo de la familia, ya mayor, deja de tener relación con su padre puesto que éste siempre quiere tener el protagonismo contando sus historias, hasta en la boda de su hijo. Cuando su padre enferma de una enfermedad terminal, el hijo va a pasar sus últimos días con él, descubriendo que en realidad no tiene tantas diferencias con su padre en cuanto a la imaginación. En un primer lugar, el proyecto de la película estaba pensado para que fuera Steven Spielberg quien la dirigiera, pero al retirarse, los productores contrataron a Tim Burton. La película fue el momento para que Marion Cotillard hiciera su debut como actriz. Además, la cantante Miley Cyrus aparece como extra es el grupo de niños amigos de la infancia del protagonista. Tim Burton aparece en su propia película disfrazado como un payaso. La nota manuscrita del poema que se le enseña a Edward y que está inacabado fue escrita por el propio director. Además, como de costumbre, Burton hace referencia a algún trabajo suyo durante la película. Durante la escena en la que Edward recibe una paliza en el campo de narcisos, se puede observar un cartel promocionando “Pesadilla antes de Navidad”, proyecto en el que Tim Burton fue muy importante. En mi opinión, la película recrea perfectamente un mundo de fantasía, recordándome en algunas ocasiones a “Alicia en el país de las Maravillas”. Además, me ha emocionado un montón la última escena en la que el padre fallece mientras que su hijo le sumerge en el lago, convirtiéndose en un pez grande. La metáfora que se hace en este momento es que los peces grandes nunca mueren. Además, William, durante la enfermedad de su padre, comparte la misma pasión por las historias que él, y se dedica a sumergirse en el mismo mundo de fantasía que su progenitor. Finalmente, la película me ha gustado también en cuanto a sus colores tan vivos y escenas. 42
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2007- EL ORFANATO Laura, junto a su marido, decide comprar el orfanato en el que pasó su infancia con el fin de restaurar el edificio abandonado y reabrirlo convertido en una residencia para niños discapacitados. Una vez allí, Laura descubre que el viejo lugar despierta la imaginación de hijo Simón, quien juega con unos amigos imaginarios. Los juegos de su hijo pasan de ser una simple diversión a ser una amenaza. Cuando Simón, misteriosamente, desaparece, Laura comienza a investigar sobre le pasado del edificio y los niños que vivieron en él, descubriendo que no todos los juegos eran producto de la imaginación de Simón.
DIRECTOR: JUAN ANTONIO BAYONA PAÍS: ESPAÑA GÉNERO: TERROR A COLOR
PREMIOS:
7 PREMIOS GOYA- MEJOR DIRECCIÓN NOVEL, MEJOR GUION ORIGINAL, MEJOR DIRECCIÓN DE PRODUCCIÓN, MEJOR DIRECCIÓN ARTÍSTICA, MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA, MEJOR SONIDO Y MEJORES EFECTOS ESPECIALES.
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“El orfanato” es una película que podríamos alojar dentro del género de terror. Muestra la vida de Laura, una mujer que al hacerse mayor quiere reabrir el orfanato donde ella vivió. La casa que reproduce el orfanato se encuentra en Llanes, Asturias, y ha sido escenario de otras películas como “Mi nombre es sombra”, de Gonzalo Suárez. La casa tiene un aspecto terrorífico, y fue construida en el siglo XVIII. La película fue producida por Guillermo del Toro, quien conoce a la perfección lugares propios de películas de terror relacionados con orfanatos. Estos espacios predominan también en su película, “El espinazo del diablo”, que fue rodada al mismo tiempo. El guion fue escrito por Sergio G. Sánchez, quien recuerda como de niño llamaba la atención de su madre inventando amigos invisibles, hasta el punto de llegar a inquietarla en más de una ocasión. “El orfanato” tuvo catorce nominaciones a los premios Goya, un récord para el director, Juan Antonio Bayona. Además, la película ganó el Premio del Jurado del Festival de Ciencia Ficción de Gerardmer. Cabe destacar que las fuentes de inspiración para el director fueron películas como “Tiburón” de Steven Spielberg, o “La semilla del diablo” de Roman Polanski. Además, la llegada en la película del grupo de la médium se considera un guiño a la película de “Poltergeist”, de Tob Hooper, de 1982. El color de la ropa del ayudante es el mismo que utiliza el ayudante de la médium de la película de 1982. El final de la película es sorprendente. Laura se reencuentra con su hijo Simón y con todos los niños que habían fallecido en el orfanato, para descansar juntos en paz en la casa. En mi opinión, la película es una película de terror bastante “suave”. Más que sustos, la película está repleta de intriga, por lo que la hace apta hasta para las personas a las que no nos gusta este género. Me ha gustado mucho el papel de Belén Rueda en la película. Además, se me ha hecho muy ameno ver el largometraje.
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2007- PERSÉPOLIS Marjane es una niña que vive en el Irán de finales de los años setenta, dentro de una familia con costumbres propias de Occidente. Durante esta época, el régimen del Sah hace que Marjane tenga contacto con ideas políticas de izquierdas desde bien pequeña. Con la caída del Sah llega la revolución islámica, que hace cambiar por completo la vida de los ciudadanos. Los fundamentalistas islámicos toman el poder de manera autoritaria. Durante este tiempo Marjane echa de menos los ventajas de Occidente, mientras que ve cómo su país es devastado por la guerra entre Irán y su país vecino, Irak.
DIRECTOR: VICENT PARONNAUD PAÍS: FRANCIA GÉNERO: ANIMACIÓN/DRAMA BLANCO Y NEGRO/A COLOR
PREMIOS:
PREMIO DEL JURADO DEL FESTIVAL DE CANNES PREMIO CÓNDOR DE PLATA- MEJOR PELÍCULA EXTRANJERA DE HABLA NO HISPANA
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“Persépolis” está ambientada en Teherán en 1978, en el momento en el que se implanta una Nueva República Islámica. Este hecho hace que todo Irán viva bajo un régimen fundamentalista. Dentro de este país tan desolado vivía Marjane, una niña de ocho años que tenía un pensamiento muy revolucionario. La joven no entendía por qué tenía que aceptar el nuevo régimen. Cuando crece, la joven es enviada a estudiar a Austria. Allí conocerá el amor y la libertad que ella tanto ansiaba, pero también la soledad y la tristeza. Lo más característico de la película es el juego con el color. Durante todo el largometraje se crean sombras, penumbras, luces…; tan solo con el blanco y el negro, lo que hace entender la pésima situación por la que estaba pasando Irán. El color aparece cuando Marjane se encuentra en el aeropuerto, rumbo para partir a Occidente. Además, “Persépolis” consigue relatar la situación tan trágica de Irán sin sentimentalismos. Nos muestra la evolución de la sociedad iraní tal como fue: cómo adquirió el carácter islámico que tiene hoy en día, y sus consecuencias. Cabe destacar que la película está basada en la novela autobiográfica de Marjane Strapi. Para ser llevada a la gran pantalla, han hecho falta 80.000 dibujos hechos a mano, que han servido para crear los 130.000 fotogramas de los que se compone la película. En mi opinión, “Persépolis” nos ayuda a entender completamente la situación actual de Irán y a ponernos en la piel de todos aquellos que han tenido que vivir bajo el Régimen Islámico y que, además, han sufrido tanto por los conflictos bélicos del país. Además, el lenguaje informal que utiliza e ocasiones los personajes, especialmente la abuela, hace que la película tenga momentos cómicos y sea muy entretenida.
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2012- los miserables Jean Valjean es un preso de la Francia del siglo XIX, momento en el que gobierna Napoleón Bonaparte. Tras conseguir su libertad, es rechazado por todos los pueblos debido a su condición de “hombre peligroso”. El párroco de uno de esos pueblos se apiada de él y le acoge. Sin embargo, Valjean le traiciona, intentando robarle toda la plata. El párroco le acaba perdonando y, a partir de ese momento, Valjean comienza a rehacer su vida. En su camino conseguirá llegar al puesto de alcalde y se reencontrará con viejos fantasmas de pasado. También conocerá a personas nuevas, como Fantine o Cosette, que dotarán de sentido a toda la trama de la historia.
DIRECTOR: TOM HOOPER PAÍS: REINO UNIDO GÉNERO: MUSICAL A COLOR
PREMIOS:
3 PREMIOS OSCAR- MEJOR SONIDO, MEJOR ACTRIZ DE REPARTO Y MEJOR MAQUILLAJE Y PELUQUERÍA. 3 GLOBOS DE ORO- MEJOR PELÍCULA, MEJOR ACTOR Y MEJOR ACTRIZ DE REPARTO.
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La película “Los Miserables” está basada en una novela del escritor francés Víctor Hugo y esta obra se considera una de las novelas más importantes del siglo XIX. Muestra la realidad de la sociedad francesa después de la Revolución Francesa de 1789. Esta novela ha sido llevada varias veces al cine, y la última de estas versiones es la que estamos estudiando, de 2012. También se han hecho musicales de la obra por teatros de todo el mundo. La película muestra la dura realidad por la que pasaba la sociedad francesa en tiempos de Napoleón. La pobreza y el hambre dominaban a los ciudadanos. Las calles de las ciudades aparecían representadas con condiciones insalubres. Además, los habitantes tenían que realizar cualquier tipo de acciones, desde prostituirse hasta cortarse el pelo y venderlo, todo ello para poder sacar dinero para sobrevivir. “Los Miserables” cuenta con una calidad de imagen muy buena, y un sonido impresionante. Los propios actores han tenido que pasar por audiciones para ser elegidos para el pape, puesto que ellos mismos han sido los que han grabado todas las canciones del musical. Además, el director, Tom Hooper, ha querido que no hubiera playback, por lo que ha obligado a los actores a cantar mientras que se grababan las diferentes escenas. El protagonista, Jean Valjean, es interpretado por Huge Jackman. Durante la película, el personaje sufre un cambio físico impresionante, por lo que Jackman al principio ha tenido que quedarse muy delgado y con barba, y a lo largo del rodaje ha tenido que ir haciendo ejercicio y ganando peso para interpretar al protagonista en sus mejores épocas. Anne Hathaway, quien interpreta a Fantine, ha tenido relación con el musical desde bien pequeña puesto que su madre ha formado parte del musical en su gira por Estados Unidos. En mi opinión, tanto la música de la película como sus escenas han hecho que “Los Miserables” me encantara. Había visto el musical, pero la película también es impresionante. Las canciones hacen que sea una película muy bonita, y que puedas empatizar a la perfección con los personajes.
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2016- I’M NOT YOUR NEGRO Utilizando fragmentos extraídos del libro original escrito por James Baldwin, el documental aporta una visión genuina sobre el racismo en Estados Unidos contada a través de las vidas, y posteriores asesinatos, de tres amigos íntimos del autor: Martin Luther King Jr., Medgar Evers y Malcolm X.
DIRECTOR: RAOUL PECK PAÍS: ESTADOS UNIDOS GÉNERO: DOCUMENTAL A COLOR
PREMIOS:
PREMIO CÉSAR- MEJOR PELÍCULA DOCUMENTAL PREMIO BAFTA- MEJOR DOCUMENTAL
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MARÍA CARRETERO LLANEZA- IMAGEN Y SONIDO 2019/2020
“I’m not your negro” es un film documental que denuncia las discriminaciones raciales vividas por la comunidad negra en Estados Unidos durante el siglo XX. El documental narra un relato del escritor James Baldwin llamado “Remember this house”. Comenzó a escribir la historia en 1979, pero quedó inacabada. Todo el film se centra en la historia de tres amigos de Baldwin que fueron asesinados: Malcolm X, Martin Luther King y Medgar Evans. Durante todo el relato, el escritor critica el daño que han hecho películas como “La diligencia”, o programas como “Guess who’s coming to dinner” (“Adivina quién viene a cenar esta noche”), a la causa negra. El autor también diferencia entre el odio que le tiene un blanco a un negro, y viceversa. Mantiene que el primero de ellos es porque los blancos tienen miedo a sociedad negra, y ese miedo solo es producto de su cabeza. Por otro lado, el odio que pudiera sentir un negro hacia un blanco es si le hacen daño a un hijo. Baldwin reflexiona que “La historia de los negros en América es la historia de América”. A través de sus mítines y charlas defendía a toda costa a la comunidad afroamericana y reivindicaba la igualdad entre razas. Todo el documental es un relejo de los problemas de desigualdades que han venido ocurriendo a lo largo de la historia y que será muy complicado que desaparezcan del todo. El relato cuenta en primera persona la crueldad con la que la sociedad te trata cuando eres diferente. Personalmente, el documental me ha hecho reflexionar a cerca de la maldad que sigue perdurando en la sociedad. Imágenes tan duras como la de una mujer ahorcada con una soga hace que este largometraje sea muy claro y directo en el mensaje que quiere transmitir. Todo el mundo, con una cierta madurez, debería ver este documental alguna vez para poder darse cuenta de la situación tan desastrosa por la que ha tenido que pasar, y en ocasiones sigue pasando, la raza negra.
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MARÍA CARRETERO LLANEZA- IMAGEN Y SONIDO 2019/2020
Conclusión A lo largo del trabajo he aprendido el gran desarrollo que ha sufrido el cine en este tiempo. Tanto los efectos especiales como el sonido y la calidad de la fotografía han evolucionado de una forma gigantesca. Sin lugar a duda, la película que no conocía y más me ha gustado de todo el trabajo ha sido “La ventana indiscreta”, de Alfred Hitchcock. Tanto la trama como el papel que realizan los actores me ha impresionado muchísimo. Otro gran descubrimiento ha sido “Patton”. Tanto como el personaje, que me ha encantado, como todas las batallas que se producen de la Segunda Guerra Mundial. También se ha gustado mucho “Persépolis” y su visión tan poco sentimentalista de una realidad muy dura. Por otro lado, en “Los Miserables” me he emocionado con todas y cada una de sus canciones. Me sorprende el papel tan bueno que realizan todos sus personajes. En definitiva, realmente he disfrutado mucho con la realización de este trabajo. He conocido algunas películas que eran completamente desconocidas para mí, y he vuelto a ver otras como “West Side Story” o “El Padrino”, que me gustan cada vez más, si cabe.
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