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HEARST INTERNATIONAL MAGAZINE OF THE YEAR

Magazine internazionale di design e tendenze arredamento e stili di vita architettura e arte English text

NATURA

SALENTO, BALI, KENYA Progetto e ambiente, tre case in armonia con il paesaggio IN ESCLUSIVA Il relais dello chef Massimo Bottura nella campagna modenese CRAFT AL FEMMINILE Dal Kent a Marrakech, design fatto a mano SPECIALE KITCHEN Idee, tendenze, soluzioni in cucina

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Redazione Francesca Benedetto (interni, travel, people) — fbenedetto@hearst.it Tamara Bianchini — tbianchini@hearst.it Murielle Bortolotto — mbortolotto@hearst.it Paola Carimati (design e tendenze) — pcarimati@hearst.it Valentina Raggi — vraggi@hearst.it Redazione grafica Mariapia Coppin (vice caporedattore) — mcoppin@hearst.it Elena Santangelo (caposervizio) — esantangelo@hearst.it Carlo D’Amico (impaginazione) — cdamico@hearst.it Photoeditor Vivetta Rozza — vrozza@hearst.it Segreteria Elena Contardi (direzione, amministrazione) — econtardi@hearst.it Roberta Salvioni (redazione, produzione) — rsalvioni@hearst.it

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Collaboratori Laurine Abrieu, Piera Belloni, Sarah Berger, Jeremy Callaghan, Tami Christiansen, Flavia Giorgi, Arianna Lelli Mami e Chiara Di Pinto/Studiopepe, Laura Maggi, Costanza Manzoni, TDR Translation Company, Frank Visser Fotografi Karel Balas/Milk/Vega MG, Mirjam Bleeker, Andrea Ferrari, Andrea Garuti, Gaelle Le Boulicaut, Lapo Quagli, Tommaso Riva, Romain Ricard/Milk/Vega MG, Max Zambelli Progetto grafico Designwork Digital Massimo Russo (Chief Digital Officer Western Europe) — massimo.russo@hearst.it Francesco Magnocavallo (Digital Editorial Director) — fmagnocavallo@hearst.it Luca Lanzoni (Digital Fashion Director) — llanzoni@hearst.it elledecor.it Alessandro Valenti (Digital Director) — webmanager@hearst.it Carlotta Marelli — cmarelli@hearst.ch Rita Salerno — rita.salerno@hearst.ch Direzione, redazione e amministrazione via R. Bracco 6, 20159 Milano, tel. 02.6619.3375 — 02.6619.2774, fax 02.6619.3862 e-mail segreteria di redazione: econtardi@hearst.it — rsalvioni@hearst.it Direttore responsabile: Livia Peraldo Matton Editore Hearst Magazines Italia S.p.A., via R. Bracco 6, 20159 Milano Registrazione presso il Tribunale di Milano n. 46 del 18 gennaio 1990 Elle Decoration Network 25 Edizioni Internazionali CHINA — CROATIA — DENMARK — FRANCE — GERMANY — GREECE HOLLAND — INDIA — INDONESIA — ITALY — JAPAN — KOREA — MEXICO MIDDLE EAST — PHILIPPINES — POLAND — RUSSIA — SOUTH AFRICA SPAIN — SWEDEN — TAIWAN — THAILAND — TURKEY — UK — USA ELLE DECOR ITALIA ISSN 1120-4400 is published 10 times per year (except January and August)

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ACCERTAMENTI DIFFUSIONE STAMPA CERTIFICATO ADS 8412 DEL 21/12/2017

n. 6—2019

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ATTUALITÀ+CULTURA 22 Elledecor.it Contenuti digitali del magazine 25 Password Natura in & out. L’armonia tra spazio abitato e paesaggio 27 Elle Decor likes Luoghi, eventi, oggetti, people.

I nostri preferiti del mese 36 Crossing Folk connection: dal costume locale al messaggio globale

191 n.b.

Opening, appuntamenti, mostre e fiere del mese di giugno. In Italia e in Europa DESIGN+ARCHITETTURA 61 Craft design/1 Le creazioni tessili di Laurence Leenaert a Marrakech 69 Craft design/2 Nel Kent, a casa dell’artista Sarah Kaye Rodden

74 People Mariam Kamara e i suoi modelli abitativi per il Continente nero 77 Glocal design Oltre l’etnico: i progetti di 30 giovani creativi africani in dialogo con il mondo 91 Art design Aric Chen racconta l’ultima edizione di Design Miami/ Basel 161 Inside design Progetti, forme, materiali per abitare green

173 Inside design /Kitchen Mobili, finiture, elettrodomestici, attrezzature da chef. Tendenze per la cucina 2019 STILE+DECOR 49 Decorscouting Curiosità, address, arredi, accessori: tutto da scoprire 84 Design&fashion In un libro, l’home design firmato Emilio Pucci 19

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Giugno

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96 61 96 Summer decor Lo stile eclettico e disinvolto di una casa per le vacanze a Minorca. Nell’interpretazione del parigino Atelier du Pont TRAVEL+FOOD 103 Long weekend Otto mete vicine ma ricche di fascino per una prima, rapida fuga dalla città

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INTERNI 112 Fuori Modena In una dimora storica, carica di personalità, il relais dello chef Massimo Bottura 122 Nel Salento Una casa aperta alla natura, progettata da Luca Zanaroli 134 In Kenya Memorie islamiche e coloniali nella villa black & white sull’isola di Lamu

Cover

144 Dentro una cabane Intrecci, materiali naturali e colori per arredi in & out 152 A Bali Un’architettura ispirata al Brutalismo si fonde con il paesaggio 195 English text Servizio a pag. 122.

Di Rosaria Zucconi foto di Max Zambelli

elledecor.it Elle Decor Italia è anche sul web, con news, video, gallery, focus e reportage in tempo reale

Classico contemporaneo A Londra, la Tin House di Henning Stummel Architects che riprende, in chiave attuale, le tradizionali case britanniche con le facciate in mattoni rossi citate da Charles Dickens.

Facebook Cavie o ereditieri? Al Design Museum di Gent, la mostra ‘Animaux sur mesure’ svela il nostro bizzarro rapporto con gli animali.

DIGITAL EDITION Puoi sfogliare Elle Decor Italia anche su tablet, smartphone e dispositivi kindle fire. Disponibile su app store, google play e amazon app-shop anche in versione full English

Instagram A casa di Emilia Petruccelli, ideatrice di Edit Napoli. Il padiglione lituano, Leone d’Oro alla Biennale Arte Venezia.

L’Al Janoub Stadium in Qatar di Zaha Hadid Architects.

Extra su elledecor.it Un’apposita grafica segnala i contenuti speciali. Segui il simbolo + alla fine degli articoli.

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PASSWORD

06.19 [Natura In & Out]

Ristabilire il rapporto con il contesto, valorizzare la relazione con il luogo, in un gioco di rimandi fra spazio interno ed esterno, è un’esigenza al centro della progettazione di oggi. Espressione di un bisogno costante di sintonia con l’ambiente in cui viviamo, la sua cultura, la storia. All’insegna dell’inclusione, dell’utilizzo consapevole delle risorse e del rispetto della natura. Un tema che fa da comune denominatore a molte storie del numero, in un momento dell’anno in cui le case si aprono alla bella stagione, sui balconi o nei terrazzi in città, nei giardini o in campagna, lontano dal centro. Lo decliniamo in quattro case dal carattere forte, che fondano la loro essenza sulla connessione diretta con il luogo. A partire dall’alto Salento, nella villa di una coppia, divisa fra la Baviera e la Puglia, che ha voluto un’architettura fatta di volumi bianchi e articolati. E poi in Kenya, sull’isola di Lamu, e a Bali per scoprire modi diversi di vivere nella natura: a due passi dalla spiaggia, affacciati sull’Oceano Indiano, o immersi nella vegetazione tropicale, tra piccole costruzioni intervallate da corti verdi. Ma il legame con l’esterno può essere declinato nel passaggio da spazi storici, carichi di personalità, a un giardino tipicamente italiano.

Come nel progetto del relais ideato dallo chef Massimo Bottura nella campagna modenese. Un altro modo di vivere, tra dentro e fuori.

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[1] ’Wall Drawing in Pastel for Open Space San Maurizio’ di David Tremlett è un progetto site specific nella cappella dell’ex monastero piemontese, fondato nel 1619.

Il complesso che lo ospita è il Relais San Maurizio, oasi di tranquillità del circuito Relais & Châteaux. L’opera è aperta agli ospiti e, su appuntamento, ai visitatori. relaissanmaurizio.it

In un ex monastero gli affreschi di David Tremlett

Foto Luisa Porta

di Piera Belloni

Il paesaggio intorno è suggestivo, fatto di rilievi morbidi coltivati a vite. Su una di queste colline, poco fuori dal centro abitato di Santo Stefano Belbo (Cuneo), l’artista inglese David Tremlett firma il suo ultimo intervento nelle Langhe, all’interno della cappella dell’ex monastero del ‘600, oggi diventato prestigioso relais. Sono grandi campiture colorate a ritmare l’antica struttura architettonica — che delle sue origini ha mantenuto i decori perfettamente conservati — con geometrie irregolari, in toni accesi alla base e più tenui verso l’alto. “Quando ho effettuato il primo sopralluogo ho riscontrato che la volta non aveva alcun collegamento con le pareti”, spiega l’artista. “Ora, invece, la parte superiore dell’opera ha una connessione con la struttura dei soffitti, il colore e la forma”.

Il legame fra Tremlett e il territorio di Alba è particolarmente intenso: qui è già intervenuto per la Cappella del Barolo, nel 1999, con Sol LeWitt, e per la Chiesetta delle Vigne a Coazzolo, due anni fa, a un paio di chilometri da Santo Stefano. L’artista coltiva un rapporto speciale con tutto il nostro Paese, che ha cambiato il suo modo di fare arte: “In Italia sono stato circondato dagli affreschi di Giotto, Piero della Francesca, Mantegna.

Ero immerso nel colore e sentivo di dover cambiare il mio modo di disegnare”. — 27

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[2] Il Serpentine Galleries Pavilion 2019 inaugura il 21/6 a Kensington Gardens, dove resterà fino al 6/10. Aperto tutti i giorni, durante l’estate ospiterà le Park Nights, programma di eventi interdisciplinari, dall’arte alla musica, alla danza, oltre a performance per famiglie e bambini. serpentinegalleries.org

Nella caverna di Junya Ishigami alla Serpentine Gallery

Render © Junya Ishigami + Associates

di Piera Belloni

Enfant prodige dello studio di architettura SANAA, di Kazuyo Sejima e Ryue Nishizawa, poi fondatore del proprio atelier nel 2004 e Leone d’Oro alla Biennale di Venezia del 2010, Junya Ishigami è il progettista nipponico famoso per la leggerezza visiva e il tratto sperimentale delle sue opere, che si tratti di edifici o di oggetti di design.

Una fama che non si smentisce nel suo più recente progetto, il nuovo padiglione delle Serpentine Galleries di Londra. Per questa architettura temporanea, l’autore è partito da una caratteristica comune a tutte le costruzioni del mondo, il tetto. E ha scelto le lastre di ardesia, che sovrapposte vanno a definire il volume del padiglione, simile a una collina di roccia che sembra emergere dal terreno, sospesa su esili sostegni. Nell’integrare elementi architettonici tradizionali e mondo naturale, Ishigami compie un’operazione sorprendente, dove la pesantezza della copertura di ardesia diventa così leggera da creare la sensazione che potrebbe essere soffiata via dal vento. All’interno, lo spazio racchiuso come una caverna si propone come luogo meditativo. “Per me il padiglione articola una filosofia dello ‘spazio libero’, che è l’armonia tra le strutture create dall’uomo e quelle che già esistono in natura”, commenta Ishigami. Noi approviamo. — 29

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Foto Lisa Klappe

Blu oltremare 430K per il nuovo Rado True Thinline Les CouleursTM Le Corbusier, ultimo nato del brand svizzero specializzato in orologi in ceramica hi-tech.

9 i colori disponibili del modello al quarzo, 13 rubini, con cassa spessa 5 mm e fibbia in titanio. rado.com

La palette di Le Corbusier in un’inedita collezione di segnatempo di Filippo Romeo

Quattordici gruppi cromatici per un totale di 43 tonalità, colori compatti che vanno dal blu oltremare al giallo sole, passando per il rosa brillante e l’arancione intenso, ideati negli Anni 30, ai quali se ne sono aggiunti altri 20, nel 1959. Parliamo della Architectural Polychromy ideata e adottata da Le Corbusier nell’arco della sua carriera di architetto e pittore. Una scala di colori che diventa vero e proprio materiale da costruzione per comporre gli interni e le facciate dei suoi edifici più celebri, dalle Unité d’Habitation di Marsiglia, Nantes e Berlino al convento di Santa Maria de La Tourette, fino alla strepitosa Villa Savoye a Poissy, non lontano da Parigi.

Un patrimonio cromatico che è stato adottato dalla svizzera Rado per vestire l’ultima collezione di segnatempo ultrasottili True Thinline Les CouleursTM Le Corbusier con una selezione di 9 tra i colori del maestro. Bianco crema, grigio ferro, terra di Siena, grigio-verde e grigio-marrone completano le varianti disponibili per ciascuna cromia replicata in una edizione limitata da 999 esemplari rigorosamente in ceramica hi-tech.

Una curiosità, sul fondello di ogni pezzo una stampa digitale riunisce le 63 tonalità di Le Corbusier. Ancora un omaggio all’architetto visionario. — 31

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[4] Si chiama NatureSauna l’ultima creazione di Starpool, una sauna per esterni realizzata in legno, coerente con l’idea che ispira l’Outdoor Collection dell’azienda trentina: portare il wellness in qualsiasi spazio, per coltivare il piacere di prendersi cura di sé all’aria aperta. starpool.com

Un’oasi di benessere nella natura.

Home away, ma non troppo di Tamara Bianchini

Spogliarsi delle abitudini consolidate, concedersi una pausa di relax attraverso una pratica antica e salutare, ritrovare l’essenza profonda del contatto con la natura.

Destinazione libera: lungo il corso di un fiume, in riva al lago, sulle montagne o tra gli alberi, meglio se a km 0 da casa. La sauna in versione outdoor è un’esperienza immersiva, pensata per entrare in sinergia con l’ambiente. Fuori, il paesaggio mutevole che segue il ciclo delle stagioni; dentro, un ben calibrato clima variabile che asseconda il comfort con l’alternarsi delle temperature. Per l’Outdoor Collection di Starpool, lo studio Aledolci&co ha ideato NatureSauna, una struttura interamente realizzata in legno d’abete della Val di Fiemme con inserti di rame spazzolato, materiali naturali che esposti agli agenti atmosferici evolvono nel tempo definendo, con la varietà delle cromie, superfici sempre nuove. Due le finiture lignee, naturale e cerata nera; tre le dimensioni della struttura, dalla taglia small di cm 360x315 a quella large di cm 560x315. Il vano d’ingresso, riscaldato a infrarossi, crea un prezioso diaframma termico per iniziare la sessione wellness. Utile anche a sauna conclusa, prima di uscire per rinfrescarsi open air. O magari, come da manuale, tuffandosi nell’acqua o nella neve. Stagione permettendo. — 33

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[5] Doghe in legno, lanterne sul soffitto e marmi preziosi per i pavimenti. L’estetica d’altri tempi di Marchesi 1824 sbarca a Londra, primo store estero della pasticceria meneghina nota per la produzione artigianale del panettone. Settanta metri quadrati da scoprire nel prestigioso quartiere di Mayfair. pasticceriamarchesi.com

Caramelle, bonbon e caffè. I dolci dei milanesi arrivano a Londra di Murielle Bortolotto

La pasticceria italiana nella capitale britannica. Meta preferita di un’elegante clientela cosmopolita, Marchesi vola oltre La Manica. Simbolo dello stile milanese dal 1824, a partire dalla sede storica in via Santa Maria alla Porta e, dopo l’acquisizione del marchio da parte di Prada nel 2014, con le aperture in Galleria Vittorio Emanuele II e in via Montenapoleone, arriva nel cuore della City con una nuova boutique al n. 117 di Mount Street. Ad affiancare la caffetteria e i tradizionali dolci italiani ci sono caramelle, bonbon, cioccolatini, praline e un’accogliente saletta dedicata alla degustazione della più classica bevanda british, il tè, con una varietà di scelta per ogni momento della giornata.

Il menù, creato appositamente, è servito su fini porcellane Rosenthal con posate d’argento Sambonet. Tutti i dessert vengono preparati in loco e presentati in ricercati packaging per garantire l’altissima qualità gastronomica che da quasi due secoli è sinonimo di Marchesi 1824. All’interno, il locale conserva le decorazioni originali ottocentesche alle pareti, mentre gli arredi, in legno di ciliegio, sono liberamente ispirati agli store di Milano. Preziosi pavimenti, in marmo nero e venato giallo Siena, ne accentuano l’allure.

Per una pausa di dolcezza in ogni momento della giornata. – 35

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Foto Charles Fréger

Charles Fréger — Il fotografo francese firma reportage sul folklore nel mondo. La foto è ‘Oneonde no Odoriko’ Fukuejima, Nagasaki, Giappone, dal libro ‘Yokainoshima’ di Thames & Hudson, raccolta di immagini che racconta il Paese del Sol Levante. charlesfreger.com Kustaa Saksi — Pagina accanto, l’arazzo In Full Bloom, del nuovo progetto First Symptoms in cui il textile artist finlandese trasforma in opere la sua personale ricerca sulle immagini dei neuroni al microscopio.

Un mix di scienza e design, con effetto naïf. kustaasaksi.com

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That’s all Folk Fenomeno estetico, ma soprattutto sociale, il recupero di usanze, forme e simbologie locali si fa messaggio globale. Dai colossi della moda alla Biennale di Venezia, il folklore è dappertutto di Valentina Raggi

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CROSSING

Artisti e creativi riprendono i canoni della tradizione in opere che affermano emancipazione etnica, sociale, di genere

Caroline Achaintre — Tra arcaico e attuale, l’artista franco-tedesca crea arazzi, ceramiche e tele popolati da maschere e creature di fantasia. In foto, opere al centro Baltic di Gateshead (UK), 2016. Ora la sua mostra ‘Dauerwelle’ è al museo Belvedere 21 di Vienna fino al 15/9. carolineachaintre.com

Sika-Design — L’azienda danese ha rilanciato una icona di folklore nordico. La Paris Chair in rattan realizzata da Arne Jacobsen, ancora studente, per l’Exposition internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes di Parigi, che diede inizio all’Art Déco. sika-design.com 38

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Foto John McKenzie © 2016 Baltic - ©Morgan O’Donovan

Dior — È stata Marrakech la location e l’ispirazione per la recente collezione Cruise della Maison.

La stilista Maria Grazia Chiuri ha scelto il palazzo El Badi, facendo sfilare le modelle attorno alla sua suggestiva piscina, tra falò e profumi d’Africa.

Il Marocco e i pattern dei tessuti tradizionali sono il leitmotiv dell’intera collezione, che celebra un lungo legame di Dior con il Paese. dior.com

Quinta da Comporta — Il nuovo wellness boutique resort nella riserva naturale di Comporta (Portogallo), progetto dell’architetto locale Miguel Câncio Martins, punta sul relax dato da un’architettura che segue la tradizione edilizia locale e la natura. quintadacomporta.com

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Legato al concetto di bizzarro, esotico, il folklore oggi è messaggio di evasione dall’ordinario e di espressione della cultura di un luogo

Casa Ojalá — L’architetto Beatrice Bonzanigo (IB Studio) ha brevettato un edificio flessibile e personalizzabile a seconda del luogo: 27 mq con infinite soluzioni interne di layout e con pareti in fogli Mesh Sheets di Wood-Skin.

Un esempio di microabitazione dallo spirito glocal. Eco & chic. ib-studio.eu +elledecor.it

Ghana Freedom — Questo il nome del padiglione ghanese alla 58ª Biennale Arte di Venezia. Per il suo debutto alla kermesse internazionale, il Paese ha chiamato il conterraneo, e grande architetto, David Adjaye a realizzare la struttura, in terra come da tradizione locale.

In foto, i ritratti di Felicia Abban, tra gli artisti in mostra. Fino al 24/11. labiennale.org +elledecor.it 40

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© IB Studio

Gucci Décor — La nuova collezione home 2019 della Maison fiorentina riprende l’eclettismo e il métissage delle creazioni che sfilano in passerella, con elementi d’arredo e di decorazione che pescano nell’artigianato di diversi Paesi del mondo. Da mug e piatti d’ispirazione anglosassone a soggetti ripresi dalla botanica e dall’esoterismo. Nella foto, il cuscino ricamato con soggetto di gufo e fiori. gucci.com

CROSSING

Savoir-faire, conoscenze, tecniche sono patrimonio dell’Unesco.

E design e architettura lavorano al loro rilancio

Vitra Design Museum — L’istituzione di Weil am Rhein ospita ‘Balkrishna Doshi: Architecture for the People’, la prima retrospettiva in Occidente sull’unico architetto indiano a vincere il Premio Pritzker.

Tratto distintivo del suo stile, la fusione tra architettura contemporanea, tradizioni, materiali e contingenze locali. In foto, ‘Miniature Painting of Sangath Architect’s Studio, 1980’. Fino all’8/9. design-museum.de

Forget me not — Formatasi come illustratrice e fashion designer, Coco Brun ha fondato a Parigi un poliedrico brand (con e-commerce), che punta su pezzi contemporanei, e folk, creati a mano. Dalle stole alle coperte, dai capi d’abbigliamento alle maioliche, ultimissima produzione presentata al Fuorisalone 2019 di Milano, ogni collezione è un viaggio diverso. forget-me-not.paris

Kartell — Sembra una tajine marocchina, riprende in realtà una tipica abitazione pugliese. È Trulli di Fabio Novembre, serie di contenitori per la tavola con coperchio conico, ispirato alle architetture delle case di Alberobello, zona d’origine del designer.

Disponibili in vari colori. kartell.com

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CROSSING

Vezzo estetico e messaggio impegnato, il folk vive su questi due binari, paralleli e necessari. Catturando attenzione con colore e magia

La globalizzazione porta omologazione? Errore. Il folklore resiste, si rafforza, si rigenera trasformandosi in simbolo di viaggio interculturale, métissage estetico, politica della diversità.

“Con il fenomeno dell’abbandono delle campagne a favore delle città c’è un momento di perdita delle tradizioni, ma poi ricompaiono, al di là dei trend. È in atto un’evoluzione del fenomeno, in cui, per esempio, i social network, le serie tv, il cinema contribuiscono a ricreare gruppi legati da usanze profondamente radicate nella loro cultura”, dice Charles Fréger, francese con la passione per maschere e costumi tipici che gira il mondo fotografando pittoresche, e vere, usanze, dal Sud Italia all’Europa del Nord, dall’America Latina al Sud-Est Asiatico.

Di recente, abbiamo assistito alla collezione Cruise di Dior ispirata e rivelata a Marrakech, con tessuti wax realizzati in Costa d’Avorio e collaborazioni con creativi africani. Ma anche la Biennale Arte di Venezia con il padiglione del Ghana progettato da Sir David Adjaye, un big dell’architettura, africano di stanza a Londra, che ha creato una struttura con muri in terra battuta come nella tradizione del suo Paese d’origine. E, ancora, i contenitori Trulli di Fabio Novembre per Kartell, con la forma iconica delle case pugliesi. La creatività in toto è toccata dalla nuova wave. Torna in auge la musica folk. I nuovi film toccano il consenso di massa con blockbuster come ‘Aladdin’ di Guy Ritchie, con il “genio della lampada” Will Smith, ma anche con storie territoriali piccole e forti come il docu-film campione d’incassi ‘Le Grand Bal’ di Laetitia Carton, racconto del 44

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tradizionale festival di ballo del paesino francese Gennetines che ogni anno raduna migliaia di persone da ogni parte del mondo per ballare sette giorni di fila. La parola ‘folklore’ fu coniata dallo scrittore britannico William J. Thoms nel 1846 per definire “maniere, costumi, osservanze, superstizioni, ballate, proverbi... legati ai tempi antichi”. Denigrato come antitesi al progresso delle aree contadine ancorate a vecchi stilemi o amato con nostalgia come legame con il proprio Paese, osannato negli Anni 70 e poi ancora giù e su, oggi il folklore è tutelato dalla convenzione dell’Unesco sui patrimoni intangibili. E quest’anno è all’apice del climax. “È fondamentale considerare la storia quando parliamo di contemporaneità: la ricerca di un design attuale ha spesso significato la perdita della tradizione e della comunità. Il compito non sempre facile di noi architetti e designer è quello di salvaguardarle, pur spingendo i nostri campi di ricerca in avanti”, dice Francis Kéré, noto architetto del Burkina Faso, autore di una spettacolare installazione sul folklore africano per il music festival Coachella. Medesima opinione per il bravo textile artist finlandese Kustaa Saksi: “Utilizzo tecniche di filatura inedite, ispirazioni lontane, ma è naturale che la mia arte si nutra della storica tradizione degli arazzi ‘ryijy’. Fa parte di me”. Il popolare, piaccia o meno, è cultura. Curiosità: per la citata Cruise di Dior, Maria Grazia Chiuri ha letto ‘Wax & Co. Antologia dei tessuti stampati d’Africa’ della grande esperta e antropologa Anne Grosfilley. Che spiega l’origine plurale del wax, che tocca Africa, Asia ed Europa. Un prodotto globale. —

© Lance Gerber

Coachella Valley Music and Arts Festival — In California, il famoso evento musicale è sempre più occasione per presentare anche installazioni visionarie. L’edizione 2019 ha appena ospitato l’architetto Francis Kéré con Sarbalé Ke (la casa della celebrazione nella sua lingua del Burkina Faso), 12 torri ispirate ai baobab fanno eco, pop, ai villaggi africani. coachella.com +elledecor.it

La bellezza del craft d’autore, marmo sensuale, arredi outsider e accessori per un’estate in libertà

Foto Pretziada

a cura di Murielle Bortolotto

Alto artigianato sardo Arrivano dalla Sardegna le sedie Scannu di Pretziada, firmate Chiara Andreatti con la collaborazione di Su Maistu de Linna maestri falegnami da generazioni. Il progetto parte dalla rilettura delle piccole sedute di tradizione, tipiche del luogo. Chiara allunga lo schienale, lo decora con intarsi in rilievo e intreccia a regola d’arte la paglia. Passato e futuro si sposano. pretziada.com +elledecor.it

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DECORSCOUTING

Bohémien futuristico. Strizzano l’occhio al mood hollywoodiano le linee semplici della collezione outdoor Supernova di Derek Castiglioni.

Riciclabile al 100%, ha un design definito da incastri tra piani, finiture brillanti, tessuti maculati ed esotici. Da Nilufar Gallery. derekcastiglioni.com, nilufar.com

Doppio gioco. Da parete o schiena contro schiena, la libreria Suite di AtelierNanni per Midj. Ripiani in acciaio verniciato disponibili in 16 colori opachi, struttura in legno da scegliere tra 9 finiture e colonna posteriore in 3 tonalità lucide. Chapeau! midj.com

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Foto Maria Teresa Furnari

Dettagli ipnotici. La collezione Hacker di manufatti in marmo (vasi, piatti, coppe) di Dwa Design Studio e Manuel Coltri, a cura di Paolo de Vivo, non è passata inosservata al Fuorisalone. Gli oggetti nati riutilizzando scarti di produzione e combinando lastre tagliate e sezionate sono il risultato di una serie che fonde ricerca tecnologica e manuale. dw-a.it

DECORSCOUTING

Urban cowgirl — Arredi in&out realizzati con essenze pregiate, cromatismi inaspettati e un nuovo, sofisticato spirito country [1]

1. Si ispira ai giochi di luce dell’aurora boreale il wallpaper Northern Lights di Zaven per Texturae. texturae.it 2. Specchio Icon by Riflessi Lab, in legno con inserti in noce canaletto. riflessi.it 3. In radica e con cerniere in ottone Separè di Daniel Nikolovski e Danu Chirinciuc per il brand Kabinet. kabinet.it 4. Chiaramonte/Marin firmano la lampada Cone di Emu. Quattro varianti: due da terra, una a sospensione e una a braccio, dalle proporzioni generose. emu.it 5. Doghe asimmetriche per lo schienale di Rafael, il daybed di Paola Navone per Ethimo rivestito con tessuti Dominique Kieffer/Rubelli. ethimo.com 6. Tavolino Estro di Natuzzi, in metallo e vetro. natuzzi.it

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Riders alternativi L’artista e grafico Paul McNeil ha creato, con il meccanico Jeremy ‘Frenchie’ Tagand di Deus Ex Machina, una moto... da spiaggia. Sulla Goof Bike (così si chiama) si viaggia comodi sul sedile super comfort pensato per accelerazioni fluide, mentre per ripararsi dal sole a picco c’è come tettuccio una tavola da surf. Casco e telo mare ovviamente coordinati. deuscustoms.com

Ring for two. Tau è un anello unisex che si indossa su due dita. Cinque le misure (tre per lei e due per lui), da scegliere in due forme e tre materiali: argento lucido, ottone satinato e titanio. L’idea è di Giulio Iacchetti per Danese Milano, che da quest’anno firma anche l’art direction dello storico brand di design. danesemilano.com

Occhi di gatto. Forma sinuosa per Cape May, i nuovi occhiali da sole di Blackfin. Tre colori in gradazione, dal rosa cipria al lilla, fino al fucsia, disegnano la montatura. blackfin.eu 54

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Foto Francesca Ferrari

Soggiorno minimal a New York. L’indirizzo da ricordare è 225 Bowery, dove ha da poco aperto il Sister City, l’hotel progettato dallo studio creativo Atelier Ace. Interni di spirito scandinavo, curati nei minimi dettagli, per le 200 stanze, un ristorante gestito dal premiato chef Joe Ogrodnek e, all’ultimo piano, il rooftop attrezzato a bar che offre una vista panoramica sulla città. sistercitynyc.com +elledecor.it

DECORSCOUTING

Sexy stone Nel cuore di Milano, alla scoperta delle lavorazioni del marmo e dell’intarsio artistico firmato Budri. Il nuovo showroom in Foro Bonaparte 60, progettato da Patricia Urquiola, si pone come luogo di incontro tra estimatori, architetti e progettisti. Tre piani, per un totale di 350 mq, raccontano il Dna del brand. Qui in foto, il piano terra con le collezioni di design (complementi arredo e superfici). budri.com

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DECORSCOUTING

A dorso di elefante. Insolito, il divano per esterni Elephant di Paola Navone per Baxter ha una struttura realizzata in tubolare di metallo, rivestito con un prodotto isolante elastomerico, ultraresistente e flessibile.

Generose e accoglienti le proporzioni, super soft i cuscini in pelle Cloister Grey con cuciture a filo vivo. Relax collaudato dall’autrice. baxter.it

Born again. Eccolo ancora l’Indigo Macaco, pacifico primate estinto che viveva vicino alle sorgenti calde ai piedi delle montagne intorno a Tokyo.

Grazie al brand olandese Moooi, rivive sulla superficie in lana del tappeto che porta il suo nome e che fa parte della collezione Extinct Animals. moooi.com

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Foto Jonas Lindström, Baxter

Sculture di luce. Solo 7, numero perfetto, i pezzi autoprodotti firmati Doshi Levien per la collezione Earth to sky. Forma fluida, corpo illuminante in metallo modellato con le tecniche dell’automotive, hanno un tocco d’ottone che le rende preziose. doshilevien.com

CRAFT DESIGN/1

Alla ricerca del sole Laurence Leenaert è partita dal Belgio nel 2015 per Marrakech con 400 euro e una macchina per cucire.

Oggi è conosciuta a livello internazionale per le sue creazioni che ammiccano a Picasso e Miró testo di Jeremy Callaghan – foto di Gaelle Le Boulicaut ha collaborato Laura Maggi

La designer belga Laurence Leenaert nel giardino della sua casa di Marrakech. Tutti gli arredi, così come i tappeti e i cuscini, e anche i sandali, sono su suo disegno.

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La casa di Laurence è come la sua arte, parla per dettagli e colori. Immersa nella luce, privilegia il bello al lusso

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CRAFT DESIGN/1

Nel cortile interno, si pranza su un tavolo con piano realizzato da Laurence con propri disegni e dipinti, mentre le sedie sono di artigiani locali. Suo anche il grande vaso in tadelakt Blue Majorelle sullo sfondo.

Pagina accanto, uno scorcio del living con sedute e pouf realizzati con vecchi tessuti, opere d’arte e ceramiche, tutte creazioni di Laurence.

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Sopra, da sinistra, un angolo relax all’aperto con tessuti e cuscini di Laurence. La sua camera da letto con copriletto artigianale del Myanmar e lenzuola di Merci Paris, il quadro in basso a sinistra è di Bastien Lattanzio, l’arazzo a parete è realizzato con il tessuto handmade Ouaajh e la coperta Tapestry è di LRNCE. A lato, le ceramiche dipinte a mano dalla designer, un tocco che rifiuta di delegare. Pagina accanto, Laurence Leenaert nel suo studio.

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ELLE DECOR

CRAFT DESIGN/1

Le sue creazioni sono un’esplosione spontanea di segni e colore su mobili, tessuti e oggetti, realizzati con artigiani locali

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CRAFT DESIGN/1

“I miei disegni sono sempre stati ingenui e infantili.

Il tribalismo mi ha sempre interessato, così come i simboli” Laurence Leenaert

La designer belga con le sue creazioni dal tratto inconfondibile che riecheggiano Picasso e Miró.

“Mi piace vivere circondata dalle mie cose. Quando torno da un viaggio lontano, sono felice di essere a casa, vedere tutto il mio lavoro raccolto lì, i miei libri, i miei oggetti”, racconta.

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A soli 29 anni, a 3.000 km di distanza dalla sua comfort zone e quattro anni dopo il suo arrivo in Marocco, la designer belga Laurence Leenaert ha già raggiunto un notorietà internazionale. Doveva fermarsi solo per una vacanza, ma affascinata dal deserto e dal Paese ha deciso di viverci e, a partire da una macchina per cucire e 400 euro di budget, ha fondato un’attività fiorente. Laurence attribuisce il successo al suo impegno e al potere di Instagram: “Quando mi sono trasferita a Marrakech avevo 90 follower. Ora ne ho 100.000 “.

Dopo gli studi alla KASK, l’Accademia Reale di Belle Arti di Gent, è entrata come stagista da Bless, il marchio tedesco con un approccio multidisciplinare nel ripensare non solo la moda, ma lo stesso modo di vivere, e sostenitore del processo produttivo equosolidale, una filosofia che le ha dato molti spunti di riflessione. “Dopo quell’esperienza, nel 2013 ho deciso di creare il mio brand basato sugli stessi principi: Lrnce, una versione minimalista del mio nome.

In Belgio non avevo grandi opportunità di fare design”, continua.

“A Marrakech invece tutto è possibile. Se vivi nella medina trovi sempre un artigiano che può fare qualcosa per te. O il ragazzo della porta accanto che fa scarpe, o candele, o mobili. Se hai un’idea, ti aiutano a realizzarla. Non devi fare necessariamente un minimo di 100 pezzi come in Belgio. È possibile farne solo uno. Ed è estremamente vantaggioso quando inizi la tua attività non dover investire tutti i tuoi soldi in un unico progetto.

E poi c’è lo stile di vita, i colori…”. Cerca le parole giuste, ma conclude con: “C’è qualcosa qui che è difficile da spiegare”.

Vive e lavora in una casa indipendente vecchia di 200 anni nel quartiere di Gueliz con il compagno Ayoub Boualam, un ingegnere, conosciuto a Parigi dove lavorava, che ha lasciato la Ville Lumière per la “città rossa”. L’ampio giardino sul retro è circondato da alte mura color terra che inquadrano il cielo costantemente blu e creano un’oasi di isolamento e calma creativa. La chiamata alla preghiera che arriva dalle grandi moschee segna i ritmi di ogni giorno. Fanno da sfondo al suo quotidiano piante, oggetti colorati, tavoli conviviali e day-bed popolati da cuscini e tessuti disegnati da lei. Le sue creazioni sono contraddistinte da un’esplosione spontanea di segni e colori che invadono mobili, tessuti, ceramica e vetro.

Dipinge le sue tele a pavimento spesso mentre ascolta la musica techno belga. “I miei disegni sono sempre stati ingenui e infantili.

Il tribalismo mi ha sempre interessato, così come i simboli.

E ovviamente l’arte che ho visto e studiato. Tutto questo si fonde qui a Marrakech con i colori e la vita della città”.

Nei fine settimana, si concede 40 minuti di viaggio per raggiungere il deserto. “Là ho il tempo per pensare.

Porto un album e quando arrivo mi siedo e disegno.

Tra le dune, non c’è quasi nessuno. Solo palme e spazi aperti e ho la sensazione che la vita sia così bella e questi sono i momenti migliori, quando sono da sola. Lontano”. — lrnce.com

CRAFT DESIGN/2

L’artista Sarah Kaye Rodden ritratta nella sua casa-studio nel Kent, nel piccolo e quieto borgo di Brasted. Un luogo di ispirazione e rigenerazione cercato con la famiglia per sfuggire alla frenesia del quartiere Battersea di Londra.

Slow life Materiali naturali, arredi vintage e design d’autore.

La fuga da Londra dell’artista Sarah Kaye Rodden si ferma in una dimora che è espressione delle sue passioni testo di Laurine Abrieu — foto di Romain Ricard/Milk/VEGA MG ha collaborato Valentina Raggi

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Una casa che si fa atelier d’artista e rifugio privato. Un edificio storico a un’ora da Londra si trasforma in un luogo intimo e creativo

CRAFT DESIGN/2

Sopra, la zona living in cui mobili di modernariato dettano il mood, come la grande libreria svedese.

A destra, una composizione di vasi alla maniera di Giorgio Morandi, passione della padrona di casa.

Pagina accanto, in alto, lo studio ricavato nello spazio di un’ex bottega, arredato con un tavolo da disegno Anni 20 e moltissimi oggetti e materiali d’ispirazione.

In basso, da sinistra, Sarah Kaye Rodden, una sua opera d’arte in fieri, l’ingresso con arredi vintage di design scandinavo.

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CRAFT DESIGN/2

La passione per l’artigianato e la collaborazione con importanti designer come Faye Toogood e Ilse Crawford si riverberano nelle scelte di stile nella casa-studio di Sarah Kaye Rodden.

“A volte mentre realizzo le mie sculture mi accorgo di avere in mente la mia casa: l’abitazione e lo studio sono infatti parti integranti del mio processo creativo. E credo proprio che se dovessi cambiare residenza il mio modo di fare arte subirebbe un cambiamento”. A parlare è Sarah Kaye Rodden, artista inglese autrice di opere tridimensionali e concettuali, plasmando con rituali e lentezza sartoriale materiali come cuoio, gomma, alluminio, carta, ceramica. Opere da appendere a una parete o appoggiare come decorazioni su un piano, molto vicine nel processo all’architettura e al design, qualità che le è valsa la collaborazione con Thomas Heatherwick, Faye Toogood e Ilse Crawford. Questa sua storia inizia con un addio, non facile, a una città cosmopolita e vibrante come Londra, alla ricerca di maggior quiete, spazio fisico e mentale.

“Quando è nato il nostro primo figlio abbiamo realizzato che avevamo bisogno di un ambiente più grande.

Ma poiché mio marito lavora a Soho non potevamo allontanarci troppo dalla metropoli. Così una sera abbiamo acceso il computer e cercato su Google località a meno di un’ora da Londra, ed è uscita Brasted, nel Kent. Un colpo di fulmine.

Appena abbiamo messo piede in casa ce ne siamo entrambi innamorati”, ci spiega Sarah. In questo paese di botteghe d’epoca e grandi viali, la villa rientra nei monumenti storici locali. La struttura è un mix tra una parte molto antica del XV secolo, con elementi che risalgono addirittura al 1430, e un’altra metà aggiunta in seguito, negli Anni 70.

“Le modifiche non sono state eccessive. Abbiamo creato un nuovo bagno, fissato mensole portaoggetti e quadri alle pareti e, soprattutto, eliminato un orrendo tappeto rosa! Tutto qui”, continua l’artista. Come arredi ha scelto molti pezzi arts & crafts abbinati a qualche seduta di Faye Toogood, sua maestra.

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E ha ricavato lo studio nell’ambiente che prima era stato un negozio. “Quando abbiamo acquistato la casa ho subito notato questa enorme stanza affacciata sulla strada e mi sono detta: sarà il mio regno. È uno spazio inondato da una luce favolosa. Lavorare qui è iper stimolante”, dice.

Poi prende una matita e un foglio di carta, si siede di fronte al tavolo da disegno Anni 20 e comincia a tratteggiare le linee che vede dentro e attorno a sé, creando contorni e ombreggiature finché non raggiunge la visione giusta.

Una visione che, una volta tradotta con la materia, si trasforma in still life in 3D. Intorno, ogni elemento della casa diventa stimolo creativo: dalla sua architettura fino ai piccoli amuleti che la proprietaria ha voluto trasportare e custodire all’interno: pezzi di metallo, frammenti di meteoriti, denti di squalo, cocci di porcellana... “Sono naturalmente attratta dai materiali grezzi e semplici”, spiega. Poi questi elementi ruvidi tra le sue mani si fanno poesia. Ispirata dai volumi di Jean Arp e dalle nature morte di Giorgio Morandi, Sarah Kaye Rodden ama le forme essenziali ma estremamente espressive. Le sue piccole installazioni, spesso simili a micro architetture, invitano dichiaratamente a essere toccate. “Mi piace che le mie creazioni abbiano anche un aspetto ludico. L’idea che le persone possano interagire con le opere d’arte, muovendone alcune parti o creando nuovi assemblage”. Una libertà di pensiero che si riverbera nella sua vita e nelle sue passioni. Tracce preziose di passato, attenzione al moderno, sguardo contemporaneo.

E una fluidità di stile e pensiero che sa di futuro. —

Amante di materiali e palette grezze, Sarah Kaye Rodden ha scelto per la cucina un tavolo e una panca vintage, abbinati alle sedie Spade di Faye Toogood. Sul piano, sculture in ceramica opera della padrona di casa. Pagina accanto, da sinistra, l’ingresso di casa, una struttura del XV secolo a cui si è aggiunto un ampliamento negli Anni 70.

La camera da letto padronale.

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Foto ©Rolex/Tina Ruisinger

Laureata in architettura all’Università di Seattle, un passato da ingegnere sviluppatore di software, Mariam Kamara ha lasciato gli States per il Niger, dove ha fondato il suo studio, Atelier Masomi, e iniziato a progettare modelli abitativi virtuosi per la sua terra.

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PEOPLE

Mariam Kamara Dalla parità di genere all’identità culturale dell’Africa precoloniale: quando l’architettura è rivoluzione e ti cambia la vita. Il ritorno alle origini di una ex ingegnere che costruisce alternative per il suo continente di Paola Carimati

L’architettura come atto socialmente responsabile è la pratica coltivata da Mariam Kamara, una ex ingegnere che ai software sviluppati con successo in Occidente ha preferito disegnare e costruire building a misura d’uomo.

Il suo è un cortocircuito formativo che ha tutta l’aria di una folgorazione. Perché, sebbene trentenne, lasciare il mondo dell’informatica e delle start up americane per tornare studente e laurearsi all’Università di Washington a Seattle?

“Perché ho sentito che era giunto il momento di prendere posizione”, racconta l’architetto. Un mal d’Africa, il suo, che agisce come un richiamo fortissimo. Nel 2014 Mariam lascia gli States e raggiunge Niamey, la capitale del Niger: il suo è un ritorno alle origini, della propria storia familiare che ha visto il padre lasciare il villaggio natale per stabilirsi in Francia, e della professione-strumento che impiega per contribuire allo sviluppo dell’amata patria con progetti concepiti nel suo studio, l’Atelier Masomi. “Immagino luoghi tanto belli e utili da migliorare la qualità di vita delle persone e dare loro nuova dignità”, afferma con convinzione. In lei è ben radicato il senso di appartenenza a quella terra. Storia e tradizioni affiorano come emozioni messe poi a sistema da una precisa e consapevole capacità di visione: i suoi progetti sono emblematici proprio perché offrono soluzioni a problemi culturalmente, storicamente e climaticamente rilevanti.

Per raggiungere questo obiettivo, parte dalla rilettura di modelli abitativi in terra cruda realizzati nella zona subsahariana in Niger, Nigeria, Camerun e Ghana prima della colonizzazione francese. “Ho scelto di concentrarmi su questa parte del continente per diversi motivi. In primo luogo, sono convinta che i paesi africani non dovrebbero riprodurre architetture di tipo occidentale: non avendo noi la medesima forza economica, questa strada non è sostenibile”, spiega. “Dobbiamo produrre nuovi archetipi contemporanei comprensibili e al servizio dei bisogni di tutti”.

Dal suo punto di vista il progetto può diventare volano di un vero sviluppo socioeconomico se riesce a preservare lo ‘spirito del luogo’. Qui, più che altrove, fare architettura vuol dire mediare tra complessità di tipo finanziario, politico e sociale.

“Il mio obiettivo è realizzare progetti capaci di dialogare con l’ambiente e di aiutare le persone a sognare. Per dare loro una possibilità”. E di questa sua convinzione aperta al futuro si sono innamorati in molti. Alice Rawsthorn, dalla sua pagina Instagram,

ha confessato di essere rimasta elettrizzata dalla passione e dall’ottimismo con i quali al Design Indaba di Cape Town ha recentemente presentato gli ultimi lavori: design come tool per offrire al Niger, al popolo del Niger, l’opportunità di costruire un mondo più giusto. Per poter realizzare la sua Niamey 2000, un progetto di social housing che si ispira ai modelli residenziali precoloniali, Kamara ha messo a disposizione di una società di costruzioni il lotto di terreno che i suoi genitori le avevano regalato. La progettista ha riletto il modello abitativo delle regioni di Timbuktu in Mali, Kano in Nigeria e Zinder in Niger, ridotto a due piani lo sviluppo verticale del complesso e articolato la pianta in una sequenza di spazi condivisi e a uso privato. Senza ridurre la densità abitativa e impiegando mattoni di terra realizzati a mano in cantiere, considerati particolarmente efficienti per il raffreddamento degli edifici.

“Moderno per me non vuol dire occidentale. Vuol dire creare un ambiente che riguarda l’oggi, si impegna per il domani, ma non dimentica ciò che è accaduto ieri”.

Un interesse, il suo, per le città africane e ciò che il futuro riserva loro, condiviso anche dal celebre progettista anglo-ghanese David Adjaye che non a caso l’ha voluta al suo fianco per l’edizione 2018-2019 della Rolex Art Initiative, Mentor and Protégé. Li accomuna un certo modo di guardare all’architettura attraverso la lente della geografia e del clima.

“Sir David pensa sempre prima al contesto, sia che stia facendo un progetto a Londra, a Washington DC o Accra in Ghana, l’architettura è la risposta. Così, anche per me”, sottolinea.

Emblematico in tal senso come, insieme all’architetta iraniana Yassi Esmaili, ha trasformato il complesso di Dandaji, un luogo storico, in un progetto culturalmente ambizioso.

Kamara ha restaurato l’antica moschea affiancandole una biblioteca e un centro letterario, dove i giovani dopo la preghiera possono accedere a nuovi modelli formativi.

Considerando che in Niger il 75% della popolazione ha meno di 25 anni, la sua intuizione ha un che di virtuoso. Come l’idea di pensare a rifugi coperti dove anche alle donne sia permesso fermarsi con le amiche per il tempo di una chiacchiera.

“Perché se agli uomini, di tutte le età, è consentito conversare per strada, a noi no: lo spazio pubblico, in un Paese musulmano, è qualcosa su cui lavorare”, chiude la progettista che con coraggio, dal Sud del mondo, disegna la parità di genere. L’Africa ci salverà. – ateliermasomi.com 75

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GLOCAL DESIGN

Secret Garden di Ini Archibong è un progetto composto da luci, sofà e coffee table. Il segno maturato all’Ecal di Losanna accoglie i colori dei tramonti nigeriani.

Africa in technicolor

Oltre l’etnico, il linguaggio contemporaneo di trenta giovani creativi: cittadini del mondo fieri delle origini subsahariane. Il loro progetto, collettivo e worldwide

Rendering by Ini Archibong

di Paola Carimati

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GLOCAL DESIGN Adansie di Isaac Opoku Effetto optical per il pattern del tessuto realizzato dal designer nato a Tema, in Ghana. Qui, oggi, vive e lavora dopo un passaggio allo Swarthmore College in Pennsylvania (US). Per lui un inedito percorso formativo, del tutto rintracciabile nel segno: oltre la creatività una laurea in economia e statistica che corona la sua passione per la matematica.

Toghal di Ifeanyi Oganwu Un pouf con cuscini estraibili, dalla forma scultorea che evoca antichi riti tribali. Il designer di origini nigeriane con questo oggetto racconta l’abilità costruttiva maturata nelle università di Chicago, New York e Londra, dove oggi vive e lavora come architetto. Texture e colori sono riletti per restituire un effetto grafico. Preservando il passato.

XO di Damola Rufai Lampade in fogli metallici piegati e luce oLed per una sequenza di segni quasi arcaici che nelle sue mani diventano strutture tridimensionali. Il designer nigeriano, che oggi vive e lavora a Oslo, dove ha concluso il master in design, si è laureato in architettura alla Howard University di Washington DC. Da qui lo shifting progettuale.

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Carlo di Ini Archibong per Othr Un piccolo oggetto in ceramica stampata 3D: è il fermalibri da collezione con una spiccata forma geometrica. Nato a Los Angeles da genitori emigrati dalla Nigeria, con un cv coltivato all’ArtCenter College of Design di Pasadena (California) e all’Ecal di Losanna, Ini è tra i progettisti della nouvelle vague subsahariana più conosciuti.

Asesegua di Chrissa Amuah Wallpaper dipinta a mano per la titolare dello studio Amwa, direttore e fondatrice della piattaforma Africa by Design.

Ghanese di origine, ha studiato a Londra. Insieme a una trentina di amici colleghi promuove un’idea etica meno locale e più internazionale. Il loro è un segno tradizionale, riletto però con sensibilità e formazione da expat.

Esho di Damola Rufai Lampada da tavolo con struttura metallica e paralume in tessuto traforato: micro sculture dall’architettura spigolosa, scelta per giocare con la luce riflessa. É in questa ruvidezza formale che si rintracciano le origini del designer, nato a Lagos, in Nigeria. Un’essenzialità che rinuncia al superfluo, in un’ottica naturalmente sostenibile.

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Interior Design for Gourmets.

www.wmf.com

is a trademark owned by HACHETTE FILIPACCHI PRESSE SA, France.

is a trademark owned by HACHETTE FILIPACCHI PRESSE SA, France.

GLOCAL DESIGN

In Ghana le scuole da tenere d’occhio sono il Design & Technology Institute, guidato da Constance Swaniker, e il Design Express di Natalie Anderson. Entrambi stanno lavorando su un nuovo modello formativo

My Father’s Kente Trunk di Na Chainkua Reindorf L’arazzo nasce come un arcobaleno di filati colorati tessuti su una rete da pollaio (quello del padre dell’artista, come recita il nome del progetto). La creativa, nata ad Accra, in Ghana, ha studiato a New York, dove vive e lavora. È sua convinzione che Europa e Africa vivano un rapporto di reciproca influenza.

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L’Africa raccontata da Chrissa Amuah, è un progetto cosmopolita, multidisciplinare e partecipato. Presentato alla Nubuke Foundation di Accra (Ghana), Abd - Africa by Design è la piattaforma fortemente voluta da questa giovane e determinata designer: in un paio di anni è riuscita a raccogliere attorno a sé un gruppo di 30 creativi. Chrissa è un nome noto nel sistema del design internazionale. Tra i protagonisti delle ultime edizioni del Salone Satellite di Milano, è da considerarsi a tutti gli effetti una testimone della nouvelle vague subsahariana. Con lei Ini Archibong, tra i progettisti del brand Sé alla Galleria Rossana Orlandi, e Damola Rufai, artista e textiler che spopola online, si sono impegnati a promuovere cultura e tradizioni di sette Paesi rappresentati dal collettivo: Burkina Faso, Costa d’Avorio, Etiopia, Ghana, Mali, Nigeria e Senegal. All’appello manca il Sudafrica, proprio perché in quella parte del continente, grazie anche a eventi internazionali come Design Indaba, e al lavoro di scouting promosso da gallerie come la Southern Guild, il design è già un driver di sviluppo e innovazione più che conosciuto e collaudato. Oggi è tempo di un’altra Africa ed è la capitale ghanese a fare da catalizzatore e acceleratore per le nuove generazioni. Che, c’è da sottolinearlo, vivono da expat: hanno origini senegalesi, ma sono nati a Londra e vivono a New York, oppure, figli di genitori nigeriani emigrati a Los Angeles, lavorano a Losanna o hanno lasciato Lagos per trasferirsi a Oslo.

Traiettorie worldwide che intrecciano conoscenze, esperienze e sensibilità diverse, tutte ugualmente ancorate alle medesime origini. “La portata e la varietà del design africano sono così ampie che cercare di racchiuderlo sotto un unico cappello potrebbe risultare semplicistico”, è la riflessione comune portata da Rufai. “154 Paesi per oltre 3.000 gruppi etnici che parlano all’incirca 2.000 lingue: il nostro è il secondo continente più grande al mondo e lo storytelling che mette in scena è incredibilmente eclettico. Tra questo e la diaspora, è quindi impossibile definire un Dna univoco o dominante”, precisa Archibong. “Ci sono certamente metodi di produzione artigianale, caratteristiche estetiche e formali, narrazioni che possono essere ricondotte a un’idea di ‘segno locale’, ma ciò che ne definisce la riconoscibilità sono le persone che lo rappresentano”. Il tema quindi delle contaminazioni e del nomadismo che ha portato le giovani generazioni a formarsi all’estero è centrale: è vero che l’Europa con le sue scuole (la London University of the Arts, l’Ecal di Losanna...) ha influenzato alcuni aspetti, tipologici e formali, del progetto africano. “Il colonialismo, l’afflusso missionario e, più recentemente, la globalizzazione hanno impattato sulla vita sociale, politica, culturale ed economica in tutto il nostro continente. Ma è altrettanto vero che anche ciò che produce la nostra terra viene esportato e agisce oltre i suoi confini”, afferma con orgoglio Na Chainkua Reindorf. “Prendi per esempio il green, se per voi è un’urgenza relativamente recente, per noi è da sempre centrale. La sfida è duplice: sviluppare l’industria forti di un know-how maturato all’estero e sostenere il valore del craft autoctono”, chiude Chrissa.

Solo così il design è davvero sostenibile. — africabydesign.org

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Foto Courtesy of Bisazza

Dalla collaborazione con Bisazza nascono spettacolari mosaici di vetro ispirati alle storiche stampe della Maison fiorentina: in foto, il pannello Collane. Accanto, ‘Mystery of Womanhood’, 1974, è una delle litografie realizzate e firmate a mano da Emilio Pucci.

DESIGN&FASHION

Pucci passion Un libro celebra il genio multiforme del marchese fiorentino che dagli Anni 50 ha continuato a lasciare segno di sÊ. Nella moda, ma anche nel design e nell’arte testo di Flavia Giorgi foto di Lapo Quagli

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DESIGN&FASHION Dall’alto, a Palazzo Pucci Heritage Hub, la mostra ‘Bonaveri - A Fan of Pucci’, 2018, creative direction Emma Davidge.

Capri, Emilio Pucci disegna sulla spiaggia. Il Duomo di Firenze è il soggetto del piatto ideato negli Anni 70 per Rosenthal Studio Line.

Pagina accanto, disegno degli Anni 60 per il pannello Vivara IV.

“È stato il gusto di mio padre per la narrazione a ispirargli opere dove astratto e decorativo si mescolano inventando un mondo colorato e firmato col suo nome”

Foto © Emilio Pucci Archive, Firenze

Laudomia Pucci

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DESIGN&FASHION

Tappeto in lana che raffigura il motivo Ovali. Tra le varie incursioni di Pucci nel design, quella nel mondo dei tappeti è la più significativa e spettacolare.

Sono oltre 70 i soggetti da lui realizzati, una selezione dei quali da poter scegliere in versione Made to order con colori e dimensioni su richiesta.

“Non sono sicura che la moda sia arte, ma spesso i loro cammini si incrociano e nelle stampe di Pucci ci siamo divertiti a esplorarli” Laudomia Pucci

Non poteva che nascere su sfondo bianco la storia più colorata che la moda italiana abbia mai raccontato. Il bianco delle nevi di Zermatt, dove nel 1947 un nobile fiorentino dà lezioni di sci. Ha disegnato per sé una tuta mai vista prima, che lo rende libero e veloce nel vento, come quando è in volo sul suo aeroplano. A incrociare il destino dello sciatore che tutti additano è un fotografo di moda, Toni Frissel: uno scatto e la discesa dell’atleta finisce sulle pagine di ‘Harper’s Bazaar’.

La carriera dello stilista che la stampa internazionale battezzerà presto the Prince of Prints è segnata. “Per mio padre prima della moda c’era la passione: per lo sci, il nuoto, la danza, i viaggi.

Insomma, la passione per la vita”, racconta Laudomia Pucci di Barsento, che dagli Anni 90 è l’anima della Maison e oggi, dopo l’alleanza stretta con il gruppo francese del lusso LVMH, ricopre il ruolo di direttore immagine, dividendosi tra il nuovo quartier generale di Milano e Firenze, dove il palazzo di famiglia è stato convertito in hub creativo per giovani talenti: Emilio Pucci Heritage Team. Un’eredità dalle mille sfaccettature, che per la prima volta viene raccontata in modo organico e originale da un libro fotografico appena presentato a Firenze, in occasione dell’ultima edizione di Pitti Uomo: ‘Unexpected Pucci’, Rizzoli, con testi di Suzy Menkes, Angelo Flaccavento, Piero Lissoni e Laudomia Pucci stessa, che ne è anche la curatrice. Non sono tanto i mitici capi morbidi e fluttuanti, accesi dai colori mediterranei e dalle infinite fantasie decorative, puntualmente firmate ‘Emilio’, a renderlo speciale, ma i frutti di una visione estetica globale, che ha portato l’autore a esprimersi come designer a tutto campo.“Arredi, accessori per la tavola, tappeti, progetti concepiti con una ricchezza e una generosità creativa incredibile. Un patrimonio che abbiamo voluto riscoprire e 88

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valorizzare raccontando con uno sguardo inedito cinquant’anni della nostra storia. Un percorso attraverso il quale abbiamo interpretato il mondo che ci circonda con la nostra sensibilità”, spiega Laudomia Pucci. Sono le porcellane dal ritmo ipnotico disegnate per Rosenthal negli Anni 70; la scultorea poltrona di Patrick Norguet per Cappellini, che indossa una stampa iconica come Lamborghini, o la più democratica sedia Madame by Philippe Starck per Kartell, rivestita con gli skyline delle Pucci’s Cities of the World; ma anche le sedute destrutturate create ad hoc da Piero Lissoni (“un cosiddetto designer minimalista... caduto in trappola”, scrive di sé nel libro con la consueta ironia).

E cambiando di scala, gli strepitosi mosaici di vetro di Bisazza wears Emilio Pucci e soprattutto i tappeti: almeno 70 soggetti che esplodono in pattern in dimensioni giganti, avvolgenti, suggerendo l’idea di poter camminare, o, perché no, sedersi sopra un’opera d’arte. Ma il Marchese non si prende troppo sul serio come artista. “Si considerava un sarto, un artigiano”, spiega la figlia.

“Eppure Alex Rosenberg gli chiese di lavorare a una serie di litografie per la sua galleria negli Stati Uniti, come già avevano fatto Picasso e Dalí. Modesto, lui declinò. Ne realizzò alcune più tardi, per conto proprio. Le abbiamo ritrovate e ora sono appese sulle pareti di Palazzo Pucci”. Lavorando nella medesima ottica, ma invertendo i ruoli, Laudomia ha chiamato due artisti contemporanei come Francesco Vezzoli e Joana Vasconcelos a rileggere l’opera del padre con le loro creazioni. Vezzoli, provocatore, ha coltivato la relazione tra due spiriti opposti, incorniciando la fantasia di Pucci nel rigore compositivo di Albers. Vasconcelos, dolce e generosa, ha usato avanzi d’archivio per confezionare nuovi, morbidi pattern in 3D. Il risultato? Unexpected, ovviamente. — emiliopucci.com

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a Miami

Courtesy of Salon 94 Design

Salon 94 Design. Gomma, acciaio, nylon, smalto e altri materiali per la nuova serie di arredi firmati da Philippe Malouin ispirati al mondo dell’ufficio. In foto, la maquette in miniatura creata dal designer anglo-canadese per lo stand in fiera della galleria di New York che lo rappresenta.

Salvare la Terra. Questo il tema della 14ª edizione di Design Miami/Basel. Scelto dal nuovo curatore Aric Chen, che ci racconta i progetti in Svizzera e le anteprime dell’edizione americana di Valentina Raggi

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1. Hostler Burrows.

La galleria di New York porta ceramiche della scandinava Kristina Riska, come i vasi Luise, Augusta e Heavy Thought. 2. Galerie Vivid. La Berlijnse Stoel (Berlin Chair) di Gerrit T. Rietveld sarà uno dei pezzi forti dell’espositore di Rotterdam. 3. Galerie Patrick Seguin. Una stanza 100%

by Jean Prouvé per la galleria francese specializzata nei maestri del design. 4. Jousse Entreprise. Nello spazio di arte e design francese, anche la lampada da terra Élysée di Pierre Paulin. 5. Galerie Jacques Lacoste. Set di arredi di Jean Royère e Max Ingrand nello stand dello spazio parigino. Pagina accanto, arredi in ceramica di Floris Wubben e lampade di Kristin Victoria Barron della galleria americana The Future Perfect.

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Courtesy of Sylvie Chan.liat - courtesy of Galerie Patrick Seguin - courtesy of Hervé Lewandowski

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Foto by Douglas Friedman for The Future Perfect at Casa Perfect New York

Indagare il futuro della progettazione con nuovi materiali o metodi per utilizzare le risorse. Un tema inedito, e forte, per la fiera di collezionisti

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ART DESIGN

Aric Chen. Nato in USA da genitori di Taiwan, è un giovane importante nome nel mondo del design.

Nuovo curatore della fiera Design Miami/ con sedi in Florida e Svizzera.

In precedenza è stato lead curator al museo M+ di Hong Kong, creative director della Beijing Design Week e curatore indipendente di design e architettura.

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Quattordicesima edizione per Design Miami/Basel, la fiera di design da collezione che ha radunato, fino al 16/6, le maggiori gallerie mondiali in una 6 giorni di scoperte, allestimenti e acquisti. Quest’anno le novità sono state molte, a partire dal nuovo direttore, Aric Chen. L’americano di origini taiwanesi, con un curriculum come curatore indipendente, creative director della Beijing Design Week e lead curator del museo M+ di Hong Kong (che avrà la sua sede definitiva in un building di Herzog & de Meuron), ha preso il posto di Rodman Primack, che resta nel board. Un anno è il termine, per ora, stabilito per la permanenza di Chen, nell’ottica di un turn-over alla testa della kermesse. E il nuovo artefice al suo ingresso ha dato un segnale forte e chiaro: salviamo il Pianeta.

“Ho scelto come tema dell’edizione ‘Elements: Earth’.

La crescente ineluttabilità del nostro impatto sul Pianeta porta a inimmaginabili scenari sul nostro futuro. Ho voluto concentrare l’attenzione sulle nuove possibilità di utilizzare le risorse della Terra, la reale natura di queste risorse e i linguaggi concettuali, visuali e di design che potrebbero scaturirne come risultato finale”, ci racconta Chen. Crede che stia avvenendo uno spostamento di visuale dal design estetico e funzionale a uno più impegnato socialmente? “Credo che il design sia da sempre il maggior interprete dei temi d’attualità in ogni epoca e il costruttore dei nostri scenari. Trovo interessante vedere come gli autori stiano affrontando tutto ciò. Di certo ho voluto presentare ai collezionisti lavori più concettuali.

Sono progetti noti a chi frequenta eventi come la mostra ‘Broken Nature’ in Triennale o le design week internazionali, ma che è necessario supportare e far conoscere a livello sempre più ampio”, risponde. Se la selezione di tutte le gallerie ha dovuto in qualche maniera confluire nel grande tema, un focus più specifico è stato presente nella sezione ‘Design at Large’, in cui il curatore ha invitato nove gallerie per approfondire la ricerca sul futuro dei materiali. Tra queste, la romana Giustini/Stagetti con l’ormai famoso progetto Ore Streams di Formafantasma sul riciclo di materiale elettrico, Friedman Benda di New York che ha esposto nuovi pezzi di Erez Nevi Pana, il designer vegano noto per i suoi arredi sculture ricoperti di sale del Mar Morto, e Galerie Vivid di Rotterdam che ha puntato su Metamorphism di Shahar Livne, un progetto sul nuovo materiale creato dalla nostra era dell’Antropocene, un agglomerato di rocce e plastica.

La sezione ‘Curio’ invece, con piccole mostre ideate dagli espositori, ha raggiunto la cifra record di 13 presenze, mescolate tra gli altri stand. “Credo ci sia un giusto equilibrio nella presenza di grandi maestri e di nuovi talenti. Pezzi storici e novità assolute. Charlotte Perriand, Jean Prouvé, Jean Royère, e due nuove bellissime retrospettive, sui tessili di Anni e Josef Albers e sugli arredi di Luis Barragán, entrambe esposte per la prima volta, ma anche i giovani vincitori del Designers of the Future Award di Swarovski”. Qualche anticipazione sull’edizione di Miami del prossimo dicembre? “Continuo il discorso sulla sostenibilità. Ma lì il tema sarà l’acqua, anche per la natura stessa del Paese ospitante. Abbiamo già grandi progetti in mente”. — designmiami.com

Foto Mark Cocksedge

Pezzi storici dei grandi maestri del modernismo e progetti più concettuali dei nuovi talenti. Un’unica traiettoria: disegnare il domani

La facciata della dimora, restaurata nel rispetto della tradizione minorchina, è stata dipinta di bianco per alleggerire la struttura.

Pagina accanto, nel salotto, divano di Atemporal e poltrone in midollino e pelle.

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Keep Calm Lo studio parigino Atelier du Pont trasforma una finca del XIX secolo in un buen retiro dallo stile eclettico e disinvolto.

Per una vacanza dal ritmo lento, a Minorca testo di Sarah Berger foto di Karel Balas/Milk/Vega MG ha collaborato Francesca Benedetto

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SUMMER DECOR

Sopra, da sinistra, la stanza da bagno con vasca freestanding Sbordoni e tabouret vintage con piano in marmo. Uno scorcio suggestivo della facciata principale della finca, risalente al XIX secolo. Sotto, accanto al ritratto della proprietaria Benedicta con uno dei tre figli, una camera per gli ospiti con testata del letto su disegno, rivestita in tessuto Casamance. Biancheria di Merci e applique Mini lampe de Marseille di Le Corbusier, Nemo Lighting, colore a parete Pavilion Gray di Farrow&Ball. Pagina accanto, la residenza immersa nella natura selvaggia di Minorca domina una collina di ulivi. Nella tenuta, oltre al maestoso giardino alla francese, sono numerosi gli spazi outdoor: l’orto, il frutteto, la piscina, il campo da bocce e le zone dedicate allo yoga.

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La finca Es Bec d’Aguila, in cima a una collina di ulivi secolari, domina il paesaggio selvaggio e autentico del Sud di Minorca. Una vera oasi per il relax Il Sud di Minorca è un angolo ancora autentico delle Baleari, costellato da calette di sabbia bianca nascoste tra i pini e bagnate da acque cristalline. Tra le città di Es Migjorn Gran e Alaior, su una collina di ulivi, svetta Es Bec d‘Aguila (in italiano Becco d’Aquila), una finca costruita da una famiglia di mercanti nel XIX secolo. La metamorfosi dell’edificio, messa in atto nel più autentico spirito minorchino, è il frutto di un incontro, diventato amicizia, tra l’attuale proprietaria Benedicta, londinese d’adozione, e Anne-Cécile Comar, partner dell’Atelier du Pont, studio di architettura e decorazione d’interni di Parigi. La progettista, in collaborazione con i locali ARU Arquitectura, ha ridisegnato la dimora, a lungo disabitata, nel rispetto delle parti esistenti, per trasformarla in una casa perfetta per la stagione estiva. Per slanciare la struttura imponente, le pareti esterne in origine rosso scuro sono state imbiancate a calce mentre le persiane, ridipinte in verde salvia, hanno aggiunto un tocco più fresco alla facciata.

“Per sfruttare il panorama a 360° abbiamo moltiplicato le finestre, valorizzando le viste sul paesaggio”, afferma AnneCécile Comar. Al piano terra le volte, parzialmente nascoste, sono state riportate alla luce, rivelando la complessità della struttura originaria e l’atmosfera monastica dello spazio.

Il piano nobile della residenza è caratterizzato dalle cementine colorate, tipiche dell’isola, a pavimento. “Erano preesistenti,

in forme e disegni diversi in ogni stanza. Alcuni di questi ‘tappeti decorati’ sono stati restaurati, altri completamente ridisegnati da un artigiano locale e riproposti in colori nuovi”, prosegue Comar. Nella stanza biblioteca e nel cocktail bar, le ricercate boiserie che delimitano gli ambienti sono echi delle influenze britanniche e francesi del passato coloniale.

Mentre al piano superiore, ricavato nell’antico granaio, la pietra calcarea di Marés a soffitto conferisce alle camere un fascino rurale. I numerosi elementi in muratura, utilizzati per realizzare arredi fissi e dettagli architettonici, suppliscono, come da tradizione locale, alla scarsità di legno sull’isola.

Un’attenzione che trasforma la necessità in virtù, dando il via a uno stile ibrido e cosmopolita tra oggetti di design e vintage-mania. In ogni ambiente, pezzi d’autore firmati, tra gli altri, da Le Corbusier, arredi su misura e poltroncine in midollino, dichiarano esplicitamente il melting pot culturale ritrovato sull’isola. La tavolozza di colori che ricorre in tutte le stanze, con sfumature color terracotta, tocchi minerali di verde acqua, celadon e grigio-verde, sorprende anche all’aperto, nell’orto, nel frutteto e nel maestoso giardino alla francese. La piscina turchese e gli spazi outdoor, dedicati al relax e allo yoga, fanno quasi dimenticare la voglia di mare. A favore di un’immersione totale nel fascino irresistibile dell’entroterra. — 99

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Oasi per il relax a bordo piscina con alcove in muratura su disegno dello studio parigino Atelier du Pont. Pagina accanto, nella sala da pranzo al primo piano, intima e raccolta, la boiserie in legno color verde petrolio riprende le piastrelle in cemento decorato a pavimento. Tavolo vintage, come le sedie rivestite in tessuto di Élitis, da El Recibidor.

Lampade a sospensione Shear di Bert Frank, applique Butterfly, design Sven I. Dysthe del 1964, da Northern lighting.

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Andata & ritorno Momento di gite fuori porta. A caccia di luoghi unici tra architettura e natura.

Per super rilassarsi, anche in pochi giorni.

Mete vicine, che fanno sognare lontano di Valentina Raggi

Foto Davide Lovatti

Coccole e galateo nell’ospitalità di Palazzo Avino a Ravello, Costiera Amalfitana. In un edificio del XVII secolo restaurato e trasformato in albergo con 33 camere,10 suite e un ristorante stellato.

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1 PALAZZO AVINO, RAVELLO Dove: Costiera Amalfitana, Campania. Cosa: Un palazzo nobile del XVII secolo incastonato nella scogliera. Restaurato e trasformato dalla famiglia Avino in hotel con 33 double room e 10 suite, arredate con mobili d’epoca. Si aggiungono piscina, Spa, solarium, oltre a numerosi servizi di concièrge. E quattro ristoranti, lo stellato Rossellinis, il Caffè dell’Arte con pianista inhouse, la Terrazza Belvedere a picco sulla scogliera e il Lobster and Martini Bar. Perché: Oltre alla splendida natura che caratterizza la Costiera e al fascino del palazzo d’epoca, l’hotel si distingue per il ristorante Rossellinis condotto dal giovane chef napoletano Giovanni Vanacore, premiato con una stella Michelin. palazzoavino.com

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Dove: Camargue, Francia.

Cosa: Il complesso accanto alla cattedrale di St. Trophime, patrimonio Unesco, sorto 8 secoli fa, oggi è un accogliente boutique hotel, con il tocco di India Mahdavi. L’interior decorator francese ha puntato, come nel suo stile, sul colore, ispirandosi ai toni del paesaggio e all’antichità del luogo. Dispone di 19 camere, con bagno en-suite accessoriato con prodotti vegani della Provenza. E anche di una biblioteca. Perché: Un gioiello d’autore. Si mangia all’Êpicerie, con terrazza sul cortile dove domina una gigante Paulonia. E poi Arles vive un momento d’oro, con l’imminente torre di Frank Gehry per Luma Foundation, il festival di fotografia Les Rencontres (che compie 50 anni a luglio) e tanti eventi. lecloitre.com

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Foto Davide Lovatti - rights reserved

LE CLOÌTRE, ARLES

LONG WEEKEND

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THE STANDARD, LONDRA Dove: Quartiere King’s Cross. Cosa: Il primo hotel Standard fuori dagli USA apre questa estate.

All’interno dell’edificio brutalista Camden Town Hall Annexe, restaurato dagli architetti Archer Humphryes, e con interior di Shawn Hausman Design. Vanta 266 camere in stili diversi, dalle più intime a quelle deluxe con idromassaggi sul terrazzo privato. Dominano boiserie in legno e colori Anni 70. Perché: Per assaporare il suo mood unico, in vista delle future aperture a Milano e Parigi. standardhotels.com +elledecor.it

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Dove: St. Tropez, Francia. Cosa: Un albergo che fu meta glam nell’Àge d’Or della Costa Azzurra, riaperto a fine maggio ma attivo solo fino al 15/9. É una dimora, con 10 camere, un giardino firmato Madison Cox (garden designer dei Giardini Majorelle), cinema outdoor e altri svaghi. La sua spiaggia è Pampelonne, amata da Audrey Hepburn e altre star. Perché: Per vivere la sua atmosfera Anni 60, in previsione di un totale restyling. epi1959.com

Foto Vincent Leroux

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EPI 1959, RAMATUELLE

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HOTEL SCHGAGULER, CASTELROTTO Dove: Alpe di Siusi, Trentino-Alto Adige. Cosa: Opera dell’architetto Peter Pichler, che ha scelto materiali locali e forme che richiamano le costruzioni tradizionali. Un unicum tra esterno e interno, grazie ad ampie vetrate, con mobili in castagno artigianali mescolati a pezzi di Hans Wegner, Angelo Mangiarotti e altri maestri. Offre diverse tipologie di camere e un’area fitness-Spa, su 1.400 mq. Perché: Per chi preferisce il relax in vetta. schgaguler.com +elledecor.it

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HOTEL PARISTER, PARIGI Dove: IX arrondissement della capitale francese. Cosa: Un ex palazzo di uffici trasformato in albergo deluxe su progetto d’architettura e d’interni dello studio parigino Beckmann N’Thépé, in collaborazione con la decoratrice d’interni Céline Boullenger. Ha 45 tra camere, suite e doppie suite. É arredato con pezzi di design contemporaneo, francese ma anche italiano (come la libreria di Pietro Russo nella hall in foto).

Si aggiungono una piscina di 20 m, una Spa e una zona fitness.

Perché: Per assaporare l’eclettismo del design contemporaneo francese e non. hotelparister.com

OLEA ALL SUITE HOTEL, ZACINTO Dove: Costa Nord-Est dell’isola, Grecia. Cosa: Ispirato dalla natura del luogo lo studio Block722architects+ (con base ad Atene e Stoccolma) ha realizzato una struttura con 93 suite affacciate su una piscina di 4.000 mq. che sembra un lago. Legni di quercia, bambù e rattan sono i materiali degli arredi e delle strutture interne, a contrasto con il minimalismo degli esterni. Surplus, una Spa con zona hammam, sauna, aula yoga e una serie di trattamenti dall’ayurveda alla crioterapia.

Perché: Per rigenerarsi tra architettura contemporanea e natura antica. oleaallsuitehotel.com

Courtesy of Design Hotels™ - foto Nicolas Mathéus

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Courtesy of Design Hotels™

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8 PALAZZO DANIELE, GAGLIANO DEL CAPO Dove: Salento, Puglia. Cosa: Un palazzo ottocentesco e una mano contemporanea. Lo studio milanese Palomba Serafini Associati firma il restauro del complesso, con anche una cappella del XIX secolo, di appartenenza di Francesco Petrucci, architetto e collezionista. Tocco minimalista nell’involucro, che mantiene affreschi e intonaci originali, ma pezzi forti d’arte come opere di Roberto Cuoghi e Carla Accardi. Solo 9 suite esclusive, a cui si aggiungono una piscina e un frutteto. Perché: Per vivere l’essenza del Bel Paese. designhotels.com +elledecor.it 109

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VIEW [Giugno 2019]

112 COME A CASA. Porta il nome della madre di Massimo Bottura la guesthouse dello chef n°1 al mondo. Dove dialogano arte, luogo e natura. 122 L’ALTRO SALENTO. Un’architettura green che nasce, vibra e vive della bellezza di un territorio ancora vergine. Dove tecnologie innovative e strutture ben progettate salvano la natura.

134 AFRICA IN BIANCO E NERO. Lungo le coste del Kenya, una gallerista londinese riscrive in chiaroscuro una storia iniziata negli Anni 60. Tra cultura swahili, memorie coloniali e design mid-century. 144 EFFETTO CABANE. Un ideale rifugio tra pareti di paglia accoglie i pezzi più nuovi, indoor & outdoor. Vincono gli intrecci, in versione design. 152 TROPICAL MINIMAL. A Bali, una villa ispirata al Brutalismo esprime un nuovo concetto di vivibilità che è incontro tra Oriente e Occidente, tra architettura e paesaggio incontaminato.

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COME

A CASA

PORTA IL NOME DELLA MADRE DI MASSIMO BOTTURA, LA GUESTHOUSE DELLO CHEF N°1 AL MONDO DOVE DIALOGANO ARTE, LUOGO E NATURA di Laura Maggi — foto di Andrea Ferrari

Lo chef Massimo Bottura con Lara Gilmore, partner nella vita e nel lavoro, in Gucci nella Cocktail Room di Casa Maria Luigia. A parete ‘Go/Stay’ di Barbara Kruger, 2006, lampada da terra IC F1 di Michael Anastassiades per Flos. Pagina accanto, il viale di accesso alla proprietà.

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Nel living, con volta a botte affrescata, il trittico di Ai Weiwei ‘Dropping a Han Dynasty Urn’. Tavolo Gon, un prototipo in rame di Paola Lenti per Bottura, con vasi di Giuliano della Casa, sedie Cesca di Marcel Breuer, Knoll, e lampada Arco di Achille Castiglioni per Flos.

Poltrone in cuoio Extrasoft di Piero Lissoni per Living Divani.

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L’opera di Jack Pierson ‘Truth’ nel living ricorda che la verità è l’elemento fondante del modus operandi contemporaneo. Pagina accanto, un altro angolo della sala con una coppia di sedute vintage Barcelona di Ludwig Mies van der Rohe, Knoll, dipinto a olio di Philip Taaffe e vasi e chandelier in vetro di Murano.

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Dall’alto, in senso orario, la cucina aperta agli ospiti h24, con camino originale in marmo e maioliche, disegno di Jonas Wood, bronzo di Germanà e pareti dipinte Farrow & Ball. Nel parco, scultura in bronzo di Mimmo Paladino. ‘Coppe di Gelato’ in ceramica di Giorgio di Palma. Primizie dell’orto. Pranzo informale all’aperto.

Scultura di Gian Marco Montesano.

Il monito di Joseph Beuys ‘Difesa della natura’ nel campo da tennis/calcetto.

Uno dei bagni en suite con vasca di Sbordoni, disegno ‘Black Flag’ di Robert Longo e carta da parati di Gucci Décor.

Pagina accanto, la stanza della musica ospita una collezione di vinili rari e di pregio, busto di Beethoven, poltrona Proust di Alessandro Mendini e tappeto ‘I Love You’ di Robert Blake.

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“CHI È APPASSIONATO D’ARTE GUARDA LE OPERE, CHI AMA IL DESIGN LO SCOPRE NELLE SALE, CHI VUOLE LA NATURA HA IL PARCO” Massimo Bottura

“La casa in campagna è vostra”: alle sei della mattina di due anni fa, a New York per lavoro con la moglie Lara Gilmore, Massimo Bottura riceve un sms sibillino e risponde con una serie di punti interrogativi. Aveva completamente dimenticato di aver fatto mesi prima un’offerta a un’asta giudiziaria proprio per l’ex azienda agricola di San Damaso dove andava a giocare da bambino, inseguendo il sogno di trasformarla in una guesthouse speciale. Un luogo oltre la porta dell’Osteria Francescana, il ristorante tre stelle Michelin aperto nel 1995 a Modena, dove accogliere chi ama l’arte, la natura e, naturalmente, la buona cucina.

Avvolta da una vegetazione quasi impenetrabile, la dimora del XVIII secolo era abbandonata da quarant’anni, ma manteneva un fascino incredibile e, soprattutto, il sapore di una grande sfida. “La proprietà ha avuto la fortuna di trovarsi tra due fiumi, il Tiepido e il Tanaro, che l’hanno tenuta viva con le loro falde, altrimenti sarebbe andata tutta distrutta.

Per ripristinare il parco, Lara e io, abbiamo ricevuto mille suggerimenti, ma non volevamo stravolgere lo spirito del luogo”, ci spiega Bottura, sottolineando il ruolo fondamentale della moglie nella regia di Casa Maria Luigia. “Devi essere orgoglioso della tua campagna e di essere in un piccolo paese. Non devi perdere le tue radici”, continua. La stessa scultura di Sandro Chia che accoglie il visitatore davanti alla casa lo avverte: ‘Io sono la tradizione, devi fare i conti con me. Sei a Modena, non a New York’. “Abbiamo ripulito il terreno, innestato macchie di colore con i fiori, poi campi di farro, prato ed erbe selvatiche e l’orto dove attingono i cuochi di Francescana, Franceschetta e del Refettorio”, prosegue lo chef. Nel parco, custodito da due angeli guardiani in pietra e disseminato di sculture di Mimmo Paladino, Sandro Chia ed Enzo Cucchi, erano già presenti 12 querce secolari, albero simbolo di longevità e per questo caro a Joseph Beuys, che già nel 1975 lo usava per le sue installazioni. Seguendo i dettami dell’artista, uno tra i più amati da Bottura, sono stati inseriti, oltre alla quercia, il rosmarino che rimanda alla fecondità, l’alloro con cui venivano incoronati gli imperatori e le rose per ricordare che “la vita è durissima, perché anche quando muoiono riescono

a pungerti”. Infine l’uva fragola, la frutta preferita da Beuys, il cui manifesto ‘Difesa della natura’ è appeso sul campo da tennis/calcetto. Casa Maria Luigia, dal nome della madre di Bottura, è una dimora che ha subito gli interventi dettati dal gusto del tempo e ruota attorno al grande living, manifesto delle intenzioni del proprietario. Lo domina il trittico di Ai Weiwei ‘Dropping a Han Dynasty Urn’, composto da mattoncini Lego. “Ai Weiwei è La Francescana, ne incarna lo spirito”, sottolinea Bottura che con Lara ha scelto una per una le opere dalla loro collezione di arte contemporanea iniziata 35 anni fa. “L’artista guarda al passato in chiave critica, rompe un’urna di 2.000 anni fa ma non prende le distanze dalla tradizione, la usa per ricostruirla in modo diverso.

Di fronte c’è ‘Truth’ di Jack Pierson, un’opera che ho cercato per anni, perché devi avere la verità, nell’etica e nell’estetica.

Cardini su cui si fonda il percorso del laboratorio creativo della Francescana: la cultura che creiamo in cucina, la conoscenza che aiuta tutti a crescere, la coscienza di quello che facciamo e il senso di responsabilità rispetto al territorio”.

Catia Baccolini ha ridisegnato la distribuzione interna dei locali e firmato l’interior design in un dialogo continuo con Lara Gilmore. Al pianterreno attorno al living trovano posto salotti intimi, una stanza della musica (altra grande passione di Bottura) con una raccolta unica di vinili, una sala per assaporare gin, whisky e cocktail, la cucina con un’aria di famiglia dove gli ospiti trovano snack gourmet custoditi nel frigo-caveau. La prima colazione all’emiliana si consuma all’aperto o nel locale della Casa delle Carrozze attrezzato con cucina a vista e tavoli comuni dove partecipare anche a dining experience con i piatti storici della Francescana.

Il primo piano accoglie le camere, anche queste con opere d’arte importanti, arredi e luci in un mix armonioso tra vintage e design, vecchi termosifoni in ghisa, sedute rivestite con tessuti contemporanei, carte da parati fantasiose, bagni en suite dal look rétro. Nel minibar, Parmigiano Reggiano, Lambrusco, mandorle di Noto e pistacchi di Bronte.

Ovunque, dentro e fuori Casa Maria Luigia, “c’è sempre l’inatteso. Ironia, gioco, sogno, tutto fa parte dell’ospitalità”, sottolinea lo chef visionario. — casamarialuigia.com

Una delle 12 camere di Casa Maria Luigia, con arredi su disegno e wallpaper di Gucci DĂŠcor con pattern Radura.

Pagina accanto, la piscina in un angolo tranquillo del parco riecheggia un quadro di David Hockney. Sotto la pergola di UnopiĂš, arredi da esterno di Varaschin.

In primo piano, scultura di Gian Marco Montesano.

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Vetrate a doppia altezza sulla campagna inondano il soggiorno di emozioni sempre diverse.

Divani di Living Divani, tavolini di Unrefined e, in legno, su progetto. Poltrona-sacco di Woodnotes.

Pagina accanto, al piano superiore la piscina sospesa è a filo pavimento della stanza da letto.

Poltrona di Jasper Morrison, Cappellini.

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L’ALTRO Un’architettura green che nasce, vibra e vive della bellezza di un territorio ancora vergine. Dove tecnologie innovative e strutture ben progettate salvano la natura di Rosaria Zucconi — foto di Max Zambelli

SALENTO

Dalla piscina, una grande vasca ombreggiata dagli ulivi, si apprezza il segno leggero dell’architettura, in armonia con il paesaggio. Lettini prendisole di Forum. Infissi in acciaio Corten di Secco con aperture fino a 6 metri annullano ogni limite tra interno ed esterno, grazie a una nuova tecnologia a incastro delle vetrate ad angolo.

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Il colore bianco su tutte le superfici nel contatto con il tufo restituisce l’atmosfera luminosa delle antiche masserie. Il profumo di piante aromatiche esotiche e pugliesi aleggia nella cucina all’aperto.

Pagina accanto, legno di rovere per la cucina super attrezzata, regno della padrona di casa, con isola rivestita d’acciaio e sgabelli di Pastoe.

“Amo la cucina naturale e il cibo biologico come l’olio che produciamo dal nostro uliveto.

L’aria e il mare del Salento ci rigenerano” Elke Quodt

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Nel living il confine tra la zona pranzo interna e l’esterno è annullato dalle vetrate ad angolo di Secco. Pavimenti esterni in pietra bianca di Ostuni, tavolo in legno di rovere, su progetto dell’architetto Luca Zanaroli, con sedie di Artek.

Pagina accanto, dalle scale, oltre l’ingresso, un suggestivo cannocchiale sul soggiorno.

All’ombra della pergola Elke e Hanspeter apparecchiano la tavola, a due passi da un uliveto di 7 ettari. Arredi di Ethimo. In basso, la camera padronale con letto su progetto e poltrona di Pastoe. Pagina a fianco, la facciata nord dell’edificio, un incastro di volumi semplici in tufo e intonaco a calce, materiali della tradizione locale.

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Un’architettura solida dall’immagine leggera, trasparente, con tanti occhi, grandi, piccoli, dilatati al massimo, che guardano il cielo, le superfici d’acqua che si susseguono su vari livelli, fino a incontrare all’orizzonte il mare selvaggio, con le dune.

In quella parte del Salento non ancora conquistata dal turismo.

Un’architettura letteralmente immersa nella natura, a diretto contatto con un uliveto a perdita d’occhio, e la campagna a seminato, da curare, che viene coltivata nella filosofia tutta green dei proprietari, Elke e Hanspeter Quodt. Tedeschi con mentalità cosmopolita hanno scelto di vivere tra la Baviera vicino alle montagne e la Puglia vicino ai suoi mari. Autore del progetto è l’architetto Luca Zanaroli, da molti anni legato a questa terra, impegnato nel recupero di strutture originarie, per lo più trulli o masserie, dove da sempre approfondisce il tema di una fruibilità contemporanea nel rispetto dell’esistente. La sua impronta, originale, ogni volta diversa, aggiungeva valore agli antichi luoghi di vita, senza stravolgerli. “Sono convinto che l’architettura debba nascere dal territorio e quindi dallo studio formale e culturale del contesto, delle tecniche costruttive, dei materiali, della composizione di forme semplici e pulite”. In questo caso non c’era niente da recuperare, l’edificio degli Anni 70 era in totale degrado, soffocato da pini ed eucalipti d’alto fusto, recintato da un giardino fiorito e chiuso verso la campagna.

Una normativa regionale consente la demolizione di un vecchio edificio e la sua ricostruzione nello stesso sito, con il 35% di volume in più, a fronte di un progetto sostenibile che usi tecnologie innovative, a basso consumo energetico e rispettoso del contesto. Istanze pienamente recepite dai proprietari, che hanno condiviso il progetto in ogni aspetto. L’architettura nasce da un incastro di volumi, disegnati da materiali della tradizione, il tufo e il cemento con intonaco lasciato a calce. Compatta a nord, con blocchi di servizio in tufo chiusi e ciechi ispirati al rigore storico della vicina Torre Borraco, e molto aperta a sud, con volumi intonacati, aperti e quasi trasparenti, caratterizzati da vetrate continue. La casa, che si sviluppa su due livelli, dedica all’accoglienza e alla socialità il pianoterra completamente aperto sul paesaggio, mentre la zona privata

al piano alto è destinata unicamente ai proprietari. Sulle terrazze del primo piano, un gesto architettonico e strutturale molto interessante: una vasca d’acqua, a filo pavimento della camera da letto e a sfioro sul paesaggio, come soluzione estetica e barriera di sicurezza invisibile. Nuotare in una piscina sospesa sul panorama diventa un’emozione unica, rito mattutino di Elke e Hanspeter dopo una sessione di ginnastica, pilates e yoga, e prima di una salutare e abbondante colazione sotto la pergola sfiorata dagli ulivi. Nell’occasione dello shooting, tra poche ore di sole e molte di pioggia torrenziale, la filosofia di vita dei proprietari e la loro cultura hanno naturalmente tratteggiato il modello ideale di approccio al territorio. “Abbiamo cercato un terreno per la nostra casa e abbiamo trovato una campagna da coltivare”, racconta Hanspeter, mentalità da imprenditore, consulente per start up e investimenti in campo internazionale, appassionato di aviazione. “Quando ho visto questi sette ettari di campagna dolcemente piatta, ho immaginato una pista di atterraggio per il nostro aereo che tutti in famiglia pilotiamo.

Pensiero impossibile da realizzare, subito sostituito da un’attività naturale: valorizzare i frutti della terra producendo olio biologico certificato. In stretto rapporto con Luca Zanaroli abbiamo seguito il progetto costantemente. Al punto che, quando al telefono le maestranze mi dicevano che tutto era sotto controllo, capivo che un immediato viaggio in Puglia era indispensabile”.

Anche per Elke i continui viaggi in Italia erano un piacere.

Empatica, elegante, attenta, curiosa, ha conquistato tutti come esperta e creativa nel campo del cibo salutare. “Abbiamo conosciuto e amato la Puglia durante una visita a nostri amici tedeschi che avevano comprato casa a Ostuni. Mentre cercavamo il posto adatto ho scoperto un architetto affine a noi come cultura e sensibilità estetica. Il feeling con Luca è stato immediato, il suo carattere gentile ma fermo, la competenza e l’esperienza maturata sul territorio ci hanno permesso di realizzare un progetto di vita entusiasmante”. —

“Pensavo di fare le vacanze in Puglia e mi sono ritrovato agricoltore. La cura del territorio è per noi un dovere” Hanspeter Quodt

Elke e Hanspeter Quodt, orgogliosi committenti di un progetto sostenibile in Puglia, dove vivono per lunghi periodi durante l’anno. Pagina accanto, un’immagine-sintesi del progetto. Un volume trasparente che dall’alto diffonde luce zenitale nel living e sulle scale. La superficie della piscina diventa elemento formale che riflette il cielo.

“In Salento il cielo e la luce non sono elementi banali. Hanno una loro forza, imprigionata in volumi trasparenti che animano gli interni�

Luca Zanaroli

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AFRICA Lungo le coste del Kenya una gallerista londinese riscrive in chiaroscuro una storia iniziata negli Anni 60. Tra cultura swahili, memorie coloniali e design mid-century di Frank Visser — foto di Mirjam Bleeker ha collaborato Flavia Giorgi

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IN BIANCO E NERO

Luci e ombre disegnano la struttura della casa sull’isola di Lamu, bagnata dalle acque dell’Oceano Indiano.

Archi e passaggi inquadrano scorci del living: sedute in muratura si alternano a pezzi di artigianato africano e di design. Tipico del luogo il rivestimento continuo del pavimento, ottenuto da impasti di polveri di corallo e pigmenti.

Vetrate ad arco aperte sul paesaggio disegnano il perimetro dell’ampia zona conversazione. In naturale continuità con il pavimento, i divani con base in muratura: di memoria orientale, sono interpretati in versione écru con tessuti di produzione francese.

Accanto, gli esterni della casa, un omaggio degli Anni 60 all’antica architettura locale.

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Severa, silenziosa nei suoi spazi vuoti e nell’assenza di colore, sembra proteggersi dall’urlo della natura esuberante che la circonda. La casa tra le dune di Shela, avamposto est dell’isola di Lamu, porta in sé le suggestioni di un moderno medioevo islamico, racchiuso tra mura alte e merlate dove occhieggiano finestre a ogiva. Qui Pascale Revert, gallerista londinese specializzata in arte contemporanea africana e nella sua diaspora, trascorre le vacanze con il marito e i quattro bambini. ”Quella del bianco e nero negli interni è una scelta che dà autorevolezza alla struttura”, afferma. ”Gli spazi devono trasmettere un senso di calma: la forza dell’austerità bilancia gli stimoli esterni, la luce equatoriale, i blu e i verdi del mare e del giardino giungono attutiti e il paesaggio diventa protagonista discreto da contemplare con serenità”. Approdare a Lamu, dove ci si muove solo a dorso d’asino o in bicicletta, incontrare l’incanto di bellezze naturali incontaminate e la cultura di uno dei più antichi insediamenti swahili in Kenya e di tutta la regione costiera orientale, è stato per Pascale un viaggio a ritroso nelle emozioni dell’infanzia, trascorsa alla Réunion. Un’altra isola dell’Oceano Indiano dove Penisola arabica e Persia, Africa e India hanno mescolato i frutti delle loro civiltà. “Ho visto in Lamu il luogo ideale per offrire ai nostri figli non solo una vacanza, ma un’esperienza di crescita e di apertura mentale”, confida.

Maestosa, in riva al mare, ispirata all’architettura islamica della tradizione swahili, anche la sua futura abitazione ha un passato.

Porta la firma di un inglese che la costruì per sé e per la moglie negli Anni 60: Bunny Allen, l’ultimo dei grandi ‘white hunters’.

Famoso in Kenya, lo fu anche a Hollywood come consulente tecnico di tanti film cult, da ‘La regina d’Africa’ a ‘Le miniere di re 138

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Salomone’, e per ‘Mogambo’ come controfigura di Clark Gable.

Fuori dal set e dalla savana, l’occhio del cacciatore si addomestica, e tra le mura di casa inquadra con precisione tagli e vedute su mare e giardino, capta la direzione dei venti per esporre gli interni a una circolazione dell’aria ottimale. Quello che la famiglia Revert trova è l’opera di uno spirito libero, che rispetta la tradizione del luogo, ne sceglie lo stile, le tecniche, i materiali. Ristrutturando, con l’intervento di un costruttore del territorio e dell’amico architetto Eric Zeller di Parigi, Pascale raccoglie l’eredità del progetto, lo migliora dove possibile, apre soprattutto i percorsi tra le stanze. Pietra corallina e legno di mangrovia continuano a essere materia prima. Dipinte di nero, le travi imprimono al soffitto un ritmo veloce. “Dato che la lunghezza di ogni elemento strutturale è la massima possibile per un tronco di questo tipo, è stato necessario moltiplicarne il numero”, spiega la proprietaria. “Da questa esigenza è nata l’idea di sfruttare la ripetizione come pattern decorativo”.

Il design fa la sua parte con discrezione. Non è casuale la scelta di Eero Saarinen come autore della zona pranzo. “Volevamo ricreare lo spirito ottimista degli Anni 60 e mantenere vivo il filo che ci unisce alle origini. Il tavolo ovale dal basamento sinuoso, le sedie dalle linee curve e pulite si inseriscono perfettamente nel contesto. Ma ci sono anche arredi coloniali, pezzi di artigianato che alludono ai legami di Lamu con il mondo arabo e con l’India, elementi diversi che creano uno spazio immaginario ma coerente con la storia dell’isola”. Reale, e coerente con le aspirazioni dei proprietari, è lo spazio che il giardino ha ceduto alla piscina. Mancava ai tempi di Allen. Ora è lì, liquida e azzurra, ad attirare i tuffi dei bambini e i voli degli uccelli. —

La sala da pranzo celebra l’età della casa (1960) con pezzi di design occidentale della stessa epoca: tavolo e sedie Tulip di Eero Saarinen, Knoll, 1957. Sul piano, ceramiche acquistate a Cape Town.

Pagina accanto, oggetto di cure costanti, il nuovo giardino mescola a piante indigene varietĂ di palmizi, cespugli di felci e il viola delle buganvillee.

Al primo piano, con doppio affaccio, la camera padronale è dominata dalla fitta sequenza delle travi dipinte di nero: qui, come nella zona giorno, sono tronchi di mangrovia delle massime dimensioni reperibili nelle foreste locali. Made in Lamu, su disegno, è anche il day bed che introduce timide note di colore nella stanza, iraniano il tappeto primi ’900.

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L’ingresso secondario, aperto nel muro di cinta, collega la proprietà alla spiaggia: il mare è a pochi metri, l’isola di Manda raggiungibile a nuoto.

Pagina accanto, un dettaglio della camera dei bambini. Tende e copriletti in tessuto di cotone rigato, frutto di un’incursione londinese in Portobello Road, sono di confezione locale.

Un mini angolo relax, con poltrona Green Channel di Studio Mamo per Zanaboni, in rattan naturale e midollino con rivestimenti in tessuto (zanaboni.it), e specchi decor di Pauline Deltour per Ames (ames-shop.de), introduce alla zona dinner all’aperto, con il tavolo outdoor Van Dyck con top in Pietra del Cardoso, di Rodolfo Dordoni per Minotti (minotti.com), e i cesti Voodoo di Edizione Limitata (edizionelimitatafactory.com).

Intorno, a sinistra New York Soleil Chair di Sergio Bicego per Saba, con intreccio di cime di poliestere (sabaitalia. it), a destra poltroncine Tape outdoor di Minotti, in metallo e corda (minotti.com). Parete in canna naturale realizzata con tegole modulari di Africa Style (africastyle.it); parete dipinta con Alpha Rezisto Mat per interni, pavimento con finitura epossidica all’acqua Wapex 660, tutto Sikkens (sikkens.it).

EFFETTO CABANE Un ideale rifugio fra pareti di paglia accoglie i pezzi più nuovi, indoor & outdoor.

Vincono gli intrecci, in versione design di Arianna Lelli Mami e Chiara Di Pinto/Studiopepe — foto di Andrea Garuti testo di Piera Belloni — ha collaborato Costanza Manzoni

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Comfort zone sotto il gazebo: da sinistra, l’ampia poltrona Laze di Gordon Guillaumier per Roda, con intrecci di corde finitura cotone (rodaonline.com), abbinata al tavolino Jelly 55 in vetro e noce di C. Ballabio per Porada (porada.it); tradizione reloaded per la Flow Rocking Chair, dietro, in acciaio e corde, di Shibuleru per Living Divani (livingdivani.it), e la luce da terra in vetro e frassino Sata di Favaretto & Partners per Vistosi (vistosi.it).

A destra, di elegante essenzialitĂ la panca/tavolino T904, design Gastone Rinaldi 1954, rieditata da Poltrona Frau (poltronafrau.com); luce tubolare flessibile La Linea di BIG per Artemide (artemide.com), specchio Cesta by Pauline Deltour, basket Fibra by Sebastian Herkner, tutto di Ames (ames-shop.de). Parete di sinistra a moduli di eucalipto e controsoffitto a tegole di canne di Africa Style (africastyle.it); a terra e sui muri vernici Sikkens (sikkens.it).

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Dialoghi a due. In questa pagina, la poltrona lounge Grand Hotel Strings di Thun & Rodriguez per Ethimo (ethimo.com), si abbina allo sgabello Dorico in canna di Corradino Garofalo, da Rossana Orlandi (rossanaorlandi.com), e al tavolino Net di Benjamin Hubert per Moroso (moroso.it); Vaso Alto di Ceramiche Milesi (ceramichemilesi.com); di Officine Saffi la scultura sasso From (officinesaffi.com).

Applique Bikini di Servomuto (servomuto.com).

Pagina accanto, la maxi poltrona Panama Lounge di Studio Palomba Serafini per Talenti (talentisrl.com), e la poltrona cabanette di Elena Salmistraro per Bottega Intreccio (bottegaintreccio.it).

Il tavolino Ziggy di Emilio Nanni per Saba (sabaitalia.it) ospita il vaso Small Gea di Claudio Pulicati, da Officine Saffi (officinesaffi.com); luce sferica, Medouse di Catellani & Smith (catellanismith.com).

Pareti in canna naturale di Africa Style (africastyle.it).

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Dimensione living. Corda intrecciata e grandi cuscini waterproof per Vulcano, divano 3 posti di Antonio Citterio per Flexform (flexform.it), che crea l’angolo conversazione con la poltroncina FF Thea di Fendi Casa, in acciaio con cordino di cuoio (luxurylivinggroup.com).

Da completare con due tavolini di Kettal, Mesh by Patricia Urquiola su base in rete metallica, e Cala by Doshi Levien, a base conica di alluminio, da Spotti Milano (kettal.com, spotti.com); vasi di Ceramiche Milesi (ceramichemilesi.com).

Appesi, basket della collezione Fibra di Sebastian Herkner per Ames (amesshop.de); luce sospesa Illian in multistrato di legno di Zsuzsanna Horvath per Luceplan (luceplan.com).

Controsoffitto a tegole modulari in canna di Africa Style (africastyle.it); pareti dipinte con Alpha Rezisto Mat per interni, pavimento con finitura epossidica all’acqua Wapex 660, tutto Sikkens (sikkens.it).

Il living principale, adiacente alla piscina della residenza progettata dagli architetti Kiko Tous e Nico Caceres, partner di El Colectivo Architecture and Design Studio.

Su disegno, l’ampio divano con base in teak e il coffee table.

La poltroncina in rattan proviene da Giacarta e l’opera in bianco e nero a parete è di un artista indonesiano.

Lampada di Piment Rouge, Bali.

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TROPIC AL A BALI, UNA VILLA ISPIRATA AL BRUTALISMO ESPRIME UN NUOVO CONCETTO DI VIVIBILITÀ CHE È INCONTRO TRA ORIENTE E OCCIDENTE, TRA ARCHITETTURA E PAESAGGIO INCONTAMINATO di Tami Christiansen — foto di Tommaso Riva — ha collaborato Francesca Benedetto

MINIM AL

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L’architetto Kiko Tous con la moglie Beatriz Sanz Corella, designer e consulente politico sui diritti, le libertà fondamentali e l’impegno civico. La coppia ha fondato a Bali Kmana (kmanaconcept.com), un brand di borse da viaggio in pelle che promuove l’artigianato locale mettendo in relazione etica ed estetica. Pagina accanto, gli scorrevoli in listelli di legno locale filtrano la luce senza ostacolare la ventilazione.

Il rapporto tra il cemento grezzo e il verde è al centro del progetto, nell’ottica di un’estetica semplice e sostenibile

Due scorci del living ricavato nel volume centrale in cemento.

Le grandi aperture a tutta altezza inquadrano il giardino tropicale e la piscina turchese. Pagina accanto, tavolo in legno, sedie di Hans Wegner per Carl Hansen & Søn e lampade a sospensione in rattan di Interior Tonic.

Sullo sfondo, il divano con base in teak e il coffe table sono su disegno, la poltrona in rattan viene dall’isola di Giava.

Kiko Tous è architetto, Beatriz Sanz Corella, designer, è consulente politica per la Commissione Europea e le Nazioni Unite sul tema delle ONG e dei diritti nelle società civili. Spagnoli e globe-trotter instancabili, approdano per la prima volta a Bali durante un viaggio con i figli, i gemelli Lea ed Enzo. La natura esuberante, la cucina variopinta, la gente e la cultura indonesiana hanno un fascino magnetico sulla coppia, che decide di stabilirsi all’istante sull’isola. Dopo un periodo di assestamento necessario, decidono di costruire una casa per ospitare tutta la famiglia e la scelta della location ricade sul piccolo villaggio rurale di Buduk. “Avevamo bisogno di tempo per conoscere il territorio e capire come confrontarci con il clima tropicale, i materiali e le manifatture locali”, spiega Kiko, che ha seguito il progetto architettonico con Nico Caceres di El Colectivo Architecture and Design Studio. “Qui tutto sembra semplice, non ci sono grossi vincoli costruttivi e i costi del cantiere sono ridotti.

In realtà è fondamentale lasciarsi condurre dalle particolari condizioni ambientali. Le temperature, mai rigide, sono favorevoli agli spazi abitativi aperti che lasciano entrare la natura, ma il sole e l’umidità danneggiano irrimediabilmente finiture e superfici”. Kiko butta il cuore oltre l’ostacolo e supera i canoni tradizionali per dare forma a un’architettura d’ispirazione brutalista: tre volumi in cemento e legno locale, con funzioni diverse, intervallati da spazi verdi.

Nel primo blocco, con una scala in cemento e una grande porta in teak, l’ingresso, la camera degli ospiti e la sala tv affacciano sul grande giardino con piscina.

Il secondo edificio è riservato invece agli spazi comuni della residenza con l’ampio soggiorno, la sala da pranzo, una cucina funzionale, il bagno e la lavanderia. La zona notte si concentra nell’ultimo complesso, più isolato e protetto.

Il calcestruzzo, grezzo e imperfetto, è stato utilizzato per la struttura, a vista su pareti e pavimenti, ma sempre in maniera responsabile, come precisa l’architetto: “Non è un materiale sostenibile, ma siamo stati molto attenti al rapporto tra il cemento e il verde, due elementi che vivono in simbiosi in questa architettura”. Le piante sul tetto ricoperto di ghiaia crescono in totale libertà mentre la patina verde dell’umidità è il segno impresso dalla natura sulle facciate della villa. La luce solare filtra attraverso i pannelli scorrevoli realizzati con scarti di Ulin, legno economico ma estremamente resistente. Gli arredi, per lo più su disegno o di provenienza locale, sono semplici e funzionali, scelti in colori e materiali naturali. E le viste sul paesaggio incontaminato diffondono all’interno un’atmosfera rilassante che caratterizza il progetto e lo stile di vita dei proprietari.

“Bali è come una lente d’ingrandimento sul mondo”, conclude Beatriz. “Un amalgama di culture e tradizioni che ci fa sentire liberi. Il luogo in cui anche i nostri figli sperimentano le diversità senza temerle”. — 157

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Blocco cucina in cemento e lampade su disegno, sgabelli in rattan intrecciato di Nagarey, Giacarta. I frangisole scorrevoli creano suggestivi giochi di luce e ombra e facilitano l’aerazione degli ambienti. Pagina accanto, nella camera da letto con vista sul giardino di banani e bambÚ, lampada di Piment Rouge, Bali, sedie di Hans Wegner, Carl Hansen & Søn.

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Abitare green. Progetti in sintonia con la natura che puntano sulla ricerca e si afďŹ dano ai materiali

Foto Corinna Cappa

a cura di Tamara Bianchini — testi di Piera Belloni

Affacciata sul verde, la casa progettata da Cappa Venco Architetti sulle colline sopra Lugano gode di una speciale mise en scène: quella del paesaggio, che entra negli spazi domestici grazie alle ampie vetrate di Secco Sistemi. In parte fisse in parte scorrevoli, appartengono al sistema Ebe, serramenti in acciaio con alte prestazioni di isolamento acustico e termico. Anche in finitura inox, corten o in ottone. seccosistemi.com

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INSIDE DESIGN/WELLNESS

Colore per ridisegnare la stanza dell’acqua. Tra collezioni firmate, tonalità inedite per la vasca e la rubinetteria Gioca su eleganti contrasti di chiaro-scuro la vasca Happy D.2 Plus, di Sieger Design per Duravit.

In acrilico bianco lucido è disponibile con pannello integrato grigio grafite super opaco e in quattro versioni. duravit.it

Non serve portaspazzolino per Piuma di Hangar Design Group, in Gravi-Tech™, materiale ultraflessibile e riciclabile, e con setole di nylon in 4 durezze.

La base può essere impostata per segnalare quando è il momento di cambiarlo. hangar.it

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ELLE DECOR

Reframing Minimalism: su questa linea Dornbracht presenta le nuove versioni di Meta, firmato Sieger Design, proposto in 3 modelli e nelle finiture Fashion (in foto), Architectural e Urban. meta.dornbracht.com

Foto Meiré und Meiré

Asimmetrie scultoree, che sembrano generate da un movimento di torsione, per la linea Hera di Azzurra Ceramica, firmata Daniel Libeskind. La collezione comprende lavabo monoforo freestanding, anche da parete, bianco lucido, vaso e bidet in vitreous china sospesi o da terra. azzurraceramica.it

INSIDE DESIGN/PROGETTI

Foto Laufen

Un delicato effetto 3D, che allude al propagarsi delle onde sonore, disegna la versione 2019 di Sonar, firmato Patricia Urquiola per Laufen.

Già in collezione come vasca da appoggio a parete, è proposta ora come freestanding, nel materiale hi-tech Marbond e accessoriata a tutto comfort con schienale e vassoio tondo. laufen.it

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INSIDE DESIGN/PROGETTI

Una materia antica e preziosa e una tecnologia moderna: così nasce una scultorea linea di lavabi fuori dal comune

L’effetto a colpo d’occhio è quello annunciato dal nome, Gessati: una serie di lavabi caratterizzati da sottili linee parallele che ricordano i motivi del tessuto inglese, usato soprattutto per capi formali. Lo studio Gumdesign, che firma il progetto per Antoniolupi, ribalta questo concetto di rigore iper classico con un gesto creativo, supportato da tecniche di lavorazione evolute: i lavabi nascono accostando lamine di marmo di Carrara di 1 o di 2 cm, unite fra loro da resina colorata, e sono poi scavati e levigati a formare volumi sinuosi. Di una morbidezza contemporanea, lontano da ogni schema, declinata nei naturali cromatismi della pietra e disegnata da un elegante effetto optical.

Sono disponibili in tre formati, tutti da appoggio: tondo (diam. cm 45x10h), ovale e rettangolare (entrambi nella misura di cm 60x45x10h). antoniolupi.it

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INSIDE DESIGN/PROGETTI

Comfort e un tocco di fantasia: sono un must per decorare il giardino o la terrazza i tessuti outdoor di Sunbrella, pensati per rivestire sedute, creare tende, vele parasole, ombrelloni e cuscini come quelli in foto, che formano un’installazione multicolor. Tantissime le varianti, dai motivi geometrici all’effetto ikat, al look mosaico, solo per ricordarne qualcuno, mentre è quasi infinita la cartella colori.

Da scoprire su sunbrella.com

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INSIDE DESIGN/MATERIALI

Per la casa eco-friendly, il ventilatore multifunzione, il parquet rispettoso dell’ambiente, il wallpaper naturalistico Solo legno a km zero per i parquet Assi del Cansiglio di Itlas, realizzati con faggi della foresta a pochi passi dalla sede dell’azienda, con certificazione PEFC. Sono ricavati quest’anno dagli alberi abbattuti dalla tempesta dello scorso autunno e proposti in due nuove finiture, Rinascimento (in foto) e Foresta Viva, by Castrignano e Casamonti. itlas.com

Muove l’aria e la purifica, eliminando i batteri grazie a un processo di ozonizzazione, illumina con discrezione e può diffondere musica: Ariachiara di Natalino Malasorti per Cea Design è un elettrodomestico multiuso, adatto a spazi conviviali. In acciaio inox con pale in fibra di carbonio rivestite in noce canaletto, rovere naturale oppure verniciato bianco o nero. ceadesign.it

Punto Catenella. Forma inconsueta per Senzatempo, appendiabiti/portaoggetti di Lapo Ciatti per Opinion Ciatti, costruito ad anelli di acciaio.

Componibile a misura di ogni esigenza, esiste in versione a soffitto o a parete, nelle finiture galvanica cromo o oro 24k. opinionciatti.com

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L’incontaminata foresta tropicale è il soggetto di Brasil, wallpaper della nuova collezione Infinita primavera di Instabilelab. Ogni disegno si applica ai vari supporti del brand, con caratteristiche diverse: Vinilica, nelle varianti liscia, a buccia d’arancia, goffrata o effetto tessuto, Fibra, resistente all’acqua, e Acustica, fonoassorbente. instabilelab.it

INSIDE DESIGN/KITCHEN

Ultime tendenze in cucina. Ispirazioni creative, materiali preziosi, elettrodomestici avveniristici.

La nostra selezione per cuochi stellati e apprendisti chef a cura di Murielle Bortolotto

DeLinea, proposta sofisticata disegnata da Vuesse per Scavolini. Grande componibilità , con basi da cm 80 e zoccolo da cm 7. Isola o penisola ad angolo, ante prive di maniglie con profilo in alluminio incassato dal taglio a 40 gradi. Le basi e i pensili sono da scegliere tra laccati lucidi e opachi o un’ampia gamma di finiture decorative, tra le quali la nuova nuance effetto pietra in foto. scavolini.com

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INSIDE DESIGN/KITCHEN

Isole attrezzate e piani snack che si integrano nell’ambiente.

Un dialogo senza confini tra il living e la cucina [1]

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1. Infinity Restyle di Stosa Cucine. Un best seller riproposto con modifiche che ne ampliano la funzionalità: colonne, pensili e basi con profondità maxi, finiture e materiali innovativi. Qui, in tonalità Pet Grau lucido e Rovere Natura. stosacucine.com 2. Aspen di Doimo Cucine. Un design pulito definito dal Rovere Scalfito Bronzo per le colonne e per il piano snack, Stratificato HPL Pietra Emperador invece per i piani. Zoccolo di mm 80h in alluminio nero. doimocucine.it. 3. K6 di Norbert Wangen per Boffi. Il piano a chiusura dell’isola non scorre in lunghezza ma in profondità, trasformandosi in tavolo. Accessoriata con taglieri, griglie in acciaio inox e vaschette di servizio che completano le funzioni del piano lavoro. boffi.com 4. Loft Wall e Loft Soft di Arrex. Basi e colonne effetto cemento, pensili e basi sospese effetto seta colore grigio. Il top della cucina e del piano snack è in laminato Fenix grigio bromo. arrex.it [4]

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INSIDE DESIGN/KITCHEN

Colonne protagoniste, dove tutto è visibile e a portata di mano. Da chiudere in un lampo per nascondere con eleganza

Logica, mini cucina modulare di Valdesign, un sistema completo celato da ante rientranti. Il modulo singolo misura cm 143x70x204h e può essere attrezzato a seconda delle diverse esigenze: area lavaggio, area operativa e cottura. In uno spazio piccolo permette diverse soluzioni. In foto, composizione in laccato opaco Platino, interno Antracite e piano in acciaio. valdesigncucine.eu

B2, storage station di Bulthaup.

Chiusa è un mobile dall’aspetto compatto, aperta mostra una grande praticità d’uso. Ideale per custodire pentole e padelle, ma anche utensili da cucina, alimenti e spezie. Attrezzata con griglie in acero massello, di cui una fissa e l’altra invece da collocare a seconda delle necessità.

Per stoviglie ed elettrodomestici è possibile inserire rivestimenti in alluminio. bulthaup.com

B3, cucine a colonna di Alpes Inox.

La struttura realizzata in acciaio inox si allunga in senso verticale per sfruttare al meglio lo spazio in altezza. Da scegliere tra modelli specializzati in una sola funzione o multifunzione, adatti per accogliere elettrodomestici come frigo, forno e lavastoviglie. alpesinox.com

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INSIDE DESIGN/KITCHEN

Tecnologia 4.0 e flessibilità.

Elettrodomestici sempre più smart in sinergia con pentole professionali [1]

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1. Alba, cappa a soffitto di Valerio Sommella e Alberto Saggia per Falmec.

Cornice perimetrale sporgente in vetro con illuminazione a Led integrata lungo il perimetro. Alte prestazioni. falmec.it 2. Belle della collezione F-Light di Faber.

Cappa Up&Down in tre tonalità: grigio matt, grigio scuro matt oppure gold/grigio scuro matt. faberspa.com 3. Virtual Flame™ a induzione, cm 80 con 4 zone cottura selezionabili, in vetro ceramica nero. samsung.com 4. GK11TIFKZ a induzione FullFlex dual, design di V-Zug, distribuito da Frigo2000 . Superficie antigraffio e display grafico touch a colori. frigo2000.net 5. KE Copper di Foster, piano cottura filotop con finitura in PVD. Una collezione completa di prodotti da incasso in tre colori metal. fosterspa.com 6. Norma di Piero Lissoni per KnIndustrie. knindustrie.it 7. Fusiontec, di WMF, in tonalità black. wmf.com

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ELLE DECOR

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INSIDE DESIGN/KITCHEN

Estetica sofisticata per il nuovo programma che fa dei dettagli, curatissimi, e dell’ampia scelta di finiture un punto di forza

Foto Omar Sartor

Shape è il sistema cucina firmato R&D Poliform definito da una modanatura che percorre le basi e le colonne, determinando un taglio rastremato; all’interno si inserisce la maniglia integrata incassata. Basi con ante, cassetti ed estrattori in acciaio in finitura laccato opaco moka, mentre fianchi e top sono in acciaio.

La penisola ha un piano in acciaio Blanco, in finitura scotch brite. poliform.it

180

ELLE DECOR

INSIDE DESIGN/KITCHEN

Essenze naturali per spazi accoglienti. Una cucina architetturale, da abbinare ad accessori che esaltano lo stile [1]

1. Ratio di Vincent Van Duysen per Dada. Sistema componibile dove i materiali e la struttura sono protagonisti. Reticoli metallici per basi, pensili, colonne, cappe e accessori. Volumi, pieni e vuoti, e piani di diverso spessore si agganciano a elementi tecnici.

Anta di spessore mm 13 con venatura verticale e profilo maniglia in finitura bronzo. moltenigroup.com 2. Diametric Jug, caraffa in gres firmata dal giovane designer canadese Jamie Wolfond. jamiewolfond.com 3. Rock Desert di Villeroy & Boch, piatto in ardesia con decori in porcellana. villeroy-boch.it 4. b Solitaire ideati da Bulthaup, contenitori multifunzionali in legno e metallo. bulthaup.com

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INSIDE DESIGN/KITCHEN

Un tocco dark per progetti d’autore. Dove design e innovazione s’incontrano e lasciano il segno

Lignum et Lapis, porta la firma di Antonio Citterio il sistema di Arclinea con un ampio spazio operativo.

Al centro l’isola scultura in acciaio inox con un grande piano a invaso, che concentra le funzioni di lavaggio e cottura, attrezzato con griglie in PaperStone®, taglieri in noce entrambi scorrevoli, gettarifiuti da piano. L’aspirazione fumi è risolta con due grandi cappe New Artusi Professional in acciaio inox con vetro perimetrale. arclinea.it

Sipario di Makio Hasuike e il suo team per Aran Cucine. Un sistema composto da un’isola sospesa dal pavimento disponibile in diverse finiture, che può servire da piano di lavoro oltre che da tavolo; è completata da vani a giorno con ripiani in vetro, ante o cassetti attrezzati. Il blocco a parete con piano in acciaio inox può avere unità di cottura e lavaggio. Altro plus è il tavolo Bis, un piano snack e operativo con accessori estraibili e una mensola a ribalta che lo amplia. arancucine.it 184

ELLE DECOR

Foto Stefano Ferrante

Sei, disegnata da Marc Sadler per Euromobil, deriva il nome dalla misura minima dei suoi elementi: i piani, i fianchi e le mensole hanno infatti uno spessore di soli sei millimetri.

Semplice ma funzionale e tecnologica, la cucina vanta un’ampia scelta di materiali: legno, marmo, acciaio e laminato si possono combinare per un progetto estetico di alto livello. gruppoeuromobil.com

INSIDE DESIGN/KITCHEN

Lineare, elegante, esemplare per versatilità.

Con un rigore che si attenua nei dettagli

Twenty Frame, firmata Carlo Presotto e Andrea Bassanello per Modulnova, è un progetto che unisce due sistemi (Twenty e Frame).

L’isola dalle linee geometriche è un monolite con top in gres effetto calce e lavello integrato, nella nuovissima finitura Dark Depth.

Come una boiserie, le colonne in legno Noce Milano. modulnova.it

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INSIDE DESIGN/KITCHEN

Top performance. Forni e frigoriferi, per cucinare e conservare i cibi a misura di gourmet

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1. EP333, forno iconico di Gaggenau quasi completamente realizzato a mano. Cm 90 con display TFT touch control. gaggenau.it 2. W11 Collection di Whirlpool. A incasso, controllo intuitivo e cottura guidata, App 6th Sense che consente di selezionare le ricette per controllare e monitorare la cottura dallo smartphone. whirlpool.com 3. ICBCSO30CM, forno a vapore combinato di Wolf distribuito da Frigo 2000, con display multilingue e 12 funzioni di cottura. frigo2000.net 4. Plico, design Richard Sapper per Alessi. Carrello pieghevole con due piani di appoggio. alessi.com 5. Family Hub di Samsung. Grazie all’App SmartThings è anche possibile guardare all’interno del frigo dallo smartphone attraverso le tre fotocamere, che consentono di controllarne in qualsiasi momento il contenuto. samsung.com 6. ICBBI-42UFD, frigorifero e freezer di Sub-Zero. Total look in acciaio e ampia capienza. frigo2000.net 188

ELLE DECOR

Foto Riccardo Gasperoni

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ELLE DECOR PER CATELLANI & SMITH

FREE LIGHT

Da tavolo e da terra, Giulietta BE è un oggetto indipendente, che migra negli spazi domestici. Una creazione dall’anima tecnologica ma dal sapore artigianale che avvolge di luce calda e morbida

Il nuovo progetto presentato da Catellani & Smith a Euroluce, Giulietta BE, disponibile nelle versioni da tavolo e da terra, è una lampada che rinuncia ai cavi preferendo l’alimentazione a batteria: una libertà che le concede di migrare da un ambiente all’altro della casa.

Composta da una sottile asta che ha origine da una base circolare e da un disco luminoso che le gravita intorno — all’apparenza senza alcun sostegno — e che nasconde al suo interno la fonte luminosa, Giulietta BE racconta una storia fatta di rigore ed essenzialità formale. Con il semplice tocco della mano, è possibile accendere Giulietta BE e ottenere tre diverse intensità luminose.

La luce è calda e avvolgente. Il segno, deciso, svela la filosofia progettuale di Enzo Catellani, designer e fondatore di Catellani & Smith. E ci racconta che “le sue creazioni luminose prendono forma in un’officina dove accumula materiali e componenti, per sentirli, per vedere come giocano con la luce”. L’affondo nel suo mondo ci aiuta a codificare la magia del gesto creativo, mai casuale, al contrario intuito e studiato. Quando la geometria diventa poesia. catellanismith.com

n.b.

Giugno — Mostre, fiere, appuntamenti e opening. Il meglio dell’arte contemporanea e dei nuovi linguaggi, in Italia e nel mondo

Courtesy of Laurent Grasso and galerie Perrotin

a cura di Piera Belloni

In fiera a Basilea — Art Basel, fino al 16/6, ha ospitato 290 gallerie internazionali divise fra Main Section, Unlimited per progetti monumentali e Parcours con 20 lavori site specific in Münsterplatz, come ‘The Owl of Minerva’ di Laurent Grasso (foto, presentato da Perrotin).

Messe Basel. artbasel.com

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N.B. GIUGNO

Fornasetti, Wall plate n. 116, dalla serie Tema e Variazioni Mimmo Paladino, ‘L’albero della cuccagna’, 2016, Lecce

Foto Pasquale Palmieri - © Rebecca Horn/ProLitteris, Zurich – Aldo Ballo, Guido Cegani, Peter Ogilvie, courtesy Memphis Srl

Rebecca Horn, ‘Exercises in Nine Parts: Scratching Both Walls at Once’ 1974-75

George J. Sowden, cabinet D’Antibes, Memphis Milano Collection

Dialoghi creativi ad Arezzo — Piero della Francesca è stato una figura fondamentale nella formazione di Mimmo Paladino: ‘La regola di Piero’, aperta dal 15/6, riassume questa particolare relazione con circa 50 opere dell’artista dislocate in 6 diverse sedi, fra dipinti, sculture e una sorta di grande obelisco votivo simile a quello realizzato per Lecce (in foto).

Fino al 31/1/2020, laregoladipiero.wordpress.com Art Design a Stoccolma — L’universo immaginifico di Fornasetti va in scena per la prima volta in Svezia, nel complesso dell’Artipelag, con ‘Inside Out Outside In’, fino al 26/1/2020.

In mostra quadri, disegni, arredi, oggetti e installazioni che raccontano in maniera completa l’opera di Piero, fino ad arrivare al lavoro contemporaneo del figlio Barnaba Fornasetti. artipelag.se Una performer a Basilea — Il Museum Tinguely presenta ‘Body Fantasies’, ampia personale che pone l’accento sul lavoro di Rebecca Horn intorno al corpo, a partire dalle prime performance degli Anni 60 fino alle sculture cinetiche, dagli Anni 80 in poi. Fino al 22/9, tinguely.ch; inoltre, la mostra è organizzata in collaborazione e in contemporanea con il Centre Pompidou-Metz, che con ‘Théâtre des Métamorphoses’ indaga sulle affinità dell’artista tedesca con i temi e le figure del Surrealismo, fino al 13/1/2020, centrepompidou-metz.fr Design a Bordeaux — Nell’ambito della stagione culturale intitolata ‘Liberté’, il Musée des Arts Décoratifs presenta il design libero e vitale del gruppo capeggiato da Ettore Sottsass: ‘Memphis - Plastic Field’, dedicata ai progetti tra il 1981 e il 1989. La mostra, già presentata a Venezia alla Fondazione Berengo, a cura di Jean Blanchaert, riunisce circa 160 tra arredi e oggetti di 20 designer.

Dal 21/6 al 5/1/2020, madd-bordeaux.fr 193

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JUNE 2019

The cover

By Rosaria Zucconi photos by Max Zambelli.

A new eco-architecture in Salento, Puglia. Double height windows overlooking the countryside continuously inundate the living space with different waves of emotions. Sofas by Living Divani, small tables by Unrefined and, in wood, custom designed. Bean bag chair by Woodnotes.

English text 36 That’s all Folk. 61 Sunseeker. 69 Slow life. 74 Mariam Kamara.

77 Africa in technicolor. 84 Pucci passion. 91 From Basel to Miami.

96 Keep Calm. 112 A place like home. 122 The other Salento.

134 Africa in black and white. 152 Tropical minimal 195

ELLE DECOR

CONTENTS OF THE ISSUE

An aesthetic, but primarily social, phenomenon, the recuperation of customs, forms and local symbols becomes a global message.

From a fashion giant to a pavilion made from earth, folklore is everywhere p. 61 SUNSEEKER text by Jeremy Callaghan photos by Gaelle Le Boulicaut in collaboration with Laura Maggi Laurence Leenaert left Belgium in 2015 for Marrakech with 400 euro and a sewing machine. Today she is famous worldwide for her creations that reference Picasso and Miró p. 69 SLOW LIFE words by Laurine Abrieu photos by Romain Ricard/ Milk/VEGA MG in collaboration with Valentina Raggi

Natural materials and vintage and designer furnishings.

Sara Kaye Rodden’s escape from London ends in a home that is the expression of her passions p. 74 MARIAM KAMARA

by Paola Carimati From gender equality to the cultural identity of pre-colonial Africa: when architecture is revolution and it changes your life. Back to her roots a former engineer who is building alternatives for her continent p. 77 AFRICA IN TECHNICOLOR

by Paola Carimati Going beyond the ethnic: the contemporary language of thirty young creatives who are citizens of the world and proud of their sub-Saharan origins. Their design is collective and worldwide p. 84 PUCCI PASSION words by Flavia Giorgi

photos by Lapo Quagli A book celebrates the many faces of the genius of the Florentine Marquis who has been leaving his mark since the ‘50s. In fashion, but also in art and design p. 91 FROM BASEL TO MIAMI

By Valentina Raggi Saving the Earth. This is the theme of Desgn Miami/Basel.

Chosen by its new curator, Aric Chen, who tells us about the projects in Switzerland and the previews of the American edition p. 96 KEEP CALM Words by Sarah Berger photos by Karel Balas/Milk/ Vega MG in collaboration with Francesca Benedetto Paris studio Atelier du Pont transforms a 19th century finca into a buen retiro with an eclectic easygoing style. For a slow-paced vacation, in Menorca p. 112 A PLACE LIKE HOME words by Laura Maggi photos by Andrea Ferrari Massimo Bottura’s new guest house, where art, place and nature harmonise, is named after the internationally-renowned chef’s mother

Africa in black and white — p. 134 196

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p. 122 THE OTHER SALENTO

by Rosaria Zucconi photos by Max Zambelli

A green architecture that is spawned, reverberates and thrives courtesy of the beauty of a territory as yet uncontaminated. Where innovative technologies and well-designed structures save nature p. 134 AFRICA IN BLACK AND WHITE words by Frank Visser photos by Mirjam Bleeker in collaboration with Flavia Giorgi Off the coast of Kenya, a story begun in the 60s is rewritten in chiaroscuro by a London gallery owner. Mixing Swahili culture, colonial memories, and mid-century design p. 144 CABANA STYLE

by Arianna Lelli Mami and Chiara Di Pinto/Studiopepe photos by Andrea Garuti text by Piera Belloni in collaboration with Costanza Manzoni The latest indoor and outdoor pieces set between the straw walls of a perfect retreat. The winner is braiding, in design mode p. 152 TROPICAL MINIMAL words by Tami Christiansen photos by Tommaso Riva in collaboration with Francesca Benedetto In Bali, a Brutalist-inspired villa expresses a new concept of living that brings East and West together, mixing architecture and unspoilt nature.

Photo Mirjam Bleeker

p. 36 THAT’S ALL FOLK

by Valentina Raggi

ENGLISH TEXT

That’s all Folk — p. 36

That’s all Folk — p. 36

Sunseeker — p. 61

by Valentina Raggi

text by Jeremy Callaghan – photos by Gaelle Le Boulicaut in collaboration with Laura Maggi

Photo © IB Studio

An aesthetic, but primarily social, phenomenon, the recuperation of customs, forms and local symbols becomes a global message.

From a fashion giant to a pavilion made from earth, folklore is everywhere Globalisation leads to standardisation?

Wrong. Folklore is alive and kicking, resistant, stronger and regenerating right now to become a symbol of intercultural travel, a melting pot of aesthetics, politics of diversity.

Dictating the agenda recently: the Dior Cruise collection inspired by and revealed in Marrakech, with wax-print fabrics made in Côte d’Ivoire and collaboration with various African creative designers; the Biennale Arte in Venice with the Pavilion for Ghana by Sir David Adjaye, an African based in London and a big name in architecture, who created a building made from earth like the traditional ones in his homeland; the Trulli containers by Pugliaborn Fabio Novembre for Kartell, to which he gave the typical shape of homes in his region in Italy; the return of the popularity of folk music, in a new wave that mixes with indie or rock; new films in the cinemas, big hits with blockbusters like Aladdin by Guy Ritchie.

Perhaps our most ancestral customs are what will help us understand once again that we are all more similar than we thought? —

Laurence Leenaert left Belgium in 2015 for Marrakech with 400 euro and a sewing machine.

Today she is famous worldwide for her creations that reference Picasso and Miró At the tender age of 29, four years after her arrival in Morocco, the Belgian designer has already reached the heights of international fame. Laurence attributes this success to her determination and the power of Instagram.

Having graduated from the Royal Academy of Fine Arts in Ghent, she joined Bless as an apprentice, the German brand with a multi-disciplinary approach and a fair trade production process. “After that experience, in 2013 I decided to create my own brand based on the same principles. In Marrakech anything is possible: if you have an idea, they help you turn it into reality.

And then there’s the lifestyle, the colours …” She lives and works in a 200-year old independent house in the Gueliz district with her partner. “My drawings have always been naive and childlike.

I have always been interested in tribalism, and in symbols.

And obviously the art that I have seen and studied”.

At weekends she heads for the desert. “There’s almost no-one among the dunes. Only palm trees and open spaces and I feel that these are the best moments, when I’m alone.

And far away”. — lrnce.com 197

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Slow life — p. 69 words by Laurine Abrieu — photos by Romain Ricard/ Milk/Vega MG — in collaboration with Valentina Raggi

Natural materials and vintage and designer furnishings.

Sara Kaye Rodden’s escape from London ends in a home that is the expression of her passions “Sometimes when I’m creating my works, I realise that I have my home in mind: the home and studio are integral parts of my creative process, in fact.” The speaker is Sarah Kaye Rodden, a British artist who creates three-dimensional and conceptual works. We have left London behind in search of greater peace and physical and mental space, and we have discovered Brasted in Kent. The structure is a mix between a very old part from the 15th century, with elements dating back as far as 1430, and another half added later, during the 1970s. She has created her studio in the area that was once a shop. “I immediately noticed this enormous room overlooking the street and I told myself: that’s going to be my place. Working here is hyper-stimulating,” she says. From the architecture down to the little talismans that the house owner wanted to bring with her: precious traces of the past, attention to the modern, a contemporary gaze. And a fluidity of style and thought that has a flavour of the future. — Mariam Kamara — p. 74

Mariam Kamara — p. 74

by Paola Carimati

Africa in technicolor — p. 77

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Architecture as an act of social responsibility is the practice cultivated by Mariam Kamara. Why, at the age of thirty, would you leave the IT world to study for a university degree? “Because I felt the time had come to take a stance,” explains this architect.

In 2014, Mariam leaves the States to go to Niamey, the capital of Niger: there she sets up Atelier Masomi, her offices: “I imagine places so beautiful and useful that they improve people’s quality of life and give them new dignity,” she says, firmly convinced.

Her sense of belonging to this land is deeply rooted within her: her projects are emblematic precisely because they offer solutions for problems of cultural, historical and climatic importance. “I have chosen to focus on this part of the continent because I am convinced that African countries should not copy western-style architecture: as we do not have the same economic strength, this is not a sustainable course of action”, is how she introduces her way of thinking. “We must produce new contemporary archetypes that are comprehensible and serve the needs of all.” In order to realise her Niamey 2000, a social housing project, Kamara has reworked the residential model in the Timbuktu regions in Mali, and used earth bricks made by hand on site, considered to be particularly effective in cooling buildings. “Modern does not mean western for me. It means creating an environment that is all about today, commits to tomorrow, but does not forget what happened yesterday.”

Photo © Rolex/Tina Ruisinger - Render by Ini Archibong

From gender equality to the cultural identity of pre-colonial Africa: when architecture is revolution and it changes your life.

Back to her roots a former engineer who is building alternatives for her continent

ENGLISH TEXT

Emblematic in the way that, together with Yassi Esmaili, she has transformed the Dandaji complex, a historic location. Kamara restored the ancient mosque, building a library and literary centre next to it. Considering that 75% of the population in Niger is younger than 25, there is something virtuous about her intuition.

Like the idea of covered shelters where even women can stop for a chat with their friends. “Because while men of any age are allowed to chat in the street, we are not: public spaces in a Muslim country are something that need working on,” this designer ends by saying as she courageously plans gender equality from the southern hemisphere. Africa will save us. — ateliermasomi.com

countries represented by the collective: Burkina Faso, Ivory Coast, Ethiopia, Ghana, Mali, Nigeria and Senegal. Worldwide trajectories intertwining different knowledge, experience and sensibilities, but all equally anchored to the same origins. “The range and variety of African design are so broad that trying to bring them all under the same umbrella could turn out to be simplistic,” is their shared reflection, expressed by Rufai. “154 countries with over 3,000 ethnic groups speaking about 2,000 languages: ours is the second largest continent in the world and the storytelling that it produces is incredibly eclectic,” explains Archibong. — africabydesign.org

Pucci passion — p. 84

Africa in technicolor — p. 77

words by Flavia Giorgi — photos by Lapo Quagli

by Paola Carimati

Going beyond the ethnic: the contemporary language of thirty young creatives who are citizens of the world and proud of their sub-Saharan origins.

Their design is collective and worldwide

Photo Romain Ricard/Milk/Vega MG

The Africa portrayed by Chrissa Amuah is a cosmopolitan, multi-disciplinary, shared project. Presented at the Nubuke Foundation in Accra (Ghana), ABD – Africa by Design – is the platform that this young and determined designer was bent on bringing about. Together with Ini Archibong, one of the designers for the Sé brand at the Galleria Rossana Orlandi, and Damola Rufai, an artist and textile designer who has been a big hit online, they set out to promote the culture and traditions of the seven

A book celebrates the many faces of the genius of the Florentine Marquis who has been leaving his mark since the ‘50s. In fashion, but also in art and design “For my father, passion for life came before fashion”, says Laudomia Pucci di Barsento, who has been the life and soul of the House since the ‘90s and today has the role of image director.

Her father’s legacy has a thousand different faces, described for the first time in a complete and original way by a photographic book: ‘Unexpected Pucci’, Rizzoli. Laudomia Pucci is its editor. Thanks to an overall aesthetic vision, the author expresses himself as an all-round designer. “Furnishings, accessories for the table, carpets, designs conceived with abundance and an extraordinary creative generosity. A legacy

Slow life — p. 69 199

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Keep calm — p. 96

From Basel to Miami — p. 91

by Valentina Raggi

Saving the Earth. This is the theme of the 14th edition of Design Miami/Basel. Chosen by its new curator, Aric Chen, who tells us about the projects in Switzerland and the previews of the American edition The 14th edition of Design Miami/Basel is upon us. This year lots of new elements have been introduced, starting with the new curatorial director, Aric Chen, an American originally from Taiwan, with a career as independent curator under his belt. And the new curator has launched a message that is loud and clear: let’s save the Planet. “I wanted to focus the attention on the new possibilities of using the Earth’s resources, the real nature of these and the conceptual, visual and design media that could be spawned by them, as the end result”, Aric tells us. “I believe that design has always been the major interpreter of the current issues of every age, and the builder of our scenarios”. In the Design at Large section, the curator has invited nine galleries to develop the 200

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research carried out on the future of materials. These include Roman gallery Giustini/Stagetti with the now famous Ore Streams project by Formafantasma. “I think that we have the right balance between grand masters and new talents. Historical pieces and brand-new entries. Any previews of the Miami edition you’ll be curating in December? “I’ll continue to focus on the topic of sustainability. There the theme will be water”. —

Keep Calm — p. 96 Words by Sarah Berger — photos by Karel Balas/Milk/Vega MG in collaboration with Francesca Benedetto

Paris studio Atelier du Pont transforms a 19th century finca into a buen retiro with an eclectic easygoing style. For a slowpaced vacation, in Menorca On a hill nestled in olive groves perches Es Bec d’Aguila, a finca built by a family of merchants. The building’s transformation, implemented in the true spirit of Menorca, is the result of a meeting between current owner Benedicta, and Anne-Cécile Comar, partner at Atelier du Pont. The designer renovated the building while respecting the original structure. “To make the most of the 360° views over the surrounding landscape we increased the number of windows”, says Anne-Cécile Comar.

The first floor of the finca has floors of richly-coloured cementine tiling, traditional to the island. In line with local tradition, the extensive use of masonry makes up for the lack of wood on the island. A consideration that makes a virtue out of a necessity, sparking a hybrid, cosmopolitan style that mixes design and vintage quirks. With its turquoise pool and outdoor spaces for relaxing or yoga, the pull of the sea could almost be forgotten.

Photo Karel Balas/Milk/Vega MG

we wanted to rediscover and appreciate with an unprecedented look at fifty years of our history. A journey during which we interpreted the world around us with our sensitivity”, explains Laudomia Pucci. But the Marquis does not take himself too seriously as an artist. “He thought of himself as a tailor, an artisan”, explains his daughter. Working from the same perspective, but reversing the roles, Laudomia called on two contemporary artists, Francesco Vezzoli and Joana Vasconcelos, to reinterpret the work of her father with their creations. The result? Unexpected, obviously. — emiliopucci.com

ENGLISH TEXT

A place like home — p. 112 words by Laura Maggi — photos by Andrea Ferrari

Massimo Bottura’s new guest house, where art, place and nature harmonise, is named after the internationally renowned chef’s mother Despite being abandoned for forty years and enveloped in almost impenetrable vegetation, the 18th century estate still held enormous charm and, above all, represented a great challenge.

“We had hundreds of suggestions for restoring the park, but we didn’t want to betray the spirit of the place” says Bottura. The same Sandro Chia sculpture in front of the house that welcomes the visitor also acts as a warning: ‘I am tradition, you must deal with me. This is Modena, not New York’. Casa Maria Luigia, named after Bottura’s mother, is a dwelling whose modifications had been driven by the tastes of the time and by functional necessity. The large living space is dominated by the Ai Weiwei triptych “Dropping a Han Dynasty Urn”, a work in Lego bricks.

Catia Baccolini redesigned the internal layout and handled the interior design. On the first floor are the rooms, each one different to the next, in a perfect blend of vintage and design. Everywhere, inside and out of Casa Maria Luigia, “the unexpected is always there. Irony, play, dreams, these are all part of hospitality”, emphasises the visionary chef. — casamarialuigia.com A place like home — p. 112

The other Salento — p. 122

by Rosaria Zucconi — photos by Max Zambelli

Photo Andrea Ferrari - Max Zambelli

A green architecture that is spawned, reverberates and thrives courtesy of the beauty of a territory as yet uncontaminated. Where innovative technologies and welldesigned structures save nature A solid architecture with a lightweight, transparent image, featuring many windows and surfaces of water one after the other on different levels, until the dunes meet with the wild sea on the horizon. An architecture that is literally immersed and a countryside planted and tended to in line with the all-green philosophy of the owners, Elke and Hanspeter Quodt, Germans with a cosmopolitan mentality who have chosen to live between Bavaria and Apulia. The author of this design is architect Luca Zanaroli, linked to this land for many years. “I am convinced that any architecture must be based on its surrounding territory, and therefore by studying the local context, construction techniques and materials and focusing on the composition of simple, cleancut forms. Here, there was nothing to be recovered: the building was in an unsalvageable state of disrepair. There is a regional law that permits the demolition of an old building in exchange for a new sustainable design, based on innovative technologies that respect the environment. Requisites fully met by the owners. The architecture is based on an interlocking of volumes, designed using traditional materials, such as tuff and concrete, with hand-mixed plaster. Compact in the north and wide open in the south, with plastered spaces, characterised by continuous glass windows. The house spans two floors. Its seven hectares of gentle, flat countryside are devoted to a natural activity: making

The other Salento — p. 122

201

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ENGLISH TEXT

Tropical Minimal — p. 152

Africa in black and white — p. 134 words by Frank Visser — photos by Mirjam Bleeker in collaboration with Flavia Giorgi

Off the coast of Kenya, a story begun in the 60s is rewritten in chiaroscuro by a London gallery owner.

Mixing Swahili culture, colonial memories, and mid-century design Stark and silent in its empty spaces and absence of colour, it seems to protect itself from the clamour of the lush nature that surrounds it. In the dunes of the island of Lamu stands the future home of Pascale Revert, a London gallery owner specialising in contemporary African art. Standing majestic by the sea, inspired

by Islamic architecture in the Swahili tradition, it was built by an Englishman in the 60s: Bunny Allen, the last of the great ‘white hunters’. In the renovation, Pascale is taking on the legacy of the design, improving it where possible, opening out the flow between the rooms above all. The raw materials are still coral stone and mangrove wood. Painted black, the beams give a swift rhythm to the ceiling. Design discreetly plays its part. The choice 202

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of Eero Saarinen for the design of the dining area is no accident.

“We wanted to recreate the spirit of optimism of the 60s, and keep the thread that binds us to its origins alive. But there are also colonial furnishings, craft pieces that reference Lamu’s ties with India and the Arabic world”.—

Tropical minimal — p. 152 words by Tami Christiansen — photos by Tommaso Riva in collaboration with Francesca Benedetto

In Bali, a Brutalist-inspired villa expresses a new concept of living that brings East and West together, mixing architecture and unspoilt nature.

Kiko Tous is the architect, Beatriz Sanz Corella, the designer.

Tireless globetrotters, the Spanish couple came to Bali for the first time during a trip with their children, deciding to move there on the spot. After a necessary period of settling-in, they decided to build a home for the whole family. Kiko handled the architectural design together with Nico Cacares of El Colectivo Architecture and Design Studio. “The temperatures here, never harsh, favour open living spaces that let nature in.”

Kiko created an architecture inspired by Brutalism: three blocks in concrete and local wood, with differing functions, separated by green spaces. The plants on the gravel-covered roof grow in total freedom, while nature leaves its mark on the villa’s façades in the green patina of humidity. Sunlight filters through the sliding panels made with Ulin offcuts, an inexpensive but extremely durable wood. “Bali is like a magnifying glass on the world,” concludes Beatriz. “A mixture of culture and tradition. —

Photo Tommaso Riva

the most of the fruits of the land by producing certified organic oil. Elke has won over everyone as an expert and creative mind in the field of healthy eating. “We stumbled upon Apulia and fell in love with it during a trip to visit some German friends of ours. When searching for the right place in which to set up home, I chose an architect with a culture and aesthetic sensitivity similar to our own. We immediately felt a connection with Luca and thanks to him we have been able to create an exciting life project”. —