LITERATURA SIGLO XIV

AUTORES: Marcos López López

Blanca Navarro Miralles

1.LA POESIA LÍRICA HASTA EL SIGLO XIV

CARACTERISTICAS DE LA LIRICA POPULAR Y TRADICIONAL:

1- Difundida por los juglares, transmisión oral y de procedencia anónima. En su origen hay un creador individual, pronto se transforma en una pieza con múltiples variaciones y diferentes versiones.

2- A esta tendencia pertenecen las jarchas mozárabes, las cantigas de amigo gallego-portugués y los villancicos castellanos.

3- Se manifestó de forma espontanea en los idiomas de la P.I: castellano, gallego, catalán y mozárabe

4- Se cantaban en actos de la vida cotidiana: boda, romerías, labores agrícolas…

5- El tema de buena parte de los poemas son las confidencias que una joven enamorada expresa ante su madre, hermana o amigas; también, aves ante su amado o ante las olas del mar, las flores del campo …

6- La naturaleza y el ambiente rural cobran gran importancia

7- Se suelen adaptar antes dos estructuras métricas:

- La estructura paralelística y el leixaprén, basados en la repetición de los versos, cambiando solo la palabra de la rima.

- La estructura zejelesca y del villancico castellano, caracterizado por el uso del estribillo y unos versos de udanza o glosa

CARACTERISTICAS DE LA LIRICA CULTA O CORTESANA

1- Compuesta por las cantigas de amor y las cantigas de escarnio y maldecir gallego-portuguesas, junto con la lírica catalana-provenzal

2- Influencia provenzal. La poesía provenzal surge en el siglo XII en la región de Provenza, al sur de Francia.

3- Es obra de los trovadores , autores cultos conocidos y diversas procedencia social.

4- Destinada para ser cantada, en ambiente palaciegos por los mismos trovadores, algunas veces, o bien por juglares especializados en la difusión de este tipo de poemas.

5- La métrica del verso es siempre regular y de rima consonante

6- Aunque hay bastantes composiciones satíricas , el tema principal es el amor cortes, que traslada a la literatura el esquema social del feudalismo: la dama es el “señor” y el poeta su “vasallo”

1.1 LAS JARCHAS

Generalmente compuestas por dos a cuatro versos, en los que una voz femenina, llama a su amante o confiesa su pena amorosa a su madre, sus hermas o gente de confianza.

Son las composiciones más antiguas conservadas en lenguas románicas, datan del siglo X o el XI y se desarrollaron en la mitad sur de España.

Las jarchas, en lengua mozárabe, se conservan transcritas con grafías árabes o hebreas y aparecen al final de unos poemas cortos llamados moaxajas (fueron muy utilizadas por los poetas cultos del al-Ándalus entre los siglos IX y XII)

El hecho de que las jarchas estuviesen transcritas en árabe o hebreo explica su tardío descubrimiento en 1948.

1.2 LA LIRICA GALAICO-PORTUGUESA

Las cantigas, escritas en gallego-portugués, fueron cultivadas por autores de diferentes clases sociales, desde Reyes hasta clérigos y trovadores. Poseen además una indudable influencia provenzal (se explica por la pere del camino de Santiago)

Las Cantigas fueron recopiladas en el siglo XIII en distintos cancioneros y han sido clasificadas en las siguientes categorías:

1) Las cantigas de amigo son de carácter popular-tradicional y están emparentadas con las jarchas. Tema principal el amor, usan un lenguaje sencillo y se suelen poner en boca de una voz poética femenina, que expresa sus sentimientos amorosos. Rasgo más característico: uso de recursos como el paralelismo y el leixaprén.

2) Las cantigas de amor pertenecen a la lírica cortesana culta y se basan siempre en el mismo asunto (un caballero se lamenta del desdén de la amada o de los rigores de su ausencia). Organizan su contenido en torno al concepto del amor cortés y están muy influidas por la cancó provenzal.

3) Las cantigas de escarnio y maldecir también de carácter culto y cortesano. Derivan del sirventés provenzal, pero las primeras se caracterizan por su contenido más refinado , mientras que las segundas suelen referirse a personas concretas con cierto aire de caricatura.

1.3 LA LIRICA CASTELLANA

Aportación de la lírica castellana es la serranilla, que relata el encuentro amoroso con una pastora de la sierra, de ahí el nombre de serrana (por ejemplo, en el Libro de buen amor) o serranilla. El Marqués de Santillana, en el siglo xv, será el autor más famoso de estas composiciones.

Una de las principales notas características de la lírica castellana tradicional es el empleo del villancico, compuesto por versos generalmente de arte menor, estructurados en dos partes: estribillo (de dos a cuatro versos, que anuncian el tema) y glosa, formada por una o varias estrofas que desarrollan el tema ya planteado, al final de las cuales se repite total o parcialmente el estribillo.

1.4 LA LIRICA CATALANO-PROVENZAL

En los siglos XII y XIII, en el sur de Francia (la Provenza), surgió una lírica culta y minoritaria compuesta por los trovadores que cantaban al amor cortés en ambientes de la nobleza palaciega

Sus géneros principales son la cançó, de asunto amoroso; el sirventés, de intención satírica; y la tensó, o disputa

2. LA POESIA LÍRICA EN EL SIGLO XV Los cancioneros

Los más importantes son el Cancionero de Baena (recopilado para Juan II de Castilla hacia 1445), el Cancionero de Estúñiga (copiado en Nápoles hacia 1460).

El Cancionero general de Hernando del Castillo (el primero que apareció publicado en una imprenta, en 1511).

Perteneciente a una familia de muy noble linaje, Jorge Manrique (hacia 1440-1479) conoció los reinados de Juan II, Enrique IV y los Reyes Católicos. Fue partidario de Isabel la Católica en su lucha contra Juana la Beltraneja.

Escribió poemas de tema amoroso y burlesco. De su poesía amorosa se conservan unas cincuenta composiciones, escritas en su mayoría al gusto trovadoresco y cortesano de la época, aunque en ellas se percibe su personalidad a través de detalles como las metáforas que transmiten su experiencia de la guerra o su manera de expresar el sufrimiento del caballero convertido en «servidor» amoroso de una dama, que muestra su espíritu un tanto melancólico.

Pero lo más destacable de su obra son las Coplas por la muerte de su padre, escritas poco después de la muerte de don Rodrigo Manrique, poderoso maestre de la Orden de Santiago, en 1476

2.3 JORGE MANRIQUE (entre edad meda y renacimiento)

Coplas por la muerte de su padre

Esta obra, que reflexiona sobre la vida, la fama, la fortuna y la muerte, pertenece al género poético de la elegía funeraria medieval o planto y contempla estos grandes temas desde una aparente resignación cristiana.

Está formada por cuarenta coplas de pie quebrado (o coplas manriqueñas).

Según el modo en que plantean el tema de la muerte, las Coplas por la muerte de su padre se organizan en tres partes:

La muerte como elemento cósmico y universal (coplas 1-13)

Muerte de personajes históricos concretos y evocación emotiva y nostálgica del pasado (coplas 14-24)

La muerte del padre, el maestre don Rodrigo Manrique (coplas 25-40)

Jorge Manrique reflexiona acerca de la brevedad de la vida y la pronta llegada de la muerte. Tópicos: TEMPUS FUGIT Y MEMENTO MORI.

Jorge Manrique trata los mismos temas que en la primera parte, pero se hace referencia a las vidas de los reyes, nobles y personajes históricos del mundo de la corte.

Tópico: UBI SUNT?

Jorge Manrique dedica al elogio y la exaltación de la vida de su padre

Durante la Edad Media, la elegía, bajo el nombre de planto o llanto, fue un género poético muy utilizado. En el siglo xv, empezaron a sustituirse las tradicionales manifestaciones de dolor fúnebre por reflexiones sobre la brevedad de la existencia y exhortaciones para adoptar una actitud espiritual ante la vida.

La originalidad de Jorge Manrique reside en plantear la existencia de tres vidas: la vida eterna y verdadera, la vida terrenal perecedera y la vida de la fama. Esta última proporciona al poeta el consuelo y la esperanza de que una persona, mediante sus actos y hazañas, perviva en memoria, como es el caso de un hombre de la talla de su padre, el maestre don Rodrigo.

Más allá de la doctrina cristiana medieval de la caducidad de todo lo terrenal, y de una visión pesimista de la muerte, el mensaje final de las Coplas es que una vida de honor y de heroísmo no solo conquista la recompensa de la salvación eterna, sino también el premio de una nueva vida imperecedera: la fama, que es ofrecida por la propia Muerte a don Rodrigo.

METRICA: Todas sus rimas son consonantes, utiliza la estrofa de la copla de pie quebrado, también llamada manriqueña, en honor a Jorge Manrique. Está formada por dos sextillas y su esquema métrico es el siguiente: 8a 8b 4c 8a 8b 4c / 8d 8e 4f 8d 8e 4f

3. EL MESTER DE JUGLARÍA Y LOS CANTARES DE GESTA

Bajo el nombre de mester de juglaría se recogen todas las obras que los juglares transmitían de forma oral durante la Edad Media. Los juglares iban de villa en villa y, a cambio de unas monedas, entretenían a la población.

Los cantares de gesta componen un conjunto de narraciones en verso de las hazañas de un héroe individual o colectivo. Fueron frecuentes en la Europa medieval.

A diferencia de lo que ocurre en otros países europeos, se ha perdido la mayor parte de la épica castellana y solo se han conservado tres poemas: el Cantar de Mio Cid, unos cien versos del Cantar de Roncesvalles (sobre la muerte de Roldán en la batalla de Roncesvalles) y una parte de Las mocedades de Rodrigo (de creación tardía, acerca de la juventud del Cid). Los restantes cantares de gesta quedaron recogidos en versiones prosificadas incluidas en las crónicas medievales (los relatos históricos de la época), como es el caso de Los siete infantes de Lara y La condesa traidora, entre otros.

3.1 EL CANTAR DE MIO CID

El Cantar de Mio Cid se conserva en un manuscrito en la Biblioteca Nacional Madrid copiado en el siglo XIV, al que le faltan la hoja inicial y dos interiores. Al parecer, es una copia, a su vez, de otro manuscrito fechado en 1207 y firmado por un tal Per Abat.

Autoría y fecha

Con respecto a la autoría y a la fecha de composición del Cantar de Mio Cid sobresalen dos teorías. La primera es la teoría neotradicionalistas, de Menéndez Pidal, que creía que un juglar (de la zona de San Esteban de Gormaz) habría redactado los dos primeros cantares, y otro (de Medinaceli), el tercer cantar. La segunda teoría es la neoindividualista, que sostiene que el autor es un poeta culto, y probablemente de origen burgalés, quien habría compuesto la obra en el siglo XIII para que fuese recitada por los juglares.

Estilo

Del estilo literario del Cantar de Mio Cid se destacan los siguientes rasgos:

• El uso del epíteto épico, para enaltecer y magnificar al héroe («el que en buena hora nació», «el que en buena hora ciñó espada»).

• El uso de figuras literarias de repetición: pleonasmos («llorando de sus ojos»), paralelismos y anáforas («Tanta lanza […] tanta adarga […] tanta loriga […] y tanto blanco pendón […] y tantos caballos buenos») y construcciones bimembres o dobles («por mí dejáis casas y heredades»).

• Fórmulas dirigidas al oyente, con el fin de comunicarse con él y de que participe en la narración («como oiréis contar», «bien oiréis lo que dirá») o elementos dramáticos (frecuente uso del diálogo, movimientos de los personajes, elementos decorativos, etc.).

• Episodios humorísticos, cuya función principal era la de divertir al auditorio e introducir un momento de distensión entre sucesos dramáticos.

Estructura

El poema consta de 3730 versos, agrupados en tiradas o series de número variable de versos monorrimos asonantados, de entre 12 y 16 sílabas. Cada verso, a su vez, queda dividido por una cesura en dos mitades o hemistiquios. Las tiradas se agrupan en tres cantares:

1 CANTAR DEL DESTIERRO Comienza con la salida del Cid de Vivar, desterrado por Alfonso VI, y la despedida de su mujer y sus dos hijas. Gana territorios a los árabes en tierras de Toledo y Zaragoza, y hace prisionero al conde de Barcelona, a quien más tarde libera. Tras cada victoria, el Cid envía regalos al rey con el fin de ser perdonado.

2 CANTAR DE LAS BODAS El Cid conquista Valencia, obtiene el perdón del rey y se reúne con su mujer y sus hijas en la ciudad recién ganada. Defiende Valencia del asalto del rey de Marruecos. Los infantes de Carrión piden la mano de las hijas del Cid, para lo cual intercede el rey.

3 CANTAR DE LA AFRENTA DE COPRES Los infantes de Carrión toman venganza contra el Cid y sus hijas, a causa de las burlas por su cobardía. En el robledal de Corpes, abandonan y azotan a las hijas del Cid. Ante esto, Rodrigo Díaz de Vivar pide justicia al rey y se convocan unas cortes donde se restaura el honor afrentado. Las hijas del Cid terminan casándose con los infantes de Navarra y Aragón.

En la obra se observan dos tramas que se cruzan en un doble proceso de pérdida y posterior recuperación del honor del héroe épico: El tema de la deshonra pública por el injusto destierro del Cid se solventa con el progresivo engrandecimiento del Cid mediante sus hazañas victoriosas y las riquezas que le procuran; finalmente, se describe la entrada triunfal del Cid en Valencia.

El tema del deshonor privado, causado por la humillante «afrenta» de la que son víctimas las hijas del Cid por parte de los infantes de Carrión, queda reparado en la culminación definitiva de su honor: las hijas del Cid se casan con los infantes de Navarra y Aragón.

Esta doble trama favorece el logro de la intención principal del cantar: la glorificación del Cid como valiente guerrero y buen cristiano, como súbdito leal a su rey (a pesar de la «ira regia» de este) y como padre de familia.

4. EL MESTER DE CLERECÍA

El mester de clerecía (‘oficio de clérigos’) es el conjunto de obras narrativas en verso, de origen culto y escritas por clérigos entre los siglos XIII y XIV. En esta época el conocimiento y la sabiduría se concentran en los monasterios, hasta que de las universidades y el desarrollo de las ciudades provocan la incorporación de nuevos públicos al mundo de la recepción literaria.

La mejor manera que tenían los clérigos de competir con los juglares era entretener al público con historias y, por supuesto, con un lenguaje claro y comprensible para toda la gente; por ello, se abandona el latín y se utiliza la lengua vulgar, o román paladino.

El mester de clerecía presenta los siguientes rasgos diferenciadores:

• Un lenguaje cuidado y conciencia de autoría literaria que lo diferencia claramente del anonimato típico del mester de juglaría.

• Sus obras abarcan tanto temas religiosos (vidas de santos, milagros…) como temas históricos, asuntos propios de la poesía épica o incluso de materias más variadas.

• Intención didáctica y moralizante: educar al pueblo en la fe, transmitir una enseñanza moral y religiosa. Este didactismo convive a menudo con la intención propagandística en favor de intereses eclesiásticos o del reino de Castilla, como ocurre en el Poema de Fernán González.

• Utilización de fuentes escritas, como la Biblia, o procedentes de la antigüedad clásica y de las bibliotecas de los monasterios y las universidades.

• Uso de la cuaderna vía o tetrástrofo monorrimo: cuatro versos alejandrinos (14 sílabas), divididos en dos hemistiquios de siete sílabas, y con la misma rima consonante [AAAA]. Esta estrofa no estaba destinada al canto, sino a la lectura en voz alta.

En el mester de clerecía se observan dos grandes etapas:

Siglo XIII

• Fuerte contenido épico o histórico. Apego a la tradición juglaresca.

• Los autores suelen ser anónimos, a excepción de Gonzalo de Berceo.

• Obras destacadas:

-Milagros de Nuestra Señora, de Gonzalo de Berceo.

-El Libro de Alexandre, obra anónima sobre las hazañas de Alejandro Magno.

-El Poema de Fernán González, también anónimo, sobre el conde castellano.

Siglo XIV

• Se emplean otras combinaciones métricas, además de la cuaderna vía.

• Se va abandonando el tema épico y se tiende al contenido didáctico, crítico, satírico o incluso lírico, tal vez a causa de los nuevos valores de la naciente clase social burguesa.

• Conciencia de individualidad creadora (las obras suelen aparecer con el nombre de su autor).

• Principales obras:

-El Libro de buen amor, del Arcipreste de Hita

-El Rimado de Palacio, del canciller López de Ayala.

4.1 GONZALO DE BERCEO

Escribió obras hagiográficas o vidas de santos (San Millán de la Cogolla), obras marianas (como Milagros de nuestra señora) y obras doctrinales (como El sacrificio de la Misa).

La obra más importante de Gonzalo de Berceo es Milagros de Nuestra Señora. Se trata de una obra mariana, que se inscribe en las tendencias medievales de culto a la Virgen María. La obra comienza con una introducción alegórica en la que se presenta una naturaleza idealizada (el tópico latino del locus amoenus), que sirve de lugar de reposo para el ser humano y que simboliza, además, las virtudes y perfecciones de la Virgen. A continuación, se relatan veinticinco milagros realizados por la Virgen a favor de personas que sienten una gran devoción por ella.

La intención de Berceo es difundir en lengua romance relatos ya existentes sobre la Virgen, los cuales modifica con libertad.

Las principales características de la obra son las siguientes:

• Berceo añade elementos cotidianos para atraer a sus oyentes.

• Introduce un tono humorístico y emplea metáforas y comparaciones espontáneas.

• Utiliza expresiones coloquiales y otros elementos propios del arte juglaresco, para llamar la atención de sus oyentes.

• Al final de cada relato aparece una moraleja o enseñanza para hacer comprender al oyente las ventajas que reporta ser un devoto de la Virgen.

• El personaje de la Virgen aparece dotado de características humanas: se enfada, por ejemplo, con quienes no la sirven.

Todos los milagros presentan una estructura semejante:

Se pueden distinguir tres grupos de milagros:

- María recompensa o castiga a los seres humanos según su devoción o según sus obras, como en «El labrador avaro».

- La Virgen salva de la condenación a sus devotos, como en «El sacristán fornicario» (impúdico).

- Los personajes sufren una crisis espiritual y María los ayuda a solucionar el conflicto, como en «La abadesa encinta».

Los romances eran composiciones poéticas de carácter épico o narrativo. Estaban formados por series de versos octosílabos con rima asonante en los versos pares.

Según la teoría más aceptada, los romances viejos proceden de la fragmentación de los cantares de gesta. Los juglares los adaptaron a los gustos del momento.

Así, el extenso verso monorrimo (dividido por la cesura en dos hemistiquios) se fraccionó en los versos octosílabos característicos del romance.

A veces se conservan versiones diferentes de un mismo romance debido a la improvisación, errores de memoria o preferencias de los juglares o del público.

En el estilo de los romances se observan las siguientes características:

• Frecuentes alternancias verbales entre presente y pretérito, para animar la narración, dar la sensación de inmediatez.

• Llamadas de atención al auditorio, que evidencian su transmisión oral.

• Aparente sencillez de estilo: escasez de adjetivos y descripciones breves y realistas.

• Fórmulas expresivas: repeticiones de palabras o frases y uso de paralelismos para conseguir una mayor intensidad emocional y rítmica.

• El fragmentarismo: muchos romances se centran solamente en un momento de la acción y presentan un inicio o un final abrupto.

ROMANCERO VIEJO: conjunto de romances anónimos de transmisión oral. Fueron recopilados y puestos por escrito a partir del siglo XV Y XVI.

ROMANCERO NUEVO: conjunto de romances de autores cultos y conocidos, desde el siglo XVI hasta el siglo XX. Autores como Góngora, Quevedo, Lope, Calderón, Machado, García Lorca y autores de la Generación del 27

CLASIFICACIÓN DEL ROMANCERO VIEJO

Atendiendo a su procedencia o a su temática, los romances viejos se clasifican en:

1. Romances épico-tradicionales: personajes y acontecimientos de los cantares de gesta. Ciclo del rey don Rodrigo y la pérdida de España, ciclo del CID, Bernardo del Carpio, Fernán González, etc.

2. Romances juglarescos: se inspiran en personajes y acontecimientos históricos pero pincelados con elementos fantásticos lo que les otorga un mayor subjetivismo literario. Encontramos dos ciclos:

A. El ciclo carolingio: inspirados en los cantares de gesta franceses ( Carlo Magno, Roldán...)

B. El ciclo Bretón: inspirados en las leyendas artúricas ( el rey Arturo, Lanzarote...)

3. Romances noticieros: en torno a las últimas luchas entre cristianos y musulmanes. Se dividen en dos:

A. Romances fronterizos:desde una perspectiva cristiana.

B. Romances moriscos: desde la perspectiva musulmana: Abenámar, La pérdida de Alhama...

4. Romances novelescos y líricos: presentan una temática muy variada, asuntos biblícos, mitológicos... proceden de relatos caballerescos. El conde Arnaldos, El prisionero...

Es el primer escritor en lengua castellana con una clara conciencia de autor y con el deseo de pasar a la posteridad.

Tres obras destacan en la prosa de don Juan Manuel: el Libro del caballero y del escudero, el Libro de los estados y el Libro de Patronio o El conde Lucanor.

Los tres libros responden a un mismo esquema argumental: el tópico medieval de las enseñanzas que un sabio anciano (senex) transmite a un joven inexperto (puer).

La novedad que aporta don Juan Manuel es variar en estas tres obras la proporción y la intensidad del elemento narrativo de ficción en comparación con el elemento doctrinal o moralizante.

El conde Lucanor, en realidad, está compuesto de cinco partes y dos prólogos, y contiene una colección de proverbios y un tratado para la salvación del alma de un buen cristiano, entre otros elementos.

Pero lo que ha dado fama y notoriedad al libro es la presencia de dos personajes, el conde Lucanor y su sabio consejero Patronio, en los 51 ejemplos (enxiemplos) o cuentos que constituyen la primera parte del libro.

Don Juan Manuel consigue un original proceso de reelaboración artística, que transforma lo que a menudo solo era una simple anécdota o historieta sin relevancia alguna.

Los 51 ejemplos de El conde Lucanor tienen la siguiente estructura:

Introducción (El conde Lucanor tiene un problema y realiza una consulta a su consejero Patronio.)

Núcleo narrativo (Patronio cuenta un cuento cuyo argumento se asemeja al problema planteado)

Aplicación (Patronio deduce del cuentecillo narrado las enseñanzas y consejos adecuados para solucionar el problema planteado por el conde Lucanor)

Moraleja (Se termina con dos versos en los que el autor resume la enseñanza de la narración.)

7 LA CELESTINA, DE FERNANDO DE ROJAS

LA Celestina de Fernando de Rojas, se encuentra en la frontera entre lo medieval y lo renacentista. Desde el momento de su publicación, en 1499, ha planteado una serie de problemas en cuanto a la transmisión textual, a su género y a su autoría.

Problemas textuales y autoría

Aunque la obra fue un éxito durante el siglo XVI, las ediciones presentaban diversas versiones en cuanto al contenido, añadidos, correcciones e incluso supresiones que afectaban al texto original atribuible a Fernando de Rojas.

Encontramos dos versiones de la obra:

A. VERSIONES DE LA OBRA CON 16 ACTOS: en el ejemplar de la edición de Burgos, en1499, falta la primera hoja, con lo que no consta el título ni el autor. En las ediciones siguientes, 1500 y 1501, ya aparece el título de Comedia de Calisto y Melibea, de Toledo y Sevilla, se añade una “Carta a un su amigo”, en la que nos explica que el primer acto pertenece a otro autor, él lo encontró y decidió continuarlo. También aparecen los denominados versos acrósticos, en los que encontramos el nombre del autor: FERNANDO DE ROJAS.

B. VERSIONES CON 21 ACTOS: a partir de las ediciones de 1502, Toledo, Salamanca y Sevilla, la obra ya aparece con el título de Tragicomedia de Calisto y Melibea. En esta edición se añaden cinco actos más, denominado el “Tratado de Centurio”, entre los actos 14 y 15. Será en la edición de Alcalá en 1569, cuando encontremos por primera vez el título de La Celestina

AUTORÍA: se plantea el problema de que exista, al menos, una doble autoría. -Un autor Anónimo, al que se le atribuye el primer acto.

Fernando de Rojas, tras el éxito conseguido en las primeras ediciones, añadiría cinco actos más, y diferentes correcciones en las ediciones sucesivas.

Temas

En La Celestina aparecen tratados distintos temas:

• El loco amor es el desencadenante del fatal desenlace. Los amores entre Calisto y Melibea son unos amores ilícitos, al margen de las normas del amor cortés y de la moral cristiana dominantes en aquel tiempo. Por esta razón, los dos amantes serán castigados con la muerte sin confesión, con el infierno. Por otra parte, se observa la existencia de dos tipos de amor que luchan en La Celestina:

- El amor cortés, cuyo código se rompe desde el principio. Así, el autor compone una parodia del amor cortés y de los héroes de las novelas sentimentales.

- El amor sexual, que se manifiesta entre Calisto y Melibea y, de forma mucho más directa y descarada, entre los criados de Calisto y las prostitutas de Celestina.

• La muerte está presente en toda la obra y responde a una concepción fatalista de la existencia humana: aparece como el terrible final en que acaban todas las ambiciones, todas las riquezas y todas las pasiones (por ejemplo, en el llanto final de Pleberio, padre de Melibea).

• La codicia se observa sobre todo en los criados y tendrá el mismo castigo final que el loco amor de Calisto y Melibea. Sempronio y Pármeno, en su afán por obtener beneficios a costa del asunto amoroso de su señor, matan a Celestina porque se niega a compartir las ganancias. Los tres morirán sin confesión.

• La magia: Celestina, además de alcahueta, es una hechicera que usa la brujería para conseguir que Melibea se enamore de Calisto haciendo un conjuro sobre el hilado que le vende a esta. En varias ocasiones en la obra invocará el socorro del demonio.

Personajes

En la obra se presentan dos visiones opuestas del mundo: la visión ideal o renacentista, los jóvenes enamorados (carpe diem); y la visión real o medieval, representada por la Celestina y los criados. El panorama social de la obra gira en torno a dos mundos: el mundo de los ricos señores, cultos y honestos; y el mundo de los criados, egoístas, codiciosos e incluso homicidas.

• Melibea es una mujer enérgica que toma sus propias decisiones. Evoluciona del rechazo inicial a Calisto a enamorarse perdidamente de él. En este cambio hay que tener en cuenta que Melibea es víctima del conjuro de Celestina. Llega a cometer el pecado del suicidio por desesperación ante la muerte de su amado.

• Calisto se muestra como un joven débil de carácter, que olvida sus obligaciones por su interés sexual por Melibea, lo que le hace ser la antítesis del «doliente» y desinteresado enamorado del amor cortés que idealiza a su dama.

• Pleberio, padre de Melibea, es un rico mercader. Algunos estudiosos de la obra proponen que sus orígenes son judíos o conversos.

• Alisa es la madre altiva y orgullosa.

• La Celestina: es el personaje mejor trazado de toda la obra, vieja astuta y hechicera, la encarnación del mal, un personaje de gran vitalidad y codicia. Su principal habilidad es la persuasión.

• Los criados: Sempronio, es el intermediario entre Calisto y la Celestina. Pármeno, comienza siendo fiel a Calisto, pero tras su egoísmo y su atracción por Areúsa, movido por las palabras de la Celestina, terminará traicionándolo.

Estilo

En la obra aparecen los dos estilos vigentes en el siglo XV, relacionados con la división social de los personajes:

1. Estilo elegante y cuidado: utilizado por los señores, a imitación de la prosa clásica, abundante empleo delhipérbaton y frecuentes latinismos, referencias a fuentes grecolatinas.

2. Lenguaje coloquial: empleado por los criados, lo encontramos en los diálogos, elhumor, utilización de un lenguaje vulgar y plagado de refranes.

3. La Celestina, empleará un lenguaje cambiante adaptándolo a las circunstancias y al rango social de su interlocutor.

Género literario

El uso casi exclusivo del diálogo en prosa ha dado lugar a otro interrogante: ¿es una novela dialogada o es una obra dramática?

La opinión mayoritaria es que pertenece a una manifestación peculiar del teatro culto, las comedias humanísticas, escritas en latín y concebidas para ser leídas en voz alta, de forma dramatizada, por un público minoritario pero de gran formación cultural.

La Celestina coincide con estas comedias en varios aspectos, como el tratamiento del tiempo y el espacio o los nombres grecolatinos de los personajes.

Fuentes

En la obra encontramos diferentes fuentes literarias, que dan testimonio de la vasta cultura del autor, entre las que destacan:-

• Fuentes clásicas: la comedia latina de Plauto y Terencio, el Arsamandide Ovidio y las comedias elegíacas latinas del siglo XII.-

• Fuentes italianas: como la Fiammettade Boccaccio, amores adúlteros, y los escritos de Petrarca.

• Fuentes españolas: el personaje de la Trotaconventos, en el Libro de Buen Amor del Arcipreste de Hita, la poesía amorosa de los cancioneros, el Corbacho del Arcipreste de Talavera y la novela sentimental, Cárcel de Amor de Diego de San Pedro.