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mexicomoda.com
ERIC OLARTE
Edición Especial Arte
CRISTINA ARNEDO
Edición Especial Arte
ARIOSTO RIVERA
Edición Especial Arte FRANCIS
Edición Especial Arte
JOSÉ CACHO
EMMANUEL MENESES
Edición Especial Arte
ALEJANDRO FUNES
Edición Especial Arte
TITA CANTÚ
Edición Especial Arte
ILSE ZÚÑIGA
RENATO DORFMAN Edición Especial Arte
ALES X LUISA
Edición Especial Arte
ANDRÉS FERNANADEZ
Edición Especial Arte
IVÁN MADRIGAL
Edición Especial Arte
JOSUÉ CORNEJO
Edición Especial Arte
Edición Especial Arte
Edición Especial Arte
ERICK SANDOVAL
Edición Especial Arte
ALEJANDRA JIMENEZ
Edición Especial Arte
RAFAEL RIEGO
Edición Especial Arte
GISELLE LEAL
Edición Especial Arte
ROXANA VELAZQUEZ
Edición Especial Arte
FERNANDO MORENO
Edición Especial Arte
RODRIGO RIVERO LAKE
Edición Especial Arte
Edición Especial Arte
DIEGO DE ERICE
QUERIDOS LECTORES,
En MM México Moda, reconocemos que la moda y el arte son expresiones intrínsecamente ligadas, reflejos de la creatividad humana que, al entrelazarse, dan forma a nuestra cultura y sociedad. La moda, al igual que el arte, es un lenguaje visual que comunica emociones, ideas y contextos históricos, convirtiéndose en una manifestación tangible de la estética y la identidad.
Es por ello que dedicamos esta edición especial al arte, con la firme convicción de
que compartir estas perspectivas enriquece la experiencia de nuestros lectores y profundiza su apreciación por la belleza y la innovación.
Nos enorgullece presentar en nuestra portada a Diego de Erice, un artista polifacético que personifica la constante reinvención y evolución en el mundo del arte. Su capacidad para comunicar emociones a través de diversas disciplinas artísticas es un testimonio de su versatilidad y compromiso con la expresión creativa.
Les invitamos a sumergirse en cada página de esta edición, cuidadosamente elaborada para ofrecer una visión profunda y enriquecedora del arte en sus múltiples manifestaciones. Desde entrevistas con artistas emergentes hasta análisis de tendencias que fusionan moda y arte, cada artículo está diseñado para deleitar y educar, celebrando la escena artística de la Ciudad de México.
No hay mejor manera de iniciar el año que participando en la efervescencia cultural que ofrece nuestra ciudad. Febrero de 2025 se consolida como el mes del arte en la Ciudad de México, con eventos imperdibles como Zona Maco, la plataforma internacional de arte contemporáneo que reunirá a 200 galerías de 27 países en el Centro Citibanamex del 5 al 9 de febrero y BADA, la feria de arte directo de artista, que celebrará su quinta edición del 6 al 9 de febrero en Campo Marte. Estas ferias, entre otras, convierten a la ciudad en un epicentro de creatividad y expresión artística, ofreciendo a nuestros lectores la oportunidad de vivir experiencias únicas y conectar con el arte de manera personal y significativa.
Con Cariño, Jasive Fernández
CEO y Directora Editorial de MM México Moda @jasive.fernandez
María del Mar
Cuervo,
destacada curadora de arte y académica, cuenta con una sólida formación en Arte Sacro, Contemporáneo y Moderno, así como en filosofía, sociología, comunicación y estudios de mitologías y culturas. Su excelencia en estos campos la ha consolidado como una experta en la materia. Actualmente, se dedica a la escritura de su libro “El Arte y la Muerte” y ha publicado numerosos artículos y textos curatoriales, demostrando su capacidad para integrar el conocimiento académico con la práctica artística. M ar posee una visión moderna y amplia del arte, entendiendo que no se limita únicamente a las piezas exhibidas en museos, galerías, ferias y hogares, ni a los espacios arquitectónicos. Para ella, el arte es una poderosa herramienta de comunicación, conexión, construcción y, en muchos casos, rehabilitación. Su participación constante en proyectos artísticos con empresas de diversos sectores demuestra su convicción de que el arte es esencial para mejorar y reconstruir espacios, donde el ser humano es el protagonista central.
Su experiencia profesional en empresas como P&G,
Teletón, J&J y Ainé Foto respalda esta idea a lo largo de su trayectoria laboral.
E n el ámbito puramente del arte, Cuervo ha sobresalido como curadora, dirigiendo, coordinando y desarrollando propuestas artísticas y de imagen para más de 11 artistas plásticos. Su trayectoria abarca trabajos en editoriales, ferias de arte y galerías, lo que ha enriquecido considerablemente su experiencia y conocimientos.
Su dedicación y talento han sido reconocidos con el premio a la Mejor Curaduría en ArtExpo New York 2024 y el premio a la Mejor Exhibición Internacional en Spectrum Miami Art Fair.
L o que distingue a Mar Cuervo es su habilidad para crear un diálogo significativo entre el arte y la comunicación, rompiendo con los estereotipos clásicos de la curaduría. Mar fusiona elementos que no solo buscan
una estética perfecta, sino que también comunican una experiencia visual impactante y relevante, conectando e identificando al artista plástico con el espectador. Además, otorga gran importancia a los textos curatoriales, viéndolos como una vertiente contemporánea de traducción e invocación al público.
Actualmente, Cuervo se desempeña como Directora de Arte Plástico y Curadora para Diego de Erice Art, Curadora de la Galería Darío Martínez y Colaboradora Curatorial en Águeda y Nexus para Editorial Águeda. Además, es la Curadora en Jefe del proyecto artístico Impulsarte (Expresando el Arte). Mar gestiona proyectos, representación y curaduría para 7 artistas plásticos. También es pionera en curaduría digital en nichos específicos, como galerías y ferias de arte en México, colaborando exitosamente con “Concepto 3D” para realizar estos trabajos.
A demás de su desempeño laboral, Mar Cuervo tiene una profunda pasión por el teatro, la poesía, la música y la danza. Su trayectoria y proyectos actuales reflejan un compromiso y amor por el arte en todas sus formas, abordándolo desde todas las perspectivas posibles. Se está consolidando como una figura clave en el panorama artístico contemporáneo mexicano.
Gabriela, directora Editorial de Arte de MM, es licenciada en Artes por Bond University, Australia y cuenta con estudios internacionales en psicología (UQ), arte (MoMA), desarrollo social con Premio Nobel 2019 de Economía Esther Duflo (MIT) y desarrollo humano con Michael Sandel (Harvard), además de un programa de Emprendimiento por el MIT, entre otros. Es socia de El Lion que Ruge Films, una productora cinematográfica independiente con más de 20 años de experiencia en publicidad, documentales y cortometrajes en México y el extranjero, los que han participado en distintos festivales de cine. Además, colabora en diversos medios abordando temas de arte, cultura, ideas e innovación con más de 300 publicaciones en donde ha llegado a entrevistar a personajes como Anish Kapoor, Ai Weiwei, Bosco Sodi, Katherina Kubrick, Roberto Turnbull, Gabriel Macotela, Rivelino, Tim Burton, Yoko Ono, Rafael Tovar y de Teresa y Jeff Koons. Como curadora y cofundadora de la plataforma Artists’ Container, Gabriela impulsa y hace gestión con artistas plásticos; ha colaborado con artistas de la talla de Rafael Cauduro, Dario Ortiz, Marianela de la Hoz, Sebastián, Pedro Friedeberg, David Lachapelle, Clement Beauavais, Eko de la Garza, Sandra del Pilar, Fundación Leo Matiz, Carla Rippey, Said Dokins, etc. Es y ha sido miembro de diversas ONGs relacionadas con arte, cultura y empoderamiento femenino, como Ruta de la Amistad, Home Storytellers, 50+1, Amigos MAP, Restore Coral y Amigos MAM. Su experiencia internacional
incluye haber vivido, trabajado y/o estudiado en Australia, Nueva Zelanda, Inglaterra, Indonesia y Estados Unidos, pero su corazón siempre le ha pertenecido a México. La creativa ha contribuido en el sector privado con firmas como EY en su centro de innovación Wavespace y en proyectos gubernamentales, consolidando una trayectoria diversa y enriquecedora
en múltiples áreas. Entre sus mentores se encuentran Roxana Velásquez Martínez del Campo y Marie Thérèse Hermand de Arango (QEPD).
Gabriela Gorab @gab_andgrb
Afortunada en crecer en una casa donde la lectura y los libros eran el eje donde transcurría la vida familiar, María Rosenda, de padres Duranguenses e hija única, jugaba entre libros y revistas. De niña Lewis Carrol, los hermanos Grimm. Nancy Drew y Mafalda eran sus preferidos, más tarde las revistas que compraban sus papás inundaron su
mundo: : Architectural Digest. House & Garden. Interview, ahí creció, creando una mente curiosa y ávida de novedades. Su madre viajaba por el mundo todo el tiempo, de ahí la afición a viajar. conocer y documentar. de padre político. jugar en los curules en la Cámara de Senadores y escuchar los discursos de su papá la hacían feliz.
Así. pasados los años se graduó en Publicidad en el CEC, comenzando
una vida profesional en Canal 13 haciendo servicio social en un programa de corte economí a y negocios “Monitor Financiero“, con Carmen Aristegui, Abraham Zabludovsky y Efren Flores, tres cracks de la Economía y la tv. De ahí, Efrén Flores, quién fuese su mentor por muchos años la llevó a Grupo ACIR a trabajar con Don Guillermo Ochoa y Lourdes Guerrero, al tiempo que el equipo de W FM, Arturo Pérez Gavito y Joaquín Díaz, en una demo, le anunciaron que tenía voz para locución. Durante 10 años formó parte del equipo de Antonio Ibarra Fariña en Grupo ACIR para después iniciar como conductora en el canal de Noticias ECO, bajo la batuta del periodista Eduardo Torreblanca, siendo el gran jefe Don Jacobo Zabludovsky. A la par que daba noticias y hacía PR en la primera casa de bolsa las 24 horas en un canal de TV, proyecto del hombre más importante de la TV, el Tigre Azcárraga, donde además de PR produjo 200 programas de arte con Fernando Vilchis. Cuando terminó este canal, Fleishman Hillard, una de las más reconocidas agencias de Relaciones Públicas a nivel global la reclutó, pasando de junior a Vicepresidenta. De ahí, ha trabajado para muchas de las más prestigiadas casas de Relaciones Públicas a nivel global, Grey y Jeffrey Group. Y proyectos como Boletazo, San Miguel de Allende como ciudad y muchas más.
Su agencia boutique en sociedad con Alberto Cinta Laborde, Gloss Media Group es fundada en el año 2000 y hasta hoy la comunicación desde diversos ángulos sigue siendo su día a día.
Rosenda Ruiz @rosendaruiz
ESPECIAL
ARTE
Eric Olarte
HUELLAS DE LA CULTURA MAYA
En el vasto universo del arte, donde los susurros del pasado se mezclan con los ecos del presente, emerge la figura de Eric Olarte. Este talentoso escultor y diseñador gráfico, egresado de la Universidad Autónoma de Puebla, ha forjado su camino en el mundo del arte desde temprana edad. Su viaje comenzó con un interés innato por la pintura, el dibujo y la gráfica, hasta descubrir su verdadera pasión en el modelado y la escultura figurativa.
La trayectoria artística de Olarte se ha enriquecido con experiencias valiosas que han moldeado su visión y técnica. Su participación en la creación de esculturas de talavera en Casa Celia Talavera y en el proyecto del Nacimiento para el Vaticano en Talavera Uriarte, así como sus colaboraciones en proyectos monumentales para el CCU, le han brindado una base sólida y una profunda comprensión de la escultura. Desde 2011, Olarte ha trabajado junto al maestro Fernando Andriacci, lo que ha sido fundamental para su crecimiento artístico y personal.
La esencia de la obra de Eric radica en su profunda conexión con la Cultura Maya. En su proceso creativo, ha encontrado una forma de interpretar esta rica herencia cultural, plasmándola en esculturas que destacan por su fuerza, agilidad y flexibilidad. Sus figuras, dotadas de una presencia imponente, resplandecen con tocados representativos de esta cultura, elaborados a partir de formas orgánicas con movimientos particulares. Estos personajes, siempre descalzos y con una sutileza que refleja respeto a la madre tierra, son una oda a la belleza de la fauna silvestre y a las características únicas de los seres endémicos del sureste de México.
Olarte busca revelar la parte humana, empática y sensible de la Cultura Maya, enfocándose en representar la cotidianidad y los sucesos personales de personajes comunes. En su visión, sobresale el cuidado y respeto hacia los animales de la región, con los cuales convivían en armonía. Su arte es una interpretación
personal de aquella época, donde el tiempo y el espacio se compartían en una convivencia de hermandad. Eric destaca el profundo interés y respeto por la vida que los mayas tenían hacia su entorno, considerado una parte esencial de la educación biocultural que se transmitía como legado a las generaciones futuras. El aspecto más distinguido en las esculturas de Eric Olarte es su increíble
capacidad para plasmar el movimiento en cada pieza. Los cuerpos alargados y estilizados, combinados con la transparencia muscular y el lenguaje corporal, hacen que el espectador sienta que las figuras están a punto de cobrar vida. Es imposible no pensar en la influencia de Camille Claudel en Olarte, una referencia evidente en sus obras; en sus esculturas se perciben rasgos impresionistas que se traduce en una emoción creciente en quien las contempla.
El uso magistral de luces y sombras crea una sensación de movimiento tanto en las figuras humanas como en los animales. El maestro impregna sus esculturas con tal nivel de detalle que no solo se admiran las texturas, sino también las sensaciones que cada una genera. A través de sus piezas, el espectador puede experimentar una gama de emociones, desde la libertad y el respeto hasta el miedo y el gozo.
La responsabilidad de Olarte con su arte es firme y profundo. Su obra refleja una conciencia humana que busca conectar el presente con nuestra rica historia. En un mundo en constante cambio, su trabajo sirve como un recordatorio de la importancia de nuestras raíces y de la necesidad de llevarlas al presente con un toque de concientización y respeto.
Eric Olarte sigue comprometido con su viaje artístico, explorando nuevas formas y conceptos mientras permanece fiel a su visión histórico cultural. Su arte, una fusión de tradición y modernidad, sigue inspirando y emocionando a quienes tienen la fortuna de contemplarlo. En cada pieza, Olarte nos ofrece una visión de un mundo en el que el pasado y el presente coexisten en armonía, invitándonos a reflexionar sobre nuestra propia conexión con la historia y la naturaleza. EA
El objetivo de la propuesta artística de Eric Olarte es despertar el interés del espectador a través de estas formas y movimientos. Busca evocar emociones y sentimientos profundos, llevando a los espectadores a las raíces de nuestra cultura y creando historias que llenen el alma, con las que puedan identificarse. Cada pieza es una invitación a sumergirse en un viaje introspectivo, a descubrir el legado de una civilización que, a través del arte, sigue viva en nuestros corazones.
@ericolarte
CRISTINA ARNEDO
Diálogos Cromáticos y Sensaciones Táctiles
Cristina Arnedo es una artista plástica mexicana con una comprensión extraordinaria del sentido y la pertenencia del espacio. Las formas y trazos en sus obras son vehículos de expresión que transmiten sensaciones y emociones. Utilizando tanto líneas curvas y fluidas que evocan movimiento y vida, como formas geométricas precisas que sugieren orden y estabilidad, logra una dualidad en la representación visual. Esta combinación permite una rica interpretación de las piezas, donde cada trazo y cada forma contribuyen a una asociación armónica.
La pertenencia en conjuntos es otro aspecto crucial del trabajo de Arnedo. Sus obras no se presentan de manera aislada, sino que forman parte de un todo cohesivo. Cada pieza es un fragmento de un diálogo mayor, una conversación visual que se desarrolla a lo largo de su evolución pictórica. Esta pertenencia a un conjunto no solo refuerza la narrativa curatorial de su constante propuesta, sino que también crea una experiencia inmersiva para el espectador, quien se ve envuelto en un viaje sensorial y emocional.
Una de las cualidades más destacadas de Cristina Arnedo como artista plástica es su capacidad para representar el vacío no como una ausencia, sino como una presencia cargada de significado perceptivo y, quizás, hasta espiritual. La propuesta artística de Cristina es una invitación a explorar la riqueza del diálogo cromático y formal, a sentir las emociones que emergen de cada trazo, y a reflexionar sobre la presencia del vacío y sus opuestos en el lienzo. Cada obra es una ventana a un universo de sensaciones y pensamientos, un testimonio del poder del arte para comunicar y transformar.
Al observar el trabajo de Cristina Arnedo, es inevitable pensar en Lygia Pape y notar la similitud en su lenguaje artístico, así como comprender que ambas se cuestionan artísticamente de manera similar. Sin duda, Cristina entiende el camino de Pape, ya que ambas comparten una profunda pasión hacia las formas orgánicas y geométricas. Estas artistas evocan experiencias sensoriales y plantean un diálogo táctil con el espectador;
un ejemplo de esto es la pieza de Pape de la serie “Weavings” (Untitled), exhibida en el MoMA. Arnedo utiliza líneas curvas y fluidas junto a formas geométricas precisas para crear una dualidad visual instintiva, mientras que Pape, desde su perspectiva neoconcreta, explora la interacción entre lo geométrico y lo intuitivo. Esta conexión curatorial destaca cómo ambas artistas trascienden lo puramente estético, invitando a una reflexión profunda sobre el espacio, la forma y la percepción sensorial en el arte contemporáneo.
En su declaración como artista, Cristina revela que la búsqueda, la exploración y la creación son las tres principales fuerzas que la llevan a indagar las infinitas posibilidades de la materia y su comportamiento en distintos soportes y medios. Su trabajo le permite expresar todas las partes físicas y sutiles que forman su ser interno, sentimientos, emociones, recuerdos y sensaciones, todo a través de líneas, formas, colores y texturas.
Su nuevo proyecto, que involucra tejido y lanas, propone una nueva perspectiva en el arte contemporáneo. El tejido es más que una técnica artesanal; es un vínculo profundo con la herencia cultural y una poderosa influencia social. Este proyecto celebra el tejido como un espacio donde las mujeres, a través de generaciones, han compartido no solo habilidades y conocimientos, sino también historias, sueños y experiencias de vida. En los sitios donde se realiza esta actividad, la charla se convierte en un acto creador, originando nuevas situaciones que fortalecen lazos comunitarios, espacios de
aprendizaje y apoyo mutuo, donde cada puntada es un testimonio de la colaboración y la solidaridad femenina.
A través del tejido, la lana cobra una nueva forma, resignificando el vacío que en ella había, retando a la soberbia y demostrando cómo el progreso es una realidad. Llevar esta artesanía a los soportes necesarios con la visión óptima del arte plástico evoca, sin duda, una declaración de la susceptibilidad del arte, que está en constante avance, creciendo y llenando espacios que antes, podría parecer, que carecían de sentido. El color de las lanas y las texturas de los tejidos juegan un papel crucial en esta experiencia, embelleciendo las piezas y evocando una variedad de experiencias sensitivas en el espectador.
Las obras de esta nueva colección destacan la riqueza del tejido como una forma de arte que trasciende lo visual para involucrar todos los sentidos. Cristina busca crear una experiencia inmersiva que honra la tradición del tejido y su impacto en la vida de las mujeres y sus comunidades.
Cristina Arnedo vive y
trabaja en la Ciudad de México. Ha cursado diversos estudios de pintura y técnicas extra pictóricas, incluyendo talleres de Pintura en Seda en la Academia de San Carlos y talleres continuos con maestros como Nunik Sauret y Jerónimo Vázquez Melo. Ha exhibido su trabajo de manera individual en lugares destacados como el Museo de Arte Moderno del Estado de México, el Museo Joaquín Arcadio Pagaza en Valle de Bravo y la Galería del Teatro del Estado Gral. Ignacio de la Llave en Xalapa, Veracruz. También ha participado en más de cuarenta exposiciones colectivas en espacios como el Museum of the Americas en Miami, el Centro Cultural del México Contemporáneo, la Broadway Gallery en Nueva York, el Museo de la Cancillería en México y la Agora Gallery NY, entre otros.
Cristina Arnedo es una de las artistas mexicanas mejor posicionadas actualmente para desafiar el arte y explorar las fuerzas necesarias que implica la experimentación pictórica, indagando las posibilidades que la materia ofrece. Arnedo propone un retorno a experiencias perceptivas, extrayendo la sensualidad innata de la naturaleza básica sobre la que se ha construido el arte. Su obra forma parte de la colección del Museo de Arte Moderno del Estado de México y de diversas colecciones particulares. Contemplar sus piezas es un privilegio para quienes tienen la oportunidad de hacerlo. EA
www.cristina-arnedo.com
@crisarnedoart
ARIOSTO RIVERA
MAESTRÍA Y SIMBOLISMO EN POPOTILLO
Ariosto Rivera es una firma artística mexicana fundada por Jesús Rivera y Joaquín Ariosto en 2017. Este dúo hunde sus raíces en la reinterpretación de la técnica ancestral del arte en popotillo, donde finas fibras vegetales teñidas con tintes naturales se colocan una a una sobre un lienzo preparado con cera de abeja, la cual las mantiene adheridas y ayuda a su óptima preservación. Cada fibra se corta en pequeños fragmentos que llegan a medir hasta 1 o 2 milímetros convirtiéndose en increíbles mosaicos de expresión figurativa.
Através de colores vibrantes y texturas inusuales, los artistas plasman figuras surreales, animales majestuosos y figuras del folclor mexicano. Sus obras son expresiones vívidas que entrelazan luz, movimiento y simbolismo, invitando al espectador a explorar un universo donde lo tradicional se fusiona con lo contemporáneo.
Ariosto Rivera encuentra su inspiración en aquello que va más allá de lo que la imagen muestra. El simbolismo es un elemento recurrente que trata de establecer un diálogo con el espectador, al cual invita a mirar con detenimiento y atención cada detalle de sus obras para descubrir lo que representa y lo que, en conjunto, quiere revelar como mensaje. Además, la misma técnica de popotillo invita a la observación profunda de cada milímetro de la obra, aludiendo a la complejidad y minuciosidad con la que ha sido creada cada pieza.
Las piezas se presentan a través de diferentes colecciones, cada una con un mensaje e intención específicos. Estas colecciones abordan temas como la dualidad, la evolución, el pensamiento onírico, así como el folclor y la cultura mexicana. Recurren a elementos significativos que dan vida y sentido al mensaje que los artistas desean transmitir al espectador.
La firma Ariosto Rivera ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas en numerosos espacios y recintos en México. Asimismo, ha exhibido su obra en países como
Francia, España y Argentina, donde ha recibido una recepción excepcional. Esta favorable acogida se debe a la singularidad de su técnica y a la maestría que Ariosto Rivera ha alcanzado en su manejo. Esto se refleja en el uso del color, las texturas y las formas, perfeccionadas a lo largo de 20 años de experiencia, lo que convierte sus obras en un arte que integra historia, cultura y contemporaneidad.
Sus piezas han sido adquiridas por coleccionistas de diferentes partes del mundo y su obra ha sido destacada en medios de comunicación como El Español, El Universal y la revista Forbes. En 2023 la dupla artística, decide abrir un espacio dedicado a este arte,
inaugurando una Galería de Autor cuya finalidad es continuar con la labor de dar a conocer su arte preservando una técnica endémica de México y llevándolo al nivel y calidad que tienen otras técnicas artísticas. Actualmente este espacio se encuentra ubicado en el Hotel Hilton México City Reforma, en el corazón de la Ciudad de México, en Avenida Juárez #70, colonia centro. En este lugar puedes conocer las diferentes colecciones y propuestas que los artistas han creado durante su trayectoria. EA
www.ariostorivera.mx
@ariostoriveraart
FRANCIS VILLARREAL
Horizontes Majestuosos: El Arte Fotográfico de Francis Villarreal
Francis Villarreal, nacida en Tampico, Tamaulipas, es una poeta de la luz y la sombra, una artista que traza con su lente los contornos invisibles de la existencia. Licenciada en Contaduría por el Instituto de Estudios Superiores de Tamaulipas, Villarreal encontró en la fotografía una vocación que ha seguido fielmente desde 1998.
Su mirada, siempre atenta y curiosa, la ha llevado a realizar 47 cursos fotográficos y de impresión en México, Estados Unidos y Londres, así como a emprender 17 viajes fotográficos a rincones tan diversos y mágicos como Japón, Myanmar, Cuba, Islandia, Namibia, Sri Lanka y Vietnam. En cada lugar, Villarreal ha capturado la esencia misma de sus paisajes y gentes, componiendo un mosaico visual que narra la riqueza y diversidad del mundo.
Las fotografías de Francis Villarreal son majestuosas. Mientras muchos fotógrafos contemporáneos se centran en los detalles, utilizando sus cámaras para transmitir circunstancias sociales o bellezas puntuales, Francis abre su mirada a horizontes enormes, los enaltece y te invita a observar la belleza lograda tanto por la naturaleza como por la mano del hombre. Una montaña, un río o un edificio, que quizás han sido vistos muchas veces desde una perspectiva ordinaria, cobran nueva vida bajo la lente de Villarreal. Ella tiene la capacidad de mostrar que estos elementos son mucho más que parte de la rutina diaria: son perfectas obras arquitectónicas y naturales, construidas a partir de miles de pequeños detalles que, en conjunto, forman una obra maestra. Francis logra glorificar terrenos, árboles, edificios, cielos, bicicletas, montañas, casas, entre otros.
El lente de Villarreal resuena con la perfección fotográfica de Sebastião Salgado, un periodista que durante 40 años ha logrado transmitir al mundo la delicadeza y belleza de paisajes vastos y majestuosos, como sus dunas, mares y montañas. No es hasta que contemplas una fotografía de Salgado que comprendes realmente la majestuosidad del planeta tierra, una sensación que también se experimenta con el talento de Francis Villarreal.
Su trayectoria está rodeada de reconocimientos que celebran su habilidad para inmortalizar momentos y emociones. Ha sido galardonada con el primer lugar en un curso de fotografía y exposición en Casa Lamm, y su serie “Devoción Guadalupana”
ha sido finalista en el IPA (International Photography Awards) y en Half the Sky-Street Photography for Women. Además, fue reconocida por su trayectoria fotográfica por la Fundación Abraxas en abril de 2024 y nuevamente finalista en el IPA con su serie “Veddah Tribe”.
Las exposiciones de Villarreal son viajes sensoriales que invitan al espectador a sumergirse en la poesía de sus imágenes. Destacan “Woman’s Mind ” en junio de 2018, sus presentaciones de libros fotográficos en Pocket Book, y la exposición “México en Una Imagen” en el Museo Soumaya en diciembre de 2022, entre otras. Sus obras han viajado por México y el extranjero, reflejando su incansable búsqueda de la belleza.
Las páginas de revistas y libros han sido testigos de su talento. Publicaciones como Yaocalli, Balance y Dragonfly, así como los libros “Myanmar” y “La Flor de la Vida”, han llevado su obra a un público más amplio. Cada imagen capturada por Villarreal refleja su pasión por la fotografía.
Desde temprana edad, Villarreal sintió la llamada de capturar las maravillas
de la naturaleza y hacerlas suyas. Para ella, la fotografía es una forma de vida, una terapia que la hace reflexionar. A través de su lente, descubre la grandiosidad del ser humano y la belleza divina que nos rodea, agradeciendo cada día por la capacidad de mirar y admirar el mundo con ojos siempre asombrados. En sus propias palabras, “Mi pasión por la fotografía nació desde la infancia, no dejaba de observar
las maravillas de la naturaleza y me encanta la idea de poder captar esas imágenes, hacerlas mías y llevármelas conmigo para siempre. A través de la fotografía dejo plasmada mi vida y mis sentimientos ya que así quisiera dejar huella en esta tierra.”
Francis Villarreal vive y trabaja en la Ciudad de México, donde continúa su exploración incansable del mundo a través de su cámara. Sus fotografías, presentes en diversas colecciones particulares, son testimonio de su sensibilidad, su arte y su dedicación a capturar la esencia misma de la vida. EA
www.francisvillarreal.com
@francisvillarreal_photo
Fb: francisvillarrealphotography
JOSÉ CACHO
EL ARTE DE LA DUALIDAD Y EL SIMBOLISMO
José Cacho es un artista multidisciplinario nacido en la Ciudad de México en 1959, cuya trayectoria abarca más de cuatro décadas de incansable creatividad. Con una participación destacada en más de 100 exposiciones y ferias de arte, su talento ha sido reconocido a nivel internacional. Galardonado con el Premio Especial del Jurado en la Primera Vitrina de Arte Contemporáneo de Florencia, su obra resuena en galerías y colecciones privadas de México, Estados Unidos, Europa y Asia. Las piezas de Cacho, impregnadas de su visión singular, tejen un diálogo entre el simbolismo y la realidad, reflejando la universalidad de su arte y el alcance de su legado.
Alo largo de su vida, José Cacho ha sido profundamente influenciado por mujeres ejemplares. Su obra reciente se adentra en una exploración de la humanidad, a través de una interpretación personal de la cosmogonía de la mujer. Estas figuras femeninas, portadoras de vida y misterio, se reivindican en su arte como fuentes de conocimiento y armonía. Cacho las celebra como perpetuadoras de la existencia, la sabiduría y el equilibrio, reflejando en cada pieza su homenaje a la esencia femenina que inspira y sostiene el mundo.
La composición y la integración de los elementos en cada obra están impregnadas de simbolismos: las imágenes resignificadas de
la mujer son el corazón de la obra. Los textos continuos, desprovistos de espacios y acentos, que presentan una alta dificultad de lectura, aluden a la enorme complejidad de la mente humana, desafiando al espectador a entrelazar la imagen con las palabras para realizar una interpretación individual y única de cada pieza.
Los mosaicos, inspirados en la técnica de Gustav Klimt y la estética de los azulejos portugueses que rodearon a José durante su infancia, representan la intrincada integración de pensamientos y emociones que conforman la realidad de cada individuo. En contraste, el otro lado de esta inevitable dualidad se manifiesta en las áreas pasivas, que evocan momentos de reflexión y tranquilidad necesarios para alcanzar el equilibrio en la existencia
cotidiana, resaltando la importancia de vivir y disfrutar el presente, el aquí y el ahora.
La enorme profundidad y transparencia son características fundamentales en su obra. El artista ha desarrollado e integrado diversas técnicas, como la aplicación de resina en múltiples capas, imágenes lenticulares, collage, transferencia, texto en relieve, carboncillo, tintas, medios acrílicos, pasteles, cristal y metales oxidados, entre otros. Con esto, ha
creado un lenguaje visual sofisticado y enigmático que captura la atención del espectador, invitándolo a interactuar con la obra desde todos los ángulos físicos y emocionales.
Esta variedad de técnicas hace que el receptor no solo perciba tanto un volumen como una textura exquisita y palpable, sino que además descubra que el objetivo último de Cacho es la experimentación, el camino, no el resultado. El resultado es solamente la consecuencia creativa.
El trabajo de José es la traducción visual a lo que la filosofía existencialista responde sobre lo “oculto” en nuestras vidas, el deseo imperante del ser humano de mostrar lo que va encontrando de sí mismo a lo largo de su existencia y cómo trabaja con ello. Por esta razón, Cacho desvela el detalle, lo artesano de la técnica dentro de soportes más industriales, resaltando la obviedad detrás de la dualidad que cada ser humano tiene que dominar en su vida.
En cada pieza se puede ver esa influencia artística del Art Nouveau bañada en raíces de Arte Bizantino, sacando a relucir una mano libre, contemporánea, colorida, ornamental, enérgica y misteriosa, que cuando el espectador la enfrenta un caos aparente da vida a lo extraordinario.
El arte de José Cacho es una celebración de la dualidad y complejidad de la existencia humana. Un recordatorio de la riqueza de la mente combinada con el espíritu a través de un lenguaje sofisticado y enigmático. Es un equilibrio emocional, una invitación a comprender el significado y la belleza en un mundo en constante cambio. EA
josecacho.com
@jose_cacho_art
Renato Dorfman
LA ESPIRITUALIDAD EN EL ARTE
Renato Dorfman, nacido en la Ciudad de México en 1971, es un alma moldeada en la confluencia de dos culturas: hijo de un padre estadounidense y una madre mexicana. Su infancia en Estados Unidos estuvo teñida de una soledad desgarradora, marcada por el dolor del racismo y el aislamiento, sombras que parecían ineludibles. A los 13 años, un accidente que detuvo su corazón por un tiempo prolongado se convertiría en un hito transformador en su existencia.
Este momento crucial lo impulsó a buscar un nuevo comienzo a tan joven edad, y así, a los 14 años, llevó a su familia de regreso a México. Después de luchar internamente con las secuelas del aislamiento de las grandes ciudades, el sol que bañaba las costas de Cancún, Quintana Roo, le ofreció a Renato no sólo un nuevo hogar, sino también un santuario espiritual, forjado por la magia y la grandeza de la naturaleza.
Con esta nueva esencia, este despertar espiritual, Dorfman toma su primer taller de cerámica bajo la tutela de Ariel Ortega. Este taller no sólo le muestra la posibilidad de crear, sino también le otorga el poder de comprender su propio lenguaje, un lenguaje en el que, con el paso de los años, encontraría la esencia y la belleza en el espíritu de la creación.
A partir de este momento, el maestro inicia un viaje lleno de posibilidades, y comprende cuán esencial es su amor por la naturaleza, la cual se convierte en el pilar fundamental de toda su carrera escultórica.
El aislamiento, entrelazado con una imaginación desbordante, despierta en Dorfman una sed insaciable por desarrollar un estilo único, donde la conexión con el mundo ancestral se torna imprescindible. Sus obras de gran formato se convierten en el lienzo perfecto para expresar aquello que su alma ha guardado en silencio durante tanto tiempo. La fusión de la exploración de los templos mayas y sus paisajes naturales le inspira a crear una técnica que resucita el arte del relieve escultórico. Así, en 1993, nace Novapiedra, un material similar a la piedra, que se convierte en el vehículo perfecto para su creación y el corazón palpitante de toda su carrera.
Con innumerables exposiciones en México, Estados Unidos, Suiza, Jamaica, España, Italia y Alemania, Renato no solo se ha sumado al muralismo mexicano con sus murales escultóricos, sino que también ha abrazado la importancia de crear obras públicas que todos puedan disfrutar y experimentar. Este enfoque visionario lo llevó a ganar la medalla de oro en la Primera Bienal de Arte Contemporáneo en Florencia, Italia. Su carrera de 38 años no es meramente un reflejo de su carácter inquieto y cuestionador, sino el legado de una mente brillante que danza en armonía con manos creativas, tejedoras de sueños y realidades. Sus últimos dos proyectos demuestran la magnificencia de su experiencia, con una clara influencia de la arquitectura escultórica de Gaudí. Bacalar, el Templo de la Madre Tierra, y Espacio Khunji se transforman en santuarios de inspiración
espiritual. A través de la creación de espacios escultóricos habitables y orgánicos, Renato convierte a la persona en un protagonista dentro de la obra, en lugar de un mero espectador. Estos espacios no solo invitan a la contemplación, sino que también permiten a los visitantes sumergirse en la esencia misma del arte, fusionando su ser con la magnificencia de la creación.
El trato del volumen apreciado en los relieves deja salir a la luz la influencia que el maestro tiene en la arquitectura neogótica, cómo ha sabido entender la repartición de los pesos dentro de una observación de punto áureos exactos sin dejar atrás la belleza. El uso de las curvas da unas ondulaciones casi perfectas que sin seguir un planeado patrón representan el ritmo de la naturaleza.
La arquitectura escultórica de Renato Dorfman busca imitar la vida natural para encontrar la verdad en las geometrías nativas; a través de la forma cuestiona el fondo, haciendo que ella misma dicte la función y no al revés. Con él el arte contemporáneo se muestra como la herramienta exacta para exhibir el mundo más elemental de una forma extraordinaria.
En su arte no hay soberbia, sino agradecimiento. Es comunicativo, y en muchos casos, sanador.
El trabajo de Renato entiende, a través de la imaginación, la obra maestra primaria, e invita a comprender la importancia de los ciclos. Sitios como Espacio Khunji en Valle de Bravo, Templo de la Madre Tierra Akalki en Bacalar, Parque Abraham Lincon en CDMX, Hoteles Bahía Príncipe Akumal en Coba, Ocho Ríos en Jamaica, Xcaret en Rivera Maya México, Hotel Crest Savonin en Suiza, Barceló, Iberostar, Meliá, etc., son algunas de las locaciones que albergan el legado escultórico y que es imprescindible visitar. EA
“Mi arte no sigue modas o tendencias, sino refleja y honra la vida a través del proceso creativo”. —
Renato Dorfman
renatodorfman.com.mx
@dorfmanrenato
ALEJANDRO PAZ Y LUISA DOVAL
La Revolución Visual de Ales x Luisa
Alejandro Paz y Luisa Doval, son dos artistas plásticos mexicanos con una propuesta exquisita imposible de encasillar.
En su mundo artístico, dos mentes igualmente constructivas, creativas, rebeldes, cuestionadoras, críticas y desenfrenadas intervienen en un soporte, generando una complicidad perfecta en la que es casi imposible discernir dónde comienza uno y termina el otro. Así, fusionan dos procesos creativos en una expresión que no solo funciona como un termómetro de la realidad social, sino que también evoca en el espectador una mezcla de sentimientos que resulta sencillamente extraordinaria.
Su trabajo es, sin duda, contemporáneo; sin embargo, encasillarlos dentro de una corriente particular es complicado. Resulta arriesgado definirlos como
artistas puramente urbanos, neoexpresionistas, callejeros, inclinados al neo pop o al bad painting. Ellos son una mezcla de su verdad, expresando lo que les place mientras pintan o construyen sus piezas. Lo más atractivo de su arte es la libertad que en él se percibe. En sus obras, la crítica puede ser tan protagonista como la sátira, el silencio, el amor o el abandono. Su fondo y forma poseen un lenguaje que genera una explosión de sensaciones y, posteriormente, de sentimientos en quienes lo admiran. Si nos ponemos más estrictos y apelamos a las “normas” académicas del arte, podríamos clasificarlos como un dúo de artistas enamorados del Street art que incorporan valores que van desde el arte más tradicional hasta el uso de materiales como la arena en técnicas mixtas o el grafiti. A primera vista, sus piezas pueden parecer insolentes, pero a medida que se observan, revelan un meticuloso cuidado del detalle que transporta al espectador a un estilo casi urbano, novedoso y revelador. La importancia de la forma y el ritmo en sus composiciones, junto con la sobrecarga de texturas perfectamente calculadas, obliga al público a regresar al lienzo después de la saturación visual inicial, descubriendo así una armonía oculta y atractiva. Cada pieza sigue un camino, un punto de exaltación, que mueve al observador más atrevido.
En muchas de sus obras, las palabras impulsan y rasgan las imágenes, cicatrizándolas al mismo tiempo. Su acervo artístico posee un contenido único de vocabulario visual donde la repetición de
ciertas imágenes denota la queja o el heroísmo social, abriendo la posibilidad de una realidad más tangible.
La creatividad, la formulación de la composición y el manejo de técnicas clásicas que posee Luisa Doval en sus piezas requieren de una minuciosa atención, combinada con una capacidad delicada para visualizar el lienzo terminado aun cuando está en blanco. Su pensamiento y trazo se funden de manera tan armónica que, al plasmarse, resultan perfectos.
El manejo del color, la voz final en la expresión del texto y el desgarro de las emociones, combinado con una impecable ejecución de esténciles realizados a mano, pensados y diseñados especialmente para cada pieza, son una maestría llevada a cabo por Alejandro Paz.
Sin embargo, ninguno está solo en el camino del otro. La idea es de ambos, se complementan, se critican, se
construyen y deconstruyen mientras crean cada una de sus obras de arte. La combinación de los dos artistas no solo resulta en una rica presentación visual, sino en una propuesta, una pelea y una reconciliación sobre la última pincelada o trazo.
Alex y Luisa consideran que el arte no es solo transmitir un sentimiento, sino una herramienta para mover a la gente; un registro del pueblo que refleja y reacciona ante realidades culturales evidentes, creando un sentido de identidad social. En su arte callejero, los símbolos y signos se mezclan perfectamente para traducir verdades incómodas, invitando al cuestionamiento a través de formas armónicas.
El grafiti, a menudo menospreciado en el campo del arte, es para ellos una herramienta casi musical que, cuando se utiliza con precisión, enaltece los significados implícitos de las siluetas bellamente acompañadas. El aerosol, a diferencia de otras técnicas, invoca reacciones, mueve, cuestiona y reactiva a un público que muchas veces teme enfrentarse a sí mismo y a su entorno.
Cada pieza creada por ellos busca un significado implícito, no existe por casualidad o por ella misma, es una mezcla de una realidad cínica con una poesía desnuda. Descobijan una subcultura que, tras bambalinas, es la cultura real que nos alimenta
hoy a través de sus marcas, donde héroes, antihéroes, apatía y despertar se entremezclan entre generaciones influenciadas por la inmediatez y la evolución digital.
Alejandro Paz y Luisa Doval son una combinación de aprendizaje y admiración, tanto en formas como en fondos, inspirados por artistas visuales y pensadores como Caravaggio, Joaquín Sorolla, Rafael Cauduro, Banksy, Kobra, PichiAvo, Vhils, Charles Bukowski, entre otros. Alex y Luisa son mentes inteligentes, ávidas de burla y cambio, que buscan mostrar lo que ocurre para que el espectador pueda entender su realidad, aquella que tal vez cree ajena, y, a partir de ahí, decidir si actuar o no. Son artistas que provocan sensaciones y emiten sentimientos, con un lenguaje propio.
Sus obras han tenido la fortuna de ser expuestas tanto en México como en el extranjero. Desde Nueva York hasta Madrid, sus piezas han recorrido galerías, ferias, casas de arte y colecciones particulares. En su última exposición de 2024, fueron galardonados con el premio “Mejor Exhibición Internacional” en la feria de Arte Spectrum Miami. El 2025 promete ser un año lleno de exposiciones, eventos, éxitos y crecimiento.
Para Alex y Luisa, el arte no los satura, aunque su plato esté lleno, no los priva o los vuelve repetitivos, sino que saca lo más auténtico de ellos. Para ellos su obra es una travesía, donde comunicar no es suficiente; ellos desean traspasar al espectador a través de todos los sentidos, invitándolo a reaccionar y a cuestionarse. EA
Redefiniendo el Arte Contemporáneo con Sueños y Fantasías
Hablar de Andrés Fernández es adentrarse en un cosmos donde la imaginación y la narrativa visual se entrelazan en un plano armonioso. Este artista plástico mexicano ha trascendido fronteras con sus obras, celebrando la fantasía y la emoción humana, conectando con públicos diversos en todo el mundo.
Desde niño, Andrés mostró un talento innato para plasmar su imaginación en creaciones llenas de color y simbolismo. Inspirado por el cómic, las leyendas y la moda, su obra es una fusión entre lo cotidiano y lo extraordinario, tejiendo un universo visual único y fascinante.
Su trabajo tiene una capacidad particular para transportarnos de la realidad común a un mundo de imaginación casi satírica, donde la realidad se descompone y se recompone en texturas y formas. Su obra es una ventana hacia un universo en el que el color cobra vida propia, actuando como el lenguaje de almas restauradas.
En el mundo de Andrés, las peculiaridades y características de cada persona no sólo se aceptan, sino que se celebran. Aquí, lo raro es lo común, el amor se convierte en una fuerza de pasión arrolladora y lo habitual no tiene cabida. Sus obras nos invitan a sumergirnos en un espacio donde todo es posible, donde los sueños y la ilusión toman las riendas y nos guían a través de narrativas visuales ricas y evocadoras.
La estética de sus figuras, las formas que toman sus trazos y el grosor de sus líneas no son casualidad. En ellas hay un reto a cuestionar si la belleza puede encontrarse en otros sitios que no sean solamente aquellos socialmente aceptados por el ojo público a través de la historia; y nos deja ver que la sensualidad de las formas se encuentra atrapado tanto en el volumen como en su capacidad de fraccionar los propios resultados originalmente concebidos para su trazo. Es decir, a través de sus cuerpos exageradamente voluminosos
o excesivamente delgados, a través de sus narices puntiagudas o bocas redimensionadas, Andrés hace crítica a los cánones de belleza históricamente aceptados sobrepasando la posibilidad de la plástica original.
Es intuitivo y admirable su gran capacidad de relación, entendimiento y reformulación de la estética propuesta por Fernando Botero en cuanto al porqué de su trabajo.
Con lo anteriormente planteado, Fernández nos lleva a cuestionar y replantear nuestra percepción de la realidad, invitándonos a explorar nuevas formas de ver el mundo y a nosotros mismos. Su obra es un refugio para el alma, un lugar donde encontrar belleza en lo inusual y redescubrir la magia en lo cotidiano.
En su colección más reciente, Dreams: Sueño con ser tu sueño (2024), Andrés redefine el acto de soñar como un viaje continuo hacia nuestros deseos más profundos. Sus personajes viajan en monociclos surrealistas y globos barrocos a través de paisajes que cada espectador completa con su propia imaginación. En palabras de Andrés: “En Dreams, sueño que todos vivimos a color, acompañados y llenos de flores.”
Por otro lado, su colección Gente DeMente explora las profundidades de la mente humana, presentando personajes extraordinarios que habitan en nuestro inconsciente. Estas figuras “extra-narigones”, “multi-sensoriales” y “obsesivo-fashionistas” mueven los hilos de nuestras emociones como si fueran viajeros en un juego constante. Con humor y sensibilidad, Andrés nos invita a reflexionar sobre expresiones como “maripositas en el estómago” o “castillos en el aire”, reimaginando lo cotidiano como una travesura de nuestra mente.
Con más de 180 exposiciones en París, Nueva York y Madrid, la obra de Fernández ha sido aclamada por su capacidad de fusionar lo folklórico con lo contemporáneo. Su incursión en el arte-objeto, a través de Corazonadas México, lo llevó a colaborar con marcas como Louis Vuitton y Chanel, posicionando su arte en un contexto global. Su marca, fundada en 2008 bajo la dirección de Jorge Mendoza Alatorre, ha logrado llegar a más de 100 tiendas en México y a mercados internacionales, como España y Estados Unidos. Forbes lo reconoció como uno de los “100 mexicanos más creativos en el mundo”.
Además de su labor artística, Andrés imparte cátedras en México y España, y dirige talleres en instituciones como
el Museo de Arte e Historia de Guanajuato. Su trabajo inspira a nuevas generaciones a explorar su creatividad y encontrar su voz en el arte. Con planes de exponer en Buenos Aires en 2025 y su participación en subastas y eventos artísticos, Andrés Fernández sigue consolidando su legado como un ícono del arte contemporáneo. Sus colecciones no solo celebran la imaginación, sino que nos recuerdan que los sueños son el motor que nos impulsa a explorar y crear. EA
“No se trata solo de crear arte; se trata de invitar a soñar.” — Andrés Fernández
En el crisol del arte contemporáneo, Diego de Erice emerge como un artista visual cuya obra trasciende las fronteras del lienzo, el bronce y el acero, invitando a un diálogo introspectivo y emocional. Nacido el 9 de agosto de 1986, Diego es un pintor abstracto y escultor figurativo que ha dejado una huella indeleble en el panorama del arte, tanto en México como a nivel internacional. Su viaje artístico comenzó desde temprana edad, encontrando en la pintura una pasión espontánea y autodidacta que lo llevó a experimentar y perfeccionar diversas técnicas, situándose rápidamente en un lugar privilegiado dentro del mercado y la exhibición del arte.
Diego de Erice es, en esencia, un maestro de la forma, utilizando su habilidad para transmitir una vasta gama de sentimientos a través de sus obras. Aunque sus piezas sean abstractas, no solo provocan emociones, sino que, en la mayoría de los casos, crean lenguajes perfectos incluso en su monocromatismo. Sus obras revelan la verdad de sus discursos más íntimos y son una invitación a la introspección personal, confrontando la realidad que cada persona lleva consigo. Su trabajo, impregnado de un expresionismo abstracto vibrante, actúa como un espejo en el que el espectador puede conocerse, entenderse y aceptarse, abriendo la puerta a la posibilidad de una libertad personal.
UN VIAJE A TRAVÉS DE EXPOSICIONES
Y RECONOCIMIENTOS.
Las exposiciones individuales de Diego de Erice son testimonio de su evolución artística y su capacidad para conectar con el público. Desde su primera gran muestra en el Monumento a la Revolución en Ciudad de México en noviembre de 2022, pasando por exposiciones en Core 31, Centro Asturiano, Caja Negra, Galería Baga, entre otras; hasta su participación en eventos de alto perfil como el aniversario de la ONU y su magnífica propuesta en el Senado, cada exposición ha sido un paso más en su camino hacia la maestría.
En exposiciones colectivas, su presencia ha sido igualmente significativa. Diego ha exhibido en lugares emblemáticos como BADA en Campo Marte CDMX, donde ha conseguido “sold out” dos años consecutivos. También ha participado en la Expo Frontera con Lienzo Galería en Tijuana, en World Trade Center Arte Capital, como embajador de la feria, Xponarte, Val’quirico, Museo de la Autonomía,etc. Su talento también ha cruzado fronteras, llevándolo a exponer en el GCO Colectivo Puerto Banús en Málaga, España, en los
Premios Carey en Sevilla, y en eventos como ArtExpo NY y Miami Spectrum Fair. Estas experiencias internacionales han ampliado su visión y enriquecido su lenguaje visual de una manera notable.
Un aspecto destacable de su carrera es la huella imborrable que deja en los escenarios de arte plástico a nivel internacional. En los Premios Carey, recibió el galardón como mejor artista plástico 2023 en la categoría de pintor, al lado del maestro Salvador Jaramillo, un escultor excepcional.
En Nueva York, Diego se destacó con una de las propuestas artísticas más innovadoras del año 2024, haciéndose acreedor del premio a la Mejor Curaduría de la feria, entre más de 500 expositores. Además, logró vender todas sus obras, alcanzando un “sold out” en este prestigioso espacio.
En la feria Spectrum Miami 2024, su obra no solo se vendió, de nuevo, por completo, sino que también capturó la atención de medios y asistentes.
Su pieza “No Comedian”, una sátira de la famosa obra “Comedian” de Mauricio Cattelan, se destacó como una de las más comentadas, inteligentes y con mayor impacto visual de la feria.
Diego es un alma inquieta, ávida de probarlo todo, de experimentar exposiciones individuales, colectivas, nacionales, internacionales, hacer conexión con sus públicos, crear amistad con sus compradores, coleccionar premios que respalden su trabajo y experiencias que ayuden a visualizar sus piezas en diferentes posibles escenarios. Solamente en lo que abarca los años 2023 y 2024 De Erice participó en Atocha Live Painting Madrid, creó un mural para el Teletón en el CRIT Guerrero, participó en la clausura del Festival de Música “Vive Latino” y dejó su huella en AutoArt Live Painting en Puebla. Siempre está buscando vivir nuevas formas de conectar con sus espectadores, pero sobre todo de comunicar su mensaje.
Con más de 250 piezas pictóricas vendidas y 150 esculturas que ya descansan en recintos de sus compradores, Diego de Erice se consolida como una de las promesas más brillantes del arte contemporáneo.
LA FILOSOFÍA DEL ARTISTA.
En cada trazo y pincelada, Diego despliega un universo de emociones y reflexiones, convirtiendo cada evento en un eco perpetuo de su visión artística. Su arte, cual torrente impetuosa, navega por el alma de quienes lo contemplan, provocando un impacto duradero que resuena en la memoria colectiva. Así, Diego no solo crea, sino que también transforma, evocando en su público un anhelo profundo de introspección y cambio, mismo que él ya ha experimentado.
De Erice no busca enseñar, no busca ser profesor del espíritu del espectador, sino que está enfrascado en una misión de poder interior donde tan solo muestra aquello que ha logrado descifrar. En sus lienzos los colores dejan de ser colores vivos y los cobres, lo negros y los blancos son simplemente manejos de luces y sombras que se traducen como reflexiones de la propia luz y obscuridad
con la que el hombre carga en su eterna cotidianeidad. En las esculturas de Diego la sátira es un vocabulario de reto, autosuperación y continuidad.
Para Diego de Erice, el arte es la forma más honesta de comunicar sus sentimientos y su comprensión de la realidad. Es el lugar donde puede acomodar a las personas y situaciones que lo definen y reinventarse continuamente. Su manera de jugar con los materiales surge de un impulso implacable de gritar una sensación o sentimiento, donde las preguntas claves le ayudan a asignar un lugar perfecto a los colores, las formas y los trazos para conectar consigo mismo y con el espectador.
Las colecciones “No Words”, “No Light”, “Balloons”, “Equinox”, “Time”, “Hearts under Construction” y “New Beginning”, son un reflejo de su capacidad para manejar materiales, soportes y emociones, todo en un mismo plano. Cada colección es una narración en sí misma, un viaje a través de las ideas y los sentimientos que le ayudan a conectar con todo aquel dispuesto a escuchar.
El proyecto artístico de Diego es uno valiente, feroz, intrépido y vivaz.
THE NO BUNNY PROJECT: EL PRÓXIMO GRAN FENÓMENO.
Entre sus proyectos más destacados, “The No Bunny Project” brilla con luz propia. Esta serie escultórica es una exploración de la identidad y la existencia, plasmada en un personaje cínico, divertido, artístico y existencialista. La figura es una alegoría de la libertad y la autenticidad, un ser que se niega a ser encasillado por las normas sociales y que desafía al espectador a cuestionar su propia existencia. No Bunny surge del juego de palabras con “Nobody” para explorar las infinitas posibilidades de ser cuando dejamos de lado la rutina y la costumbre.
Diego de Erice, a través de esta escultura, nos invita a vivir en un estado neutro, donde somos libres para explorar y jugar con las infinitas oportunidades de la existencia. El blanco inicial sobre el que están hechas las piezas simboliza esos lienzos vírgenes que están preparados para cualquier reto, ayudando al artista a conocerse a sí mismo. De esta manera, se propone el objetivo de partir de ser “Nobody” para convertirse en “Somebody”. Las diferentes situaciones que No Bunny experimenta buscan cuestionar al espectador sobre momentos incómodos, como ¿quién soy?, ¿qué hago aquí?, ¿qué deseo?, ¿cuáles son mis claridades y cuáles son mis
oscuridades? Esta escultura es, sin duda, un ser valiente, una filosofía de vida, una materialización de una posibilidad del ser.
Diego tiene una razón regeneradora como artista plástico, buscando resignificar las palabras y acciones con las que nos hablamos día a día. Esta obra de arte no solo busca recontextualizar las palabras, sino también las acciones, atreviéndose a existir bajo sus propias ideas y no bajo conceptos socialmente establecidos. No Bunny es “nobody”, “somebody”, “everybody”. Es arte, eres tú y soy yo.
UN PRESENTE PERFECTO CON UN FUTURO BRILLANTE.
Actualmente, la propuesta artística de Diego de Erice está posicionada en uno de los nichos más destacados del arte contemporáneo. Incontables colegas, directores de ferias, galeristas, curadores y críticos de arte han dado opiniones positivas respecto a su trabajo, incluso muchos han decidido trabajar de la mano con él, entre los que destacan Avelina Lésper, Eric Smith, Ana Spinetto, Alfredo Sánchez, Linda Mariano, etc.
Su obra se exhibe en galerías tanto nacionales como internacionales, destacándose Galería Baga 06, Art Love Gallery en Massachusetts, Galleria Fine Arts en Nueva York, y Galería Azur en Nueva York y Madrid. Además, sus piezas están presentes en las galerías online de RedWood Art Group y Arte Capital en Estados Unidos y México, respectivamente. Importantes marcas como Grupo Herdez, Sanimex y Kia también han unido esfuerzos con Diego para construir una estructura comunicacional más sólida a través de su arte plástico.
El 2025 se perfila como un año lleno de exposiciones, eventos, éxitos y crecimiento. “The No Bunny Project” se ha catalogado como un “nuevo aire” en el panorama del arte contemporáneo, y a un año de su lanzamiento, ya existe una
de Casa Milán como el Museo de Pintores Oaxaqueños (MUPO) abrirán sus puertas para él en abril del presente año.
Diego no solo es un artista; es un narrador de verdades, un creador de realidades y un provocador de emociones. Su obra nos invita a cuestionar, a sentir y a actuar. Cada pieza es una ventana a su mundo, un universo donde la libertad y la autenticidad son las protagonistas. Diego de Erice nos recuerda que el arte no es solo una forma de comunicación, sino una forma de existencia, una forma de ser. EA
lista de espera para adquirir una pieza de esta magnífica propuesta. Hasta ahora, la escultura se ha presentado en resina y acero, pero se espera una nueva gama cromática, bronces y nuevas figuras que ya están en proceso.
Es de suma importancia resaltar que para experimentar en persona la obra de un artista tan destacado, sedes como BADA durante esta semana de arte, y tanto la galería
IVÁN MADRIGAL
UN ARTE ENTRE LO ABSTRACTO Y LO LÚDICO
Iván Madrigal, escultor y pintor impresionista de arte abstracto, comenzó su viaje artístico desde muy joven, cuando imaginaba e idealizaba un mundo que, a medida que crecía, percibía cada vez más lleno de contradicciones. Estas contradicciones lo dejaron incompleto, siempre buscando respuestas. Aunque mostró habilidades artísticas desde su niñez, no fue hasta cursar la carrera de arquitectura que Iván redescubrió con anhelo el arte como su esencia, enfrentándose a un mundo cargado de creencias limitantes.
ESPECIAL ARTE
Madrigal explora el arte con una perspectiva curiosa e irreverente, buscando criticar el ego que nos aparta de la verdad fundamental de la vida, el amor. Para lograr este ejercicio construye un cauteloso entorno en sus piezas donde un elemento clave es el juguete de Playmobil, que no solo fue su favorito en la infancia, sino que ha trascendido hasta su adultez como un objeto cargado de
significado. Este juguete se convierte en un símbolo divertido y audaz, representando la sustitución del ego por la auténtica esencia del ser.
La estética de Iván es inconfundible. Sus lienzos, con colores vibrantes, logran un equilibrio delicado en el cual algunas áreas presentan una textura suave y dócil, mientras que otras se destacan por su saturación y marcación. Este contraste está diseñado para desafiar al espectador, creando una interacción dinámica entre la forma y la técnica que invita a cuestionar y reflexionar.
Las obras del maestro no se comprenden de inmediato; en ellas existe un proceso de maduración para el público que resulta muy interesante. Al principio, el espectador es cautivado por una explosión de color y textura que lo sumerge en un mundo lúdico, casi como si fuera un juguete, una pieza cómica. Pero, a medida que la vista comienza a involucrar todos los sentidos para apreciar la obra, se revela que la técnica posee un impresionismo marcado y minucioso. El trabajo es elaborado, y la forma densa evoca un mundo satírico de
realidades que cuestionan la verdad tanto del observador como del propio artista.
También resulta obligado resaltar el estricto manejo de la luz. Iván Madrigal entiende y domina la importancia de comprender que en el arte impresionista la luz es aquella que diluye las formas imprecisas de la pincelada, que, a través de no definir los objetos, provoca las impresiones visuales. Es de esta forma que piezas como “Where´s Monet”, “Lotos” y “Palas Atenea” son ejemplos perfectos de esta maestra ejecución.
A través de la técnica de la espátula, Madrigal fusiona elementos de arte clásico con su simbología lúdica, creando connotaciones complejas y particulares. El resultado estético captura la esencia y filosofía de vida de Iván, en la que las dualidades y elementos abstractos se mezclan con componentes concretos, revelando la realidad como un contraste de contextos que a menudo ocultan la verdadera naturaleza del ser. Su perspectiva crítica emana de una búsqueda constante de la felicidad, y en su trabajo espontáneo e irreverente se encuentran los valores que definen su obra: el autodescubrimiento, la crítica a las falsas creencias que nos apartan de la felicidad, la exaltación del ser y el gozo que produce el amor.
La obra de Iván Madrigal nos invita a despojarnos de prejuicios y falsas creencias, a encontrar dicha y gozo en nuestra realidad tanto individual como colectiva. Sus trazos y el desorden aparente de colores en su obra enriquecen su visión de la estética, que día a día se reafirma sin juicio ni etiquetas, sin lo bueno ni lo malo, simplemente siendo. EA
“ No me acobardo de mi postura, pues es esta la que realmente me guía más allá de la razón, más allá del plano mental. En definitiva, me hace sentir bien y en armonía, pues ésta es certeza, y la certeza siempre es y será verdad en el universo.”
— Iván Madrigal
CONTACTO
www.ivanmadrigal.com
@ivanmadrigal_pintor
ivanmadrigalpintor@ gmail.com
JOSUÉ ABRAHAM CORNEJO Un Arte
de Sensaciones
Josué Abraham Cornejo, es un artista plástico nacido en 1977 en la Ciudad de México, cuya vida y obra están marcadas por la riqueza de experiencias y la fusión de culturas. A los 6 años, se trasladó a California, Estados Unidos, donde el choque cultural estimuló su creatividad y le permitió desarrollar una visión única del arte. A los 40 años, toda esta mezcla de influencias emergió con fuerza, sirviéndole como medio para canalizar sus emociones en piezas altamente controversiales, y por ello, selectas.
Su trabajo ha causado un impacto significativo, convirtiéndose en un parteaguas para nuevas generaciones de artistas que se inspiran en su capacidad de canalizar emociones agudas en arte visual impactante. Su obra ha capturado la atención de empresarios, políticos y personalidades del deporte; y su propuesta ha sido aclamada tanto en México como en Europa. Ha conquistado importantes ferias de arte en Austria, París, Londres, Madrid e Ibiza, destacándose por su estilo inigualable.
Josué es un artista postmoderno que, aunque está fuertemente influenciado por el arte pop, urbano y, quizás, hasta conceptual, inyecta una reinterpretación
única de la realidad en cada una de sus piezas. No busca transformar la ética o la estética establecidas históricamente, ni alterar la vida cotidiana, su objetivo principal es expresar la esencia del arte por el arte mismo.
La repetición de una misma imagen en diferentes lienzos, con variaciones en el lenguaje corporal pero manteniendo la misma apariencia, destaca notablemente la habilidad de Cornejo, como artista postmoderno, para casi despojar a la imagen de su sentido original. Esto permite resaltar con mayor intensidad sus características artísticas, logrando un movimiento más potente de emociones en el espectador.
Josué rechaza lo abstracto decantándose por referencias iconográficas, a veces fragmentadas, que mezcla con imágenes que hacen alusión a la producción en masa, la publicidad, el comic, el grafiti y el collage. No hay en ellas un fin didáctico o una conciencia social, sino un lenguaje de emociones, un vehiculo para mostrar la realidad cultural que hoy se experimenta.
La influencia neoexpresionista, superflat, neo-pop y de bad painting que se puede encontrar en su trabajo son una transparente declaración a comprender que Josué Cornejo no está casado con un estilo y no tiene miedo a la experimentación. En sus lienzos la admiración por Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Jeff Koons, Julian Schnabel, Cy Twombly y Takashi Murakami es palpable.
Una de sus obras más emblemáticas es su interpretación de Frida Kahlo, vista desde su perspectiva más auténtica. Recientemente, colaboró con Playboy México, diseñando una edición limitada para la revista. Su espontaneidad y propuesta artística también lo llevaron a trabajar con Banco Banorte en la intervención de obstáculos para el torneo internacional de Longines Global Champions Tour.
La propuesta más sincera de Josué es expresar el arte por este mismo. Sus obras están llenas de detalles, colores vibrantes y frases evocadoras, haciendo de cada pieza una delicia visual que cautiva las miradas y las sensaciones de quienes las observan. Cornejo ha plasmado sus visiones artísticas en retratos o recontextualizaciones de celebridades como Diego Armando Maradona, Memo Ochoa, André-Pierre Gignac, Carlos Peralta, Samuel García, etc.
Una de sus colecciones más destacadas es “Mexican Icons”, donde no solo capturan la esencia de las personalidades ahí representadas, sino que con la incorporación de elementos externos crea piezas de personalidad única. Josué ha expuesto en galerías emblemáticas, donde se reconoce y admira la capacidad que tiene para canalizar sus emociones en el lienzo, es una fuente de inspiración para el público.
Sin duda, Josué Cornejo cautiva al mundo con su arte, invitándonos a degustar cada detalle de sus creaciones y a reflexionar sobre la verdadera esencia del arte mismo. EA
CONTACTO @artebyjosue
MARIELY VALENZUELA
TEXTURAS DEL ALMA: EL ARTE DE MARIELY
VALENZUELA
En el vasto y enigmático mundo del arte contemporáneo, surge la figura de Mariely Valenzuela, una artista plástica cuya búsqueda de sentido se manifiesta en cada pincelada. Las creaciones de Valenzuela nacen de un profundo llamado interior, un deseo insaciable de explorar y revelar la esencia de la existencia humana.
ESPECIAL ARTE
Mariely emplea una técnica mixta que integra óleo, acrílico, pasteles, carbones, cera e hilos, aplicados sobre lienzos, papeles y bordados. Sus obras crean entornos abstractos, casi caóticos, donde se entrelazan símbolos y figuras que invitan al espectador a sumergirse en un viaje introspectivo. En este laberinto de texturas y colores, cada obra se convierte en un mosaico de expresión, explorando las múltiples facetas del ser humano y revelando la complejidad de nuestras identidades. El trabajo de Valenzuela es un espejo en el que tanto el espectador como la artista pueden cuestionarse y reflexionar sobre diversos conceptos de la existencia. Sus piezas, concebidas como fragmentos de un todo, hablan de la dualidad humana: la libertad y la responsabilidad inherentes a nuestras decisiones, la construcción del presente y el futuro, y la capacidad de cambiar de dirección cuando es necesario. Esta dualidad se refleja en la manera en que utiliza materiales y técnicas, combinando lo tradicional con lo contemporáneo.
La aparente simplicidad en su trazo, la abundancia de líneas, puntos, figuras geométricas y el delineado básico de la silueta humana evocan un arte intuitivo y sugestivo. Este enfoque utiliza formas transparentes y esenciales para crear un fondo que habla el
mismo lenguaje visual. Existe una notable congruencia entre ambos medios de expresión, buscando una regresión intencional a los orígenes de la concepción y construcción humana. Es innegable que la corriente primitivista influye en sus lienzos.
La esencia de su propuesta artística está llena de preguntas desafiantes. Mariely juega con la perspectiva de las figuras, creando una sensación de elevación que nos invita a aspirar a la mejora continua, al ascenso y la superación. Los hilos que borda en sus obras son caminos que conectan puntos dispersos en nuestra existencia, simbolizando las conexiones y relaciones que dan sentido a nuestras vidas. Cada hilo es una línea de pensamiento, un vínculo que une el pasado con el presente y el futuro.
A través de su lenguaje visual, Mariely Valenzuela nos lleva a explorar los terrenos del desarrollo humano, la capacidad de superación y las infinitas posibilidades de la existencia. Su obra es un canto poético a la reflexión, una ventana a la complejidad y la belleza del ser humano, siempre en busca de sentido, siempre en movimiento. En cada una de sus piezas, Valenzuela captura la esencia de la condición humana, con todas sus contradicciones y maravillas.
La técnica mixta que utiliza le permite crear obras ricas en texturas y matices, donde cada elemento tiene un propósito y una razón de ser. El óleo y el acrílico aportan profundidad y luminosidad, mientras que los pasteles y los
carbones añaden suavidad y contraste. La cera actúa como un agente unificador, mientras que los hilos bordados trazan caminos y conexiones, tejiendo historias y significados en cada pieza.
El trabajo de Mariely no solo es visualmente impactante, sino que también evoca una profunda resonancia emocional. En cada obra, la artista nos invita a cuestionar nuestra propia existencia, a reflexionar sobre nuestras decisiones y a considerar las infinitas posibilidades que se abren ante nosotros. Nos recuerda que somos seres complejos y multifacéticos, capaces de crear y transformar nuestras vidas, para bien o para mal.
El arte de Valenzuela es, en esencia, una búsqueda de la verdad interior. Trae a
juego las condiciones necesarias para que el ser humano encuentre su verdadera naturaleza. Sus piezas nos desafían a mirar más allá de la superficie, a explorar las profundidades de nuestra alma y a descubrir lo que realmente importa. Es una artista que entiende el poder del arte como herramienta de transformación.
Mariely Valenzuela busca trascender lo meramente estético. Sus obras son elegías visuales que capturan la complejidad y la belleza del ser humano. EA
www.marielyvalenzuela.com @valenzuelamariely
FRANCESCA DALLA BENETTA
La Identidad y la Transformación a través de la Escultura
Francesca Dalla Benetta, escultora italiana radicada en México desde 2006, ha logrado plasmar en sus obras una fusión única entre lo clásico y lo surrealista. Graduada en Artes Plásticas por la Academia de Artes de Milán en 2003, su carrera despegó en la industria cinematográfica, trabajando en proyectos de renombre como “Apocalypto” de Mel Gibson. Esta experiencia marcó un punto de inflexión en su vida, llevándola a establecerse en México, un país cuya rica cultura surrealista ha influido profundamente en su obra. Desde 2012, Francesca ha centrado su energía creativa en proyectos personales, explorando temáticas universales desde una perspectiva única.
El trabajo de Francesca se distingue por sus anatomías y formas mixtas, donde rostros y cuerpos humanos se fusionan con texturas, pieles y elementos inesperados para dar vida a seres híbridos. Su estética combina un equilibrio entre lo clásico y lo surrealista, abordando temas como la transformación, el sentido de pertenencia, la autopercepción y la capacidad de adaptación. A través de sus obras, desafía las barreras entre la percepción y la realidad, cuestionando estereotipos, convenciones sociales y la delgada línea que separa la cordura de la locura. Sus personajes, atrapados en dimensiones íntimas e irreales, invitan al espectador a reflexionar sobre las múltiples facetas de la identidad humana.
Para Francesca, la escultura es más que una forma de expresión artística: es una afirmación de solidez frente a la volatilidad de pensamientos y emociones. Sus piezas cristalizan ideas y sentimientos en formas permanentes, actuando como anclas para enfrentar la duda y reafirmar la realidad. “Mis figuras son una mirada hacia el interior, una forma de contener lo incontenible”, explica. Al observar sus piezas, es inevitable encontrar similitudes en el fondo con los trabajos de David Lynch y Jacek Yerka. Aunque sus estéticas sean completamente distintas dentro del mismo neosurrealismo, todos ellos manejan un lenguaje propio y único en cuanto al mensaje que buscan transmitir. Francesca da vida al proceso
lacaniano de emplear el surrealismo y lo onírico para profundizar en la comprensión psicoanalítica, explorando la relación entre los sueños, el inconsciente y la estructura del lenguaje.
El trabajo de Francesca ofrece una experiencia única para el espectador, un proceso. Observar sus esculturas es absorber sus colores, texturas y formas, encontrando en ellas sensaciones de energía, frío, aspereza, incluso tripofobia, entre otras. Estas obras transportan al observador a sentimientos de tranquilidad, ternura, enojo, amor, etc., que se convierten en recuerdos, cuestionamientos o ideas. Inequívocamente, estas emociones conectan con sueños, experiencias o aspiraciones que nos invitan a aprender sobre nosotros mismos y los demás. El arte de Francesca es un viaje introspectivo que explora aquello que carece de obviedad, convirtiéndose en algo excéntrico y exquisito.
A lo largo de su carrera, ha realizado más de 25 exposiciones individuales, destacando su participación en instituciones de prestigio como el Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí, el Museo Metropolitano de Monterrey, el Museo de Arte Contemporáneo de Tampico, la Fundación Sebastián, y la Galería Oscar Roman. Asimismo, ha participado en exhibiciones internacionales como The Nude (Múnich), Spring Forward (Nueva York), Imperfecta (Oregón), Apocryphu (Lisboa) y Layered (Chicago), consolidándose como una artista de alcance global.
Su obra ha sido reseñada en publicaciones especializadas como Horizontum, La Razón, Milenio Diario, Excélsior y Distrito Global. También ha sido presentada en programas culturales de radio y televisión como Canal 22, Canal Once y Milenio TV. Actualmente, se encuentra en proceso de publicar su libro “El rostro oculto”, bajo el auspicio del Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí, con una introducción de la reconocida crítica Avelina Lésper. Francesca también ha diseñado piezas emblemáticas como el premio “Mujeres que Inspiran Mujeres 2023”, otorgado por Excélsior. Su trabajo forma parte de destacadas colecciones, incluyendo la Colección Milenio y el
programa Pago en Especie de Hacienda y Crédito Público, además de estar presente en más de 20 países alrededor del mundo. En un universo artístico donde lo humano se entremezcla con lo fantástico, Francesca Dalla Benetta no solo crea esculturas, sino también relatos visuales que conectan al espectador con lo más profundo de su ser. Su obra es un reflejo de la capacidad humana para transformar, adaptarse y trascender los límites de la realidad. EA
www.francescadallabenetta.com
@fdb_artist
EMMANUEL MENESES
METAMORFOSIS DEL TIEMPO: UN CAMINO DE CREATIVIDAD
Hablar de Emmanuel Meneses es adentrarse en un universo donde la vida cotidiana se transforma en un vibrante caleidoscopio de texturas y colores. Este artista plástico, tras una vasta trayectoria en diversas industrias, encontró en el arte un lenguaje auténtico para expresar su singular visión del mundo. Emmanuel, originalmente formado en Administración de Empresas, trabajó en múltiples sectores antes de darse cuenta de que su verdadera pasión residía en el arte. En agosto de 2016, justo antes de cumplir 40 años, decidió abandonar su carrera empresarial para dedicarse por completo al arte, buscando un equilibrio entre su vida personal y su expresión creativa.
de 2020, comenzó a experimentar con encapsulados de mayor detalle y calidad, reflejando sus propias experiencias de vida de una manera alegre y colorida. En febrero de 2021, presentó su primera colección, “Tic, toc… This is not a bomb”, en una feria de decoración en el WTC de la CDMX, con gran éxito. La pieza icónica de esta colección, la “bomba de tiempo”, se convirtió en un recordatorio sobre la importancia de valorar el tiempo y enfocarse en lo que realmente importa.
En enero de 2017, tras seis meses de ensayo y error, Emmanuel presentó su primera obra: una mesa de parota, encapsulada en resina, bajo el nombre de “Fósil de Huanacaxtle by EXCÉNTRICO”. Este debut marcó el inicio de numerosos proyectos y el reconocimiento del gremio mueblero tanto a nivel nacional como internacional. Durante cuatro años, EXCÉNTRICO se exhibió en las mejores ferias de muebles y decoración a nivel mundial, así como en múltiples artículos editoriales.
A pesar del éxito inicial, Emmanuel sentía que sus obras necesitaban transmitir un mensaje más profundo, aquello que él tenía tanta premura por decir, un mensaje de existencia. Así fue como durante la pandemia
La propuesta artística de Emmanuel Meneses tiene la peculiaridad de encerrar toda clase de objetos dentro de cubos de resina, y aunque artistas plásticos como Joseph Cornell ya han incursionado en estas formas, la manera en la que Meneses lo ejecuta es un claro y novedoso lenguaje que enlaza preservación de memoria, control, identidad, catarsis, y estética. Aquí el Principio de la Realidad vs el Principio del Placer que postula Sigmund Freud, cobra tangibilidad demostrando que es posible reconciliar ambos principios a través de mantener el control delimitando del objeto (principio de la realidad) mientras se satisface la necesidad de preservar el recuerdo significativo (principio del placer). Por ello, las obras de Emmanuel no solamente se acoplan al ojo humano a través de llamativos colores o formas, sino que responden, de manera inmediata, a necesidades y cuestionamientos psicoanalíticos siempre presentes en el inconsciente humano.
La saturación y contraste de colores de los objetos encapsulados transmiten una sensación de movimiento y dinamismo que además de
llamar la atención del espectador generan en él una sensación de energía y actividad que se vuelve el principio activo para comprender el fondo detrás de la pieza.
El trabajo de Emmanuel Meneses convierte en tangible las reflexiones filosóficas y da forma a pensamientos y cuestionamientos históricos. Un ejemplo de esto son las declaraciones estoicas de Séneca, quien en tiempos romanos escribió en sus “Cartas a Lucilio” sobre la administración del tiempo y la importancia de vivir una vida significativa, haciendo alusión al “Memento Mori” (el recordatorio de que algún día morirás). Este concepto busca crear conciencia sobre cómo deberíamos vivir, teniendo en cuenta nuestra mortalidad.
De esta forma, las esculturas de bombas de tiempo de Emmanuel, al igual que sus obras que encapsulan tenis con chicle, maletines con dinero o latas de refresco, dejan de ser simples objetos para convertirse en piezas de arte pop. Estas obras nos llevan a reflexionar sobre la fragilidad de la existencia, los obstáculos representados por las adversidades y los “tesoros” atrapados en el fanatismo y los excesos. A través de la perseverancia y la inteligencia, sus creaciones nos invitan a comprender la importancia de la verdadera existencia.
“La inquietud constante de saber de lo que soy capaz y lo que puedo llegar a crear con mis manos, me lleva a encontrar la inspiración basada en experiencias y momentos que dejaron marca en mi vida, trayéndola al presente por medio de una obra de arte llena de color y energía.” - Emmanuel Meneses.
En menos de cuatro años, sus obras han sido exhibidas en numerosas ferias y galerías de arte tanto nacionales como internacionales. Destacan sus exposiciones individuales y colectivas en eventos prestigiosos como Art Miami, San Francisco Art Fair, Art Wynwood, Art3f Bruxelles Fair, Bada Art Fair y SCOPE Fair, entre otras. Emmanuel se define como una mezcla entre un alma vieja, un niño que no quiere madurar y un adulto excéntrico que busca una forma auténtica de expresión. Su arte invita al observador a reflexionar sobre la importancia de estar vivos, valorar lo que somos como sociedad y mejorar como miembros activos de una comunidad en desarrollo.
Con una filosofía de vida que valora lo esencial y rechaza la superficialidad, Emmanuel Meneses sigue explorando y expandiendo su arte, convirtiendo cada obra en un testimonio vibrante de la importancia de vivir plenamente y con propósito. Su mensaje es claro: el tiempo es infinito, pero nuestro paso por el mundo no lo es. Por ello, debemos amar, perdonar, dejar ir y, sobre todo, vivir con pasión y autenticidad. EA
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hello@emmanuelmeneses.com
Alejandro Funes Lovis es un artista plástico mexicano que se ha erigido como una figura luminosa en el firmamento del arte contemporáneo internacional. Su obra, impregnada de misticismo y espiritualidad, lleva un profundo mensaje de unidad que invita al espectador a un viaje de autodescubrimiento y conciencia. Cada pieza trasciende lo estético para convertirse en un portal a dimensiones más elevadas, donde el tiempo, la magia y la eternidad se entrelazan en un delicado equilibrio.
ALEJANDRO Funes Lovis
El Renacimiento del Arte Contemporáneo
Alex ha estado en constante comunión con las culturas ancestrales que embellecen su país. Este vínculo profundo con las tradiciones mayas, toltecas y otras culturas espirituales ha influenciado su arte, convirtiéndolo en un reflejo de sabiduría universal. Inspirado por el simbolismo y las leyendas de su tierra natal, Funes ha llevado estas raíces hacia un contexto global. A lo largo de su carrera, ha presentado su obra en escenarios internacionales como París, Roma, Milán, San Remo, Mónaco y Miami, donde su mensaje ha sido acogido con admiración y reconocimiento. El arte de Alex Funes está inspirado en la estética del Renacimiento, mismo que busca entrelazar con principios como lo son la Geometría Sagrada, la Teoría del Color y la Numerología, para construir piezas que no solo son dóciles a la vista, sino que funcionan como un lenguaje universal donde el espectador
se reconoce, y con ello, recuerda quién es realmente. La visión de Alejandro busca conectar con públicos que tienen estados de conciencia elevados, y que, a través de sus texturas etéreas, colores y simbolismos, evoquen otros planos de realidad.
Su proceso creativo nace de una pasión temprana por la fotografía, una disciplina que ha moldeado su enfoque artístico y siempre marca el inicio de un nuevo proceso de comprensión. A partir de sus fotografías, Funes crea paletas de color que sirven como base para sus obras, estableciendo la textura necesaria para cada pieza. Una vez que la obra ha fusionado la fotografía con el arte digital, se sublima en Chromaluxe, una técnica que aporta mayor profundidad visual y durabilidad extraordinaria. Alejandro describe su proceso como “dibujar con luz”, combinando su maestría en fotografía con la creación artística para generar composiciones únicas que transmiten emociones y significados profundos, siendo esto una meditación activa.
“Cuando termino una obra, ésta me habla y me revela información hermosa sobre la vida, las leyes de la naturaleza y del tiempo,” explica el artista. Este diálogo con su obra ha llevado a Alex a crear piezas que
resuenan profundamente con el espectador, haciendo sentir que cada imagen es un viaje hacia el interior del ser. Un proceso de perfección.
La trayectoria de Alex Funes Lovis está respaldada por numerosos reconocimientos internacionales. En los últimos años, ha sido galardonado con premios prestigiosos como el Leonardo da Vinci International Prize en el Museo Nacional de Ciencia y Tecnología Leonardo da Vinci en Milán, el International Prize Michelangelo en Roma y el International Prize Botticelli en el Palacio Borghese en Florencia.
Además, ha sumado a su distinguida experiencia el International Phoenix Prize for Arts en la Scuola Grande de San Teodoro en Venecia. Su obra “Anunciación” fue galardonada en Florencia, destacándose por su compleja composición y riqueza visual. En 2024, sus obras “Virgen Dolorosa”, “Deep Love” y “Bendiciones” también recibieron premios en la 3ª Bienal Internacional de Arte en el Museo Francesco Gonzaga, la International Fine Art Cannes Biennale curada por
Heinz Playner y The Best Contemporary Masters, respectivamente, reafirmando el impacto y alcance global del trabajo de Alex. Cada exposición es una oportunidad para que su obra trascienda fronteras, conectando con audiencias de distintas culturas y nacionalidades. Ha participado en bienales de prestigio y ha sido invitado a proyectos exclusivos que destacan a los artistas más influyentes del momento. Su obra ha sido exhibida en los más importantes escenarios de Europa y América, incluyendo el MEAM (Museo Europeo de Arte Moderno) en Barcelona y en Spectrum Miami, Estados Unidos. En México, su trabajo ha sido celebrado como una contribución clave a la transformación cultural y espiritual que vive el país.
Zona
“El arte es mi camino y mi lenguaje. Agradezco a cada persona que encuentra en mis obras un reflejo de su propia alma. Porque el arte, como la vida, está hecho para trascender.”
En la reciente edición de Spectrum Miami, Alex Funes Lovis presentó su obra más desafiante hasta la fecha: “Esto No Es Arte”. Esta pieza, cargada de intención y significado, rompe con las convenciones tradicionales del arte contemporáneo, invitando al espectador a cuestionar las definiciones preestablecidas sobre qué es y qué no es arte. “El verdadero arte está en el significado que cada espectador le da,” comenta Alex. Con una composición visual impactante y una ejecución impecable, “Esto No Es Arte” juega con la percepción, el simbolismo y el minimalismo, dejando una huella imborrable en los espectadores.
El trabajo de Alejandro Funes es un puente entre lo terrenal y lo espiritual, entre la historia del arte clásico y el mensaje contemporáneo del despertar de la conciencia. Es una invitación a un renacer personal, un retorno al verdadero ser, donde las fronteras entre el arte y la espiritualidad se diluyen. Con más de 2,500 piezas vendidas a nivel mundial, su arte ha llegado a hogares, galerías y colecciones en todo el mundo, convirtiéndose en un lenguaje universal que conecta a la humanidad. EA CONTACTO
www.alexfunes.com
@alex_funes_lovis alexfunes@me.com 553409130
TITA CANTÚ
EL ARTE COMO RECORDATORIO DE LA ESENCIA HUMANA
La artista plástica mexicana Tita Cantú, nacida en Monterrey en 1990, lleva en su sangre la pasión por el arte. Creció en un hogar donde el color y la creatividad eran los protagonistas, inspirada por su madre, una reconocida pintora abstracta que dejó una huella imborrable en su vida. Desde niña, Tita encontró en la pintura y la escritura un refugio para expresar su mundo interior. Mientras la escritura le permitía ordenar sus emociones, la pintura las transformaba en poesía visual.
En 2020, Tita publicó “Un corazón con vista al mar”, un libro íntimo y reflexivo que explora los significados profundos de la vida a través de analogías inspiradas en éste. Para Tita, el mar es un espejo del alma, un lugar donde las olas llevan y traen recuerdos, sueños y reflexiones. Su proceso creativo es profundamente emocional y espiritual. Cada obra nace en el alma, se convierte en una idea y finalmente cobra vida en su pincel. Su lema, “Inhale art, exhale soul”, captura su convicción de que el arte es un puente para liberar y compartir la esencia de quienes somos. El trabajo de Tita ha sido expuesto en diversos recintos culturales tanto en México como en el extranjero, llevando su arte a un público
internacional. En su pintura, Tita encuentra una forma de pausa y conexión. Sus obras, elaboradas con óleo sobre lienzo, invitan al espectador a detenerse, a mirar hacia adentro y a recordar lo esencial, aquello que a menudo olvidamos en el movimiento diario. Cada pincelada es una exploración de lo fundamental, una llamada a la introspección y al redescubrimiento del yo.
Entre sus colecciones más destacadas se encuentra “Animal Humano”, un tributo a los animales como maestros silenciosos de armonía y grandeza. En esta serie, Tita captura la majestuosidad de estos seres, invitándonos a contemplarlos con respeto y admiración. Para ella, cada obra es un portal hacia una conciencia más profunda, un recordatorio de que los animales nos enseñan lo que hemos perdido en nuestra desconexión con la naturaleza. En cada mirada, en cada trazo, Tita nos devuelve la visión de un mundo donde coexistimos en equilibrio con lo natural.
En 2024, “Animal Humano” fue presentada en Spectrum Art Fair durante la Semana de Arte en Miami, alcanzando a un público diverso que encontró en sus piezas una conexión profunda con la
naturaleza. Tita espera que su arte inspire a otros a reconocer el privilegio y la magia de cohabitar este planeta con seres tan majestuosos, ofreciendo en su lienzo una oportunidad para conectar con su grandeza y sabiduría eterna. En su obra, cada animal, cada elemento natural, es más que una representación; es un símbolo de lo sagrado y lo esencial en la vida.
Para Tita Cantú, el arte es más que pintura o escritura; es una forma de recordar lo que realmente importa. En un mundo donde la velocidad y la superficialidad parecen dominar, Tita nos invita a detenernos, a respirar hondo y a encontrar la paz y la verdad en lo más simple. Su arte es un canto a la vida, un susurro de lo eterno, un recordatorio constante de que en la quietud y en la reflexión encontramos las respuestas más profundas. El viaje artístico de Tita es uno de constante evolución y descubrimiento. Desde sus primeras experiencias con el arte en su hogar, ha transitado por un camino lleno de aprendizajes y emociones. La influencia de su madre, con su enfoque en la abstracción, sembró en Tita la semilla de la exploración creativa y la libertad de expresión. Este legado se manifiesta en su capacidad para combinar
técnicas clásicas con una visión contemporánea y emocionalmente resonante.
La obra de Tita está impregnada de una sensibilidad única. Sus lienzos no solo muestran una destreza técnica admirable, sino también una profunda conexión con los temas que aborda. Cada cuadro es una ventana a su alma, una invitación a compartir un momento de intimidad y reflexión. La relación entre el espectador y la obra de Tita es intensa y personal, como si cada pincelada hablara directamente al corazón de quien la contempla.
Para Tita Cantú, el arte es una forma de vida, una manera de conectarse con lo más profundo de su ser y con los demás. Su compromiso con la autenticidad. Al crear, Tita se sumerge en un proceso de autoexploración y descubrimiento, permitiendo que sus emociones fluyan libremente sobre el lienzo. Este enfoque sincero y sin concesiones es lo que hace que su arte sea tan resonante y significativo.
En resumen, Tita Cantú no es solo una artista plástica; es una narradora de emociones, una exploradora del alma humana y una defensora de la conexión con la naturaleza. Su obra nos invita a detenernos, a mirar hacia adentro y a redescubrir lo esencial en un mundo que a menudo nos empuja a la superficialidad y la prisa. Con cada nueva colección, Tita nos ofrece una oportunidad para reflexionar, inspirarnos y reconectar con lo que realmente importa. EA
www.titacantu.com @titacantu_art
tita_ctu@hotmail.com
ILSE ZÚÑIGA
Entre Llaves y Sueños: El Universo de Ilse Zúñiga
En el vasto lienzo de la imaginación, donde los sueños se entrelazan con suspiros y el cielo se tiñe de rosado, se encuentra el mundo único de la artista plástica Ilse Zúñiga. Sus obras, profundamente personales, capturan momentos suspendidos en el tiempo, inspirados por los sucesos que han marcado su vida. Cada pincelada es un susurro que invita al espectador a soñar y vibrar hacia un mañana mejor.
ESPECIAL ARTE
Nacida en 1990 en Monterrey, Zúñiga descubrió su pasión por el arte durante su carrera profesional en Mercadotecnia, de la cual se graduó en el Tec de Monterrey. Aunque su camino inicial no estaba dirigido al arte, la llamada de su verdadera vocación no tardó en manifestarse.
Desde entonces, su arte ha sido el vehículo a través del cual expresa sus emociones más profundas y conecta con su mundo interior. A lo largo de sus tres años de trayectoria artística, Zúñiga ha dominado diversas técnicas, desde la pintura acrílica y al óleo hasta acuarelas, pasteles y dibujo. Su búsqueda constante de perfección la ha llevado a especializarse en el realismo figurativo al óleo, una técnica que le permite capturar la esencia misma de sus sujetos. Ha complementado su formación con estudios en creatividad pictórica en Madrid y en historia del arte avalados por Sotheby’s de Londres y la Universidad Anáhuac, enriqueciendo así su perspectiva y habilidades artísticas.
Recientemente, Zúñiga presentó su última colección, Awakening, en la Semana de Arte de Miami, específicamente en Spectrum Art Fair. En esta colección, la simbología de las llaves juega un rol crucial, representando la liberación, la sanación y la búsqueda de nuevas oportunidades y comienzos. Las obras The Key y Say Yes to Heaven encapsulan estos significados, invitando al espectador a reflexionar y encontrar su propia luz. Cada llave es un símbolo de esperanza, una invitación a abrir puertas hacia un futuro más brillante y lleno de posibilidades.
Es importante observar que en esta última colección existe un lenguaje determinante, donde Ilse nos invita a encontrar una llave de esperanza y autodescubrimiento. Esta llave tiene el poder de desvanecer la oscuridad en la que a menudo nos encontramos atrapados. Una oscuridad abrumadora, llena de miedos y dudas que nos envuelven en un manto de desesperanza. Es justo ahí donde Zúñiga, a través de sus lienzos, manda el mensaje de que en esos momentos de incertidumbre es donde la búsqueda interior se vuelve crucial.
Encontrar en nosotros mismos los caminos para salir de la oscuridad es reconocer y aceptar nuestro poder interno. Es un acto de valentía, una declaración de que poseemos la fuerza para
transformar nuestra vida. Su arte nos invita a confiar en nosotros mismos, en el amor propio y a comprender que somos más fuertes de lo que imaginamos. Con cada giro de esta obra, Zúñiga libera su verdadero ser, dejando atrás las cadenas de inseguridades y se aventura hacia la luz que siempre ha estado dentro de ella.
Zúñiga no solo utiliza su arte como un medio de expresión personal, sino también como una forma de comunicación universal. A través de sus pinturas, ella establece un diálogo íntimo con el espectador, invitándolo a embarcarse en un viaje introspectivo. Su habilidad para capturar emociones y momentos con tanta precisión y belleza ha hecho que sus obras resuenen profundamente con quienes las contemplan.
Además de su carrera artística, Ilse Zúñiga es una ferviente defensora de la educación en artes. Ella cree firmemente que el arte tiene el poder de transformar vidas y comunidades, y dedica parte de su tiempo a enseñar y compartir su conocimiento con jóvenes aspirantes a artistas. Su pasión por el arte y su compromiso con la educación artística son testimonio de su deseo de impactar positivamente el mundo que la rodea.
Ilse Zúñiga continúa su viaje artístico con nuevas colecciones, preparándose para exponer en eventos como Artfest de Querétaro a nivel nacional y Artexpo New York a nivel internacional. Su arte, un reflejo de su espíritu, sigue inspirando y emocionando a quienes tienen la fortuna de contemplarlo. Cada nueva
colección es un capítulo en su historia, una exploración de nuevas temáticas y técnicas que revelan su crecimiento y evolución como artista.
En un mundo donde la incertidumbre y el cambio son constantes, el arte de Ilse Zúñiga ofrece un faro de esperanza y belleza. Sus obras no solo decoran espacios, sino que también transforman corazones y mentes, recordándonos la importancia de encontrar nuestra propia llave hacia la libertad y la sanación. Con cada exposición, Zúñiga reafirma su lugar en el panorama artístico contemporáneo, dejando una marca indeleble en el corazón de todos los que experimentan su obra. EA
CONTACTO
@artbyilsez
DEL MURO AL MUNDO
El Viaje Artístico de Uneg
El artista conocido como Uneg ha consolidado una trayectoria que combina el arte urbano con la conexión emocional, transformando paredes grises en lienzos vibrantes llenos de vida y energía positiva. Su obra es reconocida por su uso audaz del color y la incorporación de elementos de la cultura mexicana, una fusión que resalta tanto en su país de origen como en los rincones más diversos del mundo.
TEXTO Gabriela Gorab
La naturaleza, los animales y el folklore mexicano son los pilares de la inspiración de Uneg. A través de sus viajes, adopta la esencia de cada lugar, integrando elementos representativos de las ciudades que visita. Esta conexión con lo local se refleja en su proceso creativo, donde investiga, escucha historias y observa su entorno, siempre dejando espacio para la improvisación. Los colores y las formas en sus obras ayudan a elevar la energía y crear un impacto emocional positivo.
ARTVENTOUR: UN ESTILO DE VIDA GLOBAL
El proyecto Artventour ha llevado a Uneg a pintar en más de 35 ciudades en 16 países Japón, Alemania, Grecia, Dinamarca, Inglaterra, Cuba, Portugal , Estados Unidos, entre muchas otras. Este estilo de vida itinerante no sólo alimenta su creatividad, sino que también le permite vivir experiencias culturales únicas. Cada lugar es un nuevo escenario que le brinda inspiración y le permite conectar con comunidades locales. Su enfoque es claro: el arte no solo embellece espacios, sino que genera conciencia y transforma estados emocionales. Uneg busca transmitir mensajes positivos y armónicos a través de sus obras. Al emplear colores vibrantes y elementos naturales, invita a los espectadores a imaginar
y crear sus propias historias. Además, considera que el arte puede sanar tanto a nivel individual como colectivo.
Colaborar con marcas internacionales y participar en festivales de arte urbano ha impulsado su carrera globalmente, sin comprometer su esencia artística. Estas experiencias han fortalecido su estructura profesional y le han permitido compartir su visión desde el corazón. Entre anécdotas, Uneg destaca cómo las mejores conexiones surgen cuando las personas lo ven pintando en las calles, viviendo las ciudades como un local. Ha trabajado con compañías y proyectos de renombre internacional como Warner Bros, Vans, Festival Corona Capital, El Mundo de Tim Burton, Disney, NBA, Pixar, Diamond Films y Art Basel, entre otros.
La improvisación es clave en el proceso de Uneg. Al enfrentarse a un muro, establece un diálogo intuitivo que guía la composición de su obra. Utiliza principalmente acrílicos en aerosol por su versatilidad y capacidad de cubrir grandes superficies con facilidad. Este enfoque técnico, combinado
con su estilo único, asegura que sus murales sean vibrantes y duraderos.
EL
FUTURO DE UNEG
Con el éxito de Artventour, Uneg sueña con expandir su arte a ciudades como Tailandia, India, Bangkok y Singapur, explorando aún más Asia. Su visión es clara: seguir creando, compartiendo y transformando espacios mientras se mantiene fiel a sus raíces y mensaje. Para aquellos que buscan llevar su arte a un nivel global, el artista urbano enfatiza la importancia de desarrollar un estilo propio, ser constantes y trabajar duro. La pasión y la autenticidad, asegura, son las claves para trascender. El arte de Uneg no solo transforma paredes, sino también corazones y comunidades, dejando un impacto duradero en cada lugar que toca. EA
ALE JIMÉNEZ
Luz Fragmentada y la Transformación del Vidrio en Arte
“El arte tiene el poder de unir piezas rotas y convertirlas en algo completo, como hacemos con nuestras propias vidas. La fascinación por el vidrio, como recurso creativo, llegó a mi vida de golpe y sin retorno, cuando descubrí que con su brillo y transparencia podía jugar con la luz e imprimir profundidad y efectos ópticos a mi trabajo - Ale Jimenez
Ale Jiménez (México), creció en un hogar creativo: su madre vitralista y su padre carpintero le inculcaron desde niña un respeto profundo por los materiales y las herramientas. “Mis padres siempre estaban arreglando cosas en casa, no solo creando obras”, comenta Ale, quien aprendió carpintería, plomería y albañilería antes de descubrir su pasión por el arte. Su primer contacto con el vitromosaico vino de la mano de su madre, quien le enseñó a cortar vidrio y experimentar con sus propiedades. Así nació su fascinación por los juegos de luces y formas que hoy definen su obra.
Ale encontró en el vitromosaico una técnica que, más allá de lo plástico, tiene un simbolismo profundo. Percibe que las piezas rotas de vidrio, al unirse, pueden transformarse en una obra armoniosa y completa, de la misma manera que siente que las personas, con sus imperfecciones, son únicas y plenas. Este proceso no está exento de desafíos, especialmente al trabajar piezas grandes, que requieren rapidez para evitar que el estuco se seque antes de tiempo.
Sus calaveras, un motivo recurrente en su obra, tienen un enfoque único. La muerte es una constante en su cosmovisión, pero en lugar de verla como un fin, busca darle vida. Ejemplo de esto es su pieza Recuerdo de Aztlán (colección privada), donde reconstruye el mito fundacional de México a partir de cristales, evocando una memoria cultural viva y actual.
NARRATIVAS VISUALES:
ENTRE CALAVERAS Y LUZ
Cada pieza de Ale cuenta una historia única. En En el nombre del padre y Love at First Sight, las calaveras se convierten en reflexiones sobre la mortalidad y el valor. Sus obras pueden ser gestos devocionales o provocadores frente a la muerte. Los colores y texturas que selecciona reflejan su estado emocional, convirtiéndose en el alma de cada pieza.
El vidrio, brillante y cambiante según la luz, genera una conexión íntima con
los espectadores, quienes a menudo se ven reflejados en sus superficies. Esta cualidad, combinada con su enfoque escultórico, hizo que su obra Reliquia fuera una de las más visitadas en exposiciones como CALAVERARTE.
En 2022, Ale representó a México en el pabellón de Qatar durante el Mundial con su pieza Love at First Sight, misma muestra en la que se presentó una pieza inédita de Rafael Cauduro. “Fue un sueño hecho realidad”, recuerda. “Exponer en un país musulmán, donde la muerte tiene un simbolismo distinto al nuestro, fue un honor que marcó mi carrera”.
Actualmente, trabaja en dos colecciones: una inspirada en videojuegos retro como Pac-Man y otra basada en criaturas marinas, como caracoles de gran escala, integrando materiales naturales como barro y vidrio.
La experimentación técnica es clave en su práctica. La artista se nutre al tomar clases constantemente, probar materiales y viajar, visitando museos y exposiciones internacionales, lo que amplía su perspectiva artística.
Desde los altares de muertos en su hogar hasta su conexión con el mar como buzo, todo se refleja en sus piezas. “El mar es un lugar donde encuentro paz y colores que inspiran mi arte”, dice.
MIRANDO HACIA EL FUTURO
La creadora planea seguir explorando el vitromosaico como medio, incorporándose a nuevas técnicas y temáticas. Su obra, cargada de simbolismo y narrativa, transforma materiales y emociones, conectando con el público a través de luz, color y reflexión. EA
@alejimenezart
TEXTO Gabriela Gorab
DE KABUTOMUSHI A AUTOMÓVILES
La Visión Semiótica de Rafael Riego Alrich
El artista, originario de México, ha desarrollado más de 600 obras kirigami, entre ellas la colección Kabutomushi. Comenzó a los 4 años cuando su abuela le regaló una caja de papiroflexia. Ahora se aproxima a las fibras sustentables del bambú, propiedad que se transforma en resina flexible como la seda. Participa en talleres con artistas como Beth Johnson. Practica Ninjutsu y ha desarrollado una curiosidad por la cultura asiática, fascinándose con su complejidad matemática, su sutileza y su filosofía, elementos que se reflejan en su diseño, como ocurre con los lentes dentro de las cámaras y los satélites, que deben ser ligeros y compactos. Considera que las pruebas y errores son primordiales para ofrecer productos de la más alta calidad.
Riego Alrich suele viajar por México a lugares donde se ha preservado la biodiversidad. Para él, la escultura de
animales es una alternativa a la taxidermia, una forma de acercar a las personas al conocimiento de la fauna. Dentro del Zoológico de Zacango, en Metepec, ha instalado esculturas a escala real de un tiburón blanco, un tiburón martillo y una mantarraya. El cacomixtle le llama particularmente la atención por su papel en la restauración del bosque.
Le apasionan los símbolos y su sentido cósmico. Considera que una de las razones de existir del ser humano es proteger la biodiversidad y aprender de sus sincronías para generar armonía. Actualmente, lee “The Language of Creation: Cosmic Symbolism in Genesis” del autor Matthieu Pageau, un libro que considera una fantástica manera de redescubrir la disciplina y entender los patrones cósmicos de los escritos bíblicos en el Génesis, Éxodo, Ezequiel y Daniel. Esta lectura lo ha llevado a reflexionar sobre la responsabilidad del ser humano a lo largo de las civilizaciones y su relación con Dios.
Para él, el arte es una ventana al alma, una forma de concretar un pensamiento de la manera más pura y ver el mundo con los ojos de alguien más. También tiene un gran interés en el diseño automotriz semiótico, y promete destacar con innovadores diseños dentro de la industria automotriz mexicana. EA
@riegoalrich
GISELLE LEAL
y la Humanización de los animales desde el arte
Giselle Leal nos invita a contemplar el arte como un portal hacia nuevas perspectivas. Su enfoque se centra en reconfigurar la percepción del espectador, invitándolo a reconocer la belleza, la vulnerabilidad y la magia en lo cotidiano. Su obra aspira a ser un espejo que invite a cuestionar, sanar y despertar a nuevas formas de ser y de percibir al mundo.
Para transmitir conceptos abstractos como la evolución y la conciencia, Giselle enfrenta el desafío de traducir estas ideas en formas visuales resonantes. Su mayor reto es equilibrar lo tangible con lo etéreo al resaltar cómo los silencios visuales y los vacíos pueden evocar una profunda introspección.
La observación personal también ocupa un lugar fundamental en su proceso creativo. Cada obra es fruto de un diálogo entre su mundo interno y externo en el que abarca una síntesis de momentos de vulnerabilidad, crecimiento y conexión.
Un elemento distintivo en su arte es la humanización de los animales, una manera de disolver las barreras entre “ellos” y “nosotros”. A través de esta práctica, busca fomentar la empatía hacia la naturaleza y recordar nuestra interconexión con ella, invitando a una reflexión profunda sobre nuestra responsabilidad hacia el mundo natural.
Las influencias de grandes maestros han sido cruciales en su trayecto ya que le han enseñado que la técnica es un vehículo del alma. Este aprendizaje la impulsa a explorar la materia desde la autenticidad, priorizando siempre el mensaje por encima de la perfección.
En un mundo saturado de imágenes, su estrategia es crear obras que invitan a la pausa y la conexión emocional; utiliza texturas, simbolismos y elementos naturales que evocan emociones universales”, revela. Esto le permite capturar la atención y conectar con el público de manera íntima.
Cuando se le pregunta sobre su legado, responde con claridad: “Quiero ser recordada como alguien que creó puentes: entre el ser humano y la naturaleza, entre el alma y el cuerpo, entre la conciencia y la acción”. Su arte busca inspirar conexión, amor por la vida y respeto hacia el yo superior.
Mirando hacia el futuro, sueña con integrar tecnologías inmersivas, como la realidad aumentada, para que el espectador pueda sumergirse en los mundos que crea. Para ella, el arte es un
puente que puede transformar nuestra perspectiva sobre la naturaleza y nuestra propia existencia.
Finalmente, destaca la belleza en las imperfecciones como un reflejo de la verdad. “Dejo huellas del proceso en mis obras porque simbolizan que en nuestra fragilidad y cicatrices yace nuestra fortaleza y humanidad”, afirma con pasión. Su arte, más que embellecer, busca transformar, ofreciendo espacios de sanación y conexión. EA
@gisellelealart
CONTACTO
TEXTO Gabriela Gorab
ROXANA VELÁSQUEZ Y LORD NORMAN FOSTER
crean una renovación visionaria en el San Diego Museum of Art
Balboa Park se prepara para una transformación histórica con la renovación del ala oeste del San Diego Museum of Art (SDMA), encabezada por el reconocido arquitecto Lord Norman Foster y su firma Foster + Partners. Este proyecto, que armoniza el estilo Spanish Colonial Revival con arquitectura contemporánea, duplicará el espacio de exhibición y añadirá áreas educativas, un jardín de esculturas, y un restaurante en la azotea con vistas panorámicas. La construcción, que comenzará en 2026 y durará tres años, busca crear un espacio más abierto, accesible y sostenible, eliminando las vallas actuales para conectar al museo con la comunidad.
Roxana Velásquez, directora ejecutiva del SDMA, destacó la importancia
de esta colaboración: “La oportunidad de trabajar con Lord Norman Foster es un honor para el museo. Su trabajo redefine la relación entre arquitectura y entorno, invitándonos a repensar el poder transformador del diseño”. Velásquez ha liderado la misión de modernizar el SDMA mientras preserva su legado histórico, alineándose con las necesidades del público contemporáneo. Desde su construcción en 1926, el SDMA ha sido un pilar del arte y la cultura en San Diego. Su edificio principal, diseñado por William Templeton Johnson, encarna la esencia revivalista del parque, con una fachada decorada con esculturas de grandes maestros españoles como Velázquez y Murillo. Sin embargo, el ala oeste, diseñada en 1966 por Robert Mosher, ha quedado obsoleta tanto en funcionalidad como en estética.
Norman Foster, ganador del Premio Pritzker de Arquitectura (1999), es uno de los arquitectos más prestigiosos del mundo. Su enfoque en la luz, sostenibilidad e integración del entorno lo ha llevado a diseñar proyectos emblemáticos como la sede de Apple en Cupertino y el Gherkin en Londres. Fundador de Foster + Partners, combina innovación con sensibilidad histórica en sus obras.
Antes del inicio de las obras, el SDMA presenta la exposición Foster + Partners: Arquitectura de Luz y Espacio, abierta hasta abril de 2025, que explora la trayectoria de Foster a través de proyectos emblemáticos como el Museo del Prado y Apple Park. Este proyecto coincide con la designación de San Diego/Tijuana como Capital Mundial del Diseño 2024 y se suma a otros esfuerzos de revitalización en Balboa Park, consolidando su papel como un espacio cultural inclusivo y visionario.
Roxana Velásquez Martínez del Campo, es reconocida por su liderazgo en el ámbito de las artes a nivel mundial. Desde 2010, es la directora ejecutiva del San Diego Museum of Art (SDMA), donde ha impulsado la modernización del museo, ampliado su colección y fomentado colaboraciones internacionales. Anteriormente, dirigió el Museo Nacional de San Carlos, El MUNAL y el Museo del Palacio de Bellas Artes en México. Con una trayectoria de más de 30 años, su visión combina preservación del patrimonio histórico y promoción de la innovación artística. Su gestión ha sido clave para posicionar al SDMA y al arte en general como un referente cultural de alcance global. EA
CONTACTO
@sandiegomuseumofart
@roxanavmdc @officialnormanfoster
FERNANDO MORENO
Navegante de lo Interno y lo Universal
Fernando Moreno, a quien tengo el privilegio de llamar amigo desde hace más de dos décadas, es un artista con una sensibilidad única y un talento que, aunque aprendido y perfeccionado con los años, también es innatamente suyo. Su trayectoria incluye más de 40 exposiciones en México y el extranjero. Egresado de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda,” Chino” (como también se le conoce) es un creador visionario que explora las infinitas posibilidades de
la imaginación. En su obra, establece un diálogo único entre lo práctico y lo simbólico, fusionando lo absurdo con lo lúdico para desdibujar los límites entre lo interno y lo externo. Este enfoque se refleja magistralmente en su más reciente serie, inspirada en el poema Palabra de Mar del curador y crítico de arte Santiago Espinosa de los Monteros, una colaboración que nació de años de amistad y afinidad creativa.
TEXTO Gabriela Gorab
EL GÉNESIS DE LA COLABORACIÓN
Fernando recuerda con afecto cómo Santiago, después de redescubrir su poema grabado en el IMER años atrás, lo compartió con él. “Desde que lo escuché, no pude evitar imaginar a este personaje caminando por la arena, contemplando su muerte o su pasado desde los riscos. Fue un eco inmediato en mi interior”, relata Moreno, quien encontró en el poema un tema perfecto para la creación de esta serie de dibujos. Este proceso se vio intensificado por un paralelismo entre el momento de vida que atravesaba el poeta al escribir el texto y el que Moreno enfrentaba al producir las obras.
EL MAR COMO
ESPEJO DEL ALMA
En esta serie, el mar se convierte en un reflejo del interior humano, una metáfora que permitió al artista confrontarse con su propia vulnerabilidad. “Encontré un ser frágil, sensible, capaz de transformar el dolor en algo bello y la incertidumbre en certeza,” comenta Moreno. Este proceso creativo, descrito como un equilibrio entre la introspección y la contemplación externa, combina técnica y emoción en perfecta sintonía: “Las imágenes están en la mente; el papel absorbe la tinta y se convierte en un vertedero de ideas que construyen sentido.”
INFLUENCIAS Y TÉCNICAS
La obra de Moreno también dialoga con tradiciones artísticas como el Ukiyo-e japonés, cuya línea y atmósferas lo inspiran profundamente. Asimismo, este año, durante su estancia en Madrid estudiando a Goya dejó una huella indeleble en su visión del arte como un reflejo del alma humana. “Goya exploró las profundidades de la razón, la sinrazón y las pasiones humanas, y eso es algo que intento emular en mi trabajo”, compartió el creador.
Trabajando con tinta china y papel japonés, materiales que simbolizan la transformación de la energía a través del fuego, Moreno logra transmitir emociones complejas mediante trazos sutiles. Según lo explicado por él mismo, la tinta china, originada del carbón, guarda una relación directa con el fuego, ya
que el carbón proviene de las ramas quemadas. Para él, esto representa el proceso de trabajar con una energía que se convierte en otra. “Es como si estuviera trabajando con una energía transformada,” comenta, subrayando la conexión entre el fuego y el material con el que trabaja. Además, destaca que el papel, con características como las fibras naturales del algodón o el papel Xuan hecho de paja de arroz, actúa como base para este proceso, asentando la tinta.
CONEXIONES HUMANAS Y PROYECTOS FUTUROS
Para Fernando, el arte es un espejo del alma que habla a otra y quien espera que su obra conecte profundamente con quienes la contemplan. En cuanto a futuros proyectos, planea explorar nuevos formatos y territorios
emocionales, incluyendo un video conceptual de un chelista navegando sin rumbo en el mar.
Con “Palabra de Mar”, y su visión introspectiva, Fernando Moreno nos invita a ampliar los límites de nuestra realidad, guiándonos a través de paisajes dislocados que transforman lo absurdo en belleza y lo imposible en una reflexión poética sobre la vida misma. Esta serie planea tener su propia exposición individual en la cual tengo el honor de participar. EA
@fernandomorenoart
Rosenda Ruíz
EL NAHUAL, ENTRE LOS DIOSES Y LA TIERRA
Desde hace ya muchos años, el referente para todo tema de antigüedades en México es Rodrigo Rivero Lake: abogado, anticuario, filántropo y coleccionista. Fundó una de las grandes galerías que, hasta hoy, sigue siendo un referente absoluto, y que, junto con su hijo Rodrigo, continúa manejando con gran pericia.
Conocí a Rodrigo hace más de 25 años, en una cena a la que me invitaron en su espectacular departamento. Al abrirse las puertas del elevador, pensé que había llegado al paraíso: libros, esculturas, cuadros (muchos de Chucho Reyes), magiscopios, objetos de marfil, palmeras, cajas, cuadros religiosos de santos, hermosos adornos orientales... En fin, el paraíso para quienes disfrutan del arte y el buen gusto.
Con el paso de los años, nuestra amistad se ha fortalecido, siempre enmarcada por la admiración total hacia su figura y la de un gran amigo que, cada semana, comparte escritos de enorme interés.
Por Rodrigo Rivero Lake
Hemos platicado en innumerables ocasiones sobre cómo los viajes nos hacen viajar incluso sin movernos, a través de los objetos que compramos y valoramos en nuestras casas. Hace unas semanas, compartí por WhatsApp momentos de un viaje que hicimos a Asia con Rodrigo, platicándole lo impactada que estaba por la belleza de Angkor Wat, las fabulosas obras de arte en Bangkok (en Wat Arun), y la belleza de Laos. Quedamos en reunirnos para platicar. Esa plática se las debo para la próxima edición, pero ¡qué dicha tener a un erudito con quien compartir estas vivencias!
Rodrigo es un protector de obras artísticas y antigüedades, especialmente interesado en piezas provenientes de China, Indochina y del pasado artístico de México. Participa activamente en diversas asociaciones culturales y patronatos de museos. Además, es autor de obras como La visión del anticuario (1997) y El arte Namban en el México Virreinal (2005).
Hace unas semanas, durante un viaje, recibí de Gloria Michel uno de los últimos textos de Rodrigo sobre el nahual. Nos encantó tanto que decidimos compartirlo aquí, en esta edición especial para Zona Maco en honor al escritor.
EL NAHUAL, ENTRE LOS DIOSES Y LA TIERRA
POR RODRIGO RIVERO LAKE
El ser humano tiene dos facetas que se encuentran en función desde su nacimiento: el tonal, o alter ego, localizado en el lado derecho; y el nahual, quien intercede entre los Dioses y el ser humano desde su lado izquierdo. Estas facetas están diseñadas, desde tiempos remotos, para uso exclusivo del “hombre de conocimiento”.
El tonal es el organizador del mundo. Da sentido a una conversación, protege nuestro ser físico y es astuto en su obra. Se convierte, con el tiempo, en un
guardián déspota. Es, en esencia, todo lo que somos y conocemos. Tanto el tonal como el nahual nos acompañan desde el nacimiento hasta la muerte.
Al nacer, somos completamente nahual, pero necesitamos una contraparte: el tonal, que comienza a desarrollarse y, con el tiempo, cobra tanta importancia que avasalla al nahual. Así, nos volvemos completamente tonales. Cuando no hay balance entre ambos, nos sentimos incompletos.
A partir de ese momento, comenzamos a asociar opuestos: bien y mal, alma y cuerpo, negro y blanco, etc. Sentimos que hay otro lado dentro de nosotros, pero el tonal toma el mando y destruye cualquier rastro del nahual.
En el cuarto libro de Las Enseñanzas de Don Juan, Carlos Castañeda describe a Don Juan vestido con traje y corbata en la Avenida Reforma. Sorprendido, le pregunta: “¿Tú qué haces aquí?” Don Juan responde: “Estoy en mi tonal”. Así, el nahual crea el conflicto y el tonal lo resuelve, creando un balance entre ambos.
“Mucho de lo que menciono aquí”, me cuenta Rodrigo, “lo he aprendido de mis conversaciones con Arnaldo Coen. El ser humano vive en una constante dualidad. En la Antigua Grecia, esta dualidad se denominaba lo apolíneo y lo dionisíaco. Platón, en Fedro, la ejemplifica como una alegoría de la carroza, en la que el auriga (el alma) conduce dos caballos: uno, noble y virtuoso, y el otro, difícil y problemático. Solo el equilibrio perfecto entre ambos nos lleva a la virtud. En las culturas orientales, esto podría compararse con el Yin y el Yang. Pero el objetivo principal, como enseña Don Juan, es aprender a dominarlas”.
Rodrigo concluye: “El nahual sigue existiendo en nuestras almas, guiándonos por diversos caminos. Es un punto clave para nuestras decisiones, actuaciones y resultados en esta vida”. EA
PRÓLOGO
WORN OUT HEART (acrílico, carboncillo y tinta s/ lienzo 150x150) serie Corazones en Construcción 2023