LUJO
JASIVE FERNÁNDEZ CEO Y DIRECCIÓN EDITORIAL
SIMONNY YAMIN MIRELES DIRECTORA EJECUTIVA
EDUARDO MARTÍNEZ DISEÑO EDITORIAL
ADRIÁN F. CASTAÑEDA ASISTENTE DE EDICIÓN
GABRIELA GORAB DIR. EDITORIAL DE ARTE
ROSENDA RUÍZ
ASESORA EN RP Y NETWORKING
ISELA ROBLES COLABORADORA DE MODA
MILDRED ESTRADA COLABORADORA EN MODA
ARMANDO CASO COLABORADOR EN MODA
ALEJANDRA MAPELLI COLABORADORA DE ARTE
FREDEL ROMANO
COLABORADORA EN ESTILO DE VIDA
VERONICA SALAME
COLABORADORA EN ESTILO DE VIDA
MARIMAR COSIO
COLABORADORA EN ESTILO DE VIDA
HUGO HERNANDEZ OJEDA COLABORADOR EN NEGOCIOS
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CARTAS DE COLABORADORES
LA FUSIÓN DEL ESTILO MEXICANO Y LA ELEGANCIA
FRANCESA EN PARIS FASHION WEEK
Moda
UN MUNDO SURREALISTA EN LA ÚLTIMA CASA DE PORFIRIO DÍAZ
Arte
KOUA STUDIO
PRESENTA COLECCIÓN INSPIRADA EN ACAPULCO EN LONDON FASHION WEEK
Moda
EL FEMINISMO UN MOVIMIENTO EN BÚSQUEDA DE CONSENSO Y COMPRENSIÓN
Estilo de vida
ARTIST GARDEN
Arte
BENEFICIOS DE LAS LICENCIAS
LA MODA EN CRYSTAL CRUISES
Moda
MIRA ART FAIR
Arte
¿CÓMO PERMITIRTE SENTIR Y PENSAR SIN AUTOLIMITARSE?
Arte
MODA VS ESTILO
Moda
LA MUJER QUE VIAJA SOLA
Estilo de vida
LA RIQUEZA EN UN BANCO
Moda
MEXICANOS DEJANDO HUELLA EN LAS CAPITALES DEL MUNDO DE LA MODA
Moda
CATRINAS EN EL ALMA DE MÉXICO
Arte
Queridos lectores,
El fnal del año se aproxima, y con él llega el momento de hacer un balance de los logros que han marcado nuestro camino y las metas que aún tenemos por delante. Este periodo siempre nos invita a celebrar los éxitos y a mantener la mirada fja en el horizonte de nuestras aspiraciones.
En el mundo de la moda, hemos sido testigos del impacto creativo de los diseñadores mexicanos en las semanas de la moda más prestigiosas del mundo. Desde Nueva York hasta
París, el talento nacional ha brillado, llevando nuestra esencia cultural a nuevas alturas y reafrmando que México es un referente en la escena global.
En esta edición, nos enorgullece presentar coberturas exclusivas de estas pasarelas, además de contenidos que celebran lo mejor del arte, los negocios y el estilo de vida. Cada artículo está diseñado para inspirar, informar y conectar con la esencia de quienes buscan lo extraordinario.
Esperamos que esta entrega especial los motive a cerrar el año con audacia y determinación.
¡Gracias por ser parte de la familia de MM México Moda!
Jasive Fernández
CEO y Directora
Editorial de MM México Moda @jasive.fernandez
Licenciada en Artes por la Bond University, de Australia, cuenta con un programa de Emprendimiento por el MIT entre otros estudios internacionales de psicología y arte. Es socia de El Lion que Ruge Films, una compañía independiente de producción cinematográfca con más de 17 años de experiencia con producciones en 4 continentes. Colabora y es consejera en diversos medios con temas relacionados al arte, la cultura y la innovación. Curadora y Co-Fundadora de Artists’ Container. Es miembro de diversas ONGs relacionadas al arte y la cultura como Ruta de la Amistad, Home Storytellers, Fashion Group y Amigos MAP. Gabriela ha vivido, trabajado y/o estudiado en Australia, Nueva Zelanda, Inglaterra, Indonesia y Estados Unidos.
Gabriela Gorab
@gab_andgrb
Alo largo de casi treinta años, mi carrera ha sido un viaje apasionante marcado por dos grandes amores: las Relaciones Públicas y el periodismo, junto con un profundo vínculo con el mundo de la moda. Desde mis modestos comienzos en Canal 13, donde colaboré con destacadas personalidades como Carmen Aristegui, Abraham Zabludovsky y Efrén Flores, hasta mi exitoso rol como Vicepresidenta en la reconocida agencia global de Relaciones Públicas, Fleishman Hillard, he tenido el privilegio de trabajar con marcas de renombre, diseñadores de moda y destinos fascinantes. A lo largo de este fascinante recorrido, mi pasión por la moda ha sido una constante, ya
que entiendo su capacidad para ser un espejo de nuestra identidad y expresión personal.
Rosenda Ruiz
@rosendaruiz
Como egresado y titulado en Administración por la Universidad La Salle, he forjado una carrera destacada en el ámbito de la moda y la comunicación, infuenciada signifcativamente por mis estudios en París en el Institut Supérieur du Commerce. Mi experiencia incluye colaboraciones con la Embajada de Francia en México, L’Oréal, y un internship en mercadotecnia en EE. UU. para Sports Endeavors Inc. Mi habilidad para adaptarme a diferentes culturas y mi capacidad de análisis y negociación me han permitido trabajar con éxito de manera independiente desde 2017, gestionando eventos y colaborando con marcas de renombre como ISDIN, L’ORÉAL y FENDI Timepieces, entre muchas otras.
Armando Caso
@absolutcaso
Mi participación en eventos de la industria, como el Mercedes-Benz Fashion Week México, y mis colaboraciones en medios como Esquire y Men’s Health, refejan mi compromiso y entendimiento profundo del mundo de la moda y las tendencias globales.
Fredel Romano Cojab
@fre__philosophy/ @noumi_mx
Escritora emergente mexicana, compositora de piano, emprendedora de varios proyectos en diferentes industrias. Estudió
Ingeniería en Electrónica con maestría en Innovación. En el ámbito artístico, el año pasado publicó su primer libro “Palabras libres: Entre la luz y la oscuridad”, un libro que refleja aforismos vivenciales entre el dolor y la felicidad.
Además, ha emprendido en el área de la salud mental y bienestar emocional, creando una app llamada NOUmi, ahora se encuentra en su segunda versión, enfocada sobre el registro de nuestros sentimientos y emociones con el afán de lograr esta conciencia profunda de nosotros mismos y abrazar los buenos y malos sentimientos. Actualmente se encuentra en los últimos detalles de su segundo libro llamado “Bendita Vida”.
Reconocida activista, columnista, publirrelacionista y líder de opinión, ha dedicado su vida a empoderar a las mujeres y promover la igualdad de género. Convencida de que el autoconocimiento y el amor propio son fundamentales para el crecimiento personal y profesional de las mujeres, así como para la protección de sus derechos en la sociedad, Verónica ha canalizado su energía hacia numerosas iniciativas y organizaciones en pro de esta causa. Actualmente, se desempeña como Directora de Relaciones Públicas en la Asociación Mexicana de Mujeres Jefas de Empresa (AMMJE), y su compromiso con la igualdad se refeja en su activismo en organizaciones
Diseñadora mexicana apasionada de la joyería y su historia.
Egresada de la Universidad
Anáhuac Sur Diseño Gráfico, con estudios en joyería por The University of Central England en Birmingham, U.K. y el Centro Mexicano de diseño de joyería en CDMX.
Su amor por México, la naturaleza y las flores se reflejan en sus diseños contemporáneos y femeninos. La hermosa dalia es el símbolo de su marca.
Sus piezas han sido reconocidas con premios y menciones varias.
— Creadora, productora y conductora del programa JOYAS, MODAS Y MODOS canal EXPERTV WOMAN en temas culturales de joyería y moda con entrevistas a personalidades de la industria.
— Autora del libro JOYAS DEL CINE presentado en New York City Jewelry Week 2021, The Library of the performing Arts Lincoln Center y en el Centro Cultural Pedregal en CDMX con entrevistas en diversos medios destacando el REFORMA MODA
como la Women International Zionist Organization (WIZO) y la Comisión Unidos VS la Trata. A través de su participación en diversas asociaciones y proyectos voluntarios, Verónica Salame demuestra su frme convicción de que cada acción individual puede marcar la diferencia en la lucha por la equidad de género.
Verónica Salame
IG: @veronica_salame Twitter: @Veronicasalame.
Isela Robles
@iselaroblesjewellery iselarobles.com
con Fernando Toledo y RADIO FÓRMULA con Javier Poza.
— Secretaria de FASHION GROUP INTERNACIONAL MX (2013-15) y parte de la mesa directiva en 2007 a 2009 y de 2010 a 12.
— Integrante del Consejo editorial grupo REFORMA, sección MODA 2022 y 2023.
— Socia activa JOYEROSMX
— Socia activa del grupo internacional de joyeros MUBRI.
— Socia activa AMMJE, Asociación Mexicana de mujeres jefas de empresa.
Marimar Cosio es abogada laboral de profesión, Empresaria Inmobiliaria, fundadora de “Peinando Sonrisas” fundación dedicada a trabajar con gente en situacion de calle del centro de la CDMX, y voluntaria en varios Centros de Readaptación Social de México mediante Talleres Literarios, fomentando la Lectura y el amor por los libros en la gente privada de la Libertad. Su pasión es viajar, porque abre la mente y el corazón.
Marimar Cosio
Ig: marcosiorueda
Fb: Marimar Cosio
Hugo Hernández-Ojeda A. es el socio líder de la práctica de Laboral, Pensiones y Seguridad Social de Hogan Lovells en la Ciudad de México. Su trayectoria profesional comenzó en 1991 en Barrera, Siqueiros y Torres Landa, donde se especializó en derecho civil y migratorio. En 2001 fundó su propia frma, pero en 2008 regresó a Barrera Siqueiros y Torres Landa, ahora como socio de Hogan Lovells. Actualmente, es miembro del grupo de práctica de Latinoamérica de la frma.
Hugo también es un reconocido autor, habiendo publicado varios artículos en prestigiosas revistas como Latin Lawyer, Abogado Corporativo y The International Comparative Legal Guide. Su compromiso con la abogacía se extiende a su participación activa en organizaciones como la International Bar Association, la Asociación
de Abogados México-Estados Unidos (donde fue presidente), la Asociación Nacional de Abogados de Empresa y la Asociación Mexicana de Abogados. Además, es el creador del canal de Spotify y YouTube “Hablemos de...”, un espacio que promueve la igualdad sustantiva y los derechos de las mujeres. Convencido de la importancia de generar oportunidades para todas y todos, Hugo se ha convertido en un aliado proactivo en la defensa de la equidad de género. En su canal, aborda temas como la disminución de la brecha salarial, la participación de la mujer en procesos de toma de decisiones empresariales y la crianza compartida. Semanalmente, mujeres líderes comparten sus historias, convirtiéndose en agentes de cambio y fomentando una comunidad que impulsa un futuro más igualitario y justo para todos.
ALEJANDRA MAPELLI
Maestra en Historia del Arte Moderno y Contemporáneo por Casa Lamm, Licenciada en Arquitectura de Interiores, por Centro Diseño, Cine y Televisión, Estudia actualmente en Madrid Historia de los Museos de la Península Hispana, en Innova Academy, así como su experiencia en un diplomado en el prestigioso Sotheby’s Institute de Nueva York, le han permitido adquirir una visión más completa y global, contextualizada del arte y la cultura.
Ha tenido el privilegio de curar exposiciones para artistas plásticas como es Alejandra Lopez Yasky, Pedro Cuni, y Mariana Caballero.
Su experiencia y sólida formación, así como su pasión por la educación temprana,
se refeja en sus escritos, para transmitir las virtudes del arte, y alimentar la curiosidad del lector (de cualquier edad).
Por medio del voluntariado ha conseguido a través del arte y por el arte, encontrar un medio para entablar lazos entre personas, promover proyectos, redescubrir conceptos e ideas.
Busca promover la lectura, la pintura y escultura, así como el arte digital y mixmedia para seguir aprendiendo de los avances científcos y tecnológicos, así su pasión al cine como medio fundamental, para la comunicación y entendimiento de la realidad o profundidad de lo imaginario.
MILDRED ESTRADA
Apasionada de la comunicación, la moda, gastronomía y viajes. Me gradué de la Universidad
Interamericana para el Desarrollo (UNID) en Ciencias y Técnicas de la Comunicación.
Liberé mi espíritu aventurero al estudiar por intercambio en una de mis ciudades favoritas de Sudamérica, Buenos Aires, Argentina. Sin imaginarlo, en este
bello país, tuve mi primer acercamiento con la moda en BAFWEEK, la Semana de la Moda argentina, desde entonces, me enamoré de este mundo.
Actualmente sumo una década de trayectoria como reportera de Lifestyle, Moda y Sociales, plasmando historias en mi casa editorial El Sol de México. Atesoro cada momento y experiencia que vivo detrás de cada reportaje. Sígueme para describir el mundo a través de mis textos.
Mildred Estrada
@1000dred_strada
LA FUSIÓN DEL ESTILO
Y LA ELEGANCIA
Francesa
EN PARIS FASHION WEEK
Paris Fashion Week fue testigo de un evento especial con la presentación de la colección “Grandeza” de la diseñadora mexicana Jasive Fernández, junto con “MECHIC”, la nueva línea de joyería de Isela Robles. Este evento marcó un hito para ambas creadoras, al unir lo mejor de la cultura mexicana y francesa en una de las pasarelas más prestigiosas del mundo.
— Por MM México Moda —
“GRANDEZA”: EL EMPODERAMIENTO FEMENINO A TRAVÉS DEL DISEÑO
La colección “Grandeza” de Jasive Fernández celebró la femineidad y el poder, inspirándose en la opulencia y la majestuosidad de la realeza. Con un estilo Clásico Dramático, las piezas incluyeron telas de lujo como sedas, crepes y encajes hechos a mano, destacando elementos atemporales como
largas caudas, lazos al cuello y tocados de cabeza. La paleta de colores, que abarcó tonos de azul, rosa, negro y blanco, con detalles en oro y plata, reforzó el aire de elegancia que caracterizó la colección.
Además de su impecable diseño, “Grandeza” se distinguió por su
enfoque en la sostenibilidad, apostando por la calidad y la durabilidad frente a la moda rápida. Fernández, quien dejó huella en las semanas de la moda de Vancouver, Nueva York, Milán y Londres, deslumbró en París y consolidó su lugar en el mundo de la alta costura internacional.
LA JOYA DEL ENCUENTRO CULTURAL
Isela Robles complementó este evento con la presentación de su línea de joyería “MECHIC”, una celebración de la fusión entre las culturas mexicana y francesa. Inspirada en la riqueza artesanal de ambos países, la colección incluyó collares, anillos, pulseras y aretes que mezclaron la simbología y texturas de la tradición azteca con la refnada precisión de la joyería parisina.
“MECHIC” fue más que una colección de joyas; fue un tributo al intercambio cultural y al arte que surge
cuando dos mundos aparentemente diferentes se unen para crear algo único. La fusión de motivos geométricos mexicanos con la elegancia francesa dio lugar a piezas excepcionales que narraron una historia de unidad y respeto entre ambas culturas.
UN EVENTO IMPERDIBLE EN PARIS FASHION WEEK
Los asistentes a Paris Fashion Week descubrieron dos colecciones que destacaron la colaboración creativa
entre México y Francia. “Grandeza” y “MECHIC” fueron uno de los momentos más esperados de la pasarela, llevando el lujo y la sofisticación a otro nivel.
Con estas colecciones, Jasive Fernández e Isela Robles no solo celebraron la moda y el diseño, sino también la riqueza cultural que surge cuando se entrelazan tradiciones y visiones de diferentes partes del mundo. Sin duda, fue una noche para recordar en la escena de la moda internacional.
“MECHIC”:
UN MUNDO SURREALISTA EN LA ÚLTIMA CASA DE PORFIRIO DÍAZ
La exposición Anémona 440 N° 2: Ruptura Dimensional de Ricardo Garduño presentó seis pianos intervenidos que resultaron ser esenciales en la narrativa dentro de lo que fue la última casa de Porfrio Díaz en la calle de Allende, en el Centro Histórico de la CDMX. Según contó el propio artista, estos pianos recibieron los nombres de Anémona 1-5, numerados desde el primero que creó hace seis años. “Todo empezó con Anémona 1, inspirado en un sueño en el que tentáculos salían del piano y me abrazaban. Al despertar, lo primero que pensé fue en crear una pieza que lo representara”, explicó Garduño. Ese primer piano fue el punto de partida de lo que se convertiría en una serie única, donde cada instrumento adquirió su propia esencia y personalidad.
Un piano en particular, titulado Calma, destacó por su capacidad de llevar al espectador a un estado de paz. Como detalló Garduño, “tiene un pigmento con luminiscencia, y cuando apagas las luces, su segunda esencia emerge con un brillo especial que sobrepasa las barreras de lo real”. Sin duda, este concepto de lo visible e invisible enriqueció la experiencia visual y emocional de la muestra.
Cada piano parecía haber sido diseñado no solo por su apariencia, sino también por cómo interactuaba con el espacio circundante. Garduño mencionó que, antes de intervenir cada uno, los estudiaba detenidamente para analizar cómo los materiales
podrían integrarse mejor. “Todo dependía del tipo y la calidad de cada piano”, aclaró. Esta refexión muestra su meticulosidad y su cuidado por cada detalle, algo que defnitivamente se refejó en el resultado fnal.
Lo que realmente me resultó fascinante fue descubrir el origen de la elección de los pianos como elementos centrales. Garduño comentó que su relación con estos instrumentos databa de hacía más de diez años y que, como pianista desde los siete años, siempre había sentido el deseo de intervenirlos. “Siempre tuve esa iniciativa de intervenirlos”, confesó. Esta instalación, además, fue una continuación de su obra anterior, Anémona 440 No. 5, REM, que exploraba los estados de sueño. Con Ruptura Dimensional, Garduño profundizó en lo surrealista y eligió un espacio en ruinas que, a mi parecer, sirvió de manera magistral para acentuar la sensación de estar fuera del tiempo y del espacio. “Buscamos un lugar con historia y casi en ruinas para transmitir esa ruptura”, explicó. Lo que más me sorprendió fue que, coincidentemente, el día del evento principal hubo un temblor en la ciudad, algo que el propio artista describió como una confrmación del poder energético que buscaba transmitir con la obra. Entre los elementos más destacados estuvo la monumental mano azul que colgaba del balcón, un símbolo que, según Garduño, “representaba a un ser supremo que llegaba desde más allá, entrando en una pecera llena de anémonas que tocan sinfonías”. Esta mezcla de lo fantástico y lo tangible
Por Gabriela Gorab —
realmente lograba transportar al espectador a un mundo de realismo mágico, donde lo imposible parecía completamente plausible.
Garduño compartió los retos que enfrentó al integrar objetos tan grandes y cargados de simbolismo en un espacio con tanta historia. “Cada piano Anémona tenía su propia historia, y al ponerlos juntos, la idea era recrear un mundo surrealista marino que se adentrara en las profundidades de la mente, como una metáfora de la fantasía materializada”, comentó. Desde mi punto de vista, este fue uno de los mayores logros de la exposición: no solo el arte en sí, sino la manera en que logró combinar las emociones y los conceptos de fantasía en un escenario tan imponente. “Siempre he trabajado con piezas de gran escala, y mi obsesión con los pianos tiene toda una historia”, concluyó Garduño, con una convicción que se reflejaba en cada rincón de la instalación.
La curaduría, a cargo de Alessandra Migliano, directora de Galería Errante, buscó crear una atmósfera en la que las obras dialogaran fuidamente con el entorno. “La casa se prestaba para que pudiéramos crear ese espacio”, comentó, haciendo alusión a cómo la estructura de la casona amplifcaba la atmósfera onírica que Garduño quería transmitir. Personalmente, creo que este fue uno de los grandes aciertos de la exposición: la capacidad de usar un espacio con tanta carga histórica para enriquecer una narrativa visual y emocional.
Uno de los elementos más llamativos de la exposición fue el mural de Alfonso Xavier Peña, que parecía en completa sintonía con las paredes envejecidas de la casona. Migliano explicó que el mural tenía una historia muy particular. “Fue encontrado en las ruinas de un edifcio que se cayó en el temblor del 85, y después de ser restaurado, necesitaba un lugar donde vivir. No existen muchas casas con una puerta de 4 metros, así que esta casa lo resguarda”. Este hallazgo
fortuito añadía un nivel más de surrealismo al espacio, haciendo eco de las palabras de André Breton: “México es el surrealismo puro”.
Justamente, creo que este tipo de detalles inesperados reforzaron la narrativa visual de la exposición, haciendo que el espectador se sintiera parte de un mundo extraordinario.
En cuanto a la visión de Galería Errante, Migliano expresó que el propósito de la galería ha sido, desde su creación, el de explorar nuevas formas de interacción entre el arte y el espacio. “Galería Errante se ha definido como una galería en movimiento. Buscamos lugares distintos, dinámicos, que salgan del convencional cubo blanco”, explicó. Este enfoque se refejó claramente
en la manera en que las obras no solo se exhibieron, sino que interactuaron con el espacio, generando una experiencia que iba más allá de una visita convencional a una galería.
Para mí, esto es lo que distingue a Galería Errante: su capacidad para transformar cualquier lugar en un espacio de diálogo entre el arte y su entorno, creando experiencias más conceptuales y profundas.
Otro de los aspectos más interesantes fue la participación de Octavio, conocido como “La Bruja de Texcoco”, quien aportó una dimensión sonora y performativa a la exposición. Alessandra confesó que su intervención no estaba del todo planeada, sino que fue algo más improvisado. “Honestamente, no teníamos planeado que hiciera algún show en específco. Fue más improvisado, y creo que eso le dio un toque más personal a la noche”, reveló.
Este detalle me pareció particularmente encantador, ya que a veces es en la espontaneidad donde surgen los momentos
más genuinos y mágicos en una experiencia artística.
Tanto Migliano como Garduño tenían claro que querían transmitir una vivencia más que una simple visita a una exposición. “El tema surrealista de Ricardo y sus pianos sonando solos en una casa abandonada sonaba un tanto irreal”, explicó. La curadora destacó que, aunque la casona eventualmente podría ser restaurada, parte de su magia residía justamente en su estado actual de ruina y en las historias que el lugar contaba.
Personalmente, creo que esta mezcla de lo surreal y lo real, de lo antiguo y lo contemporáneo, es lo que hizo que la exposición se sintiera tan viva y auténtica, invitando al espectador a cruzar un “umbral” hacia una experiencia que trasciende lo cotidiano.
KOUA STUDIO
presenta colección inspirada en Acapulco en London Fashion Week
La diseñadora Erika Álvarez presentó su nueva colección de bolsos en London Fashion Week con la que rinde homenaje a Acapulco y a las tradiciones artesanales de México
Por Mildred Estrada —
Dentro de la industria de la moda mexicana, existe un denominador común: enaltecer y preservar el trabajo textil de los artesanos de diferentes comunidades de nuestro país y promoverlo en el resto del mundo.
Esa es la principal misión de Koua Studio, firma fundada en Londres en 2021 por Erika Álvarez, una empresaria que está liderando el movimiento de la moda sostenible, inclusiva y equitativa.
La empresa nace en respuesta a la crisis climática y de biodiversidad que se disparó por la pandemia de COVID-19.
Ofrece textiles hechos a mano, a medida, que tienen un impacto ambiental y social positivo. Su enfoque está en la creatividad, la tradición y la innovación, con un fuerte compromiso en brindar oportunidades económicas y beneficios sociales a los pueblos indígenas de México.
En la reciente edición de London Fashion Week, la frma lanzó su nueva colección de bolsos, con la que rinde homenaje a las tradiciones artesanales de México y a Acapulco, una ciudad ubicada en la costa del Pacífco mexicano, conocida por su hermosa playa y por ser el lugar favorito de las celebridades glamorosas durante la Época de Oro de Hollywood en los años 60.
“ACAPULCO WAVES OF CHANGE” (Acapulco: las olas del cambio, en español) es una fusión de herencia mexicana, sostenibilidad y empoderamiento social. La colección, diseñada por KOUA México y Álvarez, se resume en una celebración del arte y diseño latino, en colaboración con la marca de moda colombiana Anciela.
“Mis raíces son guerrerenses y tuve la oportunidad de trabajar con artesanas de pueblos originarios de Guerrero en esta ocasión para desarrollar algunos de los diseños de mis bolsas. Entonces, esta colección es muy especial para mí”, comentó Erika.
Esta colección es más que una declaración de moda, representa un movimiento que adopta prácticas sostenibles y de liderazgo, incluyendo
el uso de piel vegana hecha de piña, algodón reciclado al que artesanos de Oaxaca le dan nueva vida en un telar de pedal, y telas teñidas naturalmente o hechas a mano por artesanos de Oaxaca y Guerrero, donde la herencia familiar de Erika tiene sus raíces.
“Estoy muy emocionada por el lanzamiento de mi nueva colección, Acapulco Olas de Cambio. No solo retrata recuerdos de mi infancia que tuve en el lugar más famoso de la costa de México en esos tiempos, sino que cuenta la historia de cómo este lugar se ha visto afectado por problemas ambientales y sociales en los últimos años”, contó la creativa.
En entrevista con MM México Moda, la diseñadora compartió su inspiración para crear esta línea: “Acapulco, para mí, son muchas memorias de mi niñez con mi familia, en Isla La Roqueta, espectáculos de noche en La Quebrada, comer en Barra Vieja, y demás. Ya después regresaba en plan festa en épocas de la universidad, pero en sí, tengo un sentimiento muy especial. Es muy triste que haya sido golpeado en el último año por dos fuertes huracanes, afectando a muchas familias”.
La presentación en la Semana de la Moda de Londres fue una verdadera celebración de la cultura, moda y música latina. Incluyó un panel de discusión centrado en el emprendimiento latino en Londres, con la participación de Jennifer Droguett, fundadora de Anciela, y Rosa Cecilia, cantante nacida en Londres y artista independiente de herencia chilenoitaliana, quien tuvo una increíble actuación al fnalizar el panel.
“Estoy muy feliz. Londres es como mi casa ahora, y presentar mi colección durante esta temporada siempre es una experiencia increíble, ya que gente de la industria de todas partes del mundo viene a Londres a ver las nuevas colecciones. El ambiente es súper colaborativo”, dijo Álvarez.
Los invitados disfrutaron de canapés y bebidas elaboradas con ron Ruta Maya y Tequila Casa Don Ramón. El evento se llevó a cabo en Monmouth Kitchen, un elegante restaurante peruano-italiano en el corazón de Londres. Los invitados recibieron como
LA COLECCIÓN ACAPULCO
- Waves of Change está disponible para su compra eL Web: koua-mexico.com.
obsequio Collagen Superdose, un suplemento diario para nutrir la piel, el cabello, las uñas y las articulaciones.
“Sé que no puedo retroceder el tiempo, pero puedo ayudar a generar cambios con mi iniciativa, que anima a los diseñadores a crear una colección única con mis textiles. De esta manera, espero no solo contribuir en la economía de los artesanos y la preservación cultural de sus diseños y técnicas, sino también cerrar la brecha de género empoderando a mujeres emprendedoras en moda y ayudándonos a alcanzar nuevos mercados juntas”, mencionó.
Para la diseñadora, promover la cultura de nuestro país es un orgullo: “Transmitir no solamente mis sentimientos como mexicana a través de mi arte, sino también su cultura y tradiciones, pero sobre todo el conocimiento y patrimonio cultural de los artesanos en mis diseños, me hace sentir muy orgullosa. En Londres aman México, no solo la comida y sus playas, también la cultura en general, así que les encanta ver la historia detrás de mis colecciones. Lo han recibido muy bien”, fnalizó.
EL FEMINISMO
Un Movimiento en Búsqueda de Consenso y Comprensión
El feminismo, en teoría, es el conjunto de movimientos sociales y políticos que luchan por la igualdad de género y que postula el principio de igualdad de derechos entre mujeres y hombres. Hasta aquí estamos de acuerdo, ¿cierto?
— Por Verónica Salame —
Es la defnición más básica, escueta y simple de entender. Entonces, ¿por qué se ha convertido en una palabra que divide cada vez más a las mujeres y polariza a la sociedad?
Les comento que yo también he navegado por diferentes opiniones, y me parece importante desmenuzar con ustedes este tema, esencialmente porque exigimos respeto y comprensión de los hombres, pero nosotras mismas no hemos entendido que el primer paso es que las mujeres lleguemos a un punto de consenso.
En mi experiencia, y sé que es también la de muchas mujeres de mediana y mayor edad, existe falta de comprensión del término, y ya ni hablemos de la causa de lucha.
‘Todas las mujeres somos feministas’, gritamos a los cuatro vientos. Claro, retóricamente es lo ideal, sin embargo, la enorme diferencia yace en la forma de expresarlo.
La intención de esta breve opinión no es etiquetar, señalar o criticar, mucho menos juzgar las diversas formas de practicar el feminismo. Hay tantas posturas como mujeres en el mundo, y estas van de acuerdo con nuestra personalidad, formación, creencias, limitaciones personales o sociales,
miedos, etcétera. Gran diversidad. De ahí que nos pueden encontrar radicales, activistas, pasivas, las que se aventuran a hablarlo en una plática de café o las que preferen solo escuchar y, tristemente, las que preferen señalar y no actuar.
Seamos honestos, todos hemos escuchado en boca de otras mujeres frases como ‘están locas’, ‘esas mujeres no me representan’, ‘por ellas nos tratan así’ y la totalmente desvirtuada ‘cuidado, ahí vienen las feminazis’.
¡Qué terrible! ¡Feminazis! Una palabra (si es que se le puede dar esa categoría) que, como muchas otras, me parece tan grave como darse un balazo en el pie; un término tan humillante que compara a las feministas con el grupo racista y genocida más infame en la historia de la humanidad. Considero esto más que inaceptable e irresponsable. Hasta donde sé, el feminismo no pretende meter a los hombres en campos de concentración ni en cámaras de gas.
Estoy convencida de que el feminismo apuesta por la educación para lograr la igualdad en derechos, trato y oportunidades. ¡Aguas! con el discurso de, ‘nada más basta ver el cuerpo de una mujer y de un hombre para entender que no somos iguales’. Pero, ¿qué tiene que ver la fsionomía? Y eso no está en discusión. Físicamente
somos diferentes (cumplimos diferentes funciones físicas y biológicas, pero no sociales). Es una forma simplona e insulsa de querer desacreditar el movimiento feminista.
Y, ojo, punto importante: las feministas no odiamos a los hombres, por el contrario, valoramos su apoyo, comprensión y agradecemos a quienes alzan la voz como nuestros aliados, pero (aquí es donde varios se irán de espaldas) tampoco hay hombres feministas; este es un movimiento y condición únicamente femenil.
Es un hecho que a las mujeres de mi generación nos cuesta mucho trabajo comprender estos términos porque nos educaron bajo la normalización del machismo; sin embargo, es muy sencillo defnir si nuestra ideología es feminista.
Aquí una pequeña guía. ¿Has estado en una plática en la que se usen las frases ‘se ponen histéricas’, ‘seguro le está bajando’, ‘ni ellas se entienden’ o los clásicos chistes ‘mujer al volante, peligro constante’, ‘calladita te ves más bonita’? Esos comentarios, ¿te causan molestia e indignación? Te tengo noticias: ¡entonces eres feminista, ahora lo sabes! En su momento, a mí también me lo explicaron, y por eso decidí compartirlo contigo.
Hoy entiendo bien: soy feminista porque soy mujer.
— Por ALEJANDRA MAPELLI MOZZI —
Una azotea-terraza abandonada, sobre la estación de metro Temple de las líneas Circle y District, se transformó en el Artist’s Garden para artistas mujeres. Es un espacio de 1400 m² donde el público puede experimentar obras novedosas y de gran escala, como las instalaciones que se presentan a lo largo del tiempo. Vale la pena ir con la familia y amigos, ya que su ambicioso programa ha generado piezas emblemáticas que, sin duda, dejarán una huella en la memoria contemporánea.
Su ubicación, al costado del río Thames, formó parte de un plan para dotar un sistema de alcantarillado moderno, diseñado por Joseph Bazalgette entre 1860 y 1870, con el fn de solucionar el problema de la Gran Peste, un periodo en el que los residuos humanos no eran tratados. El proyecto fue tan bien estructurado que, en lugar de lodo, se generaron espacios públicos, con calles pavimentadas y banquetas para el paso peatonal, túneles para el tren y el metro, una red de saneamiento, agua potable y cañerías subterráneas. También se construyeron estaciones de bombeo para elevar el agua y proporcionar un fujo sufciente.
Se cree que el lugar fue parte del jardín de Lord y Lady Arundel, quienes fueron los primeros coleccionistas de escultura clásica. Dicen que los visitantes descendían del Thames, y caminaban alrededor de los jardines hasta llegar a la Arundel House, situada a un lado de Somerset House.
El proyecto ayudó a limpiar las calles de la ciudad de excrementos. Es justo rendir homenaje a estos espacios que albergan tantos avances que han subsistido y transformado la vida, desde el hecho de contar con agua potable
hasta la gratificante conciencia de observar la habilidosa ingeniería humana que proporcionó soluciones que aún benefcian a los habitantes de hoy en día.
El Artist’s Garden es un lugar que abrió en 2021 con la visión Technicolor de Lakwena. Actualmente, su programa está germinando con pasos firmes, sobre todo por su arte dinámico hecho por mujeres, brindando proyectos, oportunidades, y amplias comisiones encargadas a artistas que desafían y buscan materializar sus ideas, generalmente escultóricas, con materiales resistentes a la intemperie y al tiempo. Además, amplían su conocimiento del espacio, ya que intervenir un lugar de estas características tiene su complejidad.
Cuenta también con una vista panorámica de Londres. Desde ahí, se puede ver The Shard, el edifcio más alto de la ciudad con 309,7 metros de altura, diseñado por el italiano Renzo Piano como un cristal que atraviesa las entrañas de la urbe.
Claire Mander está generando diálogos sensibles entre los artistas y los visitantes, creando un entorno donde, aunque el tiempo corre rápido, sabe lo valioso que es romper con lo establecido, para preservar y conectar con quienes recrean el panorama. Agiliza redes colaborativas que se convertirán en anécdotas estéticas en el tranquilo corazón de Londres.
En nuestra visita, tuvimos la suerte de ver la instalación de Holly Hendry, Slackwater, una pieza que teje las corrientes del agua que surgen cuando los ríos se encuentran, generando un choque donde el agua retrocede, queda quieta por unos instantes y luego sigue su curso río arriba. Hendry utilizó conductos a escala industrial que pintó y acomodó cromáticamente para dar el efecto de los refejos del agua en tonos plateados y verdes
satinados. Reutilizó carretes de madera, que llevan cables para electrifcar las ciudades, e hizo moldes de boyas naranjas, infadas, que sirven como defensas para barcos en el río Thames.
Holly Stevenson, una artista romántica, presentó una pieza en cerámica llamada Otra Madre, como homenaje a Maria Kough Bazalgette (1819-1902), quien dio a luz a 11 hijos en 15 años, todos sobrevivientes hasta la edad adulta, lo cual era inusual para la época. Stevenson reemplazó una balaustrada, pilar repetitivo de donde emanan tantas ramifcaciones de vida, con una pieza vegihumanoide, como cariátide de la feminidad y la maternidad. La escultura, en su parte superior,
incluye un cielo azul lleno de estrellas amarillas, visible solo a nivel de calle, lo que alude a la opresión masculina de la época y a cómo la labor de una madre no siempre se apreciaba dentro del hogar, aunque sí en las interacciones y trazos entre las personas.
Frances Richardson hizo una instalación donde invita al público a interactuar con una banca restaurada del parque, intervenida con ruedas. Sintió que el espacio tiene la cualidad de relajar a los visitantes y hacer que disminuyan la velocidad de sus planes y el tiempo se vuelva quieto, lo que le recordó la novela Slowness del checo Milan Kundera (1995), en la que pregunta: “¿Por qué ha desaparecido el placer de la lentitud? ¿Dónde se
han ido los caminantes de ayer? ¿Adónde se han ido esos héroes holgazanes de las canciones populares, esos vagabundos que vagan de un molino a otro y se acuestan bajo las estrellas? Hay un proverbio checo que describe su fácil indolencia con una metáfora: “Están mirando las ventanas de Dios. “Una persona que mira las ventanas de los dioses no es aburrida; él es feliz. En nuestro mundo la indolencia se ha convertido en no tener nada que hacer, que es algo completamente diferente…”
¡Sí! Puedes llevar la banca por la terraza y buscar la sombra, la vista o el rayo de sol que mejor te acomode. Su observación sobre bancas, jardines y espacios públicos, así como las fotografías
recopiladas de personas en estos lugares en su función original, ayudaron a crear la pieza. Por ejemplo, en una salen cubiertos con mantas en las piernas para defenderse del frio, coloca este objeto interpretado con un material que se utiliza en zonas de desastres naturales y se seca rápidamente para construir refugios, pero con las manos del artista, pensaras que es una lona que se arruga abandonada por algún individuo. Esta profunda observación generará muchas propuestas para los diseñadores de jardines públicos y plazas… obra para reinterpretar la manera de disfrutar y fuir al aire libre. Podemos ver como la tecnología si es utilizada con cautela y dirección puede destinar nuestras experiencias en la Tierra.
¿Cuántas veces hemos visitado algún parque y no hay bancas? o si las hay, dan la espalda al parque o cuando las bancas están en las banquetas, ¿algunas veces generan frustración por que se encuentran tan cerca de los coches que el aire que acciona el paso de cualquier autobús deja plantas y polvo sobre el cuerpo?, ¿cuántas veces las bancas están alejadas de la sombra que da un árbol en verano y en invierno tan lejos de un rayo de sol que caliente la piel? ¿Cuántas veces quisieras poder leer un buen libro en una banca, pero no están colocadas como necesitas en ese momento por tantos factores?
BENEFICIOS DE LAS LICENCIAS DE PATERNIDAD
La licencia de paternidad es una herramienta esencial que ofrece múltiples beneficios a nivel personal, familiar y social. Estas licencias permiten a los padres ausentarse del trabajo para cuidar de sus recién nacidos, y su importancia ha sido reconocida en muchos países alrededor del mundo. A continuación, exploraremos en profundidad cómo estas licencias impactan positivamente en varios aspectos.
Por Hugo Hernández Ojeda Alvírez.Hogan Lovells Socio —
El establecimiento de un vínculo fuerte entre el padre y el hij@ es crucial durante los primeros días de vida. La licencia de paternidad permite que los padres pasen tiempo de calidad con sus hijos e hijas (para efectos de este artículo me referiré a hijos e hijas como hijos), lo que fortalece este lazo emocional. Este vínculo temprano no solo es benefcioso para el bienestar emocional del niño, sino que también infuye en su desarrollo cognitivo y social.
Los estudios han demostrado que los padres que participan activamente en el cuidado de sus hijos desde el nacimiento tienden a mantener relaciones más estrechas con ellos a lo largo de sus vidas. Este tipo de conexión puede contribuir a una mayor autoestima en los niños y a una mejor capacidad para formar relaciones saludables en el futuro.
La transición a la paternidad puede ser un período de estrés y ansiedad. La licencia de paternidad proporciona a los padres la oportunidad de adaptarse a su nuevo rol con una reducción de la presión del trabajo. Esto es crucial para su salud mental, ya que les permite disfrutar de los primeros momentos con su hijo y reducir el riesgo de depresión postparto. Esos momentos deben aprovecharse y las nuevas generaciones lo tienen bien considerado. En muchos foros he expuesto lo que me pasó a mí al nacer mis hijos, y es, creo, de lo único que me arrepiento en mi vida: no haber pasado más tiempo con ellos de recién nacidos.
Para las madres, el apoyo del padre durante este tiempo también puede aliviar el estrés y la carga emocional, promoviendo un ambiente familiar más equilibrado y saludable. Un entorno de apoyo durante los primeros meses es fundamental para el bienestar emocional de ambos padres.
Las licencias de paternidad son un paso importante hacia la equidad de género en el hogar. Al permitir que los padres se involucren en el cuidado de los hijos, se desafían los estereotipos tradicionales que asocian la crianza exclusivamente con las mujeres. Esto fomenta una distribución más equitativa de las responsabilidades parentales y domésticas.
Cuando los padres participan activamente en el hogar, se libera a las madres de la carga exclusiva de la crianza, permitiéndoles regresar al trabajo con menos estrés. Esto no solo benefcia a las mujeres, sino que también educa a las futuras generaciones sobre la importancia de compartir las responsabilidades familiares.
Aunque las licencias de paternidad pueden implicar costos iniciales para las empresas y los gobiernos, los benefcios económicos a largo plazo son signifcativos. Las empresas que ofrecen estas licencias a menudo experimentan una mayor lealtad y satisfacción por parte de sus empleados, lo que se traduce en una menor rotación de personal y, por ende, en un ahorro en costos de reclutamiento y capacitación.
Además, los empleados que toman licencia de paternidad suelen regresar al trabajo con un mayor sentido de compromiso y motivación, lo que puede aumentar la productividad y el rendimiento general de la empresa. Las políticas de apoyo familiar hacen que las empresas sean más atractivas para el talento, mejorando su competitividad en el mercado.
El tiempo que los padres pasan con sus hijos durante los primeros meses de vida puede tener un impacto signifcativo en el desarrollo infantil. Los padres que se involucran activamente en la crianza tienden
a estimular más a sus hijos, lo que favorece su desarrollo cognitivo y emocional.
La interacción temprana, el juego y el contacto físico son esenciales para el desarrollo de habilidades sociales y cognitivas. Los niños que crecen en entornos donde ambos padres están involucrados suelen mostrar mejores resultados académicos y habilidades sociales.
La implementación de licencias de paternidad tiene un efecto positivo en la sociedad. Fomenta una cultura de apoyo a la familia y crianza compartida, contribuyendo a comunidades más cohesionadas y solidarias. Al reconocer la importancia del rol de los padres, se promueve un cambio en la percepción social de la paternidad.
Al permitir que los padres participen activamente en la crianza, también se contribuye a la formación de ciudadanos más responsables y empáticos. La paternidad activa no solo benefcia a la familia inmediata, sino que tiene repercusiones en la comunidad y la sociedad en su conjunto.
Las licencias de paternidad también mejoran la salud familiar. Cuando los padres están presentes durante las etapas iniciales de la vida de sus hijos, se establece un entorno más saludable y estable, lo que puede reducir problemas de salud física y mental para todos los miembros de la familia.
Un ambiente familiar positivo fomenta hábitos de vida saludables. Los padres involucrados tienden a ser más conscientes del bienestar de sus hijos, promoviendo una vida familiar más saludable en general.
La licencia de paternidad permite una mayor flexibilidad en la crianza. Los padres pueden organizar su tiempo para ajustarse a las necesidades de sus hijos y de su pareja. Esta fexibilidad benefcia a la familia y permite a los padres involucrarse en otras áreas importantes, como la educación y actividades extracurriculares.
Esta capacidad de adaptarse a las demandas de la crianza resulta en un ambiente familiar más armonioso y en una mejor calidad de vida para todos los miembros de la familia.
Las licencias de paternidad establecen un precedente positivo para futuras generaciones. Al ver a sus padres involucrados en su crianza, los niños aprenden sobre responsabilidad y compromiso. Esto infuye en su futura paternidad y maternidad, creando un ciclo de involucramiento y apoyo que se perpetúa con el tiempo.
Los padres que toman licencia de paternidad son modelos a seguir, demostrando que la crianza es una responsabilidad compartida y valiosa.
Este legado puede tener un impacto duradero en las actitudes y comportamientos de las futuras generaciones. En conclusión, desde mi punto de vista, los benefcios de las licencias de paternidad son amplios y multifacéticos, afectando positivamente a los padres, los niños y la sociedad en general. Desde el fortalecimiento de los lazos familiares hasta la promoción de la equidad de género y el bienestar económico, las licencias de paternidad son una inversión crucial en el futuro. Al reconocer y valorar el rol de los padres, se establece un camino hacia un entorno familiar más saludable y una sociedad más equilibrada. Es esencial que las políticas de licencia de paternidad se implementen y fortalezcan para garantizar que todos los padres tengan la oportunidad de participar plenamente en la vida de sus hijos desde el principio. Francamente, me parece que los esfuerzos de nuestros legisladores para regular este tema son muy importantes, y más importante aún es el avance que las empresas en México ya están haciendo, otorgando un beneficio mayor a lo que marca la ley mexicana, en un afán de mejorar las condiciones de trabajo de su personal, creando una verdadera cultura de diversidad e inclusión, y siguiendo las mejores prácticas sociales y de recursos humanos a nivel internacional.
LA MODA EN CRYSTAL CRUISES
o que ponerse para viajar en crucero
¿Qué ponerse para viajar en un crucero? ¡Qué encrucijada mental para alguien que vive en la CDMX en temporada de lluvias y huracanes, y que tiene que cambiar el chip mental para trasladarse a la maravillosa y hermosa Costa Azul en un increíble barco que visitará puertos de encanto!
— Por Rosenda
Ruiz
—
Unirme a este viaje con Crystal hacia la Costa Azul ha sido un viaje en el que recopilé memorias para toda una vida, pasando días inmersa en los destinos más impresionantes del mundo: de Barcelona a Montecarlo, y pasando por Marsella, que robó mi corazón. Noches elegantes llenas de excelente gastronomía, entretenimiento y compañía cautivadora. Al recibir el itinerario, comenzó el tema del fashion styling y del cuestionamiento de lo que deberá caber en una maleta. Correr por aeropuertos cargada de maletas y bolsos como María Félix ya quedó en el pasado; ahora, llevar lo necesario y planear es lo de hoy. Inicié buscando a Liz Luis, mi entrañable amiga PR de Grupo Inditex, quien me llevó
a Massimo Dutti Masaryk para recibir el consejo de sus asesoras de moda para ir ad hoc a este viaje por el mar. Telas ligeras como lino y algodón son lo idóneo para este viaje, ya que, todavía en octubre, el calorcito es delicioso, por lo que, los colores beige y hueso, el verde militar y los tejidos ligeros fueron los que ganaron en la búsqueda. Lix me dijo: “Estas colecciones atemporales se crearon para satisfacer la demanda de los consumidores de poseer más prendas y encontrar un surtido más amplio. También son una respuesta al cambio climático, que ha eliminado prácticamente por completo los periodos de entretiempo”. Para el bolso de viaje, una clásica YSL color nude y una sorprendente Bvlgari plateada para la noche. ¡Ana Celia Urquidi, you rock! Las sandalias, tan en boga en el Mediterráneo, fueron mis compañeras,
con unas Hermes color tan, y por supuesto, compré unas clásicas y muy europeas Marsellesas, ¡una chulada! Ir de crucero defnitivamente es lo mío.
Junto con Abercrombie & Kent, nos acercamos al lado oculto de cada destino y creamos recuerdos garantizados para toda la vida. En pocas palabras, Crystal es excepcional en el mar. Al subir a bordo, recibimos una cálida bienvenida a un mundo de comodidad y sofsticación en sus renovados barcos de lujo, donde la tripulación nos llamaba por nuestro nombre ocupándose de todos nuestros deseos.
Así, entre ciudad y ciudad, y las fabulosas noches bajo cielos estrellados, pasamos seis irrepetibles días a bordo del crucero más hermoso de todos. Por cierto, pasé la tarde en Mónaco buscando a Carolina y su hermoso traje Chanel, ¡que es tan de ella, jaja!
MIRA ART Fair
Una ventana al arte contemporáneo latinoamericano en París Arte, Identidad y Memoria
— Por Gabriela Gorab —
Del 18 al 22 de septiembre de 2024, la Maison de l’Amérique Latine en París presentó la primera edición de la feria de arte MIRA, un evento pionero que buscó dar visibilidad al arte latinoamericano en la capital francesa, con la participación de alrededor de veinte galerías.
La palabra “MIRA” en español tiene dos significados: puede referirse a un objetivo o propósito (por ejemplo, “Su mira es convertirse en el mejor atleta del país”), o al acto de dirigir la vista hacia algo (por ejemplo, “Mira hacia el cielo, está a punto de llover”). En este caso, MIRA llegó a París para atraer la atención hacia obras nunca antes vistas en Europa, poniendo el arte de América Latina en el centro de la escena artística europea. Esta feria fue una gran oportunidad para descubrir la riqueza cultural y artística de la región.
La MIRA Art Fair se inauguró como la primera feria de arte en París dedicada exclusivamente al arte contemporáneo de América Latina. Se realizó en la
Maison de l’Amérique Latine hasta el 22 de septiembre, creando un diálogo entre el arte latinoamericano y la escena artística europea.
Un aspecto destacado de la feria fue el programa público, que ofreció paneles de discusión sobre temas importantes como el uso del término “América Latina” y el papel de las residencias artísticas en la creación de arte en la diáspora. En su primera edición, la feria presentó obras que exploraban conceptos como la migración, la identidad y la propaganda política.
Uno de los trabajos que más me gustaron fue el de José Carlos Martinat, en la Galería Mayoral, quien realizó “extracciones de pared” removiendo capas de muros en Sudamérica que habían sido utilizados para propaganda política. Luego, usaba esas paredes desgastadas como base para sus pinturas, resaltando cómo los símbolos políticos y la memoria pueden desaparecer con el tiempo. Este trabajo me pareció una refexión profunda sobre la fragilidad de lo que una vez tuvo importancia política.
Otra artista que llamó mi atención fue Camila Rodríguez Triana, en la Galerie BAO. Ella es descendiente de los Mhuysqas, un grupo indígena colombiano, y en su obra “Ukha Pacha” intervino libros sobre la colonización americana. Cubrió las páginas con tierra de su lugar de origen y bordó con hilo dorado los nombres de sus ancestros. Lo que más me impresionó fue cómo estas páginas intervenidas formaban la silueta del mar Mediterráneo, simbolizando la peligrosa ruta migratoria actual.
Alex Hernández, en la Galería Waltman, presentó una obra basada en su estudio de las abejas en La Habana. Creó panales artificiales y observó cómo las colonias de abejas reaccionaban ante esas estructuras geométricas, utilizando esto como una reflexión sobre las similitudes entre la sociedad humana y la naturaleza. Me pareció fascinante cómo conectó el mundo natural con el comportamiento humano.
Miler Lagos, en la Galería Max Estrella, mostró su serie “Anillos del tiempo”, donde usó 400 copias de la misma página de un periódico para crear anillos similares a los de los troncos de los árboles, que revelan su edad. Esta obra fue un recordatorio de cómo los humanos explotan el medio ambiente y cómo el tiempo y la memoria se refejan en nuestra historia. Me pareció una conexión poderosa entre la naturaleza y nuestra tendencia a acumular información.
La MIRA Art Fair no solo mostró el arte latinoamericano contemporáneo de manera impactante, sino que también invitó a refexionar sobre temas importantes como la identidad, la memoria y la política, en un entorno que fomentó el diálogo entre culturas.
“Palabras Libres de Mujer”
¿CÓMO PERMITIRTE SENTIR Y PENSAR SIN AUTOLIMITARSE?
Permitirnos sentir y pensar libremente no es una tarea sencilla, ya que estamos acostumbrados a no hacerlo de esa forma. Tenemos miedo de nuestras emociones y pensamientos, temiendo que se apoderen de nuestras acciones y decisiones. Sin embargo, es importante resaltar lo siguiente: la acción está separada del pensamiento. No por pensar se actúa, y viceversa. Lo mismo ocurre con las emociones.
Debemos permitirnos pensar y sentir sin autolimitarnos, pero también aprender a crear la condición emocional necesaria para hacerlo sin actuar compulsiva o arrebatadamente. A medida que aumentemos nuestra capacidad emocional y soportemos los pensamientos y emociones sin reaccionar impulsivamente, crearemos el espacio necesario para observarlos, digerirlos, reconocerlos, aprender de ellos y conocernos a través de ellos. Luego, podremos elegir qué queremos hacer. En nuestra elección reside nuestro libre albedrío y la creación de nosotros mismos como individuos.
Muchas veces elegimos arrebatadamente y nos convertimos en prisioneros de nuestros pensamientos y emociones, en lugar de tener la libertad de elegir quiénes queremos ser y qué deseamos realmente para
nuestras vidas. Por eso es crucial aprender y practicar el pensar y sentir sin autolimitarnos, pero al mismo tiempo tener la fuerza de contención para permitir que esas emociones y pensamientos vivan dentro de nosotros hasta que tengamos la claridad para actuar de acuerdo con nuestros más profundos deseos y elecciones.
Todo comienza con darnos el espacio y el tiempo para conectarnos con nosotros mismos. Dedica momentos durante el día para recabar la información que tu mente y cuerpo te proporcionan. Más adelante hablaremos sobre cómo registrar lo que pensamos y sentimos; por ahora, es importante aprender a detectarlo. Con la práctica, podrás recabar esta información sin necesidad de detenerte por mucho tiempo o designar un espacio específco para conectarte contigo mismo, pero al principio es importante que lo hagas.
Te recomiendo que, al finalizar cada actividad diaria, te des 5 minutos de conciencia para conectar con tu mente y cuerpo. Al principio, tu mente puede divagar si no está entrenada para estos ejercicios, así que permítele hacerlo durante esos 5 minutos. Si no logras descifrar nada, está bien, lo que rescates es valioso. Con el tiempo, tu mente se acostumbrará y te proporcionará información más valiosa y relevante. Hemos dejado de escuchar
conscientemente a nuestra mente por mucho tiempo, así que al principio querrá toda nuestra atención. Poco a poco se irá calmando y será más clara. En estos 5 minutos, tu mente y cuerpo te darán información valiosa, pero hay algo importante que no debes perder de vista: debes ser honesto contigo mismo. Tu cuerpo y mente te dirán su verdad y, aunque no te guste, no intentes cambiarla o rechazarla. Escucha atentamente y sé honesto contigo mismo acerca de lo que habita en ti en ese momento. No existen las emociones o los pensamientos malos. Solo existen las emociones y los pensamientos de forma neutral, sin juicios. No te espantes ni rechaces lo que sientes o piensas, sea lo que sea. Y recuerda: no eres tus emociones ni tus pensamientos, eres lo que eliges hacer con ellos. Así que deja fluir lo que habita en ti y conviértete en un observador consciente de ti mismo.
Deja que tus emociones y pensamientos te muestren lo que habita en ti, sin autoengañarte. Sentir o pensar algo en este momento no signifca que será así siempre, a menos que tú lo decidas. Pero es cierto que, en este momento, esos pensamientos y emociones están en ti, y está bien. Obsérvalos y siéntelos. Más adelante, elegirás con más claridad qué hacer con ellos.
— Por Fredel Romano —
¿Seguimos la conversación?
Escríbeme a: hola@noumi.com
IG: @fre__philosophy
MODA
— Por Armando Caso —
Según la RAE, la moda es el uso, costumbre o gusto que está en boga en un lugar o tiempo determinado. Por ejemplo, ahora la moda es lo que estaba de moda en los años 90 (y un poco de lo que estaba de moda en los 80´s y los early 2000´s, etc.).
Por su parte, el estilo es la manera en que nos peinamos, maquillamos, pero sobre todo, la forma en que vestimos, combinando colores y texturas, las líneas, formas y volúmenes de las prendas, y a juego, los accesorios que utilizamos. Volviendo a la moda, hoy en día se
utilizan líneas más amplias. Un ejemplo son los baggy jeans en comparación con los skinny jeans que llevábamos hace unos años. También los slip dresses que Calvin Klein hizo populares, como el que lleva Alicia Silverstone en la película Clueless, y las donas para el pelo, pero en la muñeca, tal y como Fey lo hacía mientras cantaba Media Naranja. Chamarras tipo bomber, camisas amplias, sobrecamisas, gorras y bucket hats también están de vuelta.
Muchas de estas prendas y tendencias, que han regresado, tal vez nunca hayan salido de tu clóset ni lo hagan.
TRIBUS URBANAS
En cuanto a estilos, existen tribus urbanas que comparten una identidad y la exhiben con orgullo: reglas, forma de hablar, gustos musicales y, por supuesto, su manera de vestir.
A continuación, analizamos algunas de las principales “tribus” y su estilo al vestir:
ROCKABILLY
Una de mis tribus favoritas. Es puro rock and roll. Su origen se remonta a la década de 1950, y ellos juran que siguen viviendo en esa época, tanto en lo gráfco como en lo cultural, apropiándose del estilo pin-up.
Imita su estilo: pantalones rectos, camisas de boliche, chamarras de cuero, copete alto y mucha cera o gel para el cabello. Para ellas, vestidos forales con escotes (sin llegar a lo vulgar), faldas o pantalón y zapatos de tacón. No olvides los tatuajes y paliacates.
PERSONALIDADES:
ELVIS PRESLEY Y DITA VON TEESE. Marcas: Levi’s, All Saints.
PUNKS
Su apariencia es llamativa por las crestas coloridas, varios piercings y tatuajes. Chamarras y pantalones de cuero llenos de estoperoles son imprescindibles. Las playeras con el símbolo de Anarchy no pueden faltar.
Imita su estilo: botas y zapatos Dr. Martens.
PERSONALIDAD:
GWEN STEFANI EN NO DOUBT.
HIPSTERS
MUPPIES
Es posible que seas uno de ellos sin saberlo. Jóvenes adultos, adictos a la tecnología y a la vida sana. Están lo sufcientemente letrados y preparados profesionalmente, como para no trabajar en algo ajeno a lo que estudiaron durante largas noches de desvelo. Los hábitos deportivos son indispensables, especialmente al aire libre. Viajar tampoco puede faltar.
Imita su estilo: al igual que los swaggers, visten de marca, pero sin seguir tendencias concretas.
Ahora que las conoces, ¿con cuál te identifcas? Recuerda que la moda es cíclica: va y viene. Quizás en 20 años vuelva a ser tendencia lo que hoy llevamos como el último grito de la moda. Como decía Coco (Chanel, por supuesto), “La moda pasa. Solo el estilo permanece”.
Disfrutan de la estética vintage y la música indie. Creen frmemente que la vida antes era mejor. Eso sí, cuando se trata de su celular, cargan con la última generación de iPhone.
Imita su estilo: gafas de pasta, pañuelos, gorros, barba espesa y algún que otro tatuaje.
PERSONALIDADES:
CHLOË SEVIGNY, JOHNNY DEPP.
Marcas: MOSCOT, Jacques Marie Mage, relojes CASIO, ropa vintage.
OTAKUS Y GAMERS
Mejor conocidos como frikis, son consumidores de todo lo que proviene del País del Sol Naciente: anime, manga, consolas de videojuegos y, claro, noodles, muchos noodles. Suelen acudir a convenciones como Comic-Con.
Imita su estilo: si no encuentran lo que buscan online, son lo sufcientemente hábiles para confeccionar su disfraz, conocido como “cosplay”.
PERSONALIDAD: JEFF ALBERTSON, EL COMIC BOOK GUY DE LOS SIMPSON
La que Mujer
— Por MARIMAR COSIO —
ViajaSola
Desde que tengo memoria, y desde hace siglos, cuando se habla de viajes, lo primero que viene a nuestra mente, es que siempre han estado ligados a la exploración masculina: grandes aventuras, descubrimientos y el espíritu indomable del hombre conquistando territorios. Sin embargo, hoy en día, un nuevo tipo de viajera está tomando los caminos del mundo, cambiando esta historia: la mujer que viaja sola.
Esto representa la lucha por la libertad, la independencia y el empoderamiento femenino.
Cada vez más mujeres elegimos viajar solas, desafiando convenciones, temores y estructuras culturales que históricamente nos han encasillado. Viajar sola es un acto audaz. En una sociedad que aún ve a la mujer como un ser que necesita protección, la mujer viajera rompe con esas barreras y decide tomar las riendas de su vida, de su tiempo y de sus propias experiencias.
Cuando una mujer decide viajar sola, no solo está buscando un destino; está también demostrando que sí puede. Planear un viaje por sí misma es más que escoger un lugar o decidir qué poner en su maleta, es gritarle al mundo que su vida es suya, que está a cargo de sus propias decisiones, que tiene no solo la libertad financiera sino también emocional para embarcarse en una aventura que le cambiará la vida. En el camino, se enfrenta a situaciones nuevas, toma decisiones importantes y aprende a confiar en sí misma como nunca antes.
El viaje en solitario permite a las mujeres vivir su libertad plenamente. No dependen de nadie para explorar los rincones de una ciudad o descubrir nuevas culturas. El tiempo se convierte en algo personal, y los lugares que visitan se experimentan de manera profunda e íntima. Cada encuentro, cada paisaje y cada reto que superan es un paso más para conocerse a sí mismas y enamorarse más de ellas.
No obstante, no está exento de desafíos, pero su valentía reside precisamente en su capacidad de superar estos obstáculos sin dejar que el miedo dicte su experiencia.
Viajar sola se convierte en un proceso de aprendizaje continuo. Al enfrentar situaciones imprevistas, lidiar con la soledad, la nostalgia y el miedo, pero eso te vuelve más resiliente. Los miedos de hoy se convierten en las anécdotas del futuro, y también en grandes triunfos: el descubrimiento de la propia voz, la capacidad de adaptarse y la construcción de una confanza inquebrantable.
Irónicamente, aunque viajan solas, las mujeres que emprenden este tipo de aventuras suelen tener las conexiones más profundas con otras personas. Viajar sola las abre a nuevos encuentros, amistades inesperadas y al apoyo de desconocidos en
momentos cruciales. Conectan de manera más auténtica con la gente local y con otros viajeros, creando lazos que, en muchas ocasiones, trascienden el viaje mismo.
Hoy en día, las mujeres que viajan solas nos recuerdan que el mundo no es un lugar reservado exclusivamente para los hombres, y que cada rincón de este planeta pertenece también a ellas. Es una declaración de que la mujer tiene derecho a experimentar el mundo por completo, a su manera, y sin pedir permiso.
Cierro esta columna diciendo a todas las mujeres que me están leyendo: si ya has viajado sola, no dejes de hacerlo, sigue creando memorias. En lo personal, es la mejor inversión que he hecho en mi vida.
A ti que nunca has viajado sola: no te pierdas una de las mejores experiencias de tu vida, vas a regresar más enamorada de ti misma.
LA RIQUEZA
BANCO EN UN
Siempre me sorprende la capacidad de creación del ser humano. Algo tan cotidiano como un asiento, un banco en donde apoyarnos, donde reposar tras una jornada larga, un artículo que nos permite descansar y recobrar el aliento, ese mueble que podría parecer tan simple y ordinario se torna en algo extraordinario y bello, reflejando la complejidad y sofisticación que puede alcanzar un objeto tan común.
— Por Isela Robles —
Los dientes de una piraña, el camino de una hormiga al avanzar, ranas, pájaros… Figuras y dibujos a través de los cuales vemos cómo estas bancas se convierten en una extensión de las formas orgánicas de donde provienen y viven quienes las fabrican: los habitantes de la Amazonia, una de las zonas más remotas de Brasil.
Cuarenta y una etnias representadas en 74 piezas conforman esta
colección, iniciada por Marisa Moreira y Tomás Alvin, un par de brasileños editores de libros que se fascinaron con la estética de estos bancos indígenas. En un inicio, era una colección particular, pero poco a poco se fueron interesando por quienes los fabricaban, y banca tras banca decidieron que el mundo tenía que conocer a los artesanos y la comprensión profunda que tienen de dichas culturas indígenas brasileñas (tan desconocidas), basada en el conocimiento de la fora
y la madera. Es un arte indígena tribal de la Amazonia brasileña, individual y colectivo al unísono, con una conexión construida a través de estos vibrantes objetos, potentes y sensibles al mismo tiempo.
Los diferentes diseños de los bancos, así como sus gráfcos, tienen signifcados específcos que se relacionan en correspondencia con los que se usan en la pintura corporal; básicamente, son elementos de la naturaleza que los rodean y los inspiran.
Los bancos tienen un rol muy importante dentro de estas comunidades; incluso son enterrados junto con sus propietarios o bien se heredan de generación en generación. Un banco es utilizado solo por el jefe de la tribu, y hay otros hechos especialmente para el payé o chamán de la comunidad, quien cura tanto el cuerpo como el espíritu. También encontramos bancos exclusivos para los ritos de paso de las niñas que han llegado a la pubertad. Cuando tienen su primera menstruación, pasan por un periodo de reclusión de hasta dos años, y ese banco lo utilizan durante este tiempo. Ningún hombre se atrevería a sentarse en ellos.
Para los jóvenes que regresan poco a poco a sus comunidades, fabricar estos bancos es una tradición viva transmitida por sus abuelos y perpetuada a través de sus hijos, quienes aprenden el ofcio. Es un encuentro entre la tradición y el futuro, en el que los jóvenes descubren este trabajo artesanal.
Actualmente, todos los artistas están siendo reconocidos por su arte, sobre todo gracias a la labor de Marisa y Tomás, y por la exposición que han tenido en los diferentes museos donde han sido exhibidos. Esta colección de bancos está regresando de Washington después de ser expuesta en Madrid, y ahora es recibida por el Museo Franz Mayer en la Ciudad de México.
Giovanna Jaspersen, su actual directora, comenta que traer esta exposición es parte del futuro diverso que quieren construir. “Queremos formar colecciones de cultura material que hablen de colectividades,
trabajos y oficios que no responden necesariamente a la visión eurocentrista del diseño”, señala.
Esta exposición, que permanecerá abierta hasta el 26 de enero de 2025, es una forma de rescatar estos empeños y apostar por otros medios y artistas que no siempre son reconocidos.
“No somos tan distintos. Hay formas que nos son comunes a pesar de la distancia”, afrma G. Jaspersen.
dejan huella en las
La moda ha dejado de ser solo una cuestión de estilo, y las recientes ediciones de las semanas de la moda en Tokio, Nueva York, Londres y París han sido una clara muestra de que las pasarelas globales están impulsando nuevas narrativas. Diseñadores emergentes y consolidados han logrado fusionar la sostenibilidad con la creatividad, desafiando los límites de la moda tradicional y utilizando este medio como una plataforma de activismo social.
CAPITALES del mundo de la moda
TOKIO Tokio
EL FUTURO SEGÚN XIMENA CORCUERA
La Rakuten Fashion Week de Tokio se cerró con éxito, destacando entre las pasarelas más importantes del mundo. Entre las propuestas más aplaudidas estuvo la de la diseñadora mexicana Ximena Corcuera, quien presentó una colección futurista que rompió con las convenciones. Con un enfoque en el ArtWear, Ximena utilizó materiales no convencionales, como plásticos y cremalleras sobredimensionadas, para difuminar las fronteras entre la moda y el arte. Su trabajo no solo destacó por lo estético, sino también por su compromiso con temas de identidad, migración y cambio climático. Corcuera consolidó su reputación como una de las voces más infuyentes de la moda contemporánea, al fusionar moda y activismo en cada una de sus creaciones.
NUEVA YORK Nueva York
EL TALENTO EMERGENTE DE LA UNIVERSIDAD IBEROAMERICANA
En la Semana de la Moda de Nueva York, el Global Fashion Collective ofreció un espacio para diseñadores emergentes, con la sostenibilidad como tema central. Uno de los momentos más destacados fue la presentación de los estudiantes de la Universidad Iberoamericana de México. Guiados por la maestra Cynthia Gómez Ramírez, los alumnos mostraron colecciones innovadoras con técnicas ecológicas, como el eco-teñido y la impresión 3D. Los jóvenes diseñadores lograron combinar la creatividad con la responsabilidad ambiental, dejando claro que el talento emergente no solo puede innovar, sino también liderar un cambio hacia una moda más consciente y sostenible.
LONDRES Londres
LA NARRATIVA MIGRATORIA DE EDUARDO RAMOS
En la Semana de la Moda de Londres, el diseñador Eduardo Ramos sorprendió al público con su colección ÉXODO, inspirada en la migración de la mariposa monarca y su experiencia como inmigrante. Ramos combinó sedas delicadas y cueros estructurados para representar la vulnerabilidad y la resiliencia, creando una línea cargada de simbolismo. Su habilidad para contar historias a través de la moda y conectar su herencia cultural con la alta costura lo consolidó como una de las promesas más interesantes del panorama internacional. ÉXODO no solo fue una muestra de habilidad técnica, sino también un poderoso recordatorio de las complejas transformaciones humanas.
LONDRES Londres
PARÍS París
PARÍS París
LUJO ÉTICO Y TRADICIONES
CON JASIVE Y CEDIM
La Semana de la Moda de París brilló con una fusión de vanguardismo y sostenibilidad. En este contexto, la diseñadora mexicana JASIVE, representada a nievel internacional por Global Fashion Collective, deslumbró con su colección, donde cada prenda combinaba elegancia y sostenibilidad, uniendo el lujo con la conciencia ética. JASIVE mostró telas ricas y siluetas audaces, logrando un equilibrio entre tradición e innovación, mientras reafirmaba su compromiso con la moda ética y el lujo responsable.
PARÍS París
PARÍS París
Por otro lado, la diseñadora Deyari Heredia, alumna del CEDIM, cautivó a la audiencia con su colección Emblema de la Piel, una exploración del cuerpo como símbolo de identidad. Inspirada en las prácticas ancestrales de tatuajes y modifcaciones corporales, Heredia fusionó pasado y presente, creando una narrativa visual que celebró la individualidad mientras cuestionaba las normas sociales. Su trabajo demostró que la moda puede ser una herramienta poderosa para discutir temas profundos como la identidad y la pertenencia.
Global Fashion Collective
GLOBAL FASHION COLLECTIVE
EL FUTURO DE LA MODA ES INCLUSIVO Y CONSCIENTE
Los desfles de Tokio, Nueva York, Londres y París no solo destacaron por su estética impresionante, sino por su enfoque en la sostenibilidad y el activismo. Diseñadores como Ximena Corcuera, Eduardo Ramos, JASIVE y los talentos emergentes de la IBERO y CEDIM están demostrando que la moda es un vehículo para el cambio social. La industria se está transformando, adoptando nuevas tecnologías y prácticas más responsables que, sin duda, marcarán el rumbo de la moda global.
Plataforma conformada por un grupo dinámico de individuos que comparten el objetivo de fomentar una industria de la moda inclusiva y diversa. Su misión es acelerar el desarrollo de diseñadores emergentes a través de la producción de exhibiciones innovadoras en las principales capitales de la moda a nivel mundial. Al aumentar la visibilidad internacional de los diseñadores en los medios y crear nuevas oportunidades de mercado, GFC impulsa el crecimiento de sus participantes. Como empresa hermana de Vancouver Fashion Week, que ha organizado desfles desde 2001, GFC colabora con una amplia gama de diseñadores internacionales en pasarelas en Tokio, Nueva York, Londres, Milán y París.
ACERCA DE GLOBAL FASHION COLLECTIVE
GLOBAL FASHION COLLECTIVE
DE MÉXICO CATRINAS EN EL Alma
— Por MM México Moda | Foto Armando Espinoza —
— Vestuario JASIVE Fernández —
— Corona Claudia Bo —
— Joyería Isela Robles —
En el corazón místico de San Miguel de Allende, las catrinas caminaron de nuevo entre nosotros, proyectando la solemnidad y el misterio de un México que honra la vida y la muerte con profunda reverencia. Cada año, durante el Día de Muertos, el país entero se cubre de una atmósfera cargada de respeto y amor hacia aquellos que se han ido. Esta tradición no es solo una conmemoración, sino una expresión de identidad cultural que, a través del arte y la moda, se convierte en una auténtica celebración de la vida.
En esta ocasión, la diseñadora Jasive Fernández rindió homenaje a esta tradición ancestral con su colección Grandeza, en la que fusiona el estilo Clásico
Dramático con una elegancia de otra época. Inspirada en la majestuosidad de la muerte como una extensión de la vida misma, Jasive presenta a las catrinas como verdaderas reinas de un mundo etéreo. La colección, concebida en tonos oscuros con destellos de color, encarna la idea de que el Día de Muertos es un espacio de respeto y trascendencia. Las catrinas, vestidas con esta colección, evocan un desfle sagrado en el que, paso a paso, revelan la dualidad entre lo efímero y lo eterno.
Las coronas y tocados de la diseñadora Claudia Bo enmarcan los rostros de las catrinas con una grandeza que recuerda a las deidades de un pasado mítico. Sus creaciones, elaboradas con una atención minuciosa a los detalles y un respeto profundo por las tradiciones, parecían convertir a cada catrina en un ícono, una reina de un mundo paralelo que camina entre nosotros por una noche. Los rostros enigmáticos de estas fguras se han vuelto una fuente de inspiración en la moda y el arte contemporáneo, donde la cultura mexicana con su mezcla de color, dolor y amor por la vida sigue fascinando y marcando tendencias. La joyería de Isela Robles aportó un brillo delicado que complementó cada diseño, añadiendo un toque de
sofsticación y profundidad a las catrinas. Sus piezas dialogaron con el concepto de la colección, evocando la esencia de lo eterno en formas únicas que enaltecieron la narrativa visual de este homenaje.
Esta celebración es, al mismo tiempo, un tributo a la moda, al arte y a la identidad de un México que nunca olvida sus raíces. En el Día de
Muertos, la moda trasciende el simple concepto de vestir y se convierte en un símbolo de resistencia cultural y de veneración. Jasive Fernández y su equipo nos invitan a refexionar sobre la vida y la muerte, y sobre cómo la moda puede ser un vehículo para expresar las emociones y creencias más profundas de una sociedad que, con amor y orgullo, abraza sus tradiciones.
AGRADECIMIENTOS
Este homenaje no hubiera sido posible sin la colaboración de un equipo comprometido con el arte y la moda. Agradecemos especialmente a la diseñadora Jasive Fernández y su atelier, a la diseñadora de coronas Claudia Bo, al fotógrafo @ ArmandoNYC, y a la joyería de Isela Robles.
Gracias a las maquillistas @DaliaDT, @ CarlotaZertuche y @MakeCatrin, quienes capturaron la esencia de las catrinas con su arte, y a las modelos @MayraOrozco y @MarianaAnlo por dar vida a esta narrativa visual. También extendemos nuestro agradecimiento a los asistentes de moda @DianaKarinaFrias y @SwankWorld, así como a la dirección de PR liderada por @ RosendaRuiz.
Finalmente, agradecemos al venue @ Casa1810Parque en San Miguel de Allende por proporcionar un espacio que encapsula la magia de este homenaje. Este proyecto ha sido un refejo de la grandeza cultural de México, donde la moda y el arte se unen para celebrar la vida y la memoria.
