Guía inicial
Ilustración Digital
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índice Introducción. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . ¿Qué es el boceto? y cuál es su importancia. . . . . . . . . . .
Ilustración de personajes estilo caricatura. . . . . . . . . . . . . .
Elementos de fondo para tus personajes. . . . . . . . . . . . . . . Ilustración de escenarios con temática. . . . . . . . . . . . . . . .
Ilustración de una escena completa con personajes. . . . . ¿Como encontrar tu propio estilo de ilustración? . . . . . .
Usando la ilustración como método de parodia. . . . . . . . .
Dándole un significado a tus ilustraciones. . . . . . . . . . . . . . Superando el aterrador bloqueo creativo. . . . . . . . . . . . . .
Hasta luego. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
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introducción
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l maravilloso mundo de la ilustración, algo tan grande y que ofrece una infinidad de posibilidades, desde crear personajes de fantasía, caricaturas que representen la vida cotidiana o escenarios mágicos llenos de personajes particulares, los cuales solo pueden existir en mundos ficticios que solamente se ven limitados por la creatividad y la mente de cada artista. Por lo general, todos dibujamos desde pequeños, cuando tomamos una crayola y hacemos las típicas rayas al azar y garabatos que todo niño haría a esa edad. Con el paso de los años el dibujo se convierte en un hobby para muchas personas, las cuales se expanden a través de los diferentes materiales y medios, como lo son los lápices de grafito, lápices de color, acuarelas, acrílico, marcadores, etc. hasta que en cierto punto de nuestra vida descubrimos la ilustración digital y todas las posibilidades que nos ofrece. (Desde ese día nada vuelve a ser lo mismo... para bien) Muchos simplemente lo tienen como una actividad para hacer en sus ratos libres, sin darle mucha importancia a lo que dibujan, o si lo hacen de manera frecuente o no. Luego estamos otro grupo de personas, los cuales llevamos la ilustración a un siguiente nivel, donde pasa de ser un hobby a ser una actividad a la cual le dedicamos muchas horas de trabajo y estudio, llegando al punto de querer hacer de la ilustración nuestro trabajo, lo que otras personas simplemente llamarían “vivir de hacer dibujitos”. Este manual es una introducción al mundo de la ilustración digital, empezando por los bocetos y el dibujo tradicional, hasta llegar a la parte de ilustración de personajes y escenarios de fantasía. También se exploran temas fuera de aspectos más técnicos, como encontrar tu estilo de ilustración, darle un significado a tus ilustraciones, el bloqueo creativo y al final una guía sobre una manera de generar ingresos haciendo stickers con tus ilustraciones. Asi que toma tus lápices, enciende tu computadora y prepara tu tableta gráfica, que todas tus ideas están a punto de tomar forma...¡VAMOS A ILUSTRAR!
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¿qué es el boceto? y cuál es su importancia
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Aunque para muchos no lo parezca, el boceto es una de las partes más importantes de toda ilustración, ya que se considera como la base de todo, es el momento donde nos dedicamos a plasmar nuestras ideas sin preocuparnos en la limpieza de las líneas o en lo bien hechos que estén los trazos, ya que los refinaremos después. El boceto es la fase más temprana de la ilustración, es el desarrollo de la idea y donde toma forma, donde haremos la estructura base de nuestros personajes, agregando o quitando elementos y experimentando con las diferentes formas a medida vamos avanzando. Todo para llegar a la versión final del boceto con la cual trabajaremos el resto de la ilustración.
La importancia de hacer los bocetos en rojo o azul El segundo paso dentro de la ilustración es el lineart o el entintado, el cual suele ser de color negro, por lo que si el boceto es color negro o gris, podremos confundirnos al momento de hacer la línea, incluso si le bajamos la opacidad a la capa (lo cual incluso puede llegar a dificultar más poder verlo). Es por eso que los bocetos deben ser de color azul o rojo, para no tener que bajarle la opacidad a la capa del boceto y para no confundir las líneas, marcando una clara diferencia entre lineart y boceto.
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La importancia de bocetar en tradicional El boceto en tradicional tiene muchas ventajas, incluso para el ilustrador digital, no solamente porque nos permite plasmar nuestras ideas de manera rápida en caso de que no estemos en la computadora o no tengamos una tableta con nosotros, sino porque es una manera de practicar muchos aspectos de la ilustración, como entrenar nuestro trazo, prácticas rápidas o estudios de anatomía, prácticas de perspectiva, estudios de color, estudios de luces y sombras, pruebas de conceptos. Podemos llevarnos nuestro sketchbook a una cafetería, al parque o a cualquier lugar donde queramos dibujar.
Materiales Libreta o sketchbook: Nuestro cuaderno de bocetos, los podemos encontrar en variedad de tamaños y gramajes, todo dependerá de que materiales usaremos en él y que a la vez nos resulte más cómodo, aunque para empezar podemos usar un mix media para trabajar desde grafito, tinta china hasta acuarela sin problema. Lápiz: de grafito: se aconseja usar HB, 2B, 4B, y 6B Portaminas: Pueden ser de 0.5 o de 2 mm, dependiendo del grosor de la mina. Podemos encontrarlos en variedad de graduaciones, aunque para bocetar es recomendable usar minas HB o 2B. Lápices de color: Con un paquete de 12 o 24 es suficiente variedad, estos son usados para darle color a los bocetos. Plumillas: Para entintar nuestras ilustraciones de manera tradicional. Normalmente son desechables y muchas son a prueba de agua (ideales cuando trabajamos con acuarela). Hay de diferentes grosores, pero lo ideal es tener un rango que nos permita trabajar las partes más grandes y hacer pequeños detalles, con las de 0.05, 0.2, 0.4, y 0.8 son suficiente. Acuarelas y pincel con depósito: la acuarela es uno de los materiales más versátiles que existen, si bien a principio puede resultar complicado su uso, una vez tengamos control sobre el agua tendremos control sobre el material, Ideal para muchos estilos de ilustración y estudios de color. El pincel con depósito es una herramienta que nos facilita llevar el agua con nosotros a cualquier lado.
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Ilustración de personajes estilo caricatura
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El estilo caricatura o “cartoon” se basa principalmente en la simplificación y exageración de las características del objeto real que representan, por ejemplo, al momento de retratar la anatomía de un rostro, los elementos como los ojos o la nariz son trasladados a circulos y líneas, al dibujar una cabeza los ojos pueden ser dos circulos, pero estos son de un tamaño más grande en comparación a uno realista. Para trabajar la creación de personajes debemos tener conocimiento en todas las áreas que contempla la ilustración, incluso si parece que el estilo caricatura no hace uso de ellos, formas básicas para construir la estructura de los personajes, anatomía humana, composición, teoría del color, etc.
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Exploración de conceptos y bocetar con formas Lo primero es encontrar una imagen de referencia, en este caso solo tenemos una, el gato que se encuentra a la derecha, por lo que podemos tomar como base la expresión de su rostro, la forma de su cuerpo, de sus patas o su cola. A partir de dichas características empezaremos a hacer varios bocetos explorando diferentes expresiones, usando diferentes figuras, agregando o quitando elementos y combinándolo con elementos de fantasía o que son totalmente ajenas a la referencia. De igual manera podemos combinar elementos de los distintos bocetos hasta llegar a la versión final.
Todos los bocetos realizados hasta llegar a la versión final.
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Lineart y color Una vez tengamos definido el boceto, el siguiente paso es hacer el lineart. Esto en una capa por encima del boceto. Seleccionaremos un pincel para entintar, ya sea con o sin textura, debemos explorar diferentes pinceles o incluso combinar varios en una misma ilustración. Podemos ayudarnos con el estabilizador para hacer líneas más limpias o hacerlo a mano alzada. Todo depende el resultado que busquemos.
Una vez tengamos la línea terminada, procederemos a crear una capa debajo de esta, para añadir el color. Debemos definir una paleta de color en función de lo que queramos transmitir, es importante trabajar con una paleta de colores limitada, pero atractiva, donde variemos la intensidad o el brillo de los colores que tengamos como base. Es importante no usar los colores en cantidades iguales, sino hacer que uno predomine como el color principal.
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Haciendo el lineart de manera más creativa Para hacer el lineart más interesante debemos agregar lo que se llama “valor de la línea”, el cual consiste en hacer la línea más gruesa o delgada dependiendo de la zona del personaje. Una manera de hacer el lineart más atractivo es hacerlo de color, normalmente colores oscuros y que estén dentro de nuestra paleta de color.
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La importancia de la silueta Al momento de diseñar un personaje debemos tomar en cuenta la silueta, y es que nuestro personaje debe ser fácilmente reconocible y se debe diferenciar de otros sin la necesidad de ver ningún color o ninguno de los elementos que lo conforman. Una silueta bien construida sirve para crear personajes memorables y atractivos, variando las formas y los elementos que sobresalen de estos.
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Agregando detalles Debemos tener mucho cuidado al momento de agregar detalles, ya que es fácil perderse y terminar agregando demasiados detalles que carguen a la ilustración y terminen haciendo que se pierda y resulte poco atractiva para el espectador. Abajo se muestran dos ejemplos, a la izquierda un personaje con mucho detalle, del cual no se diferencian sus componentes, y a la derecha, el mismo personaje, pero con los elementos necesarios, cosa que lo hace destacar. Mantén los detalles simples.
Los detalles son elementos que sirven para enriquecer a nuestros personajes, con ellos se puede saber sobre su historia o manera de actuar.
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Proceso completo
Como se estableció en las páginas anteriores, empezamos buscando las imágenes de referencia, en este caso el personaje es una princesa fruta, del cual destacamos elementos como la manzana en su cabeza, las cerezas en su cabello y la forma de fresa en su vestido. La línea del personaje no está completamente valorada, salvo por la parte del cabello. La paleta de color está conformada por los tonos de las frutas en las que se basa.
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Renderizado de un personaje (luces y sombras) Empezamos con la búsqueda de referencias y el boceto
Con el boceto buscamos una silueta diferenciadora, la cual está marcada por los tentáculos que asemejan una boca con dientes y lengua.
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Segundo paso, el lineart, en este caso se puede apreciar el valor de la línea, las zonas donde es más gruesa y donde es más fina. Los espacios oscuros se rellenan en esta parte.
Aplicamos los colores base, en este caso se diferencian la parte del cuerpo del personaje y los tentáculos que salen de este.
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Para aplicar la sombra lo primero es definir desde donde viene la luz, (arriba, abajo o al lado del personaje), con base en eso elegiremos las zonas donde colocaremos las sombras. Una manera de hacerlo en digital es seleccionar un color violeta o lila, en opciones de capa darle a multiplicar y con eso podremos darle sombra a casi todo.
Las zonas iluminadas las haremos con base en la dirección donde escogimos que vendría la luz (en el ejemplo de abajo la luz viene desde arriba), escogiendo un color con más luminosidad dentro de nuestra paleta. También podremos hacer la iluminación con otro color que cree contraste.
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ELEMENTOS DE FONDO PARA TUS PERSONAJES
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En este capítulo se abordarán las diversas maneras de hacer fondos para nuestros personajes, la manera más fácil de hacerlo es con un color plano de fondo, el cual agregaremos dependiendo de la paleta de color del personaje, para crear contraste con este, o un fondo negro que asemeje la noche. Sin embargo, existen varias formas de elaborar un fondo, dependiendo de lo que vayamos a transmitir con el personaje.
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Añadiendo elementos sencillos La manera más simple de ilustrar un fondo es agregando elementos simples que sirvan para crear una atmósfera o dar un contexto de donde se encuentra el personaje. Estos por lo regular tienen poco detalle, ya que siempre se busca que el personaje sea lo que destaque en la ilustración.
Ejemplos de elementos que podemos agregar a los fondos.
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Creando escenarios más completos Para dar más vida o contexto a nuestros personajes, estos fondos requieren de más detalles, para ello debemos entender el mundo o el ambiente ficticio en el que se desarrolla el personaje. La paleta de colores debe ir acorde a las del personaje. Podemos hacer uso de degradados, texturas, modos de capa (superponer, multiplicar) y de diferentes pinceles.
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ILUSTRACIÓN DE ESCENARIOS CON TEMÁTICA
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En esta parte nos enfocaremos más en el diseño de los propios escenarios, los elementos que los conforman, la manera de escoger referencias para brindarles una temática, como usar modelos en 3D para hacerlos en perspectiva, la composición y la manera de brindarles color con base en lo que queramos comunicar.
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Creación de un fondo partiendo de una base en 3D
En la búsqueda de referencias es donde identificaremos los elementos que vamos a agregar a nuestro escenario, en el ejemplo presentado la temática es “esotérico”. Después de eso haremos un modelo en 3D para trabajar en perspectiva. Para esto existen diversidad de programas, una manera sencilla de hacer modelados 3D es con Sketchup, el cual es un programa con una versión de paga y otra versión gratuita en línea, que si bien cuenta con menor cantidad de opciones, es totalmente funcional para las necesidades de un ilustrador. Aparte de crear la estructura de nuestro escenario, en sketchup podremos descargar modelos de objetos como muebles, autos, plantas o lo que sea que necesitemos. Una vez tengamos nuestra estructura en 3D, exportaremos la imagen hacia el programa donde vayamos a ilustrar, haremos el boceto agregando detalles y después haremos el lineart, en el ejemplo de la derecha este es de un color violeta oscuro. Una vez terminado el lineart procederemos a darle color, en este caso la paleta se basa en colores que van asociados con la magia, agregando perspectiva atmosférica y resaltando ciertos elementos con el uso del color. El paso final es agregar las luces y las sombras, en el ejemplo se puede ver una habitación bastante iluminada, donde la dureza de la luz da a entender que es de mañana.
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ilustración de UNA ESCENA COMPLETA con personajes
En las referencias agregaremos a los personajes que vayamos a ilustrar, referencias del estilo de arte y fotografías de elementos reales. Utilizar arte conceptual de los personajes o escenarios es de mucha utilidad. Al tenerlo podemos empezar a bocetar los personajes para hacerlos a nuestro estilo de ilustración.
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Una vez tengamos a los personajes en nuestro estilo, el siguiente paso es hacer los primeros bocetos para definir la composición general de los elementos que formarán parte de la ilustración, donde se ubicarán los personajes y los elementos de fondo.
Con base en nuestras referencias haremos unas pruebas o estudios de color, donde probaremos distintas paletas de color. Es en esta parte donde nos daremos cuenta si los colores que hemos seleccionado funcionan o transmiten la sensación que buscamos con la ilustración.
En este paso no agregaremos detalle, ya que estaremos haciendo constantes cambios y modificando elementos.
Definiremos que áreas irán de cada color, y donde ubicaremos las luces y las sombras de manera general.
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Una vez estemos satisfechos con la composición y la paleta de color, procederemos a limpiar el boceto, haciendo las figuras más concretas y agregando los detalles. En esta fase aún podemos hacer algunos cambios, aunque no tan drásticos como los que podemos hacer en el paso 1. Los elementos más cercanos al espectador deben llevar más detalle que los que están alejados. .
El siguiente paso es hacer el lineart, en este caso las líneas son de tres colores distintos, café para el marco, rojo oscuro para los personajes que se encuentran en un primer plano y un verde oscuro para los personajes y objetos que están en un segundo o tercer plano. Marcando una clara diferencia entre ellos tan solo usando la línea. También es importante hacer uso del valor de la línea para que la ilustración no se vea plana.
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Ya con la paleta de color definida, procederemos a darle el color base a los personajes principales (y en este caso también al marco). Es importante que los personajes se vean atractivos y se diferencien del fondo a la vez que parece que forman parte del entorno.
Luego de darle color a los personajes, terminaremos de pintar la base del fondo y de todos los elementos dentro de la ilustración. Para darle más vida al fondo usaremos la profundidad de campo, la cual consiste en que los elementos más lejanos se van difuminando y perdiendo detalle, hasta el punto de verse mucho más claros.
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El siguiente paso es agregar las sombras. La ubicación de estas dependerá siempre de donde ubiquemos la fuente de luz. Podemos utilizar la sombra para crear más texturas, como se ve en el ejemplo, donde las sombras se usan para simular hojas, manchas en el tronco y cabello. Las sombras indican el momento del día y el lugar en el que se desarrolla la escena.
Agregaremos una segunda capa de sombras, para hacer sombras que sean más profundas o que estén más marcadas. Suelen ser lugares donde la luz no alcanza a llegar, que son más profundos o porque están debajo de otro objeto que crea más sombra.
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En este paso daremos la iluminación a la ilustración. En este caso los personajes se encuentran en medio de un bosque, así que las zonas iluminadas están marcadas por los lugares donde las hojas dejan pasar la luz.
Para agregarle más atmósfera a la ilustración haremos usos de degradados, en este caso para simular zonas con una iluminación más cálida y para destacar el lugar donde se encuentra uno de los personajes principales
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Para hacer resaltar aún más a los personajes principales les daremos brillo tanto al rededor de estos como un pequeño brillo en sus ojos, detalle que sirve para darles más vida. También se agregan unos rayos de luz para reforzar el área de donde viene una mayor iluminación y que afecta directamente a los personajes.
El último paso es utilizar el modo superponer para agraegar una capa de color sobre toda la ilustración o por encima de zonas en concreto. Esto servirá para darle más vida al entorno. En la siguiente página podemos ver el resultado final.
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¿como encontrar tu propio estilo de ilustración?
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Dándole una identidad propia a tus ilustraciones
¡TREMENDO!
Cada ilustrador busca esos elementos que hagan que su trabajo tenga un sello propio y reconocible, vemos el trabajo de esos artistas y automáticamente sabemos que es trabajo de ellos. ¿Puedo yo también tener mi propio estilo? ¡Claro que si!
Existen tantos estilos de arte muy diferentes entre sí, lo que puede resultar bastante caótico. Aquel que desarrolla un estilo atractivo y diferenciador es porque tiene variedad de referencias.
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Por lo general, nuestro estilo de arte se basa en nuestros gustos, ya que tendemos a ilustrarlos, por ejemplo, un estilo manga, caricatura, más realista, etc.
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El primer paso es identificar el estilo de arte con el que te sientes más cómodo, es importante volverte bueno dentro de tu zona de confort.
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Tener artistas de referencia, no intentes imitarlos ni copiar su estilo al más mínimo detalle, busca identificar los elementos que los caracteriza, tal como la línea, el color, la composición, etc. Construye tu estilo con base en combinar elementos de tus referencias, no a calcarlos.
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Estudia mucho, puede resultar frustrante, pero descubrirás tu estilo con base en la experimentación, prueba cosas distintas y ve usando lo que se va adaptando a tu trabajo.
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El recorrido para encontrar un estilo que te defina puede ser largo, más o menos dependiendo de cada artista, pese a ello, lo crucial es no decepcionarte, saber que aunque algún día tengas un estilo bastante definido, todavía te quedará por explorar y descubrir.
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usando La ilustración como método de parodia
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La ilustración ha sido utilizada a través de los años como un medio de crítica o parodia a las situaciones que se están viviendo en el momento. Muchas veces suelen ser a manera de chiste para burlarse de algún personaje público, siendo esto por algo que ha dicho o hecho recientemente. Otras veces es usada para satirizar o para hacer conciencia e incluso hasta protesta de eventos que afectan a la sociedad, como la guerra, corrupción, eventos políticos, protestas, etc. En este caso no nos vamos a poner políticos, sino que vamos a ver una serie de pautas para crear una ilustración satírica. • •
Determina a que persona o situación buscas parodiar, normalmente suelen ser acontecimientos que están en el ojo público y que causan polémica, como lo es el ejemplo de abajo, que toma el juicio entre Johnny Depp y Amber Heard.
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Exagera las características de las personas y las expresiones, crea una situación ridícula con ellos, en el ejemplo se usan elementos que fueron mencionados en su juicio, mezclados con personajes que ambos actores interpretaron
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La paleta de color tiene que ser llamativa, esto para generar un mayor impacto en el espectador y para captar más fácilmente su atención.
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No es ofender por el afán de ofender, no busques crear una ilustración para hacer ofender a un sector, sino para hacer comedia de una situación cuando se pueda. (Si buscas hacer enojar a alguien ya es tu problema...)
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DÁNDOLE UN significado a tus ilustraciones
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El simbolismo dentro de la ilustración Normalmente, cuando hacemos una ilustración solo pensamos en un personaje que se vea curioso o en una situación extravagante, pero no solemos ver más allá de los detalles, pero a veces es necesario darle un significado oculto a nuestro trabajo, esto a través de símbolos con cierta connotación previamente analizada. El simbolismo se basa en no conformarse con la realidad, en la necesidad de expresar más cosas, adentrándonos en el mundo de los sueños, de las visiones, las pesadillas y el inconsciente. Hace uso del simbolismo proyectado en los mitos, cuentos clásicos e incluso la religión. Por lo general se ilustran textos o ideas, las cuales no sueles ser abstractas, sino que tienen un mensaje concreto, aunque no sea reconocible a simple vista.
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superando el aterrador bloqueo creativo
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Ese momento cuando las ideas no llegan... Era una noche lluviosa y oscura, me encontraba dibujando como lo hago normalmente, cuando de repente presencié el caos dentro de mi cabeza. Era como si mis ideas y mi creatividad estuviesen en una isla acorralada por el mar del bloqueo y sin nadie a quien acudir. Para todo aquel que ha atravesado una correntada de dudas y miedos al momento de empezar un proyecto, o hasta la más simple tarea. Este capítulo te ayudará a descubrir las causas de aquello que tiene como prisionero tu proceso y desempeño creativo. Y a encontrar una salida ante el muro que se construye entre el famoso bloqueo creativo y tu creatividad. Hay muchas causas, por ejemplo, se encuentran las causas emocionales. Son minúsculas criaturas que se adueñan de ti. Absorben cada emoción y la convierten en tristeza, ansiedad, confusión, necesidad de comparación, depresión, entre otros. Pero no son las únicas criaturas culpables. Se encuentran las causas cognitivas, estas son seres desagradables, llenas de sustancias asquerosas, las cuales afectan el cerebro principalmente. Se alimentan de tus neuronas y lóbulos. Estas criaturas son de las más letales. El nivel aumenta cuando te invaden las causas psicológicas como el burnout, una criatura atemorizante que se alimenta delas causas emocionales, haciéndolo crecer hasta invadir todo tu cerebro, manipulándote y haciéndote sentirse quemado, desganado, sin ganas de hacer nada, comparándote constantemente entre otras sensaciones terribles. Se lleva muy bien con el síndrome del impostor. Una criatura sin ojos, con unos colmillos enormes y una lengua larga, es capaz de hacerte sentir que lo que te has ganado con tanto esfuerzo como tu salario o una buena nota no la mereces. Ahora, mi pregunta para ti es… ¿Cuál de estas criaturas invaden tu mente al momento de trabajar?
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Reconociendo el bloqueo Estaba sentado, era un día como cualquier otro, tenía que trabajar en un proyecto importante de la universidad. ¿A quién le gustaba la idea de crear todo un alfabeto tipográfico? Entiendo la parte creativa, ¿Pero, en 3D? En ese momento llamaba a cada neurona, pero era inútil.
Ellas estaban enjauladas en una torre alta de confusión, donde la gobernaba una astuta criatura. Esta, controlaba cada parte de mi cerebro y era tan malvada que me inundaba la cabeza de pensamientos negativos. Sentí un inmenso desgano al momento de trabajar y decidí dejarlo por un rato…
Tomé mi celular y abrí instacreativity, había tantos trabajos tan buenos. Vi mis trabajos y me sentí fatal, como todo un inútil.
Una sensación de tristeza me invadió y al ver mis logros, sentía como una voz susurraba en mi cabeza, “No te lo mereces” cada vez más fuerte, hasta el punto de tumbarme en la cama y sentirme insuficiente…
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Consejos para vencerlo Donde te encuentres afectará tanto tu estado emocional como tu proyecto. Si te encuentras en un ambiente cerrado, solo y oscuro, es posible que las emociones no estén a tu favor. Al contrario, si te encuentras en un ambiente donde entre la luz, sea acogedor, pero no desmotivante.
Si bien los amigos están para apoyarnos y darnos ánimos, también podrían aportar a nuestros proyectos y ayudarnos a verlos desde otra perspectiva. En esos momentos pensé en mandar una foto a mis amigos y es increíble ver como todo se disipa con ellos. La mayoría notando cada detalle y gustándoles.
Si reconoces que existe un bloqueo, lo importante es la técnica para atacarlo. Al realizar cualquier otra actividad, los signos como el estrés, la ansiedad y frustración, se disipan. Puedes usar varias entre las que se encuentran, llevar a cabo actividades cotidianas como hablar con tus amigos, familia, salir a ver una película, caminar, meditación, etc. Hacer un Brainstorming, ordenar tus pensamientos y establecer lo que tienes y lo que te hace falta. De esta forma, logras abarcar todos los puntos del proyecto, sin dejar uno afuera.
La creatividad y la salud. El descanso es vital para la salud. Si eres de las personas que se exige mucho a sí mismo, te aconsejo descanses tu cuerpo.
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hASTA LUEGO...
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l camino de un ilustrador no tiene un inicio ni un final definido, siempre estamos en constante evolución y aprendizaje. Esta guía solo es una pequeña fracción de todo lo que contempla el amplio mundo de la ilustración digital. A manera de consejo final, no se aprende a ilustrar yendo a escuelas de arte lujosas o pagando cursos caros, (claro, si podemos optar por aprender en una academia o con cursos prémium hay que hacerlo) pero debemos entender que la única manera de aprender es ilustrando, así de simple... si no podemos pagar una escuela, en internet encontraremos el contenido necesario para desarrollarnos por nuestra cuenta, pero de nada sirve vernos cientos de videos, leer libros y mirar referencias, si al final no ilustramos nada, por lo que debes ilustrar cada que puedas, es importante conseguir feedback de tu trabajo, aceptar la crítica, no desistir pese a que las cosas no se vean bien en el momento. Pero lo más importante es nunca perder el amor por lo que hacemos (Dicho por alguien que hasta hace poco volvió a sentir pasión por la ilustración)
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