Ecuador mas alla de los conceptos by Miguel Betancourt

Embajada del ecuador en italia

Aequatoria, plus ultra conceptus Ecuador, mas allá de los conceptos Grupo “zonarte”

Italia - 2012

Organizadores / Organizzatori

SILVIA IRRAZABAL Secretaria Cultural IILA / Segretario Culturale IILA

CARLOS VALLEJO LÓPEZ Embajador del Ecuador en Italia Ambasciatore dell’Ecuador in Italia

GIANFRANCO ZICARELLI Gestor Cultural / Gestore Culturale Instituto Cervantes Roma / Istituto Cervantes Roma

DAVID VACA A. Agregado Cultural / Addetto Culturale Embajada del Ecuador en Italia Ambasciata dell’Ecuador in Italia

ELENA PASIONARIA RODRÍGUEZ Curadora de la Muestra / Curatore Mostra

ADRIANA ARCANGELI Comisaria Muestra / Commissario Mostra Ministerio de Cultura del Ecuador Ministero di Cultura dell’Ecuador

Agradecimiento / Ringraziamenti

ELIO PALMAS Montaje de la Muestra / Allestitore Especial reconocimiento a todo el personal de la Galería del Instituto Cervantes

Asupiciantes y colaboradores / Patrocinio di LOGOS

Organizzazione e coordinamento organizzazione e coordinamento

MARIO GARCÍA DE CASTRO Director Instituto Cervantes Roma Direttore Istituto Cervantes Roma

ADRIANA ARCANGELI

Nessuna parte di questa pubblicazione può essere memorizzata, fotografata o comunque riprodotta senza le dovute autorizzazioni.

ISBN 978-88-6060-438-5 2 BRITISH BLACK - Jonathan Guaitamacchi

Progettazione, realizzazione grafica e assistenza redazionale a cura della Casa Editrice

indice Presentación del Embajador del Ecuador en Italia Presentazione dell’Ambasciatore dell’Ecuador in Italia Concepto Curatorial de la Muestra Concetto Curatoriale della Mostra Obras Opere Miguel Betancourt Dolores Andrade Margot Ledergerber Myriam Gaggini

“Aequatoria, plus ultra conceptus Ecuador, mas allá de los conceptos” Me es grato poder escribir algunas palabras sobre la muestra del Colectivo Zonarte, conformado por Dolores Andrade, Miguel Betancourt, Myriam Caggini y Margoth Ledergerber quienes a través de sus obras nos presentan conceptos, imágenes y colores, que llaman la tención sobre la conceptualización del ser humano desde varios puntos de vista. Para la Embajada del Ecuador en Italia es un verdadero privilegio poder presentar una colección de obras que muestran la versatilidad del Arte Ecuatoriano a través de las obras del Colectivo ZONARTE quienes por medio de la pintura y la escultura van mas allá de la técnica y las perspectivas. Las Obras de Dolores Andrade, Miguel Betancourt, Myriam Caggini, y Margoth Ledergerber, presentan una importante combinación de color y texturas, descubriendo sus técnicas al público, creando un concepto sobra la visión de la modernidad desde el Ecuador, un país con una historia y un recorrido cultural escondido en los Andes. El nombre de la muestra “Aequatoria, plus ultra conceptus,” busca sintetizar no solo las obras expuestas sino también el recorrido de los artistas; una travesía que les permite no solo proporcionarnos un concepto de su arte y su técnica sino también una idea del imaginario colectivo del Ecuador en sus más diversas formas. De igual manera, se trata de ir más allá del concepto del Ecuador como línea imaginaria o del País en cifras o palabras, la idea es mostrar un pueblo con sus profundas incógnitas y respuestas a través del arte. Espero profundamente que cada uno de los espectadores, puedan disfrutar este gran trabajo del Colectivo y de la Embajada en su conjunto, ambos representantes de un pueblo en sus diferentes dimensiones. Carlos Vallejo López Embajador del Ecuador en Italia

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“Aequatoria, plus ultra conceptus Ecuador, mas allá de los conceptos” Mi è gradito poter scrivere alcune parole sulla mostra del Collettivo Zonarte, organizzata da Dolores Andrade, Miguel Betancourt, Myriam Caggini e Margoth Ledergerber. Essi ci presentano concetti, immagini e colori attraverso le loro opere, che richiamano l’attenzione sulla concettualizzazione dell’essere umano da vari punti di vista. Per l’Ambasciata dell’Ecuador in Italia è un vero privilegio poter presentare una collezione di opere che mostrano la versatilità dell’Arte Ecuadoriana attraverso le opere del Collettivo ZONARTE che per mezzo della pittura e la scultura vanno molto al di là delle tecniche e delle prospettive. Le Opere di Dolores Andrade, Miguel Betancourt, Myriam Caggini, e Margoth Ledergerber, presentano un’importante combinazione di colore e tessiture, scoprendo le loro tecniche al pubblico, creando un concetto che supera la visione della modernità dall’Ecuador, un paese con una storia ed un percorso culturale nascosto nelle Ande. Il nome della dimostrazione “Aequatoria, plus ultra conceptus“, cerca di presentare non solo le opere esposte, ma anche il percorso degli artisti. Un percorso che permette loro di far conoscere oltre il concetto della loro arte e della loro tecnica, anche l’idea dell’immaginario collettivo dell’Ecuador nelle sue forme più diverse . Nello stesso tempo, si cerca di andare oltre il concetto dell’Ecuador come linea immaginaria o del Paese in cifre o parole. L’idea è mostrare un paese, con le sue profonde incognite e risposte, attraverso l’arte. Spero profondamente che ognuno degli spettatori, possa godere di questo grande lavoro, del Collettivo e dell’Ambasciata, nel loro insieme, entrambi rappresentanti di un popolo nelle loro diversi dimensioni. Carlos Vallejo López Ambasciatore dell’Ecuador in Italia

GRUPPO ZONARTE 5

Aequatoria, plus ultra conceptus Ecuador, mas allá de los conceptos Grupo “Zonarte” Elena Pasionaria Rodríguez

El arte latinoamericano es para la cultura occidental una especie de “misterio sin resolver”: a lo largo de la historia ha sido visto (o más que visto, “intuido”) como una especie de territorio inexplorado, casi tanto virgen como su geografía, sin dejar de subrayarse el contenido simbólico de esta poco casual comparación. Un mundo desconocido, una sorpresa prometida que, a pesar de todo el camino recorrido y los múltiples elementos en común, no puede comprenderse del todo, porque aún siguen faltando los instrumentos para poder descifrarlo. Así, ha podido ser observado desde lejos, desde fuera, desde la abismal distancia que separa el centro de las periferias: con incomprensiones y malentendidos, con más de mito que de realidad, exotizado o auto-exotizado para poder cumplir con las expectativas que le impone el sistema. En clave menos positiva, también ha sido visto como un producto secundario, como una copia del arte europeo, como algo que nació sin una verdadera autonomía; en esta última afirmación se esconden las razones de una cierta “timidez” que marcó el comportamiento de buena parte de la cultura latinoamericana hasta hace poco y que pudo empezar a ser superada sólo cuando la conciencia de su mestizaje le permitió comprender la infinita riqueza que ello implica y que es, sin lugar a dudas, su gran ventaja y su más trascendente característica. La contemporaneidad ha permitido substituir el concepto de “local” por el de “global” y en ese transcurso el arte ha sentido las transformaciones en modo más evidente que otros ámbitos de la cultura; esta esencia “ecuménica” ha permitido que los discursos se multipliquen en una

L’arte latino-americana è per la cultura occidentale una specie di “misterio sin resolver“. durante la storia è stato visto (o più che visto “intuito”) come una specie di territorio inesplorato, quasi tanto vergine come la sua geografia, senza smettere di sottolineare il contenuto simbolico di questo paragone poco casuale. Un mondo sconosciuto, una sorpresa promessa che, nonostante la strada percorsa ed i molteplici elementi in comune, non si riesce a comprendere del tutto, perché continuano ancora a mancare gli strumenti per poterlo decifrare completamente. Così, è stato osservato da lontano, dal di fuori, dall’abissale distanza che separa il centro dalle periferie: con incomprensioni e malintesi, con più mito che realtà e, come analizza il critico di arte Gerardo Mosquera, in molte occasioni esotizzante o auto-esotizzante, per poter compiere le aspettative che impone il sistema internazionale dell’arte. In chiave meno positiva, è stato anche visto come un prodotto secondario, come una copia dell’arte europea, come qualcosa che è nata senza una vera autonomia; in questa ultima affermazione si nascondono le ragioni di una certa “timidezza” che segnò il comportamento di buona parte della cultura latinoamericana fino a poco fa e che ha iniziato ad essere superato solo quando la coscienza del suo “meticciato” gli permise di comprendere l’infinita ricchezza che ciò implica e che è, senza alcun dubbio, il suo grande vantaggio e la sua più trascendente caratteristica. La contemporaneità ha permesso di sostituire il concetto di “locale” in quello di “globale” ed in questo percorso, l’arte ha subito le trasformazioni in modo più evidente che in altri ambiti della cultura. Questa essenza “ecumenica” ha GRUPPO ZONARTE 7

efusión productiva incesante y se “liberen” para interactuar en tiempos y espacios con una fluidez antes imposible de imaginar. Precisamente en este proceso, el arte latinoamericano entra en la escena global usando instrumentos y lenguajes universales, pero con plena consciencia de su aspecto primordial. En ese contexto se inserta la obra de los cuatro artistas ecuatorianos que llevan su propuesta a Roma, conscientes de que una muestra de arte no sólo es una “embajada” que dialoga con un público que asiste curioso y atento a participar de ese diálogo, inquiriendo, cuestionando, escrutando, sino que es un importante desafío, pues el discurso artístico en tiempos actuales, tal vez más que nunca, debe poder mantenerse por sí solo demostrando consistencia. Estos cuatro artistas tienen en común el hecho de haber sido en su momento los pioneros en la experimentación con algunas de las tendencias del arte internacional que aún eran desconocidas en las tierras de la mitad del mundo, tuvieron todos la virtud de abrir con sus propuestas nuevos caminos para el arte ecuatoriano y es, justamente, esa condición de vanguardistas en búsqueda constante la que se ha mantenido inalterable a lo largo de sus trayectorias, permitiéndoles demostrar una coherencia sostenida y progresiva respecto a su arte y a su entorno, siendo cosmopolitas, pero teniendo a la vez la mirada puesta en algunos de los aspectos más específicos de la cultura originaria a la que pertenecen. Para Myriam Gaggini, el arte implica un proceso de desdoblamiento: mirar desde dentro hacia fuera y desde lo externo hacia el yo. Este procedimiento le permite indagar sobre el modo en que el ser humano, como ser social, ha sido transformado en un producto más del sistema de consumo, pero también sobre el modo en que ella misma, como individuo, enfrenta críticamente uno de sus aspectos más lacerantes: el problema de la cosificación de la mujer como material protagónico de la cultura consumista. 8 ECUADOR, MAS ALLÁ DE LOS CONCEPTOS

permesso che i discorsi si moltiplichino in un’effusione produttiva incessante e si “liberino” affinché siano interattivi nei tempi e spazi con una fluidità impossibile da immaginare. È giustamente in questo processo che l’arte latinoamericana entra nella scena globale, usando strumenti e linguaggi universali, ma con piena consapevolezza del suo aspetto primordiale. In questo contesto si inserisce l’opera dei quattro artisti ecuadoriani che portano la sua proposta a Roma; coscienti che una dimostrazione di arte non è solo un “messaggio“ per dialogare con il pubblico, che assiste curioso ed attento a condividere quel dialogo, studiando, discutendo, scrutando, ma è un’importante sfida, perché il discorso artistico in tempi attuali, forse più che mai, deve potere mantenersi da solo dimostrando la sua consistenza. Questi quattro artisti hanno in comune il fatto di essere stati, nel loro momento, i pionieri nella sperimentazione di alcune delle tendenze dell’arte internazionale che erano ancora trascurate nelle terre della metà del mondo. Ebbero la virtù di aprire con le loro nuove proposte strade per l’arte ecuadoriana e, precisamente, la condizione di avanguardisti in quella ricerca costante che si è mantenuta infrangibile durante le loro traiettorie, permettendo loro di dimostrare una coerenza sostenuta e progressiva rispetto alla loro arte ed al loro ambiente, essendo cosmopoliti, ma avendo contemporaneamente lo sguardo verso alcuni degli aspetti più specifici della cultura originaria alla quale appartengono. Per Myriam Gaggini, l’arte implica un processo di sdoppiamento: guardare da dentro verso fuori e dall’esterno verso l’io. Questo procedimento gli permette di indagare sul modo in cui l’essere umano, come essere sociale, è stato trasformato in un” prodotto” del sistema di consumo, ma anche nel modo in cui lui stesso, individuo, affronta criticamente uno dei suoi aspetti più laceranti: il problema della donna “oggetto”, come materiale protagonista della cultura consumistica.

El cuerpo y el rostro femenino cosificados, anónimos, desarticulados, que se compran y se venden en modo consciente o inconsciente debido a la omnipresencia de la imagen a la que los mass-media han habituado la visualidad contemporánea, imponiendo una actitud bulímica, codiciosa y tirana. La artista, sin embargo, no afronta la cuestión como simple observadora crítica, sino que lo hace sin tomar distancias, en primera persona, con pleno conocimiento de la inquietud íntima que experimenta el individuo al tomar conciencia de la realidad. En su obra “Maxi Media”, una instalación compuesta por fotografías intervenidas y recortes de periódicos, existe un fuerte componente crítico y un desafío que ponen en evidencia lo indispensable de alterar los códigos del sistema para encontrar alternativa al control unidireccional del discurso dominante, de la economía o de la política como expresiones omnímodas de poder masculino. Por ello, confiere centralidad a lo visual, como instrumento del monopolio ejercido por los medios y enfoca la imagen mediática del cuerpo femenino transformado en cliché, en sombra, en simulacro. En su obra, los cuerpos y los rostros anónimos son “el” cuerpo y “el” rostro transformados en objeto, que encarnan las fantasmagorías del deseo colectivo, que muestran la violencia de la cultura vencedora sobre la fragilidad del ser humano, que demuestran la potencia de la manipulación mediática, pero también hablan de la extrema necesidad de libertad, de la posición subversiva como mecanismo de salvación y del arte como acto liberador por excelencia. En la obra de Dolores Andrade se encuentra un discurso que mira “hacia dentro”, profundamente relacionado con la femineidad y su significación, una propuesta que va más allá del tema de género para sumergirse en la búsqueda simbólica de aquellos elementos, atributos y virtudes que son inherentes a la mujer como ser cargado de connotaciones míticas: la mujer como madre, como hermana, como amiga,

Il corpo ed il viso femminile, oggetto, anonimo, disarticolato, che si comprano e si vendono in modo cosciente od incosciente, dovuto all’onnipresenza dell’immagine, alla quale i mass-media si sono abituati con uno sguardo contemporaneo, imponendo un atteggiamento bulimico, avido e tiranno. L’artista, tuttavia, non affronta la questione come semplice osservazione critica, ma entra in contrasto e lo fa senza prendere le distanze, in prima persona, con piena conoscenza dell’angoscia personale che prova l’individuo prendendo coscienza e sentendosi immerso nel pandemonio. Nella sua opera “Maxi Media”, un insieme composto di frammenti di bambole, fotografie frammentate e ritagli di giornali, c’è una forte elemento critico che diventa una sfida, perché mette in evidenza il necessario e l’indispensabile, fino ad alterare i codici del sistema per trovare un’alternativa al controllo unidirezionale del discorso dominante dell’economia o della politica, come espressioni onnicomprensive del potere maschile. Per questo, conferisce centralità al problema dell’immagine, come lo strumento fondamentale del monopolio esercitato attraverso i mezzi, ed, in special modo , mette a fuoco l’immagine mediatica del corpo femminile trasformato in gomma, in ombra, in simulacro. Nella sua opera, i corpi ed i visi anonimi, si trasformano in “il corpo” ed “il viso” trasformati in oggetti che incarnano, le oscure fantasmagorie del desiderio collettivo che mostra la violenza della cultura vincitrice sulla delicata fragilità dell’essere umano ,che dimostra la potenza della manipolazione mediatica, ma parla anche dell’estrema necessità di libertà, della posizione sovversiva come meccanismo di salvezza e dell’arte come atto liberatorio per eccellenza. Nell’opera di Dolores Andrade si trova un discorso che guarda “in dentro”, profondamente spiegato con la femminilità ed il suo significato. Una proposta che va oltre il tema di genere per immergersi nella ricerca simbolica di quegli elementi, attributi e virtù, che sono inerenti alla GRUPPO ZONARTE 9

como sacerdotisa, como creadora. La mujer que sueña, que inventa, que nutre y que se convierte en demiurgo en cada uno de sus gestos; la mujer que teje, que almacena, que atesora, que se funde con el entorno (la naturaleza que es tendencialmente femenina) y que rescata de la memoria aquellos fragmentos (generalmente los más preciosos) que serán llevados como equipaje desde siempre y hasta siempre, porque se han heredado desde el pasado y serán heredados al futuro. Esos mismos fragmentos que, en el momento justo, son ofrecidos a modo de dones, acudiendo, como bajo encanto, al escuchar las palabras contenidas en la frase prodigiosa de “la mesa está servida”. Para Dolores Andrade, la mujer es un eslabón que une y que permite la continuidad de la memoria en el tiempo; consciente de su femineidad, la artista indaga también en el trabajo manual y laborioso de las artesanas, de las niñas, de las abuelas; inventa papeles mezclados con plumas, con hojas, con trozos de textiles y los reelabora con fotografías y con recuerdos fragmentados y reconstruidos, luego los ensambla en una instalación articulada modularmente, cuya estructuración no deja de revelar muy gráficamente el proceso mismo de la memoria en el recorrido mental. Su instalación es una “maleta de recuerdos” que sirve para atesorar (la que se lleva en el gran viaje que es la vida), pero es también una mesa, la que sirve para ofrecer en el supremo acto del compartir, un acto que de femenino tiene mucho. En ese gesto atávico y consustancial a la propia naturaleza femenina, sin embargo, también se puede encontrar el gesto cultural, cuya interpretación pone a la mujer en relación con los roles subordinados que le fueron impuestos por la civilización, el acto de servir la mesa, entonces, adquiere una valencia paradójica e inquietante. En este ambiente femenino y grácil entran a dialogar las esculturas: bloques verticales en maderas preciosas que tienen de efigie, de metáfora, de cuerpo; en ellos está presente la hue10 ECUADOR, MAS ALLÁ DE LOS CONCEPTOS

donna come essere carico di connotati mitici. La donna come madre, come gemella, come amica, come sacerdotessa, come creatrice ineguagliabile. La donna che ride, che piange, che sogna, che inventa, che nutre e che si trasforma in demiurgo in ognuno dei suoi gesti. La donna che tesse, che immagazzina, che tesoreggia, che si fonde con l’ambiente (una natura sempre tendenzialmente femminile) e che riscatta nella memoria quei frammenti (generalmente i più preziosi) che saranno portati come bagaglio sempre e fino alla fine; perché sono stati ereditati dal passato e saranno ereditati nel futuro. Quelli stessi frammenti che, nel momento giusto, saranno offerti in modo di doni, accorrendo come fosse un incantesimo, ascoltando le parole contenute nella frase prodigiosa “il tavolo è servito”. Per Dolores Andrade, la donna è quell’anello che unisce e che permette la continuità della memoria nel tempo. Cosciente della sua femminilità, l’artista indaga anche nel lavoro manuale e laborioso delle artigiane, delle bambine, delle nonne. Inventa carte mischiate con piume, con foglie, con pezzi di tessuti e li rielabora simbolicamente con fotografie e con ricordi frammentari e ricostruiti modulatamente. Quindi li monta in un’installazione articolata la cui struttura non smette di rivelare, molto graficamente, il processo stesso della memoria nel percorso mentale. Un’installazione che è una “valigia di ricordi” che serve per tesoreggiare (quella che si porta nel grande viaggio che è la vita) ma è anche un tavolo, quello che serve per offrire nel supremo atto del condividere, un atto che ha molto di femminile. In quel gesto atavico e intrinseco alla propria natura femminile, tuttavia, può trovarsi anche il gesto culturale, la cui interpretazione mette la donna in relazione con i ruoli subordinati che gli sono stati imposti dalla civiltà, l’atto di servire a tavola, allora, acquisisce una valenza paradossale ed inquietante. Per completare il discorso, in questo ambiente femminile e gracile entrano a dialogare le sculture: blocchi verticali in legni

lla admirativa de la herencia ancestral por medio de incisiones talladas con diseños geométricos que recuerdan la simbología de los pueblos primigéneos y que permiten, en su concreción, pensar en lo que trasciende a la vida humana. Margot Ledergerber nos presenta una obra en la que aborda una dualidad: la dicotomía entre el pasado y el presente a través de la escritura como instrumento príncipe de la comunicación humana. La escritura, analizable en clave cultural, psicológica y también semiológica, como texto con significación, como signo lingüístico, como huella de la presencia del hombre en tiempos y en espacios diversos y, en modo particular, la carta escrita preciosamente a mano (en su sentido clásico de epístola), la carta que es signo, contenido, sentimiento, memoria, documento y la carta como trabajo manual, como grafía, en su esencia enérgicamente visiva y estética; ésta, a su vez, confrontada con la imperiosa voluntad de la tecnología que se encarga de revolucionar el acto mismo de escribir y el acto de recibir lo escrito, la tecnología que facilita el proceso comunicativo, pero que opaca las delicias del acto fisiológico, de la emoción de la espera, del incomparable e insuperable hic et nunc. De la interrogación a estos dos métodos, a estas dos tecnologías correspondientes a momentos determinados de la cultura humana, la artista no puede sino concluir en una nostalgia y tal vez incluso en una angustia, que son la nostalgia y la angustia naturales de todo momento de transición. Sus trabajos son, entonces, como jeroglíficos que hablan de la fugacidad de los instrumentos utilizados por el hombre y mezclan las dos tecnologías: la manual y la electrónico-digital, pues sobre exquisitos papeles, algunos de ellos incluso hechos a mano, coloca a modo de collages fragmentos de “sus” cartas, que son fragmentos amorosos de su pasado, junto con fragmentos de lo que bien podría ser “arqueología postmoderna”: los discos flexibles de las primeras computadoras personales, ya obsoletos, convertidos

preziosi che hanno di effigie, di metafora, di corpo. In essi è presente l’orma ammirativa dell’eredità ancestrale attraverso incisioni intagliate con design geometrici che ricordano la simbologia dei paesi primigeni e che permettono, nella sua concretezza,di pensare a quello che si diffonde tra la vita umana. Margot Ledergerber ci presenta un’opera nella quale abborda una dualità: la dicotomia tra il passato ed il presente attraverso la scrittura come strumento principe della comunicazione umana, analizzabile in chiave culturale, psicologica ma anche semiologica. La scrittura come testo con significato, come segno linguistico, come impronta della presenza dell’uomo in tempi ed in spazi diversi e, in modo particolare, la lettera scritta preziosamente a mano (nel senso classico di epistola), la lettera che è segno, contenuto, sentimento, memoria, documento e la lettera come lavoro manuale, come grafia, nella sua essenza energicamente visiva ed estetica. Questa, a sua volta, confrontata con l’imperiosa volontà della tecnologia che si incarica di rivoluzionare l’atto stesso di scrivere e l’atto di ricevere quello scritto, la tecnologia che facilita il processo comunicativo, ma che opacizza le delizie dell’atto fisiologico, del tatto, dell’olfatto, dell’emozione dell’attesa, dell’incomparabile ed insuperabile hic et nunc. Dal confronto tra questi due metodi che sono due tecnologie corrispondenti a momenti determinati della cultura umana, l’artista non può altro che sentire una giusta nostalgia e forse perfino un’angoscia che sono la nostalgia e l’angoscia naturali di ogni momento di transizione. I suoi lavori sono, allora, come geroglifici che parlano della fugacità degli strumenti utilizzati per l’uomo e mescolano le due tecnologie: la manuale e l’elettronico-digitale, perché su squisite carte, alcuni di essi perfino fatti a mano, colloca a modo di collage frammenti delle “sue” lettere che sono frammenti amorosi del suo passato, insieme a frammenti di quello che potrebbe, ben essere, “archeologia postmoderna”: i dischi flessibili dei primi computer GRUPPO ZONARTE 11

en desechos que almacenan contenidos hoy indescifrables, como recuerdos de un pasado reciente cuya fugacidad no deja de ser perturbadora. En esa precoz obsolescencia reside la gran moraleja de la historia y, tal vez, una sutilísima venganza.

personali, già obsoleti, convertiti in rifiuti che immagazzinano contenuti oggi indecifrabili, come ricordi di un passato recente la cui fugacità non smette di essere perturbatrice. In quella pr ecoce obsolescenza risiedono la gran morale della favola della storia e, forse, una sottilissima vendetta.

Miguel Betancourt presenta una propuesta doble, esta duplicidad tiene origen en su profundo sentido de pertenencia, en sus raíces, en su entorno, en la historia que interroga al pasado y encuentra las claves para interpretar el presente. El artista experimenta con dos líneas paralelas, no sólo en lo temático, sino también en lo técnico: la primera es un acercamiento a lo telúrico, a la geografía andina que rodea omnipresente el recuerdo y el ahora del artista no sólo como motivadora, sino también como guía. La misma naturaleza que, con sus geometrías, sus colores, sus personajes, puebla el imaginario de sus trabajos a través del elemento simbólico (el árbol, las aves) con alusiones a elementos culturales presentes en los tejidos y las grafías ancestrales. En esta primera serie, no es casual que el artista prefiera adoptar un lenguaje “diáfano” como la acuarela, cuyas transparencias permiten transmitir la indescriptible y única cualidad de la luz en la latitud ecuatorial; con una cromática intensa y contrastante alude a los colores de la naturaleza, pero también a aquellos de la cultura tradicional, presente en los atuendos de los personajes en las festividades de la zona rural andina. Los elementos gráficos dialogan con los cromáticos, jugando con los recuerdos y recuperándolos por medio de imágenes que tienen cierto aroma de ensoñación. En la segunda serie, Miguel Betancourt se adentra en el pasado prehistórico remoto, tomando como tema central uno de los elementos icónicos más preciados de la cultura arqueológica ecuatoriana: las “Venus de Valdivia”, emblema máximo del arte prehispánico local no sólo por su antigüedad, calidad y abundancia, sino también por el hecho de haber perennizado la cos-

Miguel Betancourt ci presenta una proposta doppia, questa duplicità ha origine dal suo profondo senso di appartenenza, dalle sue radici, dal suo ambiente, dalla storia che interroga al passato e trova le chiavi per interpretare il presente. L’artista sperimenta con due linee parallele, non solo nel tematico, ma anche nel tecnico: la prima è un avvicinamento al tellurico, alla geografia andina che circonda onnipresente il ricordo ed il presente dell’artista non solo come esempio, ma anche come guida. La stessa natura che con le sue geometrie, i suoi colori, i suoi personaggi popola l’immaginario dei suoi lavori attraverso l’elemento simbolico dell’albero, degli uccelli, delle allusioni agli elementi culturali. In questa prima serie, non è casuale che l’artista preferisca adottare un linguaggio “diafano”, come l’acquarello, le cui trasparenze permettono di trasmettere l’indescrivibile ed unica qualità della luce nella latitudine equatoriale, la cromatica intensa e contrastante allude ai colori della natura, ma anche a quelli della cultura tradizionale, gli elementi grafici che dialogano in sincronia con quelli cromatici, giocando con i ricordi e recuperandoli attraverso immagini che hanno un certo aroma di trasognatezza. Nella seconda serie, Miguel Betancourt si addentra nel passato preistorico remoto, prendendo come tema centrale uno degli elementi iconici più pregiati della cultura archeologica ecuadoriana: la Venere di Valdivia; emblema massimo dell’arte precolombiano locale non solo per la sua antichità, qualità ed abbondanza, ma anche per il fatto di avere rappresentato per anni la cosmo visione degli antichi popoli dell’Ecuador, attraverso la figura femmi-

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movisión de los antiguos pueblos del Ecuador a través de la figura femenina y sus innumerables connotaciones simbólicas. Para esta serie de pinturas con el tema de las “Venus”, hace alusión a la cultura artística ancestral por medio de una suerte de “galería de retratos” en los que aplica una técnica muy diversa a la serie anterior: privilegia lo matérico, la textura, el uso de materiales de origen natural: tela de cáñamo, fragmentos vegetales, ceniza volcánica, pero también materiales de la civilización contemporánea, como residuos de botellas plásticas, tal vez con la inconsciente intención de confrontar el pasado con el presente, lo natural con lo cultural y más conscientemente con el objetivo de evidenciar el paso del tiempo sobre la materia, la misma que ha sufrido transformaciones por incidencia de los elementos naturales y se ha “avejentado” para adquirir esa pátina que le confiere carácter atemporal. Con estas dos series que, como se puede deducir, son complementarias, el artista quiere plasmar para los ojos otros, la cultura andina-ecuatorial a la que pertenece.

nile e le sue innumerabili connotazioni simboliche. Per questa serie di pitture nelle quali riprende (riferisce) la Venere, alludendo alla cultura e, più specificamente, alla cultura artistica nazionale, realizza una sorta di “galleria di ritratti”, nella quale applica una tecnica molto diversa della serie precedente: favorisce il matérico, la tessitura, l’uso di materiali di origine naturale: tessuto di canapa, frammenti vegetali, cenere vulcanica, ma anche materiali della civiltà contemporanea, come residui di bottiglie plastiche, forse con l’incosciente intenzione di confrontare il passato con il presente, il naturale con il culturale e più coscientemente con l’intenzione di evidenziare il passare del tempo sulla materia, quello che ha subito trasformazioni per incidenza degli elementi naturali e si è “invecchiato” per acquisire quella patina che gli conferisce carattere atemporale. Con queste due serie che, come può dedursi, sono complementari, l’artista vuole plasmare per gli occhi altrui, la cultura andino-equatoriale alla quale appartiene.

La muestra del grupo “ZonArte” reúne, entonces, a cuatro personalidades diversas del arte ecuatoriano moderno y contemporáneo, cada uno con una propuesta que dialoga con aspectos de la cultura universal, pero desde la óptica particularísima que les confiere la esencia de lo latinoamericano. Desde lo social hacia lo íntimo, desde el pasado hacia lo actual, desde la evocación hacia la crítica, este es un grupo representativo de lo que es y lo que quiere ser el arte en estas latitudes.

La dimostrazione del gruppo “Zonarte” riunisce, quindi, quattro personalità diverse dell’arte ecuadoriana moderna e contemporanea, ognuno con una proposta che dialoga con aspetti della cultura universale, ma con un’ottica particolarissima che conferisce loro l’essenza della latinoamericana. Dal sociale verso il personale, dal passato verso l’attuale, dall’evocazione verso la critica, questo è un gruppo rappresentativo di quello che è e quello che vuole essere l’arte in queste latitudini.

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Concepto curatorial

Concetto curatoriale

Se trata de una muestra colectiva de artistas en la que se confiere a cada uno de los cuatro expositores un espacio independiente ya que cada uno presenta un trabajo autónomo, sin embargo, en vista de que en la lógica interna de la muestra y en la temática de los artistas se pueden encontrar ciertos elementos en común, el discurso visual estaría articulado en cuatro “entradas” en el siguiente orden:

Si tratta di una dimostrazione collettiva di artisti nella quale si conferisce ad ognuno dei quattro espositori uno spazio indipendente poiché ognuno presenta un lavoro autonomo, tuttavia, visto che nella logica interna della dimostrazione e nella tematica degli artisti possono trovarsi certi elementi in comune, il discorso visivo sarà articolato in quattro “entrate”, nel seguente ordine:

• Miguel Betancourt • Dolores Andrade • Margot Ledergerber • Myriam Gaggini

CURADORA Elena Pasionaria Rodríguez Historiadora de arte. Vive y trabaja en Quito

CURATORE Elena Pasionaria Rodríguez storiografa di arte. Vive e lavora a Quito

Realizó sus estudios de Historia del Arte en la Universidad de la Habana (1990-1995) y, como becaria del Gobierno Italiano, en la Universidad de Parma (2007-2010). Se desempeña como docente de la Facultad de Artes de la Universidad Central del Ecuador (desde 1996) y ha sido profesora en varias universidades privadas de Quito. En el año 2004 recibe el Premio Universidad Central del Ecuador por su libro: “La estética del Arte Precolombino en el Ecuador”, en 2010 recibe la mención de honor del Premio Consejo Provincial de Pichincha, por su libro de cuentos “Ocho cuentitos y medio”, en 2011 se gradúa con Suma Cum Laude en la Universidad de Parma, por su tesis de grado magistral: “L’avanguardia senza fili. L’incidenza del Futurismo nell’arte latinoamericana del primo Novecento”. Ha sido jurado en múltiples certámenes de arte a nivel nacional y ha participado en la curaduría de exposiciones individuales y colectivas de artistas ecuatorianos, entre las que se destacan: “Formato 0. Forma 1”

Ha realizzato i suoi studi di Storia dell’Arte nell’Università dell’Avana (1990-1995) e, come borsista del Governo Italiano, nell’Università di Parma (2007-2010). E’ docente della Facoltà dell’Arte dell’Università Centrale dell’Ecuador (dal 1996) ed è stata docente in varie università private di Quito. Nell’anno 2004 ha ricevuto il Premio Università Centrale dell’Ecuador per il suo libro: “La estèetica del Arte Precolombino en el Ecuador“, nel 2010 ha ricevuto la menzione di onore del Premio Consiglio Provinciale di Pichincha, per il suo libro di racconti “Ocho cuentitos y medio”, nel 2011 si laurea con Sommo Cum Lodi nell’Università di Parma, per la sua tesi di grado magistrale: “L’avanguardia senza fili. L’incidenza del Futurismo nell’arte latinoamericano del primo Novecento“. è stata giurato in multiple competizioni di arte a livello nazionale e ha partecipato alla curatela di esposizioni individuali e collettive di artisti ecuadoriani, tra le quali risaltano: “Formato 0. Forma 1“ nella galleria

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en la galería Grace Doherty del Centre College de Danville Kentucky, Estados Unidos (2000) y “Grabado Urbano. Exposición de Gráfica Joven” en el Museo Camilo Egas del Banco Central del Ecuador, Quito (2006). Es investigadora independiente y colabora con revistas de arte en el Ecuador.

Grace Doherty del Centre College di Danville Kentucky, Stati Uniti (2000) e “Grabado Urbano. Exposición de Gráfica Jóven” nel Museo Camilo Egas della Banca Centrale dell’Ecuador, Quito (2006). È’ investigatrice indipendente e collabora con riviste di arte nell’Ecuador.

e_pasio@hotmail.com

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OBRAS

/ OPERE

MIGUEL BETANCOURT

MIGUEL BETANCOURT Pintor. Vive y trabaja en Quito.

MIGUEL BETANCOURT Pittore. Vive e lavora a Quito.

Realizó estudios en el taller de pintura del Milwaukee Art Center, Estados Unidos (19761977), en la Facultad de Pedagogía y Letras de la PUCE, Quito (hasta 1982) y como becario del British Council en el Slade School of Fine Art, University College, Londres (1988). Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional entre las que se destacan: participación en la XLV Bienal Internacional de Venecia (1993), exposición en los Museos de Camberra y Sidney (2000), muestra itinerante en América Central (2000-2003). En 1993 recibe el Premio Pollock-Krasner, en el mismo año dos de sus obras ingresan a la colección de pintura de las Naciones Unidas (Viena y Ginebra). Su obra ha sido publicada en catálogos y libros nacionales e internacionales como: “The Public Catalogue Foundation”, University College London Art (2005); “Nuevos Cien Artistas”, Mundo Diners (Quito, 2001); “Betancourt” (Quito, 1996). En el año 2008 recibe la comisión por parte de Luciano Benetton para coordinar en Ecuador el proyecto “Ojo Latino, la mirada de un continente” (Milán, 2008).

Ha realizzato gli studi nel Laboratorio di pittura del Milwaukee Art Center, Stati Uniti (19761977), nella Facoltà di Pedagogia e Lettere della PUCE, Quito ( fino il 1982) e come borsista del British Council nello Slade School of Fine Art, University College, Londra (1988). ha partecipato a numerose esposizioni individuali e collettive a livello nazionale ed internazionale tra le quale risaltano: partecipazione nella XLV Biennale Internazionale di Venezia (1993), esposizione nei Musei di Camberra e Sidney (2000), mostra itinerante in America Centrale (2000-2003). Nel 1993 riceve il Premio Pollock-Krasner, nello stesso anno due delle sue opere entrano alla collezione di pittura delle Nazioni Unite (Vienna e Ginevra). La Sua opera è stata pubblicata in cataloghi e libri nazionali ed internazionali come: “The Public Catalogue Foundation“, University College London Art (2005); “Nuovos Cien Artistas “, Mondo Diners (Quito, 2001); “Betancourt“, (Quito, 1996). Nell’anno 2008 ha ricevuto la commissione da parte di Luciano Benetton per coordinare in Ecuador il progetto “Ojo latino, la mirada de un continente “ (Milano 2008).

miguel@miguelbetancourt.com www.miguelbetancourt.com

MIGUEL BETANCOURT - 19

“Colores y Texturas”, presenta una colección de 10 obras bidimensionales divididas en dos series: las acuarelas con el tema paisajístico andino (95 x 75 cm) y las pinturas-ensamblajes con el tema de las Venus de Valdivia (120 x 120 cm). Miguel Betancourt in "Colores y Texturas", presenta una collezione da 10 opere bidimensionali divise in due serie: gli acquarelli con il tema paesaggistico andino (95 x 75 cm) e le pitture-assemblaggi con il tema della Venere di Valdivia (120 x 120 cm).

20 ECUADOR, MAS ALLÁ DE LOS CONCEPTOS

TRANSFIGURACION, 2011 Mixta-Lienzo y cá ñ amo. cm 150x100

MIGUEL BETANCOURT - 21

VALLEÁRBOL 2011 Acuarela-Papel cm 57x77 22 ECUADOR, MAS ALLÁ DE LOS CONCEPTOS

CIUDAD AL AMANECER 2009 Acuarela-Papel cm 50 x 70 MIGUEL BETANCOURT - 23

VISIÓN OTOÑAL 2010 Acrílico-Papel cm 77 x 57

24 ECUADOR, MAS ALLÁ DE LOS CONCEPTOS

TATUAJE 2011 Mixta-Lienzo cm 103 x 153

MIGUEL BETANCOURT - 25

ONCIERTO DE PÁJAROS 2012 Acrílico-Papel cm 57 x 77 26 ECUADOR, MAS ALLÁ DE LOS CONCEPTOS

LUNA LLENA SOBRE UN GREÑAL 2011 Acuarela-Papel artesan cm ??? MIGUEL BETANCOURT - 27

LOS CUERPOS SON CONSTELACIONES 2011 Mixta-Lienzo y cá ñ amo. cm 120 x 30

28 TITOLO DEL LIBRO

SELVA II 2009 Mixta-Lienzo cm 160 x 110

MIGUEL BETANCOURT - 29

JOVEN PENSATIVA 2011 Acuarela-Papel cm 70,5 x 51,5

30 ECUADOR, MAS ALLÁ DE LOS CONCEPTOS

FIGURAS VEGETALES 1988 Gouache-Papel cm 54 x 80 MIGUEL BETANCOURT - 31

EL CALOR DE LA TARDE 1993 Acrílico-Papel cm 57 x 77 32 ECUADOR, MAS ALLÁ DE LOS CONCEPTOS

DOLORES ANDRADE

Dolores Andrade, Escultora. Vive y trabaja en Quito.

Dolores Andrade, Scultrice. Vive e lavora a Quito.

Realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de Quito y en la Hochschule der Kunste, Berlín. Combina la labor artística con la docencia universitaria y ha desarrollado múltiples proyectos de vinculación con la comunidad. Ha participado en numerosas exposiciones y proyectos artísticos nacionales e internacionales, individuales y colectivos y ha obtenido varios reconocimientos como: Premio Nacional de Escultura (1997), Primer Premio en el Salón Municipal de Dibujo, Quito (1992), representó a Ecuador en la II y III Bienal de Cuenca (1989-1991). Su obra escultórica pública se encuentra en varios sitios de la capital ecuatoriana y ha sido publicada en libros y catálogos de arte como: “30 más dos artistas en el Siglo XXI” (Quito, 2007) y “Ojo Latino, la mirada de un continente” (Milán, 2009) patrocinado por Luciano Benetton.

Ha fatto i suoi studi nella Scuola de Bellas Artes di Quito e nella Hochschule der Kunste,di Berlino. Combina il lavoro artistico con la docenza universitaria e ha sviluppato molteplici progetti di vincolo con la comunità. Ha partecipato a numerose esposizioni e progetti artistici nazionali ed internazionali, individuali e collettivi e ha ottenuto vari riconoscimenti come: Premio Nazionale di Scultura (1997), Primo Premio nel Salone Municipale di Disegno, Quito (1992), Ha rappresentato l’Ecuador nella II e III Biennale di Cuenca (1989-1991). la Sua opera scultoria pubblica si trova in vari luoghi della capitale ecuadoriana ed è stata pubblicata in libri e cataloghi di arte come: “30 più due artisti” (Quito, 2007) e “Occhio Latino, lo sguardo di un continente” (Milano, 2009) patrocinato da Luciano Benetton.

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DOLORES ANDRADE 33

Presenta una instalación tridimensional titulada “La mesa está servida”, compuesta por un objeto articulado construido con módulos de papel reciclado y collage. Los papeles están contenidos en una estructura en forma de maleta, que al abrirse se convierte en una mesa de la que se disponen hacia el exterior los mismos papeles/collage, que pueden ser cambiados de posición constantemente. Dimensiones variables. Paralelamente se presenta la propuesta escultórica, formada por cuatro esculturas verticales con incisiones en bajo relieve en madera de cedro (300 cm. de alto x 25 cm. de ancho x 8 cm. de espesor; con un peso aproximado de 25 kg. cada una). Presenta un'installazione tridimensionale intitolata "Il tavolo è servito”, composto da unoggetto articolato costruito con moduli di carta riciclata e collage. Le carte sono contenute in una struttura in forma di valigia che all’apertura si trasforma in un tavolo nel quale si dispongono verso l'esterno le stesse carte/collage che possono essere invertite di posizione costantemente. Dimensioni variabili. Parallelamente si presenta la proposta scultoria, formata da quattro sculture verticali con incisioni in basso rilievo in legno di cedro (300 cm. Di altezza x 25 cm. di larghezza x 8 cm. di spessore; con un peso approssimato di 25 kg. Ognuna).

34 ECUADOR, MAS ALLÁ DE LOS CONCEPTOS

LA MESA ESTA SERVIDA 2012 tecnica mixta madera, papel cm 66,5 cm x 50 x 53,5 DOLORES ANDRADE 35