b e d r o o m p r o d u c e r s La creación musical nunca fue tan accesible
Cada día que pasa, la tecnología da otro pequeño salto hacia delante. Muchas de las posibilidades actuales quizá fueron impensables hace tan sólo unas pocas décadas. Lo hemos visto en el campo de la realidad virtual, la medicina, la tecnología, y, por supuesto, en la creación musical. No son pocos los músicos y compositores que están aprovechando estas ventajas para poder expresar de una manera más fácil su pasión por la música o por su instrumento. Conforme pasan los meses aumentan las novedades y con ello los precios de muchos productos, pero a cambio también se produce una disminución del coste de versiones anteriores. Como ejemplo de evento anual de gran importancia a nivel mundial y celebrado desde hace más de 100 años, contamos con la NAMM cada enero en la ciudad de Anaheim, California (EE.UU.). Es en este tipo de ferias donde las grandes marcas muestran sus novedades e innovaciones dentro del ámbito tecnológico y musical.
“Podría decirse que gran parte de estos avances se están orientando hacia la tecnología inteligente”. Este reportaje se centrará principalmente en varios puntos: • Algunos de los últimos avances tecnológico-musicales. • Ventajas e inconvenientes de la composición y producción de música casera. • Cuál podría ser el equipamiento mínimo para empezar a componer. • Repaso de algunas de las nuevas promesas musicales salidas de un dormitorio. • Algunas entrevistas a este tipo de compositores y músicos.
LA TECNOLOGÍA Sería bastante difícil condensar en tan poco espacio la cantidad de avances que se han producido en los últimos años con respecto a la tecnología aplicada a la música o el sonido, pero podríamos enumerar algunas. Podría decirse que gran parte de estos avances se están orientando hacia la tecnología inteligente, como veremos a continuación. Esto reduce en gran medida la dificultad de manejo de un programa o aparato electrónico, haciéndolo más accesible para poder trabajar de manera más fluida. Hace tan sólo un mes, el pasado febrero de 2018, fue lanzado un ecualizador dinámico con asistencia de inteligencia artificial bajo el nombre de ToneBoosters Equalizer 4. Por otro lado, Logic, el secuenciador de la marca Apple lanzó una actualización a comienzos de este mismo año que permite detectar el tempo en la grabación de manera inteligente, siendo capaz así de detectar las variaciones y matices de tempo para automatizar la creación de las referencias correctas, y permitir que todo el resto de pistas y la edición sean conscientes y atentas a esas evoluciones de los compa-
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ses y tiempos. También permite una valiosa asistencia en diferentes pistas de audio grabadas a diferentes tempi. Continuamos con avances de este mismo año con la sorpresa en el mundo del MIDI con la implementación de las extensiones MIDI-CI y MPE, lo que conlleva a una nueva generación de este lenguaje. Ahora es posible que los dispositivos MIDI consulten parámetros entre sí bidireccionalmente, simplificando su configuración y compatibilidad. Con la extensión MPE cada nota puede articularse por separado. En el campo de la emulación de amplificadores también se han producido grandes avances en la última década. Fractal Audio Systems y Kemper Amps son los dos grandes gigantes en cuanto a simulación virtual de amplificación se refiere. Mediante una serie de algoritmos, estos aparatos son capaces de simular casi a la perfección el sonido valvular de amplificadores
Axe FX-II de Fractal Audio Systems (arriba) Kemper Profiler (abajo)
de alta gama. Aunque el precio es algo elevado (2199€ en el caso de Fractal y 1521€ en el caso de Kemper), no lo es tanto si tenemos en cuenta la enorme cantidad de amplificadores, efectos y pantallas que nos proporcionan con una calidad inigualable en el mercado. La gran ventaja de estos aparatos es que ocupan muy poco espacio; la grabación se produce de forma directa, sin necesidad de micrófonos; permiten su escucha con auriculares; y la calidad del sonido se mantiene sea cual sea el volumen de salida, algo que no ocurriría con un amplificador real. Estos han sido sólo unos pocos ejemplos, pero hay muchísimos más. Dentro de los instrumentos virtuales podemos encontrar miles de plugins y programas con una gama de precios amplísima que abarca desde lo gratuito hasta los miles de euros. Las posibilidades son prácticamente infinitas ya que contamos con instrumentos virtuales de todo tipo: orquestales, sintéticos, étnicos, antiguos y modernos, voces
humanas, etc. La accesibilidad a este tipo de contenido aumenta con el paso del tiempo aunque los precios por lo general no son para todos los bolsillos. Por suerte contamos con suscripciones mensuales o anuales a todo un repertorio de instrumentos virtuales como el que ofrece la marca East West Quantum leap con su suscripción “Composer Cloud”. La suscripción, que da la posibilidad de diferentes precios si perteneces al ámbito educativo (20$ en ese caso, y 30$ si no) permite el acceso a más de 10.000 instrumentos virtuales de todo tipo.
VENTAJAS E INCONVENIENTES En cuanto a las ventajas e inconvenientes que presenta la creación de música casera se podría hacer la siguiente clasificación: Principales ventajas • Libertad total en la creación sin intermediarios ni discográficas. • Plataformas gratuitas como Bandcamp o Soundcloud permiten al compositor comercializar con su música si así lo desea o facilitar su escucha. • El desempeño económico es muy relativo, dependiendo del tipo de música o la calidad que se desee. • Internet permite componer y colaborar a distancia entre personas de diferentes partes del mundo. • Contamos con numerosas herramientas digitales que facilitan el trabajo de la creación y una mayor calidad final: programas de edición de partituras (Musescore, Finale), plugins de audio profesionales (Waves, iZotope), correctores de altura automáticos (Melodyne, Autotune), etc. Principales inconvenientes • Es complicado lograr la calidad profesional que se puede alcanzar en un estudio de grabación. • Aunque el desempeño económico sea muy relativo, por lo general es necesario invertir una gran cantidad de dinero si se quiere obtener un buen resultado final, aunque no es imprescindible para componer. • Es recomendable contar con terceros de cara a la
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mezcla o la masterización, y más aun si queremos contar con cierto instrumento que no tocamos y no podemos, o no queremos, introducirlo de forma virtual. • Hay multitud de factores que entran en juego y que afectan a la escucha y resultado final: la misma habitación donde trabajemos por sus características acústicas, el equipo (monitores, tarjetas de audio, instrumentos, micrófonos., etc.). Normalmente en un estudio de grabación profesional contaremos con equipo de alta gama y condiciones acústicas excelentes. Si finalmente nos decantamos por montarnos nuestro propio estudio casero, deberíamos hacernos las dos preguntas más importantes: ¿Qué necesito? y ¿Cuánto necesito?
EL EQUIPO Elaborar un presupuesto para un “home-studio” no es sencillo. Depende mucho de qué tipo de música se desea hacer y a qué calidad se desea aspirar. Éste puede además variar desde un sólo portátil hasta toda una habitación llena de aparatos y periféricos de todo tipo. Por otro lado la gama de precios es demasiado amplia.
El ordenador
En un mismo marco de precios las especificaciones pueden diferir entre diferentes marcas. Sin embargo, sí sería posible establecer una lista de elementos necesarios, o al menos, altamente recomendables.
El papel del ordenador ha sido fundamental para la creación musical digital desde su aparición en los años 50. Aún así, es posible hoy en día hacer música de forma analógica si se desea.
Podríamos enmarcar los estudios caseros en tres grandes grupos dependiendo de los estilos musicales sobre los que se desee componer: • Música orquestal (Bandas sonoras, clásica...). • Música electrónica (Tecno, Ambient...). • Música acústica (Pop, Rock, Jazz, Metal...). Por supuesto no es necesario un único equipamiento para componer sobre un determinado estilo musical. Las fusiones están a la orden del día y no es extraño encontrar artistas que componen música orquestal, rock y pinceladas de electrónica, por ejemplo.
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Aun así, podríamos enmarcar un equipamiento mínimo común para los tres grandes grupos:
Ya sea de sobremesa, portátil o incluso tablets y smartphones, necesitamos un lugar de trabajo donde poder grabar, mezclar, masterizar, componer en partitura, consultar cualquier tipo de duda en poco tiempo o realizar cualquier acción que necesitemos.
La tarjeta de sonido Todos los ordenadores, tablets y smartphones llevan integrada una tarjeta de sonido que permite transformar la señal de analógico a digital y de digital a analógico, pero por lo general su calidad es bastante cuestionable. Es por ello que normalmente se aconseja adquirir una tarjeta de sonido externa ya que con ello reducimos considerablemente la latencia, conseguimos mayor calidad en el sonido y nos permiten varias entradas y salidas, pudiendo grabar varios instrumentos o micrófonos a la vez. La gama de precios, al igual que con los ordenadores, es muy amplia.
Studio One 3, el DAW de la marca Presonus.
“El proceso de mezcla y masterización musical es una ardua tarea cuyo objetivo principal es que la calidad del sonido sea óptima en cualquier equipo donde se reproduzca”. El software Nuestra estación de trabajo va a ser el DAW (Digital Audio Workstation en inglés). Estos programas, conocidos también como secuenciadores nos permiten grabar, reproducir, transformar y manipular el sonido cuanto deseemos. Algunos son gratuitos, como Reaper, Ardour, Pro Tools First, Rosegarden, Zynewave Podium Free, Presonus Studio One 3 Prime o Audacity. Otros son de pago, y pueden ir desde los 230€ (Logic Pro X), a los 600€ (Cubase Pro 9.5) o incluso hasta los 2.300€ (Pro Tools HD). Una gran ventaja de la mayoría de estos programas es que se puede trabajar con lenguaje MIDI, por lo que las posibilidades aumentan considerablemente si introducimos instrumentos o plugins virtuales. Los monitores de escucha Nuestra percepción auditiva es vital de cara al
resultado final de nuestra obra. El proceso de mezcla y masterización musical es una ardua tarea cuyo objetivo principal es que la calidad del sonido sea óptima en cualquier equipo donde se reproduzca. Por ello se recomienda escuchar la mezcla final con diferentes tipos de aparatos: equipo de música, la radio del coche, auriculares de oreja, la televisión, etc. Tradicionalmente la mezcla en música se ha hecho con altavoces. Sin embargo, cada vez se extiende más el uso de auriculares. Aunque no se recomienda mezclar con ellos, sí que pueden ser una herramienta ideal para la edición de cara a encontrar fallos en el sonido casi imperceptibles. Es por ello que unos buenos monitores de estudio se convierten en un periférico indispensable en un estudio casero o profesional. Como todo, la gama de precios es muy amplia, pero lo importante es que éstos alteren lo menos posible el espectro de frecuencias del sonido. Esto se conoce como “respuesta plana”. Aun así, hay opiniones de todo tipo. Algunos expertos insisten en que es importante conocer bien los monitores y sus puntos débiles en el
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espectro de frecuencias para tenerlos en cuenta a la hora de mezclar y ecualizar, no tanto como el coste de éstos. Por último, y dependiendo más de lo que se vaya a componer, podríamos contar con teclados MIDI, ideales para música más orquestal; o micrófonos si vamos a grabar voces, instrumentos o sonidos en general.
JÓVENES CREADORES En el mundo hay innumerables músicos que crean sus obras de manera autónoma y casera. Muchos de ellos son o han sido autodidactas, al menos durante la mayor parte de sus carreras musicales. A continuación echaremos un pequeño vistazo hacia algunas de estas jóvenes promesas musicales de diferentes partes del mundo. Por mi condición de guitarrista me centraré principalmente en tres músicos de dicho instrumento, ya que son casos que personalmente conozco mejor, aunque podemos encontrar compositores y productores “caseros” de todo tipo de estilos e instrumentos. Plini, por ejemplo, es un joven arquitecto, guitarrista y compositor australiano de 26 años de edad. Toda su música es llevada a cabo desde la comodidad de su cuarto. Él se define como “alguien que graba música rara en su dormitorio”. Lo cierto es que cada vez está ganando más reconocimiento en el mundo de la guitarra eléctrica y el estilo progresivo moderno, llegado a recibir elogios de grandes guitarristas como Steve Vai. No fue hasta el año 2016 cuando empezó a realizar giras mundiales llegando a tocar en Estados Unidos, Europa y Asia, primero de telonero de otras bandas, y más tarde como cabeza de cartel. Ha publicado numerosos trabajos en plataformas como Bandcamp y ha realizado colaboraciones a distancia con otros artistas. Esto facilita en gran medida que se produzca una pequeña de red de músicos internacional y una mayor difusión de
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estas nuevas músicas. Internet está siendo una importante herramienta para todos estos músicos y creadores, y es que, hasta hace relativamente poco, las bandas tenían que mandar cintas de maquetas a las discográficas para promocionarse, algo que ya forma parte del pasado. Nos vamos de Australia a Serbia y más concretamente a la ciudad de Belgrado. El siguiente músico es un guitarrista, pianista, compositor y productor serbio que tampoco deja indiferente. David Maxim Micic, de 27 años de edad, comenzó bien temprano en el mundo de la música aunque no fue hasta los 15 años cuando empezó a recibir clases de guitarra. Estudió composición en la prestigiosa universidad de Berklee (Boston, EE.UU.) y desde el año 2017 ha podido llevar su música a países de todo el mundo como telonero precisamente de Plini. Resulta curioso ya que estos músicos, de partes opuestas del mundo, se conocían desde hacía años por internet. Al igual que Plini, David Maxim se siente profundamente atraído por las fusiones. Mientras que el primero se encuentra más cercano al terreno del jazz, David podría situarse más en el terreno del metal progresivo experimental en el que introduce innumerables pinceladas de otras músicas como la electrónica, música tradicional del sureste europeo, cantos operísticos, música orquestal y minimalista, entre otras. Introduce además multitud de efectos sonoros mediante el
Plini, Guitar Center (EE.UU.).
tratamiento y la destrucción del audio. Según cuenta en uno de sus vídeos de su canal en Youtube, prácticamente todos los sonidos sintéticos que introduce son hechos por él grabando todo tipo de sonidos con micrófono de condensador. David defiende que cualquier sonido puede servir en su creación, ya que con el superprocesamiento éste se volverá irreconocible, adquiriendo así una identidad propia y personal. Al igual que Plini, cuenta con multitud de colaboraciones a lo largo de sus trabajos, que suman un total de 7 lanzamientos y unas 3 horas de música aproximadamente. En Polonia, poco más de 1000 kilómetros al norte de Serbia, encontramos a un tercer guitarrista y compositor de 25 años. Jakub Żytecki comenzó a la edad de 12 años con la guitarra
clásica. Un año después comenzó su viaje con la guitarra eléctrica y desde entonces, no ha parado. Żytecki va un paso más allá que Plini o David Maxim. Lanzó su primer trabajo (Journey Through The Hidden Gardens) con tan sólo 17 años de edad en el año 2010, bajo el nombre de Disperse, que es la banda a la que pertenece. A pesar de ser una banda de varios músicos, prácticamente toda la música es compuesta por este guitarrista. No fue hasta el 2016 cuando lanzó su primer album debut (Wishful Lotus Proof ) bajo su propio nombre. Żytecki ha pasado por diferentes etapas musicales. Mientras que en sus comienzos se decantaba por el metal progresivo más clásico con sonoridades que recordaban a bandas como Dream Theater, más tarde optó por sonidos más ambientales y electrónicos, introduciendo samples y efectos no muy habituales, ex-
David Maxim Micic (izquierda) y Jakub Żytecki (derecha).
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Thomas Bergersen, co-fundador de la productora Two Steps From Hell.
perimentando con el sonido de diversas formas. Al igual que en los dos casos anteriores, Żytecki con su banda Disperse ha tocado en diferentes partes del mundo acompañados de Plini y David Maxim entre otros músicos. Estos han sido tan sólo tres ejemplos de jóvenes músicos que han creado pequeños universos de sonidos desde la intimidad de sus casas. Músicos que gracias, en parte, a internet, pueden dar a conocer su música y llevarla al directo, sin discográficas que dirigan sus estilos; además de facilitar el conocerse entre sí y poder compartir escenario por todo el mundo. Saliéndonos del terreno guitarrístico, se podría nombrar a otro compositor que ha empapado de lleno la escena musical. Hablamos de Thomas Bergersen, un compositor Noruego que, junto con el compositor londinense Nick Phoenix, fundó la famosa productora Two Steps From Hell. La música de estos dos músicos ha llegado a todas partes, desde trailers de películas hasta informativos. de televisión. Hablamos de un género que a veces recibe el nombre de “épico” y otras de “cinematográfico”, aunque Bergersen prefiere llamarlo “música emocional”. Quizá Two Steps From Hell no fuera la primera en hacer este tipo de música, pero es sin duda la que más ha calado. Cuenta con la friolera de 33 álbumes, cada uno oscilando entre una y dos
horas de duración. Bergersen y Phoenix se conocieron en un foro de internet donde discutían acerca de instrumentos virtuales hasta que decidieron unirse, crear temas por separado y unirlos en álbumes. Bergersen recoge influencias de todo tipo: desde el repertorio clásico hasta la música electrónica, pop, metal, folk, etc, y aunque en sus comienzos usara sobre todo instrumentos virtuales, ha podido llegar a grabar con orquestas y músicos reales, e incluso llevar su música al directo. Es otro ejemplo más de cómo se puede llegar a proyectar tu música desde una habitación a prácticamente todo el mundo.
LA OPINIÓN DE LOS CREADORES Por último, pasaremos a mostrar las visiones de algunas personas que, como en los artistas antes mencionados, crean y difuden su música desde casa. Para ello se han realizado una serie de preguntas en un conocido foro online de ámbito internacional (Hispasonic), donde cualquiera que quisiera pudiera contestar y dar su opinión sobre diversas cuestiones. En cuanto al equipamiento y el desembolso económico, un usuario afirma rotundamente que no es necesario un gran equipo de cara a componer. Para grabar estima que con un presupuesto de unos 1000€ se puede reunir un equipo aceptable para dicho fin. Cuenta además que lleva 20 años tocando, pero que
“Una de las características de la música hoy en día es la universalización de la capacidad de creación y producción. Esto era impensable hace 30 años”.
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nunca se ha planteado dedicarse a ello de manera profesional. A pesar de tocar con su banda y hacer un poco de dinero, siempre lo ha tenido como un hobby. Las plataformas que suele emplear para difundir su música son Youtube, Spotify, iTunes, entre otras. Aclara por otra parte que cualquiera puede aprender por su cuenta. Este usuario ha aprendido a base de grabar con diferentes bandas, realizando preguntas a personas entendidas en estas cuestiones o visualizando vídeos y leyendo en foros por internet. Un segundo testimonio nos llega de la mano de Miguel Ángel, un usuario de Murcia que guarda algunas similitudes con el caso anterior. Ambos empezaron en el mundo de la composición y grabación casera por pura diversión, ninguno de los dos se dedica a esto de manera profesional y ambos han aprendido de forma autodidacta. Miguel Ángel tiene 51 años y dice, textualmente, algo bastante revelador: “Una de las características de la música hoy en día es la universalización de la capacidad de creación y producción. Esto era impensable hace 30 años”.
de bandas a las que no se les permitía hacer lo que realmente deseaban. Todo esto ahora ha cambiado. A pesar de seguir existiendo discográficas, internet posibilita la gestión prácticamente total de la creación musical. Un sola persona puede grabar, mezclar, componer, e incluso elaborar su propio merchandising, ponerlo en venta en diversas plataformas, y en definitiva, ganar algo de dinero con ello sin que un gran porcentaje vaya a terceros. Todo ello desde casa. En definitiva, la tecnología avanza y nosotros con ella, para bien o para mal. Las posibilidades aumentan y con ello numerosas innovaciones que facilitan no sólo el proceso creativo sino también la difusión del propio arte.
Algo interesante que comenta además es que utiliza una plataforma online llamada Jamendo, que funciona a modo de banco de música online, con o sin fines comerciales. A través de esta web el creador musical puede facilitar su música para ser usada por empresas con fines comerciales o simplemente para ser descargada de manera gratuíta por otros usuarios. Jamendo permite además acreditar la autoría de la música mediante pago a dicha web, pudiendo así hacer frente a posibles reclamaciones de terceros. La concepción de la industria musical podría estar cambiando para siempre con todo lo que ello conlleva. Las discográficas pierden cada vez más peso y algunas de las míticas bandas del pasado que disfrutaron del apogeo de la música en directo lo tienen cada vez más difícil para ganar dinero con ello, por no mencionar la caída en las ventas físicas de CD’s. Podríamos afirmar con total seguridad, que jamás en toda la historia de la música ha existido esta libertad compositiva y creadora hasta ahora. Antes, la mayoría de las bandas se encontraban bajo las órdenes de las discográficas, dándose casos
Podemos encontrar miles de instrumentos virtuales de marcas como Native Instruments, EastWest, Spitfire...
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