¡Comenzamos febrero en Mixmag Spain! En esta edición tenemos el privilegio de presentar a Eli Brown en nuestra portada, uno de los artistas más emocionantes y prolíficos de la escena electrónica internacional. En esta entrevista hablamos con él sobre su evolución, su próximo tour All Night Long, sus recientes lanzamientos, su sello Arcane, su reciente actuación en Rockefeller Center en NYC, su segunda colección de moda y mucho más.
En clave internacional, este mes hablamos con ELIF. Nacida en Estambul y actualmente residente en Barcelona, ELIF está ganando una gran cantidad de adeptos gracias a su visión innovadora y un estilo reconocible. Seguidamente, hablamos con el productor FX Logik, una verdadera fuerza dentro de la escena de la música electrónica, combinando géneros como UK garage, progressive trance y tech house en un estilo único que es tanto futurista como arraigado en la cultura rave clásica. Para finalizar nuestra ronda internacional, charlamos con el DJ y productor argentino LondonGround, quien lleva más de 15 años activo en la escena. Hablamos con él sobre su historia desde los primeros años hasta su lanzamiento ‘’Breath, firmado por el sello SIGHT Music, que ha recibido un gran apoyo en la escena, con cientos de DJs destacándolo y manteniéndose 110 días consecutivos en el Top 100 Minimal/Deep Tech de Beatport.
En clave nacional, hablamos con Horacio Cruz. Hablar de este artista es hablar de una de las figuras más influyentes del techno en España. Con una carrera de más de dos décadas, el DJ y productor granadino ha sabido forjar un sonido propio, marcado por la energía, la precisión y una inquebrantable pasión por el vinilo. Hablamos con él —entre otras cosas— sobre su esperado regreso a Industrial Copera, la filosofía detrás de X Erie y la importancia del vinilo en su carrera, un formato que sigue defendiendo con pasión en una industria cada vez más digitalizada. Cambiamos de tercio para introduciros a Pointless, el alias artístico de James Lacey, un diseñador e ilustrador nacido en Cardiff, Gales. Con un enfoque creativo que trasciende la música, la moda y más, James ha dejado su marca registrada en la escena de música electrónica underground europea. Seguidamente hablamos con Tomasso, el dueño de Vinilos Viajeros que, además de ser una tienda de discos, es un punto de encuentro para apasionados de la música electrónica que buscan conectar a través del vinilo. Para completar, hablamos con Giovanni, uno de los fundadores de Underground Records con motivo del décimo aniversario del sello. Nos habla sobre los momentos clave en la trayectoria del sello, sus criterios de selección musical y su visión para el futuro, además de compartir anécdotas y reflexiones sobre lo que significa mantenerse fiel a una identidad sonora en un panorama en constante cambio.
Pero, ¿qué más se cuece en la escena?
Este mes os introducimos un artículo sobre Perros Mediterráneos, que no es solo una tienda de discos ni un bar de vinos naturales: es un espacio cultural que fusiona música, arte, gastronomía y un enfoque genuino hacia la creación de comunidad.
Y como siempre, en esta edición encontraréis lo último en tech y las mejores críticas musicales. ¡Pero como os comenté, esto no es todo! Seguimos trabajando para ofreceros muchas más secciones de interés relacionadas con nuestra industria en nuestras próximas ediciones.
Patricia Pareja
Directora.
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FEBRERO-2025
Reviews Álbumes por Bruno Garca
Reviews Breaks por Eduardo Carbonell
Vinilos viajeros
Undersound Recordings
Horacio Cruz
Eli Brown
FX Logik Londonground
Perros Mediterráneos
Cómo Produzco Bizza
Tech Korg Kronos 2025
Reviews Drum & Bass por Daniel Paniagua
Reviews Electro por Federico Cortina
Reviews Hard Techno por Alejandro Serrano
Reviews House por Francisco Pérez
Reviews UK Garage por Borja Comino
bits beats
Kraftwerk celebra 50 años de Autobahn
La icónica banda Kraftwerk conmemora el 50 aniversario de Autobahn con tres ediciones especiales disponibles el 7 de marzo. Se lanzará un vinilo picture disc de 12” basado en la remasterización de 2009, un Blu-ray con una mezcla inmersiva en Dolby Atmos disponible en streaming, y un vinilo limitado de 7” que saldrá el 14 de febrero como adelanto. Este lanzamiento reafirma el legado innovador de Kraftwerk en la música electrónica y su constante reinvención sonora.
Boiler Room: nueva era bajo Superstruct Entertainment
Boiler Room, plataforma global de música, ha sido adquirida por Superstruct Entertainment, gestora de festivales como Sónar y Flow Festival. Aunque DICE seguirá siendo su socio oficial de venta de entradas, Boiler Room mantendrá su identidad bajo esta nueva gestión. Respaldada por KKR y CVC, Superstruct busca expandir su alcance en la industria musical. Coincidiendo con los 15 años de Boiler Room, esta alianza promete fortalecer su liderazgo en música y eventos en vivo a nivel global.
+info: https://boilerroom.tv/
IMS Ibiza 2025: Intercambio intergeneracional como eje central
La programación de IMS Ibiza 2025 se centra en el tema del intercambio intergeneracional, promoviendo la colaboración entre generaciones para moldear el futuro de la música electrónica. Habrá debates sobre géneros como Jungle y Drum ‘n’ Bass, la sostenibilidad en la vida nocturna, la expansión en África y mentorías para jóvenes talentos. El evento integrará educación, diversidad, bienestar y sostenibilidad, colaborando con EarthPercent y ofreciendo entradas con descuentos para estudiantes, residentes de Ibiza y usuarios de transporte sostenible.
+info: https://www.internationalmusicsummit.com/
Carl Cox: su regreso triunfal a Ibiza con [UNVRS]
Este verano, Carl Cox será el protagonista de las noches de los domingos en Ibiza con su nueva residencia en [UNVRS], a partir del 22 de junio. El club, diseñado con innovaciones en producción y una experiencia hiperpersonalizada, permitirá al legendario DJ llevar su visión artística a nuevos niveles. Yann Pissenem, fundador de The Night League, destaca esta residencia como un momento histórico para la escena de Ibiza, que redefinirá el significado de los domingos en la isla.
“He aprendido a infundir todo lo que hago con mi toque y mis experiencias, haciendo que sea distintivamente mío”
Nacida en Estambul y actualmente residente en Barcelona, ELIF está ganando una gran cantidad de adeptos gracias a su visión innovadora y un estilo reconocible. Como fundadora del sello Marginalia, no solo busca apoyar el talento emergente, sino también fomentar la libertad creativa en la industria.
ELIF sabe lo que quiere y, después de haber estudiado arquitectura y haber trabajado en distintos ámbitos profesionales, decidió apostar fuerte por su pasión. Su trayectoria desde entonces se puede resumir en un par de palabras: perseverancia y versatilidad, pues ha pasado de ser blogger de festivales a DJ que gira internacionalmente. Empezó fuerte debutando en Anjunadeep ya en 2019 y desde entonces ha ido picando piedra sin cesar hasta ganarse el puesto en escenarios de Tomorrowland o Wonderfruit de Tailandia.
Este año tiene muchas cosas preparadas y, con su remix del track ‘Falling’ de Holly North recién estrenado, podemos avanzar que en marzo Elif lanzará su nuevo tema ‘Eos’ a través de Core Recordings.
¿Cuál es la visión detrás de tu sello, Marginalia, y cómo planeas apoyar el talento emergente y fomentar su libertad creativa este año?
Cuando comencé a ir de gira intensamente, empecé a recibir música fresca y emocionante de productores emergentes de todo el mundo, lo que hacía que mis sets fueran dinámicos y atractivos. Sin embargo, pronto me di cuenta de lo difícil que era para los nuevos artistas lanzar su música en sellos establecidos sin una cierta cantidad de seguidores en redes sociales o reputación en la industria.
Marginalia nació para dar a estos talentosos productores una plataforma, un hogar donde no estén limitados por géneros populares o el número de seguidores. Les ofrecemos oportunidades como el apoyo de remixes de artistas consolidados, distribución a DJs de gira de primer nivel, espacios en nuestros showcases del sello, e incluso conectarles con promotores para conseguir actuaciones como teloneros en mis shows.
¿Qué estrategias utilizas en Marginalia para empoderar a los artistas emergentes y garantizar que tengan una plataforma sólida para desarrollar sus carreras?
Como mencioné, una de nuestras estrategias clave es asegurarnos de que mis colegas y yo, que vamos de gira frecuentemente, toquemos sus temas para exponer su trabajo a audiencias más amplias. También facilitamos colaboraciones asegurando remixes de artistas consolidados para elevar a los nombres emergentes.
Nuestros showcases presentan a artistas de Marginalia, y a menudo pido a talentos locales de nuestro roster que abran mis shows en sus ciudades. Más allá de esto, mentorizo a estos artistas, ayudándoles a conectar con sellos más grandes cuando surgen oportunidades. En algunos casos, incluso he redirigido temas que había firmado a sellos que podrían apoyar mejor su crecimiento.
También les asistimos con la promoción de lanzamientos, la gestión de perfiles artísticos y la orientación profesional, mientras que Marginalia Publishing apoya a quienes aún no tienen un editor.
¿Qué lecciones clave destacas de tu trayectoria desde aspirante a arquitecta y hasta DJ reconocida?
Mi viaje de la arquitectura al DJing ha estado lleno de giros y vueltas. He estudiado arquitectura, viajado y escrito sobre mis experiencias, gestionado una banda de indie rock, enseñado yoga, e incluso trabajado como traductora. A través de todo esto he aprendido que cada experiencia es transferible.
Por ejemplo, mi formación en arquitectura me dio un ojo para la composición en la fotografía de redes sociales y me ayudó a aprender programas de producción musical (DAWs) rápidamente debido a mi familiaridad con los programas de dibujo arquitectónico. De manera similar, mi experiencia enseñando yoga influyó en mis sets de DJ, inspirándome a estructurarlos con una progresión intencional: desde los calentamientos hasta los picos y transiciones.
He aprendido a infundir todo lo que hago con mi toque y mis experiencias, haciendo que sea distintivamente mío.
Como defensora de la igualdad de género en la música electrónica, ¿cómo crees que la industria puede ser más inclusiva para las mujeres y otros grupos subrepresentados?
Aunque muchos eventos y promotores están haciendo esfuerzos para ser más inclusivos, todavía queda mucho trabajo por hacer. Demasiado a menudo, las cuotas de diversidad se cumplen para aparentar en lugar de lograr una representación significativa. La verdadera igualdad llegará cuando los artistas sean contratados por su talento, no para cumplir con cuotas, y cuando haya suficiente representación para inspirar a futuras generaciones a verse a sí mismas en la industria.
Incluso cuando me contratan para eventos importantes, he enfrentado desafíos que destacan los prejuicios arraigados. Mi habilidad ha sido puesta en duda, y he soportado explicaciones condescendientes (mansplaining) de conceptos básicos del DJing. Mi talento y competencia a menudo han sido cuestionados simplemente por mi género.
La representación es crucial. Hace una década me inspiré a ser DJ al ver a una mujer tocar música increíble. Es una prueba de que la visibilidad puede generar un cambio significativo. Sin embargo, la desigualdad persiste, incluso en espacios prestigiosos, y podría escribir un libro sobre las barreras que he enfrentado. Estas experiencias subrayan cuánto nos queda por avanzar como industria.
¿Cómo te sientes siendo mentora e inspiración para la próxima generación de mujeres artistas en la música electrónica?
Estoy feliz de ser mentora para la próxima generación de artistas, independientemente de su género. No tengo nada específico que decir a las mujeres, aparte de que aspiren a ser excepcionalmente buenas en su oficio para silenciar a aquellos que asumen que están ahí solo por su género.
Dicho esto, sé que inspiraré naturalmente a muchas artistas femeninas porque, hace una década, me inspiré viendo a mujeres en la cabina. La representación lo es todo.
¿Cómo equilibras tu tiempo entre actuaciones en vivo y trabajo en el estudio para mantener tu música fresca e innovadora?
Equilibrar las giras con el trabajo en el estudio puede ser un desafío, especialmente cuando viajo intensamente. Durante los períodos más tranquilos, me concentro en el bienestar mental y físico: mantener rutinas, comidas caseras, abrazos con mi perro y tiempo con mis seres queridos. Estos momentos de descanso alimentan mi creatividad y me permiten abordar las sesiones de estudio con claridad y enfoque.
He aprendido que alternar entre giras de alta energía y períodos más tranquilos en el estudio refleja ciclos naturales, permitiéndome crear con intención mientras me mantengo conectada con mi oficio.
Durante la pandemia, utilizaste plataformas como Twitch para conectar con una audiencia global. ¿Cómo cambió esta experiencia tu enfoque como artista?
Estaba comenzando mi carrera cuando llegó la pandemia, y naturalmente recurrí a plataformas como Twitch para conectar con la gente y compartir música. Me permitió llegar a una audiencia más amplia que los pequeños shows en los que había estado tocando antes.
El aislamiento y la incertidumbre de esa época también profundizaron mi aprecio por la conexión humana que crea la música, lo cual se ha convertido en un aspecto central de mi enfoque como artista.
Has actuado en más de 100 shows al año. ¿Cómo influyen los viajes y las culturas que experimentas en tu proceso creativo y en tu identidad artística?
Me siento increíblemente privilegiada por poder viajar a diferentes partes del mundo, conocer a personas increíbles e involucrarme en diversas culturas. Estas experiencias enriquecen mi creatividad y mi identidad artística, proporcionándome nuevas perspectivas e inspiración.
¿Qué puedes contarnos sobre tus próximos lanzamientos originales y los eventos globales que estás planeando?
Aunque viajar es increíble, puede ser un reto mantener la capacidad mental y física necesaria para trabajar en el estudio.
El año pasado me centré en un puñado de temas originales y varios remixes. Los remixes son más rápidos de crear, ya que la idea musical ya está ahí, mientras que empezar algo nuevo desde cero requiere claridad mental y energía creativa. A finales de 2024 y principios de 2025, me tomé un descanso de las giras tras separarme de mi antigua agencia de booking, que no era la adecuada para mí. Este tiempo de descanso me permitió reconectar con una vida “normal”: pasar tiempo con amigos en la misma ciudad, establecer una rutina de ejercicio, cocinar en casa, abrazar a mi perro, socializar y desconectarme de las redes sociales.
Estas actividades han sido invaluables para recuperar mi creatividad y evitar el agotamiento. Estoy emocionada por tener ahora una colección de nueva música para compartir y temas creados sin la presión de plazos que también he podido probar en directo.
Este equilibrio entre giras intensas llenas de inspiración y conexión, seguido de períodos tranquilos de descanso, sueño y flujo creativo, se ha convertido en algo esencial para mí. Refleja los ciclos naturales de la vida, y estoy comprometida a respetar este ritmo por mi mente, cuerpo y alma.
Entre tus actuaciones más destacadas, ¿hay algún momento o festival que consideres especialmente significativo y que haya tenido un impacto duradero en tu conexión con la audiencia?
Tengo una relación de amor-odio con mi país de origen, Turquía. Es un lugar hermoso, con gente increíble, una rica historia y una cultura vibrante. Sin embargo, crecer allí me hizo testigo de su declive financiero y cultural, lo cual dejó una marca duradera en mí. Como mujer de Turquía, donde los roles tradicionales de género a menudo están influenciados por los aspectos más conservadores del Islam, no siempre me he sentido apoyada o valorada en mi trabajo. A lo largo de
mi vida he enfrentado restricciones, desafíos con visados y juicios sociales.
Finalmente, encontré paz viviendo fuera de Turquía. En España descubrí un nuevo hogar, un lugar con una cultura mediterránea similar, pero donde las mujeres disfrutan de una libertad mucho mayor. Como muchos turcos que se han mudado al extranjero en las últimas décadas, he encontrado comunidades turcas en todo el mundo. Su calidez y hospitalidad me hacen sentir en casa sin importar lo lejos que esté, y estoy infinitamente agradecida por ello.
Volviendo a tu pregunta, una actuación destaca en particular: mi show en
Tomorrowland en 2023. No soy muy nacionalista, y siendo honesta, no soy fan de las fronteras, los estados nación ni de la política vinculada a ellos. Por esta razón, nunca he estado particularmente apegada a las banderas. Pero ese día, ver tantas banderas turcas en el público me hizo llorar. Por primera vez, sentí que la gente de Turquía estaba orgullosa de mí, aunque mi trabajo no se ajusta a la idea de una “mujer turca conservadora”, una presión invisible que muchas mujeres turcas han soportado bajo el régimen del actual gobierno. Ese show fue profundamente emocional para mí, casi como sanar un trauma generacional. Estoy más que emocionada de volver a Tomorrowland, Bélgica, este año durante el primer fin de semana, y no puedo esperar a ver más banderas turcas en el público. Es difícil poner en palabras lo mucho que significó ese momento para mí.
Otra experiencia inolvidable fue mi actuación en 2023 en Wonderfruit, Tailandia, donde toqué en el icónico sistema de sonido 360° del escenario Polygon. Llegué un día antes para experimentar la magia del escenario desde la pista de baile, y eso me ayudó a preparar mi set perfectamente. La energía de esa noche fue increíble; sentí una conexión tan profunda con el público. Incluso ahora, en 2025, cuando hago giras por Asia, la gente todavía me dice cómo me descubrieron a través de ese set. Fue un momento verdaderamente especial.
¿Puedes compartir alguna perspectiva sobre la inspiración detrás de ‘The Artist’, con David LeSal, que sale el 21 de febrero, y qué temas o emociones esperas transmitir con tu contribución al próximo Marginalia VA?
‘The Artist’ es profundamente personal. El trabajo de David LeSal resonó conmigo, capturando los altibajos de ser un artista: la ansiedad y la belleza de convertir las emociones en arte.
David LeSal se unió a la familia Marginalia en 2024 con su colaboración con I Promised Mom: ‘Phones Away’, que adoro. Me encanta su trabajo como electro-poeta.
El tema forma parte del segundo recopilatorio de Marginalia, que cuenta con 21 temas increíbles.
Con tu lanzamiento original ‘Eos’ llegando a Core el 7 de marzo, ¿puedes contarnos cómo este tema representa tu evolución artística y qué pueden esperar los oyentes de este nuevo trabajo?
‘Eos’ es un tema que comencé a trabajar en 2024 y marca uno de los primeros originales que creé tras centrarme en colaboraciones y remixes durante mis viajes. También es el primer tema que comencé en mi nuevo estudio en Barcelona, lo que lo hace particularmente especial para mí.
Para mí, ‘Eos’ simboliza el comienzo de una nueva era, una en la que me siento igualmente cómoda y en casa en el estudio como en la cabina, creando música sin la presión de los plazos.
Estoy emocionada de que haya encontrado un hogar con Core Records. Después de haber actuado
en los magníficos escenarios Core en Tomorrowland Bélgica, Colombia y Tulum, he desarrollado un profundo aprecio por su equipo, su enfoque centrado en los artistas y su compromiso con mostrar sonidos diversos.
Si pudieras organizar tu propio festival en cualquier parte del mundo, ¿cómo sería y quién formaría parte del cartel?
Mi festival soñado estaría en la naturaleza, con amaneceres y atardeceres impresionantes, excelentes sistemas de sonido y un ambiente sostenible e íntimo, sin grandes pantallas ni secciones VIP.
El cartel incluiría a mis inspiraciones y a los artistas de Marginalia, con un enfoque en contar una historia cohesiva en lugar de seguir una jerarquía de popularidad.
Pointless es el alias artístico de James Lacey, un diseñador e ilustrador nacido en Cardiff, Gales. Con un enfoque creativo que trasciende la música, la moda y más, James ha dejado su marca registrada en la escena de música electrónica underground europea. Su talento le ha llevado a ser una figura clave, ilustrando flyers para marcas como Limousine Dreams y Rush Hour, además de diseñar portadas para una infinidad de discos.
Con una visión artística única y dinámica, ha trabajado estrechamente con sellos como Shall Not Fade y Time Is Now, aportando un estilo que combina narrativas visuales innovadoras con una estética que captura la esencia del sello discográfico.
Además de su faceta como diseñador, James es DJ y fundador de su propio sello, Handy Records. Recientemente, lanzó un libro en colaboración con Rush Hour Records, donde recopila algunas de sus obras más emblemáticas, consolidando aún más su legado artístico.
Ahora, establecido en Ámsterdam, James sigue perfeccionando su oficio explorando nuevas fronteras en el diseño y desafiando los límites de la ilustración. Su trabajo es un reflejo de influencias culturales profundas y mantiene una pasión inagotable por contar historias a través del arte visual.
¿Desde dónde nos escribes en este momento?
Hola equipo de Mixmag Spain. Ahora mismo me encuentro en Ámsterdam, Países Bajos.
¿Cómo describirías tu estilo artístico y cómo crees que se ajusta a la estética de la música electrónica?
Personalmente trato de variar mucho, así que es difícil describir mi estilo, pero diría que es juguetón, audaz y experimental a veces. Creo que la música electrónica siempre está evolucionando y me gustaría pensar lo mismo sobre mi arte.
¿Qué te inspiró a empezar a diseñar portadas de discos y flyers?
Mientras crecía en Cardiff hubo una escena pequeña pero muy activa durante un tiempo con fiestas de Earl Jeffers, Rotary Club, Blue Honey, City Bass, Concrete Junglists y más. Solía arrancar los carteles de todas las noches de club y poner-
los en casa; diría que esto fue lo que realmente me inspiró a empezar a crearlos yo mismo.
Tienes tu propio sello discográfico, ‘Handy Records’. ¿Cómo surgió la idea de lanzar tu sello? ¿Cómo está actualmente y cuáles son tus planes para el futuro?
Handy Records nació como una salida creativa para mis diseños. Comenzó como una pequeña compañía de skateboarding con amigos en Cardiff, y a medida que mi amor por la música dance y mi involucramiento en la escena crecieron, evolucionó hacia el sello.
Handy Records se centra principalmente en la música House, aunque hemos incursionado con nuestro sub-sello en estilos más tech/prog/ breaks. Este año, 2025, tenemos algunos lanzamientos increíbles programados y, finalmente, después de una breve pausa, ¡el merchandising está de vuelta en producción!
También has lanzado un libro con tus diseños. ¿Qué nos puedes contar sobre esto?
El libro es un fanzine A5 que se hizo en colaboración originalmente con Rush Hour Records para mi exposición individual “Inside The Place” en diciembre de 2023. Re-edité el libro después de la exposición por mi cuenta, y es un extenso catálogo de mascotas y diseños de logotipos creados por mí, principalmente en la industria musical. Está disponible para comprar en mi sitio web y también en tiendas de discos seleccionadas en el Reino Unido y los Países Bajos.
¿Tienes algún ritual o proceso creativo al trabajar en un nuevo diseño?
Me gusta recopilar tanta inspiración como pueda. Tengo muchos libros antiguos y referencias que uso a menudo, así como un archivo digital de inspiración. Si estoy diseñando para música, normalmente escucho el EP o álbum mientras diseño para inspirarme.
¿Pides a tus clientes referencias antes de empezar un proyecto o prefieres tener libertad creativa?
Diría que la mayoría de las veces me dan un briefing, aunque trato esto como un enfoque más colaborativo, intercambiando ideas y tratando de alinear nuestras visiones para crear algo fresco.
¿Hay algún proyecto en particular que sientas que definió tu carrera o te abrió nuevas puertas?
Siento que ha habido varios momentos así. Aunque diría que trabajar con Honey Dijon realmente me abrió puertas en el mundo de la moda. Principalmente estaba haciendo proyectos musicales más pequeños, pero después de mi colaboración con Honey y Dover Street Market, el ámbito de la moda comenzó a abrirse para mí.
¿Qué diferencias ves entre diseñar una portada de álbum y un flyer?
Creo que los flyers tienen un cierto encanto; su naturaleza desechable me da un poco más de margen para experimentar con nuevas ideas. Se siente menos conectado a un artista individual y más a un espacio y tiempo. Cuando diseño portadas de álbumes, siento que el arte tiene que tener algún tipo de conexión con la música o el artista, un poco más a nivel personal. Dicho esto, generalmente se siente un poco más profundo y considerado que los flyers, pero eso también puede ser un poco
más restrictivo dependiendo de con quién estés trabajando.
¿Qué música sueles escuchar mientras creas? ¿Puedes recomendar tu álbum favorito?
Como decía, si estoy diseñando un álbum o EP, generalmente lo escucho para entrar en calor. Aunque la verdad es que también me gusta poner NTS o un mix. Algunos álbumes que he estado escuchando recientemente son: Sonic, ‘Eye Of Jupiter’, Trickpony ‘Pillowtalk’, Ron Trent ‘Lift Off y Bailey - Intelligent Drum n Bass’ siempre es uno de mis favoritos.
¿Hay géneros específicos dentro de la música electrónica que prefieras ilustrar?
El tech house puede ser bastante divertido, ya que es enérgico y juguetón, lo que generalmente se refleja en el diseño. El house/rave sucio de los años 90 siempre es divertido porque tengo un cariño especial por esa estética y era musical.
¿Cuál es tu opinión sobre cómo han evolucionado la ilustración y el diseño en la música electrónica en los últimos años?
El uso de la inteligencia artificial se está utilizando más ahora, lo cual es una pena porque, la mayoría de las veces, se ve muy plástico y sin alma. Dicho esto, creo que ha empujado a los diseñadores a dejar de lado esta idea de “perfecto”. Estoy viendo un enfoque más audaz y analógico en el
arte, lo cual es refrescante. Las obras de arte parecen tener más un toque humano, menos limpias y “digitales”.
¿Cómo ves el impacto de las redes sociales y las plataformas digitales en la forma en que se consumen y comparten tus diseños?
Creo que esto puede tener tanto impactos negativos como positivos en uno mismo y en su trabajo. Obviamente, está todo el juego de “me gusta y seguidores” y un espacio infinito para la comparación, lo cual es una pendiente resbaladiza. Aunque si decides no involucrarte en ese lado de las redes sociales, puede ser una herramienta útil, ¡definitivamente! Una plataforma para compartir tus creaciones, impulsar tu trabajo y potencialmente colaborar con otros. La mayoría de mis clientes han encontrado mi trabajo a través de redes sociales, sitios web o características de plataformas digitales.
¿Qué artistas visuales o diseñadores han influido más en tu estilo?
A lo largo de los años me han inspirado muchos grandes artistas y diseñadores, pero algunos que puedo mencionar son: Tex Avery, Keith Haring, Robert Crumb, Dalí, Escher, Ben Arfur, Braulio Amado, Luca Lozano… ¡Demasiados para nombrar!
¿Qué consejo le darías a alguien que quiere empezar a diseñar para la industria de la música electrónica?
Date tiempo y sé amable contigo mismo; nada sucede de la noche a la mañana. El mundo de la música está en constante evolución y cambio. Intenta asistir a fiestas e involucrarte en la comunidad, crea conexiones genuinas con las personas y los clientes. Contacta a personas, sellos, fiestas; hay una abundancia de gente que busca diseñadores con los que trabajar.
¿Hay algún sueño u objetivo que aún no has logrado como ilustrador?
El objetivo final sería trabajar con una galería/museo y tener una exposición individual más grande. Me encantaría poder tener esa libertad en mi trabajo, creando piezas a gran escala, esculturas y haciendo un mundo absurdo lleno de mis diseños de personajes, etc. ¡Seúl y/o Tokio serían un sueño!
¿Qué herramientas o software usas para crear tus diseños? ¿Tienes una preferencia entre digital y analógico?
Todavía dibujo principalmente con lápices, pinturas y papel, y luego trazo digitalmente en Adobe Illustrator y Photoshop. Uso un iMac, una tableta Wacom y un escáner; un set-up bastante básico.
En una era donde lo digital domina la industria musical, aún existen quienes apuestan por la calidez y la autenticidad del formato físico. Vinilos Viajeros, además de ser una tienda de discos, es un punto de encuentro para apasionados de la música electrónica que buscan conectar a través del vinilo. Detrás de este proyecto está Tomasso, quien, inspirado por sus viajes y su amor por la escena underground, ha construido un espacio que va más allá de la compra y venta de discos. En esta entrevista nos habla sobre los inicios de la tienda, los desafíos del proyecto y el papel que juega en la comunidad local.
¿Qué es Vinilos Viajeros y de dónde nació la necesidad de tener tu propia tienda?
Vinilos Viajeros es un proyecto que nació hace poco menos de tres años. Surgió de mi necesidad de conectar de una manera más profunda y auténtica con el mundo de la música electrónica en vinilo y con las personas que la disfrutan a través de la compra y venta de discos.
¿Qué historia hay detrás del nombre de la tienda?
El nombre de la tienda se inspira en un viaje que hice a Centroamérica, inicialmente planeado como un trayecto solo de ida, mochila al hombro. Durante esa experiencia, descubrí el mundo de los hostales, lugares donde personas desconocidas se encuentran, comparten historias, información y emocio-
nes. Esa experiencia me marcó y cuando volví decidí llamarla Vinilos Viajeros. Además, refleja el enfoque de mi tienda en discos de segunda mano, que también viajan pasando de dueño a dueño, de tienda a tienda.
¿Cuáles fueron los mayores desafíos al iniciar el proyecto?
El mayor desafío fue compaginar mi trabajo habitual con los esfuerzos necesarios para sacar adelante el proyecto. Esto implicó buscar discos, catalogarlos, ponerlos a la venta en plataformas online y cuidar el espacio físico, que en un principio era un pequeño lugar alquilado dentro de un coworking.
Para ti, ¿qué es lo más especial de Vinilos Viajeros?
Sin duda, las conexiones que han surgido gracias al proyecto. Se ha creado una comunidad de amigos y apasionados por la música que se han conocido a través de Vinilos Viajeros, y eso es algo realmente valioso para mí.
¿Cómo seleccionas los discos que tienes a la venta?
Principalmente según mi gusto personal. Muchos de los discos que vendo han formado parte de mi colección o reflejan mi estilo musical.
¿Qué estilos predominan en el catálogo?
Los géneros principales son house, techno, electro, trance y downtempo, aunque realmente se puede encontrar de todo en mi selección.
Sabemos que eres un apasionado de apoyar la escena local. ¿Cómo lo haces?
Principalmente comprando los lanzamientos de artistas locales y promocionándolos en las redes sociales. Creo que es fundamental apoyar a los artistas, ya que producir y lanzar un disco hoy en día es muy costoso y complicado. Además, intento asistir a eventos y darlo todo en la pista de baile.
¿Qué papel juega la tienda en la escena musical local?
Espero que Vinilos Viajeros inspire a quienes la visitan, ayudándoles a descubrir nuevos discos que amplíen tanto sus horizontes musicales como mentales. Me gustaría que la tienda sea vista como una especie de incubadora cultural para los apasionados de la música electrónica.
vinilos viajeros
Un rincón para los amantes del vinilo en Barcelona
Participas en eventos y tienes una residencia en Oblicuo. ¿Qué puedes contarnos sobre esto?
Además de organizar showcases para la tienda (recientemente realicé uno en Laut), en Oblicuo organizamos eventos todos los martes junto con Demofather. En estas sesiones, invitamos a artistas tanto locales como internacionales, con un enfoque musical centrado en el downtempo y el ambient. Este estilo nos permite explorar una faceta más introspectiva de los DJs, brindándoles la oportunidad de experimentar en un entorno íntimo y con un sistema de sonido de alta calidad.
También formo parte de un colectivo recientemente creado en Italia, cuyo objetivo es llevar la cultura de club, de los vinilos y la música electrónica a mi tierra natal, Monza y Brianza (una ciudad y territorio cerca de Milano). El colectivo se llama Fuorimilano y buscamos formar una comunidad apasionada en torno a este género.
¿Qué colectivos y sellos de la escena barcelonesa destacarías?
En cuanto a colectivos, me gustaría destacar Hakke, Rostro Soundsystem (y sus fiestas locas), Sonido, Siku y Mirador, aunque hay muchos más que podría mencionar.
En cuanto a sellos discográficos: Aspecto Humano, 22 Recordings y Calypso’s Dream, que son los primeros que vienen a mi mente.
¿Cuál crees que es la tendencia musical actual? ¿Qué géneros son los que más te piden o vendes?
Los géneros más demandados actualmente son el electro/tech house, progressive house/trance, Techno, Synth Pop etc.
Sabemos que la alfombra de la tienda tiene una historia especial. ¿Nos la cuentas?
Sí, la alfombra tiene un valor sentimental muy grande para mí. Es la misma en la que crecí escuchando los CDs de mis padres cuando era pequeño. Creo que le da un aire muy hogareño al local.
¿Cuál es el disco más raro o preciado que has tenido en la tienda?
Uno de los más especiales fue Prince of Denmark - 8. Es un disco que actualmente no se encuentra por menos de 600 euros.
Para cerrar, ¿qué mensaje te gustaría transmitir a nuestros lectores?
Qu es importante seguir apoyando la escena local y sus incansables intérpretes.
“Elegir
una pista no es tan difícil, honestamente. Cuando cierro los ojos, tiene que ayudarme a visualizar el contexto exacto y el lugar donde podría ser reproducida”
Undersound Recordings
Desde sus inicios en los sótanos y naves de Londres hasta convertirse en un sello discográfico de culto en la escena underground, Undersound ha sido un refugio para los sonidos más auténticos y visionarios de la música electrónica. Fundado en 2012 por Giovanni y Kimbo, el proyecto nació de una pasión compartida por la cultura club y el vinilo, evolucionando desde fiestas clandestinas hasta una plataforma influyente que ha dado voz a artistas emergentes y consagrados.
En esta entrevista, exploramos la historia detrás de Undersound Recordings, la filosofía que impulsa cada lanzamiento y el impacto que han tenido en la comunidad de diggers, coleccionistas y DJs alrededor del mundo. Giovanni nos cuenta sobre los momentos clave en la trayectoria del sello, sus criterios de selección musical y su visión para el futuro, además de compartir anécdotas y reflexiones sobre lo que significa mantenerse fiel a una identidad sonora en un panorama en constante cambio.
¿Cómo surgió Undersound?
Todo comenzó cuando conocí a Kimbo (Andrea) en 2009 en Love Family Park. Ambos éramos jóvenes, pero ya estábamos viajando por Europa buscando ampliar nuestros conocimientos sobre un cierto tipo de música electrónica de baile. Pasamos el día juntos con nuestros amigos y por la noche fuimos por primera vez a Robert Johnson para vivir una experiencia inolvidable. Él mencionó que vivía en Londres y planeaba crear una serie de eventos. Así que, cuando me mudé allí unos meses después, unimos fuerzas movidos por la misma pasión, y después de algunos años compartiendo ideas y planes, en 2012 dimos vida a Undersound. ¡Así es como comenzó!
¿Te gustaría contarnos un poco más sobre esto?
Comenzamos con fiestas ilegales, principalmente en sótanos y naves, pero también en clubes íntimos durante más de 7 años. Nos ocupamos de todos los aspectos, desde encontrar espacios vacíos, trayendo, donde fuera posible, nuestro sistema de sonido favorito, Martin Audio, hasta promover el evento, reservar vuelos y alojamientos para los artistas que queríamos que tocaran en nuestros eventos. A lo largo de estos años hemos construido un seguimiento
internacional leal y proporcionado una plataforma para artistas emergentes que a menudo se convierten en actos aclamados por la crítica en su escena musical.
¿Cómo surgió la idea de crear un sello discográfico. ¿Qué te inspiró a dar el paso de iniciar un sello?
Siempre hemos estado fascinados por el vinilo, observando cómo estos discos redondos y negros giran y emiten sonido al hacerlo. Realmente queríamos poder expresar nuestra visión musical libremente, sin compromisos, compartiendo nuestros gustos musicales y la música que la gente podría encontrar en nuestras fiestas. Pero, lo más importante, queríamos dejar algo atrás para la nueva generación, para que quizás sigan apoyando un tipo específico de música de baile underground. Así que, de forma natural, en 2015, lanzamos Undersound Recordings. Lo dirigimos juntos hasta USR004, pero después de eso, Kimbo quería enfocarse en otros asuntos de la vida y decidimos que yo podría seguir dirigiendo el proyecto solo.
¿Cuántos lanzamientos tiene el sello hasta ahora? ¿Hay algún lanzamiento en particular que consideres emblemático o que marcó un punto de inflexión para Undersound?
Hasta ahora tenemos 34 lanzamientos, de los cuales 33 son lanzamientos en vinilo y una cinta con una jam en vivo del Wedding Acid Group. ¡Ah! También tenemos 3 lanzamientos más en el sub-sello NOUN. No puedo decir que el lanzamiento más emblemático sea USR006 de Silicon, pero marcó un punto de inflexión, sin duda. Poder lanzar este tipo de Acid Techno en ese momento me dio la comprensión total de que podría lanzar cualquier estilo de género que personalmente encontrara interesante.
¿Cómo seleccionas la música para el sello? ¿Qué criterios utilizas al elegir las pistas?
Selecciono música de diferentes formas: revisando mi colección de discos, tratando de encontrar direcciones de correo electrónico de productores y contactarlos, hablando con mis amigos con quienes comparto música y, otra forma que creo que es muy importante, es escuchando todas las demos que recibo semanalmente, sin importar de quién sean y de dónde vengan.
Elegir una pista no es tan difícil, honestamente. Cuando cierro los ojos, tiene que ayudarme a visualizar el contexto exacto y el lugar donde podría ser reproducida. O recordarme algunos recuerdos específicos, dándome esa sensación emocional que solo la música puede dar.
Cada lanzamiento del sello abarca una amplia gama de géneros, desde house y electro hasta techno, trance e incluso drum and bass. ¿Qué valoras más en cada pista que decides incluir? ¿Cómo logras mantener una identidad consistente a pesar de la diversidad de estilos?
Cada pista tiene que hacerme sentir algo, felicidad, sorpresa, amor,… pero también tristeza. Vivo la música como una evolución constante. Cuanto más la escucho, más quiero descubrirla. Se siente como si nunca fuera suficiente, que siempre hay algo más, algo diferente en algún lugar que podría captar mi atención. Cuando escucho música o busco en tiendas de discos, simplemente la escucho con la mente abierta y veo si podré encontrar algo, sin concentrarme demasiado en un estilo específico. Esto, junto con otros factores, ayuda a mantener la identidad a un nivel con el que me siento cómodo.
Undersound Recordings es un sello que otros artistas mencionan con frecuencia como referencia en entrevistas. ¿Qué crees que distingue a tu sello y lo hace tan respetado entre coleccionistas, diggers y productores?
No sé si mi sello es mejor o especial para otras personas, pero es especial para mí. Quizás la gente puede percibir las razones por las que sigo lanzando música en vinilo, que son principalmente impulsadas por la pasión. A menudo escucho “tienes una visión y te mantienes fiel a ella”, así que creo que la visión auténtica detrás del sello ha hecho que gane su respeto.
Si pudieras hablar con Giovanni cuando estaba comenzando el sello, ¿qué consejo te darías? ¿Hay algo que harías de manera diferente si tuvieras la oportunidad de empezar de nuevo?
Le diría que aprendiera lo más rápido posible a comunicarse mejor, a tomar menos cosas de manera personal y a ser más paciente. No es que ahora esté completamente curado, ¡pero está trabajando en ello!
¿Cuál es tu visión para el futuro de Undersound Recordings? ¿Hay algún objetivo específico o proyecto especial que te gustaría lograr con el sello en los próximos años?
La visión tiene que ser la misma que ahora, la música es lo primero. Uno de los objetivos es seguir entregando música en formato vinilo a nuestros seguidores y amigos, tratando de hacer que sientan las mismas emociones que una pista específica me dio. Tomándose el tiempo para elegir un disco, reproducirlo y olvidarse del resto.
Si pudieras trabajar con cualquier artista o productor en el mundo, ¿a quién elegirías y por qué?
Definitivamente a Ceephax Acid
Crew porque me ha influenciado mucho a lo largo de los años con su música. A Helena Hauff porque tiene un sonido electro-techno muy específico, mezclado con tonos ácidos que encuentro muy personal. Por último, pero no menos importante, a The 7th Plain porque su sonido techno de los 90 es algo que falta en Undersound Recordings.
¿Cómo equilibras tu visión personal como curador con las expectativas de los oyentes y de la industria?
Desde el primer lanzamiento, la idea era compartir nuestra/mi visión personal con los oyentes. Así que seguí haciendo eso sin comprometer la selección de pistas para complacer al público. Si realmente amo una pista, simplemente la lanzo. Creo que si haces lo que te gusta y lo compartes con el mundo, siempre habrá alguien que comparta tu misma visión o gusto. O, al menos, espero que siempre haya alguien.
¿Cuál ha sido la mayor lección que has aprendido desde que comenzaste Undersound? ¿Cómo te ha cambiado la experiencia de dirigir un sello, tanto personal como profesionalmente?
Undersound no existiría sin el apoyo de nuestros amigos, que siempre han estado ahí desde el primer día apoyándonos, creyendo en nosotros, viniendo a nuestros eventos y bailando hasta los últimos beats, incluso cuando, a veces, la fiesta podría no haber sido de las mejores. Todos los clubbers que vinieron a nuestros eventos y toda la gente que apoya la visión comprando un disco son parte de Undersound. Sin olvidar mencionar a Benjamin de nuestra distribución Yoyaku, quien siempre creyó en el proyecto incluso cuando no estaba en mi mejor momento. Así que la mayor lección que he aprendido a lo largo de los años es a estar siempre agradecido por recibir y seguir recibiendo el apoyo necesario para continuar. Estar en contacto con productores, artistas y profesionales de la industria musical me ha convertido en una mejor persona. Comenzando desde cero, tuve la oportunidad de trabajar y conectar con muchas personas diferentes de todo el mundo que me ayudaron a mejorar, tanto a nivel personal como profesional.
HORACIO CRUZ
El regreso a Industrial Copera y su apuesta inquebrantable por el vinilo
Hablar de Horacio Cruz es hablar de una de las figuras más influyentes del techno en España. Con una carrera de más de dos décadas, el DJ y productor granadino ha sabido forjar un sonido propio, marcado por la energía, la precisión y una inquebrantable pasión por el vinilo. Como fundador del sello X Erie, ha creado una plataforma que no solo impulsa su visión artística, sino que también da voz a una nueva generación de talentos dentro de la escena techno más underground.
Este 2025 marca un momento especial en su trayectoria: tras cinco años de ausencia, Horacio Cruz regresa a Industrial Copera, un club que ha sido clave en su evolución como artista y que ha presenciado algunas de sus sesiones más memorables. Un reencuentro esperado tanto por él como por su público, que sigue fiel a su compromiso con el techno más puro y auténtico.
En esta entrevista, hablamos con Horacio Cruz —entre otras cosas— sobre su esperado regreso a Industrial Copera, la filosofía detrás de X Erie y la importancia del vinilo en su carrera, un formato que sigue defendiendo con pasión en una industria cada vez más digitalizada.
Horacio, es un placer recibirte en Mixmag Spain. ¿En qué momento te encuentras recién estrenado este 2025?
Igualmente, encantado de compartir este rato con vosotros. Pues este 2025 me encuentro especialmente motivado y con mucha fuerza, al final creo que eso es lo más importante, que la pasión esté intacta y las ganas de seguir creciendo vayan en aumento.
El año comienza cargado de actuaciones en ciudades como París y Marsella, ¿qué esperas de estos gigs?
Siempre me encuentro muy feliz en los eventos de mi país, pero es cierto que cuando sales al extranjero sientes un reconocimiento especial que te carga de energía. París es una ciudad con gran tradición musical y vuelvo a repetir este año después de mi visita en 2024, eso es señal de que gusta tu trabajo, hacía años que no visitaba Marsella y en marzo actuaré por primera vez en el mítico club de electrónica Cabaret. Espero seguir consolidando mi sonido en estas ciudades y que el techno más puro recupere su protagonismo.
Además, después de cinco años regresas a Industrial Copera, un lugar emblemático en tu carrera. ¿Qué representa para ti volver?
Es algo muy especial, son muchos años, muchos recuerdos y es una sala que me ha visto crecer, siempre he sentido el cariño en mi ciudad y las noches en Industrial Copera han sido siempre espectaculares. La dirección de la sala lleva varias temporadas intentando que volviera, y finalmente hemos preparado una fecha para hacer una noche memorable. Se avecina una cita de reencuentros y de grandes sensaciones, tengo muchísimas ganas que llegue el día.
¿Cuándo fue tu primera vez en esta mítica sala granadina? Y, ¿cuál es la vez que recuerdas actuando con más cariño?
Mi primera actuación allí fue hace ya 26 años, en la primera Industrial Copera de Armilla, aquella sala era increíble. Fue un viernes y lo recuerdo perfectamente, fue el inicio de una bonita historia. Actuaciones que recuerde con cariño hay muchas, pero si tuviera que quedarme con algunas te diría mi All Night Long especial 20 años de carrera o el cierre de 02/2011 después de Valentino Kanzyani en una noche de clásicos del techno en vinilo.
Tu sello X erie ha logrado posicionarse en la escena con lanzamientos que
han alcanzado los primeros lugares en ventas en Beatport. ¿Qué lanzamientos tienes para este 2025? ¿Qué crees que diferencia a tu sello en una industria tan competitiva?
X erie acabó el año fuerte y empieza 2025 aún más, con varios tops en las listas de Beatport y agotando todas sus copias en los lanzamientos en vinilo. En breve saldrán varias colaboraciones mías con mi amigo Oscar Escapa que son auténticas bombas pisteras, además de un doble vinilo exclusivo con tracks de artistas como Axel Karakasis, Steve Readhead, Filterheadz o una remezcla de mi track ‘Despiertos’ a cargo de Gary Beck, entre otros. Creo que lo que diferencia a X erie de otros sellos es que sus lanzamientos no están encasillados en un sonido concreto, el abanico está más abierto con un techno atemporal que sobrepasa las modas, y eso al final se agradece y hace que su crecimiento a la larga sea más real, sin depender de modas.
El vinilo sigue teniendo un lugar importante en la escena electrónica, a pesar de la predominancia digital. ¿Qué rol juega este formato en tu carrera como DJ y productor?
Sin duda es la herramienta principal, aunque en algunas actuaciones utilizo soporte digital por motivos técnicos. El vinilo siempre es mi preferencia y con lo que más disfruto, mi colección de vinilos no la cambiaría por nada, y la satisfacción de planchar tus producciones en un disco no son comparables a un lanzamiento digital.
¿Cómo ves el papel del vinilo en la escena clubbing actual?
Es muy reconfortante ver que últimamente ha recuperado mucho protagonismo en la escena. Yo tengo una tienda de discos en Granada llamada Tech On Records, y desde hace 24 años no ha cesado nunca su actividad, ahora las ventas en este mágico formato están en auge, y sobre todo las nuevas generaciones lo eligen para empezar su trayectoria en las cabinas.
Vosotros realizáis una labor con el escenario Solo Vinilo en Circus Nation
para no perder este soporte. ¿Qué crees que significa para los fans volver a disfrutar en un festival este formato?
Llevamos dos ediciones trabajando en este escenario y la acogida ha sido increíble, la mezcla de público joven que se acerca a la técnica y sonido del vinilo con la gente más mayor y purista que revive viejos momentos es brutal. Simplemente con un pequeño esfuerzo de producción y pasión se está consolidando algo muy grande, este 2025 será la tercera edición con este escenario 100% vinilo. El único problema es que hay grandes artistas que marcaron época que están un poco vagos y les cuesta desenfundar sus discos, todos quieren producir su música en vinilo pero luego les cuesta pinchar con discos. La comodidad del digital hizo mucho daño, entiendo que cuando no se dan las condiciones técnicas no se pinche en vinilo, pero allí montamos todo para que se pueda trabajar a las mil maravillas con los Technics. Os recomiendo que bajéis este año y disfrutéis con la experiencia.
Hablando de eventos… La trayectoria que está cogiendo Domo en la escena es impresionante. ¿Qué ingredientes tiene que lo hace tan especial?
Domo ha sido toda una revolución, la experiencia que teníamos de tantos años y un trabajo a conciencia han creado una marca brutal. Los ingredientes son frescura y energía, Domo es un espacio de libertad, creación y unidad, cada evento supera al anterior y se está creando una gran familia. Sin duda Domo formará parte de la historia.
El techno está tomando un rumbo más contundente y energético. ¿Cómo percibes este cambio de los
últimos años y de qué manera conecta con tu estilo y visión musical?
La nuevas generaciones han optado por los sonidos más duros estos últimos años y al final todo esto es cíclico, hay muchos artistas de la antigua escena que se quejan de lo que estamos viviendo ahora, pero no piensan que cuando ellos estaban en su hype, otros se quejaban de lo que ellos hacían, al final nunca llueve a gusto de todos. Yo me alegro del éxito de esos jóvenes que han marcado tendencia con shows y su nuevo punto de vista de las actuaciones, pero desde luego eso no va conmigo, al final yo sigo con mi discurso: un techno más crudo y para mezclar, donde poder contar una historia en tu sesión y sin poner hits virales. He visto a muchos artistas montarse en barcos que luego naufragaron, mi barco es sencillo, humilde, pero nunca se hunde. ¡Nos vemos en alta mar! (Risas).
Llevas toda la vida en la escena. ¿Qué consejo le darías a los artistas emergentes que buscan destacar?
Lo primero que tengan personalidad, un estilo propio y que confíen en él, que depuren sus habilidades y las plasmen en sus trabajos, que no hagan nada que les haga perder la ilusión. La música es sentimiento, es importante sentirse bien con lo que haces y ser constante. Al final el esfuerzo da resultados, lo que fácil llega, fácil se va. Disfrutad el camino.
Para cerrar, mirando hacia el futuro, ¿qué proyectos o lanzamientos, que no nos has contado, tienes preparados para este 2025?
Cada año tengo nuevos frentes abiertos, pero siempre están en la parrilla la tienda de discos, mi sello X erie, Circus Nation, Domo… Pero este 2025 voy muy motivado como Horacio Cruz, el estudio y mis actuaciones. Últimamente estoy disfrutando mucho en mis sets y estoy deseando poder anunciar grandes eventos que vienen próximamente. Ha sido un placer disfrutar esta charla con vosotros y espero veros pronto en la pista a todos.
“Siempre me he dedicado a hacer música en la que creo, y nunca he tratado de encajar en una categoría específica”
eli brown
En esta edición tenemos el privilegio de presentar a Eli Brown en nuestra portada, uno de los artistas más emocionantes y prolíficos de la escena electrónica internacional.
Desde las sombras de la vibrante escena underground de Bristol hasta los escenarios más prestigiosos del mundo, Eli Brown se ha convertido en una de las figuras más influyentes del techno actual. Con una trayectoria que abarca más de dos décadas, su ascenso meteórico desde 2016 no ha sido fruto de la casualidad, sino del talento, la innovación y una visión artística imparable. Su sonido oscuro y contundente ha conquistado tanto a la escena underground como a los grandes festivales, atrayendo el apoyo de leyendas como Carl Cox, Adam Beyer y Reinier Zonneveld.
Con millones de reproducciones en plataformas digitales y lanzamientos que marcan tendencias, Eli Brown no solo está redefiniendo el techno, sino que está consolidando su lugar en la cima del género
En esta entrevista de portada hablamos con él sobre su evolución, su próximo tour All Night Long, sus recientes lanzamientos, su sello Arcane, su reciente actuación en Rockefeller Center en NYC, su segunda colección de moda y mucho más.
Bienvenido, Eli. Es un auténtico honor empezar el mes de febrero contigo en nuestra portada de Mixmag Spain. Cuéntanos, ¿cómo ha empezado este año 2025 para ti? ¿Dónde te encuentras en el momento que hacemos esta entrevista?
A principios de año, siempre me gusta tomarme un tiempo libre después de una intensa serie de eventos antes de que termine el año anterior. Este año hice cinco shows en cinco días alrededor de Nochevieja, lo cual fue divertido pero agotador.
Sin embargo, en este momento estoy en Australia, ya que acabo de terminar unos shows en Asia, Nueva Zelanda y Australia. Ha sido una gran experiencia, ya que son territorios relativamente nuevos para mí a la hora de hacer giras.
Este 2025 te embarcas en un tour ‘All Night Long’ con 6 fechas exclusivas, algo que no es tan común hoy en día. ¿Qué te motivó a preparar sets extendidos y cómo planeas mantener la energía y la narrativa durante toda la noche en cada show?
Es algo que he estado considerando desde hace un tiempo; he tocado sets más largos antes en lugares como Sudamérica y, por supuesto, en Space Miami, así que pensé en intentar llevar esta energía a Europa.
Mi sonido siempre ha sido bastante amplio; siempre me he dedicado a hacer música en la que creo, y nunca he tratado de encajar en una categoría específica. Estoy emocionado por poder representar toda la variedad de mi sonido a través de estos sets extendidos.
Tener la posibilidad de mostrar esto sin estar limitado a una o dos horas es emocionante. Me gusta tocar sets más largos porque me permite conectar realmente con el público y desarrollar mi sonido a lo largo de la sesión, aunque a veces puede ser un reto tocar toda la noche.
¿En qué te has basado para escoger cada fecha y lugar para este tour?
Creo que analizamos dónde mi sonido es popular y en qué lugares he tocado anteriormente con gran éxito. Soy de Reino Unido, así que Londres y Dublín parecían elecciones obvias por su ubicación. Ambos clubes tienen una fuerte conexión con la escena underground que me inspiró desde el principio.
Quería hacer algo especial para retribuir a esta escena que sigue atrayéndome, moldeando mi sonido y alimentando mi obsesión por lo que hago.
Elegimos España, en particular Barcelona, porque he tocado allí varias veces y siempre ha sido épico. El público trae una energía visceral inigualable que realmente eleva un set, así que llevar mi All Night Long allí era una decisión obvia.
Mi música tiene un gran número de reproducciones en Alemania, así que sabía que quería incluir una fecha en el tour. Mannheim, donde se celebra Timewarp, me pareció una elección perfecta por su profunda herencia techno. Alemania ha tenido una influencia enorme en la evolución del género, y me emociona llevar la gira y mi sonido característico a esta escena icónica.
Finalmente, Epic en Praga y Nordenstern en Zúrich son dos de los mejores clubes de Europa, ambos con atmósferas increíbles. Sentí que serían ideales para mi gira All Night Long, ofreciendo la energía y pasión que realmente encajan con la experiencia que he creado.
“Quería hacer algo especial para retribuir a esta escena que sigue atrayéndome, moldeando mi sonido y alimentando mi obsesión por lo que hago.”
Antes de seguir con esta interesante charla, me gustaría hacer un pequeño inciso en tus raíces y en tu evolución musical como artista. ¿Cuánto ha influido tu ciudad natal, Bristol, en tus producciones a lo largo de los años?
Honestamente, mi ciudad natal y sus profundas raíces en la escena han tenido un impacto enorme en mi vida y carrera. Fue donde todo comenzó para mí, y siempre me llama de vuelta. Mi sonido característico nació de la escena underground de Bristol: oscuro, enérgico y casi siniestro.
La música ha estado presente en mi vida desde que tengo memoria; siempre sonaba algo en casa mientras crecía. Pero mi verdadero descubrimiento de la música electrónica llegó cuando mi padre me dio el álbum Leftism de Leftfield.
Por aquella época, tenía un amigo cuya hermana mayor estaba metida en el mundo de las raves. Nos pasaba cintas con grabaciones de sets y quedé enganchado de inmediato.
Creo que tenía unos 16 o 17 años cuando empecé a pinchar en mi habitación. En ese momento, productores como Massive Attack y Portishead estaban en auge, pero cuando Roni Size ganó el Mercury Music Prize en 1997, el sonido y la escena explotaron.
Parecía que todo el mundo escuchaba drum and bass. Salíamos de fiesta constantemente, y fue entonces cuando decidí comprar mis propios platos y tomármelo más en serio. Me volví un completo obsesionado, y desde ese momento ya no hubo marcha atrás.
Eres uno de los artistas más polifacéticos del panorama musical, cosa que te ha llevado a lanzar en sellos como Tool Room o Spinnin Records hasta Drumcode o Filth On Acid. ¿Qué características de tu sonido crees que hacen que tus producciones destaquen tanto en la escena techno como en la tech house?
Tengo una larga trayectoria en la producción musical, desde mis días en el drum and bass hasta los inicios de Eli Brown, que estaba más ligado al tech house, y más recientemente, el sonido más oscuro y pesado del techno.
A lo largo de mi carrera, creo que mi autenticidad y mi compromiso con crear música que realmente disfruto no solo han impulsado la evolución constante de mi sonido, sino que también han hecho que mi público siempre vuelva por más.
Al final del día, el hilo conductor de todas mis producciones es una energía inconfundible, un toque de oscuridad y una capacidad para difuminar las fronteras entre géneros. Creo que esta combinación única es lo que realmente me ha diferenciado en la escena y ha hecho que mi música destaque.
A lo largo de tu carrera has recibido el apoyo de grandes referentes de la industria como Carl Cox y Calvin Harris, además de contar con millones de oyentes mensuales en Spotify. ¿Cómo manejas la presión de ser una de las figuras más solicitadas del techno mientras sigues innovando tanto en tus producciones como en tus actuaciones?
La verdad es que no lo pienso demasiado, simplemente hago lo que quiero hacer. Al final del día, hago música para mí, y si conecta con los demás, es un extra.
Siempre tuve la aspiración de hacer carrera en la música, pero durante mucho tiempo me pareció un sueño lejano, hasta que realmente empezó a suceder.
Cuando estoy en el estudio no pienso en la viabilidad comercial de mi música, simplemente creo lo que me apasiona.
Por supuesto, no quiero quedarme estancado, así que siempre estoy absorbiendo influencias nuevas. Esto me ayuda a evolucionar mi sonido con el tiempo y a mantenerme inspirado en el estudio.
Además de DJ y productor, eres dueño de tu propio sello Arcane. ¿Cuáles son los planes a corto plazo para el sello y qué impacto crees que ha tenido Arcane en la industria musical para artistas emergentes?
Me encanta dirigir el sello, es un gran hogar para mis producciones y para apoyar a otros artistas afines. El sello está creciendo muy bien y estamos empezando a adentrarnos en el mundo de los eventos: tuvimos un showcase épico durante todo el día en ADE en Glamcult y estamos emocionados por un próximo show en Miami Music Week. Entrar en este espacio ha sido muy divertido y emocionante.
En cuanto a impulsar nuevos talentos, es algo que nos tomamos muy en serio. Hemos tenido la suerte de contar con artistas como Marie Vaunt, Anna Reush y LUSU, quienes han contribuido al catálogo del sello en el último año. Espero grandes cosas de todos ellos en los próximos meses y años.
Hablando ahora de lanzamientos, ‘Crawling’ es uno de los más recientes. En tus propias palabras, comentas: “este tema significa mucho para mí, y espero que mi audiencia lo sienta”. ¿Qué puedes decirnos al respecto?
Gran parte de mi música se basa en samples, pero con esta canción quise abordarlo de una manera un poco diferente, creando algo más emocional y eufórico. Esto no siempre es fácil dentro de los límites del techno, pero me uní a dos artistas increíblemente talentosos, Ldevine y Parisi, para crear algo con un toque trancero pero aún arraigado en el techno.
En ‘Crawling’, al contrario que en ‘Remedy’, exploras temas como el enfrentamiento a la duda y el miedo. ¿Es posible que te inspiraras en experiencias de tu propia vida para crear esta narrativa tan introspectiva? ¿Cómo logras canalizar esas emociones en tu música?
Los conceptos vocales en mi trabajo suelo dejarlos en manos del vocalista. A menudo los guío emocionalmente en cuanto a cómo quiero que me haga sentir la voz, para luego construir la canción en torno a esa emoción. Con esta pista en particular, quería capturar la idea de una euforia melancólica, transmitir que, sin importar lo que esté ocurriendo en la vida del oyente, siempre hay una salida o un final de alguna manera. Intenté lograrlo contrastando la melodía vocal triste con acordes y riffs más luminosos, y creo que funciona muy bien.
Este lanzamiento coincidió con tu gran actuación en NYC: te convertiste en el primer artista de techno en presentarse en el Rockefeller Center con un logro impresionante: sold out en menos de 3 horas. ¿Qué significa para ti este hito y cómo crees que contribuye a la evolución del techno dentro de la cultura mainstream?
Fue una noche épica tocando en la pista del Rockefeller. Estaba mirando alrededor, a los imponentes edificios del horizonte de Manhattan en las primeras horas de la mañana, pensando ¿cómo es esto posible? No paraba de decir: “¡Nunca van a dejar que un acto de techno vuelva aquí, será el primero y el último!”. Creo que la música electrónica está en un espacio increíble hoy en día, y lo que constituye lo mainstream ahora está muy difuso con lo underground.
Estoy totalmente a favor de que la música llegue a un público más amplio; personalmente, creo que cuanto más gente descubra el techno y el house, mejor. Algunos podrían argumentar que el sonido se diluye, pero pienso que crea una escena más diversa, desde las personas que lo escuchan hasta las que lo producen, y eso solo puede ayudar a seguir impulsando las cosas hacia adelante.
¿Cómo te preparaste para una actuación de semejante magnitud?
Es difícil de explicar, ya que siempre estoy pensando en mis sets como DJ, sin importar el tamaño del show o la ubicación. Siempre estoy buscando formas de hacer que cada set sea lo mejor posible. Este caso no fue diferente, siempre estoy buscando nuevos temas, haciendo ediciones o intros, normalmente en mi habitación de hotel horas antes de actuar.
Antes de cerrar el pasado 2024 lanzaste tu segunda colección de moda ’92 Thing’, que llegó tras un año increíble en tu carrera. En tus propias palabras, “92 Thing encarna el espíritu de lo que hago de una manera concreta y física”. ¿Qué mensaje esperas transmitir con esta nueva colección más allá de la estética?
Se trata del espíritu de la cultura rave, de donde saco todas mis influencias, ya sea en la moda o la música. Se trata de ser rebelde, no conformarse y ser quien quieres ser.
“...Siempre he luchado por romper los límites y nunca he querido conformarme...”
¿Cómo logras traducir tu gran energía y tu historia personal en diseños de moda que conecten tanto con los fans de tu música como con el público en general?
Puede ser difícil, soy un poco perfeccionista, así que ha llevado tiempo y justo ahora estamos comenzando. Pero lo que me encanta es cómo las letras de muchas de mis canciones realmente resuenan con la gente, les guste la música o no. Así que ha sido cuestión de construir sobre eso y volver a lo que dije antes, sobre ser quien quieres ser.
Has construido una carrera que equilibra producciones vanguardistas con una energía en vivo arrolladora, además de lanzar tu sello discográfico y ahora una marca de ropa. ¿Qué te motiva a seguir explorando nuevas facetas creativas más allá de la música? ¿Hay algún nuevo proyecto en mente que estés tramando?
Siempre he luchado por romper los límites y nunca he querido conformarme; este siempre ha sido el mantra que me ha impulsado hacia adelante, desde mi música, hasta mis shows en vivo o incluso mi deseo de adentrarme en la moda, por ejemplo. Este año estoy muy enfocado en Arcane y 92 Thing. Me encantaría seguir construyendo estas marcas mientras empujo mi música hacia adelante, trabajando con personas nuevas e interesantes fuera del ámbito habitual, y haciendo que mis shows en vivo sean más grandes, mejores y más únicos para mí. Y, por supuesto, llevando todo esto a territorios inexplorados, a lugares en los que nunca he estado.
¿Qué podemos esperar de Eli Brown este 2025? ¿Qué puedes contarnos en cuanto a nueva música o próximas fechas?
Bueno, hay mucha música nueva por venir. Lo siguiente es mi single ‘Gimme Gimme’, que saldrá en mi sello Arcane a finales de febrero. En cuanto a los shows en vivo, estamos trabajando en un emocionante proyecto visual que acompañará mis próximos shows principales en lugares como Nueva York y Chicago. Estoy emocionado por las actuaciones clave en festivales de este año, siendo la más grande y emocionante mi debut oficial en Coachella, junto a otros gigantes como Ultra, EDC y Awakenings, ¡y por supuesto Ibiza este verano! El 2025 va a ser un año verdaderamente épico, no puedo esperar a ver cómo se desarrolla.
Muchas gracias por tu tiempo, Eli. Todo el equipo de Mixmag Spain te deseamos lo mejor en tu prolífica carrera musical.
Explorando los Límites del UK Garage, Progressive Trance y Tech House GODS OF
MADNESS
FX Logik es una verdadera fuerza dentro de la escena de la música electrónica, combinando géneros como UK Garage, Progressive Trance y Tech House en un estilo único que es tanto futurista como arraigado en la cultura rave clásica. Con una carrera de más de dos décadas, este productor versátil ha desafiado continuamente los límites de lo que la música electrónica puede lograr, creando temas que conectan profundamente con el público tanto en la pista de baile como fuera de ella.
Su último lanzamiento, un remix de ‘Good Day’ para el sello de Aaron Smith, Gods of Madness, demuestra su habilidad para transformar letras optimistas en un viaje melódico y oscuro que es tan introspectivo como bailable. A medida que se prepara para lanzar esta poderosa reinterpretación el próximo 14 de febrero de 2025, hablamos con FX Logik sobre su proceso creativo, sus raíces en el UK Garage y su visión para el futuro de la música electrónica.
Has tenido una carrera impresionante en la música electrónica. ¿Cómo describirías tu sonido y qué influencias lo han moldeado?
Definiría mi sonido como una fusión de emociones profundas con estructuras rítmicas sólidas. Siempre me han atraído los bajos cálidos, las atmósferas texturizadas y las melodías envolventes. Mi principal inspiración proviene de la escena rave del Reino Unido de los años 90, pero también de artistas como Burial, Bonobo y Moderat, quienes me impulsaron a explorar diferentes géneros y emociones en mi música.
¿Qué te atrajo al UK Garage y cómo ves la evolución de este género en la escena musical actual?
El UK Garage siempre me ha parecido un género con una energía única, combinando ritmos sofisticados con un groove irresistible. Lo que me atrajo fue su capacidad de innovación dentro de un marco muy rítmico. Actualmente, siento que el género está evolucionando hacia una dirección más experimental, con nuevos artistas que están explorando territorios frescos y emocionantes. Es una evolución que me inspira a seguir contribuyendo al movimiento
Tu remix de ‘Good Day’ es una transformación de un tema optimista a una pieza melódica y oscura. ¿Qué buscabas transmitir con esta reinterpretación?
Para mí, este remix fue una oportunidad de explorar el contraste emocional entre unas letras llenas de esperanza y un paisaje sonoro introspectivo. Quería crear algo que resonara tanto físicamente en la pista de baile como emocionalmente en los oyentes, mostrando cómo las emociones pueden coexistir en un entorno musical.
¿Cómo ha sido tu experiencia trabajando con el sello Gods of Madness?
Ha sido una experiencia increíble. Trabajar con el equipo de Gods of Madness, especialmente bajo la dirección de Aaron Smith, ha sido un privilegio. Me dieron una libertad creativa total para abordar este remix, lo cual es invaluable cuando estás tratando de construir algo auténtico y personal.
¿Qué técnicas y herramientas utilizaste en la producción de este remix?
Utilicé una combinación de herramientas digitales y hardware analógico. El Moog Sub 37 fue crucial para dar forma al bajo potente, mientras que en Ableton Live trabajé los arreglos y las texturas. También experimenté con reverbs y delays para generar una atmósfera envolvente y mantener al oyente inmerso en el viaje sonoro.
¿Cuál es tu perspectiva sobre la relación entre la tecnología y la música electrónica?
La tecnología siempre ha sido la base de la música electrónica. Hoy en día, con herramientas como la inteligencia artificial y los sintetizadores modulares, las posibilidades creativas son prácticamente infinitas. Sin embargo, creo que el desafío está en usar estas herramientas para transmitir emociones humanas reales y no depender únicamente de ellas para producir música sin alma.
¿Qué planes tienes para el 2025?
Estoy trabajando en un nuevo álbum que combinará elementos de UK Garage y Progressive Trance, pero con un enfoque renovado. Además, tengo varias colaboraciones en proceso con artistas emergentes que traen ideas frescas e innovadoras. Este año se trata de explorar nuevas conexiones y seguir desafiándome a mí mismo como productor.
El remix de FX Logik para ‘Good Day’, que se lanzará el 14 de febrero de 2025, no solo reafirma su lugar como uno de los productores más innovadores de la música electrónica, sino que también deja claro que su búsqueda de nuevos horizontes sonoros está lejos de terminar.
“Siempre supe que quería experimentar vivir en Europa”
Le damos la bienvenida al productor y DJ argentino LondonGround, quien lleva más de 15 años activo en la escena. Ahora, desde su residencia en Barcelona, conoceremos más a fondo qué hay detrás de esta gran persona y artista.
En esta entrevista hablaremos sobre su historia desde los primeros años hasta su lanzamiento “Breath”, firmado por el sello Sight Music, que ha recibido un gran apoyo en la escena, con cientos de DJs destacándolo y manteniéndose 110 días consecutivos en el Top 100 Minimal/Deep Tech de Beatport.
¿Cómo te iniciaste en la música electrónica? Cuéntanos sobre tus comienzos. ¿Qué te inspiró a convertirte en DJ y productor?
Mi inicio en la música es bastante curioso. Desde pequeño, en casa siempre hubo mucha música, así que fue algo natural para mí. A los 3 o 4 años ya sentía una conexión especial con los instrumentos de percusión. Cuando tenía unos 11 o 12 años, descubrí un tipo de música prácticamente basado en percusión, con muy pocos instrumentos acústicos y sonidos electrónicos. ¡Me volví loco! Me enamoré de esos ritmos repetitivos y a la vez hipnóticos.
En aquel momento, donde vivía no era fácil conseguir música electrónica. Gracias a un conocido obtuve el Fruity Loops, un DAW (digital audio workstation) que muchos productores usan hoy en día. Así empecé a crear mi propia versión de ese estilo que me había atrapado, porque no encontraba suficiente música de ese tipo. Mi entrada al mundo de la producción fue una necesidad personal de escuchar aquello que no estaba disponible para mí.
¿Cómo manejas el proceso creativo detrás de tu música? ¿Te inspiras en experiencias personales, en la energía que sientes al pinchar o en algo más?
Todo me inspira: la música que me envían, otros géneros, pinchar, la energía de la gente, ir a festivales o escuchar DJs que no conozco y dejarme sorprender. Obviamente, como cualquier artista, tengo momentos en los que la inspiración no fluye. A veces me aburro de mis propias ideas, me pasa bastante. Por eso trato de mantenerme conectado con lo que ocurre en la escena, pero también me gusta viajar en el tiempo y descubrir o redescubrir música, productores y bandas que me inspiren. Al final, todo vuelve, ¿no?
Breath EP ha tenido un gran impacto con el apoyo de artistas como Jamie Jones, Groove Armada, Franky Rizardo, Nicole Moudaber o Joris Voorn. ¿Dónde y cómo nace este EP y qué te inspiró a crearlo?
Antes del tour por Latinoamérica en marzo de 2024, habíamos hablado con el equipo de Sight sobre la idea de lanzar un EP meses después. Recuerdo que regresé a Barcelona un viernes de abril y, el lunes, ya estaba en el estudio. Mi principal inspiración fue la pista: quería que el EP fuera efectivo, una herramienta para los DJs. Fui directo al concepto y lo materialicé rápidamente.
Recientemente ‘Breath’ terminó en el puesto número 39 de los tracks más vendidos del año en el chart “Hype” de Beatport. ¿Seguiste alguna estrategia con tu equipo para lograrlo?
Sí, nos sorprendió porque fue un track lanzado a final del año, con poco tiempo para destacar entre lo que había salido durante todo el 2024. Pero lo conseguimos. El enorme soporte que tuvo fue clave para que ganara visibilidad y lograra destacarse entre los miles de tracks que se lanzan diariamente.
En 2024 lanzaste MSTRGRND. Cuéntanos de qué se trata.
Hace unos 5 o 6 años comencé a dedicarme a la parte técnica para artistas y sellos, haciendo mezcla, mastering y producción musical. En este tiempo trabajé en muchos proyectos, ayudando a cada artista a desarrollar un sonido único. Sentí que era momento de darle un contexto más profesional a ese trabajo, y así nació MSTRGRND.
Hablemos de tu presentación en Amnesia, Ibiza. Un evento que marcó el cierre de la temporada en uno de los clubes más prestigiosos de la isla. ¿Cómo lo viviste?
¡Fue mi debut en la isla! Todo lo que pasó ese fin de semana fue como un sueño. Volví a sentir esa ansiedad que tenía las primeras veces que me subía a una cabina. Ser parte del cierre de temporada en Ibiza, y en un lugar tan icónico como Amnesia, fue increíble. Compartir con tantos artistas que admiro y vivir una experiencia tan épica es una satisfacción enorme. Me siento un privilegiado.
Ya se cumplen dos años desde que te mudaste a Barcelona. ¿Cómo fue ese cambio de dejar Argentina y establecerte en España?
Siempre supe que quería experimentar vivir en Europa. Elegí Barcelona porque ya la conocía de visitarla durante muchos años, y porque tengo muchos amigos y colegas aquí. Nuestra profesión implica viajar constantemente, lo que hace que te adaptes a no estar en cumpleaños, Navidades, etc. Esa experiencia me ayudó mucho en el proceso de adaptación.
De cara a los próximos meses, ¿qué lanzamientos tienes en camino y cuándo podremos verte en Barcelona?
El 13 de abril estaré en Pacha Barcelona junto a Ben Sterling y Salomé Le Chat. Mi próximo EP, Cokito Superstar, se lanzará con We Are Pyramid en vinilo y digital. Será una edición de tres tracks y está prevista para el primer cuatrimestre de 2025.
perros mediterráneos
UN REFUGIO PARA LA ESCENA: MÚSICA, VINO Y COMUNIDAD EN PERROS MEDITERRÁNEOS
Ubicado en el barrio de Sant Antoni, en el centro de Barcelona, Perros Mediterráneos no es solo una tienda de discos ni un bar de vinos naturales: es un espacio cultural que fusiona música, arte, gastronomía y un enfoque genuino hacia la creación de comunidad.
Con esta propuesta innovadora que integra diversas facetas artísticas bajo un mismo techo, el local estaba predestinado a convertirse en un referente cultural en la city. La gente sabe lo que es bueno y, desde su apertura en junio de 2021, Perros Mediterráneos solo ha hecho que ganar adeptos a través de todo tipo de propuestas originales que rebosan buen gusto y conocimiento de la movida. El buen criterio viene de la mano de Rafa y
Xavi, que pasaron de ser colegas a convertirse en partners de este proyecto al que tantas ganas y tiempo le echan. Cuando terminéis de leer estas líneas os haréis una idea de la pasión y el compromiso necesarios para hacer tantas cosas y tan bien.
Como lo bueno llama a lo bueno, han conseguido reunir a un equipo de trabajadores, compañeros y amigos que, durante el camino, han terminado enamorados del plan y están genuinamente comprometidos a colaborar como los que más. Desde Mixmag Spain, hemos podido hablar un rato con Rafa, uno de los cofundadores, para conocer más sobre la historia detrás de este singular proyecto y su evolución. La visión que tenían estaba clarísima desde el principio: llegar
a crear un espacio multifacético que no solo funcionara como un bar de vinos, sino que también fuera un centro de actividades culturales y un refugio para los amantes de la música, por eso se podría resumir su labor como bar cultural.
En la planta baja del local, se encuentra la zona principal donde tomar algo, un espacio amplio y acogedor, amueblado con asientos cómodos que invitan a la conversación y al disfrute sin prisas. La decoración cambia constantemente gracias a las exposiciones de artistas independientes, que cada mes transforman el ambiente con nuevas obras de pintura y arte visual. En la planta de arriba se encuentra la tienda de discos, especializada en vinilos de segunda mano con una
selección cuidadosamente curada, traída principalmente de Italia y España. Su catálogo abarca géneros como música negra, world music, house, breakbeat, electro y techno, junto con una selección más reducida de sellos nuevos. El espacio también se emplea para misceláneas, ya sea expos de fotografía analógica, talleres de lectura, listening booth para disfrutar de lo que se ha diggeado previamente y, por supuesto, cuenta con más sofás y mesas en los que relajarse con la misma propuesta que en la planta baja y sumirse en una atmósfera única donde la cultura se experimenta a través de múltiples formas de arte. No es menos importante mencionar que hay sitio para sentarse en la terraza. Recordad: ¡Calle Compte Borrell, 8!
Perros Mediterráneos, más allá de ser un lugar para comprar discos o tomar un buen vino, se ha convertido en un punto de encuentro para artistas locales e internacionales, generando un ambiente que invita al intercambio y la colaboración. Rafa, nacido en Italia y formado musicalmente en Bolonia, nos
cuenta cómo, junto a Xavi, decidieron abrir este local tras una serie de coincidencias que los llevaron a encontrarse en Barcelona. “Xavi ya llevaba un par de años aquí, y yo venía con la idea de abrir una tienda de discos en colaboración con un local de Bolonia. Cuando nos conocimos, vimos que podíamos juntar nuestras ideas y abrir algo más grande. Y aquí estamos”.
Desde su inauguración, ha sido un espacio abierto y seguro para colectivos independientes, creando una red de apoyo para artistas emergentes. Esto les ha permitido generar una conexión con la comunidad local y atraer a artistas de diferentes disciplinas, que han hallado un lugar donde pueden mostrar su trabajo y colaborar con otros creativos. Por ello, han montado y curado eventos en cantidad de venues de Barcelona, Madrid, París y Sicilia y en festivales como Días de Campo.
La música es, sin lugar a dudas, el alma de Perros Mediterráneos. Por eso, ha sucedido lo inevitable: a finales de 2024 se creó el sello Perros Recordings, que se estrenó con el
lanzamiento de su primera compilación de Various Artists. “‘Canerêve Vol. 1’ es un recopilatorio que refleja mucho de lo que somos. Lo que buscamos con este sello es dar voz a artistas de la escena underground, y hemos empezado por París y Bolonia, dos lugares que nos han influido profundamente”, nos cuenta Rafa. El primer volumen de ‘Canerêve’, o PERROS 001, cuenta con Charonne (que son Alex Tran y Noé Bailleux) y y Nemo Vachez desde Francia, y Umberto y T. Oceans desde Italia. Además del sello, Perros Mediterráneos también organiza sesiones en vivo en su tienda, donde invitan a DJs locales y amigos para compartir su música. Estas sesiones se graban y se suben a su cuenta de SoundCloud, creando un archivo sonoro de los artistas que pasan por el local. “Queremos que la tienda sea un lugar donde se pueda escuchar música, pero también donde la gente pueda descubrir nuevos sonidos, nuevos artistas”, dice Rafa.
Si la música es el alma de Perros Mediterráneos, el vino y la comida mediterránea casera y de cali-
dad son su corazón. Bajo la marca Funky Dogs Wines, han creado su propio sello de vinos naturales, que lleva la misma filosofía que el proyecto: colaborar con bodegas independientes y crear productos que se alejan de lo convencional. Rafa lo explica así: “La idea surgió a partir de la conexión que Xavi tiene con el mundo del vino natural. A partir de ahí, decidimos crear nuestra propia marca, Funky Dogs Wines, y hacerla funcionar como un sello discográfico. Cada vino es como un disco underground: tiene su propia etiqueta, su propio nombre, y cada botella es una tirada limitada”.
La idea de integrar el vino con la música no solo es una manera de diversificar la oferta del local, sino también de hacer una conexión tangible entre dos pasiones que se comparten en PM. “El vino y la música siempre han estado unidos, sobre todo en espacios como
el nuestro, donde se busca una experiencia sensorial completa”, comenta Rafa. Actualmente, Funky Dogs ofrece vinos que provienen de bodegas pequeñas y artesanales de Cataluña, pero también han comenzado a trabajar con bodegas de otras partes de Europa. La colección, al igual que la selección musical del local, es una cuidada búsqueda de calidad auténtica: desde su primer vino en colaboración con Vinyes Singulars en Penedès, hasta sus referencias más recientes con bodegas de Francia y Alemania. Cada botella refleja no solo la esencia del terroir, sino también el espíritu de Perros Mediterráneos: una fusión de tradición, experimentación y amor por lo genuino.
Además de la tienda de discos y el bar, el local ofrece una oferta gastronómica que va más allá de lo convencional, con un menú de tapas caseras volcado en clásicos
refinados, siempre con la mirada puesta en la importancia de productos frescos y en los maridajes adecuados a sus vinos. La idea es que la gente pueda disfrutar de un buen plato de comida mientras escucha música y se relaja.
Imaginaos si le echan ganas a todo lo que hacen, que incluso van organizando eventos de cocina popup, donde chefs invitados presentan su propuesta gastronómica, y cada fin de semana se convierte en un punto de encuentro para quienes buscan disfrutar de una noche diferente en Barcelona.
Aunque Perros Mediterráneos sigue en constante evolución, Rafa y Xavi tienen claro que su propósito sigue siendo el mismo: crear un espacio en el que la música, el arte y la cultura puedan convivir de manera orgánica. Con la apertura de su sello discográfico y el crecimiento de Funky Dogs, el futuro pinta más que bonito.
Creo que cada productor tiene sus costumbres a la hora de crear un track. Personalmente, en el 80% de los casos acostumbro a empezar por el kick y el bassline, pero no sigo siempre el mismo patrón. Hay días que directamente encuentro una voz o un sample con el que conecto o me llama la atención, como me pasó en mi nuevo track ‘Drumbeat’, que sale a la venta este mes en el sello holandés Give Soul Records.
El proceso creativo de este track comenzó cuando encontré un hook de voces simples que me gustaron en una librería de house bastante antigua, y a su vez encontré un sample de house Old School buscando por YouTube que encajaba a la perfección con el hook de voces inicial.
En ese momento comencé con la búsqueda de un buen kick, seguido del bassline que lo compone: una secuencia que creé con uno de mis pluggins favoritos, serum, con un sonido synth que creaba la combinación perfecta para apoyar mi bassline.
Nunca suelo dejar una idea por terminar más de 24 horas, pero en este caso decidí dejar reposar la idea unos días para seguir en la búsqueda de más sonidos que fueran en la dirección de un sonido house. Tenía claro que este track tenía que ir en esa línea, no quería que fuera un simple track de Tech-House, quería que tuviera más influencias Old School, ya que la combinación de samples que tenía iban en esa dirección.
Estuve unas 48h en búsqueda de más sonidos y encontré un sonido muy característico que lleva el track, un lead de una canción de los años 90 de Break Dance que escuchaba mucho en mi infancia. Lo reconozco, también me gustaba el baile (risas).
En este momento decidí ponerme delante del secuenciador, ya que ya tenía los 5 elementos más especiales para el track.
Siempre trabajo directamente una idea de un minuto, la cual se compone por dos ciclos de 32 compases cada uno, donde desarrollo las dos partes principales de un track drop y una parada en modo loop. Así, me imagino cómo podría ser el track y voy agregando los elementos que me pide en cada momento: Fx , synths , snares,… Colocando las voces y jugando con la reverb y delay de mis efectos de envío para colocar también los sonidos en diferentes planos de stereo. Rápidamente comienzo a darme cuenta de cómo esa pequeña idea que se creaba en mi cabeza escuchando los sonidos por separado, empieza a cobrar vida haciéndome incluso levantarme de la silla de mi estudio para bailar. ¡Así es como me doy realmente cuenta de si lo que estoy haciendo me llena, me divierte, me hace bailar y puede hacer bailar a la gente!
Siempre intento pensar en la pista de baile con cada track, ya que también soy DJ e intento que todos los tracks que hago pueda incluirlos en cualquiera de mis sets para ver las reacciones del público. Así es como sabré realmente si la pista necesita algún retoque o si ya está terminada. Cuando ya tengo lista esa parte de un minuto con todos los elementos necesarios, comienzo a montar mi track, componiéndolo de dos paradas: una más pequeña y otra más larga, dependiendo también de lo que me pida cada pista.
Lo que más me apasiona realmente es hacer tracks completamente diferentes uno del otro, Incluso aunque a veces me guste algún stem, lo guardo para otro track, ya sea un clap, un hat o cualquier elemento.
En el momento en que voy estirando la pista con su creación, también voy incluyendo algunos sonidos que noto que me van faltando, puesto que la pista ya es más larga de un minuto. En ese momento incluyo los crash, que son los que van marcando los compases o los cambios de drop. No siempre utilizo este elemento, pero sí pongo algún sonido característico que se repita en esos tiempos como, por ejemplo, un Fx.
También incluyo en este proceso los noises (de subida o de salida) para mis transiciones. Este proceso siempre lo llevo a cabo, inconscientemente, de la misma manera. Me sale hacerlo de manera automática cuando llego a este proceso de montaje.
Cuando llego al final del track, vuelvo a escucharlo desde el principio para ver si me falta algún sonido en cada momento del track. Ahí es cuando marco las partes del track con un localizador: arranque, P1, drop 1, P2, drop 2, otro, final.
Cuando hago este proceso lo escucho por última vez, sin mirar al monitor, para saber si así mis oídos me piden algún elemento que se me haya olvidado en las transiciones del track. Si completo este proceso sin detectar que me falte nada, ya doy el track por finalizado.
¡Y así nació ‘DrumBeat’! (Risas).
Actualmente trabajo con el nuevo Ableton Live Suite 12, aunque este track lo hice con Ableton Live Suite 11. Justo ahora acabo de actualizar mi versión agregando también pluggins nuevos que había visto tocar a otros compañeros llamándome la atención, como el Divas, la Reverb Room de Valhalla, todo el paquete de Roland Cloud, Sound Toys y los ProQ4.
Los pluggins que nunca pueden faltar en mis proyectos son: Magic Stereo, Ozone 11, ProQ para mis EQ, Vocoder nativo de Ableton y mis efectos de Envíos. Siempre trabajo con envíos, creo que le da un toque de naturalidad a los planos de un track en cuanto a sus elementos. De hecho, todos mis elementos llevan un poco de Reverb y Delay por Envíos menos el kick y el bass.
Un secreto que siempre utilizo o que caracteriza mis pistas es poner un Utility en Mono en mi kick y en mi bass. Creo que a estas alturas también me sale de manera automática (risas).
Un consejo para todos los productores en su iniciación: yo cuando comencé a hacer música me di cuenta de que donde más tiempo perdía era en ecualizar kick y bass, y en colocar todas las pistas con los pluggins que suelo utilizar. Es decir: cojo un kick, le añado un EQ, un Utility Mono, un compresor, etc. En todo ese tiempo haces que tu inspiración disminuya, porque es un proceso un tanto aburrido, y para hacer música no puedes aburrirte porque, en ese caso, no estás poniendo tu conocimiento al 100%. Es como cuando en clase te distraías hablando con el compañero y no atendías a la lección del profesor. ¿El resultado? “Profe, he suspendido porque no me he enterado de nada y no he atendido a la explicación”.
Para este proceso aburrido: recomiendo que crees tu propia plantilla con todas las pistas y pluggins que acostumbres a utilizar. Yo, desde que creé mi plantilla, me siento delante del secuenciador y solo tengo que buscar y agregar los elementos. En primer lugar, tengo mi grupo de LowEnd que lo componen kick y bass, donde cada una de sus listas ya tienen su ProQ4 con su ecualización hecha —tanto la que suelo hacer en el kick como en el bass—, con sus compresores, su auto filter y su Utility Mono, ya trabajes en audio o en midi.
También tengo mi pista de clap con su ProQ preparado y mi pista de hat con los pluggins que utilizo para los hats preparados. Y luego tengo 30 pistas más de audio con todos los pluggins que suelo utilizar preparados junto con mis dos pistas reverb y delay de Envío y Retorno listas. Parece una tontería, pero ya te estás quitando unas 2 horas de trabajo en cada proyecto que comiences ;) ¡Espero que os sirva tanto como me sirvió a mí!
Sobre todo, lo importante es que disfrutes lo que haces, que este mundo de la producción es muy amplio y bonito pero requiere de mucha práctica diaria. Ante todo, es importante que no te frustres si algún día no estás inspirado o no sale nada; somos personas y la música también depende de nuestro estado de ánimo en cada momento, y de todo lo negativo también obtenemos nuestras cosas positivas.
Y lo último y más importante: ¡que envíes tu música SIEMPRE! No pienses que lo que haces no gusta, no suena bien o no sirve para bailar, esto requiere de mucha constancia y perseverancia. Detrás de muchos NO… ¡se encuentra el SÍ!
En el marco del 50 aniversario del NAMM Show, KORG ha sorprendido al mundo musical con el lanzamiento del KRONOS 2025, la última iteración de su emblemática workstation. Esta nueva versión promete revitalizar su lugar como referencia en la industria musical gracias a mejoras en velocidad, una biblioteca sonora ampliada y características modernas que conservan la esencia del modelo original.
KORG KRONOS 2025
El regreso de un icono reinventado
Evolución con toques de modernidad
Una interfaz más intuitiva y ágil
El KRONOS 2025 mantiene los nueve motores de sonido que han hecho célebre a esta serie: SGX-2, EP-1, HD-1, AL1, CX-3, STR-1, MOD-7, MS-20EX y PolysixEX. Cada motor actúa como un sintetizador autónomo, proporcionando herramientas avanzadas para crear sonidos personalizados que abarcan desde pianos y órganos hasta sintetizadores analógicos y modelado físico. A esto se suma una ampliada capacidad de muestreo y la integración de los motores KARMA, fundamentales para la creación de frases y acompañamientos dinámicos. Entre las mejoras más notables, se encuentra un SSD interno de 120 GB, que duplica la capacidad de almacenamiento de los modelos anteriores, con 62 GB dedicados al usuario para librerías de sonido y muestras personalizadas. Este almacenamiento no solo aumenta la capacidad de expansión, sino que también acelera el sistema, reduciendo el tiempo de arranque en un 60%.
La pantalla táctil TouchView™ de 8 pulgadas ha sido renovada para ofrecer una experiencia más fluida e intuitiva. Además de seleccionar y editar sonidos con mayor precisión, ahora incluye una función de búsqueda que permite explorar y escuchar sonidos según sus títulos, mejorando significativamente la navegación. Este rediseño asegura que los músicos puedan concentrarse en su creatividad sin interrupciones técnicas.
Rendimiento optimizado y herramientas avanzadas
El KRONOS 2025 conserva las características esenciales que han definido su legado, como el modo Set List, que organiza configuraciones y notas para presentaciones en vivo, y el sistema Open Sampling, que permite grabar fuentes externas o sonidos internos en tiempo real. Además, ofrece un completo secuenciador con 16 pistas MIDI y 16 pistas de audio, lo que facilita la creación de composiciones completas directamente desde el instrumento.
El diseño físico también ha recibido mejoras estéticas, con un cuerpo de metal recubierto con paneles laterales de madera negra, que refuerza su elegancia y robustez. Los modelos con teclado contrapesado RH-3 Weighted Hammer Action de 88 y 73 teclas ofrecen una experiencia de interpretación más natural, mientras que el modelo de 61 teclas semi-contrapesado prioriza la portabilidad.
El KRONOS 2025 combina las innovaciones técnicas de la actualidad con la esencia que hizo legendaria a esta workstation. Con una arquitectura rediseñada, tiempos de arranque más rápidos, y una interfaz mejorada, promete satisfacer las expectativas de los músicos más exigentes.
Biblioteca de sonidos ampliada
El KRONOS 2025 amplía su impresionante colección sonora con 256 programas nuevos, que incluyen un piano de cola italiano, un piano eléctrico vintage y una selección de sonidos basados en síntesis FM. Con más de 300 librerías compatibles de generaciones anteriores, esta workstation se consolida como una herramienta imprescindible tanto para usuarios leales como para nuevos músicos.
La retrocompatibilidad total con los modelos de 2014 y 2011 asegura que los usuarios actuales del KRONOS puedan actualizarse sin complicaciones, conservando sus configuraciones y sonidos personalizados.
ÁLBUMES
Autor: Bruno Garca pr@freelastica.com
OPTOMETRY (JOHN TEJADA & MARCH
ADSTRUM) - LEMURIA - PALETTE RECORDINGS
No es una extrañeza, al bueno de John Tejada le gusta meterse en saraos donde apenas se reconoce su fabulosa labor facturando House que, aún sin ser cien por cien comercial, resulta atemporal y funciona la mar de bien en todo tipo de público. Con aquella aventura tan especial suya junto a Takeshi Nishimoto, I’m not a Gun, en la cabeza, el californiano de adopción se presenta ahora como Optometry, haciendo migas esta vez con la vocalista, actriz y modelo March Adstrum. El resultado, una picante mezcla de electrónica, indie, synth pop y ritmos entrecortados. Aunque surgen como el combinado de muchas cosas que ya escuchamos antes, canciones como ‘99’, ‘Antidote’, ‘Comets’ o ‘Inside a Wire’ encumbran el trabajo. Abrazan con astucia los estados de ánimo y las nuevas posibilidades de la creación digital. Hay química entre ellos.
SARAH WILD - MY BODY FLOWS IN GRAVITYMIDNIGHT OPERATORS
Tenía muchas ganas de hincarle el diente -y como siempre digo, un par de orejas- a un disco de Sarah Wild en formato largo. Se acabó la espera. ‘My Bloody Flows In Gravity’ es su álbum de debut. De primeras, desde el sello, nos convencen que se trata de un LP ensueño con influencias del trance y lleno de amor por la pista de baile. Y es verdad. En los ocho surcos que propone la anfitriona berlinesa encontraremos muchos destellos de todo eso, sumándole incluso alguna que otra campanada cercana al sonido disco (‘Floating Around’, ‘On My Way Home’). La producción resulta precisa y no falta el gustillo retro. Cuanto más soñadora, más me convence: ‘Landing’, ‘Dream’. Las canciones hablan por igual de la soledad introspectiva y de la euforia colectiva de la pista de baile. Poca broma.
ELIA TOMÉ - THEREFORE I AM NOTELIA TOMÉ
La gallina de piel mientras escucho este disco con los auriculares. Futurista y evocadora, con estas prendas se viste la propuesta musical de Elia Tomé (a quien reconozco no pilotaba, hasta ahora). Y resulta que lleva publicando -siempre en su propio sello- desde 2021. Viramos hacia una electrónica sentida cuya temática se basa en los sueños, el psicoanálisis, la pérdida y el ser adulto. Te va a resultar un caramelo si eres seguidor de artistas como James Blake, Atoms for Peace, Moderat, Four Tet o Bonobo. Menuda pandilla. En el sonido de Elia se barajan y mezclan estilos, todos electrónicos, a los que luego él aporta pensamiento y expresión. Un viaje introspectivo no exento de cabalgadas y beats hacia la autenticidad y la ruptura con el pasado. Ojo con ‘Radio’, ‘Landmines’ o ‘Nine Tails’.
RIP SILO - HYDROSILO RECORDINGS
Otro (muy buen) artista que se monta el carro de la autoedición. Rip Silo, productor británico que reside en Amsterdam desde 2017. Toby CastleSmith -su verdadero nombre- se aisló en un tanque subterráneo hasta lograr el sonido que perseguía. Puede decirse que su proyecto divaga entre el pop contemporáneo y otros tejemanejes como el Trap, el Hip Hop, Synthwave y R&B también muy de nuestros días. Beats turbulentos que se entrecruzan con el poder del alma, de la voz humana en absoluto mecanizada. En los aproximadamente cuarenta y dos minutos que dura el trabajo, rinde culto al océano. Una nueva llamada de atención que queda reflejada muy bien en pistas como ‘Reptile’, ‘Better’ (una bestialidad este corte, esa base enfadona y los bajos ¡uf!), ‘That Way’ o ‘Blind’. Pellizca, y sino, es que eres una piedra.
ÁLBUM DESTACADO
DAMIAN LAZARUS - MAGICKALCROSSTOWN REBELS
Con el factor sorpresa por bandera nos ha llegado la publicación de un nuevo álbum por el alquimista sonoro Damian Lazarus. Así como anuncio de nueva gira mundial y que incluso uno de los sencillos principales del disco, ‘Searchin’ con Jem Cooke, estará respaldado por remezcla de Radio Slave. ‘Magickal’ supone el quinto álbum de estudio de un productor caracterizado por reinar entre ambientes naturales, y música de baile variopinta con un buen pellizco emocional. En esta ocasión acierta de pleno en los tempos medios, e-pop de tintes callejeros de ‘Falling Down’ con Totally Enormous Extinct Dinosaurs (TEED) & A-Trak. Menos redondez en su acercamiento a los sonidos orientales y flamencos de ‘La Hija De Juan Simon’ (con Mëstiza). Sea como sea, en general, el nuevo largo funciona bien. Es cohesivo, espiritual y conecta con la pista de baile.
ÁLBUMES
Autor: Bruno Garca
COLIN SELF - RESPITE ∞ LEVITY FOR THE NAMELESS GHOST IN CRISIS - RVNG INTL. pr@freelastica.com
TERAWAX - FULL MOONPOLYGON
Aterriza desde Kiev el poder de Terawax. La oscuridad, los ritmos electroides retrofuturistas, las capas atmosféricas amenazantes y bajos secuenciados, además de notas ácidas provenientes de la pequeña pero matona Behringer TD-3, están omnipresentes en este ‘Full Moon’. Se alzan con el premio gordo títulos como ‘Sand Dunes’ o el que presta su nombre al LP. Sonidos Techno con despliegue analógico tampoco faltarán a la cita, ‘G Force’ posee una buena licencia para ser así. Incluso acercándose peligrosamente al desfase junglist, ‘Acceleration’ (buen bicho este que me ha recordado a High Contrast). Atención también con los remixes que aparecen con el largo a cargo de Recid y Dagga. De traca. Un trabajo de autorreflexión y un impulso brutal por crear mientras el autor mira con extrañeza el cielo nocturno de su ciudad cuando se activan los sistemas de defensa aéreos.
Menudo personaje este Colin Self. Aún recuerdo como si fuese ayer su actuación en el L.E.V. Festival de Gijón. Un artista que utiliza la música, las performances y los escenarios como herramientas para causar problemas y alterar las fronteras de la percepción. Eso se ha dicho siempre de este norteamericano, ahora berlinés. Un creador que es incluso titiritero y un malabarista del sampleo y de las voces. Literal. Hay pocos tan locos y versátiles como Colin. En ‘r ∞L4nGc’ -nos dan el permiso para también nombrar así el disco- se entrecruzan la belleza de algunas melodías con el terror de la repetición y la rítmica sin control. Lo cómodo y bailable, con lo incómodo y sesgado. No en vano algunas de sus temáticas -incluso sonando con brillantez musical- pueden resultar realmente irritantes. Trabajos sexuales y bofia, ¿por ejemplo?
ÁLVARO CORROCHANO - PATTERNSMITTE
¿Cómo era aquel libro de Jane Austen? ‘Sentido y sensibilidad’, ¿si? Un título que bien podría resumir lo que se esconde en el álbum debut de este músico madrileño, Iván Corrochano, quien posee un puntillismo enorme del tramado electrónico, y mucha emotividad en el desarrollo de sus capas y melodías. Beats, sintes y pianos se juntan en este ‘Patterns’, un discurso que resultará un imán para los amantes de artistas como Kiasmos (cuando se reúnen con Ólafur Arnalds), Schlindwein, Murcof e incluso Francesco Tristano. Piano relaxing sería un apelativo muy tentador para englobar el trabajo. Eso que la intensidad existe en cortes como ‘Beginnings’, el propio ‘Patterns’. El resultado final es la obra de un artesano de los momentos y las emociones. Y no nos asustemos, las composiciones no son tan rarunas ni experimentales. Caen de pie.
BLAIZ FAYAH - SHATTA TINGX-RAY PRODUCTION
Soy yonqui confeso de la música de baile en sus más diversos rostros y formas. Últimamente estoy redescubriendo el sonido rave, a la vez que averiguando quien sigue publicando con las neuronas comidas por la casa Bonzai, pero también pescando soniquetes que lo petan al otro lado del Atlántico. Sucede con el Shatta, una especie de innovación del Dancehall que proviene de las Antillas francesas. Un embajador firme de este sonido es Blaiz Fayah -cientos de millones de seguidores y reproducciones lo avalan- quien publica ahora su nuevo disco. Una quincena de temas que arrasan a lo suspiro, todos rondan los dos minutos de duración. Una vez más vuelve a conectar con beatmakers como DJ Glad, Mikado y Mafio House para alcanzar un LP repleto de espasmos y buenas vibras. Destacan ‘More’, ‘Catchy’ o ‘Gimme This’.
REVIEW CLÁSICO
KLF - CHILL OUTWAX TRAX! RECORDS
Se publicó allá por el 1990, antes incluso que me golpeara de pleno toda la efervescencia de las macro raves donde siempre solía existir un escenario Chill Out -colorido y extravagante- donde se pinchaban texturas electrónicas flotantes para dejarse llevar. Mucho antes de mi amor por el downtempo… hasta que tanto recopilado repetitivo lo enturbió. El concepto, al menos para mi, de un buen Chill Out se acerca al hermoso y abstracto devenir de esta joyaza ideada por KLF. Tan surrealista como sugerente. Es ambient repleto de ideas y mucho campo. Un collage magnético concebido como una pieza musical única donde una fila de garbanzos mágicos, sampleos de todo tipo, junto a fragmentos de Fleetwood Mac, Van Halen o 808 State, y elementos rebautizados de éxitos propios como ‘Justified And Ancient’, ‘3 AM Eternal’... se convirtieron en una audaz obra de arte.
BREAKS
Autor: Eduardo Carbonell breaks@mixmag.es
VVAA - THE ESSENTIAL COLLECTION OF MONKEY 2024 - 13MONKEYS RECORDS
Nuestros amigos de los 13 monos cerraban el año con un tremendo recopilatorio, dividido en 3 partes, que aglutina 44 lanzamientos. Una buena manera de adentrarse en el sonido de la nueva ola funky breaks abanderada por artistas patrios, con Sekret Chadow a la cabeza. Además de funky breaks, podrás encontrar progressive breaks y breakbeat hardcore de alta calidad, con artistas como Adam Vyt, CASE 82, Dany BS, Dazzler, DDSS, DJ Cuto, Eddy Mendez, GreenFlamez, Mutantbreakz, Müme, Nitro, Rave Key, Sekret Chadow, SellRude o Soul Sync. En el formato físico, tenemos entre sus últimos lanzamientos el vinilo ‘The Stellar Monkeys’ de Sekret Chadow, Made To Move, FM3, Cooltasty, Play Insane y Urban, el ‘Classic Chapter 3’ con dos clásicos de Eddy Mendez y remixes a cargo de Adam Vyt y ‘Classic Chapter 4’ con dos clásicos de Sigma 7 y remixes de Adam Vyt y Guau.
KURSIVA
- AIN’T NOBODY - 83
El reconocido DJ y productor de drum and bass cordobés Kursiva se adentra en el mundo del breakbeat con su primer lanzamiento bajo el sello 83. Con una larga trayectoria a sus espaldas y lanzamientos por sellos como Hospital Records, Viper Recordings, Eatbrain, Jungle Cakes, DEM Recordings o su propio sello South Yard, Navarro imprime su habitual energía para producir un gran track de breakstep muy pistero. Esperemos que sea el primero de muchos. En cuanto al sello, destacamos otros grandes lanzamientos recientes como ‘Scream’, ‘Ufuqon’ y ‘F Bassline’ del jefe de la casa, Guau, ‘Dancing Astronaut’ de este junto a la sevillana MBreaks, ‘Easy’ junto al también sevillano Basstyler y ‘Bass Overdose’ junto al granadino Aggresivnes, o singles como ‘Ritual’ del sevillano Paket, ‘Sirena’ del dúo Nosk, ‘Dragons’ del malagueño Ruler, ‘Mystical’ y ‘Rock & Roll’ del sevillano Bad Legs y ‘It’s Alright’ del estadounidense Keith MacKenzie.
SIMON SHACKLETON - THE SHADOWMAKERSIMON SHACKLETON MUSIC
El productor Simon Shackleton es la mente pensante detrás de Lunatic Calm y de Elite Force, pero para sus trabajos destinados a cine y a música más relajada firma bajo su propio nombre. En su cuenta de Bandcamp nos ha dejado joyas como el relajante ‘QNTM STT’, los cinemáticos ‘Constellations’ y ‘Contemplations’, el broken beat de ‘Oplot’ y ‘Draumur Innan Draums’ junto a sus correspondientes versiones para la pista en ‘Club Mixes (Volume One)’, el doble trabajo ‘Nipped & Tucked’ firmando el primer volumen como Elite Force (breaks) y el segundo como Shackleton (four to the floor), el electro breaks de ‘Therapy’ o el trabajo que nos ocupa hoy, ‘The Shadowmaker’, que dio el pistoletazo de salida a una serie de singles de su inminente álbum trip hop, como son ‘House Of Mirrors’, ‘Smokestack Blues’, ‘Addicted To Lies’, ‘This Is Who We Are’ y ‘Dying Of The Light’.
ABSEN - HANNANIGHT ROOM RECORDS
Absen es el más reciente alias del DJ, productor musical y promotor de eventos Manu Bermejo. El cordobés está detrás de eventos como el reciente festival ‘Córdoba Crea’, celebrado el pasado mes de noviembre con una asistencia de público de unas 5.000 personas, y de la promotora Night Room TV. Absen, por entonces conocido por su nombre de pila Manu Bermejo, influyó en la escena rave de mediados de los 2000 junto a Lukkah (L4NDSCAP3R) y su colectivo Nómadas Urbanos, para poco después iniciar su residencia en Sala Metrópolis, introduciendo el drum and bass en el mundo del clubbing cordobés. Por entonces, Nómadas Urbanos pasó a vincularse también con el techno y el minimal bajo su netlabel homónimo. Con ‘Hanna’, en honor a su compañera perruna, Manu nos ofrece 10 pistas de electrónica emocional con influencias del electro y los ritmos rotos.
REVIEW CLÁSICO
PROPELLERHEADSDECKSANDRUMSANDROCKANDROLLWALL OF SOUND
Para el disco clásico del mes nos trasladamos a enero de 1998, cuando Propellerheads, banda británica fundada por Alex Gifford y Will White, lanzaba su álbum ‘Decksandrumsandrockandroll’. Su nombre significaba, en la jerga californiana, “empollones informáticos” y nada tenía que ver con la empresa de software del mismo nombre. El dúo originario de Bath se dio a conocer en 1997 gracias a la utilización de su single ‘Dive’ por parte de Adidas en una de sus campañas publicitarias. Poco después, lanzaban este larga duración que incluía producciones tan conocidas como ‘History Repeating’, ‘Take California’, ‘On her Majesty’s Secret Service’ o ‘Spybreak’, que fueron también ampliamente utilizadas en publicidad de marcas como Apple y en cine con films como ‘El mundo nunca es suficiente’, de la saga James Bond, o ‘Matrix’ de las hermanas Wachowski. Todo un must have del big beat.
DRUM AND BASS
Autor: Daniel Paniagua
drumandbass@mixmag.es
MAYKORS FEAT. FRI3NDSHIP - BAD FOR ME - GALACY RECORDINGS
Uno de los mejores releases del mes de febrero en lo que a liquid drum & bass se refiere es la compilación de Galacy titulada ‘Voices’, donde el combo del productor Maykors y la voz de Fri3ndship encajan a la perfección. ‘Bad For Me’ es de esos tracks que te elevan a otro plano y te sacan sentimientos que no sabías que tenías escondidos. Sin duda, si el liquid más soulful es tu estilo, esta pista debe ir a tu playlist.
BITSUNE & M’GO FEAT. LYAON MY HEAD - MANIFEST
El autodenominado ‘team zorrito’ vuelve a la carga con, desde mi humilde opinión, su mejor canción hasta la fecha. La vocal de Lya destaca durante el build up del tema que explota en una perfecta armonía entre tema con potencia y tema con gran carga melódica. Sin duda, un milestone en la carrera de los productores sevillanos que se posicionan como un bastión del sello americano que cada vez coge más peso en la industria.
DAVID SYNTH - MACHINE LEARNINGGUTTING AUDIO
David Synth es sin duda uno de los productores españoles con más creatividad de la escena. El sevillano regresa con un nuevo EP titulado ‘Thermal Shock’ donde experimenta con la síntesis y nos vuelve a sorprender, sobre todo, en ‘Machine Learning’, donde el neurofunk está en primera plana pero con mucha clase. Elegancia sin perder intensidad.
OCTAVATE - KEEP ME FROM THE LIGHTCOUNTERPOINT RECORDINGS
La dupla Octavate lanza su primer trabajo del 2025 en el sello portugués con Spill. Después de darnos dos sencillos tenemos el trabajo completo y es ‘Keep Me From The Light’ el arma secreta que tenían guardada bajo la manga. Un track de deep drum & bass con mucha personalidad, muy trabajado, con un subgrave al frente y baterías bien trabajadas que, junto con las vocales y los arreglos, hacen del tema un banguerazo.
REVIEW CLÁSICO
CAUSE4CONCERN - PEEP SHOWVIRUS RECORDINGS
Allá por 2001 cuando el Drum & Bass sufría constantes cambios y el techstep seguía empujando las fronteras de la producción, el cuarteto de Cause4Concern al completo lanzaba un sencillo titulado ‘Peep Show’ por el sello Virus Recordings. El arpegio de la línea de graves acompañado del groove de las baterías ha hecho de este un clásico que debes conocer si eres amante del género.
ELECTRO
Autor: Federico Cortina electro@mixmag.es
WAVERATIO 618 - B1 - R.D.COVERTHINK RECORDS
El artista italiano afincado en Barcelona, Waveratio 618, vuelve a hacerlo. Tras su primer lanzamiento en Overthink, regresa con un EP completo en el mismo sello, reafirmando su identidad sonora. Es difícil señalar un track como favorito en el B1, porque los cuatro cortes del disco tienen su propio carácter, pero ‘R.D.C’ en particular me atrapó desde el primer momento. Un bassline octavado y abierto con vibes de los 80s crea la base perfecta para arpegiadores hipnóticos, melodías eléctricas y un toque ácido que atraviesa la mezcla con fuerza. Techno y electro con una marcada esencia de los 80s/90s e influencias italo... ¿Qué más se puede pedir?
OUT OF PLANET - SHOT KID MANSTRAIN RECORDS
El sello Strain presenta su sexto lanzamiento y su cuarto álbum en Bandcamp, una compilación de ocho tracks que reúne a productores de distintas partes del mundo. El viaje arranca con ‘Shot Kid Man’, un electrizante rework del clásico de Gillette firmado por Out Of Planet. Este track fusiona la energía del electrohouse con una potente dosis de líneas ácidas y un bassline demoledor, logrando un equilibrio entre la euforia del peak time y una atmósfera nostálgica. Todo esto, envuelto en una percusión influenciada por el technohouse noventero, aporta groove y carácter a la producción.
SAMUEL JABBA & TORRENT - KILLER FLOWCYMATIX
Sincronía perfecta entre estos dos productores en el nuevo EP de Cymatix, el sello dirigido por Anah y Lumiere. Compuesto por cuatro tracks contundentes, el viaje culmina con ‘Killer Flow’, una pieza de electro-techno que encapsula el sonido característico de estos prolíficos artistas. El track construye tensión gradualmente hasta que entra un bassline contundente y violento, marcando el pulso con una fuerza implacable. Sobre él, melodías repetitivas e hipnóticas refuerzan la sensación de trance, mientras el inconfundible sonido de la Roland 303 dibuja un paisaje distópico que se fusiona con vocales tenebrosas, aportando un aire inquietante y cinematográfico. Un cierre demoledor para un EP que refuerza la identidad sonora de Cymatix y deja claro que estos productores siguen elevando el listón en la escena underground.
MUNIR NADIR - GLOVE BOXMOOD
WAVES
En la undécima referencia del sello berlinés Mood Waves, Munir Nadir nos entrega un EP de cuatro pistas donde explora un sonido innovador y profundo. Destacando dentro del conjunto, Glove Box encapsula a la perfección la esencia del productor: un bassline repetitivo y envolvente, diseñado para sacudir las pistas de baile más exigentes. Los sintetizadores ácidos y las melodías hipnóticas se entrelazan con percusiones en constante evolución, mientras que los vocales, perfectamente integrados, aportan el toque final a este viaje sonoro. Sin duda, un track destinado a elevar manos y energía en cualquier club.
REVIEW CLÁSICO
MISS KITTIN & THE HACKER 1982
Lanzado en el año 1998 dentro del EP Champagne, ‘1982’ es un himno atemporal del electroclash, un género que, a finales de los 90, fusionó el frío minimalismo del electro con la actitud irreverente del punk y el hedonismo de la música club. Desde el primer kick, el track nos sumerge en un paisaje sonoro oscuro y sintético, con una línea de bajo analógica que late con precisión quirúrgica. The Hacker, maestro de la síntesis retrofuturista, construye un groove hipnótico donde los sintetizadores oscilan entre la melancolía y la tensión.
Por su parte, Miss Kittin aporta su inconfundible voz robótica y desapegada, recitando letras que evocan un imaginario de fiestas exclusivas, moda y el lado más frívolo de la cultura club. Su interpretación, distante y monocorde, refuerza la estética de la era digital emergente, en la que el exceso y la artificialidad eran casi un manifiesto.
Un track que tres décadas después sigue inspirando a productores de todo el mundo.
HARD TECHNO
Autor: Alejandro Serrano hardtechno@mixmag.es
FUROTICA - REBIRTH IS HARDWIREDMÉLOPÉE RECORDS
Furotica, el nuevo proyecto musical de Furor Exotica, debuta con ‘Rebirth Is Hardwired’, una obra maestra que lleva al oyente a un viaje cósmico a través de un disco psicodélico y cautivador con un alto octanaje de energía. Con un bajo tronador y sintetizadores sensuales, la pista combina elementos retro y futuristas que invitan al movimiento en la pista de baile.
El tema original destaca por su atmósfera ochentera, potenciada por la voz enigmática que impregna el track con un aura erótica y cósmica. Franz Scala, reconocido como una figura clave en la escena italodisco, aporta un remix nostálgico y encantador, manteniendo la esencia de la versión original.
‘Rebirth Is Hardwired’ no solo es una celebración de las raíces del italodisco y el techno, sino también un paso hacia un sonido contemporáneo que evoca emociones y energía.
ELFENBERG - RITMO PARADISOOATH
Oath Records da un nuevo paso hacia la euforia sonora con ‘Ritmo Paradiso’, el último EP de Elfenberg, un artista conocido por su sonido progresivo y cargado de matices emocionales. Este lanzamiento combina la energía del trance con la sutileza melódica que caracteriza su trabajo, invitando a los oyentes a un viaje tanto introspectivo como liberador.
El tema principal, ‘Ritmo Paradiso’, se abre con un bajo pulsante y un loop de batería hipnótico que establece el groove desde el primer momento. La línea ácida se entrelaza con las capas melódicas, mientras que los pads evolucionan suavemente en el fondo creando un paisaje sonoro expansivo y cautivador. Los elementos percusivos añaden textura y dinamismo, llevando el track a un clímax emocionante sin perder su refinamiento.
Este corte encapsula la habilidad de Elfenberg para equilibrar intensidad y delicadeza, siendo ideal tanto para las pistas de baile como para un viaje mental profundo. Un himno progresivo que destaca por su precisión y emotividad.
MILES ELLIS - UNDER SURVEILLANCELIMITLESSUN RECORDINGS
Limitlessun Recordings, el sello fundado por Miles Ellis, regresa con fuerza con ‘Under Surveillance’, un EP que encapsula la esencia del techno hipnótico y preciso inspirado en los sonidos pioneros de Chicago, Detroit y Nueva York de los años 90. Este lanzamiento reafirma el talento de Ellis para crear ritmos vibrantes y melodías sutiles que conquistan las pistas de baile.
El tema principal, ‘Under Surveillance’, abre el EP con una mezcla cautivadora de bajos profundos y patrones de percusión contundentes, mientras acordes delicados se despliegan con elegancia. La profundidad del track crea una atmósfera introspectiva, perfecta para iniciar una noche de baile. Los cambios sutiles y la construcción rítmica reflejan la destreza de Ellis para equilibrar groove y emotividad.
Este corte no solo marca un punto álgido en el EP, sino que también reafirma el compromiso de Ellis con su visión artística, donde la simplicidad melódica y los ritmos envolventes se entrelazan en un viaje sonoro inolvidable. Si el techno cautivador es lo tuyo, este EP merece estar en tu radar
PAUL RENDER & ANGELGROUND (COL) TODO CAMBIA - DZB RECORDS
Este álbum es un viaje sonoro que invita al oyente a ser parte del proceso introspectivo del artista. A través de una autopista espectral, narra una historia dividida en tramos, donde la lucha entre el fatalismo y la esperanza se convierte en el motor principal. La dualidad se refleja en sonidos oscuros y sintetizadores profundos, retratando el desafío constante de avanzar sobre las ideas que frenan el progreso positivo. Con un enfoque que crece dinámicamente, los 12 tracks culminan en un mensaje liberador: el sonido propio de cada individuo es la clave para encontrar el equilibrio.
El sexto track, Todo Cambia, es el punto medio del álbum y representa una encrucijada emocional. Su apertura utiliza capas de sintetizadores oscilantes que parecen debatirse entre la tensión y la calma. Una percusión minimalista avanza como pasos inciertos, mientras una melodía melancólica emerge, simbolizando el anhelo de esperanza. A mitad del tema, un giro inesperado inunda el paisaje sonoro con texturas luminosas y un bajo pulsante que inyecta energía renovada. Este track logra capturar la esencia del álbum: la lucha interna como motor del cambio y la reconciliación personal. Es un momento clave que invita a seguir explorando hasta la resolución final.
REVIEW CLÁSICO
DINA SUMMER - GIRLS GANGIPTAMENOS DISCOS
El trío berlinés Dina Summer regresa con ‘Girls Gang’, un segundo álbum que mezcla dark disco, techno, synth-wave y EBM, consolidando su estatus como líderes en la escena de la música electrónica alternativa. Explorando temas como el empoderamiento, la nostalgia y la conexión humana, este álbum ofrece una experiencia versátil que mezcla sintetizadores envolventes, líneas de bajo pulsantes y vocales hipnóticas.
La canción homónima, ‘Girls Gang’, captura la esencia del disco con un aire de confianza y glamour oscuro. Dina, con sus susurros seductores y una percusión dominante, invoca figuras icónicas como Morticia Addams y Siouxsie Sioux. La melodía fluye con una elegancia cautivadora, mientras las armonías vocales añaden un toque de sofisticación. El bajo persistente y los sintetizadores crean un ambiente teatral que llama a la autoafirmación. Es un himno para quienes encuentran poder en la oscuridad, invitando a sumarse a este círculo de energía femenina y misteriosa.
HOUSE
Autor: Francisco Pérez
house@mixmag.es
CHARLIE BANKS - ONE MORNING IN STAINESMOSS CO.
Empezamos la edición de febrero con esta pieza perfecta para los amantes del sonido Dub. Sello creado de las raíces de Moscow Records pero con un enfoque más intimo, donde los productores muestran su esencia más profunda. Charlie Banks, un productor con base en Londres y de origen inglés, ha firmado en sellos como PIV Records, Talman Records o Microhertz y ahora nos presenta su tema ‘One Morning In Staines’. Una composición donde el bajo coloniza el ritmo que marca el groove, acompañado de una base rítmica clásica de la Roland 909 y, al mismo tiempo, bastante contagiosa. Este tema es perfecto para esas sesiones íntimas donde te pierdes para encontrarte. Algo que me gusta mucho de esta composición es cómo emplea los recursos tales como los efectos, vocales y esas percusiones filtradas que hacen que el tema tenga más dinámica. Mientras avanza, sutilmente, vamos descubriendo estos acordes dub que son el motor principal del groove. Me parece un excelente trabajo de producción y mezcla. Este tema es digno de aplausos y seguro que ha cumplido un buen trabajo en la pista de baile.
IO MULEN - PILLS ON HILLSMULEN RECORDS
IO Mulen es de mis productores favoritos a la hora de pinchar y realizar análisis de sus producciones. Volvemos con este tremendo temazo del sello Mulen Records con su track ‘Pills On The Hills’ firmado en formato vinilo. En esta mezcla encontramos un sonido representativo del artista, marcando siempre su autenticidad a lo largo de su trayectoria como productor. Se caracteriza por sus texturas atmosféricas, sub bajos cargados en potencia y groove, leads contagiosos e hipnotizantes y esos acordes que aportan vida y armonía a toda la narrativa que nos ofrece en sus producciones. La elegancia y detalle de la mezcla en esta composición es también una de las muchas cosas que hacen que este tema sea de mis favoritos. Tuve la oportunidad de pincharlo en mi presentación en Zebra Club, Argentina, para la apertura de Kosmosoundclub en Villa Carlos Paz y el público lo bailó a más no poder. Este EP completo aporta una dinámica perfecta para potenciar una pista de baile al máximo.
PHILIP CHERNIKOV - GIDEON’S LEGACYPERSPECTIVE
Introducimos a un gran productor de Sofia, Bulgaria. Se distingue por su sonido lleno de armonías, texturas, bajos simples pero potentes y efectos de vocales auténticos listos para poner a la gente a bailar y entrar en groove. ‘Gideon’s Legacy’ es uno de los cuatro temas firmados en este EP lanzado por el sello Perspective digno de escuchar y apreciar. Este tema nos transporta al pasado; se trata de una producción llena de percusiones contagiosas, pads profundos, acordes misteriosos que le aportan color y brillo al desarrollo del tema y, por último, unos samples de vocales que hipnotizan con una esencia soulful que podemos apreciar en la música desde principios del siglo XXI. Como fiel amante a las congas y las maracas, esta composición se lleva un mérito. El swing que te regala cada beat de este EP te invita a cerrar los ojos y bailar hasta el amanecer. Hay que echarle el ojo este año a Philip Chernikov porque es de esos productores que, a pesar de no saber mucho de su trayectoria en redes, es una joya para la escena underground Europea.
DISKOP - HEARTBREAKERBLACKLOOPS
DiSKOP nos presenta su tema ‘Heartbreaker’ firmado en el sello Blackloops para un EP de dos tracks, ambos con una energía festiva y llena sonidos atmosféricos. ‘Heartbreaker’ llega cargado de tensión y misterio, donde los pads envolventes y la base rítmica son los protagonistas de este viaje sonoro. Lo que más me gusta de esta composición es cómo el bajo presenta esa esencia UK garage en los toques prolongados en cada nota, muy bien acompañado de una base minimal y llena de texturas, mucho swing y atmósferas que retumban con elegancia toda la estructura rítmica. DiSKOP mantiene la energía del tema subiendo y las bajadas, no tan bajadas, son siempre acompañadas con el groove. Me parece muy autentica la manera en la que el tema se desarrolla a lo largo de su historia. Las armonías que lo acompañan vienen con colores brillantes como son el violín, las vocales eternales y los efectos sutilmente presentados de vez en cuando. Tremendo temazo que nos regala este productor de origen Ucraniano.
REVIEW CLÁSICO
ANANDA PROJECT FEAT. GAELLE ADISSONCASCADES OF COLOUR (DANNY TENAGLIAS
EDIT OF THE SAFFRON MIX)
Danny Tenaglia, DJ y productor pionero de la época donde nació el house clásico que conocemos hoy en día es, sin duda alguna, un deleite para los amantes de la buena música. Se trata de un tema lleno de vida caracterizado por un sonido minimal de carácter simple con elementos envolventes y con la presencia de unas vocales eufóricas y perfectas para cerrar un set. ‘Cascades Of Colour’ nos introduce la historia con una voz sutil, casi como un manifiesto, interpretada por la vocalista Gaelle Adisson. Mientras el track avanza aparecen elementos como el bajo, que tiene un groove tan sencillo que se vuelve hasta hipnotizante. Conforme avanza, la estructura narrativa de la composición se vuelve más ácida. Dentro de su sencillez descubrimos elementos que aportan color y armonía, en los que los acordes y texturas que resuenan despiertan la curiosidad de esta esencia minimal. Este tema lo encontré en YouTube de casualidad y me trae recuerdos muy especiales, como el pasado 31 de diciembre cuando tuve la oportunidad de pincharlo en mi evento Vengo en Playa Bonita. La reacción del público fue increíble y me parece una gran joya de los clásicos.
UK GARAGE
Autor: Borja Comino drumandbass@mixmag.es
NECTAX - ‘BODY TALK’PLAY:MUSIK
Tras un hiato de más de una década, play:musik, el legendario sello dirigido por DJ Flight, regresa con un EP vibrante y lleno de energía, encabezado por Nectax, uno de los talentos más prometedores del jungle contemporáneo. El título del EP ‘Body Talk’ es una explosión de breaks propulsivos, vocales energéticas y bajos retumbantes, mezclados con barridos psicodélicos que mantienen la pista de baile en constante movimiento.
Mientras que el tema principal brilla con su energía frenética, ‘Twin Turbo’ adopta una actitud más juguetona con toques de juke que enamorarán a los fanáticos de Astrophonica. ‘No Such Luck’, por su parte, combina subs profundos y gélidos bleeps Eski en una pieza densa y atmosférica. ‘Sentinel Runner’ cierra con un enfoque minimalista pero poderoso, que hace reconocible a Nectax como un arquitecto de paisajes sonoros únicos. Un retorno épico para un sello histórico.
XYLITOL - ‘ANEMONES’PLANET MU
La británica Catherine Backhouse, bajo su alias Xylitol, nos sumerge en pura experimentación sonora con ‘Anemones’, un álbum inspirado en la vida marina y los sonidos tempranos del jungle y el garage. Con ritmos aerados y sintetizadores envolventes como los de ‘Jelena’, el disco es un viaje tanto introspectivo como bailable.
La fuerza del álbum radica en su habilidad para crear mundos sonoros ricos y detallados. ‘Iskria’, por ejemplo, combina snares de los que te agujerean los tímpanos y bajos robustos fusionando la energía del jungle con la delicadeza de la electrónica experimental, transportando a los oyentes a paisajes acuáticos que son tan antiguos como futuristas.
GYROFIELD - ‘THESE HEAVENS’XL RECORDINGS
La productora emergente Gyrofield presenta ‘These Heavens’, una exploración cósmica que mezcla drum & bass, electro y techno con influencias espaciales y atmosféricas. Cada pista en este EP tiene un propósito claro: fusionar lo introspectivo con lo bailable.
Desde los paisajes expansivos de Vega hasta la percusión agresiva de ‘Cold Cases’, Gyrofield demuestra su habilidad para experimentar con géneros sin perder cohesión. En ‘Lagrange’, el tema más conseguido del álbum, brutal, las muestras vocales evocan un guiño a Björk, mientras que ‘Occam’s Razor’ lleva los ritmos a un territorio ácido y dubby que desafía las expectativas. Un debut imponente que consolida su lugar como una de las figuras más prometedoras del drum & bass moderno.
RROSE, POLYGONIA - ‘DERMATOLOGY’QEONE
En ‘Dermatology’, Rrose y Polygonia unen fuerzas para crear un álbum colaborativo que redefine las posibilidades del techno. Cada una de las seis pistas explora texturas sonoras que evocan formas naturales, desde la fluidez acuosa de ‘Elipses’ hasta los golpes oscuros y goopy de ‘Haima’.
Lo que destaca en este proyecto es la capacidad de ambos artistas para entrelazar ritmos minimalistas con drones psicoactivos y polirritmos hipnóticos, generando una experiencia tanto cerebral como física. ‘Vena Cava’ es particularmente sorprendente, abandonando el bombo tradicional en favor de percusiones espectrales y pulsaciones etéreas.
REVIEW CLÁSICO
DISCLOSURE - ‘ARACHNIDS’WAREHOUSE PROJECT RECORDS
Disclosure explora un territorio oscuro y experimental con ‘Arachnids’, un clásico instantáneo. En este caso ni siquiera nos importa cuando se publicó. Se trata de un track que abandona los característicos beats house del dúo para sumergirse en breakbeats y texturas que se consiguen a partir de docenas y docenas de automatizaciones con plugins de todo tipo. De hecho, hay un vídeo en YouTube en que el hermano currante de Disclosure explica casi todos los intríngulis del proyecto de Logic Pro X. Desde el primer segundo, los ritmos de ‘Arachnids’ son como pequeñas patas de araña mecánicas moviéndose frenéticamente, mientras que los cuerdas y las vocales operísticas crean una atmósfera hindú que, aunque bastante típica, siempre es efectiva. El diseño sonoro es impecable, mostrando la madurez de Disclosure en su habilidad para transformar una percusión en un laberinto de energía cruda.
