The Who, quando la ribellione diventò una band da leggenda The Who, when the rebellion became a legendary band

The Who, quando la ribellione diventò una band da leggenda

The Who, when the rebellion became a legendary band

Tatiana Conetti

Non si può proprio dire che gli storici The Who siano scaramantici. Il 13 settembre alle 13 del pomeriggio (ora italiana) dopo 13 anni dall’ultimo disco, il gruppo britannico annuncia l’uscita del suo nuovo album “WHO” anticipato dal singolo “Ball and Chain”. Come si sa il 13 è numero sfortunato per gli inglesi, ancora di più per gli artisti, ma i sopravvissuti di quella che Rolling Stone ha posto come la terza band inglese più importante, dopo Beatles e The Rolling Stones, sembrano non badarci.

Pete Townshend, leggendario chitarrista degli Who, parla dell’album alla rivista Nme chiarendo l’obiettivo strettamente artistico dell’album «there is no theme, no concept, no story, just a set of song […]». In realtà, già il titolo del singolo appena uscito, che letteralmente significa “palla al piede”, potrebbe far pensare alle ultime dichiarazioni della band sulla Brexit. In una recente intervista, sulla questione delle potenziali ripercussioni che la Brexit potrebbe avere sui tour delle band inglesi in Europa, il cantante Daltrey ha chiassosamente risposto “As if we didn’t tour in Europe before the f*king EU!” per poi accumunare il Parlamento Europeo alla mafia. Non c’è da meravigliarsi di questa loro controtendenza rispetto ai colleghi e sfacciataggine di espressione. Per il gruppo che è stato il simbolo della ribellione tra gli anni ‘60 e ’70, famoso per aver spaccato sul palco ogni tipo di strumento (a Woodstock Townshed fracassò la sua chitarra su Abbie Hoffman attivista e politico statunitense, con l’unica colpa di essere in scaletta con il suo sermone pace - amore – musica prima dei The Who), non poteva essere diversamente. Questi quattro ragazzi di Londra hanno così visto tutto, da Woodstock all’attuale Brexit, passando per le periferie operaie, l’America hippie e la musica Classica. Un “huge mess”, per dirla alla Moon, di vita vissuta sulla loro pelle (dalle It cannot really be said that the memorable The Who are superstitious. On 13th September at the Italian time 13:00 (that is 1:00 p.m.), after 13 years from the last record, the British group announces the release of its new album “WHO” preceded by the single song “Ball and Chain”.

As we all know the 13 number is an unlucky number for the English people, even more for the artists, but the survivors of what the Rolling Stone magazine placed as the third most important British band after the Beatles and the Rolling Stones, seem not to mind it. Pete Townshend, the Who legendary guitarist, talks about the album to the Nme magazine, clarifying the strictly artistic purpose of the album “there is no theme, no concept, no story, just a set of song [...]”. Actually, the title of the single that has just been released “Ball and Chain”, could make people think about the band’s latest statements about Brexit. In a recent interview on the issue of the potential repercussions that Brexit could have on the tours of English bands in Europe, the singer Daltrey gaudily answered: “ As if we didn’t tour in Europe before the f*king EU!” and then he compared the European Parliament to the mafia. It is no wonder about their countertendency with respect to their colleagues and about their boldness of expression. For the group that was the symbol of the rebellion between the 60s and the 70s, famous for having smashed every type of instrument on the stage (at Woodstock Townshend broke his guitar on Abbie Hoffman, an American political and activist, who had the sole fault of being in line up with his sermon peace-love-music before The Who), could not be otherwise. These four guys from London have thus seen everything, from Woodstock to the current Brexit, passing through the workers’ suburbs, the hippie America and the classical music. A “huge mess”, to say it Moon’s way, of life character-

periferie da cui vengono) che lascerà strascichi in ogni singolo componente. Con l’album di esordio My Generation del 1965, anticipano di 12 anni il punk rock, con un disco di una tale violenza mai sentita prima. My Generation, oltre ad essere il nome dell’album, è anche il nome di uno dei pezzi considerato l’inno del “noi contro loro” di quel tempo. E’ di pochi giorni fa una intervista del Sole24Ore al chitarrista Towshend, per l’uscita del suo romanzo “The Age of Anxiety- storia di sesso droga e rock’nroll” in cui il chitarrista racconta come My Generation sia nata nel bar sotto l’appartamento londinese di un giovane Pete Townshend. Una donna ricca e impellicciata, dopo essere scesa da una di quelle macchine costose di fine anni ‘60, entra nel bar chiedendo il solito, incurante della fila e sgomitando per farsi spazio tra gli altri avventori. Pete sale nel suo appartamento e compone My Generation “Ho voluto tracciare una linea: noi non saremo mai come voi.” My Generation è il primo inno vero della “controcultura”. Se i Beatles rappresentavano nell’immaginazione collettiva “i 5 romantici di Liverpool” e i Rolling Stones i “4 cattivi ragazzi britannici”, The Who incarnavano quel mix di ribellione e vandalismo, riconoscibili nelle strade delle periferie inglesi, in lotta contro la condizione e il degrado dei ghetti operai dell’hinterland.

In quei sobborghi, infatti, si consumava il “martirio” pubblico degli anni ’60 nel nome di una Terza rivoluzione industriale impietosa, che insieme a tanto progresso visibile nei centri città, stava portando costi sociali altissimi, procurando disoccupazione nelle campagne, schiavitù dei bambini all’interno delle fabbriche e analfabetismo fra i giovani tolti alle scuole. Un divario sociale per disuguaglianza di nascita, che veniva urlata dal palco da questo gruppo scatenato e folle, per andare oltre la cultura dominante che schiacciava l’essere umano e lo assoggettava alle regole della nuova industria.

A conferma della loro “geniale schizofrenia artistica”, c’è “Tommy” l’album uscito nel 1969, che il 9 giugno di quest’anno ha compiuto 50 anni. “Tommy” è il quarto album degli Who, realizzato in doppio vinile, scritto da Townshend cinico e disincantato, come proprio viaggio spirituale. Il primo titolo era “Amazing Journey”, che poi diventò una delle canzoni dell’album. La leggenda vuole che il via a questa idea, considerata una tra le più folli imprese nel Rock, sia stato dato dall’arrivo in Inghilterra della ventata hippie, direttamente da San Francisco fino a Londra, attraverso le musiche psichedeliche e le droghe allucinogene. In altro modo sarebbe stato difficile pensare ad un album di questo tipo, per di più se lo si considera concepito da chi, fino a quel momento, si era distinto per un genere di rock violento e diretto. Si tratta della prima Opera-Rock realizzata in un concept album ised from personal experience (from the suburbs they come from) that will leave aftermath in every single component. With the debut album My Generation of 1965, they anticipate punk rock by 12 years, with a record of such a violence never heard before. My Generation, besides being the name of the album, is also the name of one of the pieces considered as the hymn of the “we against them” of that time. A few days ago, the newspaper “Sole 24Ore” made an interview with the guitarist Townshend, for the release of his novel “The age of anxiety-a story of sex, drugs and rock ‘n’ roll”, in which the guitarist tells how My Generation was born in the bar under the London flat of a young Pete Townshend. A rich and dressed in furs woman, after getting off from one of those expensive cars from the late 60s, enters the bar asking for the usual, unconcerned about the queue and jockeying among the other customers. Pete climbs into his flat and composes My Generation “I wanted to draw a line: we will never be like you.” My Generation is the first real hymn of the “counterculture”. If the Beatles represented in the collective imagination “the 5 romantics from Liverpool” and the Rolling Stones “the 4 bad British boys”, The Who embodied that mix of rebellion and vandalism, recognisable in the streets of the English suburbs, struggling against the condition and degradation of the workers’ ghettos of the hinterland.

In those suburbs, in fact, the public “martyrdom” of the 60s was carried out in the name of a merciless third Industrial Revolution, which together with a great visible progress in the city centres, was bringing very high social costs, causing unemployment in the countryside, slavery of children in the factories and literacy among young people, taken away from schools. A social gap for inequality of birth, that was shouted from the stage by this crazy and unchained group, to go beyond the dominant culture that was crushing the human being and was subjugating him to the rules of the new industry.

As confirmation of their “brilliant artistic schizophrenia”, there is “Tommy”, the album released in 1969, which on 9th June of this year has turned 50 years old. “Tommy” is the fourth album oggi The Who, made in double vinyl, written by a cynical and disenchanted Townshend, as his own spiritual journey. The first title was “Amazing Journey”, which then became one of the songs of the album. Legend has it that the start of this idea, considered one of the craziest exploits in rock, was given by the arrival in England of the hippie wind, directly from San Francisco to London, through psychedelic music and hallucinogenic drugs. In another way, it would have been difficult to think of an album of this type, moreover if it is considered conceived by who, up to that moment, had distinguished himself for a genre of violent

IL SUCCESSO DEL GRUPPO LONDINESE RINVERDITO NEGLI ANNI DUEMILA GRAZIE ALLA SERIE TV CSI CHE HA UTILIZZATO ALCUNE DELLE CANZONI PIÙ NOTE THE SUCCESS OF THE LONDON BAND REVIVED IN THE 2000S THANKS TO THE CSI TV SERIES THAT USED SOME OF ITS BEST KNOWN SONGS

completo, ovvero un disco con un concetto di fondo (la storia semi autobiografica di Townshend su abusi sessuali e disabilità) attorno al quale ruotano tutte le 24 canzoni organizzate seguendo le regole dell’opera classica. Un romanzo in musica composto da una sola persona per racchiudere tutte le arti in un solo lavoro (copiato dai Green Day 40 anni dopo). La storia è quella di Tommy, appunto, un ragazzo che dopo un trauma resta muto, cieco e sordo. La prima canzone che introduce alla storia è un Ouverture (tipico intro dell’Opera) al cui interno, come vuole regola, troviamo i frammenti di tutte le canzoni presenti nel doppio vinile. Anche il resto dell’album è realizzato e pensato secondo le regole basiche dell’opera classica. Nella discografia di questa band c’è tutta la dissociazione mentale che ne pervadeva l’animo creativo: rock violento e distruttivo, alternato da album classicheggianti e meditativi.

Nel 1970, prima dei dvd e vhs, all’apice della parabola della loro potenza musicale gli Who registrano live il loro capolavoro Live at Leeds. Questo disco è uno dei più impressionanti monumenti edificati in onore del vero rock. Pubblicato nel 1970, è considerato il miglior album live della storia. La rivista Rolling Stone l’ha inserito al 1º posto nella classifica dei migliori album live e al 170º posto della sua lista dei 500 migliori album. Registrato dal vivo nell’auditorium dell’Università di Leeds, il giorno di San Valentino, il groove di questa band a metà fra gli hippie e i bulli di periferia.

E veniamo al 1973, un anno importantissimo per la musica rock, in cui vedono la luce dischi come “The Dark side of the Moon” dei Pink Floyd, “Houses of the Holy” dei Led Zeppelin, “Living in the Material World” di George Harrison, “Aladdin Sane e Pin Ups” di David Bowie e tanti altri. A ottobre del 1973 anche The Who contribuirono con uno dei loro capiand direct rock. This is the first opera-rock made in a complete concept album, that is a disc with a basic concept (Townshend’s semi-autobiographical story on sexual abuse and disability) around which round all the 24 songs organized by following the rules of the classical opera. A novel in music composed by a single person to enclose all the arts in a single work (copied by the Green Day 40 years later). The story is that of Tommy, in fact, a boy who remains silent, blind and deaf after a trauma. The first song that introduces the story is an overture (typical Intro of the opera) in which, as established by rules, we find the fragments of all the songs present in the double vinyl. Also the rest of the album is created and designed according to the basic rules of the classical opera. In the discography of this band there is all the mental dissociation that pervaded its creative soul: violent and destructive rock, alternating with classical and meditative albums.

In 1970, before the DVDs and VHS, at the peak of the parable of their musical power, The Who record live their masterpiece Live at Leeds. This disc is one of the most impressive monuments built in honor of real rock. Published in 1970, it is considered the best live album in history. The Rolling Stones magazine entered it at the first place in the ranking of the best live albums and at the 170th place of its list of 500 best albums. Recorded live in the auditorium of the University of Leeds, on St. Valentines Day, this band’s groove is halfway between hippies and suburban bullies.

And we come to 1973, a very important year for rock music, in which records like “The dark side of the moon” by the Pink Floyd, “Houses of The holy by Led Zeppelin, “living in the material world” by George Harrison, “Aladdin Sane and Pin Ups” by David Bowie and more see the light. In October

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saldi “che celebrò – come nessun’altra opera, prima o dopo- una parte importante della storia di quei sessanta in Inghilterra” a detta del Post. Anche recentemente Robert Daltrey, cantante originale della band, parla del nuovo album considerandolo il miglior lavoro da Quadrophenia “I think we’ve made best album since Quadrophenia in 1973” ( anche se, l’ultimo disco da loro registrato è Endless Wire del 2006). La grandezza di Quadrophenia, raccontata in un documentario emozionante della Bbc “Can you see the real me?”, è che anche in questo caso, come fu per Tommy, la mente ipercreativa di Townshend, “partorì” un’altra opera rock, che in questo caso però aveva la struttura e il concept di un film. Il protagonista della storia è Jimmy Cooper, un giovane adolescente incasinato e “mod”, affetto da una forma di “doppia” schizofrenia. L’ascoltatore imparerà che Jimmy ospita in se quattro personalità differenti che in realtà ricalcano perfettamente i 4 musicisti Who a partire dal loro stile. Già con i primi pezzi pubblicati, “The Kids are Alright” e “Can’t Explain”, la band era considerata il primo gruppo rock esponente e promotore del “mod inglese”. In Inghilterra negli anni 60 il Mod (abbreviazione di Modernism) era un filone giovanile che abbracciava la moda, la musica, l’amore per gli scooter italiani e il consumo di droghe sintetiche. Per dirla alla Peter Meaden, primo manager degli Who, «Mod is clean living under difficult circumstances» «Mod è vivere pulito in circostanze difficili.».

E’ in questo periodo di contestazione giovanile che i capelli diventano il simbolo anticonformista, di rottura con la società adulta. Però, il concetto del capellone ha un campo d’azione molto ampio: capellone è il beat, capellone è il cattivo ragazzo Rolling Stones. Da qui l’intuizione di Maeden, che indirizza gli Who verso un’alternativa differenziante di stile che li caratterizzerà da quel momento in poi, portandoli fuori dai tanti gruppi di capelloni del periodo, facendoli invece diventare un gruppo icona del “mod”. Un trucco che combinato al loro stile musicale, anticonformista e dissacrante, farà emergere The Who come la terza band inglese più importante di quegli anni. I rockers del tempo preferivano le motociclette rombanti, causavano risse e vestivano alla Marlon Brando; The Who, al contrario, portavano i capelli tagliati alla francese, indossavano giubbotti parka, pantaloni stretti e mocassini, andavano in giro con la Lambretta o con la Vespa e avevano soldi in tasca per le anfetamine, insomma sembravano bravi ragazzi, ma in realtà erano dei gran casinisti. Come quella volta che Keith Moon fu arrestato e bandito da tutti gli Holiday Inn d’America per aver tentato di scappare rubando una Lincoln Continental, durante il party per il suo ventunesimo compleanno finendo in piscina con tutta la macchina, perché troppo sbronzo per riuscire a spin1973 also The Who contributed with one of their cornerstones “that celebrated - like no other work, sooner or later - an important part of the history of those 60s in England” according to The Post. Even recently Robert Daltrey, the band’s original singer, talks about the new album considering it as the best work from Quadrophenia “I think we’ve made best album since Quadrophenia in 1973” (even if the last disc they recorded is Endless Wire in 2006). The greatness of Quadrophenia, told in an exciting documentary of the Bbc “Can you see the real me?” is that also in this case, as it was for Tommy, the hyper creative mind of Townshend “gave birth” to another rock opera, which in this case, however, had the structure and the concept of a film. The protagonist of the story is Jimmy Cooper, a young messy and “mod” teenager, suffering from a form of “double” schizophrenia. The listener will learn that Jimmy has four different personalities that actually follow the four musicians perfectly based on their style. Already with the first published pieces, “The kids are alright” and “Can’t explain” the band was considered the first exponent rock band and promoter of “English mod”. In England in the 60s the Mod (abbreviation of modernism) was a youthful trend that embraced fashion, music, love for Italian scooters, and the consumption of synthetic drugs. To say it Peter Meaden’s way, the first The Who manager, “mod is clean living under difficult circumstances”.

It is in this period of youth protest that hair becomes the unconventional symbol, of breaking with the adult society. But the concept of the longhair has a very broad field of action: long-haired is the beat, long-haired is the bad Rolling Stones boy. Hence the intuition of Maeden, which directs The Who towards a differentiating style alternative that will characterize them from that moment onwards, taking them out of the many groups of long-haired of that period, making them instead become an icon group of the “mod”. A trick that combined with their musical style, unconventional and irreverent, will make The Who the third most important British band of those years. The Rockers of that time preferred the roaring motorcycles, fought and dressed in the Marlon Brando style; The Who, on the contrary, wore French-cut hair, parka jackets, tight trousers and moccasins, they went around with the Lambretta or the Vespa and they had money in their pockets for amphetamines, in short they seemed good guys, but in reality they were great muddlers. Like the time that Keith Moon was arrested and banished by all the Holiday Inns of America for having tried to escape by stealing a continental Lincoln, during the party for his 21st birthday, ending up in the pool with the whole car, because he was too drunk to succeed in pushing the brake pedal,

gere il pedale del freno, mentre la macchina scendeva dal garage in retromarcia.

I The Who non possono che ritenersi una leggenda del rock, con le loro contraddizioni, i loro eccessi da rock star, la genialità dei pezzi ancora oggi di ispirazione per molti colleghi rocker. Ma c’è di più. E’ una band trasversale ai periodi storici e alle condizioni sociali, sempre attuali e di tendenza. Un esempio lo è la famosa e fortunata “crime series” Csi, le cui sigle appartengono al genio musicale di questi signori oramai ultra 70enni. Gli ideatori di Csi, hanno scelto almeno tre dei pezzi dall’album del 1971 “Who’s Next”: Who are you per Csi- Scena del crimine, Won’t get Fooler Again per Csi Miami e Baba O’Riley per Csi-Ny. La celeberrima serie tv li ha rispolverati solo dall’inizio del 2000, ma per i cultori del rock, The Who sono “la miglior rock band live” di tutti i tempi, con più di 100 milioni di dischi venduti (i più famosi Rolling Stones 250 milioni e 300 milioni i Beatles) ed un primato ancora oggi ineguagliato per cui tutti i membri della band fanno parte individualmente di una delle classifiche di Rolling Stone, di cui tre nelle top ten di categoria e che sono state realizzate secondo le scelte dei lettori della rivista: Pete Townshend alla 10ª della lista dei 100 migliori chitarristi, Keith Moon alla 2ª tra i migliori batteristi di tutti i tempi e John Entwistle è al primo posto nella classifica dei migliori bassisti di tutti i tempi.

Oltre al tecnicismo musicale ci sono le lyrics delle canzoni. Leggere i testi dei brani degli Who ricorda che l’arte, in special modo la musica, è stata da sempre “strumento” delle lotte giovanili contro l’ingiustizia sociale e la politica oppressiva. Tra gli anni ‘60 e i ‘70 abbiamo la massima espressione di quel genere di musica totalmente schierato dalla parte dei più deboli. Dalla parte di chi non ha soldi per permettersi avvocati di riguardo o chi non ha la forza di uscire dai ghetti della classe operaia per migliorare la sua condizione. Allora una domanda ci assale: come mai nel periodo contemporaneo, fra guerre inutili, dittatori occidentali e orientali, politiche di immigrazione restrittive e scissioni europee, non si sentono, in radio o in tv, i nuovi gruppi musicali della controcultura contemporanea scendere in campo per coinvolgere i giovani verso una politica attiva? Rispetto ai monumenti del rock degli anni ‘60, gli artisti oggi schierati dall’una o dall’altra parte, sembrano solo accenni di tentativi promozionali di loro stessi, se confrontati ad un movimento liberatorio che negli anni ‘60 è riuscito a cambiare le coscienze, con una rivoluzione di massa ed un coinvolgimento di giovani artisti arrabbiati, che auspichiamo di rivedere presto sui palchi. S while the car came down from the garage in reverse.

The Who must be considered a rock legend, with their contradictions, their rockstar excesses, the genius of their pieces that still inspire today many rocker colleagues. But there is more. It is a band that is transversal to historical periods and social conditions, always current and trendy. An example is the famous and lucky “crime series” Csi, whose themes belong to the musical genius of these gentlemen now over seventy. The creators of Csi, chose at least three of the pieces of the 1971 album “Who’s next”: Who are you for Csi- scene of the crime, Won’t get fooler again for Csi Miami and Baba O’ Riley for Csi-Ny.

The famous TV series has been dusted them off only since the beginning of 2000, but for rock lovers, The Who are “the best live rock band” of all time, with more than 100 million discs sold (the most famous Rolling Stones 250 million and 300 million the Beatles) and a record that is still unmatched today, for which all the members of the band form part of one of the Rolling Stones charts, three of them in the top ten of the category and that have been made according to the choices of the magazine’s readers: Pete Townshend at the 10th position of the list of the 100 best guitarists, Keith Moon at the 2nd position among the best drummers of all times and John Entwistle is in first place in the ranking of the best bass players of all time.

In addition to musical technicality, there are the lyrics of the songs. Reading the texts of The Who songs recalls that art, especially music, has always been an “instrument” of youth struggles against social injustice and oppressive politics. Between the 60s and the 70s we have the highest expression of that kind of music totally deployed on the weakers’ side. On the side of those who have no money to afford good lawyers or who do not have the strength to leave the working-class ghettos to improve their condition. Then a question assails us: how is that in the contemporary period, between useless wars, Western and Eastern dictators, restrictive immigration policies and European splits, we do not hear, on the radio or on TV, the new musical groups of the contemporary counterculture who take the field to involve young people in an active policy? Compared to the 60s rock monuments, the artists now lined up on one or the other side, seem only hints of promotional attempts by themselves, of compared to a liberating movement that in the 60s managed to change consciousness, with a mass revolution and the involvement of young and angry artists, that we hope to see again soon on the stages. S