Mondo Sonoro diciembre 2020

Nº 290 Diciembre 2020 www.mondosonoro.com

SMASHING PUMPKINS, INTERNET MONEY, KIMBERLEY TELL, NATHY PELUSO, NAKANY KANTÉ, LA INQUISICIÓN ALIZZZ, TRAVIS, METZ, SILVIA PÉREZ CRUZ, NUEVA VULCANO, RIGOBERTA BANDINI, ASIAN DUB FOUNDATION, NICK CAVE

La M.O.D.A. La cuarta ola

KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD

KG

CD | LP 11/12/2020

STEVEN WILSON THE FUTURE BITES

CD | K7 | BLU-RAY | LP | LP LTD 29/01/2021

WWW.CAROLINEINTERNATIONAL.COM

7/Mondo freako

El mundo ha dado un vuelco, pero nada ha podido evitar que Internet Money hayan perdido su oportunidad. Para quien no los conozca (aún), Internet Money es un colectivo de productores estadounidenses que viven juntos y que se dedican a hacer lo que más les gusta: producir y grabar música. Hablamos con Taz Taylor, uno de sus fundadores, sobre “B4 The Storm” (Internet Money/Music As Usual, 20), su debut.

Internet Money Un estilo de vida P

“Los elementos del trap la van a permanecer en e, pr em música ya para si e el de la misma forma qu B” R& rock, el blues o el mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ara los que se acaban de sumar a la ola, ¿cómo definirías a Internet Money? ¿Es un colectivo de productores? ¿Un grupo de artistas? ¿Un proyecto artístico formado por varias personas?

Es un poco todo eso. Lo que ocurre con Internet Money es que no puedes meternos en una sola caja.

Somos un sello, un colectivo de productores, DJ’s…

Podemos hacer lo que queramos. Que se acostumbren al nombre de Internet Money, porque vamos a estar haciendo muchas cosas en el futuro. Nunca seremos solo una cosa.

—Acabáis de lanzar un disco llamado “B4 The Storm” que está triunfando en las listas de éxitos. ¿Era algo que esperabais?

La verdad es que no me lo esperaba. De hecho, pensaba que venderíamos unas 10.000 unidades en la primera semana, pero no hemos bajado de las 22.000 por semana desde que sacamos el álbum. Hicimos “B4 The Storm” porque sentimos que ya era hora de hacer un disco y probar suerte. Queríamos hacer ver a la gente de lo que éramos capaces de hacer. Tampoco nos imaginábamos que “Lemonade” fuera a triunfar tanto; esa canción estuvo en mi ordenador durante tres años. La escribimos en 2017. Y aquí estamos ahora, siendo número uno en Reino Unido.

—Con toda esta locura tras el lanzamiento del álbum, ¿es esta la concepción del éxito que teníais en Internet Money una vez lo creasteis? ¿La finalidad de crear un colectivo había sido siempre lanzar un disco?

Que va, no tenía ni idea. No suelo ponerme objetivos específicos. Pero cuando estábamos confinados durante la cuarentena, era una forma de juntarnos y trabajar en algo juntos en casa. Y esa es la esencia de Internet Money: nos gusta hacerlo todo por nosotros mismos. Seguimos trabajando en ello y una vez que comenzamos a conocer más la industria y a los artistas con los que luego terminamos colaborando, de pronto se convirtió en un monstruo por su propia cuenta. Por eso digo que no nos pusimos objetivos con este álbum; surgió de forma natural.

—“B4 The Storm” cuenta con la participación de varios raperos de alto nivel como Future, Swae Lee, Juice WRLD, Wiz Khalifa… ¿Cómo surgen sus colaboraciones? Y más concretamente, ¿qué ha significado para vosotros poder colaborar con Juice WRLD? Todas ellas surgieron en diferentes escenarios y a raíz de diferentes situaciones. Obviamente tuvimos en cuenta primero a Juice WRLD, éramos fans de su

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diciembre 2020 #7

MONDO FREAKO

LA MÍA Prepotencia

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bre “Internet Money va so mo is m creer en ti go” y trabajar duro por al

música desde el principio. Hicimos esa canción con él y justo cuando se la íbamos a enviar terminada, Juice murió. Cuando ocurrió, la canción ni nos importaba, no sabíamos qué estaba pasando. Pero al final decidimos lanzarla y hacerlo bien. En cuanto a Kevin Gates, yo ya había trabajado con él hacía un tiempo y siempre le había admirado. Es un ídolo para mí, así que pensé que tenía que formar parte del álbum. Me dio su consentimiento para incluirle en el disco. Es una canción muy personal, así que para mí significa mucho que accediera. De Wiz Khalifa también había sido siempre fan. Respeto mucho todo lo que ha hecho. Me encanta lo fuerte que ha construido su carrera. Para mí, Internet Money tiene una esencia parecida, así que tenía sentido. Muchas de estas colaboraciones son relaciones orgánicas que terminan siendo amigos dentro del negocio. Lo que pretendíamos hacer con este álbum era precisamente estrechar lazos dentro de la música.

—En el álbum predomina el rap en la forma de componer, pero la producción se acerca al trap, género que actualmente está más en auge que nunca. ¿Creéis que se trata de una moda pasajera o de un estilo musical que ha llegado para quedarse?

Creo que la música está constantemente evolucionando. Siento que los elementos del trap van a permanecer en la música ya para siempre, de la misma forma que el rock, el blues o el R&B. Todos ellos son ahora influencias de otros géneros como el pop o el country. La música trap lleva aquí dos décadas, así que no creo que se vaya a ir a ningún lado. Creo que estará entre nosotros para siempre.

—Estamos atravesando una época en la que cada vez es más común lanzar simplemente singles sueltos cada mes, y desde Internet Money decidisteis crear un álbum completo de diecisiete canciones. ¿Cuál fue la razón?

Nosotros teníamos mucha música, así que pensé: “Vamos a pensar en una forma de reunir todo esto para la gente que quiere escuchar nuestras canciones”. No me gusta mucho la #8 diciembre 2020

idea de lanzar singles sueltos. Prefiero dar a la gente un puñado de canciones y dejarles decidir cuáles les gustan más o cuáles piensan que son las mejores.

—El título, “B4 The Storm”, hace referencia al momento previo a una tormenta. ¿A qué os referís con el concepto? ¿Tiene que ver con la situación actual en el mundo?

Teníamos muchas cosas planeadas para hacer este año, como un festival propio. Fue difícil cambiar nuestros planes, pero quería que el título del álbum representara que algo grande está aún por llegar por nuestra parte. En plan “¡la gente no sabe cómo va a flipar cuando lo escuche!”. El próximo no se va a llamar “The Storm” ni nada parecido. Simplemente estábamos alertando a la gente de que algo está por venir, y ahora mismo “Lemonade” demuestra que estábamos en lo cierto.

—Con esta crisis en la industria musical causada por el coronavirus, realizar giras mundiales o conciertos masivos no es posible, de momento. ¿El dinero lo da ahora Internet, tal y como afirma vuestro alias? ¡Sí, supongo que, de alguna forma, lo predijimos!

—Del mismo modo, surgen cada vez más plataformas digitales como TikTok que generan mucho contenido online y, en consecuencia, beneficio económico. ¿Habéis tenido en cuenta el potencial de las redes sociales a la hora de construir Internet Money?

No, no tenía ni idea sobre ello. No me importaba lo grande que fuera nuestra audiencia o cuánto dinero estábamos ganando cuando creamos Internet Money. Todo empezó como un proyecto nacido de la pasión y hecho para disfrutar nosotros. Pero supongo que ahora cualquiera puede identificarse con él. Internet Money es un estilo de vida. Incluso si no ganas dinero a través de Internet, sigue siendo un estilo de vida. Va sobre creer en ti mismo y trabajar duro por algo. —ÁLVARO TEJADA

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FOTO: ARCHIVO

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ay días en los que me levanto de un humor excelente. No importa si la lluvia arrecia en las calles como hoy, porque veo la vida con un optimismo tal que, quienes no me conozcan, podrían incluso pensar que tiene mucho de forzado. Les voy a confirmar que no es así.

Soy de esos ilusos –quién sabe si por tontos o por esperanzados– que piensan que todo esto vale la pena. Luchar por difundir la música de otros, por apoyar a aquellos artistas que empiezan, a aquellos con trayectorias que deben mantenerse en la actualidad o sencillamente a gente que nos apasiona. Lo que ocurre es que hay otros días en los que me levanto con el pie cruzado, ya saben. Y esas mañanas auguran jornadas completas en las que ya que no voy a estar tan contento con todo esto. Conociéndome, podría pensar que se trata de mi carácter, que sencillamente es una bajada ante tanta euforia. Pero permítanme que les confirme, también en este punto, que no es así. Lo que ocurre es que uno se harta de ver día tras día que, en infinidad de ocasiones, se toma nuestro trabajo como si el de una ONG se tratase, o peor aún, como si estuviésemos obligados por una ley intangible a escribir sobre la música de tal o de cual sencillamente por el hecho de que la hagan y la lancen al mundo. Y mira por dónde, pero de obligaciones adjudicadas por decreto, las justas. MondoSonoro es un medio independiente y privado que vive de la publicidad y que mira hacia sus lectores, y resulta de lo más ofensivo observar la prepotencia con la que muchos artistas y sellos consideran que debemos rendirnos a su grandeza. Solemos prestar atención a una larguísima lista de solistas y grupos, pero sirva esta breve columna de opinión para decir alto y claro que no estamos obligados a escribir sobre absolutamente nadie si no nos apetece. Aunque a algunos parezca que, a estas alturas, todavía les choca. A eso, para acabar de tensar la cuerda de mi corrección, hay que sumarle además que buena parte de esos casos están protagonizados por artistas (y sellos) que jamás nos han apoyado como medio, que jamás se han anunciado en nuestras páginas, que jamás nos han abierto las puertas a proyectos interesantes, que juegan a subastar exclusivas y entrevistas entre cabeceras como si el mundo viviese de su magnanimidad. Pero la gota que colma el vaso llega cuando ni siquiera son capaces de dirigirse a nosotros con buenas palabras, algo que ya supera cualquiera de mis peores expectativas. Me gustaría decirles nombres, pero ni ese espacio les daré. Soy ya muy mayorcito para aceptar exigencias de quienes ni siquiera son capaces de respetarnos y respetar nuestro trabajo. Gente prepotente que, en cambio, sí reclama para el suyo una atención y un trato que, mira por dónde, cada día me apetece menos dispensarles. Quienes me conocen saben que soy una persona con la que, por lo general, suele resultar sencillo tratar, pero que me tomen por tonto es algo que no está en mi agenda. —JOAN S. LUNA

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MONDO FREAKO

Ha colaborado con Sidonie, ha versionado a Mecano y sobre todo ha publicado singles y el EP 135 (Sony, 20), haciéndose con un lugar más que prometedor en la escena pop estatal. Con ella charlamos sobre su momento actual.

N

aciste en Lanzarote con ascendentes daneses e ingleses, luego fuiste a Gran Canaria, estudiaste en Barcelona, ahora vives en Madrid... Cuéntame ese periplo.

Sí, sí. Hice Bellas Artes en Barcelona, y cuando acabé empecé a hacer un curso de interpretación. Al año me salió mi primera prueba, era solo para un capítulo, pero ya me mudé a Madrid. Y en cuanto a mundo musical, yo había escrito muchas canciones, pero nunca me había lanzado a ello de forma pública. Pero tuve un parón de trabajo como actriz, que en este mundo a veces pasa, y quise invertir el tiempo en aprender a producir, poder hacerme mis propias maquetas, ¿sabes? Como actriz dependes de que la gente te elija para proyectos, cuando acaba un proyecto estás en la intemperie hasta que te llamen otra vez, no tienes mucha libertad con tus trabajos... Con la música puedes estar siempre creando, y tienes mucha más libertad. Con la música me siento orgullosa porque por primera vez estoy haciendo algo mío, es la música que

Kimberley Tell La cama y la vida

quiero hacer, es la imagen que quiero tener. Con la música he podido mostrar al cien por cien quién soy.

—He visto esta misma mañana un reportaje que te han hecho en Vogue, uno de estos de “En casa de...”

Sí, es que Inés de León me escribió. Le encantaba mi música y quería hacer algo conmigo... Me pareció guay esa idea de hacerlo con esa sección, enseñando también donde hago mi música y todo. Además estaba yo ahí encerrada en la cuarentena, que vaya suerte el haberla pasado en Lanzarote. Me imagino haberla pasado en este piso tan pequeño y madre mía... (ríe) —El EP se llama 135, por las medidas de una cama. Y precisamente vi una entrevista tuya con un pedazo de titular: “la cama es una oda a la vida”.

(Ríe) ¡Es que es verdad! La cama me parece un símbolo de la vida total, pasa de todo allí. Despiertas y te vas a dormir allí, casi la mitad de nuestra vida la pasamos allí. Pero pasa de todo: dormir y no poder dormir. Tus ansiedades, tus pensamientos, ése es el lugar en el que les prestas atención, donde conectas contigo. Y amores, desamores... Todo pasa por ahí. Es una especie de autorretrato a través de pequeños momentos cotidianos. Me pareció guay que el álbum fuese contar esa etapa de mi vida a través de la cama.

—La producción es uno de los grandes atractivos del EP, siempre con un papel discreto para darle protagonismo a tu voz y tu forma de cantar, pero sin que “discreto” signifique “intras-

cendente”, que es un equilibrio difícil.

Hay desde toques más r&b, los dejes synth de Un altar, y en general un ambiente bastante bedroom pop, que se ve muy claro en Gastando horas. ¿Tenías claro que querías ir por estos caminos?

Sí, el bedroom pop me encanta, Cuco, Clairo... Son una pasada. Yo tengo muchas referencias un poco dispares, pero que para mí tienen todo el sentido y la coherencia del mundo. No digo “voy a hacer una canción tal”, sino que le vas añadiendo elementos, y al final sale la canción. Me gusta mucho también Frank Ocean, SZA, Kali Uchis, BROCKHAMPTON... Pero creo que me influyen tanto las referencias actuales como lo que escuché antes, cuando pasé por la etapa Metronomy, Tame Impala y Mac DeMarco. Incluso lo que escuchaba con diez años.

—Vi que para la producción habías contado con Matías Eisen. La verdad es que no le conocía, pero investigando he encontrado que ha trabajado bastante como productor en Argentina, y que aquí en España ha sido bajista de Najwa Nimri, Coti o Julieta Venegas, además de sacar un debut propio

hace unos años. ¿Cómo conectasteis y por qué le elegiste para trabajar en el álbum? ¡Pues justo le conocí por Najwa! Hice una obra con ella, Drac Pack, y un día me presentó ella. Así que nos seguimos en Instagram, nos decíamos un “oye, ¡a ver si hacemos algo!”, y un día que nos encontramos en un cumpleaños salió el tema de “¿te apetece que probemos a ver qué tal?”. Pero sin saber que íbamos a acabar haciendo un disco. Nos íbamos pasando cosas, aprendiendo el uno del otro, buscando sonidos, y acabamos haciendo muchas canciones. Ahora ya nos entendemos mucho, tenemos nuestro banco de sonidos, etcétera. Es muy guay cuando construyes esa relación.

—Los streamings de Lo que no me dices, usada en Élite, son brutales, pero también los de la versión que hiciste de Hoy no me puedo levantar de Mecano para la serie. Falta un cameo tuyo en la serie.

(Ríe) ¡Ojalá! Ojalá, ojalá, pero de momento no ha pasado nada.

—PABLO TOCINO

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do “Con la música he podi en mostrar cien por ci quién soy” diciembre 2020 #9

Soleá Morente (Evento ¿A qué suena tu cerveza? Teatro Lara, noviembre 2020)

Rocío Márquez (Posidonia, noviembre 2020)

SON Estrella Galicia

Otro año de resistencia y incondicional a la música #10 diciembre 2020

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PUBLIRREPORTAJE

Con más de once años a sus espaldas, el proyecto lleva el amor a la cerveza y la música a otro nivel, promoviendo las experiencias musicales en España y fuera de nuestras fronteras

Holy Fuck (agosto, 2020)

D

esde hace más de una década, cuando SON Estrella Galicia empezó a recorrer su camino, se han tenido claras las directrices para que este proyecto funcionara. Resistiendo contra la estandarización de la música, se ha apoyado a los nuevos artistas nacionales e internacionales dándoles visibilidad ante más de 350.000 espectadores en los más de 1.200 conciertos en los que se han involucrado.

Desde su nacimiento, SON Estrella Galicia ha sido toda una oportunidad para los nuevos artistas, proporcionándoles escenarios donde sorprender a un público ávido de nuevos sonidos con sus propuestas musicales.

Tanto es así que no sólo se ha dado respaldo a más de un millar de conciertos, sino que hasta cuentan con un festival propio que concentra por completo la filosofía de todo un proyecto: SON Estrella Galicia Posidonia, celebrado en Formentera, es toda una declaración de intenciones en la que música y cerveza van de la mano en un entorno inigualable.

Jorge Drexler (Streaming, julio 2020)

apoyo

Incluso este 2020 en el que la música en directo ha atravesado grandes dificultades para sobrevivir, dejando la industria muy dañada con pérdidas muy elevadas e incertidumbre, Estrella Galicia ha sabido reinventarse, adaptarse y, en una palabra, resistir, dando una respuesta rápida, ágil y digital a esta provisionalidad en que la música se encuentra. A través de streamings de conciertos, se retomaba la actividad del live continuando la línea marcada en años previos de propuestas musicales ambiciosas en las que se contaba con la presencia de artistas nacionales e internacionales. De este modo, el primer día de confinamiento ya se lanzó esta nueva iniciativa y hasta hoy han pasado por los streamings de SON Estrella Galicia grupos

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como The Posies, La habitación roja, Big Star, Emma Pollock, Micah P. Hinson, Mattiel, Kimberley Tell, Marem Ladson, Fantastic Negrito, Alexis Taylor, Diamante Negro, Elle Belga, Choley, Sam Amidon, Alondra Bentley & Nine Stories, Dorian Wood.

Sin embargo, la propuesta ha ido más allá con todo tipo de iniciativas en las que la música y la cerveza han sido las auténticas protagonistas. Ya en abril, aún en pleno confinamiento, se promovió el formato Sound Crafters, un concurso de creación musical en el que la cultura de la cerveza se mantenía muy presente. El streaming ha sido el mejor compañero de viaje a lo largo de este año y gracias a él, en mayo, se llevaron a cabo catas de cerveza y la que fue la primera presentación de un disco, de Triángulo de Amor Bizarro, en directo en Internet.

De este mismo modo, pudo celebrarse en junio el festival intercontinental Sound Brewing Festival reuniendo a artistas como Califato ¾, Hotelo y Laura LaMontagne o, ya en julio, la entrevista y el directo de Jorge Drexler, uno de los streamings mejor producidos y más cuidados a nivel global, con una repercusión de más de 700.000 visualizaciones.

Esta era la forma de poder seguir haciendo música en directo y seguir llegando al público, manteniendo este empeño por darle a la música en directo el puesto que reclama. De hecho, a lo largo del año se ha podido disfrutar de iniciativas como el propio SON Estrella Galicia Posidonia que, celebrándose el pasado 19 de noviembre, se convertía en el primer festival inmersivo de pago. En esta atípica cuarta edición colgó el cartel de sold out en los 150 packs que salieron a la venta con los que se podía disfrutar del acceso al festival virtual -con actuaciones de artista como Rocío Márquez, Lorena Álvarez y Marina Herlop-, una beer box y una taste box con cervezas y conservas premium.

De este modo se certificaba el éxito de esta forma de celebrar festivales de música a la vez que se mantenía la colaboración con Save Posidonia Project, aportando los beneficios de cada pack para contribuir en la conservación de la pradera más grande del Mediterráneo.

Pero no fue el único: otras iniciativas como el Resurrection Fest Estrella Galicia, cuya campaña -con el hashtag #elresuEGresiste- se coló entre los Trending Topics, siendo uno de los temas más comentados en redes, o el Monkey Week SON Estrella Galicia, que pudo disfrutarse en abierto desde YouTube.

Afortunadamente, también han podido vivirse experiencias analógicas -o presenciales, como prefieran llamarlo- en las que, con el sello #SafeStage, se garantizaba la seguridad en los conciertos. Gracias a ello han podido tener lugar experiencias, bien en forma de conciertos como los de Califato ¾ el pasado 19 de noviembre o de Los Estanques el próximo 10 de diciembre, o bien en forma de Masterclass, como la que brindó Diego El Cigala el pasado mes de julio en el madrileño Café Berlín. Por su parte, Soleá Morente y Paco León presentaron el 30 de noviembre -esta vez a través de los canales digitales de SON Estrella Galicia- el videoclip de la cantante, dirigido por uno de los actores y cineastas más reconocidos a nivel nacional.

Este año 2020 no ha sido fácil para la industria del directo, pero desde SON Estrella Galicia se ha ido un paso por delante y se han reorientado todos los planes en tiempo récord hacia las experiencias digitales. Gracias a la capacidad de adaptación y al trabajo de Estrella Galicia, la música en vivo que no sigue reglas ni estándares ha resistido y seguirá resistiendo. Y lo hará, cómo no, con una cerveza en la mano. n diciembre 2020 #11

Dirty Projectors 5EPs

The Kills Little Bastards

CD | 2LP | 2LP LTD

CD | 2LP | 2LP LTD – 11.12.2020

Seamus Fogarty A Bag Of Eyes

Young Marble Giants Colossal Youth 40th Anniversary

CD | LP | LP LTD

2CD & DVD | 2LP & DVD | 2LP & DVD LTD

dominomusic.com

Rigoberta Bandini Single a single

MONDO FREAKO

E

l nombre más rimbombante y el sonido más sintético son una de las sorpresas más intensa del año. Rigoberta Bandini, alias de Paula Ribó (ex The Mamzelles, actriz y dobladora), mancillado de un álter ego de John Fante, es la mezcla entre ABBA, Lana del Rey y Gigi D’Agostino. Solamente unos pocos temas, difíciles de encasillar, y ya está en boca de Javiera Mena o Mónica Naranjo. La catalana gasta de una electrónica trascendentalista y algo dicharachera; ingredientes que la convierten en el compañero de viaje ideal para el momento presente. La banda sonora real de un tiempo crudo como el de pandemia: búsqueda espiritual y brillibrilli. De luto pero disfrutones.

—Lo petaste en verano, pero la aventura viene de más atrás.

Hace más de un año que empecé. Yo tengo cosas en mente y con el Garage Band hago siempre una pequeña apuntalación. Pero sin los productores con los que he currado no soy nada. La producción la hizo Fluren y Santos la mezcló y estuvimos dos meses adelante y atrás, y encontramos “Two Many Drugs”. Bien rara.

—¡Y tan rara! “¿Cómo querías que te entendiera?”, me decían. [Ríe] Sabía el tipo de emoción, pero no que eso se traduciría en electrónica y luego en Río de Janeiro.

[Ríe] Luego vi que lo que busco existe, esa melancolía, la música de bailar y llorar a la vez. Una vez tuve un tema, ya solo tenía que intuir para que todo tuviese “coherencia”.

—Lo has hecho con Esteban Navarro (Cheeto’s Magazine) y Stefano Macarrone (Mendetz). Difícil lo de la coherencia con ellos, pero en buen ambiente, seguro.

[Ríe] Ya la segunda canción la hice en casa con Esteban, que es mi pareja. Con él nos entendemos bien. Él me creó la base de Franco Battiato. Y luego ya nos pusimos con Stefano. Yo no soy nada

sin ninguno de ellos. Yo ofrezco los acordes y meten más cosa, lo enriquecen. Luego, en el estudio me gusta estar presente y pesada. No sé decir qué quiero: “No puedes Billie Eilish y luego ABBA”. Pero quiero un poco de las dos.

Y siempre al principio es “qué pesada”, pero a la que entramos a entendernos es un sí rotundo. Me gusta el trabajo en equipo. Cuando encontramos el caminar de “In Spain We Call It Soledad”, Stefano se volvió loco.

—Y la voz, ¿cuándo entra en juego?

La voz sería una tercera fase. Mi formación es de actriz y cantante y he trabajado mucho para ponerme delante del micro.

—De interpretación pop a susurro confesional (“Que Cristo baje”). Saltos grandes.

A mí me encanta el contraste. Y es ahí está lo guay de la obra de arte: el equilibrio. Ahí me atrapas. Pero creo que en la música nos hemos pasado del otro lado, de lo oscuro. La gente está sedienta de cosas normales y emotivas.

—Lo está incluso Mónica Naranjo.

Estoy contentísima con eso. Es un honor que le guste. La verdad, después de “In Spain We Call It Soledad” he notado un “boom”. La canción se ha medio viralizado. Pero aún la máquina me puede dar muchas sorpresas. Es un proyecto en el que he depositado mucho cariño y no es algo que haya hecho para mí solamente: quería que llegara a la gente. Pero conseguirlo cuesta.

Estaba embarazada, además, en el proceso. Tal vez por ello no tenía prisa ni presión. Quería sacar música, y ver cómo las semillas florecían.

—Contrasta la buena acogida que han tenido los temas con el poco interés en la estrategia comercial.

A nivel comercial, no tengo ninguna conciencia de estrategia. A nivel personal pienso, o quiero creer, que me ha cogido en un muy buen momento.

En el que soy muy honesta conmigo misma, quiero hacer las cosas como las siento. No quiero decir que en otros momentos me haya vendido, pero sí que hay algo que ha hecho “click”. Se junta un cambio vital con esto, con la meditación y estar más conectada con lo que quiero transmitir.

—¿Eso se traduce en autoconfianza para hacer lo que te venga en gana?

Es muy guay hacer las cosas desde una honestidad máxima. Todos tenemos un color único, y si conectamos con él, somos inmunes a las críticas. A mí ahora me puede saber mal que me critiquen, pero soy esto. Eso te hace mucho más fuerte. Una de las peores torturas para los artistas son los miedos a la crítica porque todos somos grandes jueces de otras obras. Pero si

la tuya sientes que tiene que ser así, porque eres así, creo que no te afecta tanto el qué dirán.

—¿Tiene sentido sacar un largo si ya te va tan bien con singles?

En algún momento me gustaría. Siempre hace ilusión. Tiene algo emocional muy chulo, tener siete temas en tu casa con un envoltorio. Me parece bonito y es muy del siglo XXI sacar singles como quien saca ‘stories’... Pero me da un poco de palo, aunque me beneficie de ello, la efectividad del single.

Igual en 2021 me entra la neura. Ahora tengo canciones de su padre y su madre que quiero sacar con mucha libertad. Igual quiero centrarme e irme un mes al campo con mi familia y ponerme con ello. Creo mucho en el retiro para un álbum. Tarde o temprano.

—Hinds decían que siguen faltando referentes de bandas y mujeres madres.

Está en tus manos no perder la identidad. Hay que tener buena compañía. Es un trabajo de pareja que incluye a una persona nueva. Pero se puede seguir.

—YERAY S. IBORRA

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r “Hago música de bailaz” y llorar a la ve

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FOTO: ARCHIVO

Apenas un puñado de temas y ya ha sumado simpatías de Javiera Mena o Mónica Naranjo. Un trecho entre una y la otra, sí. Eso dice mucho de su ductilidad: ABBA o Gigi D’Agostino. Todo cabe en la electrónica trascendentalista de Rigoberta Bandini, un alias difícil de memorizar, pero que quedará. Tras él, hay honestidad brutal. Ahora acaba de publicar “Cuando tú nazcas”, su particular relectura de una pieza de Beethoven adaptada por Mocedades en clave bailable.

diciembre 2020 #13

ENTREVISTA

Al disco debut de Nathy Peluso se le podía pedir poco más que versatilidad. Cumple con creces.

“Calambre” (Sony, 20) es un largo que pasa del tango al rap de los noventa sin despeinarse, y que transita también por trap o salsa. Reciente nominada a los premios Grammy, la argentina habla sobre ciclotimia, empoderamiento y OT. —TEXTO Yeray S. Iborra

H

a hecho de la manzana alrededor de su piso una extensión de su casa. Adora una terracita compartida por un lugar de desayunos y un frankfurt. Después de pasar un confinamiento sola en una ciudad desconocida, Nathy Peluso ha podido hacerse suya Barcelona. Sobran sillas en el chaflán, pero a la argentina le falta espacio: viene eufórica. La acaban de nominar por partida doble a los Grammy. Y estrena su esperado debut, “Calambre”. Tras dos EP’s que la colocaron en la picota, un confinamiento pudo poner en jaque su carrera. De hacer las maletas para ir a Lollapalooza a encerrarse en su hogar recién inaugurado. Solo puede –dice– “dar gracias” y disfrutar, más si cabe, de lo terrenal.

—¿Zumo de naranja o Coca Cola?

Por las noches dicen que el zumo de naranja es lo peor que te puedes tomar. Oye, y si no, nos pedimos un frankfurt. ¿El tuyo está bueno?

—El zumo… Ácido.

No compro. [“Perdona, ¿tienes churros?”, le suelta al camarero] Aquí venden buenos perritos calientes. [“¿No hay churros? Coca Cola con hielo y limón, ¿‘why not’?”]

—No duermes hoy. ¡Pero si me acaban de decir que me han nominado por partida doble a los Grammy!

—Grammy, palabras mayores. Pero “Calambre” no ha ido a la vía comercial...

Ponerlo fácil me aburre bastante.

—¿Si te nominan a un Grammy, que sea por algo en lo que crees?

La verdad no hay nada en este disco premeditado. Lleva mucho fraguándose. Mi forma de componer no es: tengo este proyecto, voy al estudio, etcétera. Compongo constantemente. Estaba en la gira eterna que tuve antes del encierro. Y esas canciones que fui pensando se fueron desarrollando a la vez. Este disco no refleja una etapa concreta, sino muchas. Igual no me sale, de esencia, hacer cosas que no esperen de mí. Me gusta la ironía, jugar. Divertirme. Las sorpresas. Me gustan los puntos de fuga para que yo misma u otros los deformen.

—Se te escucha muy cómoda del tango del primer tema al giro hacia Missy Elliott. Perdón que insista, ¿te sale solo romper o piensas en romper?

Si se escucha así de simple es porque a mí no me resulta complejo. Tengo la posibilidad y la astucia de hacer una canción clásica como “Buenos Aires”, un desarrollo lineal. Pero llega un punto que orgánicamente necesito hacer algo diferente. Va en mi naturaleza. #14 diciembre 2020

Varied

“Agárrate” son dos canciones paralelas que han ido conviviendo hasta que me pareció gastar una oportunidad sacarlas por separado. Un sentimiento tan potente como el dolor de una ruptura, como propone el tango, y que deriva en otra sensación… ¿Por qué no? No siempre estás triste. Ese eco está en la música. La naturalidad de los hechos. De lo triste a la intensidad. Yo soy así. Se ve en mi música, hay cambios de humor.

—Es ciclotimia de Natalia, no de Nathy.

Sí, pero conviven tanto que no las diferencio. Me sale solo. Nada de mis composiciones está premeditado más allá de hacer de mi música diferencial.

—Que el disco tuviese una línea del tiempo tan larga, supongo jugó a favor de tanto cambio, ¿no?

En el disco hay mucha variedad de momentos, estilos, productores, músicos y Natalias.

—¿Pensaste en la idea del “mundo es Spotify” y puedo hacer algunos “hits” y fuera?

No estaba planeado. Lo único que está planeado es que el disco tuviese la mayor calidad musical posible. Todo lo que pude, lo exprimí. Decidí componer desde la inteligencia y cuidar las letras.

Decidí hacer un disco con mimo; todo lo que viene a partir de ahí, es cuestión de organización.

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MONDO FREAKO

—Comentabas el tema de la pandemia. Vivirla aquí en Barcelona,

dad

que “No tengo miedo de lo me sale por la boca”

Nathy Peluso “Buenos Aires”... Todo el mundo me decía que era un tema de disco y no un single, y lo luché.

—¿Por qué?

Casaba mucho con el momento que estábamos viviendo y creía mucho en la canción como canción. Como clásico. “Buenos Aires” me recuerda a la sensación musical de cuando escucho clásicos. No está dentro de los parámetros de mercado que parecen funcionar, y me pone contenta cuando no le hago tanto caso a esas cosas. Desde que empecé mi carrera, siempre escucho a mi intuición. Voy fluyendo. Empecé escribiendo las canciones en gira en España, fui al estudio, las llevé a Argentina, las llevé a Los Ángeles, y luego a Miami, y luego me encerré aquí…

—Y adiós planes.

Si existía algún plan, desapareció. Por eso decidí sacar “Buenos Aires”. Luego “Sana sana”, a la que también le tenía mucha fe. Y si funcionan como single es porque son buenas. Si una canción es buena la gente conecta. Cuando está todo muy planeado, se mecaniza. Y me gusta vivir mi propuesta desde lo efervescente.

—Tus oyentes se han acostumbrado a los “brakes”. Lo de Operación Triunfo mismo.

Yo aprovecho todas las oportunidades, aunque no tengan mi perfil. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

sola… ¡Solísima!

—¿...Te hizo plantear si al disco le faltaba algo?

No me arrepentí de nada de lo hecho. Conecté aún más. Me sorprendió. Porque lo hice todo en una vorágine de estrés y al parar me di cuenta de que lo amaba aún más. Me faltaba el cincuenta por ciento del disco, ¡las voces! Armonicé en mi casa. Trabajé muy duro y en una dinámica muy diferente, con un ‘home studio’ instalado por mí misma. Todo me hizo acumular unos recuerdos de aferro a mi disco que quizás sin pandemia no hubiese tenido. Porque me estaba yendo a Lollapalooza en pandemia, a Coachella, trajes, viajes, ¡no tenía tiempo de grabar voces! Desde el lado positivo, me dio muchas oportunidades creativas. Gracias a la cuarentena tengo un recuerdo más de tú a tú con mi disco: es mi amigo. Esa música me revisitó y me enseñó cosas que no recordaba y pude ejecutar de la mejor forma.

Con tiempo.

—¿En algún momento tuviste miedo de que tu carrera, en clara ascendencia, se fuese a tomar viento?

Obviamente. Soy humana. Tengo mis inseguridades. Tuve momentos de temor pero los supe apagar, tranquilizándome. Sabiendo que no está bien caer en el dramatismo; necesitamos la música para vivir. La música es una herramienta sanadora. Si realmente estás haciendo las cosas de corazón, es imposible que eso sea caduco. Siempre estará. Aunque sea en unos pocos. Siempre me preocupó la pandemia, pero me aferré a que tengo el privilegio de ser músico; trabajar con la música es trabajar con una herramienta de la naturaleza que trasciende el ego y el dinero. La ‘plata’, si no la gano con la música, lo haré de otra manera. Ya me las rebuscaré. Gracias a Dios, la cosa me va bien, la gente me apoya. Fue una grata sorpresa, siento que crecí en la cuarentena…

—¿Sí?

Me aferré a un lado muy intimista y la gente conectó. Dar “Buenos Aires” fue un acto de amor, y mi público conectó y se solidificó.

—Decías antes del estrés. Hay una cierta reactivación. Estás con la promo, al menos. Descubriste con la pandemia otra forma de vivir esta carrera, ¿lejos del estrés?

Sí, pero...

—Se olvida rápido…

Sabía que iba a ocurrir. En cuanto se abren las puertas, uno vela por la seguridad de su negocio, de su vida, de su gente. Pero lo que me afectó a mí como mujer y como trabajadora es que me hizo ser más agradecida con todo. Yo ya de por sí soy una mujer agradecida respecto a todo lo que me da la vida; sin eso no estaría donde estoy, pero por culpa del estrés empecé a dar por hechas algunas cosas. Una se sitúa en un lado en el que sí, va en modo automático. Y que me sacaran todo de repente: adiós equipo, adiós festivales, adiós viajes.

—Google Calendar a cero.

Sola en tu casa, escuchando tu disco y sin salir. Vivir tranquila la pandemia ya fue un privilegio, tener mis ahorros para poder estar bien. Y muy agradecida cuando se reactivó todo por seguir teniendo oportunidades. Cuando me llaman para una entrevista, para un concierto…

Me agarra una felicidad triplicada. Vi lo que podía ser perder esto. Yo ya no lo olvidaré jamás. Ahora tengo un escudo de agradecimiento que no dejaré escapar. Aunque soy capricorniana, adicta al trabajo...

Cuando empecé a la rueda... En fin, doy gracias porque la gente tenga hype con mi disco.

—¿Hay líneas rojas en los temas que tratas?

No, pero me hago responsable del canal que supongo para algunas personas. Necesito mandar mensajes para mi público. Y si tengo el privilegio de poder contagiar a la gente un poco de garra, de fuerza, de esperanza, de alegría, ‘che’. Me hago cargo. Pero nunca planeando mucho. “Sana sana” es muy social y creo que conseguí que tenga esa garra, pero no es algo que yo planease. Me invade el concepto. Y no tengo para nada miedo de lo que me sale por la boca. —Y.S.I.

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diciembre 2020 #15

Las obsesiones

The Smashing Pump

#16 diciembre 2020

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de Corgan E

pkins

El vehículo de las misteriosas y personales obsesiones de Billy Corgan reaparece con “Cyr” (Sumerian Records, 20), un doble de veinte canciones, un cuarto de siglo después de “Mellon Collie And The Infinite Sadness”.

—TEXTO JC Peña

ENTREVISTA

l de Illinois está a tope. No sólo es el líder de The Smashing Pumpkins, sino empresario de wrestling y dueño de un restaurante en Chicago. Más de dos semanas cuesta conectar vía Zoom con él, pero al final se consigue como un triunfo.

Y ha merecido la pena: cuando se rompe el hielo (las tibias críticas de su anterior trabajo, con el que recuperaba al batería Jimmy Chamberlin y al guitarrista James Iha, quizá tocaron su orgullo), el inquieto cerebro detrás de The Smashing Pumpkins se sincera con naturalidad del Medio Oeste sobre diversos asuntos: de la importancia de lo onírico en sus composiciones a sus héroes musicales, el peso del éxito de sus primeros discos o la clamorosa ausencia de liderazgo respecto a la pandemia.

La excusa es el ambicioso, futurista y deliberadamente disperso “Cyr”, cuyos veinte cortes pueden intimidar, pero que, prejuicios a un lado, contiene algunos de los momentos más pop e infecciosos de la larga y turbulenta historia de una banda inclasificable para bien y para mal. Efectivamente (aviso a nostálgicos irredentos), “Cyr” son The Smashing Pumpkins en 2020, no en 1994. ¿Podía ser de otra manera?

—Cada disco nuevo es especial, pero me da la impresión de que éste debe serlo aún más. ¿Me equivoco?

Bueno, creo que cualquier disco en el que trabajo mucho, especialmente cuando sale bien, es muy especial, porque pongo en él todo. En este caso…sí, tengo la sensación de que es importante. Aunque es difícil cuantificarlo ahora, el tiempo dirá: es la Historia la que acaba determinando cuáles son los álbumes buenos y cuáles los que no lo son tanto (se ríe un poco). Es difícil de decir, pero me siento bien.

—¿Por qué un doble disco justo ahora? Leí en una entrevista que el anterior (“Shiny And Oh So Bright, Vol. 1”) iba a serlo en un momento dado, pero que al final no fue así.

Un disco largo me fuerza a explorar más territorios musicales. También, de algún modo, me empuja a pasar ciertos límites en busca de nuevos sonidos. Porque si te limitas a hacer, digamos, diez canciones, es fácil que acabes metido en un territorio confortable de ideas. Ahora bien, si tienes veinte canciones como en “Cyr”, vas a tener que acabar haciendo cosas de las que no estás totalmente seguro. Pero eso no está mal, es bueno, porque te vas a tener que preguntar a ti mismo algunas preguntas difíciles. A mí me gustar estar en ese espacio.

—Son veinte canciones enormemente diferentes. Aún así, está repleto de detalles. ¿Dirías que ha sido tu disco más difícil de hacer, o uno de los más difíciles en cuanto al sonido?

No, no fue difícil de hacer, pero llevó mucho tiempo. Si algo fue difícil fue más que nada por la cantidad de trabajo que llevó, pero lo disfrutamos mucho.

—No sé por qué, pero al oírlo me ha venido a la cabeza un disco como “Kiss Me Kiss Me Kiss Me” de The Cure. Quizá por la variedad de sonidos y emociones que despliega. ¿Tuviste alguna inspiración concreta?

En realidad, no. Creo que he hecho cuatro discos dobles, o algo así, en mi vida, y creo que cualquier cosa que tuviera que pensar sobre los dobles la pensé hace muchos años. Cuando hice “Mellon Collie…” pasé mucho tiempo estudiando álbumes dobles, pero desde entonces no le presto mucha atención.

—¿Dirías que la mejor manera de disfrutar de “Cyr” es escucharlo de principio a fin, o eres realista respecto al modo en que se oye música hoy y el déficit de atención generalizado en que vivimos?

No asumo que a estas alturas la mayoría de la gente oiga

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diciembre 2020 #17

ENTREVISTA

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discos del principio al fin. Yo los sigo haciendo con esa idea en mente, pero no doy por hecho que se vayan a oír de esa manera. Lo que es verdad es que a mí oír el disco del principio al final me mete en una especie de viaje. La primera mitad parece que es más clara y, según avanza, se va haciendo más brumoso y difícil de entender. Se hace en muchos aspectos menos familiar, lo cual hace que sea un viaje interesante que emprender. Cada vez que lo escucho oigo y siento cosas distintas, así que no tengo todavía una opinión más allá de que a mí me provoca algo cuando lo oigo según está secuenciado.

—Hablando del sonido: parece claro que tu intención desde casi siempre es sonar contemporáneo e incluso futurista. Es algo que choca, teniendo en cuenta la cantidad de gente que se inspira en el pasado y quiere sonar como en los sesenta, setenta u ochenta. Mi pregunta es: ¿qué importancia le das a sonar moderno?

Es una pregunta interesante, porque nunca me consideré otra cosa que un artista contemporáneo, pero en cierto momento las expectativas sobre mi música empezaron a pedirme que dejara de serlo. Y es una cosa extraña, porque por un lado te sientes muy orgulloso de cómo tocas la guitarra y cómo haces música de guitarras, pero al mismo tiempo no nos sentimos obligados a hacer música de guitarras. Si miras la historia del grupo, ves que es más un grupo contemporáneo que un grupo de guitarras. Si no hubiera sido así, nunca habríamos hecho canciones como “1979” o “Eye”, es decir, cosas más futuristas. Creo que al grupo le va mejor ser contemporáneo, porque eso nos fuerza a salir de aquello que sabemos hacer bastante bien, que es música de guitarras. Es curioso, porque ahora mismo estoy trabajando en otro disco de los Pumpkins, y ahora que me siento muy cómodo haciendo música contemporánea, estoy volviendo gradualmente a la guitarra. Me da la impresión de que ya no tengo que elegir, no sé si esto tiene sentido. La guitarra es simplemente otro arma que utilizar o dejar de lado. Pero cuando hemos hecho música más de ahora, me ha sido más fácil dejar la guitarra a un lado y tratar de explorar sonidos diferentes.

—Casi siempre te has involucrado en el sonido de tus discos, como productor o técnico. ¿Qué buscabas esta vez y cuáles fueron los retos a superar?

Creo que lo más importante es que mantengas tu identidad siempre que trates de hacer algo nuevo. Ésa es la clave para mí. ¿Puedes hacer música emocionante pero a la vez mantener tu identidad? Es difícil explicar qué significa eso, pero yo lo sé cuando lo oigo, al menos conmigo mismo. En cuanto a lo que quería decir, quería crear un paisaje más alienígena sobre el que trabajar. Es interesante, porque a veces trabajo durante mucho tiempo en una canción, pero no es hasta que canto en ella cuando tengo la experiencia de un cantante. Hasta entonces tengo un poco la perspectiva del productor, pero entonces cuando me pongo los cascos y pienso como cantante, tengo una experiencia completamente diferente con la música, porque estoy intentando integrar mi voz con todas las cosas que están pasando. Es una experiencia totalmente distinta, y me sorprendió muy gratamente que esta vez, por mi intención de ponerme a cantar en un paisaje ajeno, me parecía que estaba cantando una canción nueva por un motivo nuevo, no la misma canción pero diferente. #18 diciembre 2020

—Me sigo acordando de tu colaboración con New Order (en la canción “Turn My Way”, de 2001), y veo que obviamente hay una huella melódica importante de New Order en este disco, como de otros grupos de synth pop de los ochenta. ¿Tuviste en mente esta influencia, o salió de forma natural?

Es un poco como ese concepto de “hommage” en la pintura. Cuando la gente me dice que un bajo le recuerda a The Cure o algo así, le digo: “sí, lo hago a posta”. Normalmente, cuando detectan ese tipo de cosas en mi música, se trata de tributos. Cheap Trick solía hacerlo con The Beatles, metiendo guiños en las canciones, y a mí me gusta hacerlo porque estoy muy a gusto con mis influencias y con quién soy, y me gusta rendir tributo a mis héroes de una manera divertida y familiar. Lo que intento decir es que no trato de esconder nada.

—Hay una canción que me ha gustado especialmente: “Black Forest, Black Hills”, con ese tono postpunk o gótico. ¿Qué me puedes contar de ella?

No lo sé, la escribí muy rápido y me gusta mucho. En cuanto a su arquitectura, me recuerda a muchas de las bandas que me encantan, con ese bajo que impulsa la canción. Bandas como Bauhaus o Siouxsie And The Banshees. Siempre me ha encantado ese tipo de música y lo que me hace sentir. Pero no es algo que trate de hacer deliberadamente, es que me sale así. Estoy componiendo una canción y de repente siento algo que pienso que puede estar muy bien. No es que quiera componer una canción de ese tipo, sale sola.

—¿Cómo ha sido en este disco el trabajo con James (Iha) y Jimmy (Chamberlin)? Me refiero al proceso de composición de las canciones para después grabarlas.

Siempre hemos trabajado básicamente de la misma manera. La mayor parte de las veces, aunque no siempre, la cosa empieza con una idea que tengo para una canción, que trabajamos de modos diferentes. Luego trabajo un tiempo la canción yo solo, para averiguar lo que estoy haciendo. En un momento dado ellos vuelven a participar, y casi siempre mejoran las cosas añadiendo sus capacidades. Es un proceso algo incómodo, pero al final llegamos a algún tipo de consenso con lo que parece que nos sentimos mejor, que es representativo de las ideas de todos.

—Después de todos estos años, una decena de discos (más los que has firmado en solitario) y tantas canciones, ¿qué es lo que te motiva para hacer un disco como éste? ¿Dirías que es la misma lo misma ambición que al principio?

Mmm. No, sin duda es algo distinto. Cuando era joven, tuve la tremenda oportunidad delante de mí, y el reto de tratar de conseguir tener una banda de alcance internacional. Lo cual, si lo piensas, es muy raro. Hay muy poca gente que tenga éxito a este nivel. El objetivo entonces era muy obvio, y la motivación estaba cuando el negocio de la música era mucho más simple: se trataba de salir en televisión y en la radio y tocar. Ahora todo es mucho más complicado. Pero creo que las dos cosas que más me motivan ahora son: en primer lugar, mis hijos. Son muy pequeños, tienen cinco y dos años, y quiero que me vean en mi mejor momento. No quiero que me vean y digan: “Oh, papá fue alguien y ahora es otra persona”. Quiero que mis hijos se sientan orgullosos de mí porque soy muy bueno en lo que hago

Jeff Schroeder, Billy Corgan, James Iha y Jimmy Chamberlin.

y quiero que ellos hagan lo mismo en sus vidas. Y luego, secundariamente, cuando la banda se separó, con todas las cosas que pasaron, incluyendo problemas en nuestras relaciones personales, era como si hubiéramos malgastado todo, y lo bonito de estos últimos años ha sido que los fans nos han dado la oportunidad de probarnos juntos otra vez. Y no me tomo a la ligera esa oportunidad. Estoy disfrutando del proceso de probarles una vez más por qué los Pumpkins son un grupo importante y por qué somos tan únicos a nuestro modo. No hay muchas bandas que hayan existido como la nuestra, de modo que el viaje para recuperar todo esto está muy bien. Todo tiene que ver con el hecho de que hayamos ganado nuevos fans, pero también de que hayan vuelto tantos viejos seguidores. Saben que está pasando algo, pero también nos hemos encontrado con muchísima gente joven que nunca tuvo la oportunidad de vernos en los noventa, y que quieren sentir cómo era. Es una combinación de cosas bastante bonita lo que me motiva.

—Supongo que lo más difícil para una banda es mantener una personalidad “única” o “diferente”.

Especialmente, a lo largo del tiempo. Porque esta locura sucede cuando tienes éxito, y entonces, de repente, la gente no quiere que cambies (risas). Hay algo bonito en eso de que no cambies, lo pillo: me gusta lo que haces y quiero oír y sentir lo mismo otra vez. Pero eso no fue nunca la identidad del grupo, ser la misma banda. Siempre nos ha parecido raro que para tanta gente mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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gente de esa época, en lugar de hacerse fans de la música, se dedicaron a jugar a videojuegos o algo así. Y luego llegamos a la era nueva del streaming, en la que de nuevo tienes un sistema cerrado en el que la gente está bastante a gusto pagando otra vez por la música a través de servicios de streaming. Lo bonito de esta era es que ahora le puedes enseñar a alguien los datos. Puedes decir qué cantidad de gente en un país determinado te está escuchando y de qué edad. Ahora le puedes probar a la gente del negocio que sigues en él. Te voy a contar una anécdota rápida: en los últimos veinte años he tenido muchísimas reuniones en el mundo del negocio musical (pero también en el de la lucha profesional), y al salir de las reuniones –por supuesto, suelen saber quién soy–, la mayoría de la gente no decide en relación a tu valor real, sino a lo que opinan de ti. Por ejemplo, si formas parte de una banda de mucho éxito, pero el ciudadano medio de la calle no piensa que lo tengas porque no sales en televisión o en la primera página del periódico, te perciben así. Y si sales de una reunión y no tienes datos que te respalden, siempre van a confiar en la opinión que tienen de ti. Durante muchos años salía de esas reuniones y tenía que oír lo de: “Sí, sí, sabemos que fuiste alguien, pero vamos a hablar de ahora”. Y yo les decía: “no lo entendéis, acabo de tocar en un festival para 60.000 personas”. Era casi como si no hubiera pasado.

Lo bueno del streaming es que ahora vas con los datos, no se trata de tu opinión contra la suya. Puedes decir: “mira, estos son los que oyen y por qué oyen mi música”, y está ayudando mucho a que los artistas prueben su valor en el mercado, más allá de las opiniones de la calle. —J.C.P

“Siempre nos ha parecido extraño que para tanta gente seamos sólo el gupo de “Siamese Dream”

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seamos sólo el grupo de “Siamese Dream”. Y luego tenemos la misma cantidad de fans a los que no les gusta el rock, y que se inclinan más por el lado acústico de “Adore”, nuestro lado más preciosista. Es muy extraño estar en medio de ello, porque siempre parece haber una discusión: qué grupo se supone que somos. De alguna manera, nos las hemos ingeniado para ser nosotros mismos, y eso parece ser lo más cercano a que todas las piezas encajen.

—Parece evidente que no sois AC/DC, desde luego. ¿Y sabes qué? ¡No me importaría! Hablo en serio, me encantan los grupos así. No les miro por encima del hombro.

Fui a ver a Guns N’ Roses hace un par de años, y si piensas en su sonido clásico, el bajo punzante, el guitarreo de Slash y, por supuesto, la voz de Axl, y la batería grande… Podría estar oyendo eso toda la noche, no quiero que cambie. No estoy ahí sentado pensando: “Oh, tienen que hacer este tipo de música”. Me encanta como es. Lo que a mí me pasa es que soy demasiado inquieto y curioso, lo cual me lleva a descartar cosas estupendas muy rápido. Yo creé algunos de los mejores sonidos de guitarra que ha habido, y un año después me importaban literalmente un carajo y los tiré a la basura.

Es una locura, pero es así, una cuestión de personalidad: soy muy inquieto. A veces miro atrás y pienso por qué me cargué aquello. No me entiendo a mí mismo (risas).

—Estoy terminando… Antes has dicho que el negocio musical era mucho más simple cuando empezaste, y me interesa mucho saber tu perspectiva sobre cómo ha evolucionado esto. Claro. He vivido tres eras distintas. Viví en el viejo negocio de los discos. Lo que te decía antes: radio, MTV, conciertos. Luego viví la era Napster, cuando todo el mundo robaba toda la música, se perdía dinero a espuertas y nadie parecía saber qué hacer. Y fue a peor, a peor y a peor. Mucha

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diciembre 2020 #19

Uniforms Manchester en Jaén “Fantasía moral” (Oso Polita, 20) refleja el momento actual de la banda jienense Uniforms, un paso más en su carrera y la consolidación de su sonido. Sobre ello charlamos con sus componentes.

L

LOS DISCOS DE MI VIDA Steve Chandra Savali (A.D.F.)

Este mismo año, Asian Dub Foundation han publicado su nuevo trabajo “Access Denied” (ADF/Bass Culture, 20), una obra en la que continúan fusionando géneros. Para ver de dónde surge su eclecticismo, le preguntamos a su guitarrista sobre aquellos discos que le han influido.

The Congos

Nusrat Fateh Ali Khan

Public Enemy

Uno de los grandes discos del dub, que combina el salvaje poder de innovación de Lee Perry con la espiritualidad emocionante de las harmonías de The Congos. Y por supuesto las mejores líneas de bajo que puedan existir.

Qawwali es la música sufí de Pakistán. Escuché a Nusrat a principios de los ochenta y le vi varias veces en directo antes de que se hiciese grande en aquello que llamaron “world music”. Encontrar las cintas de mis padres me hizo descubrir que esta música era muy conocida en su tierra, en Hyderabad.

Está considerado por muchos el mejor disco de rap jamás grabado y las letras de Chuck D y su delivery le convirtieron en uno de los padres fundadores del hip hop. Musicalmente no se parece a ningún otro disco.

“Qawwali and Party volume 45” (1998)

It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back (1988)

Linton Kwesi Johnson

Nina Simone

Danny Breaks

Probablemente el más directo antecedente de Asian Dub Foundation. Las letras de Linton Kwesi Johnson eran militantes y combativas y además "Force of Victory" incluye el himno anti-fascista que es “Fite Dem Back”.

NiNina fue una pionera original de música rebelde desde el principio. Este álbum muestra su habilidad para combinar jazz, música clásica, folk africano y góspel en algo nuevo que conseguía gracias al increíble poder de su voz barítona y a fantástica banda. Y esto fue antes de que escribiera “Mississippi Goddamn”.

Es complicado encontrar un álbum de jungle con todos los temas clásicos, pero este es un buen ejemplo del tipo de beats que Asian Dub Foundation estamos dibujando desde los noventa. Este disco nos voló la cabeza.

—MS

Forces Of Victory (1979)

#20 diciembre 2020

Live At Newport (1960)

Owens... No sé, creo que están saliendo discazos en este fatídico año.

—Vuestra obra suena a pura evocación, toda una oda al otoño y, sin duda, un compañero genial para estos meses. ¿Era esa la idea?

(Will) Siempre estamos a tope con todo lo que rime con otoño. Eso es así.

En cuanto a las canciones, no había una premisa directa sobre qué tipo de aura debían tener. Ya en “Polara” había muchas canciones que tenían ese mismo toque. La diferencia es que hemos aprendido cosas por el camino, y hemos incorporado ese aprendizaje a las nuevas canciones, lo cual las ha dotado de mucha más profundidad y textura.

—En “Fantasía moral” hay canciones en español e inglés, pero además muy bien pronunciado. ¿Alguno de vosotros ha vivido en tierras británicas?

(Natalia) Muchas gracias. Pues sí, yo viví algunos años en Londres y la musicalidad pop del inglés siempre se queda. Además, Annie tiene el C1, así que para nosotras se hace natural componer en ambas lenguas.

—Las letras son historias cotidianas con las que te identificas rápidamente. Costumbrismo pop, pero con mucha fragilidad. ¿Necesitamos reflexionar más?

(Will) Quizá. O quizá reflexionamos todo demasiado. A saber. Lo que está claro es que para nosotras cada vez se hace más importante que las letras sean una parte importante de la canción, y en este disco se hace más patente. —OZANTOÑO TORRES

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Vaultron (2014)

la música de “Nos inspira realmentente shoegaze” los noventa y la vertie mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

FOTO: JORGE ALCALDE

Heart Of The Congos (1977)

a música amansa a las fieras”.

Esta expresión tan popular tiene su origen en la leyenda de Orfeo, poeta y músico griego que poseía un canto y una forma de tocar la lira que aplacaba a las fieras más salvajes y que, con el paso del tiempo se ha utilizado para referirse a la capacidad tranquilizadora de la música para comportamientos agresivos o nerviosos. Frase aparte, Uniforms desde luego que amansan, y no solo a las fieras, sino a la más noble de la nobleza. Son de Jaén y hacen dreampop y shoegaze.

—¿Necesitamos más música evocativa en estos tiempos tan convulsos?

(Will) Entendemos que toda la música es evocativa “per se”. Otra cosa es lo que a cada uno pueda sugerirle, y precisamente ahí está la gracia.

Lo que de verdad necesitamos con urgencia es más música de calidad y menos música-producto.

—Sonáis muy Cigarettes After Sex en modo jienense. ¿Os va el dreampop?

(Natalia) (Risas) Pues la verdad es que nunca nos lo habían dicho, creo que Cigarettes es mucho más intimista y delicado que nosotras… ¡El dreampop nos pirra, claro!

—¿Quienes son vuestros referentes?

(Natalia) Tenemos muchísimos, la verdad, nos inspira realmente la música de los noventa y la vertiente shoegaze. Slowdive, My Bloody Valentine, Cocteau Twins son algunos de nuestros pilares.

—¿Cuál es el disco que más habéis escuchado últimamente?

(Natalia) Nacional te diría a Beladrone. Y de internacional, No Joy, Facs, Activity, Ringo Deathstarr, Kelly Lee

CALEXICO SEASONAL SHIFT CD | LP | LP LTD

LAMBCHOP TRIP

CD | LP | LP LTD

KING HANNAH TELL ME YOUR MIND AND I'LL TELL YOU MINE CD | LP | LP LTD

PRÓXIMOS LANZAMIENTOS:

WWW.CITYSLANG.COM

08/01/2021 CASPER CLAUSEN · BETTER WAY 15/01/2021 GRANDBROTHERS · ALL THE UNKNOWN 29/01/2021 ANNA B SAVAGE · A COMMON TURN 26/02/2021 ROOSEVELT · POLYDANS

EN PORTADA

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“Hemos decidido también sacar el disco, como una declaración de intenciones de que hay que seguir y hay que tirar para adelante”

#22 diciembre 2020

L

o primero que me gustaría decirte es que me ha sorprendido mucho el giro que dais en este disco, porque hay un cambio enorme en el tono de vuestra música. Digamos que el tono de “Ninguna ola” es mucho más reflexivo, nostálgico, incluso apesadumbrado.

Un tono muy acorde con los tiempos que estamos viviendo y no me refiero solo al COVID, sino más bien a todo lo que está sucediendo con los evidentes problemas sociales que afrontamos. Bueno, me gustaría saber si estás de acuerdo con esta impresión que tengo. Si este cambio es algo que ya estaba pensado desde el principio o, por el contrario, se ha ido instalando a medida que se iban forjando las diferentes canciones que componen el disco.

Estoy de acuerdo con tu visión y creo que el tono de las canciones tiene que ver con el mundo en el que hemos estado viviendo desde 2017, que es cuando se empezaron a escribir los temas en un proceso que ha durado todo 2018 y 2019. Son unos años que han coincidido con una serie de cosas a nivel de política internacional, y también aquí en España, que han influido mucho, aunque creo que no hubo nada predeterminado. De hecho, si hubiera habido algo predeterminado, hubiera sido el hacer algo mucho menos denso que el disco anterior. Un poco menos dramático. Si hubiera habido una intención hubiéramos tirado por ahí. Pero sí que es verdad que han sido canciones que se han hecho sin prisa porque no se han hecho en un mes, sino que ha sido un proceso de años.

Casi tres años, y por eso creo que se han empapado. Es como cuando haces un ahumado, se han empapado durante tres años de ese humo de lo que tú describías.

—Es evidente que en este disco ha sido importante la labor de Raül Refree a la producción, con el que por cierto también has trabajado en tu proyecto en solitario nostalgia. en.los.autobuses. Recuerdo que cuando charlamos hace unos meses, con motivo de la salida de ese Ep de nostalgia, me comentaste que habíais tenido como referente el trabajo de Oneohtrix Point Never. ¿De qué artistas se ha empapado este nuevo trabajo? Porque yo veo influencias de gente como Tom Waits, Einstürzende Neubauten o incluso Swans. Sobre todo por el uso que se hace de la percusión y por haber colocado la voz tan al frente. ¿Con qué referentes habéis trabajado?

Esos tres referentes que has citado, bueno, pues me parece increíble que llegues a ellos tan solo escuchando la música y sin haber hablado antes con nosotros porque me encantan.

Con Raül al principio no teníamos referentes. Nos conocimos en el viaje a Colombia para tocar en el festival Rock al Parque, porque él tocaba como guitarra de Lee Ranaldo, y ya en el viaje de avión nos tocó ir juntos y estuvimos hablando. Luego también nos encontramos en el bar después de la actuación, y él ya por entonces nos comentó que no curraba con bandas, y nosotros que nos gustaba mucho lo que había hecho y la trayectoria que tenía. Además coincidió con un momento en el que veíamos que era importante afrontar un cuarto disco con un cambio, pero con Raül no ha sido un cambio radical e inmediato. Hemos tenido que conocernos mucho. Él conocernos a nosotros y nosotros a él para llegar al punto justo.

Porque creo que Raül está más acostumbrado, también por el talento y las ideas que tiene, a que entra en un sitio y pone el punto del filete como él quiere y echa la sal cuando él quiere.

Y nosotros también estamos acostumbrados a hacer eso. No estábamos acostumbrados a que alguien nos diga si el filete está al punto o muy hecho. Entonces con Raül ha sido todo un proceso de roce-abrazo, abrazo-roce... que ha sido muy productivo porque hemos llegado a un punto en el que estamos muy satisfechos con él. Nos ha hecho sacar cosas, ideas y formas de entender las canciones que no creo que hubiéramos llegado solos o por lo menos no ahora. Igual no hubiéramos llegado hasta dentro de unos años. Ha sido un todo muy intenso con diversas quedadas en un proceso que ha sido muy lento. En cuanto al un grupo que creo que ha marcado mucho el proceso ha sido The Low Anthem. Ha sido la referencia de la que hemos hablado y, además, es muy interesante porque

Cole

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ectivo nostalgia La M.O.D.A.

“Ninguna ola” (PRMVR, 20) es mucho más que el cuarto largo de estudio de los burgaleses La M.O.D.A. (La Maravillosa Orquesta del Alcohol). Es todo un intento por darle a su propuesta un giro dotado de personalidad, fuerza y poso, mucho poso. Para ello han contado con la producción de un Raül Refree con el que emprendieron un constante tira y afloja. Del choque de personalidades se ha forjado un disco que aúna lo peculiar con lo magistral. Su mejor álbum si lo entendemos como un todo. Pero dejemos que sea el propio David Ruiz quien alumbre nuestras dudas.

—TEXTO Don Disturbios —FOTOGRAFÍA Laura Sisteró

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diciembre 2020 #23

EN PORTADA

3 es un grupo que en su momento tuvo un éxito bastante comercial en 2009 y luego los discos que han hecho han sido más bien ‘rarunos’ o ‘retorcidillos’. Es un grupo que no han querido seguir por el camino fácil, pero es música que la escuchas y diez años después te llena mucho más. Eso es justo lo que hemos intentado hacer con Raül. Un disco que refleje lo que somos, que no pierda nuestra identidad, pero que nos quite miedos y que podamos escuchar y digamos ¡joder macho! esto tiene mérito que lo hayamos hecho nosotros.

—¿Cómo crees que lo van a acoger los seguidores de La M.O.D.A? Porque están acostumbrados a canciones con esa épica y vocación de himno, y el público en vuestro conciertos participa mucho coreando las canciones y bailando ese ritmo más trotón de vuestra propuesta. ¿Cómo te gustaría que acogieran estas nuevas canciones?

A ver, yo creo que es un disco para escuchar tú solo. Para escuchar en tu habitación. Y luego ¡ojalá se haga un hueco en la gente! Pero también creo que es un disco que se puede cantar voz en grito y que puede ser liberador, pese a esa primera capa más intimista o más dura. Es más, pienso que es un disco que te obliga a escarbar un poco dentro, pero que luego puede ser catártico en directo al compartirlo aunque sea un poco más lento. La verdad es que a nuestros seguidores les hemos dado cosas muy diferentes porque el primer disco era más ligero y directo; el segundo tenía temas que creo que no iban por el lado que la gente esperaba como por ejemplo “Nómadas”; y el tercer disco tiene partes recitadas o muy densas. Así que creo que a nuestros seguidores ya les venimos dando caña. A veces parece que seamos un poco masocas. Parece que queramos jodernos a nosotros mismos. Auto boico#24 diciembre 2020

tearnos (risas). Pero no. Es nuestra naturaleza y son las canciones que han salido de verdad.

—Escuchando el disco hay partes que veo más propias de un disco de autor que de banda. ¿Hasta qué punto habéis participado como siempre en la formación de las canciones?

Pues mira, fíjate que es el disco en el que hemos participado todos más con diferencia. Es nuestro disco más colectivo y eso que Raül propuso una idea para el disco, con la que congeniamos muy bien, que era: ¡Chicos! Somos siete y es muy fácil caer en la trampa de querer llenarlo todo. Así que vamos a intentar llegar a la emoción con los elementos justos. Vamos a intentar entrar en la emoción por otro camino que no sea el de sumar decibelios, fuerza y el subidón progresivo de todos. Vamos a intentar llegar a la emoción por un sitio igual más complicado y que igual hay gente que no le convence o no le emociona. Pero hay más maneras de emocionar y hemos intentado otras vías para hacerlo y expresarnos. Eso ha hecho que sea el trabajo más colectivo, porque ha sido el disco en el que hemos pensado todos menos en nuestro instrumento. Yo por ejemplo es el álbum en el que menos he tocado la guitarra y el batería es el disco en el que menos golpes da. Pero creo que está tocado todo más pensado, trabajado y en el fondo más cuidado. Aunque no, eso no quiero decirlo porque los otros discos también estaban muy cuidados y no sería justo. Simplemente hemos aprendido nuevas maneras de expresarnos.

—¿Te extrañaría si el público asociara algunas canciones de este disco con lo que has hecho con nostalgia.en.los.autobuses? Porque, por ejemplo, una canción como “Banderas sin color” podría estar perfectamente en el Ep, ¿no? mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Algunos lo van a asociar pero es que si hubiera hecho un Ep de rumba, de alguna manera también lo asociarían. Porque creo que tendemos todos a utilizar las pistas que nos dan para unir cosas. Pero el disco está escrito y grabado antes del primer confinamiento y, por tanto, antes del Ep de nostalgia.en.los.autobuses.

El confinamiento nos pilló el 14 de marzo en Portugal acabando el disco. Así que en el fondo es al revés. Si acaso ‘nostalgia’ es el proyecto que puede estar influenciado por este disco. Pero yo de verdad que no noto tanto esa influencia. Y más si tenemos en cuenta que en ‘nostalgia’ no hay acordeón, no hay clarinete, banjo... Sí que es verdad que en este disco de La M.O.D.A. hay dos cajas de ritmos, pero creo que si fuera por Raül habría metido muchas más o muchos más sintetizadores. Así que creo que en realidad ‘nostalgia’ es donde yo jugué con Raúl y ahí él sí fue Refree de verdad. En cambio con La M.O.D.A. ha sido un tira y afloja que, desde el punto de vista creativo, ha sido muy bueno pero también agotador. Una lucha entre su mundo y el nuestro. Y lo cierto es que nunca habíamos vivido un proceso así.

Nunca habíamos vivido algo tan al límite y tan visceral y ha estado muy guapo. Creo que si fuera por Raül hubiera hecho un disco todavía mucho más revolucionario y radical, pero entonces no sería La M.O.D.A. Sería un disco de Raül con La M.O.D.A como músicos. Y nosotros teníamos claro que tenía que ser un disco de La M.O.D.A. con el aporte de Raül Refree. Sin embargo, en ‘nostalgia’ sí que ha sido Refree a full conmigo.

—Lo que pasa es que como a nivel cronológico ha sido al revés, y primero ha salido el Ep de nostalgia y luego vuestro disco como La M.O.D.A, eso puede llevar a confusión.

Pero a mí no me importa y ha salido así. Este disco está grabado desde marzo en Portugal y si la gente quiere pensar que lo ha influenciado ‘nostalgia’ está guay. Lo verdaderamente importante es que lo escuchen y que piensen.

—¿De qué temas estás más orgulloso? A mí por ejemplo “Barcos hundiéndose” me parece de lo mejor que habéis hecho. Me encanta ese ritmo que logra envolverte. Un recurso que, por cierto, habéis utilizado bastante en el álbum: que es empezar con un ritmo que va marcando la pauta al repetirse y sobre el que se van incorporando el resto de la instrumentación.

Totalmente de acuerdo en eso. Hemos trabajado más como lo hacen los productores de rap o de música urbana, basándonos en un loop, un sampler o a veces incluso utilizando la batería como si se tratara de una caja de ritmos. Y en cuanto a temas... La verdad es que estoy muy orgulloso de todo el disco porque es el trabajo en el que hemos estado los siete juntos a una, pese a haber sido un trabajo complicado. Quizás “Conduciendo y llorando” pero tampoco, porque de verdad que me gustan todas. Me cuesta mucho elegir pero “Condicendo y llorando” es un tema en el que me he quedado a gusto. He sentido que ahí hemos dado todo lo que teníamos en todos los sentidos: artístico, de estructura, de letra, de sonido.. Ahí está todo.

—Y a la hora de llevar al directo un álbum así ¿cabe la tentación de tocarlo seguido de cabo a rabo?

Porque es un álbum que tiene una unidad y estoy de acuerdo en lo que decías de que es un disco para escucharlo en soledad y empaparte de él.

Pues mira, sería interesante, aunque es algo que no nos hemos planteado todavía porque por desgracia ahora queda un poco lejano el tema de los directos. Pero vaya, que me parece muy interesante tu idea y creo que tendría sentido y también sería una declaración de intenmondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“

“Hay que intentar evitar lo obvio e intentar evitar la moralina y darle la chapa a la gente diciéndole lo que está bien y lo que está mal”

ciones. Aunque también creo que son unas canciones que pueden combinar bien con otros temas.

—Intercalado con otros temas le dará a vuestros conciertos diferentes dinámicas, porque por lo general vuestros directos suelen tener una dinámica muy alta y estar siempre muy arriba.

Bueno, este también es intenso, ¡eh! Y también denso, que a veces nos pasamos (risas).

—Sí, como te decía al principio le veo un punto apesadumbrado, triste, incluso lúgubre.

Sí, un poco sí. Es un disco que al final te doblega un poco la espalda como la vida misma. Pero a la vez, para mí es el disco en el que más ha hecho las paces el narrador consigo mismo. Para mí es un viaje, y la persona de la que hablan las letras, la veo que empieza el disco como drogado, enamorado pero que no es amor, es una cosa del momento. Luego las canciones dos y tres serían el bajón, la resaca, y luego en la cuatro describe toda la mierda, pero también se da cuenta de que está el amor, ya sea por tu pareja, tus hijos, tus padres, tus amigos, vecinos o por la gente que no conoces, pero con la que también hay una conexión. Aunque también hay momentos chungos en el disco, creo que en las canciones finales el narrador hace las paces consigo mismo y con sus recuerdos. Tengo esa sensación o quiero tenerla.

—Sin embargo acabas con un tema como “Colectivo nostalgia” que... ¡Ese es el resumen! ¡Es el resumen del disco! Empieza diciendo: “creo que lo he perdido todo”, pero también dice “no me voy a rendir nunca” y acaba celebrándolo con el coro, con el banjo, como diciendo: “estamos en la mierda, sí, pero esto son tres días”. No sé cómo decirlo ¿no? Porque explicarlo con palabras siento que no está a la altura de una cosa que has tardado tres años en escribir, o al menos yo no tengo esa capacidad para podértelo explicar con tres frases perfectas, y siento que lo mejor es que las letras se expliquen por sí mismas —Pero ¿hasta qué punto es autobiográfico?

A mi me encanta escribir de cosas que me han pasado, pero también me encanta, incluso más, escribir de cosas que ni siquiera son historias que me han contado, sino cosas que yo me imagino... Me gusta imaginarme eso, cómo se sentirá alguien experimentando cosas que yo no voy a vivir nunca. Igual que en “Hay un fuego” decía aquello de “como me sentiré yo cuando me llamen viejo”, me gusta imaginar cómo se sentirá una madre al parir, es decir, al alumbrar el mayor amor del mundo pero a la vez el mayor miedo por lo que le pueda pasar.

No sé. Me gusta ponerme en esas cosas. Pero a la vez hay muchas cosas autobiográficas, más de las que le voy a contar nunca a nadie. Y otras cosas no tienen nada que ver conmigo y puede que nunca las viva. Aun-

EN PORTADA

que sí me gusta ponerme en el papel de ser una especie de narrador humano, no sé cómo decirlo, para hablar de la realidad social de personas que lo están pasando mal. Y lo puedo hacer con esa consciencia colectiva de la sociedad que lo compartimos todo.

—Y sin caer tampoco en un discurso demasiado obvio, ¿no?

Intentar evitar lo obvio e intentar evitar la moralina y darle la chapa a la gente diciéndole lo que está bien y lo que está mal. Eso sí es verdad. El disco es puro honesto ¡como todos! El disco refleja cómo nos hemos sentido y cómo nos hacen sentir las cosas que suceden en nuestra vida y en nuestra imaginación.

—Para acabar, es inevitable preguntarte también por cómo os está afectando a vosotros la pandemia.

Pues mira, hemos tenido la suerte de que llevamos prácticamente desde 2015 tocando sin parar, y hemos tenido los pies en el suelo, porque tampoco se nos ha ido la pinza y nos hemos metido en cosas raras. Pero sí es verdad que es una situación muy jodida, sobre todo para nuestros técnicos y nuestro equipo. Es una situación que creo que la gente no es consciente de ella porque se piensan que los músicos somos millonarios y hay incluso un poco de estupidez capitalista ahí de pensar que cuanta más pasta tienes, mejor grupo eres o mejor medio eres, ¿no? Eso lo tenemos ahí todos un poco metido. Pero ahora mismo tenemos claro que hay que aguantar y que si el día de mañana no se puede tocar y nos tenemos que poner a hacer pizzas, nos pondremos a hacer pizzas. Porque el objetivo que hemos de tener es que, lo que hagamos, siempre tiene que ser honesto. Y sí que nos está afectando mucho a nivel anímico porque teníamos pensada toda una gira guapísima. Íbamos a hacer ocho o nueve Rivieras en Madrid; el disco iba a salir en noviembre y todo se ha ido a la mierda. Como todo se ha ido a la mierda pues, por una cuestión de solidaridad, sientes que eres uno más y que estamos todos jodidos y todos tocados. Pero bueno, por eso hemos decidido también sacar el disco, como una declaración de intenciones de que hay que seguir y hay que tirar para adelante y porque lo necesitábamos. Después de tres años sin publicar un disco y una año y pico sin tocar, sientes que tu oficio ya no existe....

También estamos preparando un mini-documental para acompañar la salida del disco que va a centrarse en el proceso de grabación, y también en todo lo que ha significado tener desde marzo el disco prácticamente acabado y sacarlo ahora. Todo el proceso con las miles de reuniones que hemos tenido por zoom por culpa del corona... Si ya era difícil hacer antes un disco autogestionado, ahora ha sido como una prueba. Pero es que lo más gordo es que, en febrero y antes de irnos a grabar a Portugal, tuvimos una reunión con una multinacional de las más importantes de España que vino a Burgos porque estaban muy interesados en que firmáramos con ellos, y tenían un contrato y unos números que bueno, flipamos. Pero al final no surgió. Hubiera sido el camino más fácil y más viniendo después el corona, pero como le conté a un colega le he dicho a mi padre lo que nos han ofrecido y me ha contestado que si llego a firmar no me vuelve a hablar en la vida (risas). Y es que de lo que más orgullosos estamos es precisamente de eso: que diez años después, ahí aguantamos a nuestra puta bola. Cada día con más discusiones entre nosotros porque es una locura la cantidad de curro que se genera, pero muy orgullosos. —D.D.

R Más en www.mondosonoro.com

diciembre 2020 #25

27/Mondo VINILOS

Kylie Minogue

Pigmy

Manifestación Guerssen

Disco BMG

8

Nick Cave a solas con su piano Nick Cave

Idiot Prayer: Nick Cave Alone At Alexandra Palace AWAL/Popstock!

9

POP / Pocos artistas pueden motivar el respeto

y acongoje que a día de hoy supone el hecho de enfrentarse a la obra y legado de Nick Cave, porque la figura del australiano –de por sí dotada con una imponente presencia–, no ha hecho sino acrecentarse con el paso de las décadas. Si el lado salvaje de Cave resultó arrasador desde finales de los setenta con The Birthday Party, el tiempo ha demostrado que aquella faceta más sensible, delicada e introspectiva del autor puede llegar a ser incluso más intimidante. Una opción que el músico ha venido trabajando en las últimas entregas firmadas junto a sus fieles The Bad Seeds, dejando por ejemplo una trilogía tan impecable como la formada por “Push The Sky Away” (13), “Skeleton Tree” (16) y “Ghosteen” (19), siendo éstos últimos el doloroso grito arrancado por el fallecimiento de su hijo Arthur Cave a los quince años de edad. “Idiot Prayer” recalca y enardece cualidades, tras recoger el concierto que el autor ofreció en streaming el pasado 23 de julio desde el Alexandra Palace londinense, sin presencia de otros músicos ni público in situ y con la única (y determinante) compañía del piano de cola. La desnudez de las piezas elegidas otorgan así aún más protagonismo a esa narrativa siempre majestuosa en la voz de Cave, mientras que las notas que surgen del instrumento cumplen marcialmente en su

función de mecer la lírica. Una interpretación durante la que se llega a escuchar la respiración del músico, en un realismo extremo que estremece al receptor y vuelve a revelar esa capacidad redentora latente en las canciones firmadas por Nicholas Edward Cave. El penetrante recitado inicial de “Spinning Song” activa los sentidos y pone en guardia para recibir piezas sagradas como “He Wants You”, las obligadas “Jubilee Street”, “The Mercy Seat” o “Into My Arms”, la inédita “Euthanasia”, “Papa Won’t Leave You, Henry”, la propia “Idiot Prayer”, “Girl In Amber” o una “Waiting For You” conmovedora en extremo, hasta llegar al epílogo final concretado en “Galleon Ship”.

En realidad resulta absurdo señalar destacadas, tratándose éste de un trazado impecable con mayoría de picos de puro desborde y una intensidad emotiva inmutable a lo largo de veintidós piezas. El documento alberga tal solemnidad y elegancia que se torna en una experiencia mística, casi religiosa, guiada por un pastor que genera devoción. “Idiot Prayer” es una grabación lapidaria y desgarradora, que invita a cerrar los ojos para hundirse en su profundidad intrínseca y saborear cada detalle de la propia actuación. Esta no es una referencia exclusiva para seguidores de Nick Cave; es un producto necesario para cualquier aficionado al arte en el sentido más amplio del término. Si se equipara el concepto de álbum (aunque sea en directo) al de obra dejada en el tiempo por un creador, éste sería sin duda uno de los trascendentes de la presente campaña. Y es que, de algún extraño modo, toda esa tristeza y belleza incluidas en el elepé suponen algo de abrigo ante el desesperante panorama en el que nos encontramos inmersos. —RAÚL JULIÁN

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POP / Parece que una gran

cantidad de artistas más (Dua Lipa, The Weeknd, Gaga, Sam Smith) o menos (Róisin, Jessie Ware) mainstream se han puesto de acuerdo en recuperar el sonido de la música disco este año. La australiana ya había experimentado con los sonidos de “Disco” en el pasado, y aquí vuelve a demostrar que le sientan como un guante a una voz como la suya, capaz de decir la mayor guarrada del mundo sin dejar de sonar elegante. Lo mejor de este trabajo viene de la mano de Sky Adams, con el que Kylie nos da tres temazos rompepistas como “Supernova”, “Where Does The DJ Go” y “Dance Floor Darling”. Kylie consigue el que para su amigo Jake Shears (Scissor Sisters) probablemente sea el álbum del año. Para tanto quizás no será, pero desde luego es su mejor trabajo de la última década. —PABLO TOCINO

9

mos noticias de Pigmy o, lo que es lo mismo, Vicente Macià, el que fuera líder de Carrots con el ya lejanísimo “Hamsterdam”, sucesor de “Miniaturas” (07). Como es habitual, en este, su tercer disco, el músico se ocupa de todo. Es un Juan Palomo en toda regla. No solo compone y canta, sino que también arregla, graba y, por supuesto, se encarga de todos los instrumentos, alguno de ellos tan sorprendente como el laúd renacentista. Y ya que lo citamos, no le va mal el calificativo de renacentista, ya que lo suyo es música integral. Controlando y dominando todo el proceso. Algo que, por otro lado, no tendría sentido si no fuera capaz de hacer buenas canciones. Y de esas va sobrado.

Llámense “Almendros en flor”, “Ana” o “Lo sagrado es lo profano”. —EDUARDO IZQUIERDO

Fever 333

Sylvan Esso

Wrong Generation Roadrunner

7

ROCK / Conmbinando in-

fluencias de Rage Against The Machine, Public Enemy y Black Flag, Fever 333 han vuelto para ofrecernos este breve pero completo “Wrong Generation”.

Ocho canciones divididas en dos secciones marcadas: una primera en la que la banda nos brinda seis de las canciones más pesadas, rabiosas y combativas de su discografía con gran influencia del crossover y el hip hop, para terminar con las más calmadas “Last Time” y la canción que la banda lanzó en apoyo al movimiento Black Lives Matter, “Supremacy”. Esas seis primeras piezas son oro puro, como bien demuestran el aplastante single “Bite Back”, las hip hoperas “Block Is On Fire” y “Wrong Generation” y la que es la mejor piezas del EP, “Walk Through The Fire”.

—ALEJANDRO TEIGA ROBLES

POP / Desde 2014 no tenía-

Free Love Caroline/ Music As Usual

9

POP / A Amelia Heath y Nick

Sanborn les ha salido el disco más conciso y proteico en las formas, más austero y desnudo, y a la vez más emotivo y convincente de una trayectoria ya de por sí al alza desde que debutaran hace seis años. “Free Love” es, como su propio nombre apunta, una magistral y sensual lección de pop electrónico que combina intimismo e incitación al baile, autoafirmación de las propias potencialidades y la necesidad de rescatar la estima con los seres queridos tal y como la conocíamos cuando abrazarnos no era casi un delito. La producción es sensacional, un dispendio de detalles que intrigan y seducen a la primera escucha. Y la colecta de canciones memorables, infecciosas desde la primera escucha. Uno de esos discos en los que las máquinas suenan irremediablemente humanas. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA diciembre 2020 #27

MONDOVINILOS

Uniforms Fantasía Moral Oso Polita

El estado mental de Cráneo Cráneo

Picnic Guayaba Records

9 HIP HOP / “Picnic” es el nuevo álbum de

estudio de Cráneo. Editado por Guayaba Records, tal y como es habitual. Menos habitual es encontrarse un disco de tanto nivel y con tanta personalidad, que aúne autenticidad y estilo. “Picnic” es todo eso pero también letras divertidas e inteligentes, lo-fi a caballo entre el clasicismo y la innovación para conformar un álbum plagado de colaboraciones que encajan a la perfección con el estilo desapegado y frívolo (en el mejor sentido de la palabra, el de conseguir producir arte fuera del sobre-sentimentalismo en el que vivimos a día de hoy) de un Cráneo en el mejor estado de forma de su carrera. “Picnic” también acierta en cuanto a su duración.

Consigue lo que muchos ven imposible: a lo largo de trece canciones uno no se aburre nunca ni se pierde entre los beats atmosféricos del trabajo. Esta ligereza

Camila Fuchs

Kids Talk Sun Felte Records/ Popstock!

7

ELECTRÓNICA / El dúo forma-

do por la mexicana Camila De Laborde y el alemán Daniel Hermann-Collini cambia Londres por Lisboa como centro de operaciones, y desde allí ha perpetrado el que ya es su tercer disco de estudio. Una referencia en donde la dupla trabaja con multitud de capas de sonidos, bases electrónicas y fuerte presencia de shoegaze, ambient, industrial, dream-pop o psicodelia, en una secuencia de géneros y estilos que, salteados indistintamente, carece del miedo a la mezcla. Un eclecticismo asentado sobre la producción determinante de Sonic Boom (Spectrum, ex Spacemen 3), que ejerce con una presencia determinante en el álbum. Un empuje que se une así al de esas influencias recurrentes que aparecen durante la escucha, caso de Björk, Suicide o John Carpenter. “Kids Talk Sun” es una obra interesante y de densidad encantadora, en el que bucear en busca del detalle al tiempo de retorcerse junto a las canciones y su obsesiva complejidad intrínseca. Raúl Julián #28 diciembre 2020

ayuda mucho a “Picnic” a convertirse en uno de los trabajos del año. Se nota que Cráneo lleva años apostando sin prisas por un sonido en concreto y que el trabajo constante da sus frutos. El de Madrid ha logrado dominar las formas y ritmos lo-fi alejados de la tendencia nacional y mundial. “Picnic” es un álbum profundo y que refleja un estado mental y un estilo de vida. No exageramos.

Hay días de domingo en el sofá, bajando a comprar algo y tomando un vermú al sol que

Molchat Doma

8

POST-PUNK / El fiable sello

neoyorquino Sacred Bones ficha en firme a los bielorrusos Molchat Doma, después de que el año pasado reeditase sus dos primeros discos. El trío incide sin tapujos en su mezcla de postpunk y new wave con origen en los ochenta y finales de los setenta, luciendo con orgullo influencias como Bauhaus, The Cure y, por supuesto, Joy Division. La asimilación del trío alcanza también a otros nombres como los de The Smiths, OMD e incluso los primeros Pet Shop Boys. Porque si el grupo tiene en la oscuridad manifiesta de su música esa base sobre la que levantar un total de nueve nuevas canciones de trazo grueso, no es menos cierto que los de Minsk hacen un uso vistoso de teclados y sintetizadores.

Un contraste en el que las piezas parecen encajar con naturalidad dentro del argumento principal y que, junto a esas letras cantadas en su idioma materno, dotan al presente lanzamiento de cierto exotismo y una personalidad diferente. —RAÚL JULIÁN

podrían llevar de banda sonora este álbum que se abre con una intro como “Amigos” y su primer single, “Burbujas”, para ponerse a brillar inmediatamente con la visita constante de artistas que entran y salen del álbum como si fueran amigos que van uniéndose a ese día de domingo de relax que propone Cráneo. Se nota cuándo un artista tiene tiempo para desarrollar un trabajo y no siente presión que le haga precipitarse.

—LUIS M. MAÍNEZ

POP / Después de publicar

su debut bajo el nombre de The Anchoress hace cuatro años, la multiinstrumentista Catherine Anne Davies se alía con el ex Suede Bernard Butler para lanzar un disco conjunto. Toda esa química potencial que debía espolear las peculiaridades del asunto no queda finalmente definida, y este no es sino otro disco más de indie pop-rock. El álbum tiene en las guitarras aportadas por Butler su principal foco de interés, aunque sea la interpretación de Davies la que termina por adquirir un protagonismo que no merece. Queda así la sensación de que los diferentes activos de la referencia no han sido colocados atendiendo a las prioridades más favorecedoras, en un error que resulta determinante al generar esa inercia que acompaña a la escucha. El álbum queda cojo tras no asentarse con firmeza en ninguna parcela concreta, decantándose según el momento hacia el pop o adoptando una pose roquera que no resulta del todo creíble. —RAÚL JULIÁN

You’ve Always Been Here Infectus/BMG

On començo jo Segell Microscopi

In Memory of My Feelings Needle Mythology

6

The Jaded Hearts Club

Gessamí Boada

Catherine Anne Davies & Bernard Butler

Monument Sacred Bones/ Popstock!

SHOEGAZE / El segundo disco de Uniforms cumple sobradamente con las obligaciones del shoegaze, al presentar diez temas desarrollados con seguridad y apuntalados en base a necesarios trazos de dream-pop e indie-rock. Las almerienses no pretenden resultar novedosas, pero a cambio prueban tener bien estudiados a grandes del género como Ride, Slowdive, Cocteau Twins, Lush, Blonde Redhead o My Bloody Valentine. Una inspiración convertida en punto de partida para trazar unas preferencias que, aún apurando diferentes matices, se mantienen intactas a lo largo de todo el álbum. “Fantasía Moral” cumple con distorsiones, líneas gruesas de sonido, capas y una buena cantidad de bruma y densidad, entre las que también asoman melodías y cierta delicadeza disimulada junto a voces que cambian indistintamente el inglés por el castellano. Y todo al amparo de un trabajo que, además de dejar sensaciones positivas, potencia las ganas de verlas sobre un escenario. —RAÚL JULIÁN

6

POP / En los últimos meses Gessamí Boada se ha volcado y esforzado en dar a conocer cada paso, cada movimiento a través de sus redes sociales, y era curioso atender a esa evolución. Si en su primer disco la tentación era situarla en el plano del jazz, en “On començo jo” esto desaparece. Aunque algo queda, Boada tiene alma de cantautora y aquí se arrima al pop, incluso a la electrónica, y lo hace con algo clave para subir el tono y la nota, el trabajo del productor y pianista Kquimi Saigi. Boada además combina castellano, catalán e inglés, lo hace con naturalidad, con letras que no se alejan de nuestra cotidianidad, ya sea hablándonos sobre afrontar cambios, las particularidades de las relaciones personales e incluso la urgencia del cambio climático. En este disco se rodea de buenos amigos y colaboradores, de Henrio a Alessio Arena, o una Elena Gadel que cierra el álbum con la pieza titular marcada en clave acústica. —TONI CASTARNADO

8

ROCK / El guitarrista Jamie Davis reclutó a varios músicos para versionar clásicos del rock, el blues y ese soul propiedad de la Motown y el Northern Soul. Un proyecto que cuenta en sus filas con Graham Coxon de Blur, Miles Kane, Nic Cester de Jet y el batería Sean Payne de The Zutons. La función principal tras el micro la alternan Kane y Cester, reservando un par de apariciones para Matt Bellamy de Muse, quien también ejerce como bajista. La apuesta de la formación consiste en pasar las seleccionadas por un tamiz de indie-rock ampuloso y que apuesta indisimuladamente por la épica como denominador común. El sexteto acomete piezas ganadoras y carentes de riesgo, en unas revisiones algo pretenciosas y que, tras la curiosidad inicial, palidecen y sin duda se sitúan lejos las originales.

Resultado del entretenimiento de varios colegas de profesión, “You’ve Always Been Here” es un trabajo algo vanidoso destinado a quedarse en mera anécdota y poco más. —RAÚL JULIÁN

7

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The Cribs

8

ROCK / Con el paso de los

años, The Cribs se han convertido en uno de los grupos de indie pop-rock de guitarras más fiables de Reino Unido, cincelando una carrera que dura ya década y media. El grupo de los hermanos Jarman regresa con su octavo disco de estudio, de nuevo fiel a unas preferencias que apenas han variado desde que debutasen. “Night Network” presenta así escasas novedades con respecto a entregas previas y se apuntala sobre su habitual base con amplia presencia de guitarras, estribillos pegadizos y cierto aspecto épico. Una fórmula sencilla y de sobra conocida, pero que el trío trabaja con esa soltura y seguridad propia del que se sabe veterano en la materia. Sucede además que el trío incluye aquí algunas de sus mejores canciones en años y, sin necesidad de complicarse, completa un buen álbum empeñado en satisfacer a sus seguidores y, en general, a cualquier aficionado a este corte concreto de música que nunca pasa de moda. —RAÚL JULIÁN Roy Borland Espesso Sony Music

7

POP / Madrileño de

apenas veinte años con raíces musicales, fogueado en las calles y garitos de Madrid y participante en La Voz, Roy Borland parece uno de esos casos en los que un talento singular se impone a la apisonadora de las fórmulas. ¿Lo hará a los prejuicios? Para su debut en una multinacional, el joven cantante y su productor y bajista Sergio Fernández tiran de referencias elegantes, y sobre todo de una naturalidad en los arreglos que beneficia al cálido estilo vocal del intérprete. Sorprende que a su juventud se haya empeñado en seguir su instinto: humilde sobriedad jazzera y R&B con ecos de Paul McCartney, el inmenso Marvin Gaye y Bobby McFerrin, con un toque de modernidad. Son treinta y cuatro minutos luminosos y tiernos como la portada, que, pese a su tono general, no abusan del azúcar y recuerdan que se puede hacer pop comercial sin caer en el trazo grueso.

—JC PEÑA

MONDOVINILOS

El Relevo Alemán

Night Network Sonic Blew/ [PIAS]

La séptima extinción Repetidor

7

ROCK / El Relevo Alemán,

trío madrileño integrado ahora por JC Peña, Cristina Arroyo y Javier Otones, persiste en el rescate de un rock de filiación norteamericana y noventera en el que es su quinto disco, de nuevo grabado, mezclado y masterizado por Javier Ortiz (Estudios Brazil) con su característico regusto analógico, físico, eléctrico y sin exceso de manufactura.

En realidad, la apuesta anda más cerca del slowcore versátil de unos Seam que de ninguna referencia post punk: la dureza de las guitarras –las de diente de sierra de “Blues del artículo 58” cortan a la primera– , la aridez de una voz que rehúye la elocuencia impostada y el discreto segundo plano de los teclados lo corroboran, también su forma de bascular entre los destellos abiertamente pop o esas composiciones reptantes, morosas, que levantan el pie del acelerador y validan la versatilidad de un libro de estilo al que rinden honores con personalidad.

—CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA 7Sfera Ebbasta

Famoso Universal Italia

TRAP / Sfera Ebbasta pre-

8 senta “Famoso”, un álbum que viene marcado con el sello de la ambición por hacerse un nombre en el Olimpo del género urbano internacional. El trapstar italiano se ha rodeado de una colección de estrellas de primerísimo nivel: J Balvin, Offset o Future colaboran en este trabajo en temas más o menos interesantes, eso queda al gusto del oyente pero, desde luego, sí muy bien facturados y pensados. ‘FAMOSO’ es un viaje por las tendencias más en forma (reggaeton, trap, pop-rockurbano) en el que Sfera Ebbasta se postula como la gran estrella internacional que le faltaba a su país. Las producciones de este “Famoso” tampoco son despreciables. Diplo o London On Da Track apoyan también al de Milán en su viaje hacia el éxito internacional.

Y es que el valor de este álbum -más que su resultado puramente musical, que también- reside en la ambición con la que se presenta.

Medirse a tan grandes cantantes no es fácil, y Sfera Ebbasta sale airoso. —LUIS M. MAÍNEZ

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Easy-S y el rap clásico Easy-S

Countach 93 Autoeditado

8 RAP / Todos los raperos haciendo rap oscu-

ro, melancólico, con influencias electrónicas y traperas, y coge Easy-S y se saca este discazo al más puro estilo rap clásico.

Desde la primera a la última canción el malagueño combina con seguridad el sonido noventero con el actual, fusionando ambos y logrando un rap potente y convincente, dando ganas de subir el volumen cada vez que empieza una canción. Aunque el título haga referencia a aquel Lamborghini Countach que todos recordamos (o lo recordarías si vieses una foto), “Countach 93” es el homenaje a su generación (nació en 1993), pero también a las pasadas y las futuras, gracias a un disco que empieza sonando a 1990 y acaba sonando a 2020. Basta con escuchar “What Comes Around”, “Coronamos” o “Costa del Sol”, las tres primeras canciones del disco, para comprobar la inclinación que siente este miembro de Space Hammurabi

por el rap más clasicón. Una fórmula que se repite durante todo el disco pero que a Easy le funciona, y bien. Con un mensaje que alterna momentos de vacileo y ego con otros más reflexivos (como la canción “NO” en la que habla del machismo), aunque si hay algo que se echa en falta en el disco es algo más de mensaje en algunas canciones. Pero como decía aquel rapero zaragozano: “en esta letra el mensaje soy yo”. Y aquí el mensaje es Easy y su manera de entender el rap. Y “Countach 93” es la carta de presentación de uno de los MC’s con más futuro de la escena actual.

Toteking ha sabido ver el talento que derrocha cuando coge el micro y entre ellos ha nacido una química especial, como podemos comprobar en “Otra vez” (además de en aquel “Brindis” con el que ya nos sorprendieron hace unos meses). Al igual que C.Terrible, Raggio, Tepa, Og Gara, Carrion, Saske y Delaossa, los otros feats del disco. Un disco formado por dieciséis cortes con el que consolida su candidatura a artista revelación en el rap estatal en este extraño y maldito 2020. Ahora el tiempo dirá hasta dónde llega Easy-S, pero “Countach 93” ya queda ahí y merece la pena escucharlo. —ALFONSO GIL ROYO

diciembre 2020 #29

ENTREVISTA

Alizz El genio surgido de las sombras

Cristian Quirante, más conocido como Alizzz, se ha convertido en uno de los grandes productores del nuevo pop. Y merecidamente. Ahora, además, ha decidido dar la cara y lanzar sus primeras canciones también como vocalista. Ahí están “Todo me sabe a poco” y ese hit que es “El encuentro” junto a Amaia.

“Se me da bien interpretar qué es lo que un artista me quiere decir... bajar a tierra esas ideas más conceptuales e idas de la olla”

#30 diciembre 2020

A

unque se le conozca por sus éxitos para C. Tangana –Quirante está tras la producción de canciones como “Antes de morirme”, “Mala mujer” o “Demasiadas mujeres”, por citar solamente tres–, Becky G o Aitana, por poner unos pocos ejemplos, su repercusión supone la culminación de una trayectoria con varios años a las espaldas. Un camino que le ha llevado por caminos diversos y siempre hacia arriba. Ahora, poco antes de que publique más canciones en solitario, charlamos con él sobre su momento actual y sobre su forma de entender la música pop, la producción y la electrónica.

Si lo que os interesa es conocer más sobre tu trayectoria a lo largo de los años, os recomiendo que echéis un repaso al especial que podréis encontrar en nuestra web. En esta charla hablaremos más en términos generales sobre producir, componer, etcétera.

—En el mundo del pop actual es muy habitual que los productores tengan mucho mayor protagonismo que antaño, pero lo que no es tan habitual es que se lancen también a cantar sus propias canciones. Te hemos entrevistado desde tus inicios

—TEXTO Joan S. Luna y nunca había llegado ni siquiera a imaginar que te lanzarías a cantar. ¿Cuál ha sido el detonante?

La verdad es que me sorprendí a mi mismo. Tuve un crack personal duro en septiembre de 2019, me quemé. Estaba y estoy viviendo el sueño de vivir de la música, de ser artista, y me ha costado tanto que siempre quiero aprovechar todas las oportunidades que tengo, muchas veces a costa de mi salud. Giras, producciones, mi sello, cruzar el charco todo el rato… Lo que te digo es un sueño, pero también acaba fundiéndote mentalmente. Mi respuesta a ese estado fue un bloqueo a la hora de contestar mails, llamadas, mensajes y redes. No era capaz de contestar o leerlos y lo único que me apetecía era componer tranquilamente sin prestar atención al mundo. Volví a pillar la guitarra después de años y me puse a escribir para mí, cosa que nunca había hecho. Me canté un par de temas por jugar y de repente me di cuenta de que había algo especial ahí. Descubrí una sensibilidad o fragilidad en mi voz que nunca había visto. Me flipé haciendo más canciones y de repente habían temas sólidos de los que estaba muy orgulloso. Una vez sucedió eso ya no podía parar de componer, producir y cantar.

Estuve seis meses muy a full, súper inspirado.

—Imagino que, al haber trabajado con muchas y muchos cantantes distintos, te habrán dado muchos consejos. ¿Eres una persona que funciona tan bien con otros artistas porque cree en el diálogo y en escucharse unos a otros?

Se me da bien interpretar qué es lo que un artista me quiere decir.

Muchas veces me transmiten sus sensaciones o ideas locas, difícimondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

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les de descifrar. La gracia está en bajar a tierra esas ideas más conceptuales e idas de la olla, a cosas que tengan sentido. Eso se me da especialmente bien.

Más que consejos, me fijo mucho en las cosas buenas de los demás e intento aprender. Ahora mismo no recuerdo ningún consejo en concreto, pero realmente no aprendo conscientemente. No soy un gran músico, ni un gran vocalista, lo más importante que yo tengo es la sensibilidad.

—Acabas de lanzar “El encuentro” con Amaia, pero a lo largo de los años has trabajado con muchas voces invitadas tanto de hombre como de mujer, tanto en inglés como en castellano. ¿Qué debe tener una voz para que te apetezca trabajar con ella?

Más importante que la voz, lo que yo más valoro es la capacidad de interpretar y transmitir. La fragilidad, la sensibilidad, esas cosas son las que me tocan.

—Lo cierto es que algunas de tus canciones –ya desde la etapa más electrónica– me parecen hits instantáneos. ¿Existe un olfato para ello en un productor como tú? ¿Es decir, las canciones que son hits para ti resultan ser hits para el público?

Me mola generalmente la música que impacta en la primera escucha y que luego te va descubriendo muchos detalles con las escuchas posteriores. El olfato que dices lo entiendo como un gusto particular que tengo y que conecta con mucha gente, por la razón que sea. Es una suerte llegar a tanta gente, porque suelo hacer música fuera de fórmulas.

—En un sentido parecido, todavía recuerdo el día que C. Tangana me dijo que tenía un temazo por sacar que no iba a gustar a sus fans de siempre, pero que le abriría a otros públicos. Ese tema resultó ser “Mala mujer”, del que también eres coresponsable. ¿Ahí lo teníais claro?

Sí, ese estaba claro desde el día que lo hicimos. Igual que “Tú me dejaste de querer”. Con “El encuentro” también me pasó. Tengo claro que es un hit. Cuando hay algo especial inmediato se suele vislumbrar.

Con “Nunca estoy” o “Demasiadas mujeres” no me pasó. Fueron número uno en España y fueron muy inesperados.

—En una de las últimas entrevistas que te hicimos, decías que la fugacidad es algo que recae sobre los artistas que no tienen identidad, pero también es complicado dar con tu propia identidad. ¿Cuántos años te ha costado a ti y en qué momento empiezas a tener claras cuáles son tus virtudes o mayores ventajas como productor?

Lo he notado sobre todo en los últimos dos años. En ese tiempo he hecho más canciones que en toda mi vida. Ahora mismo tengo la necesidad de empezar una canción y acabarla (más o menos) el mismo día.

Todo sale más espontáneo, no pierdes el foco por el paso del tiempo, no le das demasiadas vueltas. Es más divertido y cada vez me salen cosas más interesantes.

—A mí modo de ver, una de tus mayores virtudes

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diciembre 2020 #31

ENTREVISTA

"Volví a pillar la guitarra después de años y me puse a escribir para mí, cosa que nunca había hecho"

EL APUNTE

Antes de morirme

N

o ha sido hasta la publicación de “Todo me sabe a poco” en septiembre, y sobre todo del salvoconducto emocional y accesible que es “El encuentro” –junto a Amaia– que muchas personas han puesto cara al productor barcelonés.

“Todo me sabe a poco” ha sido el primer tema de Alizzz como vocalista, productor y… Auténtico protagonista. Nadie más que él. Pero, ¿por qué ahora? Así lo contaba para Los 40: “Empecé con todo este proyecto sin querer, sin buscarlo para nada, después de un ‘crack’ mental serio hace como un año. Dejé todo de lado y me puse a escribir para mí porque era lo que me pedía la cabeza”.

Antes de eso, Alizzz ya había cambiado el pop. Y “sin rostro”. Lo último, lo más comentado, la electrónica cañí y avanzada de “Demasiadas mujeres”, con voz de C. Tangana. Todavía más atrás: “Pa’ llamar tu atención” o “No te debí besar”.

Pelotazos incuestionables. El barcelonés lleva más de un lustro marcando el paso de lo que debe ser la música “mainstream”, subvirtiendo géneros y cruzando calles sin mirar.

Su hermandad con C. Tangana ha sido demoledora. Desde que se conocieron en un San Isidro madrileño han sido imparables. Fue en un concierto en Las Vistillas, hace años, de grupos como Agorazein (el colectivo de Pucho) o Erik Urano; era un momento en que el término trap todavía era efervescente. Cristian y Antón empezaron a llamarse por su nombre. Echaron horas hablando, sobre todo de la idea de cómo el primero quería llevar al pop todo aquel frenesí urbano. Y pusieron las bases para “Antes de morirme” (Rosalía). El resto es historia. —YERAY S. IBORRA

#32 diciembre 2020

es que eres una persona que ha escuchado mucha música distinta. Si llevas años escuchando música, sabes reconocerlo en los demás. ¿No te sabe mal que, en muchas ocasiones, se tome a los artistas que cantan o producen nuevo pop, o urban o como quieras llamarlo, como gente sin referentes sólidos y que beben solamente del aquí y del ahora? Es un error tomar la parte por el todo.

Son juicios elitistas de unos pocos para autocomplacerse. En general la gente que nos dedicamos a la música somos unos enfermos y nos pasamos el día escuchando música, haciéndola o pensando en nuestros proyectos. Hay también turistas pero suelen irse rápido.

—Es evidente que estos temas que ahora publicas beben mucho de las producciones del pop de los ochenta, en sus formas, en sus arreglos. O esa es la impresión que tengo desde “Todo me sabe a poco” hasta la otra que he escuchado, cuyo título diría que es “Amanecer”. En cierta manera, el hecho de haber escuchado tanta música y de que hayas formado hasta parte de grupos de guitarras te da esa amplia visión de la música que te permite reaccionar y buscar otros caminos, ¿no?

Los referentes son importantes y el haber hecho muchas canciones también te da herramientas para componer, está claro. Ser un poco kamikaze y no atarte a los géneros también te da mucha libertad para crear y que todo te suene más original. Los años haciendo música electrónica también me han dado muchas tablas con la música de baile, que sigue estando muy presente en todo lo que hago.

—En ocasiones equiparo tus virtudes a las de El Guincho, aunque produzcáis de forma distinta. Pablo ha pasado por el hardcore melódico, el pop experimental, el ruido y locuras mil, pero eso le ha permitido conocerse bien y saber que puede tomar riesgos con cierta seguridad. ¿Te ves a ti mismo de un modo parecido? ¿Tienes la confianza suficiente para asumir riesgos con seguridad y con ciertas garantías en terrenos distintos?

Yo siempre me estoy metiendo en lugares en los que nunca he estado. Me parece divertido probar cosas nuevas, juntarme con gente con la que nunca he estado, coger un instrumento raro, un género nuevo, lo que sea y sin miedo. Nunca sale lo que uno espera y eso que haces por primera vez casi siempre tiene algo de magia.

—Si se le echa un repaso a la playlist que tienes por “El encuentro”, diría que has llegado a producir un tema así porque tienes mil referentes y has afinado mucho lo que querías hacer. Y en cierto modo creo que ese background es una herramienta tan importante como lo pueda ser el último sintetizador o vst que vayas a usar. ¿Es así?

Con las playlists de inspiración hago el proceso inverso. “El encuentro” lo hice sin escuchar referencias, me salió así sin más. Obviamente habían referentes e inspiración pero inconsciente. Con la playlist hice el trabajo de ver qué temas podían haber sido esos referentes inconscientes. Me mola un montón hacer esas playlists, me podría tirar horas con ellas.

—Has tenido la suerte, con mucho esfuerzo de por medio, de poderte dedicar a tu máxima afición, que es la producción. Dicen que lo complicado es mantenerse en la cima. Quizás la pregunta sea una estupidez, pero... Ahora sois muchos los artistas de aquí que habéis conseguido una repercusión internacional inédita, pero ¿hacia dónde crees que podéis ir evolucionando para haceros con un puesto relativamente longevo en la escena musical?

FOTO: RAFA CASTELLS

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Actualmente un artista ya no puede hacer el mismo disco cinco veces y mantener el éxito, pero a la vez no se puede ser preso de las tendencias. Mantener una identidad propia a la vez que uno evoluciona a mucha velocidad es muy difícil, los que lo consigan tendrán su sitio en el largo plazo.

—Tengo entendido que, en la presentación de Madrid, bromeaste con Tangana sobre el final del reggaeton. Y eso vendría a ser más o menos a lo que me refiero. Si observas la evolución de la música pop, un género empieza a bajar cuando hay saturación y sobre todo cuando ya empiezan a hacerse temas con bases reggaeton entre artistas pop mainstream, en anuncios de la tele, en series... Podríamos usar ejemplos recientes como la EDM por ejemplo.

No es el reggaeton, son las fórmulas (letras, estructuras, sonidos, patrones rítmicos) lo que creo que está estancado. Suelo tener buena intuición porque yo me quemo muy rápido de las tendencias. Cuando yo me he quemado del todo de algo es que hay mucha gente que empieza a sentir lo mismo. Ahora mismo los charts son aburrimiento, parecido a lo que pasaba hace unos años. Cuando hace cinco años fantaseaba con entrar en las listas, en los tops, en la radiofórmula, me parecía sexy. Era divertido intentar colarse ahí porque todo sonaba fresco. Ahora mismo no me parece excitante, lo que me llama más la atenmondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

ción ahora música anti-fórmula que pueda cruzar otra vez la barrera del mainstream y refrescar un poco la cultura popular. Es irónico porque de alguna manera quiero tumbar el monstruo al que yo ayudé a crear (risas).

—A simple vista uno podría decir que podría mucho más complicado completar un tema como “Knock Them Out”, con todos sus filtros, sus breaks, sus cajas y bajos, o incluso una anterior como “Sunshine” que una canción como “El encuentro”, pero es evidente que no es así. ¿Crees que muchas veces se confunde complejidad con calidad cuando no tiene ninguna relación?

Entender que hay una relación lineal entre calidad y complejidad es sinónimo de tener un gusto bastante dudoso. He tenido épocas de ser más snob, pero se me han quitado todas esas tonterías con el paso de los años. Hay otra manera totalmente contraria al snobismo que es pensar que algo o alguien es bueno por tener más exposición o fama que es igual de absurda.

—De hecho, ahora viene otra pregunta aparentemente estúpida, ¿qué sería para ti la calidad en una canción o pieza musical?

Eso intangible que hace que una canción o cualquier expresión artística te emocione de alguna manera. —D.D.

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diciembre 2020 #33

FOTO: ARCHIVO

MONDO FREAKO

Nakany Kanté Pop mandinga

EN LA MALETA

Nakany Kante es original de Guinea Conakry, de la ciudad de Siguiri. Llegó a España en 2009 y enseguida contactó con músicos en Barcelona, hasta publicar su primer disco “Saramaya” (Slow Walk Music, 14). Ahora charlamos con ella a propósito de “De Conakry a Barcelone” (Kasba, 20), su cuarto larga duración.

INNMIR

No contenta solamente con remezclar a artistas como Varry Brava o La La Love You, INNMIR se ha atrevido también a publicar temas propios como “Tienes esa luz”. En esta entrevista descubriremos quién se esconde tras la Dj que ha actuado en infinidad de festivales y salas de nuestro país a base de indie dance y electrónica. #34 julio 2020

cir "En Guinea puedes de r todo cantando y pedi po, justicia al mismo tiem na" y muchas veces funcio

L

a apuesta musical de Nakany Kanté es una mezcla entre la música mandinga y el pop. Con su fuerte directo y una banda compacta que la ayuda a sacar su luz más brillante y talento, Nakany entró en nuestra lista de mejores discos na-

C

uándo das el paso de DJ a empezar a producir canciones como “Tienes esa luz”?

No quería quedarme solo en mi faceta de DJ, necesitaba seguir evolucionando y creando mis propios sonidos. Y después de sacar un par de remixes vino uno de los retos más grandes que he tenido que es producir y dar voz a “Tienes esa luz”.

—¿Te consideras una artista de electrónica o de pop?

Bufff, dificil pregunta. Me considero como algo intermedio, más electropop.

—¿Qué es lo que más te gusta de hacer remixes?

Me encanta ver la evolución de la canción. Cómo la vas haciendo cada vez más tuya sin perder la esencia del tema. Disfruto mucho probando sonidos nuevos que le dan a la canción un giro inesperado.

—¿Sigues aprendiendo cosas a la hora de pinchar o crees que ya tienes suficiente con la técnica actual?

Por supuesto. Considero que una nunca deja de aprender en aquello que le fascina, que le motiva. Soy muy incorformista y perfeccionista. Nunca es suficiente.

—¿Qué errores crees que cometías en tus primeros años pinchando y que has corregido con el tiempo?

Quizás la autoexigencia que tenía al

cionales de World Music 2016 siendo número uno. Hace poco Nakany ha publicado su cuarto disco, “De Conakry a Barcelone”, una obra en la que la artista sigue hablando sobre los problemas de género en su país, los matrimonios acordados de menores por sus fami-

principio de no fallar, el miedo a equivocarme. De machacarme a mí misma si algo no salía como yo esperaba alguna noche. Con el tiempo y la experiencia he aprendido a dejarme llevar y que fluya todo de forma más natural.

—¿Qué canciones que te encantan nunca han encajado en una sesión tuya?

Pues quizás cualquiera de The Beatles. Son mi grupo favorito, pero no es algo que encajaría en un cierre de festival a las cinco de la mañana.

—Aunque preferiríamos no hacer esta pregunta, ¿Te tratan distinto por ser mujer a la hora de pinchar?

Por suerte, esto es algo que ya no ocurre tanto como me pasaba al principio. Pero sí me han tratado de forma distinta por ser mujer a la hora de pinchar. He tenido que demostrar de alguna forma que “valía” para esto solo por el mero hecho de ser mujer.

Me he sentido juzgada en más de una ocasión. A día de hoy, ya no me pasa.

—¿Qué DJ's son tus favoritos ahora mismo y por qué motivos?

Recuerdo con una sonrisa enorme el último set de Fatboy Slim en un Brunch de Barcelona. A día de hoy, él, Peggy Gou y 2manydjs estarían en mi top tres. Y a nivel nacional, Elyella.

Su conexión con la gente es brutal.

liares y muchas otras cuestiones que deben resolverse.

—En tu nuevo álbum, “De Conakry a Barcelone”, se entiende que quieres crear un puente cultural entre países, ¿crees que lo estás logrando? ¿Cómo es tu público en España?

Yo creo que sí. Lo estoy logrando poco a poco, aunque ahora las cosas van un poco lentas por la pandemia y no se puede hacer mucho, pero ahora las redes sociales facilitan todo. Con este disco intento crear un puente cultural, y para eso uso diferentes estilos. En cuanto a mi público en España, la verdad es que no me quejo para nada. La gente responde muy bien en los conciertos y todo el mundo canta y baila conmigo. A veces llegamos a algún sitio en el que la gente está más fría, pero yo siempre he roto esa frontera y terminan bailando. Así que sí, estoy muy contenta por el recibimiento del público.

—En tu disco han participado músicos de Conakry y de Barcelona. ¿Cómo ha sido trabajar a distancia?

La verdad, no hubo distancia. Yo empecé a componer todas las canciones del disco en Guinea con los músicos de allí, porque el sesenta por ciento del disco está hecho en Conakry. Después vine a España, terminamos aquí lo que faltaba. Seleccionamos los temas, acabamos cosas y llamamos a algunos invitados, según nos pidiera la canción.

—En tu proyecto musical hay muchas referencias culturales de Conakry, ¿qué es lo que más echas de menos

—MS

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TAN .

CERCA RREl festival Mad Cool se ce-

lebrará en Madrid a lo largo de los días 7 a 10 de julio de 2021, y lo hará con un cartel que estará repleto de nombres suculentos.

Tras anunciar en julio a artistas como Red Hot Chili Peppers, Twenty One Pilots, The Killers o Alt-J, ahora nos sorprende con una lista de veintisiete nuevos nombres ente los que están Cardi B, SFDK, Anderson .Paak & The Free Nationals, Kali Uchis, Peggy Gou, Blackbear, Thrice, Sleaford Mods, Kings Of Leon, The War On Drugs, Haim, MØ, Aviva, Yaeji, Zara Larsson, Editors, Leon Bridges, Sylvan Esso, Gus Dapperton. www.madcoolfestival.es RREl grupo de Australia The

—TANIT CORTÉS

R Más en www.mondosonoro.com

Avalanches nos descubre la lista de las canciones y las colaboraciones de su tercer disco. “We Will Always Love You” (Universal Music, 20) contará con invitados de lujo como MGMT, Rivers Cuomo de Weezer, Denzel Curry; Johnny Marr, Neneh Cherry, Karen O, Perry Farrell, Blood Orange, Tricky o Kurt Vile, entre muchos otros. El tercer álbum del grupo saldrá a la venta el 11 de diciembre. También está disponible una edición limitada del libro de fotos de The Avalanches disponible en su tienda oficial.

RRDe la colaboración entre el

líder de Indochine, Nicola Sirkis, y Christine & The Queens nace “3SEX”, una versión actualizada del tema del 86 que acaba de ver la luz. En 1986, “3e sex” se convertía en uno de los éxitos de la banda francesa Indochine. El grupo de new wave sacaba en los ochenta un tema sobre la liberación de género y la tolerancia sexual.

RRLlevábamos tiempo esperan-

La Inquisición dan un paso adelante con “Tenevrae” (HFMN, 20), continuación de “Lvx”, su primer álbum. Lo presentarán en Tarragona, en un concierto único junto a Crim.

T

enevrae” es una continuación de “Lvx”? Por eso que dijisteis una vez de “Lux y Tenebrae”, la luz y las tinieblas...

Nuestra intención es esa. Aunque realmente no se trate de álbumes conceptuales, nosotros solemos tratar temas universales en las canciones, como el amor, la muerte, la nostalgia o el paso del tiempo, en ese aspecto sí es una continuación lógica de LVX. —En la entrevista sobre el primer álbum hablabais de la luz y la oscuridad y ese punto de convergencia.

Pero las canciones del nuevo disco todas son todas muy oscuras.

Nosotros tenemos una forma de expresarnos enraizada en esa funestidad o en esa negritud, no obstante, tenemos una visión esperanzadora sobre la vida. En nuestro último álbum hay una frase por ahí en el artwork que dice “Y los que viven en las tinieblas, se alzarán hacia la luz”. Creo que esto resume bastante nuestra filosofía, cuya imagen recurrente sería como un túnel negro en el que se vislumbra la salida… En definitiva, teniendo presente que estamos aquí de paso, podemos vivir más plenamente —¿Hay un cambio de “Lvx” a “Tenevrae” con respecto al sonido? Este nuevo trabajo tiene más melodías rock que el anterior.

Es posible. Nosotros no somos muy conscientes realmente a la hora de componer, al fin y al cabo somos recipientes de todo lo que escuchamos y lo vamos volcando en los temas. Me consta que Alex ha escuchado mucho

a Manowar por ejemplo, así que supongo que lo que dices es acertado.

—¿Toca este nuevo disco temas más político-sociales? La canción “El himno de España” es bastante crítica con la situación actual del país.

“El himno de España” intenta ser una especie de fotografía de lo que es para nosotros esa especie de sinergia de esas “dos Españas” que se van devorando poco a poco y que siguen presentes actualmente de una forma un tanto emocional dentro del sistema actual. Es un tema explícito que habla por sí solo. Nosotros no somos una banda política per se y cuando tratamos este tipo de temas lo hacemos utilizando un lenguaje un tanto poético y posiblemente desde un punto de vista quizá más personal.

—¿Cómo os ha afectado la crisis de la COVID-19?¿Cómo os sentó el hecho de tener que cancelar bolos?

Justo un día antes del confinamiento terminamos de grabar, así que… A parte de que la vida artística se ha parado en todo el mundo e imagino que no nos ha gustado a nadie, este disco es hijo del año de la rata y de todo lo que conlleva, el coronavirus incluido.

En este aspecto hay varias formas de verlo. En nuestro caso creemos que darse cabezazos contra una pared no tiene sentido, así que intentamos tomárnoslo con filosofía y paciencia, como decimos en otro tema nuestro “Todo pasa”. —GEMMA PUIG BRU

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e “Teniendo presente qu, estamos aquí de paso podemos vivir más plenamente”

do a que los catalanes Love Of Lesbian publicasen nuevo material de adelanto de su próximo larga duración. Y ya lo tenemos aquí. La canción se llama “Cosmos (Antisistema solar)” y se estrena con un videoclip de nada menos que Kike Maíllo y Joseba Elorza (Miraruido). La canción continúa jugando con los dobles sentidos y con ese espíritu tan habitual en las piezas que componen los de Santi Balmes. Supone su primer material desde “El cometa Halley”, que publicaron en 2016.—MS

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y qué recuerdos tienes? Tu música evoca un recuerdo bastante alegre y festivo, ¿tienes pensado volver?

La verdad estoy muy contenta que este último disco, tiene tanta referencia cultural porque era lo que yo quería desde hace mucho tiempo. Estar en África valió mucha la pena para mí.

Mucha gente me pregunta, “Nakany aunque tu música sea alegre, no deja de ser reivindicativa”. Y eso es porque yo siempre trato de dar alegría a mi música, aunque las letras sean más duras o tristes. Siempre intento mezclar eso con la alegría, así la gente que me escucha y se encuentra en esa situación tendrá más positividad. Verán una salida del túnel en el que están y podrán ver el futuro de una forma algo más positiva. Y creo que lo estoy logrando, por lo que veo en la actitud de la gente mientras escucha mi música y por lo que me dicen.

—La mujer como tema de reivindicación siempre ha estado muy presente en tus canciones. ¿Crees que es posible un cambio aquí y en Conakry? ¿Sientes que crece el empoderamiento femenino en los dos países y en ti?

Yo creo que sí. No es algo que cambie de la noche a la mañana, pero todo se puede con la lucha, por ejemplo. En Guinea puedes decir todo cantando y pedir justicia al mismo tiempo, y muchas veces funciona.

La Inquisición De la luz a la oscuridad

diciembre julio 2020 #35

ENTREVISTA

“ “Mi esperanza es que este disco pueda ofrecer algo así como una salida o consuelo”

#36 diciembre 2020

E

n primer lugar, enhorabuena.

“Atlas Vending” suena increíble, es salvaje y funciona perfectamente como la continuación de los álbumes anteriores... No necesitas innovar o cambiar drásticamente para sentirte satisfecho con tu trabajo, ¿verdad? Entonces dime, ¿cuál fue tu intención cuando entraste en el estudio para grabar tu cuarto álbum?

Gracias. Nos movemos a nuestro propio ritmo. Estamos creciendo y cambiando, pero ciertamente no apresuramos el proceso. Sentimos que justo ahora hemos empezado a alcanzar nuestro potencial como banda y músicos.

—¿Cuál fue tu intención al entrar en el estudio?

Cuando escribimos “Atlas Vending” sabíamos que habíamos dado un salto sustancial en la composición de canciones y queríamos capturar las canciones de una manera más grande, más limpia y más audible.

—¿Y cómo fue eso de trabajar con Ben Greenberg de la banda Uniform?

Con Uniform hemos estado de gira varias veces por los Estados Unidos y nos convertimos en familia muy rápidamente. Ben siempre nos ha apoyado y se ha interesado en impulsarnos y en involucrarse en nuestra banda. Él es como una bola de energía y tiene muchos conocimientos musicales. Sabíamos que su presencia sería buena para el ambiente del estudio, que a veces puede volverse algo pesado o demasiado serio. Consiguio que la experiencia fuera ligera y divertida. Fue un placer y muy fácil capturar lo que queríamos en cinta.

—En el anterior trabajasteis con Steve Albini (Shellac, Rapeman, Big Black) y ahora lo coproduce con Greenberg. Supongo que aprendisteis mucho de la experiencia con él en Chicago.

Nos encantó trabajar con Steve. Aprendimos mucho de él y todo eso lo llevamos con nosotros. Hicimos mucha preproducción y demos, por lo que el proceso de seguimiento fue muy parecido al de Chicago. Sin embargo, esta vez nos tomamos muchas más libertades y experimentamos a nivel sonoro que en “Strange Peace”, especialmente en el apartado de las guitarras y los amplificadores.

—El resultado es un disco oscuro, con partes muy primitivas como en la inicial “Pulse”, pero también hay destellos de luz en canciones como “No Ceiling” y “Hail Taxi”, que me parecen dos de los momentos más redondos del disco y prácticamente de vuestra carrera. ¿Cuál es vuestra canción favorita de todo el disco?

Realmente me gustan todas, pero “Framed By The Comet’s Tail” es probablemente mi corte favorito. Creo que es un gran paso adelante musicalmente para nosotros y demuestra que ahora podemos ir a muchos lugares musicales diferentes. El futuro parece mucho más grande ahora después de este tema. Es algo así como el fruto de un extraño amor entre Polvo y los primeros Echo And The Bunnymen.

—¿Hay algún concepto detrás del título “Atlas Vending”? Toca conceptos como la adicción, el aislamiento, la paranoia inducida por algunos medios de comunicación… La banda sonora ideal para un año tan terrorífico como el 2020, ¿no crees?

A la mierda el 2020. Es asombroso lo mucho que “Atlas Vending” puede interpretarse como una respuesta directa a la pandemia, pero no lo es. Se compuso y grabó antes del confinamiento, pero las letras y la tensión general son increíblemente identificables con este momento. Todos estamos viviendo juntos este momento sin precedentes en la historia y da miedo.

Creo que a veces nos sentimos paranoicos, frustrados, confinados y sin esperanza. Este álbum ciertamente toca esos sentimientos, pero también es esperanzador y hermoso, como en las canciones “No Ceiling” o “A Boat To Drown In”.

—¿Cómo os está afectando la crisis del covid? Muchas bandas han preferido esperar y no publicar

MET SI FRENO Los canadienses Metz también se han propuesto amenizarnos este horroroso 2020 con “Atlas Vending” (Sub Pop/Popstock!, 20), unos cuarenta minutos tan ruidosos como liberadores. Su cuarto trabajo se antoja como la banda sonora perfecta para estos tiempos de pandemia que solo unidos podremos superar.

Hablamos de su nuevo disco y su contexto con Alex Edkins, cantante y guitarra de la banda afincada en Toronto.

—TEXTO Luis Benavides —FOTOGRAFÍA Norman Wong

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TZ IN OS

nada si no pueden asegurarse unos cuantos conciertos. Vosotros, en cambio, habéis mantenido vuestros planes a pesar de todo.

Es una perspectiva desgarradora. Cuando pones tu corazón y tu alma en un disco, realmente quieres poder compartir esa música con tantas personas como sea posible y que llegue al máximo de oídos.

Lanzar música en esta época (transmisión, redes sociales, poca capacidad de atención) es bastante difícil, pero hacerlo cuando el mundo está en estado de pánico y no podemos hacer giras y conectarnos con nuestros seguidores es definitivamente un desafío en muchos niveles. Financieramente, por supuesto, es un reto. Aplazamos nuestra fecha de lanzamiento varias veces, pero no podíamos esperar más. Mi esperanza es que este disco pueda ofrecer algo así como una salida o consuelo, que nos una a todos durante cuarenta minutos.

—En un mundo perfecto, en la ‘vieja normalidad’, ahora estaríais girando y respondiendo estas preguntas desde la furgoneta.

No sabes lo que tienes hasta que se acaba. Añoro hacer giras y tocar música en vivo más de lo que nunca imaginé. Es una parte tan intrínseca y central de mi vida… De eso depende en buena medida mi salud física y mental, mi felicidad y conexión con la gente.

Ha sido muy difícil que me quiten eso, pero intento mantenerme optimista y agradecido. Paso más tiempo con mi familia, lo cual realmente es un regalo.

—En España es imposible organizar conciertos como los de antes, solo se puede asistir a espectáculos con aforos muy reducidos y sentados, con sillas mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

a metro y medio de distancia. Todo muy raro. Me consta que en otros países no son tan estrictos y se está apoyando la cultura.

Aquí, en Canadá, pasa un poco lo mismo. No hay conciertos y toda la industria está cobrando un elevado precio. Los locales, los promotores, los ingenieros de sonido, los camareros y los músicos no pueden trabajar. Personalmente he tenido la suerte de trabajar en música para películas y programas de televisión, así como la producción de vídeos musicales para otras bandas, por lo que he podido tener algunos ingresos adicionales.

—Por último, siempre digo que veros en directo es lo más parecido a ver a los mejores Nirvana, una versión actualizada y ruidosa de la banda de Cobain, Novoselic y Grohl, una de las bandas más ilustres del catálogo Sub Pop, vuestro sello de siempre. Tengo curiosidad por saber si fueron una influencia para vosotros en algún momento…

Gracias, pero honestamente nunca me gustaron cuando era más joven. Era un chico un poco esnob y siempre quería cosas diferentes. Creo que entonces yo me consideraba demasiado punk para ellos (risas). Era bastante infantil esa actitud y con el tiempo aprecié su legado. Nunca han sido una influencia directa pero los tres crecimos cuando alcanzaron su pico de popularidad y no dejaban de sonar en la radio y la tele todos los días por lo que supongo que no pudimos escapar de su música. Si hay algo, supongo que es inconsciente. —L.B.

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diciembre 2020 #37

MONDO FREAKO

H

an pasado cuatro años desde “Everything At Once”. ¿Cómo ves en retrospectiva ese último disco?

Siendo sincero, creo que el último álbum tiene muchos defectos, los últimos, en general. Pero sé por qué: lo que tienen en común es que yo no estaba realmente presente, estaba ocupado siendo padre, tenía que cuidar de mi hijo estos últimos catorce años. Quizás el último que escribí al cien por cien fue “The Boy With No Name”. Hay muchas canciones que me gustan en estos álbumes, ojo, pero sé que yo no estaba del todo ahí. Ha tenido que venir Clay, mi hijo, a decirme “papá, que yo estoy bien, haz lo que tienes que hacer en la banda”, para poder focalizar mi energía en la música de nuevo. Y la verdad es que estoy muy, muy contento con este disco por eso mismo, porque he estado al cien por cien como compositor, escribiendo las canciones.

Es que, ahora mismo, escribir una canción es un acto radical. Porque todo ha cambiado mucho, los verdaderos compositores no son ahora tan importantes, está todo mucho más industrializado. La industria musical está capitaneada por productores y por cantantes, pero la composición se ha dejado a un lado. También influye la democratización que ha supuesto la tecnología, lo cual está bien, pero es como con esto de que ahora todo el mundo sea fotógrafo: que tengas una cámara no te hace fotógrafo. Al igual que no porque lo hagas sonar como una canción significa que eso sea una canción. Es como con la comida sintética: parece la comida de verdad, huele como la comida de verdad, incluso puede saber como la comida de verdad, pero hay algo que... Hay algo que no.

—“10 Songs” se grabó las navidades pasadas, y salió en octubre.

#38 diciembre 2020

“

¿Pensasteis retrasar el disco por la pandemia?

Pues a ver, el tema salió. Tenía que salir. Pero habían pasado cuatro años del último disco, y lo teníamos grabado desde navidades, así que pensamos que no podíamos seguir retrasándolo más. Mira... podíamos pensar que es un tiempo loco para sacar discos, sí, pero también que es un buen disco, y que la gente necesita escuchar buenos discos ahora más que nunca. Necesitamos escuchar canciones que vengan desde un lugar de verdad, que tengan buenas melodías y que te hagan sentir bien.

—Acabas de volver de Estados Unidos, y estás ahora en plena cuarentena de catorce días. ¿Cómo lo estás llevando, y qué tal el tiempo por Estados Unidos?

Sí. Mi hijo y yo estamos pasando la cuarentena juntos, pensé que podía venirse conmigo, y tener esta “aventura padre-hijo” tan particular, porque él tiene las clases online. Es un tiempo muy complicado en Estados Unidos ahora mismo: los incendios, el racismo, por supuesto el virus... La gente se está volviendo loca, y es comprensible.

Además tienen un gobierno que es parte del caos, Trump lo lleva todo como si fuese un reality show, como si fuese otra temporada de “The Apprentice”, “a ver qué decimos hoy para cabrear y distraer”...

Pero claro, no es un reality, es la vida real. Estás afectando a las vidas de millones y millones de personas. La gente se está muriendo por tu culpa. Trump es un genio en cuanto a manipular a la prensa.

“La gente necesita escuchar buenos discos ahora más que nunca”

Tra ca

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Travis están de vuelta, y lo están con “10 Songs” (BMG, 20), el que probablemente sea su mejor disco en más de una década.

Fran Healy (voz, guitarra y compositor de la banda) sabe que las circunstancias actuales no son muy favorecedoras, pero se ha implicado al máximo en esta etapa, hasta el punto de dirigir cada videoclip que ha salido,. Hablamos con él mientras pasa la cuarentena con su hijo.

—TEXTO Pablo Tocino

avis Más anciones mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

—Lo cual es bastante frustrante.

¡Es que los medios, en lugar de pararlo, le han estado ayudando! ¡No paran de darle oxígeno! Los medios son adictos a Trump, y cada vez que dicen “no es nuestro líder”... ¡claro que es vuestro líder! ¡Le seguís a todas partes! Dejad de hacerlo, y no lo será. Le estáis dando poder, porque se alimenta de vosotros. No lo entiendo... Y a la vez lo entiendo, claro. Estados Unidos es un país que está muy jodido, seamos sinceros.

—En España tenemos un debate parecido sobre el papel de los medios con un partido que tiene una estrategia parecida. Detrás de ellos, y detrás de otros partidos de otros países que usan técnicas similares (y con ideologías similares), está Steve Bannon, antigua mano derecha de Trump. Aquí desde luego les está funcionando, no paran de crecer, y los medios no paran de dar altavoz a cualquier burrada que dicen, luego la gente lo amplifica en redes favoreciendo el algoritmo, etcétera.

La prensa no puede parar de darles altavoz porque se trata de dinero. Al final, todas esas burradas, todos esos clicks, suponen dinero. Y eso lo aprovecha este tipo de gente. Mira, hay un documental de la BBC que se emitió justo antes de la victoria de Trump, “Hyper Normalisation”. El término da nombre a una técnica que comienza a hacer el régimen de Putin, una técnica que Trump conoce muy bien, y por supuesto Bannon y todos esos partidos que él apoya. Es casi una forma de gobierno, fabricar noticias falsas continuamente, y alimentar a la prensa con ellas. Noticias falsas pero súper llamativas y con mucha capacidad para cabrear a la gente, eso sí. Y dentro de todas estas noticias, colaban la verdad. Al final el ser humano se rinde, es demasiada información, no sabes cuál es cierta y cuál no, te cabreas igualmente... Y eres más fácil de controlar.

—Volvamos a la música. El álbum está coproducido con Robin Baynton. ¿Por qué lo elegisteis a él, y qué valoración haces de su trabajo con vosotros?

Robin llegó a mí a través de Isaac Gracie, quien me recomendó conocerle, y así lo hice. Nos conocimos, nos emborrachamos... Ninguno de los dos solemos beber, que conste, pero bebimos un montón, y nos conocimos mutuamente un montón también. Es un tipo encantador, y creo que ha conseguido que tengamos uno de los mejores discos de nuestra carrera.

—En estas circunstancias tan raras, has dirigido tú todos los videoclips que han salido del álbum. Entre ellos está el de “All Fall Down”, que sé que está inspirado en el trabajo de Tony Hart, que te gustaba mucho de crío, ¿no?

Sí, era un programa llamado “Heartbeat”, mi programa favorito cuando era niño, estuve a punto de ir a la Escuela de Artes por él, quería ser pintor... Y aún quiero serlo, realmente. No es tarde, ¿no? Todavía tengo tiempo. Había una idea de otro chico para el videoclip, pero no me convencía, la situación era la que era... Así que pedí que le dijesen al chico que gracias, pero que no. Que lo haría yo. Y me gasté el presupuesto en una tienda de arte. A medida que paseaba por la tienda se me iban ocurriendo cosas que podía hacer con todo lo que encontraba.

—Susanna Hoffs de The Bangles canta contigo en “The Only Thing”. Imagino que fue casi un sueño, ¿no? ¿Cómo contactase con ella? ¡La conocí por Twitter! Hace tres años la seguí, como miles de personas, ella publico un vídeo cantando “Eternal Flame” al que yo respondí diciendo “qué bien cantas”, ¡como miles de personas! ¡Y ella me respondió! Encima lo vi al tiempo, porque no suelo entrar a Twitter con frecuencia, y cuando lo vi, me quedé como... “¡Dios mío!”.

Le pasé pantallazos a todos mis amigos, “¡Susanna Hoffs me ha hablado!” (ríe). Así que más adelante, cuando estaba pensando en hacer un dueto, le escribí. “Con quien puedo... ¡oh, Susanna Hoffs! No, no, ni de coña no lo haría, ni de coña... ¿o quizás sí?” (ríe). Recuerdo que no supe de ella en dos semanas, así que pensé que no quería... ¡pero finalmente me respondió diciendo que sí! Y el resultado... la verdad es que me suena como a clásico.

—Es mi favorita del álbum.

Mira, tengo la melodía desde hace seis años. Y normalmente te quemas mucho de las melodías, yo me quemo rápidamente si no les doy salida... Pero ésta se quedó conmigo todos estos años. Por algo será.

—Es común que en las bandas surjan tensiones y acaben separándose, pero Dougie, Andy, Neil y tú seguís juntos tras veinticinco años. ¿Cuál es el secreto de vuestro matrimonio?

Ser escoceses (ríe). En serio, creo que sí. Los escoceses somos muy leales y tenemos los pies en la tierra, no se nos va tanto la olla. Los escoceses nos vemos a todos como iguales, está en nuestro ADN. —P.T.

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diciembre 2020 #39

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Si hay una palabra que preside la distendida charla que mantenemos con Javier Ibarra (Zaragoza, 1980) en la terraza de un bar de su ciudad natal es respeto. El rapero mañico se lo ha ganado con creces durante una carrera en la que no ha dado ni un paso en falso. Siempre consciente de dónde viene, pero valiente a la hora de arriesgar.

Le pese a quien le pese, Hinds es el joven cuarteto español que mejor ha sabido recuperar la esencia de lo que la música rock nunca debería dejar de ser: Frescura, desparpajo, diversión y pasión, mucha pasión. Y eso es algo de lo que estas chicas andan sobradas. Sentarse con ellas sirve para darse cuenta enseguida de que lo suyo está muy lejos de ser flor de un día.

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ENTREVISTA

Puro teatro Silvia Pérez Cruz

Sílvia Pérez Cruz nos atiende al teléfono con motivo de la salida de su fantástico último trabajo “Farsa (Género imposible)” (Universal, 20) y aprovechamos para charlar sobre el proceso de grabación, los directos que nos tiene preparados, la importancia de experimentar con su música o su forma de versionar, entre muchas otras cosas.

—TEXTO Jesús García Serrano

L

as canciones recogidas en “Farsa (Género imposible)” surgieron como parte de otros proyectos artísticos, ¿han sido todas regrabadas para esta ocasión?

La mayoría sí. Se han grabado en mi casa con grandes amigos músicos, lo cual para mí es como cerrar un círculo. Las canciones, en su origen, nacieron del diálogo, de compartir la creación, de intentar ver cómo otros artistas cuentan la misma realidad; desde la danza, el cine, el teatro o la poesía. Fue brutal.

En esos espacios aprendí muchísimo. Cuando decidí grabar este disco, aunque lo tenía todo compuesto, había que elegir cómo iba a sonar. En ese momento reflexioné muchísimo sobre la diferencia entre la fortaleza con la que nos mostramos y la imperfección que nos define. Y me di cuenta de que, en el arte, a mí lo que me apetece es hablar de la fragilidad y de la belleza que tiene esa imperfección. Y disfrutarla.

—Comentabas hace unas semanas en redes sociales que la maternidad está muy presente en el disco, tanto en las letras, como en el hecho de cómo ha sido grabado y editado, completamente desde casa para poder pasar más tiempo con tu hija. ¿Cómo ha sido esta experiencia?

Ha sido algo muy bonito. Ser madre es lo más bestia y el amor más grande que he sentido y lo que me hace aprender más de mí.

No me di cuenta hasta una vez terminado el disco, gracias a una entrevista, de que la maternidad estaba muy presente. Y sí, lo he grabado e incluso editado yo sola desde casa, pensando en estar allí lo máximo posible, sin tener que salir. Además, el disco supone un homenaje a mi madre, que es la que me ha enseñado a mirar y la #42 diciembre 2020

que me ha dado la libertad y la confianza para ser yo. Mis primeros recuerdos potentes de felicidad son de la escuela de mi madre.

Ella es la que me enseñó a entrelazar las artes, a entender cómo suena un cuadro, qué colores tiene una canción o cómo se puede bailar una fotografía.

—Gracias entonces al impulso de tu madre tenemos a la Silvia de hoy en día, que es rupturista, que se atreve a experimentar, que es un poco inquieta, o que nunca hace lo mismo dos veces, ¿no? Una persona que arriesga.

Mi madre me ha enseñado a ser yo. Pero, además, es importante tener interés por aprender y seguir vibrando. A lo largo de mi carrera he tenido la suerte de que me han ofrecido muchos proyectos lindos con artistas en los que he confiado y con los que tenía ganas de aprender. Me alimento de mirar por muchos ángulos, porque uno mismo al final llega a sus límites. Para mí el espacio artístico y, en concreto, la música, es donde más libre me siento y donde me reencuentro con quien soy y con lo que me importa. No debo olvidarme de disfrutarlo.

—Tengo entendido que tenías pensado desarrollar tres puestas en escena diferentes para este disco, una sola con guitarra, otra con banda y otra con escenografía.

Sí, en octubre tengo fechas sola, y en noviembre y diciembre con la banda. El directo con escenografía se proyectará en primavera si todo va bien y lo haremos en el otoño siguiente. Ahora mismo estoy acabando de preparar los conciertos sola, porque quiero incorporar más cosas, más sonidos y también estoy ensayando con la banda. Hemos tenido que reorganizar todo lo que se anuló, por el confinamiento, y estamos intentando cuidar lo que venga sin que la incertidumbre nos deprima. Nos estamos ayudando unos a mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

otros, creando e invirtiendo tiempo, amor y dinero, confiando en que los conciertos se podrán hacer y disfrutando del proceso, porque si pensamos que no, es muy difícil seguir. Es importante que se cuide la cultura, que se entienda que no es solo un oficio que da de comer a muchísimas familias, o un entretenimiento, sino que nos hace sentirnos vivos. Y sentirnos vivos nos hace recuperar la ilusión para poder tirar adelante.

—En tu trabajo se aprecia cierto riesgo y experimentación en cada paso ¿Por qué crees importante innovar en la música y hasta dónde estarías dispuesta a hacerlo? ¿Veremos más caras de Sílvia Pérez Cruz en el futuro?

Las que hagan falta, las que necesite. Siempre digo que hay que ser valiente para cambiar cuando hace falta y para no cambiar si están bien las cosas. Para crear, a mí me funciona tanto estar sola como dialogar con otras personas. Estoy encantada de que me sigan proponiendo proyectos y de poder proponer yo otros. En muchas ocasiones te vas cruzando con gente que conecta con tu manera de ver el arte y eso te alimenta.

—¿Cuál es el secreto que tienes para versionar, sin perder tu identidad, a artistas tan dispares como Simon & Garfunkel, Bowie, Radiohead o Enrique Morente? O, más que a Enrique Morente, a Lorca, ¿no?

Sí, pero muy inspirada por Morente. Yo creo que cuando versionas no tienes que pretender hacerlo mejor que otro, porque sería imposible. Cuando una canción te gusta y tienes ganas de interpretarla, lo que tienes que hacer es pensar qué hay de ti en esa canción y buscar tu propia manera, que es la mejor que puedes ofrecer. Si intentas imitar al otro, creo que te quedas a medio camino.

—Tienes una versión preciosa de “Pequeño vals vienés “con mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

“

Pájaro. ¿No has pensado repetir alguna colaboración con él?

Pues sería bonito. Fue una propuesta externa y me encantó, así que sí. En ese encuentro nos íbamos escuchando todos los músicos y encontrando la sonoridad de cada verso, fue precioso. Me encantaría reencontrarme con él, por supuesto. Ojalá.

—Por cierto, hay cierta gente que compara lo que hacen María Arnal i Marcel Bages con tu estilo. ¿Te gusta lo que hacen?

Sí, claro que me gustan. Al principio, cuando aparecieron me recordaron mucho a lo que hacíamos en “Granada” (14) y alguna vez incluso escuchando a María pensaba que era yo. Era muy extraño. Pero creo que tienen mucho talento y que hacen cosas muy bonitas. Quiero escucharles más, pero sí, lo que he escuchado es muy lindo.

—¿Cuál es el siguiente reto de alguien que lo ha conseguido ya todo o casi todo en la música, como tú?

Para mí el reto es seguir teniendo ilusión, ganas de crear y emocionarme con lo que esté haciendo. No es tanto querer llegar a un sitio, como conservar un estado que va mutando. Y para eso, tienes que tener ganas de aprender y no tener miedo a equivocarte.

Mi reto es mantener este estado, esta forma de vida. —J.G.S

“Es muy importante cuidar la cultura, porque nos hace sentirnos vivos”

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3 diciembre 2020 #43

Nueva Más que una band Vulcano

ENTREVISTA

Percutiendo e insistiendo en sus constantes vitales creativas, Nueva Vulcano reaparecen cinco años después con “Ensayo” (B-Core/La Castanya, 20). Mucho más que una banda de culto, el trío barcelonés formado por Artur Estrada (guitarra y voz), Wences Aparicio (bajo) y Albert Guàrdia (batería), nos entrega uno de sus mejores trabajos, artísticamente su obra más rica y ambiciosa.

Cosas del confinamiento.

“Entendemos el grupo como nuestra manera de aportar algo, incluso a nivel ideológico”

#44 diciembre 2020

T

odo empezó la tarde y la noche del 22 de febrero cuando protagonizasteis una doble sesión tocando en directo los temas del que sería su nuevo disco, “Ensayo”. Un álbum que grabasteis una semana después.

(Artur Estrada) Teníamos la sala, la VOL, y la idea.

Hacía tiempo que habíamos hablado de hacer una especie de ensayo abierto con público. Cuando anunciamos los dos conciertos, ya sabíamos que el disco se iba a llamar “Ensayo”. Fue una idea que nos condicionó porque implicaba tener todo super listo y definido para los conciertos, antes de entrar en el estudio. Un reto guapo. Muchas veces los grupos van al estudio a ver qué pasa, nosotros fuimos con todos los deberes hechos. Esto nos permitió, también, grabar el disco en directo: los tres a la vez en la misma habitación.

(Albert Guàrdia) Ese feeling de tocar en directo, juntos, ha quedado recogido en el disco.

—Un disco surgido de los ensayos de fin de semana en Castellar del Vallès.

(Artur) Con Albert viviendo en Madrid, dejamos el local de ensayo de Barcelona y montamos nuestro campamento base en casa de sus padres en Castellar del Vallès. Nos juntábamos cuando venía los fines de semana. Lo íbamos a buscar al aeropuerto, nos quedábamos a dormir ahí...

—De alguna manera, un espíritu muy adolescente.

—TEXTO Oriol Rodríguez (Artur) Totalmente. Sus padres nos han cuidado a saco. Se han involucrado muchísimo. Una pasada.

(Albert) Les encanta que haya gente por casa. Somos tres hermanos: uno que vive en Nueva York, yo en Madrid y otro en Barcelona pero que va a su rollo. Cuando se lo planteé, lo de volver a ensayar en casa, aceptaron al momento.

(Artur) El local está en el sótano, y nos venían a buscar a la una del mediodía para que paráramos de tocar y hacer juntos el vermut. “Ensayo”, el título del disco, también es esto, un pequeño homenaje a la gente que nos rodea: los padres de Albert, mi mujer y mis hijas... que creen en lo que hacemos y nos los permiten hacer. Tal vez porque lo hacemos cada cinco años. Si lo hiciéramos cada año (ríe).

—Por letras, seguramente “Ensayo” sea vuestro disco más concienciadamente social y político.

(Artur) Soy de la generación de la gira Human Rights Now! Con Bruce Springsteen y Sting al frente. En el 88 estuve en el Camp Nou en primera fila. En Nueva tenemos nuestro imaginario y maneras de hacer las cosas, pero siempre nos ha gustado estar en contacto con lo que está pasando. Entendemos el grupo como nuestra manera de aportar algo, incluso a nivel ideológico.

—Empezando por la manera en la que funciona el grupo y los valores relacionados con ello.

(Artur) Totalmente. Y creo que la gente lo valora, pero también podemos aportar por las letras. No somos ajenos a nada. Y me molesta que llame gente a casa queriéndome vender un seguro que no me puedo permitir. O que si quieres comprarte unas bambas de repente no dejen de aparecerte anuncios de bambas en Internet.

—¿Y este momento y este entorno qué puede aportar vuestra música?

(Artur) Soluciones es evidente que no. Reflexión. mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

a da de culto o

(Albert) Nuestras letras hablan de muchas cosas. Puede que no seamos explícitos en nuestra postura contra este orden mundial que impera, llamémosle capitalismo, pero sí hay mucha reflexión en lo que decimos.

(Artur) No somos U2, no podemos aspirar a cambiar nada, pero sí podemos hacer nuestra aportación.

—Que tres tipos de cuarenta años tengan un grupo de indie rock de guitarras seguramente sea lo más reaccionario que se pueda hacer ahora mismo.

(Artur) Hemos tenido la surte de que formamos parte de una escena y en el pasado con Wences fuimos a un montón de conciertos que en aquel entonces no reunían a mucha gente pero que han acabado teniendo su importancia y relevancia. Pero siguen apareciendo grupos de guitarras de gente joven cuando parecía absurdo.

—De hecho, el concepto “ensayo” también puede sonar anacrónico.

(Artur) No nos pasamos pistas de audio por mail o wetransfer. Tenemos una manera de funcionar megalítica y ancestral. Menos mal que no nos ha dado por cambiar.

—De hecho, uno de los problemas a la hora de entrevistaros es que sois los mismos de siempre: un disco de Nueva Vulcano es algo tan sencillo y complejo como eso.

(Artur) Cinco años más tarde volvemos a estar aquí y...

Ya (ríe).

(Wences Aparicio) Creo que es un disco mucho más producido que los anteriores.

(Albert) Hemos trabajado la producción canción a canción. Y en nuestro micro avances disco a disco es una de las principales diferencias.

(Artur) Siempre habíamos trabajado a salto de mata: una semana para grabar y otra para mezclar. Esta vez Santi (García) se involucró en el proyecto ya desde a fase de creación en el local de ensayo. Y ya íbamos a dedicar más tiempo a mezclar, que acabó siendo mucho más por el tema de la pandemia. Lo que tenían que ser dos semanas de mezclas fueron dos meses.

—¿Cómo vivisteis el confinamiento?

(Albert) Grabamos el disco entre finales de febrero e inicios de marzo, y el confinamiento, a nivel de grupo, y esto que quede bien claro, que me refiero exclusivamente a nivel de grupo, nos fue muy bien. Tuvimos sesiones interminables de Zoom con Santi trabajando en la postproducción y mezclas de cada una de las canciones.

—¿Sin el confinamiento hubiera sido un disco diferente?

(Albert) Al final todo es una cuestión de tiempo. Sin el confinamiento las rutinas vitales nos hubieran ocupado todo el tiempo que tuvimos mientras estuvimos cerrados. Vaya, que sin el confinamiento el resultado hubiera sido diferente seguro. Somos un grupo básicamente de directo y así es como nos ha descubierto mucha de la gente que nos sigue. Esta vez, sin embargo, nos apetecía que la gente nos disfrutara a través del disco.

—Si hubierais grabado el disco pero no lo hubiera podido escuchar nadie, ¿el disco existiría?

(Artur) Pero es que este juego de historia ficción no es posible desde el momento en que antes de grabar el disco ya dimos dos conciertos y trescientas personas pudieron escuchar las canciones.—O.R.

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diciembre 2020 #45

NUEVO DISCO 2CD | 2L P | 2L P LTD – 04. 12. 2020 TOD OS L OS INGR ES OS SE DESTINA N A WA R CHIL D UK

CÓMIC

Émile Bravo Viñetas de humanidad

Como muchos de nosotros, Émile Bravo es un niño grande. Pero un niño con un talento increíble: su capacidad por crear personajes que uno diría de carne y hueso, llenos de dudas y contradicciones, pero capaces también de convertirse en héroes por las circunstancias. Con él charlamos a propósito de uno de sus mejores trabajos “La esperanza pese a todo” (Dibbuks, 20).

É

mile Bravo no solamente es un gran guionista y dibujante de cómics que ha dedicado buena parte de su vida al público infantil y juvenil, sino que también es una persona afable y habladora con la que resulta imposible no vislumbrar cierta confianza. Gracias a la hora larga de conversación que mantenemos –aquí encontrarán solamente una pequeña parte– descubro que sus cómics son una extensión de una filosofía de la vida que lleva desarrollando desde hace treinta años. Charlar con él –en perfecto castellano con acento francés: su padre era catalán y su madre valenciana– es imaginarle dibujando cada una de sus viñetas con optimismo y con un bagaje que no deja de crecer.

—Con “Diario de un ingenuo” le diste un giro a lo que habíamos leído de Spirou hasta el momento y fue un punto de partida muy importante

para lo que luego has ido creando en “La esperanza pese a todo”. El resumen, por tanto, es si te sientes orgulloso de lo que has conseguido trabajando con unos personajes tan importantes y que no creaste originalmente tú.

La verdad es que nunca me he planteado eso. Cuando haces una historia, cuando estás con tus muñequitos como los llamo yo, lo que haces es jugar con ellos. Así que usar la palabra orgulloso no sé, me parece un poco fuerte (risas). Pero lo que sí te puedo decir es que estoy muy contento de que tanta gente lea estas historias que he hecho, porque en Francia también han tenido mucho éxito, ¿sabes? Eso es lo que más puede agradecer cualquier autor. Y te voy a decir una cosa, cuando crearon esta colección de Spirou para Francia y Bélgica, realmente el poder expresarme con dos personajes tan populares e importantes como

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Spirou y Fantasio, para mí era algo increíble... Ahí sí que estoy orgulloso.

Me digo a mí mismo algo como “Vale, lo has conseguido”. Puedes hacer pasar ideas –ya que son álbumes leídos tanto por jóvenes como por adultos, y piensa que yo siempre he trabajado para la juventud– estos mensajes humanistas a los jóvenes y que, al mismo tiempo, funcionen para adultos... Entonces, sí que podría decirte que estoy orgulloso en ese sentido.

—Es evidente que “La esperanza pese a todo” funciona perfectamente tanto para público joven como adulto. Te diría que ya ocurría con “Diario de un ingenuo”, incluso me arriesgaré y te diré que también con los álbumes de Jules, que me encantan.

Es lo que intento hacer. Yo creo que si hago este tipo de arte es, cómo te lo diría, para hacer de puente entre generaciones. Me parece superim-

3 diciembre 2020 #47

FOTO: ELENA BLANCO

47/Mondo Media

MONDO MEDIA

“Vosotros que os creéis tan adultos, no lo sois todavía. Sois seres r” humanos por construi

3

portante. Porque yo he crecido así. Tenía un padre con el que podía hablar. Los adultos que no me tomaban por un niño, o por tonto, me ayudaron a desarrollarme. No importa que no pillase todo lo que me contaban, pero es así cómo mejor te desarrollas. Cuando yo hablo con un niño, me gusta hablarle normalmente, que sienta que está considerado. Eso es muy importante, creo, para el desarrollo de un niño. Hay padres que se quejan de que sus hijos siempre les preguntan y les preguntan, pero para mí eso es lo que me interesa. Todo lo que es intergeneracional. Contestar a esas preguntas de los niños es una de las cosas más importantes para mí. Cuando yo era pequeño preguntaba mucho y esperaba que me respondiesen y me ayudasen a entender un mundo que no entendía muy bien. Quería que me diesen explicaciones para hacerlo, la verdad.

—Spirou y Fantasio siempre han ido de la mano, pero una de las cosas que me gustan de estos tres cómics de los que estamos hablando –e incluso de las aventuras de Jules– es cómo describes las relaciones entre los protagonistas. Desde el principio has conseguido que tus personajes vayan evolucionando y creciendo. Fantasio por ejemplo va aprendiendo de sus errores continuamente.

Sí, claro (risas). Es la evolución de los personajes y, en el caso de Fantasio, para mí es una manera de decir que aunque seas adulto siempre tienes cosas que aprender y descubrir cómo salir adelante. Mira, cuando era pequeño muchas cosas no las entendía y pensaba que tenía que ser adulto para enten#48 diciembre 2020

der el mundo, y ahora que soy adulto... ¡Sigo sin entenderlo! (risas). Sigo sin entender por qué el ser humano es tan burro (risas). Es mi manera de decir “vosotros que os creéis tan adultos, no lo sois todavía. Sois seres humanos por construir”. Yo pienso que el ser humano es una cosa que se construye poco a poco. No naces humano, eres un animal al principio.

Tienes que ir aprendiendo la humanidad. Y eso es algo que los niños pueden entender perfectamente ya de muy pequeños, que los adultos no funcionan bien (risas). [...] Justamente cuando yo era pequeño y leía Tintín, me interesaba muchísimo la relación entre Tintín y el Capitán Haddock. Me parecía genial. Y veías a Tintín y parecía más mayor y tenía mucha más conciencia que Haddock. Pero claro, me encantaba el Capitán Haddock (risas). Menos mal que estaba él, porque eso es lo que le daba todo el morbo y el sentido, esas relaciones humanas.

—Nunca he leído los cómics de Rob-Vel. Entonces, quería saber si tu influencia viene fundamentalmente de André Franquin.

Sí, claro. Es que Franquin era un genio. Y en esta colección querían que otros autores hicieron lo que había hecho Franquin en su momento, pero ¡eso es imposible! ¡Porque Franquin era un genio! No puedes hacer lo que hizo él. Es algo de una responsabilidad imposible. Pero cuando él estuvo haciendo esos cómics para los Dupuis, para la familia Dupuis, ellos pensaban que lo que hacía eran cosas para niños. No se lo tomaban muy en serio. Sabían que Frankin tenía talento, sí,

pero no habían entendido que era el genio que en realidad era. Por eso le pidieron a diversos autores seguir la serie, pero es imposible. Ese es el motivo por el que yo me sitúo antes de Frankin. No puedes seguir lo que hizo Frankin, por que era un mundo. De ahí que yo lo que hago es el antes de Frankin.

Es lo único que me atrevía a hacer. A mí realmente lo que me abrió los ojos en el cómic es el sello de Frankin, el de Hergé también, claro. Ellos me abrieron los ojos. Para mí el cómic es eso, lo que ellos me transmitieron en mi infancia. Me despertaron el interés y quienes lo consiguieron son genios. Son modelos para mí y lo que yo haga es secundario.

—Es posible, pero yo creo que has conseguido crear una etapa muy especial de Spirou que la gente recordará como muy especial.

Pues gracias. Espero, espero... Me alegro de que lo veas así, aunque en el fondo creo que es una cosa muy sencilla. Lo que hago es hablarle a los niños y, como te decía al principio, sin tomarles por idiotas. Lo importante para mí es transmitirles algo. Mírame, a mis cincuenta y cinco años, sigo diciendo que lo que he aprendido de esencial para desarrollar mi humanidad estoy obligado a transmitírselo a los niños. Y haciendo lo que hacemos, que son cómics. Que es algo que se inventó inicialmente para ellos, y eso no hay que olvidarlo. —JOAN S. LUNA

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La esperanza pese a todo

Émile Bravo Dibbuks, 20).

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CÓMICS

LIBROS Balearic.

Historia oral de la cultura de club en Ibiza

Liti-o

8

8

Heimat, lejos de mi hogar

Clara Peya Rosa dels Vents

Nora Krug Salamandra Graphic

Ángel Exterminador

Habla María

Iron La Cúpula

Bernardo Fernández, Bef Astiberri

8

7

Luis Costa y Christian Len Contra

8

El enorme rompecabezas que es cuadrar un relato oral con testimonios de casi cien personas debe ser una tarea titánica.

Quizá por eso Luis Costa, quien ya va camino de ser master en la materia (tras “Bacalao. Historia oral de la música de baile en Valencia 1980-1995” Contra, 16), ha contado esta vez con el DJ y periodista Christian Len para escribir un enorme volumen que nació a consecuencia de aquel.

Dos libros que documentan dos fenómenos que se desarrollaron en paralelo sin apenas tocarse, algo que hoy en día, en la era de la hiperconectividad, nos puede parecer inaudito. Alfredo Fiorito, César de Melero, José Padilla, Paul Oakenfold, George Evelyn, Carl Cox, Irvine Welsh o Antonio Escohotado son algunos de los ochenta y pico personajes que integran el reparto de tan fascinante historia. —CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

“No soy poeta. No es una excusa, es una realidad”. Con estas palabras arranca “Liti-o”, el primer libro de la pianista Clara Peya.

Si bien es verdad que Peya no es escritora, no cabe duda de que es una gran artista en todos los sentidos. Liberado de demasiadas florituras y estructuras presuntuosas, “Liti-o” –escrito en catalán y castellano– nos transporta al universo de la poesía singular, directa y compleja en su sencillez. El libro deconstruye el poema en si mismo, y no solo a nivel estructural sino a nivel conceptual. Peya se desnuda con preguntas y reflexiones sobre las relaciones, sean románticas o no, con otros o con una misma. Mensajes dirigidos a personas concretas y preguntas, muchas preguntas. Un viaje sensitivo donde encontramos frases con mucha intención y ansia de cambio.

Perteneciente a la segunda generación de alemanes nacidos tras el final de la Segunda Guerra Mundial, Nora Krug lleva una losa sobre su cabeza cuyo insoportable peso se le hace imposible de aguantar: no sabe quién es su padre ni su tío ni su abuelo.

Es decir, lo sabe pero no acaba de entenderlo ni, por supuesto, de creérselo. ¿Qué ocurrió para que sus antecesores participasen –de manera activa o pasiva– en un episodio tan ignominioso como es el Holocausto? “Heimat” funciona mejor que cualquier libro de Historia porque no hay un criterio general ni un acercamiento objetivo y consensuado.

Krug recopila recortes de prensa, sellos, fotos antiguas, documentos, salvoconductos y toda clase de elementos gráficos para comprender (se) mejor, y siempre desde la subjetividad.

—TANIT CORTÉS

—OCTAVIO BOTANA

Junji Ito. Estudio desde el abismo del terror

Reina del grito. Un viaje por los miedos femeninos

In memoriam.

Posesiones de un exflamenco

Isolada

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Varios Autores ECC

A estas alturas de la película, cualquier aficionado al mundo del cómic –superando las barreras del manga– debería conocer ya sobradamente a Junji Ito, uno de los grandes autores del terror contemporáneo. Diría que incluso quienes sencillamente estén interesados en la cultura popular deberían conocerle (Guillermo del Toro está entre sus grandes defensores), pero sé que eso no es así.

Por eso precisamente el valor de este libro es doble. Obra indispensable para seguidores y admiradores del mangaka japonés, libro para adentrarse en su universo.

Ahora bien, que nadie espere una obra de referencia en el sentido habitual. “Junji Ito. Estudio desde el abismo del terror” es un tomo algo anárquico y deslavazado en el que las piezas se combinan alocadamente hasta alcanzar alrededor de las doscientas cincuenta páginas.—JOAN S. LUNA

Desirée de Fez Blackie Books

Desirée de Fez, crítica de cine especializada en fantástico y sus derivados, ha escrito el libro más personal y valiente que un servidor ha leído en años. En él se repasan una serie de títulos clave del género que sirven de bisagra a momentos de su propia biografía. O quizá es al revés: Desirée quiere que la acompañemos por los miedos que la acosan desde niña y hasta la actualidad, miedos que remiten a films como “Crash”, “La profecía”, “Carrie”, “La posesión”, “Prevenge” o “La semilla del diablo”, entre otros.

Miedos que un hombre lee y a través de los cuales ve el cine –y por lo tanto, el mundo– de otro modo. Nunca podremos –los hombres– cmprender lo que significa volver a casa de noche con un miedo atroz a ser acosados, atacados, violados. Pero ellas sí, y Desirée lo transmite de un modo increíble. —OCTAVIO BOTANA

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Asegura la primera solapa de esta obra que estamos “entre un tebeo de Jan y uno de Liberatore. Como una peli de quinquis dirigida por George Miller. Y con música de Slayer. Las referencias son múltiples porque Ángel es hijo de mil padres”. A ello se le podría añadir el concepto de un Makinavaja en serio, un hijo bastardo de “Taxi Driver” o un Castigador sin el aura de superhéroe. El caso es que lo que realmente tenemos delante son centenar y medio de páginas que reeditan lo publicado en la revista El Víbora entre 1991 y 1999.

Probablemente la obra cumbre de Iron, pseudónimo tras el que se encuentra Carlos Hierro, colaborador habitual de Makoki y la citada El Víbora (hasta que decidió abandonar el mundo del cómic), y convertido gracias a este Exterminador en uno de los nombres de referencia del underground nacional. —EDUARDO IZQUIERDO

Precioso volumen no solo recomendable para adultos sino para leerse también acompañado por niños. Y es que Bef se ha marcado aquí una soberana novela gráfica sobre un tema tan complejo como el autismo.

De hecho, los dibujos amables y el texto no son más que una vía para comprender a esos niños y niñas con capacidades diferentes, pero no por ellos menos especiales que los demás. El autor lo sabe de primera mano, y es que esta obra está dedicada a su hija María, que padece esa condición. Por ello lo estructura todo en dos voces, la que sale de sí mismo y la de su propia hija, que muchas veces no llega a comprender, cosa que le supone un esfuerzo diario que acabará recompensándole enormemente.

A él y a su ex esposa Rebeca, la otra coprotagonista del cómic.

—EDUARDO IZQUIERDO Siempre tendremos 20 años

Keiler Roberts Alpha Comic

Jaime Martín Norma Editorial

Niño de Elche Hurtado & Ortega

La forma que tiene Niño de Elche de enfrentarse a la tradición más intolerante y su inabarcable necesidad de romper tópicos ya estaba ahí desde hace años. Y eso es lo que descubrimos –o mejor dicho confirmamos– en este “In memoriam. Posesiones de un exflamenco”, sin lugar a dudas el libro más interesante de todos aquellos en los que el nombre del cantaor ilicitano aparece en portada. Quizás debería ser su primer libro escrito como Francisco Contreras y no como Niño de Elche. Porque, en esencia, aquí nos vamos a encontrar con el chiquillo, el jovencito o el cantaor previos al artista. O mejor dicho, previos al artista actualmente conocido como Niño de Elche, puesto que leyendo estas ciento veintipocas páginas a uno le queda muy claro que, en cierto modo, el artista siempre estuvo ahí. —JOAN S. LUNA

Keiler Roberts posee una capacidad apabullante para separar el grano de la paja y atisbar entre tanto ruido esos instantes de placer-dolor, esa melancolía que discurre sin pausa por nuestra existencia y a la que algunos impiden el paso. Yo a todo eso lo llamo lucidez venenosa, pero algunos médicos lo llaman trastorno bipolar. Roberts lleva más de diez años publicando cómics autobiográficos. También da clases en la Scholl Of The Art Institute of Chicago, y desde luego es madre, hija, esposa y artista, pero sobre todo es una mujer que se cuestiona a diario –casi minuto a minuto– sobre lo que acontece y cómo lo asumimos, si es que es posible hacerlo. Impagables los diálogos con su hija, los encuentros o encontronazos con su marido, con su propia madre, con las amigas y con los objetos que conforman su vida. —OCTAVIO BOTANA

8 ¿Quién dijo que fuera fácil ser joven? No lo es en la actualidad y no lo fue en la España dubitativa de los ochenta. Pero tampoco nadie nos dijo que fuera fácil madurar e ir sumando años cuando el mundo no siempre va a mejor.

Eso, si quieren que les diga la verdad, es casi más duro. La presión aumenta, las ilusiones van quedando aparcadas y encarar el futuro puede convertirse más en un acto de supervivencia que en el cumplimiento de aquellos sueños que queríamos cumplir.

Explicarlo es difícil, aunque haya voces privilegiadas como Jaime Martín, capaz no solamente de expresar todo ello en una historia cercana y emotiva, sino también de dibujarla con su talento habitual. Una más de sus imprescindibles obras y aquella en la que su propia vida más traspasa la tinta y el papel.

—JOAN S. LUNA

diciembre 2020 #49

CINE Y SERIES Edita Sister Sonic, S.L. C/ Escalinata, 3 28013 Madrid T. 915 400 055

Amor y anarquía

Lisa Langseth Netflix

7 El género de la comedia romántica es uno de los más trillados de la historia de la televisión, por lo que siempre se agradece cuando una serie intenta introducirle algo nuevo.

La historia se centra en la típica mujer casada que encuentra en una aventura con alguien del trabajo una vía de escape para sus frustraciones matrimoniales, pero es en el juego que se establece entre los dos amantes donde “Amor y anarquía” aporta su toque de originalidad. La protagonista, Sofie, es contratada para salvar una editorial en crisis a través de la digitalización. Es severa y eficaz en el trabajo, pero también le gusta relajarse. Quizás demasiado. Creyendo estar sola, se masturba en su despacho y Max, el joven informático, la ve y decide grabarla. Para borrar el vídeo, Sofie deberá superar primero un reto y es así como empieza una divertida dinámica en la que se ponen a prueba el uno al otro, aumentando la osadía de los desafíos al mismo ritmo que crece la tensión sexual. El amor entre ambos personajes está ideado para ser un pilar de la serie, y la química que consiguen Ida Engvoll y Björn Mosten con sus actuaciones lo sostienen perfectamente bien. Pero lo que en principio parece ser una interesante historia de amor se va diluyendo para dejar paso a unos secundarios bien construidos cuyas tramas pueden resultar incluso más interesantes que las de los protagonistas. Así, los juegos de Sofie y Max mezclados con el patetismo de los demás personajes intentando salvar la editorial acaba creando una especie de comedia de enredos que por momentos consigue ser divertida. —JAN ROMANÍ

La maldición de Bly Manor Mike Flanagan Netflix

6 “La maldición de Hill House” atrapó a medio mundo en 2018.

“Hill House” (que adaptaba “The Haunting” de Shirley Jackson) fue un magnífico drama familiar, sí, pero un magnífico drama familiar de terror. Y por eso llama la atención que las defensas a ultranza de esta “Bly Manor” (que adapta “Otra vuelta de tuerca” junto a otros relatos de Henry James) tiren precisamente por el camino de “hay menos sustos porque es una historia más adulta, y no es terror sino amor”. “Bly Manor” mantiene grandes bazas que ya tenía su predecesora, entre ellas una fotografía y dirección de arte impecables, pocas quejas se le pueden poner al continente y a cómo lo presenta...

El problema aparece cuando llegamos al contenido y a cómo lo cuentan. “Hill House” mantenía un estupendo equilibrio entre el terror y el drama, hasta el punto de que lo que menos interesaba era el terror, y en “Bly Manor” la balanza se inclina claramente hacia el drama. La ambientación malrollera que tan bien funcionaba, quizás porque de tener solo a Flanagan hemos pasado a tener hasta siete directores, ha desaparecido. ¿Esto es un problema? No tiene por qué: son dos series independientes, y no sería justo basar todo en el hecho de que es inferior a la anterior entrega. Pero no se trata de eso: aún juzgándola por sí misma, “Bly Manor” se ha vendido como una historia de miedo, y no lo es en absoluto. Una vez más: ¿esto es un problema? Pues sí, pero no tendría por qué serlo si la historia en sí funcionase, y aquí reside el principal escollo. Porque los dos episodios finales funcionan tan bien porque esas historias sí interesan, si están bien manejadas. —PABLO TOCINO

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Historias lamentables

Javier Fesser Amazon Prime Video

7 El director detrás de “Campeones” (18), una de las películas más taquilleras de la historia de España, y uno de los considerados renovadores de la comedia española en el medio audiovisual ya desde su famoso “El milagro de P. Tinto” (98), vuelve a la dirección rescatando uno de sus primeros guiones. Javier Fesser ha desvelado en diferentes entrevistas que “Historias lamentables” es una adaptación de un guion olvidado de sus inicios y encontrado durante una mudanza, en el que el director recupera las señas de distinción de sus inicios y nos deja una de las comedias españolas del año. “Historias lamentables” es una antología de cuatro relatos independientes en la que el director recupera el formato corto para tratar con su peculiar humor temas como el racismo, la sensación de inferioridad, el desorden y caotismo, el engaño y la ambición desmedida, entre muchos otros. Entre la sátira social y el surrealismo, cada episodio supone un disfrute (un tanto perverso) para el espectador, ya que en la pantalla vemos a un grupo de perdedores a la par que entrañables personajes. Dichos personajes están interpretados por actores no muy conocidos para el público general, pero que hacen un trabajo impresionante, reivindicando que no necesariamente todas las producciones necesitan de los actores de primera línea. Debido a la duración de las historias, no quiero desvelar mucho más del argumento, pero si se puede afirmar que el fragmento de “El hombre de la playa” está destinado a convertirse en un clásico.

—ALEJANDRO TEIGA ROBLES #50 diciembre 2020

Raised by Wolves Aaron Guzikowski.

Ridley Scott y otros HBO

7 El veterano e influyente cineasta británico Ridley Scott no ha sido ajeno al florecimiento de series de televisión como vehículos pujantes de la ficción audiovisual contemporánea.

Es natural que en su haber haya tantos aciertos y fiascos como en su irregular carrera cinematográfica: si la primera temporada de “The Terror” era una soberbia puesta al día de los eternos códigos del cine de aventuras y horror, y “Taboo” una mirada original sobre un periodo poco conocido de la historia europea, la segunda temporada de “The Terror” se quedaba en blandito melodrama con elementos sobrenaturales. No siempre se puede acertar y menos cuando uno es hiperactivo. Del noble e inagotable género de la ciencia ficción, fundamental en la carrera del británico con un par de obras maestras, se nutre la ambiciosa “Raised By Wolves”, producción de HBO Max creada por el guionista Aaron Guzikowski (autor de los argumentos de “Prisioneros” y el remake de “Papillon”). No puede sorprender que con el compromiso del director de “Alien” y “Blade Runner” (que también tendrá serie el año próximo), y su poderoso estilo visual, se alentaran unas expectativas seguramente desmedidas. Desde sus originales y evocadores títulos de crédito y un despliegue de medios imponente, “Raised By Wolves” apunta alto, pero, aunque visualmente se aleja todo lo que puede de las estandarizadas producciones al uso y de algunos lugares comunes infantiloides (no todos), lo cual es muy de agradecer, se queda algo lejos de la obra maestra oscura para público exigente que pretende ser. —JC PEÑA

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