Mondo Sonoro diciembre 2024

Lo Mejor del Año

Molchat Doma

02.12.24 Barcelona●Sala Apolo

King Hannah

08.12.24 Barcelona●La Nau 09.12.24 Madrid●El Sol

The Lemon Twigs

03.12.24 Barcelona●Sala Apolo

06.12.24 Madrid●Sala BUT

Touché Amoré

22.01.25 Madrid●Sala Mon 23.01.25 Barcelona●La (2) de Apolo

Maika Makovski vuelve con “Bunker Rococo” (Cultura Rock Records, 24), un disco tan inspirado, robusto y personal como de costumbre, pero también cargado de contrastes.

HACE UNAS SEMANAS entrevistaba a Xarim Aresté para esta revista. Curiosamente, parte de nuestra conversación giró alrededor del ruido, entendiendo este como todos los inputs que nos llegan del exterior y que impiden nuestra concentración en algo concreto como, por ejemplo, puede ser un disco o una canción. Por otro lado, Maika Makovski y un servidor somos amigos desde hace tiempo, aunque la vida, esa que te lleva por caminos raros según Diego Vasallo, en nuestro caso nos haya llevado a demasiados períodos de desconexión. Eso hacía que sintiera cierto nerviosismo al enfrentarme a una nueva entrevista con ella. Nuestra relación puede facilitarlo todo, pero también puede llevar al lector a lugares en los que no se sienta cómodo. Así que hay que ir con cuidado. Aunque con Maika reconectarse es fácil. Ya de entrada la noto más calmada, más madura, menos volátil.

7/Mondo freako Maika Makovski

HABLAMOS DE NUESTRAS COSAS, pero hay que ir a la entrevista y, si se están preguntando qué pintaba lo de Xarim aquí, ahí va la respuesta. Aresté aparece como invitado en este “Bunker Rococo”, lo nuevo de Makovski, y aquella conversación sobre el silencio es lo primero que le planteo a la artista para arrancar el vuelo. Xarim me decía que a lo único que no se puede escapar, entre tanto ruido, es a una canción y por ahí vamos. “Es una reflexión muy Xarim. Es maravilloso que alguien con esa sensibilidad y esa magia que él tiene lo pueda ver así. Es verdad que hay demasiado ruido a nuestro alrededor ¿Has visto lo de Carmen Boza? Lo ha dejado porque estaba realmente angustiada porque la música ha dejador de ser su razón de ser”. De ahí, a hablar de las nuevas – o ya no tan nuevas- formas de escuchar música hay un paso. “Hemos dejado nuestras vidas en manos de algoritmos. Ellos deciden lo que escuchamos o no, y les hacemos caso sin darnos cuenta. Nos bombardean con información constantemente. Nada tendría que substituir a la potestad de decidir lo que me

MONDO FREAKO

emociona o no. Y hemos decidido omitir una de las mejores cosas que tenemos, nuestra capacidad de elección. Ya no es que antes un periodista con sentimientos y sensaciones te recomendara un disco o una película. Ahora le hemos dejado eso a una máquina que lo hace con ¡algoritmos matemáticos!”. Por eso “Bunker Rococo” es un disco casi de resistencia a eso. Maika no es una artista muy prolífica en cuanto a álbumes. Su anterior, “MKMK”, data de 2021, porque sus pasos son medidos. Quiere estar segura de lo que da y de cómo lo da. “Justamente el disco se llama búnker por eso, por ese espíritu de resistencia y de

Carrera de fondo

HA PASADO YA TIEMPO desde que Maika Makovski debutara discográficamente con “Kradiaw”. Fue concretamente en 2005, cosa que los habrá llevado ya a concluir que el año que viene se cumplen veinte añitos de un disco que muestra a una artista impactante y rabiosa, pero que no dejaba vislumbrar la carrera posterior de la mallorquina que ha transitado por casi todos los estilos imaginables. Y no es precisamente porque haya publicado muchos discos. De hecho su nuevo trabajo, “Bunker Rococo” es “solo” el octavo de ellos, sin contar el directo “Live-Apolo!” de 2015. Porque Maika es una artista que cuida al detalle cada uno de sus lanzamientos, álbumes que además ha combinado con bandas sonoras, obras de teatro junto a Calixto Bieito, colaboraciones en programas de radio y en diversos discos y la presentación de “La Hora Musa” en La 2 de Televisión Española entre 2018 y 2021. Vamos, que quieta no se ha estado. Y su producción discográfica, si me permiten el símil, tampoco. “Kradiaw” (05) y “Kraj So Koferot” (07) son crudos y directos, pero “Maika Makovski” (09), con la producción de John Parish contiene muchas más capas. En “Desaparecer” (11), compuesto para una obra de Bieito, aparca el rock y apuesta por los matices y las atmósferas. Con “Thank You For The Boots” (12) vuelve la Maika más festiva, culminado con el citado directo en la sala Apolo de Barcelona. En “Chinook Wind” (16) da una nueva vuelta de tuerca a su propuesta y dota de protagonismo a los metales y los arreglos de cuerda. Y en “MKMK” (21) deja que sus canciones la lleven de regreso al rock, al glam o al pop en un trabajo sin ningún tipo de restricciones demostrando su habilidad como todoterreno. EDUARDO IZQUIERDO

querer que mi voz se oiga entre tanto ruido que no puedo controlar. He estado lejos de las redes casi un año, manejando mi angustia de estar y no estar a la vez. Y me ha costado encontrar mi camino cuando para mí expresarme siempre había sido algo muy natural. Me di cuenta de que había incluido en mi discurso un montón de palabras que no eran las mías, sino las de la avalancha que nos arrastra”.

NOS CUESTA PONERNOS de acuerdo, eso sí, en mi visión de sus discos, aunque acabamos haciéndolo. Le apunto que estos me parecen cada vez menos inmediatos y aunque puntualizando, acabamos llegando a un punto de encuentro. “Yo creo que ‘MKMK’ sí que era inmediato, pero entiendo lo que dices. Me he ido alejando de etiquetas y superando tabúes. En este disco he intentado que mis extremos se dieran la mano. Es verdad que las canciones que escribo y son más inmediatas me apetece menos hacerlas, aunque alguna hay en el disco. Empecé a grabarlo buscando un

sonido de inicio y también persiguiendo un poco de complejidad”. Eso ha llevado a que “Bunker Rococo” tenga incluso momentos que recuerdan a la improvisación. “Hay arreglos muy meditados, pero como dices, también hay improvisación. Yo creo que es un álbum de contrastes, con instrumentos clásicos e instrumentos contemporáneos, instrumentos orgánicos conviviendo con instrumentos sintéticos, y canciones muy crudas combinadas con temas más recargados. Es lo que siento como propio y, todos esos elementos, aunque parezcan antónimos, son los que me definen”. Puede parecer que eso hace que en la música de Maika Makovski quepa todo, pero justamente ahí alza la voz. “No, no. Hay cosas que no soporto, como por ejemplo el efectismo. Me repele. Hay muchos vocabularios que no son mis vocabularios. Yo creo en un mundo amplio, y está claro que mis discos no son ejercicios de estilo. Siempre son un viaje y cada canción tiene su propia forma y su propio discurso. Te pones a decir géneros y luego no hay mane-

“

“La música, si quieres que esté libre, no puede ser perfecta”

ra de meterlos en un cajón, y eso me gusta, aunque no sé si la prensa lo ve como algo bueno, pero es la única manera que entiendo de hacerlo. La música al final, si quieres que esté libre, no puede ser perfecta. Quizá haya gente para la que no tenga sentido, pero creo que sí lo tiene para quien ama a la música”. A propósito, “Bunker Rococó” está disponible a través de Cultura Rock, “quizá la única discográfica con la que, en este momento, podía trabajar a gusto”.

EDUARDO IZQUIERDO

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LA MÍA

El sofá de Louise Sansom

El Madrid 24 enero. La Sala Wizink (Inverfest)

l Cadiz 01 febrero. Teatro Las Cortes

l Barcelona 06 febrero. La Paloma (Festival Mil·leni)

l Donosti 14 febrero. Teatro Principal

l Valencia 29 marzo. La Rambleta

STE ES EL PRIMERO de nuestros dos números dedicados a los mejores del año. Como de costumbre, primero vamos con los nombres internacionales y luego con los nacionales. Pero hoy no he venido a hablar de eso. Todos sabemos lo complicadas que han sido estas últimas semanas en tierras valencianas a causa de la devastadora DANA. A los fallecidos y desaparecidos se suman todos los desperfectos y las pérdidas que han sufrido negocios, familias, pueblos e incluso ciudades. Ojalá no hubiera ocurrido y ojalá las autoridades hubiesen actuado de otro modo, preocupándose por la población como deberían. Diría que eso, a estas alturas, no admite discusión ninguna. Lo que ocurre es que tampoco he venido a hablar de eso, ni siquiera de los muchos voluntarios que se han desplazado hasta distintos puntos de Valencia para echar una mano, ni de quienes han enviado toda ayuda que les ha sido posible. Hoy he venido a hablar del sector musical. ¿De qué sector musical, dirán? Pues de los más de trescientos setenta grupos y solistas, de todas las salas, técnicos, empresas, incluso ticketeras y asociaciones de gestión de derechos de autor que se han sumado a la iniciativa Som València, una inacabable lista de conciertos solidarios que se han celebrado durante unos días más de veinticinco ciudades, vendiendo más de veinticuatro mil entradas en toda la península. Una unión de las que hace realmente la fuerza. Los músicos han dejado en casa sus egos para sumarse a una causa que les necesitaba. Y todos se han sumado a la velocidad del rayo, subrayando que también están cuando se les necesita. ¿Podía llegar a imaginar la principal instigadora de la iniciativa, Louise Sansom (responsable de Hidden Track, y cantante de Anímic), que esa idea que tuvo en el sofá de su casa mientras veía el desastre en redes y medios, que toda la escena se sumaría a Som València? Ella no lo sé, yo les aseguro que no hubiera apostado a que la bola se haría tan grande. Louise decidió “lanzar whatsapps a tres puntos distintos: un par de salas, a un par de amigas que sabía que irían a muerte conmigo y a un par de artistas. Cuando ya tuve su respuesta, decidimos montar grupos de trabajo para llevarlo a cabo y de ahí se fue extendiendo”. Ese par de salas se convirtió en una decena, esos dos artistas en veinte, esas dos amigas en diez más... La cosa fue creciendo exponencialmente en todas las ciudades. Con el apoyo desinteresado de todo el mundo y con la ONG Horta Sud como destino de todo lo recaudado. Si alguna vez hemos podido sentirnos orgullosos de nuestra escena, no me cabe la más mínima duda de que ha sido este pasado mes de noviembre.

JOAN S LUNA

Primal Scream Compromiso

“Come Ahead” (BMG, 24) es el primer disco de Bobby Gillespie y compañía en ocho años. Una obra en la que la formación escocesa apuesta por indie-pop/ rock con clarísimo regusto a soul y funk, además de mostrar un perfil sociopolítico hacia el que deriva nuestra charla con Gillespie.

TEXTO Raúl Julián

FOTO Adam Peter Johnson

“

COME AHEAD” es un disco extenso que cambia de estilo frecuentemente. Un disco muy ambicioso en el que hay guitarras, bajo, batería… pero no hay (casi) nada de electrónica. Bobby Gillespie, vía zoom desde su casa en Londres, aclara el motivo. “Bueno, el último álbum de Primal Scream fue mayoritariamente de electrónica, sin muchas guitarras. Este quería que sonase... Orgánico no es la palabra correcta, pero quería que las canciones tuviesen formas largas. Quería hacer algo que fuese estético, pero también quería que el hilo conductor contase una historia”. Al mismo tiempo, “Come Ahead” puede entenderse como un disco específicamente político o social en cuanto a su lírica, algo que el entrevistado matiza. “Creo que político tal vez no sea la palabra adecuada. Creo que es más bien un álbum comprometido. Yo soy un artista comprometido con lo que pasa en el mundo y la vida contemporánea. Mientras hablamos están pasando cosas muy extremas. Considero que estoy comprometido, conectado y curioso con lo que está pasando en el mundo, desde dentro de la música rock en donde la gran mayoría es gente blanca. Se está impulsando la violencia y también puedes ver cómo ahora las bandas conectan a través de las redes sociales, un terreno en el que en muchos casos se propagan ideas maliciosas, con los algoritmos... Estoy muy preocupado por el calentamiento global y el cambio climático, así como por el auge o vuelta del fascismo”.

“COME AHEAD” ha sido producido por David Holmes, con quien la banda ya había trabajado en el más que notable “More Light” (13), y, por lo que parece, el músico y productor ha sido determinante en la materialización definitiva de estas nuevas canciones. “Me llamó en 2021 para decirme

“

“El activismo es una muestra de amor”

que fuésemos al estudio a hacer un disco guay y divertido. Yo estaba demasiado concentrado y haciendo demasiadas cosas con mi libro ‘Un chaval de barrio’ y no podía ni pensar en hacer un disco. Pero me pidió que le dejase intentarlo. Yo tenía una canción que quería que estuviese bien lista antes de enviarla y de que él la escuchara... Así fue como comenzó el proceso, de forma muy rápida. En seguida le mandamos una maqueta, al poco tiempo otra, y así sucesivamente. Me escribió un email de vuelta felicitándome por los temas y así fue cómo decidimos hacer un nuevo disco de Primal Scream. Comenzamos a indagar en el góspel, un mundo en el que hemos conocido a gente muy interesante y emocionante”.

EL ÁLBUM INCLUYE algunas canciones muy funk como “Ready To Go Home” o “Innocent Money” que incluso pueden remitir a Prince, apurando la que podría ser la faceta más funky de Primal Scream hasta la fecha. “Seguro. Queríamos hacer un disco con rasgos funk muy marcados. Es algo muy divertido y una música que me encanta. La verdad es que es lo que más estoy escuchando en mi casa últimamente: música funk. La escucho todo el tiempo”. Por otro lado, también nos encontramos con “Love Insurrection”, una pieza más cercana al soul, que de paso sugiere que,

en estos tiempos de guerras y ocupaciones, el amor sigue siendo la respuesta. “Creo que el amor puede significar cosas muy diferentes. Pero, en el fondo, sí que creo que el amor es algo revolucionario. Supongo que, en realidad, la canción dice que necesitamos algún tipo de levantamiento o rebeldía. El activismo es una muestra de amor. El modelo neoliberal simplemente tiene ansia de más y más. Es como un drogadicto. El neoliberalismo cada vez se está haciendo más grande y necesita más y más. Es una forma psicótica de dirigir y entender un mundo de mierda. Así que, si tenemos la posibilidad de crear un mundo mucho más amable, por favor, intentémoslo. Mira lo que está pasando en Palestina. Quizá soy ingenuo, pero creo que se puede intentar y lograr un mundo mejor. Al final quiero que la música consiga eso y que vaya de eso. Tú eres español, yo soy escocés, pero estamos juntos en esto”.

LA ÚLTIMA VEZ que pudimos charlar con Gillespie fue cuando Primal Scream publicaron “Chaosmosis” (16). En aquel momento, el vocalista afirmó orgulloso que eran los últimos románticos de la música. “Creo que me equivoqué. Vi a Jack White aquí en Londres hace unas semanas y él todavía es un romántico. Creo que Paul Weller es un romántico, al igual que Fontaines D.C. o Fat White Family. Todavía quedan románticos. Obviamente, la industria está sufriendo muchos cambios y, de nuevo, nos volvemos a encontrar con la mentalidad del capitalismo financiero. Yo hago mi trabajo con pasión y hay cosas fantásticas en esta industria, como todos los discos de rock & roll, aunque ahora el rock & roll parece estar en bancarrota”. Para finalizar, y tratándose de una banda tan veterana como Primal Scream, procede curiosear acerca de cómo se ve a sí mismo (y a su grupo) Bobby Gillespie en, digamos, veinte años. “No lo sé, la verdad. No puedo saber cómo estaré en unos años. Pero sé que seguiré adelante con el siguiente álbum. Al fin y al cabo, mi objetivo último es seguir siendo una persona creativa, así que lo que es seguro es que nosotros vamos a seguir trabajando en esto”. R J

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¡NUEVO ÁLBUM!

RADAR

SOYLA

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SHOWCASE + FIRMA DE DISCOS

2024. 29/11 - Barcelona FNAC El Triangle. 2025. 25/01 - Zaragoza FNAC Plaza España. 01/02 - Valencia FNAC San Agustín. 07/02 - FNAC Bilbao. 08/02 - FNAC San Sebastián.

“Hemos tenido que crecer y madurar muy rápido”

The Linda Lindas Sin obligaciones

La verdad es que cuando se habla de The Linda Lindas es imposible no mencionar su edad. El cuarteto tiene actualmente entre catorce y veinte años, y van por su segundo disco, “No Obligation” (Epitaph/[PIAS], 24), en el que vuelve a destacar su enorme gancho melódico para unas canciones que se mueven entre el indie rock, el hardcore y el power pop.

PARA UNA BANDA en la que tres cuartas partes de sus integrantes siguen en el instituto, su currículum es sencillamente increíble, habiendo tocado con Bikini Kill, The Breeders, The Rolling Stones y este mismo verano haber compartido gira con Green Day, Smashing Pumpkins y Rancid. Reciben elogios de Tom Morello, Thurston Moore o Flea y son amigas de Kathleen Hannah y The Go-Go’s, y muchos ven en ellas un esplendoroso futuro. Para hablar de ello y de su esperanzador presente, hablo con la

más veterana, apenas veinte años, la guitarrista Bela Salazar.

SOBRE SU ÚLTIMO DISCO me comenta que “hemos tenido que crecer y madurar muy rápido y hemos tenido que aprender mucho, por eso creo que ‘No Obligation’ es un disco más maduro y mucho mejor tocado que el primero. Se nota que hemos tocado mucho en directo y que sonamos mejor”. También me habla sobre las diversas influencias del mismo, como el indie rock de los noventa, la gran influencia de Lucía de la Garza, a la que Salazar califica como “la jefa” de la banda, siendo la más responsable de las cuatro y responsable de canciones como “All In My Head”. La vena más hardcore viene por parte de la bajista Eloise Wong, responsable de la canción titular, mientras que la propia Salazar me comenta que ella ha estado escuchando a Metallica y Pantera y que eso es algo que se nota en “Resolution/Revolution”, pero también se ha intentado acercar a sus raíces latinas escuchando a Junior H o Café Tacvba, lo que se ve reflejado en “Yo Me Estreso”. También me reconoce que ahora mismo está obsesionada con el Tiny Desk Concert de los argentinos Ca7riel & Paco Amoroso.

SOBRE LAS MÍTICAS BANDAS con las que han compartido escenario, me cuenta que sus mejores experiencias llegaron metiéndose en una guerra de bromas con Green Day, aunque también han tenido momentos más serios en los que han aprendido mucho de ellos, sobre todo que para seguir tocando tanto tiempo lo importante es amar tocar y hacer música, lograr que no se convierta en simplemente un trabajo. Sobre The Rolling Stones asegura que no pudieron ser más simpáticos y que le encantaría llegar a su edad tocando. Cuando le pregunto por sus modelos a seguir me menciona otra vez a los de Jagger y Richards además de a Yeah Yeah Yeahs y a Sleater-Kinney. Eso sí, cuando me habla de bandas en las que coinciden las cuatro se decanta por Blondie y The Go-Go’s, amigas suyas con las que les encantaría poder compartir escenario. Salazar me reconoce que están un poco harta de esa condescendencia hacia su banda por ser chicas jóvenes (“Oh, son tan monas, son tan niñas...”) y piensa que, aunque es muy estresante pensar en el futuro, les encantaría poder hacer esto toda la vida, incluso con cien años cumplidos. Por ahora, van por el camino correcto. SERGIO ARIZA

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FOTO: JESSIE COWAN

ASUS CINCUENTA y ocho años de edad, Jerry Cantrell lanza su trabajo en solitario más solido. “I Want Blood” es un disco bien pensado y mejor sentido en el que le acompañan algunos colaboradores de nivel como Mike Bordin (Faith No More), Robert Trujillo (Metallica, Infectious Grooves), Duff McKagan (Guns N’ Roses) y Greg Puciato (ex The Dillinger Escape Plan). “Tocar con algunos de mis mejores amigos es, para mí, básicamente el sentido de hacer música, incluso desde Alice In Chains. Te juntas con tus amigos en un sótano y comienzas a improvisar. Haciendo ruido es como llegas a tus propias canciones, siempre es una actividad y un esfuerzo de grupo. Escribir es un poco más solitario. Fui muy afortunado en hacer música en Alice con mis mejores amigos de la vida y lo mismo ahora que hay mucha camaradería en mi nueva banda, que está formada por músicos que admiro bestialmente. Me hace sentir muy entusiasmado y agradecido de trabajar con ellos”, me cuenta Cantrell en un alto de su gira estadounidense.

EN “I WANT BLOOD”, llama positivamente la atención el balance entre las canciones y el firme sentido de álbum que se construye entre todas. Tal característica puede llevar a pensar que la estructura del álbum puede haber sido planeada en la etapa previa a la composición, idea que Cantrell rechaza de plano. “Jamás, jamás. Nunca pienso la música de ese modo, para nada. Simplemente me meto en el proceso y veo qué surge. Hacer un disco es de algún modo viajar por territorios vírgenes, simplemente porque no existen. Acumulas la suficiente experiencia en tu vida para saber que todo eso te llevará a algún lugar [risas]. Probablemente sea un lugar interesante y que te sorprenda, pero nunca empiezo con una noción preconcebida de lo que podría ser un disco en mi cabeza. Simplemente me pongo en movimiento y veo qué ocurre”.

RESPECTO AL PROCESO de escritura, Cantrell cuenta que “Hay tres etapas muy distintivas cuando haces un disco: una es la de las demos, el momento en que comienza la bola de nieve; ya sabes, juntar riffs, tirar unas letras, intentar dar con el

alma del tema. Luego está la grabación en la que debes encontrar quién se encargará de cada parte y tendrás que ver cómo esas canciones van a funcionar en vivo. La tercera es tocar en directo, que es la parte del proceso en la que estamos ahora, entusiasmados con ver cómo serán recibidas cada noche estas canciones. Porque debo decirte que siento que estoy en mi mejor momento y que este es, sin lugar a dudas, mi mejor disco. No sucede cuando eres joven, pero sí a estas alturas. Ahora te preguntas si serás capaz de volver a hacer algo de nivel [risas]. Y puedo asegurar que puedo plantar con tranquilidad una bandera de ‘I Want Blood’ en la cima de una montaña y alejarme felizmente. Es el mejor disco que puedo hacer en este momento”.

DESDE QUE EL DEBUT de Alice In Chains se lanzara en 1990, Jerry Cantrell ha aportado su sello personal (tanto vocal como en la guitarra, que oscila entre lo heavy, lo acústico, lo psicodélico y lo opresivo) en cada una de sus producciones. Aunque él atribuye esa virtud a

“

"Siento que estoy en mi mejor momento"

Jerry Cantrell Alma poderosa

Jerry Cantrell fue el autor intelectual de uno de los mejores reemplazos-de-miembrosirremplazables de la historia de hard rock (hablamos de cuando William DuVall ocupó el lugar del malogrado Layne Staley al frente de Alice In Chains). Parece un tipo destinado a atravesar vicisitudes y salir artísticamente airoso. Y este “I Want Blood” (JC/Virgin, 24) que ahora publica es otro buen ejemplo de ello.

TEXTO Adriano Mazzeo

FOTO Darren Craig

sus compañeros de ruta de toda la vida. “Tengo que darles mucho crédito a lo que hicimos con Alice In Chains en ese sentido a mis compañeros. Creo que esto habla claramente de qué tipo de personas somos y fuimos. Tomamos muchos giros de estilo en las primeras épocas, de ‘Facelift’ a ‘Sap’ y de ‘Dirt’ a ‘Jar Of Flies’ Fueron desafíos muy grandes para una banda tan joven intentando conectar con una audiencia. Pero funcionó. Recibimos llamadas de fans que no estaban de acuerdo con la dirección que tomábamos pero nos mantuvimos fieles a nuestras ideas. A mucha gente le gustó nuestro perfil acústico y nuestros temas heavies. Eso es genial, tener la posibilidad de ser así de ecléctico y moverse por todo tipo de terreno. Por suerte nunca pude sonar a otra persona, siempre soné a mí mismo. Eso es algo muy importante, que da mucha libertad. Nunca me preocupé por la dirección que tomaría un disco, si sería más acústico o más pesado. Lo importante es que suene a ti. Así puedes ir en cualquier dirección que te sorprenda. Encontrar los misterios en mí y seguirlos hasta el final”.

TENIENDO EN CUENTA que Cantrell es autor de algunos de los himnos más oscuros del grunge, sería interesante descubrir cuál es su relación con la música que expresa dolor y sufrimiento. Y por eso precisamente le pregunto. “Hay elementos personales en la música que escribo, aunque no soy capaz ahora mismo de explicártelos. Más allá de que no soy un pesado con el que salir de juerga y que, cuando estoy en grupo, no hago otra cosa que hacer bromas y reírnos de todo, sí que entiendo que mi música es bastante seria y heavy. Es algo que está en mi naturaleza y que cargo conmigo vaya a dónde vaya. Respecto a mi gusto por la música, en general me gusta la que me impacta del modo en que lo hace la mía. Me gusta moverme dentro de ese lenguaje que puedo hablar”.

A.M.

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MONDO FREAKO

“Me resulta un coñazo escuchar siempre lo mismo o sentirme como un talibán”

”

Malva Contenido sensible

Tras varios singles, el murciano Carlos Malva publica “Contenido Sensible” (Metales Preciosos/Universal, 24), un disco de pop rock que hace de la frescura su principal fuerza.

PRODUCIDO por Ricardo Ruipérez (M-Clan) junto a Mario Vigara (Kuve) y Raúl de Lara (Viva Suecia, Arde Bogotá), “Contenido Sensible” es un disco en el que Malva ha buscado con un sonido auténtico que nos aleje de un mundo cada vez más dependiente de las pantallas, unas canciones que establezcan una conexión sincera entre artista y público. Y de momento parece estar consiguiéndolo. “Soy una persona bastante tranquila y para sacar mi primer disco me he tomado mi tiempo. Siempre he creído que un primer disco es muy importante porque

después vas a estar toda la vida sacando discos. Es un proyecto muy relevante y ha necesitado un proceso para poder definir mi sello personal”. De ahí la importancia de trabajar con profesionales como Ricardo Ruipérez (M-Clan) o Raúl de Lara, quien ha trabajado con artistas como Viva Suecia o Arde Bogotá. “Trabajar con Ricardo Ruipérez y Raúl de Lara ha sido increíble. Puedes escuchar el nombre de Ricardo y asociarlo al rock, pero realmente no ha sido así. Lo primero que nos une es trabajar en las canciones, más allá de los estilos, lo que también me define como artista y compositor. Soy bastante ecléctico en mi forma de entender la música. Escucho de todo, y me resulta un coñazo escuchar siempre lo mismo o sentirme como un talibán. Hay tantos estilos y tanta música que se puede hacer, que quiero que eso se refleje en este disco y en los siguientes”. Lo que sí es evidente es que Malva se muestra tal y como es en sus canciones. Algunas como “Por lo que cuen-

tan” buscan transmitir una versión muy real de si mismo. “Desde el momento en que el título del disco es ‘Contenido Sensible’, ya se están diciendo muchas cosas. Vivimos en un mundo en el que se habla mucho de la creación de contenido, y los artistas también somos creadores de contenido. No podemos negar que vivimos en el siglo XXI, pero creo que el contenido no debería ser solo números o un TikTok viral. Queremos crear algo que, el día de mañana, la gente recuerde y diga: ‘Este tipo hizo esto’. Canciones como ‘Por lo que cuentan’ reflejan esa intención, esa búsqueda”. Eso no impide que las letras gamberras e irreverentes tengan mucho peso en el disco. “Trato de transmitir cómo soy yo. Que alguien escuche una de mis canciones y sienta que le estoy contando mi historia, eso es lo mejor que me puede pasar como artista. Escribo sobre lo que vivo, lo que siento, y mis canciones son un reflejo de mí mismo”. Con “Contenido Sensible”, Malva buscará hacerse un hueco en una escena pop rock ya muy consolidada a nivel nacional. “No lo veo como ‘buscar un hueco’. Voy haciendo mi camino y fluyendo con lo que soy y las canciones que voy creando. Al final, eso de ‘buscar’ me suena a estar empujando para abrirse paso, y ya tenemos bastante sobrecarga mental, tanto a nivel artístico como personal, como para ir buscando huecos. Hacemos música porque la disfrutamos, aunque haya muchos otros factores que influyen. Lo estoy viviendo de una manera muy bonita, aunque no siempre es color de rosa. Tengo mis momentos difíciles, pero gracias a ellos toco suelo, me pongo en perspectiva y recuerdo que empecé en esto porque me gustaba cantar canciones. Poder dedicarme a esto es lo mejor que me ha pasado”. MARTÍN P. CORRAL

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EN CONCIERTO

l Madrid 30 enero. Moby Dick

Málaga 07 febrero. La Cochera Cabaret l Murcia 15 febrero. Sala Rem

Córdoba 21 febrero. Hangar

Sevilla 22 febrero. Sala X

Zaragoza 28 marzo. Sala Zeta

SANTA TRINIDAD (EDICIÓN DELUXE)

Soyla En el radar

“Por desgracia, el éxito musical es un diez por ciento talento y un noventa repercusión en redes”

Tras hacerse un hueco en la concurrida escena independiente de nuestro país con su primer trabajo de título homónimo, la banda catalana Soyla ha seguido creciendo hasta llegar a “Radar” (Cherub Rock, 24), un tercer largo, con el que se aseguran su consolidación.

MICKY LABORDE y Jordi Pegenaute sellaron sus votos en una alianza musical de largo vuelo hace ya casi dos décadas. Desde entonces han trabajado juntos en diversas propuestas hasta finalmente convencernos del todo con su unidad profesional de la mano de Soyla, el proyecto de sus vidas. “Soyla nació originalmente con Jordi y conmigo en 2019 a raíz de otro proyecto anterior, y en aquel momento tuvimos la feliz idea de apostar todas nuestras cartas en esta propuesta”, recuerda Laborde sobre los primeros pasos de la banda. “Desde Madrid tenían interés en nuestras canciones e incluso nos llegaron a proponer la gestión de nuestro primer lanzamiento desde distintos managements”, continúa, “pero en fin, todos sabemos lo que terminó ocurriendo. Sucedió la pandemia, nos encerramos en casa y todos los planes de

futuro que teníamos se fueron al garete. Al final la cosa comenzó a salir adelante por persistencia y cabezonería mía, pero no fue nada fácil y en aquel momento no habría imaginado que ahora estaríamos hablando de nuestro tercer disco”. Y ese tercer disco es “Radar”. En él encontramos asociados varios nombres de altura, no solo en la producción (co-firmada junto a Carlos Hernández y con la colaboración de otras figuras próximas al proyecto, como José Caballero y Pachi García Alis), sino también en la realización formal de algunos temas. “Rey Sin Trono”, sin ir más lejos, está firmada a pachas junto a la legendaria banda argentina Estelares, a quienes han teloneado en su reciente paso por España. “Durante esa gira sucedió algo muy bonito horas previas a un concierto, y es que los miembros de Soyla comenzamos a tocar un tema entre bambalinas”, rememora con emoción Laborde. “A los cinco minutos nos dimos cuenta de que todo el elenco de Estelares nos miraba atónito. Incluso llegaron a decirnos que a ver con qué cara salían ellos a escena después de lo que haríamos nosotros [risas]. No pudimos sentirnos más halagados, imagínate. Meses después y con ‘Rey Sin Trono’ ya compuesta contacté con Manu [Manuel Moretti, vocalista de Estelares] para proponerle que la cantara con nosotros y la idea no pudo gustarle más. No solo son unos músicos verdaderamente mágicos, sino todo un ejemplo de personas”. Este

lazo tan orgánico y fuerte con una banda insigne del panorama rockero de Latinoamérica, sumado a su reciente colaboración con Los Daniels para ‘6 Gigas’, indudablemente les hace soñar con la posibilidad de verse en un futuro haciendo las Américas. “Nos encantaría poder tocar este disco allí, por supuesto”, reconoce Micky. “Pero girar en Latinoamérica es una apuesta muy alta que requiere de un esfuerzo económico considerable y que exige a las bandas tener una base previa bien asentada”.

CON TODO, Laborde y los suyos no pecan de ingenuos y son conscientes de las dificultades que tiene sacar adelante un proyecto independiente hoy día. “Cuando arrancamos creíamos inocentemente que trabajando a fondo en la producción, los arreglos, las letras y la composición era imposible que pudiera irnos mal”, dice Micky. “Ahora nos damos cuenta de la cantidad de aspectos extramusicales que hay que tener en cuenta para que un artista triunfe. Por desgracia, el éxito musical es un diez por ciento talento y un noventa repercusión en redes. Algo que, como ya te habrás podido imaginar por mi forma de ser, llevo bastante mal. No queremos perder ni un minuto de nuestro tiempo en el show-time. No hemos venido aquí para eso, sino para hacer música”. FRAN

GONZÁLEZ

R

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Un mundo distópico

Amaral

Casi treinta años después de la creación del grupo, Amaral siguen buscando nuevas formas de crear canciones. Ahora nos sorprenden con “Dolce Vita” (Gatorama Music/Sony, 24), su noveno disco de estudio, del que hablamos con Juan Aguirre.

TEXTO Alejandro Caballero Serrano

EN “DOLCE VITA”, los zaragozanos han querido crear un mundo distópico, ideal, en el que se sienten más libres que nunca. Y han trabajado mucho entre escenario y escenario para acabar dándole forma a estas nuevas quince composiciones. “Son canciones que han ido creciendo a lo largo de una gira que ha sido demasiado larga. La grabación del disco se ha gestado durante esta gira

de festivales, pero no la composición, ya que este proceso viene de lejos [...] ‘Dolce Vita’ hace referencia a nuestro mundo ideal, a un estado de equilibro que muchas veces choca con la realidad que vivimos. El álbum es una utopía más o menos irrealizable”. Comparándolo con su anterior trabajo, “Salto al color” (Gatorama Music/Sony, 19), Amaral cambian el registro y dejan a un lado el protagonismo de la electrónica con la que nos sorprendió en su octavo trabajo. “En

todos nuestros discos ha habido partes que tenían que ver con la electrónica y con la música ambient. Pero no hay una razón que tenga mucho que ver con la parte más pensada o racional para decidir nuestro registro. Para nosotros siempre ha sido algo normal, porque siempre hemos sido un proyecto muy abierto. No respondemos al concepto de banda cerrada en la que los roles están muy definidos. Nosotros somos bastante caóticos y siempre nos imaginamos el proyecto como algo muy abierto”.

AGUIRRE NOS CUENTA que estas nuevas canciones ya venían compuestas de antes de esta última gira de festivales que han ido enlazando. “Casi todas estaban escritas antes del concierto del Sonorama con el que empezó la gira. Y no solo estas quince, sino que tenemos bastantes más que se han quedado fuera y que en el futuro, cuando tengamos algo de tiempo, recuperaremos para trabajarlas”. Lo que nos sorprende al ver la

AIE n RUTA ARTIS TAS

AL DUAL ALCALÁ NORTE ALDAKAN ANNA COLOM ARTISTAS DEL GREMIO COSMIC WACHO CÁPSULA

EZEZEZ FANEKA HAFA AFROSWEET J MARTINA JÚLIA COLOM KARMENTO KETEKALLES LA TRINIDAD

LEVITANTS NUEVE DESCONOCIDOS OFIUCA NUNCA SARA ZAMORA SOCUNBOHEMIO

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Karmento

Cosmic Wacho Ofiuca Nunca

Levitants Faneka

Artistas del Gremio

La Trinidad Ketekalles

Aldakan

Anna Colom Hafa Afrosweet

Socunbohemio

Alcalá Norte

Al Dual Sara Zamora

J Martina

Júlia Colom

Nueve Desconocidos

Cápsula

Ezezez

“

“Hemos entrado en una espiral loca a la que hemos tenido que parar en ocasiones”

lista de las canciones es lo amplia que es y la ausencia de colaboraciones, dos estandartes del mainstream de los últimos años. “Hay algunas canciones que nos las imaginábamos abriéndolas a algunos compañeros y compañeras de escena, pero es algo que siempre estamos a tiempo de hacer. No lo rechazamos y no quiere decir que el disco no lo podamos abrir en el futuro a colaboraciones”.

TRAS TRABAJAR codo con codo durante prácticamente tres décadas, le preguntamos si existe algún secreto para que Eva y él sigan con Amaral y con ganas de publicar más música. “Bueno, la música siempre ha sido muy importante para nosotros. Ambos hemos tenido siempre una llamada que alude a nuestros instintos más básicos. Pero no hay un secreto, nos hemos pasado la vida diciendo que no a propuestas que no encajaban con nuestra filosofía. También te podía decir que discutimos muchísimo, o sea, más que Liam y Noel [Gallagher] lo que pasa es que no nos pegamos esas faltadas marquetineras en las redes [risas]. Y también te puedo decir que hemos vivido tantas cosas juntos que cuando salimos a tocar es como que se alinean los planetas, Eva se transforma, pasa de ser la persona tranquila e introvertida que conocemos a convertirse en un animal escénico y yo entro en un mundo de concentración muy fuerte. Y obviamente es el público lo que nos ha traído hasta aquí. Este mundo es muy efímero, pero hemos crecido abriéndonos a músicas distintas y a la vez conservando una especie de filosofía de lo que debía ser el grupo”.

PERO SI ALGO TIENE CLARO Juan es que nada de lo que les ha pasado duran-

te su trayectoria ha sido planeado. “No, porque si hubiéramos planeado algo de lo que nos ha pasado, seguramente hubiese salido mal. Zaragoza es una ciudad en la que hay muchas bandas y no planeas que vas a grabar nueve discos, ser cabeza de cartel de festivales y que mucha gente te va a escuchar. Nosotros nos hemos dejado llevar y hemos entrado en una espiral loca que nos ha llevado a parar en un par de ocasiones. La hemos frenado protegiéndonos el uno al otro cuando uno de los dos estaba pasando por un mal momento. Y también pensando en la música que nos hizo dedicarnos a estos”.

AHORA PUBLICAN “Dolce Vita”, tras culminar una enorme gira y, antes de remanganse para volver de nuevo a los escenarios, van a darse un respiro y afrontar este lanzamiento con más tran-

quilidad que los anteriores. “Este año nos vamos a permitir el lujo de hablar con la prensa relajadamente e intentar atender a todo el mundo que nos ha apoyado a lo largo de todos estos años. Ojalá podamos tocar en directo muchas canciones durante la promoción del disco, porque nos encanta, nos gusta más tocar las canciones que hablar sobre ellas, pero queremos tardar en tocar en directo. No sé cuándo serán los próximos conciertos, pero queremos parar unos meses largos. Porque también estamos trabajando en más cosas, como creando piezas audiovisuales que son bastante interesantes. Nos gustaría desarrollar un montón de creatividades en torno al disco porque este no se acaba en el momento en el que se publica”. A.C.S.

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Observatorio Mondo Sonoro

La música como

“El neurocientífico

el sistema auditivo

Antonio

Damasio afirma que

está mucho más cerca de las partes del cerebro que regulan la vida y que son la base de las sensaciones de dolor, placer, motivación y otras emociones fundamentales”.

Hemos rescatado este párrafo del último libro publicado por Daniel Barenboim “La música despierta el tiempo”. En el segundo capítulo, Barenboim nos cuenta cómo nuestra sociedad, puramente visual, ha desplazado el poder del oído a pesar de que este se desarrolla “en el centro de una mujer en cinta el cuadragésimo quinto día de gestación (...) siete meses y medio antes que el ojo”. Esto se produce, entre otras causas, porque el oído es fundamental para la conexión con el entorno. El útero es un lugar oscuro, en el que no existe la luz y son los sonidos del latido de la madre, los fluidos internos, etcétera, los que nos permiten establecer las primeras conexiones con lo que nos rodea.

Todo esto despierta una reflexión que se abre ante mí como una grieta enorme: vivimos bajo un enfoque civilizatorio totalmente erróneo. Y es que ya sabemos, que lo visual domina todas las esferas de nuestra cotidianeidad. Nuestra construcción de la realidad está sujeta al filtro de las imágenes. Esto es paradójico si tenemos en cuenta el impacto que tiene el sonido en nuestro cuerpo. Vibraciones, ritmos y matices, que se sincronizan con él y que hacen aflorar nuestros estados de ánimo, nuestras emociones, nuestros recuerdos. Lo queramos o no. Porque como también dice Barenboim en su libro: “Podemos cerrar los ojos, pero nunca podemos cerrar los oídos”.

Sabiendo todo esto y siguiendo con la reflexión, quizás, si no se hubiera producido este desplazamiento hacia la imagen, nuestra forma de estar en el mundo y de establecer relaciones hubiera sido otra. Si nuestra civilización se hubiera construido bajo el impacto de lo sonoro, en lugar de lo visual, podríamos haber desarrollado una

“ Nuestro trabajo no se centra únicamente en la industria, precisamente porque pensamos que para que la industria avance necesita dejar de mirarse a si misma

sociedad mucho más conectada con las emociones o con los ritmos naturales. Seríamos una sociedad mucho más armónica, formada por personas capaces de establecer relaciones más auténticas y empáticas, no sólo con otras personas, también con el resto de la naturaleza.

Desde el Observatorio de la Música de Mondo Sonoro, hemos asumido la misión de investigar y explorar la música yendo más allá de su industria. Porque la música es mucho más que un producto o un espectáculo. La música, en sus múltiples formas, atraviesa nuestras vidas cada día y lo hace de un modo profundo. No es tarea del Observatorio analizar las

tendencias en las listas de éxitos o levantar datos sobre el impacto del streaming. Nuestro trabajo no se centra únicamente en la industria, precisamente porque pensamos que para que la industria avance necesita dejar de mirarse a si misma, sobre todo si tenemos en cuenta que esta se sustenta sobre algo poderoso, mucho mas grande y universal, que responde a los cambios sociales y que también los impulsa: la música.

Por eso creemos pertinente abrir la ventana, expandir la mirada y observar lo que sucede “ahí afuera”. Porque ahí están las grandes oportunidades.

Si la música conecta comunidades, transforma espacios, reconfigura relaciones… ¿Porque no dedicamos tiempo a explorar cómo sucede hoy todo esto y cómo ha sucedido en el pasado?

A nosotros nos interesa explorar desde cómo las vanguardias desafiaron las nociones tradicionales de lo que consideramos “música” y qué podemos aprender de ello en un contexto actual, donde lo que reconocemos como música vuelve a estar en cuestión, hasta si la educación musical tradicional sigue teniendo sentido en un mundo “youtubizado” o cómo las mujeres han sido y siguen siendo imprescindibles para la evolución de la música. También nos interesa, entender qué nuevos rituales están creando las comunidades digitales y cuál es el impacto de la construcción de la identidad sonora de un territorio en las músicas locales, especialmente en su relación con el fomento del turismo, entre muchas otras cuestiones.

Los primeros pasos de nuestra investigación, que arrancó a mediados de este año que termina, nos han servido para definir el camino de lo que será nuestro trabajo de investigación en el 2025 que se dividirá en tres ejes principales:

Música y ser humano: Identidad

Nos adentraremos en cómo la música, desde una experiencia individual, moldea nuestra identidad personal y también colectiva, uniendo a grupos en momentos de lucha o de celebración, conectando y transformando lo que somos a través de rituales y tradi-

oportunidad

ciones, reafirmando nuestra pertenencia a una cultura determinada, marcando momentos de cambio o resistencia, en definitiva, construyendonos y reconstruyéndonos.

La música y sus contextos: Regeneración

Abordaremos cómo la música se ve afectada por, y a su vez influye en, los espacios sociales, culturales, económicos y políticos, modificando las dinámicas y relaciones humanas según el contexto. También cómo a través de sus prácticas y mensajes, la música se convierte en una herramienta de resistencia y denuncia, contribuyendo así a procesos de sostenibilidad y regeneración, tanto social como medioambiental.

Música y Futuro: Creación Nos centraremos en cómo la tecnología está transformando la creación, distribución y consumo musical, permitiendo que todos, independientemente de su formación, puedan crear y compartir música. También, cómo este acceso masivo a herramientas de producción puede redefinir el concepto tradicional de artista como creador exclusivo, para convertirse en un agente colectivo que forma parte de un paisaje sonoro compartido.

Este conocimiento se traducirá en la creación de nuevos espacios de divulgación y encuentro como talleres, charlas, eventos, exposiciones, podcasts... que pondremos al

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servicio de escuelas, instituciones, empresas u otras organizaciones. Por supuesto también, de la industria.

Para que no se nos olvide, como decía el pensador, de que “la vida, sin música, sería un caos”.n

Queremos expresar nuestro sincero agradecimiento a las empresas que nos han acompañado durante 2024 y con quienes esperamos seguir colaborando en el futuro: BIME, Espacio SOLO / LeCluf Music, RootedCon y Aie.

Del mismo modo nos complace dar la bienvenida a Johnnie Walker (Diageo), nuestro nuevo socio del Observatorio Mondo Sonoro. Agradecemos su confianza en nuestro proyecto.

ALAVEDRA Fuera caretas

Los catalanes Alavedra presentan “Feliz a la fuerza” (The Yellow Gate Records, 24), un segundo álbum con el que continúan batallando desde la escena underground estatal con su distintivo humor postmoderno y su personal sonido.

— TEXTO Àlex Ribera Nadales

ME REÚNO telemáticamente con Genís Pena, cantante y guitarrista de la banda, pocas horas después del lanzamiento de “Feliz a la fuerza”. Comenta el gran feedback que ha recibido el álbum durante su primer día de vida. “Teníamos miedo de que la gente se sintiera timada, porque ya habían bastantes singles publicados. Al publicarse todas las canciones, las ya conocidas adquieren una nueva dimensión. Se entiende el producto total y no solo una mezcla de canciones”. Y es que el primer single, “La excusa perfecta”, se publicó ya en julio de 2023, antes de iniciar la composición del álbum. “No sabíamos que iba a ser el primero, la compusimos y nos gustó tanto que decidimos lanzarla”, cuenta Genís. La banda, cuyos miembros viven en ciudades diferentes y forman o han formado parte de diversos proyectos musicales, trabaja de forma dinámica, aprovechando al máximo el tiempo que pasan juntos.

EL CONCEPTO DEL ÁLBUM nace a raíz de la canción que le da título “Feliz a la fuerza”. “Antes de ir al estudio de Paco Loco, teníamos algunas ideas, pero casi todo se formó ese agosto”, comenta Genís. Una vez terminado el álbum, analizaron las canciones y trataron de buscar un leitmotiv que conectara las piezas y encontrar un sentimiento en común. “Feliz a la fuerza” era “un concepto potente que resumía cómo nos sentíamos, así que tiramos para delante con ello”. La banda crítica la presión de aparentar siempre felicidad o ser feliz arbi-

trariamente, creando un imaginario visual y musical alrededor de esta imposición.

“FELIZ A LA FUERZA” llega tres años después de “Uf venga“ (21), un primer trabajo que ya subrayó su nombre en la escena. Desde entonces, la banda ha evolucionado de forma natural. “Sin quererlo somos una especie de versión mejorada del grupo de disco anterior”, comenta Pena. En cuanto a la producción, el cambio también ha sido significativo. “Uf Venga” (21) contaba con una producción mucho más do it yourself, en el que la banda se encargaba de todo, aunque ya con la misma energía y descaro. “Esta vez decidimos disfrutarlo más y nos dejamos ayudar”, bromea. Y es que el sarcarmo y la ironía a la hora de escribir sus canciones sigue siendo clave. “Componer con humor no es fácil. La barrera del cringe es muy fina”. Jugar con algo tan subjetivo es complejo, pero la banda tiene sus propios medios para transmitir lo que desean. Ahora prefieren trabajar “con un tipo de humor más derrotista y postmoderno, triste, pero sin dejar de ser humor”. Desgraciadamente, es bien posible que el tono de sus letras haya afectado en la forma en la que crítica y parte del público se tomaban su propuesta. “Muchas veces ni se han centrado en escucharnos o en el mensaje que intentábamos transmitir”. En todo caso, aunque no usen las herramientas habituales, muchas de sus letras evidencian una gran profundidad. Podríamos hablar por ejemplo de “Personalidad”, en la que lanzan una reflexión sobre cómo uno puede cambiar o verse percibido por los demás. Pregunto a Genís si ellos se sienten percibidos como

“

“Componer con humor no es fácil. La barrera del cringe es muy fina”

les gustaría. “Creo que sí. Hemos vivido una transición hacia la credibilidad [risas]. En ‘Uf Venga’ tal vez solamente se notaba la ironía, pero con estos últimos singles la gente empieza a entender el mensaje y se identifica más con lo que decimos”.

EN ESTE MOMENTO de la conversación, entra la llamada de Xiri, guitarrista de la banda, quien comenta cómo surgió la colaboración con Diosito de La Élite en “Pase lo que pase”. “El tema estaba prácticamente acabado y pensamos ‘Suena al palo de La Élite’, así que hablamos con Diosito y se sumó”. Cuenta también que tenían claro que un tema tan hooligan debía abrir o cerrar el disco. Y si no cuentan con más invitados es porque “Ya nos cuesta bastante aguantar la banda entre nosotros como para organizar más cosas con más gente”. Ambos hablan sobre el que se hayan atrevido con nuevos estilos en el disco. Sirva también como ejemplo “No me devuelvas la palabra”, con toques a rock de los setenta. “Mientras la creábamos nos daba vergüenza hasta a nosotros mismos... ¿Qué estamos haciendo? No sabíamos ni cómo tocarla [risas]”. A pesar de las dudas, siguieron adelante experimentando. Otro ejemplo es el final de “No sé”, en la que incluyeron un Hammond. “Y al final ha quedado algo que nos encanta”, concluyen.

JUNTO AL LANZAMIENTO del disco, Alavedra ya se está preparando para llevar a cabo una gira que arrancará el próximo noviembre. “Tener canciones nuevas que tocar nos ha obligado a ensayar y trabajar más el directo, y esto nos motiva mucho. Y queremos hacer cosas nuevas como tocar en México y cosas así. Ideas un poco de flipados, pero que nos hacen mucha ilusión”. A.R.N.

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ENTREVISTA

Los madrileños Los Punsetes son uno de los grupos que más y mejor ha encarnado lo que es ser indie en el sentido de ir a tu rollo y hacer exactamente lo que te apetece. Tus canciones, tus reglas. Y también tu humor provocador y tu puesta en escena fuera de los cánones habituales. Los artistas que se han sumado a esta fiesta que es el doble homenaje “Que le den por culo a tus amigos” (Sonido Muchacho, 24). Son los que hacen las preguntas en esta entrevista

PARTICIPAN en “Que le den por culo a tus amigos” nada menos que Carolina Durante (“Untitled”), shego (“¡Viva!”), La Paloma (“Una persona sospechosa”), Los Planetas (“Tu puto grupo”), Depresión Sonora (“Camino”), Triángulo de Amor Bizarro (“Dous Policias”), Ghouljaboy (“La manera de acertar”), Sidonie (“Me gusta que me pegues”), Aiko El Grupo (“Formol”), Hidrogenesse (“Mono y Galgo”), La Estrella de David (“Lo dejo”), Alizzz (“155”), Mujeres (“Dinero 2”), Marcelo Criminal (“Un corte limpio”), Las Ligas Menores (“Mabuse”), Joe Crepúsculo (“Maricas”), Soleá Morente (“Arsenal de excusas”), Surfin’ Bichos (“Tus amigos”), Fino Oyonarte (“Estrella Distante”), Menta (“Vas hablando mal de mí”) y Verde Prato (“Opinión de mierda”), todos ellos mostrando respeto a los madrileños. Pero... ¿y si dejásemos que fuesen algunos de los participantes quienes les propongan a Los Punsetes las preguntas a responder, sin periodistas de por medio? Pues que no se diga, porque eso es precisamente lo que hemos hecho.

Sur n' Bichos Está claro que en vuestros textos hay una gran potencia lógica o de sentido común, pero ¿sois conscientes de la carga lírica que tienen también tanto vuestras letras como nuestra música?

Somos muy conscientes y estamos orgullosos de ello [risas]. No hay que confundir lírica con cursilería, petulancia o barroquismo estéril. La mejor poesía ni se roza con esos conceptos.

Menta ¿Cual sería el animal de mayor tamaño al que le ganaríais en un cuerpo a cuerpo?

Hoy en día ya no se puede ni golpear a un animal sin que te cancelen. Cuando nosotros empezamos estaba hasta bien visto darle una patada a un perro de vez en cuando, sobre todo si era pequeño y lo llevaban vestido con ropa de persona. El punk ha muerto.

Hidrogenesse Sois muy faltones en vuestras canciones. ¿Os habéis plan-

“

"el grupo en el que queremos tocar se parece mucho a Los Punsetes"

teado alguna vez hacer otro tipo de canción?

Es un desahogo lírico que nos ayuda mucho a expresarnos sin rubor. Es como el sentido del humor. En realidad lo que pasa es que somos muy pudorosos y necesitamos esa distancia para poder tocar ciertos temas. También que usamos las canciones para expresarnos con la crudeza que no nos permiten nuestros puestos de directivos de corporaciones multinacionales en nuestro día a día.

Mujeres Veinte años, casi media vida dedicada a Los Punsetes. Echando la mirada hacia atrás, ¿cómo veis el recorrido que os llevado hasta aquí? ¿Y cómo veis lo que está por venir?

Tenemos la sensación de que el camino que hemos recorrido se parece mucho al que queríamos recorrer desde el principio. Yo creo que si me mensajeara con mi yo adolescente estaríamos de acuerdo en que el grupo en el que queremos tocar se parece mucho a Los Punsetes hoy, y eso es genial. Lo que está por venir es la retirada y la muerte. Quizá después de hacer otros cinco o seis discos y otro disco de versio-

Que le den por culo a Los Punsetes

nes: “Que le den por culo a tus amigos Vol II: Capricho Geriátrico”

Soleá Morente ¿Qué es de lo primero que cambiaríais en este país si Los Punsetes desempeñaseis hipotéticamente un alto cargo en la política, en el poder?

Suprimiríamos el cambio de hora y le pondríamos una calle a Eduard Punset en cada villa.

Los Planetas ¿Habrá fiesta de presentación del disco en el palco VIP del Bernabéu?

Debo decir que, en contra de lo que pueda parecer, solo hay dos madridistas en este grupo. Y somos cinco. O sea que son las glorias deportivas, pero aquí están en minoría simple.

Joe Crepúsculo ¿Os habéis planteado alguna vez dejar las guitarras y hacer un disco electrónico ? ¿Ariadna estaría dispuesta a rapear?

Nos hemos planteado muchas cosas, pero al final la cabra tira al monte y volvemos al local a hacer más o menos lo que hemos hecho siempre, porque lo que necesitamos es juntarnos y hacer mucho ruido. Es la esencia del grupo. Todo lo que implique eso, incluyendo rapeos, es bienvenido.

Marcelo Criminal ¿A qué grupos de hace veinte años os hubiera gustado invitar al disco?

Siniestro Total o Los Nikis hubiera molado.

Sidonie Ariadna es un referente de la estética en los escenarios españoles con sus increíbles diseños. ¿Este hecho exime al resto de la banda de vestir de cualquier manera? Como que uno de ellos lleve en algún concierto la camiseta del Real Madrid...

Un poco sí que desvía la atención y descarga responsabilidad, pero estoy totalmente de acuerdo con vosotros en que lo del Madrid es imperdonable.

Depresión Sonora Escuchad, ¿al final puedo mover mis cosas a vuestro local para ensayar ahí?

Pasa y sírvete. Pero no le toques la batería a Chema que se pone violento. MS

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EN CONCIERTO

l Barcelona 18 enero. Razzmatazz 2

l Santiago de Compostela 24 enero. Malatesta

l Vigo 25 enero. Rouge

l Málaga 07 febrero. Trinchera

l Sevilla 08 febrero. Sala X

l Oviedo 15 febrero. La Salvaje

l Bilbao 20 marzo. Kafe Antzokia

l Madrid 26 abril. La Riviera

La Habitación Roja

Viva la vida

Con su treinta aniversario como banda a la vuelta de la esquina y el corazón cargado de esperanza y pureza, con “Crear” (Intromúsica, 24) los cuatro miembros de La Habitación Roja nos instan a celebrar la vida, incluso cuando el optimismo y la luz parecen encontrarse más en desuso y riesgo que nunca.

TEXTO Fran González

FOTOS Tana Capo

“CREAR”, el decimocuarto elepé de los valencianos, se propone recordarnos sin tapujos ni dobleces el valor de esas pequeñas cosas que conforman nuestro día a día, ayudándonos con sus versos más directos y sinceros a armar una particular coraza que resista las embestidas del presente más amargo. “La piedra angular del disco, que es ‘Crear siempre es mejor que destruir’, está motivada por esta espiral a la que estamos asistiendo en los últimos tiempos en los que la violencia, la guerra, la reconquista de ciertos derechos que se creían ya conseguidos o el ascenso de la extrema derecha copan constantemente la actualidad”, nos cuenta Jorge Martí al otro lado de la línea telefónica. “Con semejante panorama, aferrarnos a la buena gente y a la bondad tal vez suene ñoño, pero a nosotros nos parece de lo más necesario. En este mundo tan deshumanizado, el amor fraternal es puro punk”.

LOS MIEMBROS DEL GRUPO siempre han sido partidarios de mostrarnos sus vidas y experiencias sin trampa ni cartón, invitándonos a formar parte de las mismas e integrándonos de una forma u otra en su

particular círculo de confianza. Motivados por ello, optan por contar con sus cuatro madres como protagonistas de la portada de su disco. “La portada define bien lo que es La Habitación Roja, en todos los sentidos”, menciona Jorge. “Decidimos centrar el proyecto gráfico en nuestras madres con el deseo presente de reivindicar su valía y protagonismo en nuestras vidas como mujeres de otra generación que se han entregado a sus familias, anteponiéndolas incluso a ellas mismas. Una fotografía analógica además, lo cual ya es por sí una declaración de intenciones en toda regla. Además, desde las labores de diseño se ha hecho un gran trabajo, complementando la foto con una contraportada en la que se mantiene el mismo set e iluminación, pero con las sillas vacías. Algo que de forma alegórica dice tanto”.

A PESAR DEL INDUDABLE positivismo que transmite el disco, uno también puede percibir que muchas de sus letras están motivadas por momentos personales muy duros. “Estos últimos años han sido bastante complicados a nivel personal”, subraya Jorge. “Mis suegros, que eran como unos padres para mí, fallecieron de

“En este mundo tan deshumanizado, el amor fraternal es puro punk”

3 “

cáncer casi a la vez y como consecuencia de ello, mis hijas, que estaban muy unidas a ellos, atravesaron una etapa muy difícil. Se podría decir que el disco nace como consecuencia de esa sensación que tienes al ser consciente de que has alcanzado una determinada edad en la que tus mayores han entrado en la etapa final de sus vidas, contrastada a su vez con la juventud de las nuevas generaciones, ya que todos en la banda ahora somos padres. Es ley de vida, una generación entra y otra sale, y tú, como compositor de canciones, tratas de mirar el mundo a través de los ojos de esas dos perspectivas”.

“A ESTAS ALTURAS ya no tenemos nada que demostrar a nadie y podemos evidenciar sin tapujos que nos emocionamos con este tipo de cosas”, continúa Jorge, quien se atreve a valorar el momento presente como la mejor etapa de la banda. “Ya no tenemos la misma angustia que nos generaba la música cuando éramos jóvenes, donde teníamos que pelear por abrirnos un camino y alcanzar cierto reconocimiento. No sé si estaremos pecando de conformistas, pero el hecho de poder seguir haciendo discos y tocarlos en directo nos parece ya suficiente motivo para sentirnos unos privilegiados”. Una reflexión que termina formándose en sus palabras justo cuando entramos a valorar el hecho de que la banda cumplirá treinta años el próximo año. “Me encantaría creer que hay un secreto detrás de este logro, pero realmente no lo hay”, sentencia el cantante. “Supongo que ese amor que hemos tenido hacia la música desde pequeñitos es lo que nos ha hecho aguantar tanto tiempo juntos. Por supuesto, esto no es ciencia infusa y no significa que esta devoción te vaya a garantizar un futuro como el nuestro, pero estar en esta profesión con la idea en mente de que vivimos ‘para la música’ y no ‘de la música’ es algo que nos ha ayudado mucho”.

“DISFRUTAMOS DE LO QUE HACEMOS y eso no se puede fingir”, continúa. “Cuando vemos a determinadas bandas metidas en esto descaradamente por el dinero y con la típica pose grandilocuente de querer petarlo, nos convencemos aún más de seguir haciendo lo que hacemos por los motivos correctos. Desde el principio, lo único que hemos querido hacer son buenas canciones y emular a nuestros héroes. No somos una banda maquinada y prefabricada en los despachos de una multinacional, sino un grupo de amigos que se conocen desde la infancia y que siguen viviendo la elaboración de un disco con la misma ilusión del primer día”.

F.G.

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EN CONCIERTO

l Lleida 30 noviembre. Tocata

l Murcia 20 diciembre. Sala Rem

l Elche 21 diciembre. La Llotja

l Valencia 24 enero. Les Arts

l Barcelona 30 enero. Sala La Paloma

l Tarragona 01 febreroSala Zero

l León 13 febrero. El Gran Café De León

l Ourense 14 febrero. Teatro Principal

l La Coruna 15 febrero. Garufa Club

l Logroño 16 febrero. Sala Fundición

l Albacete 21 febrero. Auditorio Municipal

l Madrid 22 febrero. Ochoymedio

l Burgos 28 febrero. Andén 56

l San Sebastián 01 marzo. Dabadaba

l Badajoz 08 marzo. Off Cultura

l Sevilla 14 marzo. Sala Malandar

l Granada 15 marzo. Sala Aliatar

l Cáceres 21 marzo. Boogaloo Café

l Salamanca 22 marzo. Camelot

l Zaragoza 27 marzo. Las Armas

l Pamplona 28 marzo. Zentral

l Toledo 29 marzo. Círculo Del Arte

l Bilbao 22 marzo. Kafe Antzokia

l Vitoria-Gasteiz 23 mayoJimmy Jazz

0125 & GOLDKIDS AMAIA MIRANDA AMATRIA DJ SET AMOR LÍQUIDO ARAB STRAP BERNAL

BLOODSTEIN BONS NOIS CAMELLOS

CARLOS ARES COLECTIVO PANAMERA

EL DIABLO DE SHANGAI EL NIDO ELEFANTES

ELYELLA FYRA GAVINA.MP3 GAZELLA IRIEIX

JOHN POLLÓN JÚLIA COLOM LA PLATA

LA SOFY b2b NAI OR YAY LEÓN BENAVENTE LUCIGARCI

LUIS FERCÁN MAESTRO ESPADA MAR PUJOL

MARÍA ESCARMIENTO MERCÈ MERINO NEURA

ORACLE SISTERS REPION ROMBO ROSERONA

SERCH. SLAD MOBB STANDSTILL VITTARA

WISEMEN PROJECT XARIM ARESTÉ YEARS OF DENIAL

Leif Vollebekk El alquimista

El canadiense pasó por Madrid para presentar “Revelation” (Secret City/Music As Usual, 24), ambicioso quinto álbum en el que se explaya con sus canciones tiernas y clásicas que destilan lo más noble de la americana.

EMPEZAMOS HABLANDO de que en “Revelation” tuvo una influencia decisiva la peculiar autobiografía del gran psicólogo suizo Carl Gustav Jung. “Me encantan las autobiografías porque revelan, en cierto modo, si la persona fue feliz o no, y este caso tiene mucha gracia, porque Jung no quería escribirla. Entonces la mujer que le ayudó le dijo que tenía que acabarla. Y es muy interesante, porque era un hombre muy analítico, no tenía por qué creer en lo sobrenatural, pero habla de cosas que no tienen explicación. Un poco como [Nikola] Tesla, que podía soñar con máquinas que luego construía y funcionaban. Lo que pasó es que en los tiempos de la pandemia me leí este libro, y luego me zambullí en la astronomía y la alquimia. No me había dado cuenta de que Jung estaba fascinado

por la alquimia. Y de repente estaba leyendo a Isaac Newton, que era un alquimista a tiempo completo”. Leif cree que la combinación de técnica y lo inefable es lo que une a este proceso mágico con la música. Tal y como él lo ve “la música es muy técnica. Ahora bien, una vez llegas a lo técnico, debería permitirte llegar a lo trascendental. Jung era muy escéptico, pero le pasaban cosas con pacientes que no tenían explicación. Y lo dice así: ‘Hay cosas que no puedo explicar’”.

“REVELATION” ESTÁ LLENO de cuerdas suntuosas y detalles que nos llevan a otra época. “Casi me mata, en un sentido metafórico. Fue durísimo. Demasiado. Porque compuse todas las canciones y tenía una idea muy clara de cómo quería que sonaran. En discos anteriores tenía que pegarme con un par de canciones, pero aquí fueron todas. Porque por experiencias anteriores, me había dicho que no iba a meter nada por lo que no hubiera peleado. Quizá la última canción fue la única fácil, es como un epílogo”, confiesa.

VOLLEBEKK SE MUESTRA partidario de grabar con todos los músicos tocando juntos, y de la mística de los grandes estudios. Por eso la pandemia retrasó la grabación.

“Este disco casi me mata, metafóricamente hablando”

Cuando fue posible, viajó a Dreamland y los míticos Sunset, para luego añadir algunos detalles en su propio espacio. “Me negué a grabar en otro sitio. Ese piano de Sunset es mágico. Todo el equipo es analógico, y cuando grabas ya suena a disco. En la base de las canciones no hay ninguna edición. Me gusta hacerlo así: alquilar un estudio que sea perfecto, y que yo sea el eslabón más débil”. El enfoque de Vollebekk es dedicar un día a cuestiones puramente técnicas, para que luego surja la magia entre los músicos. Su romántica perspectiva está totalmente alejada de lo que se suele hacer a día de hoy. “Ahora se puede empezar con una claqueta, después la batería y capas y capas de todo lo demás. Pero es duro. No es divertido. Imagínate escuchar un disco en el que nadie se lo haya pasado bien. ¿Cómo te crees que va a sonar? Trabajando como lo hacemos nosotros todo el mundo sabe que lo que toca va a estar en el disco. Y no tienen miedo. No es como decir: vamos a hacer diez tomas, y luego un collage. Me encantan esos viejos discos de Bob Dylan en los que el bajista podía fallar una nota, y lo arreglaba con la siguiente. Se convertía en la historia de la canción”.

JC PEÑA

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Maren Altos vuelos

Pocos discos han vivido más tropiezos que “Qué lástima” (Altafonte, 24). Y pocos demuestran mejor eso de que lo bueno se hace esperar. El segundo álbum de Maren recoge lo más frenético, íntimo y creativo de la bilbaína. Hablamos con ella de este viaje de pop con tintes rockeros, psicodélicos y electrónicos.

TEXTO Mara Gómez

ALLÁ POR LOS INICIOS de este mismo año, Maren estaba ya preparada para el nuevo disco: lanzamiento, promo, gira… Todo listo. Pero se dio cuenta de que no todo iba sobre ruedas. “Había muchas piezas que estaban fallando, pedí explicaciones y entonces… Se cayó todo”. El estreno se canceló, abandonó su oficina de management y, lo dice sin rodeos, “perdí la gira porque me arruiné”. Meses después, con la fecha ya cerrada para principios de noviembre, la DANA en Valencia le hizo posponer la publicación de nuevo. “Creo que el foco debe seguir siendo Valencia”, explicaba por Instagram. Pero si alguien piensa que esto frenaría a Maren es que no la conoce en absoluto. “Me agarré a lo que tenía, a lo que me quedaba, y con esas ganas hemos remontado”. Lo dice con una sonrisa y con la emoción de quien tiene entre manos un trabajo redondo.

PORQUE “QUÉ LÁSTIMA” no va de pena. Qué va. La única pena sería que no hu-

biera salido. “Es un disco muy optimista, en general. El hilo conductor, aparte de esa positividad y de mi voz, es la ironía de todo”, señala. Algo que plasmará en los conciertos que (ahora sí que sí) comenzarán en diciembre. “Pensaba en canciones con las que luego me lo pudiese pasar muy bien tocando. Está muy enfocado al directo”. Bilbao, Málaga, Granada, San Sebastián, Barcelona… Allí desembarcará ese avión de la portada, que, por supuesto, no está elegida al azar. “Cuando ya estábamos ahí plantados haciendo la foto, me dijeron ‘¿A dónde quieres correr? ¿Hacia la avioneta o hacia el lado contrario?”. Eligió la primera opción. “Dejo todo lo que ha sido este año, todo lo que no me interesa ¡y me voy!”. ¿Y quién conduce el aparato? La propia Maren, claro está. “Describe muy bien el proyecto, como ‘Ay, mira qué guay todo, pero vamos a pegarnos por ello’”. Y es que lo de quedarse con los brazos cruzados no va con ella. “Si algo no me gusta, me gusta quejarme”, anota. De eso trata uno de los sencillos del álbum, “Acostumbrarme” [con Anne Lukin]: de romper el silencio.

En este caso, frente a la desigualdad en la industria musical. “Si pudiese cambiar algo, sería a la gente que está sentada en los sitios más importantes. Pienso que sigue siendo una industria muy anticuada, y eso engloba muchas cosas: la desigualdad, la forma de hacer las cosas, el trato a los artistas… Creo en el respeto a la gente y hay formas y formas: eso es lo que hay que cambiar”. Estamos de acuerdo. Y un mensaje para quien la escuche: “Que la gente se atreva más a decir lo que no le gusta, porque normalmente tienen la razón”.

MAREN LLEVA HACIENDO MÚSICA desde niña (con participación en La Voz Kids incluida) y sacándola oficialmente desde los catorce. “Dedicarme a esto me ha enseñado a quitarme la vergüenza, en el mejor de los sentidos”, destaca. Le pregunto por la mayor enseñanza que se lleva de todo a sus veintidós años. “Tener paciencia, soñar cada vez más alto y pensar que no hay techo”, afirma convencida. Podría sonar a cuento de hadas, pero entonces tendrían que dedicar un capítulo entero a su anécdota con Miles Kane, uno de sus artistas favoritos. “Me quedé sin entradas para su concierto y probé a escribirle por Instagram…”. Una cosa

“

“El hilo conductor del disco es la ironía de todo”

llevó a otra y terminó comiendo gominolas con él en su camerino. “Yo pensaba en la Maren de trece años, que escuchaba The Last Shadow Puppets, y en que había cumplido su sueño”. Va a ser verdad que el techo no existe para esta chica.

EL GRUPO DE KANE, ALEX TURNER, James Ford y Zach Dawes entra en su repertorio de referentes, pero la verdadera inspiración no la encuentra subida en los escenarios. “Es la gente que tengo al lado, las cosas que me cuentan y la forma en la que ven la vida lo que más me inspira”, expresa. Vivir con admiración hacia cada persona que tiene a su lado y coger lo mejor de cada uno: ahí está su método para cocinar la creatividad al punto. Y no

es una receta que solo use en la música, porque Maren también dirige videoclips, hace sesiones de fotos a grupos, sube unos vlogs a YouTube para chuparse los dedos y, por si fuera poco, también anda estudiando la carrera de Magisterio. “No me gusta aburrirme, aunque tengo que aprender a hacerlo”, comenta entre risas. Al menos, si algún día se vuelve del todo loca, cuenta sonriente, tiene un refugio pensado. Una pista: la encontraremos en el último tema del disco. “Ressort” es una canción algo misteriosa que representa a la Maren más inquieta. “Yo siempre que me pongo nerviosa digo que tengo claustrofobia en mi propio ser”, indica. Cuando está ansiosa por un concierto al día siguiente, llega a dormir en el balcón o incluso en el jardín, y “Ressort” representa precisamente ese escape idílico. Allí no hay nervios, solo “helados para cenar y vistas al mar en albornoz. Como Kevin en el hotel de ‘Solo en Casa 2’, ese es el espíritu de la canción”. Nos vemos pues en el Hotel Plaza de Nueva York. Para encontrar la habitación solo hará falta seguir la mágica voz de Maren.

M.G.

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.LOS DISCOS.DE MI VIDA

Cock Sparrer

El grupo londinense de street punk Cock Sparrer sigue celebrando su cincuenta aniversario. Poco antes de esta nueva visita, charlamos con Colin McFaull, su vocalista y líder, para que nos descubra seis grandes discos que han influido a Cock Sparrer y aquí está el resultado.

The Clash The Clash (1977)

Cuando escuché por primera vez este álbum supe que las cosas estaban cambiando, ¡y para mejor! Cada una de las canciones era una adictiva pieza de dos o tres minutos de punk rock emparejado con un poco de dub de West London. La voz de Strummer corta en cada canción. Este es el disco con el que crié a mis hijos.

El primer disco en directo que compré en mi vida. Steve Marriott es su mejor momento con una voz que es una mezcla entre Aretha Franklin y un carretillero del East London. Pusimos este disco una y otra vez hasta que lo gastamos. Probablemente el único disco con canciones de diez minutos que reconoceríamos que nos gusta. No es punk rock, pero es brillante.

EN CONCIERTO

Justo antes de que el punk ocurriese en el Reino Unido, fuimos al Marquee Club de Londres a ver una banda que estaba girando por primera vez. Rock’n’roll descompuesto hasta sus niveles más básicos, pero tocado con power y una pasión que no habíamos visto antes. Todavía es mi concierto favorito de todos los tiempos. Y nosotros seguimos discutiendo sobre de qué trata “The Jack”.

Supongo que solamente soy un fanático de las bandas con grandes frontmen y no ha habido ninguno mejor que Gary Holton (en paz descanse). Tuvimos este disco originalmente en cinta, y lo poníamos en la furgoneta de camino a todos los conciertos de Cock Sparrer. Creo que nos sabíamos todas las letras. Criticado por algunos por estar sobreproducido o por ser demasiado limpio, la calidad de la composición lo convierte en algo muy especial.

Hay algunos discos que son tan únicos y originales que es imposible categorizarlos. Bowie creó algo que era muy diferente a todo lo que se había hecho hasta entonces. La era glam de la escena británica fue donde invertimos nuestros primeros años de juventud, rodeados por canciones de bandas como Sweet, T-Rex, Roxy Music o Bowie. El álbum es un clásico.

Slade

Vuelvo a nuestras raíces glam rock y a una de las bandas más populares de su momento. Si ibas a una fiesta, siempre había una canción de Slade animándolo todo. Grandes riffs, melodías y coros para cantar juntos. Todo el mundo pensaba que tenía una voz como la de Noddy Holder, pero en realidad nadie la tenía. La banda que todos soñamos con que vuelvan a reunirse. Y cuando lo hagan, ahí estaré yo. MS

Slayed? (1972)

Heavy Metal Kids Kitsch (1977)

Humble Pie Performance: Rockin’ The Fillmore (1971)

AC/DC High Voltage (1976)

David Bowie The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars (1972)

l Madrid 13 diciembre, Sala La Paqui l Barcelona 14 diciembre, Paral·lel 62

También ha participado y organizado numerosos paneles en conferencias que dan fe de la vitalidad de la escena española y sus posibilidades para trascender nuestras fronteras. Y es que cada vez más propuestas artísticas españolas llegan a medios, industria y público de otros países. A su vez The Spanish Wave colabora con distintas promotoras nacionales como Houston Party, Mercury Wheels @ Live Nation, etc. organizando convocatorias abiertas para seleccionar “teloneros” nacionales de giras internacionales en España, dando oportunidades abiertas y más democráticas impulsando el talento nacional junto a estrellas internacionales como Gavin James, Carbonne, John Maus, Atzur, Lord Apex, etc. En 2024 el proyecto también ha comenzado una nueva actividad como es presentar artistas nacionales emergentes en festivales de nuestro país, festivales como Boga Boga, Tribu San Miguel. The Spanish Wave nació en 2020 bajo el liderazgo de la promotora Live Nation, y con el objetivo de exportar internacionalmente, apoyar y descubrir el talento joven emergente de nuestro país. Cuenta con la colaboración de AIE, Fundación SGAE, Instituto Cervantes, Radio 3, sellos discográ cos, empresas privadas como Ticketmaster y medios de comunicación como Mondo Sonoro. Su objetivo es impulsar una “Marca España Musical” que despierta cada vez mayor interés más allá de nuestras fronteras.

El trabajo sostenido que plantea el proyecto tiene un bene cio directo en la relación de los artistas emergentes con sellos, agencias y entidades de derechos, así como su presencia en medios de comunicación internacionales, giras por otros países, conciertos y festivales. A través de distintas convocatorias, The Spanish Wave apoya a solistas y bandas que deben reunir una serie de valores: la calidad de su propuesta artística debe estar acompañada por la profesionalidad, el potencial para su exportación a otros países, y la juventud. Se apoya con pasión a las artistas femeninas, y no hay discriminaciones por ningún motivo. Esta

losofía es la que ha guiado la presencia internacional de la iniciativa durante los doce meses de este año que termina, los más intensos desde que se pusiera en marcha.

Ya en enero, tuvimos la oportunidad de disfrutar de cuatro artistas españolas en un vibrante showcase celebrado en el corazón de la gran feria de la industria europea Eurosonic ESNS, en Groninga (Países Bajos). Actuaron Julia Sabaté, Sila Lua, Ona Mafalda y Lala Hayden ante una nutrida presencia de profesionales de diferentes países, que disfrutaron de las cuidadas puestas en escena de cada artista. En febrero viajamos a Londres para participar en el exclusivo ILMC, y en marzo cruzamos el Atlántico hacia el New Colossus Festival (NCF) de Nueva York, y el clásico SXSW de Austin, ambos en Estados Unidos.

Otro escaparate imprescindible para el talento joven europeo es el festival The Great Escape, celebrado en la preciosa localidad costera británica de Brighton del 16 al 18 de mayo, y donde España fue país protagonista (como lo fue en la edición 2023 de Eurosonic). La acogida al talento joven español fue memorable. Más de dos mil fans y representantes de la industria acudieron a los dos showcases de The Spanish Wave y Mad Cool, y 350 delegados de la industria hicieron lo propio en la recepción o cial Meet The Spaniards! Depresión Sonora, Lala Hayden, Ona Mafalda, Mujeres, Eva Ruiz, Mavica, Sila Lua, The Gulps y Divorce From New York pudieron mostrar sus muy diferentes personalidades y virtudes. El evento estuvo precedido por una esta de presentación en Madrid con el partnership de Ticketmaster y el Instituto Cervantes de Londres. En ese mismo mes de mayo el talento español también deslumbró en el Liverpool Sound City, en Focus Wales de Gales y en la Athens Music Week.

El verano es temporada de festivales, y el 12 de julio The Spanish Wave presentó a tres artistas emergentes internacionales dentro del marco del Mad Cool de Madrid, uno de los más importantes

MUJERES FOTO: CINDEL ORANDAY

DEPRESIÓN SONORA FOTO: CINDEL ORANDAY

FOTO: CINDEL ORANDAY

HINDS

The Spanish Wave

Un año exportando talento

El proyecto de internacionalización del talento musical nacional The Spanish Wave ha vivido su año más intenso, llegando a eventos internacionales como Eurosonic, SXSW, Reeperbahn, The Great Escape o Iceland Airwaves, en los que ha organizado más de veinte showcases con participación de 51 artistas y más de 50 profesionales/delegados españoles en misiones de negocio.

del mundo: fueron los canadienses Choses Sauvages, la neerlandesa de origen catalán Julia Sabaté y los escoceses SLIX, como parte de sus colaboraciones con o cinas de exportación y festivales internacionales. Además, en agosto el dúo electrónico canario Dyatlov tuvo la oportunidad de actuar en el Fengaros Festival de Chipre. César Andión, director de The Spanish Wave, impartió un taller para artistas locales y profesionales días antes.

En septiembre se redobló la actividad de internacionalización en varios eventos marcados a rojo en el calendario de la industria: Waves Vienna (Austria) -con las actuaciones de Dewel, Mabiit y los barceloneses Montesco-; el festival Reeperbahn de Hamburgo (Alemania) -con nombres de la electrónica nacional como I Am Dive, B1n0, los mencionados Dyatlov y José Puebla- Ship (Croacia) -con Divorce From New York. En ese mes se celebró la Ireland Music Week, con idéntica presencia de representantes profesionales de The Spanish Wave.

Muy recientemente, entre el 7 y el 9 de noviembre, ha tenido lugar el prestigioso festival Iceland Airwaves, para el que se abrió una convocatoria de artistas que quisieran actuar en la capital islandesa. Merina Gris, Izaro y Sila Lua serían las elegidas. Era la primera vez que el proyecto aterrizaba en el país nórdico, y además se celebraba con la embajada los setenta y cinco años del establecimiento de relaciones diplomáticas con aquel país.

Del 20 al 23 del mismo mes, la capital marroquí de Rabat albergó el festival Visa For Music, en el que participaron La Cendejas, el grupo Ayom y Carmen y María con diferentes showcases. La localización fue perfecta para que se celebrara un nuevo panel sobre el potencial para la industria de la región mediterránea, un frente en el que The Spanish Wave insiste mucho.

Recientemente se ha abierto también la convocatoria para actuar en la India International Music Week, que tendrá lugar en febrero del año próximo en Goa. Las convocatorias se han convertido en pieza clave del funcionamiento de un proyecto que continúa creciendo en paralelo a la internacionalización de nuestros artistas. En el horizonte nos espera un 2025 con un plan de showcases en 17 países de distintos continentes presentando artistas de todos los rincones de nuestro país, estrellas del presente y el futuro. A su vez se han cerrado intercambios artísticos con otros países, presencia en paneles, conferencias y seguirá seleccionando artistas locales en giras internacionales de alto nivel. Sigue el proyecto en Instagram @The_SpanishWave. n

Rodrigo Sorogoyen Como la vida misma

Las horas que separan una estresante y melancólica Nochevieja de un ilusionante día de Año Nuevo conforman el contexto sobre el que se dibuja la relación sentimental entre Óscar (Francesco Carril) y Ana (Iria del Río). Dos treintañeros cuyas vidas en común crecerán ante nuestros ojos durante una década entera en la serie “Los Años Nuevos”, disponible en Movistar+.

ESCRITA A SEIS MANOS entre Rodrigo Sorogoyen, Sara Cano y Paula Fabra, “Los Años Nuevos” supone un retrato voyerístico de los lugares comunes de una pareja humana e imperfecta, cuyas circunstancias rimarán inevitablemente con nuestra realidad más próxima. En efecto, un experimento a la Linklater como pocos precedentes hay en nuestra ficción. “Te diría que hacer un Linklater es algo que solo puede hacer el propio Linklater”, comenta entre risas el realizador. “Nosotros rodamos todo durante cinco meses en riguroso orden cronológico, algo que jugó muy a nuestro favor y le facilitó mucho las cosas a los actores. Los dos protagonistas estaban nerviosísimos el primer día, como no puede ser de otra manera, pero en el rodaje del décimo episodio ambos nos demostraron tener una soltura tremenda después de cinco meses metidos en la piel de Óscar y Ana. Se habían convertido literalmente en los personajes”. Un episodio, rodado en plano secuencia (recurso fetiche del cineasta), que supone la cúspide interpretativa de los citados y el cierre perfecto para esta terapia catódica que desgarra y sana a partes iguales. “En todo momento entendí el episodio diez como el final de un viaje en el que hemos ido desnudando el relato hasta quedarnos a solas con los protagonistas, sin secundarios ni tramas”, continúa Rodrigo. “Está claro que eso lo puedes rodar con dieciocho mil planos distintos

o con un plano secuencia. Nosotros optamos por la segunda opción. Con un plano secuencia logras un tipo de verdad que no encuentras con otro tipo de recursos. Desde el momento en el que dices ‘Acción’ hasta que dices ‘Corten’ el poder lo tienen los actores y no les queda otra que convertirse en los personajes y sentir lo que ellos sienten. Es lo más parecido a la vida que podemos trasmitir a través de una cámara”.

SEAMOS O NO ESPECIALMENTE entusiastas de estas fechas señaladas, Sorogoyen logra darnos representaciones muy diversas de las mismas, sin caer en la monotonía narrativa y haciéndonos pasar del cielo al infierno en cada capítulo. “Algunos episodios costaron más que otros, claro, pero en todo momento quisimos que cada uno de ellos fuera como una mini-película con personalidad propia y tonos muy distintos. Lo importante era que el espectador no se aburriera y por eso hemos hecho diez Nocheviejas bien diferentes, para todos los gustos”. Tan diferentes que en cierto momento hasta nos trasladan a las profundidades de la famosa discoteca berlinesa Berghain. Bueno, más o menos. “Es la Berghain porque tú crees que es esa discoteca, pero en ningún momento se la menciona en todo el episodio”, dice Rodrigo, con respecto al verdadero entorno en el que fue rodada la trama principal del quinto capítulo. “Donde rodamos no es habitual que se

filme, y por esa razón mantendré en secreto el nombre de la discoteca, pero más allá de pedirnos que no se pudiera reconocer el sitio, fueron bastante amables y nos concedieron todo tipo de facilidades. Eso sí, fue bastante frustrante rodar en Berlín durante dos semanas y no poder salir de aquel garito”. Esta suerte de Berghain no será el único guiño musical que la serie contenga, pues además de una finísima banda sonora compuesta por lo mejorcito del indie patrio (Triángulo de Amor Bizarro, Iván Ferreiro, Standstill, La Bien Querida, Joe Crepúsculo, Vetusta Morla y muchos más), el mismísimo Nacho Vegas ha querido sumar su granito de arena con un tema original titulado de forma homónima como “Los Años Nue -

“Nacho Vegas es mi solista, autor, poeta y cantante favorito de todos los tiempos”

vos”. “Nacho es mi solista, autor, poeta y cantante favorito de todos los tiempos y muchas de sus canciones están ligadas directamente a mi vida por muchas razones”, afirma Rodrigo. “Normalmente cuando le pides una canción a un artista para que acompañe algún trabajo audiovisual, estos acostumbran a darte una que ya tienen o a hacerte una nueva un tanto regulera. Pero este tío ha hecho para nosotros la que fácilmente sea una de las mejores canciones de su repertorio. Consigue juntar la épica rockera de su estilo con su ternura natural y afinar una letra apasionante y muy fiel a lo que la serie nos cuenta. Me emociono cada vez que la escucho y le estaré eternamente agradecido por haberse sumado a este

viaje”. Un viaje que concluye justo cuando casualmente se cumplen también diez años del estreno de su primer largometraje, “Stockholm”. “Ahora mismo, y tras el reciente fallecimiento de mi padre, no puedo evitar fijarme más en el paso del tiempo. Estoy en esa fase del duelo que corresponde a la ira, donde me enfada darme cuenta de que tarde o temprano todos tendremos que irnos. Y es muy curioso como de forma totalmente casual también hablamos de ello en la serie. ‘Los Años Nuevos’ empieza tratando sobre una pareja, pero acaba hablando sobre la vida misma”. FRAN GONZÁLEZ

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#GPS15 apuesta por el talento emergente

La decimoquinta edición de Girando por Salas ha dado a conocer sus 22 artistas seleccionados. Se trata de bandas y solistas de todos los estilos y rincones de nuestra geografía, que podrán actuar en 180 salas, fuera de su comunidad autónoma. GPS te ofrece descubrir, conocer, disfrutar y recomendar tus artistas favoritos para impulsar el talento de nuestra música más joven y actual, además de posibilitar que vivas su directo muy cerca de ti.

#GPS15 va a permitir que artistas en proyección puedan dar a conocer su propuesta más allá de su ámbito de in uencia, impulsando su profesionalización, además, con una ayuda para la producción y promoción discográ ca. En un entorno tan competitivo y dinámico, se trata de un empuje clave para la consolidación y crecimiento de músicos emergentes. Girando por Salas es un programa impulsado por el

Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM) del Ministerio de Cultura. Es entidad colaboradora la Federación Coordinadora del Circuito de Músicas Populares (FCMP), que está formada por la Asociación Estatal de Salas de Música en Directo (ACCES); APM (Asociación de Promotores Musicales); la Associació de Representants, Promotors i Managers de Catalunya (ARC); la Asociación de Representantes Técnicos del Espectáculo

(ARTE); la Associació Professional de Músics de Catalunya (MUSICAT); Productores de Música de España (PROMUSICAE) y la UniónFonográ ca Independiente (UFI). El éxito de la iniciativa se re eja en la respuesta entusiasta de artistas de todo el país a esta convocatoria: los 22 seleccionados han salido de una lista de 744 aprobados que cumplían los requisitos. Un total de 812 se habían inscrito en esta edición. Cuatro han sido elegidos por apoyo popular a través de los votos emitidos en la web de GPS. Como en las ediciones anteriores, por las principales salas españolas van a pasar artistas de los estilos más variados: del pop y el rock contundente al jazz, la electrónica, el folk, las raíces, el amenco, el hip-hop y el reggae. también están representadas distintas generaciones. Echemos un vistazo a la lista:

Airu es un cuarteto bilbaíno de pop electrónico cuyo primer LP “Con lo bueno y con pena” ha sido publicado por el sello Oso Polita. El grupo ya ha pasado por el BBK Live y festiva-

les del prestigio del norteamericano SXSW. Caamaño&Ameixeiras es uno de los grupos gallegos con mayor proyección del momento. Su audaz híbrido de música tradicional y electrónica ha llevado al dúo formado por Sabela Caamaño y Antía Ameixeiras a actuar por escenarios de toda Europa, con notable éxito. De Madrid viene el trío Calequi y Las Panteras, cuya seña de identidad es un explosivo cóctel de in uencias que van del funk al afropop y los ritmos latinos, que han desplegado ya en dos LPs. Desde Murcia Carmesí hace canciones pop muy personales que ella cali ca de “drama bailable”, con la intención de dejarse el alma en cada letra. Los alicantinos Diagnóstico Binario son un quinteto próximo al rock alternativo cuyo primer LP de 2023, “Miscelánea”, les ha llevado a actuar junto a artistas como Dorian o Lori Meyers. Por su parte, los castellanos El Nido recuperan los sonidos tradicionales y populares de su tierra con un enfoque contemporáneo, y después de trabajar con Rodrigo Cuevas preparan la salida de su segundo LP.

Las canciones pop de la joven y precoz aragonesa a ncada en Madrid Eva McBel han traspasado nuestras fronteras, con un estilo elegante forjado en las salas más emblemáticas de la capital. También muy joven es el barcelonés Grabu, que combina con hipnótica precisión electrónica minimalista y toques de jazz. Jairo deRemache viene de Castilla La Mancha. Criado en una familia de artistas gitanos,

es uno de los nombres más destacados de la nueva ola del amenco pop que celebra raíces con un trasfondo emocional. Bajo el nombre de Jordana B se presenta la artista argentino-española María Solá Oteyza. Hija de dramaturgos, lo suyo es hacer canciones de pop con espíritu punk. Su segundo disco será editado por Subterfuge Records a principios de 2025. La Furia es el nombre artístico de Nerea Lorón Díaz. Nació en Cascante, Navarra, y propone un hip-hop crudo y catártico entre la luz y la oscuridad, con un trasfondo reivindicativo feminista. El cuarteto granadino Las Dianas lleva tiempo exhibiendo frescura y mala leche con sus canciones de pop corrosivo que llenan su segundo álbum “Ya lo decidiré mañana”, publicado recientemente. La joven catalana Martha Knight pretende “hacer canciones para escuchar en la habitación mientras los demás duermen”, y lo consigue a través de las melodías y un tono confesional que conecta. “Gemelos fabricantes de buen rollo”. Así se de nen Morochos, dúo procedente de Madrid que combina amenco, pop, reggae y mucha alegría de vivir. Juan e Ignacio llegan al corazón de un público cada vez más amplio.

Con una puesta en escena impactante, los siete músicos que forman Nito Serrano & LAPURASANGRE se empapan de folclore americano del sur de Estados Unidos al Caribe y Argentina para destilarlo en un sonido puramente fronterizo. Los madrileños Parquesvr aca-

ban de lanzar un tercer disco -“Si molesto os vais”- en el que siguen trascendiendo el humor absurdo e irreverente con letras descarnadas y música que bebe de las fuentes más variadas, siempre dentro de la contundencia rockera. Desde la Siberia Extremeña, Sanguijuelas del Guadiana es un trío joven que se atreve a casar a Extremoduro, Triana, Estopa y Nirvana desde la autenticidad. Más al sur, el malagueño Sarria (Nacho) recoge in uencias del rock clásico -de The Doors a Led Zeppelin o Pink Floyd- en una propuesta “retrofuturista” que ha re nado en su segundo disco, donde hay también aires andaluces y psicodélicos. El trío femenino madrileño shego trabaja en un segundo disco que está siendo coproducido por la británica Asha Lorenz (Sorry), lo que promete un álbum lleno de aristas y matices que enriquezcan sus canciones. Los asturianos Tigre y Diamante son un sexteto que bebe de las inagotables fuentes del proto-punk vía clásicos como The Velvet Underground y The Stooges, bajo un prisma noventero. Esta nueva entrega de GPS se completa con el dúo madrileño de indie pop electrónico Vangoura. Miguel e Ignacio lanzaron en la primavera de este año su segundo trabajo “Sangre y sal”; y los leoneses Zabriskie, cuya propuesta entre el pop, el rock y la psicodelia les ha servido para actuar en dos ediciones del festival Sonorama. Esta nueva selección de una iniciativa ya clásica da una buena muestra de la vitalidad efervescente de la escena nacional. n

GRABU EL NIDO

JORDANA B LAS DIANAS LA FURIA

PORTADA

Lo mejor de 2024

Internacional

Canciones de un mundo muy vivo

ESTE AÑO HAN OCURRIDO dos cosas no muy habituales en nuestras listas. La primera es que una banda, en este caso Fontaines D.C. hayan vuelto a ser Disco del Año para nuestra publicación tras serlo con su trabajo inmediatamente anterior. Pero eso es exactamente lo que ha sucedido con el impecable “Romance” del grupo irlandés. No han dejado de crecer y no hablamos solamente de cifras. La segunda es que las tres primeras posiciones del top están ocupadas por nombres procedentes de las Islas Británicas, aunque totalmente distintos entre si. Charli XCX ha coronado una trayectoria también en ascenso con su obra más completa, “BRAT”, que ha hecho el mundo un lugar más fiestero y más verde fosforito. De ahí que se intuyera ya que estaría entre nuevos favoritos de la temporada. En cambio, lo de The Cure no se veía venir. Un sopapo en todo el orgullo de aquellos que utilizan el edadismo como arma arrojadiza. Y es que dieciséis años son muchos. Pero al final ha resultado que “Songs Of A Lost World” es un disco merecedor de todos sus elogios, un disco emotivo, profundo y melancólico, pero sobre todo una demostración de que hay talentos que nunca se pierden. ¿Qué

Todos los discos que aparecen forman parte importante de nuestro año, al margen de estilos, géneros o procedencias

se puede esperar de un disco que empieza con la majestuosa “Alone”?

Y ASÍ SE REDONDEA un podio que nos sirve además para marcar distintos vértices de lo que la actualidad musical puede darnos a día de hoy. Pero es que lo que viene a continuación todavía los marca más. Podríamos repasar la lista posición a posición, algo que obviamente no vamos a hacer, pero les aseguramos que todos los discos que aparecen forman parte importante de nuestro año, al margen de estilos, géneros, procedencias... Por eso podemos pasar de la electrónica al rap, del hardcore al urban, del folk al indie rock, del metal al post-punk, de lo experimental a

lo prácticamente mainstream... Primero porque esa siempre ha sido nuestra tónica; segundo porque quienes dan forma a Mondo Sonoro son tan variopintos como las propias propuestas musicales y tercero porque la actualidad musical es así. Tómenla o déjenla, pero que nadie se lleve las manos a la cabeza por ver qué falta tal o cual disco, o que le sobra este y aquel y el de más allá.

SOMOS UNA CABECERA, un universo en nosotros mismos, con la que no es necesario comulgar al cien por cien. Aceptémonos todos como somos y entendamos que las listas no son más que un resumen de nuestros gustos con los que se coincidirá más o menos. Pero seguro que ayudan a que haya quien descubra a un artista por primera vez o quien decida prestarle mayor atención a algún disco que se le había pasado por alto entre todo el aluvión que se publica anualmente. Y con conseguir eso ya estaremos contentos. JOAN S. LUNA

PLAYLIST

Escucha aquí el TOP 100 de canciones internacionales >>

Fontaines D.C.

Romance

XL/PopStock!

ROCK / El cuarto disco de los de Dublín les ha llevado a XL, el sello de Radiohead y sus adorados The Prodigy. De la parte técnica se ocupa un peso pesado: James Ford (Arctic Monkeys, Blur). Todo esto certifica que han llegado a otro nivel. Sucesores de grandes bandas de guitarras que concilian calidad artística e interés masivo, lo dejan claro: el quinteto (ahora sexteto en vivo) apunta alto y acierta. Porque aunque estén relativamente lejos de la inmediatez punk retro de su estupendo debut, “Romance” es su álbum más completo y redondo. El título hace justicia a unas canciones impregnadas de drama, guitarras acústicas, cuerdas y puntuales sonidos sintéticos, con esa cima que es “In The Modern World”, en la que la voz de

Grian Chatten, que canta con más autoridad que nunca, y los coros a su alrededor, alcanzan el cielo. Lejos de la apatía o el fatalismo, transmiten una vitalidad contagiosa, un hambre de vida que es parte esencial de su encanto. En “Starburster” apuestan por la contundencia rítmica futurista con resultados muy convincentes, y aunque el falsete de “Here’s The Thing”, tan de los noventa, me suene un poco forzado, suma en la narrativa de un trabajo que cohesiona la voz de Grian y el espíritu inquieto de la banda. Ya se pongan evocadores como en la majestuosa “Bug”, abiertamente teatrales (“Motorcycle Boy”) o bien oscuros (“Death Kink”), las melodías vocales de Grian alcanzan el magisterio, y Ford hace brillar la instrumentación con mil matices. Imposible terminar más alto que con las melodías tan eufóricas como melancólicas de “Favourite”, cuya brillante inmediatez evoca a sus compatriotas de culto Power Of Dreams. Es curioso cómo la excéntrica estética actual del grupo en vídeos y fotos recuerda el desmelene de los primeros noventa; en realidad, lo que hace a Fontaines grandes, más allá de su portada tan de hoy, es su facilidad para conectar con lo mejor del pasado desde el presente. JC PEÑA

2

Charli XCX BRAT Atlantic

POP / Por fin pudimos materializar una imagen en ese enigmático croma que la diva de la PC Music decidió utilizar como portada del que se presentaba como un proyecto con el ego artístico como columna vertebral. Todos los singles que Charli había adelantado apuntaban a su faceta más narcisistamente despreocupada, utilizando los electrónicos sonidos del club como altar donde performar un auto-culto a su figura. Sin embargo, la mayor virtud de “BRAT” la encontramos en la valentía con la que la artista juega con las expectativas sonoras y temáticas que uno podría tener sobre un disco que se había presentado —literalmente— como una enérgica boiler room pop. Su último proyecto no es tanto una reconquista del sonido electrónicamente festivo de “how i’m feeling now” (20) como una celebración de todas las estéticas que han vertebrado la discografía de Charli, convirtiendo el álbum en una especie de “The Eras Tour” particular. DANI GRANDES

The Cure

Songs Of A Lost World

Polydor/Universal

POP ROCK / Estamos ante el que posiblemente sea el disco más redondo y más personal de Robert Smith y compañía desde el sobresaliente “Wish” (92), con el cual cerraron catorce años de esplendor cromático pop. A diferencia de aquel arco iris pop, de todas las tonalidades posibles, en su nuevo álbum resuena la sensación de percibir un testamento discográfico, en el que la oscuridad que tanto les identifica con su trilogía siniestra, resuena más interiorizada, balsámica y hermosa que nunca. Como si hubieran encontrado el alivio entre las sombras que ellos mismos llevan invocando durante casi medio siglo. A lo largo de este descenso al epicentro del ADN The Cure, casi no hay asideros con lenguajes ajenos al vocabulario propio creado por Smith a lo largo de los años. Todo suena a emocionante fondo de armario. Estamos ante un trabajo forjado por tantas capas de sonoridades como descubrimientos uno se va encontrando a cada nueva escucha, la de un tour de forcé admirable embrujado por las musas de la inspiración. Ha merecido la pena la espera. MARCOS GENDRE

Fueron los mejores...

1994

1. “Crooked Rain, Crooked Rain” Pavement

2. “Sleep With Angels” Neil Young

3. “Experimental Jet Set, Trash and No Star” Sonic Youth

1995

1. “To Bring You My Love” P.j. Harvey

2. “Post” Björk

3. “Maxinquaye” Tricky

1996

1. “Roots” Sepultura

2. “Pre- Millenium Tension” Tricky

3. “No Code” Pearl Jam

1997

1. “Ok Computer” Radiohead

2. “The Fat Of The Land” Prodigy

3. “Portishead” Portishead

1998

1. “Mezzanine” Massive Attack

2. “Acme” Jon Spencer Blues Explosion

3. “Rafi’s Revenge” Asian Dub Foundation

1999

1. “Mule Variations” Tom Waits

2. “The Fragile” Nine Inch Nails

3. “Midnite Vultures” Beck

2000

1. “Relationship…” At The Drive-In / “The Rising Tide” Sunny Day Real Estate

2. “Ágaetis Byrjun” Sigu Rós

3. “Xtrmntr” Primal Scream

2001

1. “Bleed American” Jimmy Eat World

2. “Rock Action” Mogwai

3. “Amnesiac” Radiohead

Jamie XX In Waves Young/Popstock!

Been Stellar Scream from New York, NY

Dirty Hit/Music As Usual

Waxahatchee Tigers Blood Anti/[PIAS]

2002

1. “Yankee Hotel Foxtrot” Wilco

2. “Yoshimi Battles the Pink Robots” Flaming Lips

3. “Finally We Are No One” Múm

2003

1. “Transatlanticism” Death Cab For Cutie

2. “De-Loused In The Comatorium” The Mars Volta

3. “Elephant” The White Stripes

2004

1. “Franz Ferdinand” Franz Ferdinand

2. “A Ghost Is Born” Wilco

3. “Louden Up Now” !!! (Chk, Chk, Chk)

2005

1. “Funeral” Arcade Fire

2. “You Could Have It So Much

Better” Franz Ferdinand

3. “LCD Soundsystem” LCD Soundsystem

2006

1. “Return To...” TV On The Radio

2. “Post-War” M. Ward

3. “Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not” Arctic Monkeys

2007

1. “Neon Bible” Arcade Fire

2. “Kala” M.I.A.

3. “Myths Of The Near. Future” Klaxons

ELECTRÓNICA / “In Waves”, el nuevo disco del también integrante de The xx, llega nueve años después de “In Colours”, uno de los discos que definieron la electrónica y la música de baile a mediados de la década pasada. Una creación directa desde la pista de baile para la pista de baile: “In Waves” no existiría sin las raves, sin todos esos años como productor que le han curtido tras pausar el proyecto de banda, sin haber recorrido tantas discotecas en las que encontró inspiración. El esperado retorno de los tres miembros de The xx llega con “Waited All Night”, con las voces de Romy y Oliver Sim. El álbum está repleto de colaboraciones y aludiendo al sentimiento de bailar en grupo, la astucia de Jamie xx ha recaído en dar la importancia que se merece a la música en una pista de baile, algo que sus fans habían echado tanto de menos. Su inmensa búsqueda y maestría para componer música han alineado una madurez artística que traspasa fronteras estilísticas. Para Jamie xx, salir a bailar nunca fue tan liberador. KAREN MONTERO

INDIE ROCK / La resurrección de las guitarras en la capital del mundo en forma de desesperación, conciencia, romantización y catarsis. Un grito a lo que representa Nueva York en la actualidad y cómo se ahogan los sueños de los jóvenes entre la abundancia de sus calles. El debut de Been Stellar con “Scream from New York, NY” coloca a la banda en el punto de partida que todos esperábamos, para despegar a lo grande tras un pasado EP de oro. Desde que asomaron la cabeza por la industria, la banda despertó un gran interés en la crítica como futuros grandes herederos de una escena que cada vez se sentía más desgastada. El proyecto se presenta como la coronación de la banda a esa infusión que mezcla la raíz shoegaze de las influencias de sus miembros con el post-punk del presente. Hay un gran trabajo por parte del grupo de jugar con el ruido, amasarlo y llevarlo por terrenos más dóciles. Una auténtica espiral de guitarras y batería en la que entrar para salir de ella con la adrenalina por las nubes. ÁLEX JEREZ

AMERICANA / Katie Crutchfield ha ido evolucionando a lo largo de los años de sus comienzos punk a su paso por el indie rock, hasta abrazar sus raíces sureñas y un toque country, con una evidente influencia de Lucinda Williams, aquí vuelve a dominar esa especie de country alternativo en el que brilla su voz en primer plano y la guitarra de MJ Lenderman, el excelente músico joven de la banda Wednesday, que también se luce en las armonías en la mejor canción del disco, “Right Back To It”, o en la también notable “Evil Spawn”, aunque este “Tigers Blood” está lleno de momentos y canciones notables que confirman que Crutchfield se encuentra en su mejor momento. En un momento en el que el zeitgeist de la música popular en EEUU se está moviendo hacia las raíces country, como bien demuestran los últimos trabajos de Beyoncé, Adrianne Lenker, Lana del Rey o la omnipresente Taylor Swift, puede que haya llegado el momento de que Crutchfield lleve sus estupendas críticas a un nuevo nivel de popularidad. SERGIO ARIZA

St. Vincent

All Born Screaming

Total Pleasure/Virgin

ROCK / St Vincent es una de las mayores estrellas del rock de nuestros tiempos. Y con su séptimo álbum de estudio queda más que demostrado. Un disco que parece hurgar y retorcerse entre cuerdas eléctricas y sintetizadores para llegar a las entrañas más profundas de la propia Annie Clark, encargándose ella misma de la producción. EVA SEBASTIÁN

12 13 11

Adrianne Lenker Bright Future 4AD/Popstock!

FOLK / Pulidas con la frescura de las primeras tomas y el encanto de lo analógico, estas canciones fluyen con naturalidad, agilizadas por arreglos sencillos y sutiles. Mecidas por un concepto del folk y del pop que tiene claros sus anclajes pero se manifiesta con tal personalidad que no necesita más referente que la propia Lenker. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

The Last Dinner Party

Prelude To Ecstasy Universal Music

POP / Las chicas de The Last Dinner Party nos ofrecen su esperadísimo debut con doce cortes unidos por un delicioso halo melodramático de arte, alta costura, romanticismo, exceso barroco y hedonismo clásico que se distancia del pop convencional y persuade así a todo aquel que las tildaba de banda de laboratorio. MAITE APARICIO

Billie Eilish

Hit Me Hard and Soft Darkroom/Interscope

POP / El torbellino tras la irrupción de Billie Eilish fue tal que arrasó con todo. No pasó otra cosa en 2019. “When We All Fall Asleep, Where Do We Go?” vivía una atmósfera tenebrosa, rara, sobre todo para llevar el sello de una adolescente que, a su vez, en directo era fortísima, firme, ultraprofesional. Fue un vendaval. Que casi se lleva por delante a la propia Eilish. La estadounidense decidió cambiar por fuera, más allá del rubio platino; “Happier than Ever” era un álbum con momentos altamente bellos, pero que escuchado ahora se interpreta desorientado. Su tercer disco es un notable más claro. “Hit Me Hard and Soft” responde a las virtudes de su carrera, que ahora ya no admite comparaciones con coetáneas ni coetáneos. En el olimpo pop, Billie Eilish no compite con la velocidad de Olivia Rodrigo ni, por supuesto, con la consolidada trayectoria de la reina Eras. Eilish cruza sus propios senderos. Ha hecho acopio de todo lo bueno de sus anteriores apuestas para crear el álbum más completo y variado de su carrera.

YERAY S. IBORRA

Knocked Loose

You Won’t Go Before You’re Supposed To Pure Noise Records

HARDCORE / Tras “A Different Shade Of Blue” (19) y el EP “A Tear In The Fabric Of Life” (21), Knocked Looose regresan para forjar su reinado en el metalcore moderno con diez canciones que ametrallan transitando un sendero similar al del par de singles que el pasado 2023 nos regalaron con “Upon Loss”, repitiendo también con Drew Fulk en la producción y dando como resultado un caos milimetrado que asfixia al oyente en veintisiete minutos. Con una ambientación y unos samples que crean tensión como en una película de terror y nos acompañan de principio a fin, el quinteto de Kentucky da su primer golpe tras una breve intro con la avalancha inesperada de gritos y rapidez de “Thirst”. Adrenalina y cabreo discurren hasta llegar a “The Calm That Keeps You Awake” y “Blinding Faith”, que dejan el listón muy alto antes de que la oscura y densa “Sit & Mourn” corone esta nueva propuesta de los americanos, que parecen haber encontrado su sonido ideal y que están en plenísima forma.

JAIME TOMÉ

King Hannah Big Swimmer

City Slang/Music As Usual

ROCK / Norteamérica ha fascinado a los artistas europeos desde hace mucho tiempo. Incluyendo, por supuesto, a los músicos. Sus distancias inabarcables, sus extremos, su mitología y su cine han inspirado abundantes canciones memorables también a este lado del Atlántico. Es normal que al dúo de Liverpool le haya sucedido lo mismo, teniendo en cuenta sus gustos y pasiones. Su primera gira por Estados Unidos ha catalizado un segundo álbum que convence por un maduro clasicismo que sorprende teniendo en cuenta la juventud de sus artífices. La compositora Hannah Merrick y el guitarrista Craig Whittle exhiben influencias, de la electricidad desatada de Neil Young y Crazy Horse, a la austeridad lacónica de Bill Callahan, pasando por el eterno Lou Reed o las turbias atmósferas eléctricas en los aledaños del grunge. Bien mirado, el rock se hizo adulto también cuando en ciudades como Liverpool se metabolizaron los sonidos que llegaban del otro lado del Atlántico. Y nada suena impostado en “Big Swimmer”

JC PEÑA

Tyler The Creator Chromakopia

Columbia / Sony

RAP / Poco o nada sabemos de la persona detrás de todas esas personas que nos hemos encontrado en los diferentes proyectos firmados con un mismo nombre (el de un músico que se entiende antes como creador). La música de Tyler consigue apropiarse del potencial sónico del rap como vehículo para alcanzar una continua metamorfosis, para convertir el concepto de era en algo más que un mero mecanismo publicitario. Fisher diría estamos ante el primer rapero que no produjo dibujos animados inhumanos, sino que utilizó su música para convertirse a sí mismo en uno. Llega “Chromakotopia”, la enigmática nueva temporada de nuestra serie de animación preferida. Un territorio de constante saturación y ansiedad necesaria para alcanzar a entender la esencia de un personaje. Un delirio febril donde el concepto de género musical es tan líquido como el propio protagonista. Una ventana al futuro del hip-hop y del pop, como visión utópica de una industria musical despreocupada construida desde individuos preocupados.

DANIEL GRANDES

Vampire Weekend

Only God Was Above Us Columbia/Sony

INDIE POP / ¿Cuánto tiempo hacía que no dábamos con una versión tan recreativa, juguetona, experimental y audaz de Vampire Weekend? Los neoyorquinos han resuelto los cinco años de espera con un quinto álbum tan jubiloso en lo sónico como razonablemente afligido en lo lírico, ante los zorros en que estamos dejando este mundo. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

Bill Ryder Jones

lechyd Da

Domino/Music As Usual

POP / En su quinto disco en solitario, el ex The Coral, Bill Ryder-Jones hace las paces con la oscuridad del pasado y se esfuerza por hallar un lugar más alegre y luminoso. Arreglos deliciosos, tenues, íntimos y, a la vez, grandilocuentes, algo así como Nick Drake con los Mercury Rev de “Deserter’s Songs” SERGIO ARIZA

16 17 14 15

The Smile Wall Of Eyes XL/Popstock!

ROCK / Cuando descubrimos que parte de Radiohead transitaba a The Smile, lo único que teníamos asegurado es que el cambio no pasaría desapercibido. “Wall Of Eyes” es una oda a todas las fantasías creativas y musicales de los artistas para dejarnos derrumbados, suspendidos en el aire y con la mirada perdida.

MIRENTXU PALOMAR

Nadine Shah Filthy Underneath EMI/Universal

INDIE ROCK / Como un ave fénix. Nadine Shah ha renacido, no de sus cenizas, más bien de sus adicciones y problemas mentales.“Filthy Underneath” no es un disco cualquiera. Requiere dedicación y una escucha muy atenta. Solo así aflorará toda la cruda belleza que uno puede encontrar en la desesperación del ser humano. DON DISTURBIOS

2008

1. “Med Sud I Eyrum...” Sigur Rós

2. “Third” Portishead

3. “Dear Siencie” TV On The Radio

2009

1. “Merriweather Post Pavilion” Animal Collective

2. “Wolfgang Amadeus ” Phoenix

3. “The Pains Of Being Pure At Heart” The Pains Of Being Pure At Heart

2010

1. “Teen Dream” Beach House

2. “The Drums” The Drums

3. “This Is Happening” LCD Soundsystem

2011

1. “Let England Shake” PJ Harvey

2. “Bon Iver” Bon Iver

3. “Father, Son, Holy Ghost” Girls

2012

1. “An Awesome Wave” Alt-J

2. “The Seer” Swans

3. “Kill For Love” Chromatics

2013

1. “Overgrown” James Blake

2. “A.M.” Arctic Monkeys

3. “Yeezus” Kanye West

2014

1. “Lost in the Dream” The War On Drugs

2. “Singles” Future Islands

3. “Everyday Robots” Damon Albarn

2015

1. “Carrie & Lowell” Sufjan Stevens

2. “To Pimp A Butterfly” Kendrick Lamar

3. “Every Open Eye” Chvrches

2016

1. “Skeleton Tree” Nick Cave & The Bad Seeds

2. “★“ David Bowie

3. “Let Them Eat Chaos” Kate Tempest

2017

1. “DAMN.” Kendrick Lamar

2. “Sleep Well Beast” The National

3. “Arca” Arca

2018

1. “Joy As An Act Of Resistance” Idles

2. “All Melody” Nils Frahm

3. “Vibras” J Balvin

2019

1. “Magdalene” FKA Twigs

2. “Ghosteen” Nick Cave & The Bad Seeds

3. “Igor” Tyler The Creator

2020

1. “Set My Heart On Fire” Perfume Genius

2. “Future Nostalgia” Dua Lipa

3. “Fetch The Bolt Cutters” Fiona Apple

2021

1. “Sometimes I Might...” Little Simz

2. “Bright Green Field” Squid

3. “Actual Life” Fred Again..

2022

1. “Skinty Fia” Fontaines D.C.

2. “Dragon New Warm Mountain I

Believe In You” Big Thief

3. “Mr. Morale & The Big Steppers” Kendrick Lamar

2023

1. “The Record” Boygenius

2. “Javelin” Surfjan Stevens

3. “Chaos For The Fly” Grian Chatten

Geordie Greep

The New Sound

Rough Trade/Popstock!

ROCK EXPERIMENTAL / Geordie Greep, guitarra y voz en Black Midi, se ha plantado con un debut en solitario que es una extensión de la locura de su anterior banda en un tono más ecléctico gracias a esa mezcla de rock progresivo, música popular brasileña, jazz e incluso tangos. JAIME TOMÉ

Dillom Por Cesárea Bohemian Groove

Fat Dog WOOF. Domino

POST-PUNK / En unos tiempos en los que no es tan sencillo llamar la atención, Fat Dog logran la empresa con ese puñetazo certero en la mesa que es su debut en formato largo. Un grito de atención que resulta difícil ignorar que te agarra y te zarandea gracias a unos parámetros tan macarras como sólidos. RAÚL JULIÁN 19

URBANO / Un ejercicio malsano, atmosféricamente incómodo y conceptualmente brillante. El cantante se transforma en el Gregor Samsa del trap argentino en esta autoficción kafkiana, enfermizamente obsesionada con sumergirnos en el limbo que separa la autobiografía de la autoficción. DANIEL GRANDES

Gillian Welch & David Rawlings Woodland Studios Acony Records

AMERICANA / Hablar de Gillian Welch y David Rawlings es hacerlo de la realeza del americana. Un estatus que, con discos como este no hacen más que reafirmar. Solo puedo actuar como notario de lo excelso que puede resultar las cosas realizadas con pasión genuina, sencillez y pureza. DON DISTURBIOS

Kim Gordon The Collective Matador/Popstock!

26 27 25

The Lemon Twigs A Dream Is All We Know Captured Tracks/Popstock!

POP / Los hermanos D’Addario vuelven por sus fueros con otra increíble colección de canciones irresistibles, mayor efervescencia sonora y una influencia onírica que les coloca como dignos herederos de los grandes maestros a la hora de crear perfectas canciones pop.

SERGIO ARIZA

Aurora What Happened To The Heart? Decca/Universal

Blood Incantation Absolute Elsewhere Century Media

DEATH METAL PROGRESIVO / ¿Ha alcanzado el death metal su cima con lo nuevo de Blood Incantation? Bueno, tanto la pregunta como la respuesta es muy subjetiva. De cualquier modo, la banda americana ha trascendido a sí misma con un tercer disco del que hay mucho que hablar. JAIME TOMÉ

Faye Webster Underdressed At The Symphony Secretly Canadian

INDIE FOLK / Faye Webster pertenece a esa nómina de cantautoras estadounidenses que, pese a su solvencia contrastada, no es muy conocida por estos lares. Sin embargo, las cosas deberían cambiar gracias a este delicado trabajo ideal para disfrutar con calma una lluviosa mañana de domingo. DON DISTURBIOS 33 34 32

EXPERIMENTAL / No hay rastro de acomodo. Entre arrebatos de protoelectrónica, brotes de art punk, ritmos pesados, trap y dispendio de spoken word, la neoyorquina sigue puliendo un lenguaje de belleza convulsa, quizá algo árido si se carece del contexto, pero de una singularidad incontestable. CARLOS PEREZ DE ZIRIZA

POP / Pop para el cambio, para salvarnos a todos. La mejor forma posible de usar el pop como herramienta para la humanidad. La búsqueda a través de la música de objetivos que consigan abrir los ojos al mundo y hacerles conscientes de que todos somos responsables de cuidar la tierra en la que vivimos. ÁLEX JEREZ

JPEGMAFIA

I Lay Down My Life For You AWAL

Clairo Charm Autoeditado/Virgin

Jack White No Name Third Man Records

Beth Gibbons Lives Outgrown Domino/Music As Usual

POP / Once años después sigue sonando tan mágica y estremecedora como siempre, solo que ahora esa voz viene acompañada por un mensaje en el que por fin conocemos a la persona que la atesora, una persona que nos cuenta lo que significa envejecer en un disco destinado a perdurar. SERGIO ARIZA 23 24 21 22

RAP / Pocos raperos hay tan valientes hoy en día como JPEGMafia. El neoyorquino, lejos de copiar estructuras y fórmulas, ha encontrado un sonido propio basado entre otras cosas en la superposición de capas y la fusión del rap con géneros como el punk, el rock o el heavy. Un maestro de la experimentación. ALFONSO GIL

POP / Sus días como diva del bedroom pop han concluido en favor de una reinvención que encaja a la perfección con lo que cabría esperar de su evolución natural. La estadounidense abraza derroteros preciosistas, sofisticados y deudores de otra época que garantizan la atemporalidad de su música. FRAN GONZÁLEZ

ROCK / Jack White ha vuelto a las guitarras afiladas sacando humo de nuevo a su pedalera, para apuntalar un sonido crudo y directo. No deja de ser curioso que el elemento sorpresa del disco sea ese nada disimulado regreso a la casilla de salida y que la acogida haya sido de auténtico entusiasmo. DON DISTURBIOS

Sturgill Simpson Passage Du Desir High Top Mountain Records

AMERICANA / Un esplendoroso álbum compuesto por ocho gemas que sacan lo mejor de su autor. Por lo pronto, y pese al accidente que sufrió con su voz, nos encontramos con un vaquero crepuscular que canta mejor que nunca. Con un dulce tono de barítono que encandila al insensible y enamora al descreído. DON DISTURBIOS

Fred again.. ten days

Warner Music

POP / Un disco compartido con mucha gente (The Japanese House, Joy Anonymous, Four Tet, ¡incluso Emmylou Harris!) en el que hay un poco de todo, desde la alucinada “glow”, hasta la vitalista “backseat”. Este es el nuevo Fred, muchos Fred a la vez: juguetón, sin presión.

YERAY S IBORRA

30 31 28 29

The Dare What’s Wrong With New York? Republic/Universal

ROCK ELECTRÓNICO / Harrison Patrick Smith ha cogido un traje, unas Ray-Ban, y el rider de 2010 de LCD Soundsystem. Un debut que hará enloquecer por completo a una nueva generación de club-rats digitales dispuestos a bailar al ritmo del renacer del electro-clash, del dance rock, de la new rave. EVA SEBASTIÁN

Little Simz Drop 7

Forever Living/AWAL

RAP / Después de tres discos sobresalientes, Little Simz vuelve a su serie de EP’s, “Drop”, para pasar un buen rato en la pista del club, junto al productor Jakwob, en su trabajo más enfocado al baile. “No me queda nada que probar porque ya he hecho suficiente”, dice… No miente. SERGIO ARIZA

IDLES TANGK

Partisan/PIAS

POST-PUNK / Los británicos se reinventan en un disco en el que predominan los tempos reposados y las atmósferas. En un nivel puramente sonoro el álbum suena tremendo. No cabe duda de que varios de los cortes de este disco harán del demoledor directo de los británicos una experiencia aún más rica. JC PEÑA

Touché Amoré

Spiral In A Straight Line Rise Records

POST-HARDCORE / Una de las bandas más influyentes del post-hardcore de la última década. Aunque hay indicios de un posible giro hacia algo más calmado en un futuro, Touché Amoré siguen firmes con la aparente promesa de mantener su vigorosidad durante todavía muchos años.

JAIME TOMÉ

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37 38 35 36

Peggy Gou I Hear You XL Recordings/Popstock!

ELECTRÓNICA / Una toma a tierra de Peggy en su carrera a la hora de presentar al mundo su identidad como icono de la electrónica actual. Una obra imperfecta, juguetona, cálida y que mira pacientemente al futuro. Un canto a la nostalgia noventera, como todos esperábamos. ÁLEX JEREZ

Ca7riel & Paco Amoroso

Baño María 5020 Records/Universal

URBAN / Estamos ante un disco poligénero: hay jungle elegante, dembow popero y sensual, electrónica de estadios, RNB housero, baladas y un sinfín de colores más. En este ir y venir de sonoridades muy bien llevadas a puerto es donde el trabajo obtiene sus mayores laureles.

ADRIANO MAZZEO

Nilüfer Yanya

My Method Actor Ninja Tune

INDIE POP / Más expansivo y puro que sus predecesores, “My Method Actor” nos muestra a una muy introspectiva Nilüfer Yanya capaz de sumergirse ahora en territorios del todo reflexivos e insulares, con el objetivo de formularse preguntas hasta la fecha inéditas en su registro.

MAITE APARICIO

Elsa y Elmar

Palacio

Sony Music

POP / Elsa y Elmar demuestra en su cuarto disco que, más allá del mainstream, otro pop almibarado es posible. Y lo hace al igual que Julieta, Venegas, Carla Morrison o Amaia, sin renunciar al elemento pasional que alumbra todas las relaciones humanas. El eterno tema del amor/desamor que nos sacude a diario. DON DISTURBIOS

Chelsea Wolfe She Reaches Out to She Reaches Out to She Loma Vista/Music As Usual

Yard Act Where’s My Utopia? Island/Music As Usual

POST-PUNK / Los británicos han cambiado de registro. Aprovechando los medios que les brinda el éxito, se abren a influencias de música negra (hip-hop, R&B, soul, funk, disco...), guiados por el espíritu creativo de bandas que adoran como los inimitables Beastie Boys en un álbum de espíritu luminoso. JC PEÑA 41

ROCK / Si en “Birth Of Violence” oíamos una versión suya más pulida y calmada, aquí gana porque abruma. Su voz está más presente, áspera cuando el asunto lo requiere, cercana a la de Beth Gibbons en un par de casos y, al son de sonidos electrónicos turbios. TONI CASTARNADO

Julia Holter

Something in the Room

She Moves Domino/Music As Usual

POP / En su sexto disco, la norteamericana se nos muestra como pez en el agua en su propio mundo, un espacio onírico en el que la electrónica ambiental, el pop elegante de vanguardia y el surrealismo plantean un cálido encuentro sensorial con el oyente. Y es que no hay manera de encasillar su música. JC PEÑA

Trueno

El último baile

Sony Music

URBAN / Una declaración de amor al hip hop. Treinta minutos en homenaje a los cincuenta años del inicio del movimiento. Se pone la 10 de Boca Juniors y deja un cuidado trabajo en el que reivindica no solo su papel en el rap, sino el de los pueblos del sur en su conjunto y Argentina en particular. LUIS ABASCAL

45 46 43 44

Deadletter Hysterical Strength

To So Recordings

POST-PUNK / Destacan sobremanera dentro de esa maraña de grupos que protagonizan el actual revival post-punk británico. Un disco especialmente sólido que luce como obra global. Una referencia en la que la trama responde siempre a un post-punk matizado con ese saxofón que marca la diferencia. RAÚL JULIÁN

ROCK / Se acabó el duelo. O se atenuó, porque nunca desaparecerá del todo. Pero volvió la dicha, el regocijo, la ilusión. Quedó atrás el luto. Este décimo octavo álbum pasa pantalla e inaugura una nueva era en su carrera, aunque algo queda de sus inmediatos predecesores.

CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

47 48

Kamasi Washington

Fearless Movement

Young Turks/Popstock!

JAZZ / El cuarto disco de Kamasi combina piezas placenteras con otras bailables, con el hip-hop irrumpiendo como elemento disruptivo. Así puede ir del funk a la George Clinton hasta los trece minutos de una “Road To Self (KO)” en la que el artista saca todo su arsenal en una pieza de ritmo frenético. TONI CASTARNADO

Kneecap Fine Art Heavenly/[PIAS]

HIP HOP / “Fine Art” se convierte a su vez en un interesante desfile de personalidades paisanas del trío, con el que no solo nos confirman la infinita versatilidad de su creatividad, sino también que Grian Chatten se apunta hasta a un bombardeo y siempre cae de pie (“Better Way To Live”). FRAN GONZÁLEZ

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

49 50

Justice Hyperdrama

Ed Banger/Virgin

ELECTRÓNICA / ¿Electrónica dura o disco funk? ¿Por qué escoger cuando puedes tener ambos? . Después de ocho años, Justice vuelven con un disco en el que demuestran que una huída del imperativo de la inmediatez siempre puede ser una buena idea.

EVA SEBASTIÁN

The Mysterines Afraid Of Tomorrows

Virgin

ROCK / The Mysterines han superado la categoría de talento emergente y se han convertido en una de las bandas de rock alternativo con más buen pronóstico del momento. Esta es su oportunidad de mostrarle al público las partes más privadas del imaginario de un valor al alza en su escena. FRAN GONZÁLEZ

Nick Cave & The Bad Seeds Wild God PIAS

Lo mejor por estilos internacional

WORLD MUSIC

Dar la vuelta al mundo

COMO CADA AÑO, les recomendamos que escuchen y disfruten de cualquiera de los artistas que aparecen en esta lista, independientemente de la posición que ocupen. Todos merecen la pena. Pueden empezar por los nigerinos Mdou Moctar. Sus referentes son Tinariwen, Jimi Hendrix o Van Halen, algo que dejan claro con su potente “desert rock” de vehementes letras políticas. Prueben luego con Seun Kuti que mantiene el legado del afrobeat, pero con aires contemporáneos por la producción de Lenny Kravitz. También nos ha golpeado este año, el debut de Buzz´ Ayazz con el ínclito Antonis Antoniou que mezcla aromas griegos y turcos a través de su personal psicodelia folk. Pero, para conmovedora, la voz emotiva de la activista saharaui Aziza Brahim. Su afroblues brilla en las manos de Guillem Aguilar y los aportes de Aleix Tobias, Xavi Lozano o Raúl Rodríguez. Emocionante también la pakistaní-estadounidense Arooj Aftab con su jazz folk de elegantes y exquisitos arreglos. Delicadeza la de Lina con la producción de Justin Adams que añade un halo de intriga y experimentación a su apasionado fado. También es muy recomendable Söndörgő, veteranos de la música tradicional húngara tamizada por el jazz y con la incorporación del célebre saxofonista Chris Potter. De ahí pueden dar un salto a los dinámicos Newen Afrobeat que se consolidan como referentes globales del afrobeat de raíces latinas, para pasar luego al mencionado guitarrista Justin Adams junto al violinista italiano Mauro Durante. Ambos vuelven a crear ambientes hipnóticos, melódicos y arrebatadores. Y para finalizar Ayom que mantiene su base afrobrasileña enriquecida con coladeira y funaná caboverdiana o kizomba angoleña. Toda una vuelta al mundo. MIGUEL AMORÓS

Top 10

Mdou Moctar Funeral For Justice Matador/Popstock!

Seun Kuti Heavier Yet (Lays The Crownless Head) SK80/Record Kicks

Buzz’ Ayaz Buzz’ Ayaz Glitterbeat

Arooj Aftab Night Reign Verve/Universal

Aziza Brahim Mawja Glitterbeat

El primero

Mdou Moctar Funeral For Justice Matador/Popstock!

Escucha aquí la PLAYLIST >>

Lina Fado Camoes Galileo MC

Söndörgö & Chris Potter Gyezz GroundUP Music

Newen Afrobeat Grietas Altafonte

Justin Adams & Mauro Durante Sweet Release Ponderosa Music Records

Ayom Sa.Li.Va. Ayom Music

PARA SER UN ARTISTA que declara que su intención inicial era extender un mensaje, Mdou Moctar está sobrado de talento y creatividad. En su nuevo largo se reflejan musicalidades del resto de su catálogo, aunque todo sucede con un halo adrenalínico digno de géneros como el alternativo de los noventa o el hardcore. Su mensaje de denuncia de las políticas sobre el pueblo tuareg necesita cada vez un background musical más agresivo.

Resumen por estilos internacional

ELECTRÓNICA

Más allá de la pista

HAY TANTAS MANERAS distintas de bailar como los beats que nos mueven a hacerlo. La música electrónica, cada vez más ecléctica y con mayor público, se ha extendido una vez más por todos los géneros. El pop nunca había sonado tan clubber como en el celebrado “Brat”, al mismo tiempo que la electrónica jamás había sonado tan accesible como en los trabajos de Peggy Gou, Justice o Fred Again.., que se han colado en nuestra lista principal. Pero si hay alguien que puede contar a la perfección esta fusión entre lo digital y el gran público, ese es Jamie XX, quien se ha llevado la primera posición con su “In Waves”. Sin abandonar las Islas Británicas nos enconramos con Nia Archives con su largo de debut “Silence Is Loud”, que propone un diario emocional a modo de relectura gen Z del jungle y el UK garage. Y colándose por la escuadra en tercera posición, encontramos “Piedras 1/ Piedras 2” de Nicolas Jaar con su infalible minimalismo y folk electrónico que recuerda a las víctimas de las violaciones de los derechos humanos. También hay espacio para instituciones como Four Tet, quien después de once discos, lanza “Three”, o Floating Points con “Cascade”. El electro-pop corre a cargo de Confidence Man con su divertida fiesta “3AM (LA LA LA)”. No podía faltar tampoco el productor que ha firmado uno de los discos del año A.G. Cook con su “Britpop”. Representando el nuevo funk carioca, más minimalista y oscuro que nunca, Dj Anderson do Paraiso nos entrega “Queridão”. Destacan como joya escondida, entre guitarras y beats, Loukeman con “Sd-2” y la en su día promesa, ahora estrella consolidada, del deconstructed club Sega Bodega con “Dennis”. Y fuera de lista quedan para el recuerdo el debut de jigitz, las aportaciones de los latinos Verraco o Meth Math, el ambient de Claire Rousay, el disco póstumo de Sophie y el despertar optimista de Kelly Lee Owens. EVA SEBASTIÁN

Top 10

1 Jamie xx In Waves Young/Popstock!

2 Nia Archives Silence Is Loud Universal

3 Nicolas Jaar Piedras 1/Piedras 2 Other People

4 Four Tet Three Text Records

5 Confidence Man

3AM (LA LA LA)

A Chaos/Polydor

Escucha aquí la PLAYLIST >>

6 A.G. Cook Britpop New Alias

7 Dj Anderson do Paraiso Queridao Nyege Nyege Tapes

8 Floating Points Cascade Pluto/Ninja Tune

9 Loukeman Sd-2

SD Music Group

10 Sega Bodega Dennis Ambient Tweets & Supernature

El primero

Jamie XX In Waves Young/Popstock!

“In Waves”, el nuevo disco del también integrante de The xx, llega nueve años después de “In Colours”, uno de los discos que definieron la electrónica y la música de baile a mediados de la década pasada. Una creación directa desde la pista de baile para la pista de baile: “In Waves” no existiría sin las raves, sin todos esos años como productor que le han curtido tras pausar el proyecto de banda, sin haber recorrido tantas discotecas en las que encontró inspiración. Para Jamie xx, salir a bailar nunca fue tan liberador. KAREN MONTERO

JAMIE XX FOTO: ALASDAIR MCLELLAN

Resumen por estilos

HARDCORE-PUNK

Que no se vaya nadie

LO SÉ. REPITO DEMASIADO esa cantinela de que hablar de hardcore y punk es complicado porque el abanico es muy amplio y tal y tal. Pero qué quieren que les diga si es así y no hay vuelta de hoja. Quienes lo dudan no tienen más que echarle un repaso a nuestra lista de este año. ¿Tienen algo que ver Knocked Loose con los canadienses Sum 41? ¿Los británicos Soft Play se parecen en algo a Touché Amoré? ¿Son más hardcore Better Lovers que Four Year Strong? Y puestos a repetir voy a repetir otra cosa, eso de que no se imaginan ustedes lo complicado que es quedarse con diez discos en un año que nos ha brindado infinidad de álbumes para disfrutar. El espacio manda, pero oigan, que hay muchísimo más ahí fuera que nos ha gustado a todos quienes escuchamos hardcore,

1 Knocked Loose You Won’t Go Before You’re Supposed To Pure Noise Records

2 Touché Amore Spiral In A Straight Line Rise Records

3 Four Year Strong Analysis paralysis Pure Noise Records

4 Sum

post-hardcore, punk, punk-pop, emo, metalcore... Nos hemos quedado con diez, pero también podríamos haber listado trabajos como “Artificial Bouquet” de Frail Body; “What A Fucking Nightmare” de la banda británica de street punk The Chisel; “Cartoon Darkness” de los australianos Amyl And The Sniffers; “Neck Deep” de Neck Deep; “Salt Sermon”, el ultraviolento debut en larga duración de Missouri Executive Order 44; esa despedida titulada “Up On The Gravity Hill” de Metz; “I Got Heaven” de Mannequin Pussy; el brevísimo “Persona” de GEL; “Still Nervous” de Bad Nerves, el asfixiante “It’s Inside You” de Candy o “Death Is Little More” de Boundaries, por citar algunos. Ah, claro, también han publicado disco The Offspring y Green Day, pero esa es otra historia. Si no le tenemos miedo a lo extremo, ni a lo excesivamente accesible –¿dónde quedan aquellas absurdas discusiones sobre lo que es o no aceptable?–, se nos acabarán acumulando los discos por escuchar, así que a por ellos.

JOAN S. LUNA

El primero

JAIME TOMÉ Knocked Loose You Won’t Go Before You’re Supposed To Pure Noise Records

KNOCKED LOOOSE regresan para forjar su reinado en el metalcore moderno con diez canciones que ametrallan transitando un sendero similar al del par de singles que el pasado 2023 nos regalaron con “Upon Loss”, repitiendo también con Drew Fulk en la producción y dando como resultado un caos milimetrado que asfixia al oyente en veintisiete minutos. Con una ambientación y unos samples que crean tensión como en una película de terror. Knocked Loose parecen haber encontrado su sonido ideal y están en plena forma.

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10

Resumen por estilos internacional

METAL

El mensaje

ESTE HA SIDO OTRO AÑO intenso por lo que se refiere a publicaciones de metal extremo. Porque hay muchísimo más de lo que hemos podido incluir en nuestra lista. Ha sido un año en el que se han franqueado límites, se han combinado perspectivas en apariencia muy distintas y, sobre todo, se ha vuelto a pensar en el álbum como mejor vía de expresión para una propuesta madura y meditada. Sirvan cualquiera de los ejemplos seleccionados, con especial atención a los estadounidenses Blood Incantation, Thou y Chat Pile o a los finlandeses Oranssi Pazuzu, por seguir el orden de nuestra selección. Aunque también ha habido discos más fácilmente clasificables, pero al margen de que rompan más o menos fronteras lo importante es que todos han sido grandes trabajos a tener muy en cuenta. Y quién sabe si alguno se convertirá en referente de cara a otros artistas o a discos por venir en los próximos años.

EN CUANTO A LO QUE NO HEMOS PODIDO incluir por ceñirnos a las diez posiciones, están el black speed metal de Hellbutcher y el black‘n’roll de Wormwood. Siguiendo con el black metal, este año también han aportado grandes discos Gaerea, Dödrit, Darkthrone, 1349 y los controvertidos Akhlys o Horna. Y no han faltado joyas sludge (Inter Arma), death metal (Gatecreeper, Undeath, Pyrrhon, Civerous), grindcore (Full Of Hell) o propuestas irrepetibles como High On Fire. Dentro del thrash metal hemos podido viajar de la cercanía al black de Stress Angel o Bütcher y de la particular visión de Slayer del propio Kerry King. Y, como siempre, no nos olvidemos de los clásicos del rock duro como el nuevo trabajo en solitario de Bruce Dickinson o “Hell, Fire And Damnation” de Saxon.

DAVID SABATÉ Y EDUARD TUSET

Top 10

1 Blood Incantation

Absolute Elsewhere Dark Descent Records

2 Thou Umbilical Sacred bones records

3 Oranssi Pazuzu Muuntautuja Nuclear Blast

4 Chat Pile Cool world The Flenser

5 Spectral Voice Sparagmos Dark Descent Records

El primero

Blood Incantation

Absolute Elsewhere Century Media

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6 Ulcerate Cutting The Throat Of God Debur Morti

7 Judas Priest Invincible Shield Columbia/Sony

8 Unto Others Never, Neverland Century Media

9 Black Curse Burning In Celestial Poison Sepulchral voice records

10 Spectral Wound Songs Of Blood And Mire Profund lore records

¿HA ALCANZADO el death metal su cima con lo nuevo de Blood Incantation? Bueno, tanto la pregunta como la respuesta es muy subjetiva y es posible que no conteste a los siempre respetables gustos más personales. De cualquier modo, la banda americana ha trascendido a sí misma con un tercer disco del que hay mucho que hablar. La tercera obra del cuarteto es un viaje cósmico, psicodélico y extremo que explora con una coherencia pasmosa la psicodelia, el kraut, el ambient, lo tribal y el death metal progresivo en seis cortes que te llevan a otra dimensión. JAIME TOMÉ

Resumen por estilos

FOLK - AMERICANA

La veteranía es un grado

Dicen que la veteranía es un grado y parece que esta selección así lo demuestra. Pero antes de entrar en materia, dejadme que os recuerde que no hemos incluido aquí los discos del género que ya aparecen en nuestra lista general para no repetirnos. Dicho esto, poco podemos añadir si uno mira al bueno de Chuck Ragan encaramado en lo más alto de la lista. Su carrera, ya sea como icono del hardcore punk con sus Hot Water Music o, como es el caso, transmutado en solitario trovador folk-rock, no tiene mácula y este “Love & Lore” debería demostrar a unos cuantos que hay vida más allá de Bruce Springsteen. Le sigue pisando los talones una Sierra Ferrell que, con treinta y seis años, parece haber vivido muchas vidas. Y es que solo desde la experiencia más profunda, se puede tejer un disco tan variado y sólido como “Trail Of Flowers”. Algo parecido sucede con The Red Clay Strays y su “Made By These Moments”. Porque, aunque los de Alabama sean de los menos experimentados de la lista, nadie lo diría escuchando como se las gastan a la hora de desplegar su majestuoso country-rock de hechuras clásicas. Pero si no nos desviamos de la casilla de la veteranía, ¿qué podemos decir del excelente estado de forma que han demostrado tener en la actualidad auténticos perros viejos como Old’s 97, Hurray For The Riff Raff, Laura Marling y los sorprendentes Bonny Light Horseman? Todo ellos nos han regalado discos que se encuentran entre lo mejor de su discografía. Y lo mismo sucede con las voces más jóvenes de MJ Lenderman, Rosali o Zach Bryan, aunque ninguno pueda ser considerado un novato. Y, como siempre, recordar a los que se han quedado fuera por muy poco: 49 Winchester, Wyatt Flores, Secret Sisters, Joy Oladokum… DON DISTURBIOS

1 Chuck Ragan Love & Lore Rise Records

2 Sierra Ferrell Trail Of Flowers Rounder/Music As Usual

3 The Red Clay Strays Made By These Moments RCA

4 Bonny Light Horseman Keep Me on Your Mind/ See You Free Jagjaguwar

5 Old’s 97 American Primitive ATO

6 MJ Lenderman Manning Fireworks

7 Hurray For The Riff Raff The Past Is Still Alive Nonesuch

8 Zach Bryan The Great American Bar Scene Belting Bronco/Warner

9 Rosali Bite Down Merge Records/Popstock!

10 Laura Marling Patterns In Repeat Chrysalis/Partisan Escucha aquí la PLAYLIST >>

El primero

SI BIEN ES EL PRIMER DISCO en solitario de Chuck Ragan en una década, nadie pone en duda su prolificidad cuando en este período nos ha entregado tres álbumes con Hot Water Music. Ragan nos regala otra decena de canciones sentidas con esa inconfundible voz rasposa. “Love & Lore” es, ante todo, un disco de rock clásico. Ahí están “Wild In Our Ways”, “Echo The Halls” y “Hanging On”. Pero este icono del hardcore punk convertido en trovador folk rock también borda canciones acústicas y minimalistas como “Winter” y “Reel My Heart”, y emociona en “One More Shot”. LUIS BENAVIDES Chuck Ragan Love & Lore Rise Records

CHUCK RAGAN FOTO: ARCHIVO

Resumen por estilos internacional

Creando el futuro

TYLER, THE CREATOR lo ha vuelto a hacer. Y no es que haya repetido fórmula precisamente, todo lo contrario. Vuelve con un disco en el que continúa transformándose, evolucionando hacia una de las personalidades más innovadoras de la historia del rap. Su música es futurista, abstracta, confusa, y al mismo tiempo completamente inspiradora. Suena a lo que suena el rap del futuro. Y a ello hay que sumarle una personalidad transgresora que rompe todo tipo de moldes en una cultura tan ortodoxa como la del hip hop. Y una línea parecida, especialmente en lo sonoro, sigue JPEGMafia. Su rap experimental, en el que una canción puede estar a su vez compuesta por tres o cuatro canciones, nos muestra que el rap hace tiempo que ha cambiado y no va a volver a la casilla en la que se encontraba antes. Si eres músico, asúmelo o quédate atrás. Es en el punto en el que están la mayoría de los que forman esta lista de mejores discos del año, incluidos aquellos que ya andan por la cuarentena como Future. Un listado en el que también destacan los ingleses Bob Vylan, la energía de la rapera GloRilla y el argentino Duki. Y es que uno no puede hablar ya de mejores discos internacionales y pasar por alto a Latinoamérica. Su talento e influencia iguala en ocasiones la de cualquier rapero norteamericano y Duki es un ejemplo de ello. Es quizá la mayor figura de la escena argentina, pero otros artistas como Trueno, Young Miko, Dillom o CRO –algunos en nuestra lista general– han demostrado con sus discos que el viejo rock argentino ha encontrado un digno heredero en la escena urbana, tanto a nivel de repercusión como de calidad. En resumen, hoy cada país tiene su propia escuela y dentro de ellas las posibilidades son infinitas. Eso es justamente en lo que queríamos que se convirtiese el rap hace años. ALFONSO GIL

1 Tyler, The Creator CHROMAKOPIA Columbia/Sony

2 JPEGMAFIA I Lay Down My Life for You Peggy/AWAL

3 Vince Staples Dark Times Def Jam/Universal

4 Bob Vylan Humble As The Sun Ghost Theatre

5 GloRilla Ehhthang Ehhthang CMG/Interscope

El primero

Tyler, The Creator CHROMAKOPIA Columbia/Sony

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6 ScHoolboy Q BLUE LIPS Top Dawg

7 Denzel Curry King Of The Mischievous South Vol. 2 Concord/Music As Usual

8 Future & Metro Boomin We Don’t Trust You Epic/Sony

9 Duki Ameri Dale Play/SSJ

10 Rapsody Please Don’t Cry Jamia/Rock Nation

TYLER THE CREATOR es un icono mainstream del hip-hop estadounidense capaz de trasladar esta “abstracción no-musical” del género no solo a lo estrictamente musical, sino también a su propia identidad. La música de Tyler consigue apropiarse del potencial sónico del rap como vehículo para alcanzar una continua metamorfosis. “Chromakotopia” es un territorio de constante saturación y ansiedad, como un don que duele, como una metamorfosis que no emancipa sino que confunde, como un cambio constante condenado a no entenderse nunca, como una pureza condenada a estar siempre saturada. DANIEL GRANDES

Las mejores películas internacionales

Aquí se viene a provocar... emociones

ESTE AÑO PARECE haber tensado la cuerda del modelo de cine comercial del último siglo. En este pasado ejercicio se percibió más que nunca cierto agotamiento de las sagas, con sus precuelas, secuelas, remakes y universos expandidos. Las franquicias siguen haciendo muchos millones, sin embargo ya no parecen una apuesta tan segura como antaño. Hemos visto como previsibles taquillazos acabaron siendo grandes batacazos. Para nosotros, “Dune 2” o “Alien Romulus” serían de las pocas excepciones a destacar. Y por supuesto el séptimo arte tampoco ha podido ser impermeable a la gran polarización que hay en la sociedad (sirva como claro ejemplo “Civil War”). A pesar de todo, los mayores éxitos de crítica, y en muchos casos también de público, han recaído en títulos originales y libres de ataduras comerciales, como veréis en el top. Uno de los campos más fértiles de la campaña ha sido el terror desde visiones tan distintas como las de Coralie Fargeat o Demián Rugna, por citar dos de nuestras favoritas. Pero, al margen de nuestra lista, también quedan para el recuerdo obras como “Longlegs” o “Late Night With The Devil”, incluso “Strange Darling” o “La Primera Profecia”

ES EVIDENTE que, en nuestra selección de este año, son muchas las películas que incomodan, pero siguiendo en lugares inhóspitos también cintas como “The Beast”, “Kind Of Kindness” o incluso “Desconocidos” buscan tensar nuestra perspectiva sobre el mundo. Incluso películas para contentar al gran público (“Furiosa”, “Rivales”), tienen un punto de riesgo en su propuesta. Ojalá este año supongo un buen punto de inflexión para que los productores apuesten todavía más por un cine hecho de emociones y no solamente de palomitas. NOEL TURBULENCIAS

La sustancia

Coralie Fargeat

La última cinta de Coralie Fargeat es una sangrienta sátira sobre la dictadura heteropatriarcal del entretenimiento y sus exclusivos cánones estéticos, que relegan al ostracismo a todas aquellas mujeres que no se ajusten a la edad y medidas requeridas. Una de estas víctimas subyugadas por los imposibles cánones imperantes posee en “La sustancia” los rasgos de una exultante Demi Moore, quien interpreta aquí a una actriz de Hollywood en la cuerda floja a quien la industria empieza a dar la espalda. Conviene no desvelar mucho de una historia dividida en tres capítulos desiguales pero interrelacionados hasta el último átomo y cuyos ciento cuarenta minutos fluyen como la hemoglobina: a raudales. Un potente artefacto visual en el que Fargeat invoca al Cronenberg más explícito, en un juego de espejos entre belleza y monstruosidad que arranca de forma inevitable la sonrisa –y la náusea– del espectador. El esperpento y la hipérbole funcionan, eso no resulta nada nuevo, pero sí el nervio y la frescura de la realizadora tras la cámara. La francesa ama los colores vivos y retrata por igual y con nitidez quirúrgica la licra brillante y el gore más desatado. Por el camino desfilan una buena dosis de planos imposibles o los homenajes y guiños cinéfilos, de “El Resplandor” y “Carrie” a “La mosca” y “Cabeza borradora” DAVID SABATÉ

2

Anora Sean Baker

3

“Anora”, dirigida por Sean Baker, ganó la última Palma de Oro del Festival de Cannes. Todos los parabienes que ha ido obteniendo son más que justos, porque es, sin duda, una de las películas del año. La protagoniza Anora, una chica de veintitrés años que trabaja como stripper en un club de Brooklyn, que acabará metida en un lío con oligarcas rusos cuya premisa combina “Pretty Woman” con Tarantino, desde la perspectiva menos cool de Baker. JOSÉ MARTÍNEZ ROS

5

Dune: parte dos Denis Villeneuve

“Dune 2” compensa la calma de su predecesora con un aumento de furia, pero sin erosionar la cohesión del conjunto. Si la primera entrega era la presentación avasalladora de unos mundos atractivos en su belleza inhóspita, esta continuación, consciente de que, visualmente, las cartas ya están echadas y no puede sorprender mucho más, se centra en la acción, avanza en el planteamiento general de la saga y ensancha el conflicto del protagonista. J. PICATOSTE VERDEJO

8

La zona de interés

Jonathan Glazer

Aunque no sea un cinta con hombres lobos, posesiones demoníacas y sustos, “The Zone Of Interest” te revuelve el estómago y te sacude. A partir de una narrativa que sigue la vida de una familia alemana, consigue crear una historia que sabe dialogar con el espectador y plantearle la capacidad del ser humano para banalizar el mal. ¿Cómo? Con un pequeño detalle, el padre de esa familia es el que rige el campo de concentración de Auschwitz. LUIS DE LA IGLESIA

Pobres criaturas Yorgos Lanthimos

En esta especie de “Boyhood” inmovilista, la madurez de la protagonista no se materializa en su evolución corporal sino ideológica. “Pobres criaturas” se convierte así en un (re) descubrimiento de los horrores del capitalismo, la monogamia y el patriarcado a través de una Emma Stone en constante aprendizaje. Lanthimos rompe con el romanticismo del “Frankenstein” de James Whale, pues ahora poder crear vida no engrandece al hombre, sino todo lo contrario. DANIEL GRANDES

4

Civil War Alex Garland

Más allá de la atractiva (aunque sensacionalista –¿y premonitoria?–) premisa, esta tensa “Civil War” de Alex Garland (“Men”, “Ex Machina”) se interroga sobre el papel del periodismo en los conflictos bélicos con cuestiones que no son nuevas, pero, por vigentes, no dejan de interesar y de funcionar narrativamente: ¿El periodista solo ha de documentar la realidad o ha de intervenir en ella?, ¿Ha de blindarse emocionalmente a riesgo de deshumanizarse? J. PICATOSTE VERDEJO

6

Cuando acecha la maldad

Demián Rugna

“Cuando acecha la maldad” es una de las sorpresas más agradables (e impactantes) del cine de terror reciente. El director de “Aterrados” nos trae una historia de posesiones que no se parece a ninguna otra gracias a su elaborada mitología. Demián Rugna apuesta por un terror visceral, orgánico, tremendamente físico. La película posee, entre sus muchas virtudes, una atmósfera malsana, un ritmo inexorable y una refinada crueldad que no da tregua al espectador. JOSÉ MARTÍNEZ ROS

7

Los que se quedan Alexander Payne

9

Kneecap Rich Peppiatt

Tras la mala fortuna de algunos biopics musicales estrenados este año, esta cinta se siente como exquisito maná en medio de un desértico peregrinaje. Lejos de tratarse de un vacuo capricho, “Kneecap” logra ir más allá y resignifica con devoto cariño un sentir compartido por millones de voces silenciadas. Si todavía alguien se pregunta por qué una formación tan joven se ha ganado ya protagonizar su propia película, su visionado responderá a cualquier duda. FRAN GONZÁLEZ

La principal virtud de esta pequeña, aunque enorme película, es comprobar que aún existen directores como Alexander Payne, capaces de ejercer su oficio sin renunciar a su vocación más artesanal. Un trabajo que te invita a disfrutar de las cosas en apariencia sencillas, pero que en el fondo anidan una profundidad mayor que cualquier manual de filosofía o libro de autoayuda de los miles de farsantes que corren por ahí. Una auténtica lección de vida. DON DISTURBIOS

El baño del diablo Veronika Franz y Severin Fiala

La pareja de directores austríacos vuelve con “El baño del diablo”, un importante peldaño más en su brillante trayectoria. Sin ser una obra maestra rotunda, “The Devil’s Bath” constituye una propuesta indispensable de este 2024, por su pronta madurez y por su equilibrada combinación de drama y denuncia social, portento visual e interpretaciones notables; sirva como ejemplo su clímax de la confesión, desde ya una las mejores escenas del año. DAVID SABATÉ 10

Los mejores cómics

internacionales

Lo que más nos gusta

QUIZÁS EL MERCADO esté saturado, pero mientras se publiquen obras imprescindibles no podemos quejarnos. Los diez seleccionados lo son, desde la adaptación que Manu Larcenet ha firmado de la novela de Cormac McCarthy hasta la segunda parte de “Lo que más me gusta son los monstruos” de Emil Ferris, pasando por la crudeza emocional de Tadao Tsuge, la experimentación narrativa de Martin Manchaud, el delirio de Olivier Schrauwen, la primera obra de Miguel Vila compartiendo autoría con un guionista, el prometedor inicio de “Ushijima el usurero” o las obras autobiográficas de Craig Thompson o Zoe Thorogood. Esta es únicamente una breve selección que podría –de hecho, debería– ampliarse con títulos tan apetecibles como “Luces de Niterói” de Marcello Quintanilha, “Los Pizzlys” de Jérémie Moreau, “Dulces tinieblas” de Vehimann & Keerascoet, “El hermano pequeño” de Jean-Louis Tripp, “Deep Me” de Marc Antoine Mathieu, “Los incorregibles” de Julia Wertz, “Las efímeras” de Jeff Lemire, “Una mujer de espaldas” de Yamada Murasaki, “Mr. Joker” de Hideshi Hino, “¡Odio desatado!” de Peter Bagge, “Perros” y “Mañana será otro día” de Keum Suk Gendry-Kim, “Ciudad del hampa” de Terry Goldenberg o “Goiter” de Josh Pettinger, por citar algunos de nuestros favoritos. O todo ello podemos también sumarle reediciones estelares que nadie debería dejar pasar como “Palomar” de Beto Hernandez, el fantástico primer integral de “Bola Ocho” de Daniel Clowes –que incluye completas grandes obras como “Ghost World” o “Pussey” tal y como se publicaron originalmente–, el monumental tomo “Obra hermética” de Moebius –que resume una gran parte de la carrera del referencial artista francés–, la reedición de esa obra maestra llamada “Cuando el viento sopla” de Raymond Briggs... Bendita saturación del mercado. Ojalá las ventas acompañen. JOAN S. LUNA

1La carretera

Manu Larcenet

Norma Editorial

El Manu Larcenet más oscuro –el de “El informe de Brodeck” y “Blast”– se enfrenta a la impactante novela post-apocalíptica de Cormac McCarthy, Premio Pulitzer en 2007. Y aunque es cierto que ya teníamos un referente visual a través de la película que John Hillcoat, el dibujante y guionista francés consigue que nos sumerjamos en el universo cruel, devastador y pesadillesco creado por McCarthy en apenas unas pocas páginas. Para ello utiliza su dibujo más crudo, infinidad de viñetas de detalle que nos van describiendo todo ese mundo en ruinas por el que se mueven los protagonistas y las palabras justas para que nos metamos en la cabeza de padre e hijo. Lo que es evidente es que, aunque el francés sea un maestro a la hora de crear títulos propios tan simpáticos y cercanos como “Los combates cotidianos” o “La vuelta al campo”, su capacidad de convertir textos ajenos en auténticas obras de arte del noveno arte está a día de hoy fuera de toda duda. JOAN S LUNA

2

Lo que más me gusta son los monstruos

II Emil Ferris

Reservoir Gráfica

Resulta complicado explicar el impacto generado por esta segunda parte. No en vano, su narrativa sin corsés de ningún tipo está marcada por una tendencia natural por absorber, cruzar y renovar géneros donde destaca su capacidad para conjugar lo entrañable con la extrañeza, el terror con el horror y el humor con el surrealismo. Una historia en la que los patrones habituales narrativos son dinamitados a base de ingenio y amor por lo profundamente raro. MARCOS GENDRE

3

Domingo Flamenco Olivier Schrauwen Fulgencio Pimentel

En muy raras ocasiones, el arte supone un desafío nacido de una ambición tan desmedida como ambigua en el propio orgullo desde el cual ha sido cocinada. Dicha rara avis se da en “Domingo flamenco” en todo su esplendor. No en vano, estamos ante el opus creativo de Olivier Schrauwen. Y es que sólo a una mente tan chanante como la suya se le podía ocurrir partir de un guion basado en la reconstrucción de un domingo de la vida de su primo. Único en su especie. MARCOS GENDRE

4

Raíces de ginseng

Craig Thompson

Astiberri

Que nadie se acobarde por estas más de cuatrocientas páginas. A lo largo de ellas, volvemos a encontrarnos ante el mejor Craig Thompson retratando su infancia y las vidas de sus padres y hermanos, relacionando todo ello con, precisamente, las raíces de ginseng, cultivo del que depende en buena parte la economía de Wisconsin. En un momento dubitativo, la mejor opción para Thompson ha sido volver al principio, agarrar con fuerza sus raíces y tirar de ellas. JOAN S. LUNA

5

Melodías sentimental Tadao Tsuge Gallo Nero

6

Doctor Extraño: Amanecer de Otoño Tradd y Heather Moore Panini

7

Pura literatura de los arrabales, de los desheredados de la tierra que en el caso del Japón de posguerra se trataba de casi todo el mundo. Tsuge se aleja del tono autobiográfico de “Mi vida en barco” para narrarnos unas historias de veteranos de guerra, canallas, mujeres sin suerte o pobres de miseria al más puro estilo Yoshihiro Tatsumi. Historia publicadas entre 1969 y 1972 en la revista Garo que respira desesperanza en cada viñeta. MANU GONZÁLEZ

Una aventura lisérgica a mayor gloria de su protagonista Doctor Extraño que viene de la mano de Tradd Moore con su arte heredero tanto de artistas franceses de Métal Hurlant como de los estilistas americanos Kevin Nowlan y Mike Mignola. Strange se hace cargo del nacimiento de un ser de otra dimensión en el que tendrá que enfrentarse a todo un pandemónium de seres con una historia muy junguiana repleta de símbolos con influencias cristianas e hindúes. MANU GONZÁLEZ

8

Fortaleza volante

Miguel Vila y Lorenzo Palloni Ediciones La Cúpula

Alambicado thriller ambientado en 1933 y en el que conviven espionaje político, extraterrestres, amores homosexuales y amistades que no culminan. Vila mantiene su estilo característico y Palloni firma una historia –Premio Micheluzzi al Mejor Guion– que acaba como un madeja de lana en las garras de un gato inquieto a base de intrigas políticas, visitas alienígenas, traiciones y unos personajes que sobreviven como pueden en la Italia del fascismo. MERCÈ GUTIÉRREZ

9

Se está muy sola en el centro de la tierra Zoe Thorogood Norma

La jovencísima Zoe Thorogood ya había obtenido muy buenas críticas con “La inevitable ceguera de Billie Scott”. Pero fue con esta cuando empezó a acumular nominaciones a los principales premios del medio y se la empezó a llamar “la gran promesa del cómic mundial”. Esto hace que uno se acerque a su –magnífica– edición en español con ciertas prevenciones. Pero, después de unas horas en su compañía, estas desaparecen. Las noticias no eran nada exageradas. JOSÉ MARTÍNEZ ROS

mondosonoro.com — @mondo_sonoro — facebook/mondosonoro

Ushijima el usurero Shohei Manabe ECC

Diecisiete millones de copias vendidas es un acontecimiento incluso en Japón, y más todavía tratándose de un manga como “Ushujima el usurero”, con el cual Shoei Manabe se coronó entre 2004 y 2019 con una demostración aplastante de hiperrealismo y crudeza inspirada en los bajos fondos japoneses. De hecho, no se me ocurre personaje tan poco empático como el protagonista central, un prestamista del cual vamos a saber todos sus chanchullos. MARCOS GENDRE

El color de las cosas Martin Panchaud Reservoir Books

Cuando pensábamos que ya lo habíamos visto todo en el mundo del cómic, va y aparece “El color de las cosas”. Mostrándonos todo en plano, utilizando circunferencias de colores como personajes, Panchaud nos sumerge en un thriller protagonizado por un rollizo adolescente al que le toca la lotería, pero que es también víctima de una serie de catastróficas desdichas que van sucediéndose en unas páginas planificadas con destreza e imaginación. JOAN S. LUNA 10

Los mejores internacionales libros musicales

Superestrellas, estrellas y perdedores

POCAS VECES ACUDO al tópico aquel de que las posiciones en la lista no importan en realidad, sino los títulos listados. Pero es que esta vez no me queda otra opción, porque los diez libros musicales que hemos seleccionado realmente valen la pena del primero al último. Algunos nos hablan sobre grandes estrellas, otros sobre estrellas y casi todos de los malos momentos que hay tras la fama. Algunos están escritos por los propios artistas con vocación autobiográfica, otros están firmados por periodistas y alguno es fruto de una o cien conversaciones. Pero todos merecen leerse para entender mejor qué demonios se esconde en la cabeza de los grandes creadores de la música pop o por qué ciertos movimientos musicales fueron tan importantes. Hemos elegido para la primera posición una gran historia del rock gótico porque queremos darle el protagonismo merecido a un género al que no siempre se ha tratado bien. Por lo demás, hay representantes del post-punk, del pop, del riot grrrl... Y eso que fuera de lista quedan otros títulos de evidente interés como “Fe, esperanza y carnicería” (Nick Cave y Seán O’Hagan), “Incomprendidos” (William y Jim Reid), “El Tao de Wu” (RZA), “Los últimos días de EMI” (Emmon Forde), “El nacimiento de Bowie” (Phil Lancaster), “The Blues Brothers” (Daniel de Visé), “Lo roto y lo sagrado” (Alan Light), “La única chica” (Robin Green), “Reverberación” (Keith Blanchard), “Incierto y sinuoso” (Daniel Melero), “George Harrison. Beatle a su pesar” (Philip Norman), “Dirty Deeds” (Mark Evans)... Y rompemos una lanza en favor de dos títulos imprescindibles que se quedaron en tierra de nadie al publicarse al final de 2023. Hablamos de “Una vida sobria para la revolución” de Gabriel Kuhn y “No Binarix. Memorias” de Genesis P. Orridge. JOAN S. LUNA

1Temporada de brujas

El libro del rock gótico

Cathi Unsworth Contra

Es la biblia del rock gótico. Por la amplitud de su foco. Por la implicación personal de su autora, que lo vivió de primera mano. Por su erudición, su ironía, su exhaustividad y su tono literario. Por hablar no solo de Joy Division, The Cure, Bauhaus, Lydia Lunch, The Cramps, The Cult, The Sisters of Mercy, The Gun Club o Siouxsie and the Banshees, sino también de Cocteau Twins, The Jesus and Mary Chain o Einstürzende Neubauten. Por enhebrar, aunque sea con algunas décadas de demora, la historia definitiva de esa suerte de género no escrito al que casi nadie quiso ligar sus designios tras los estertores del punk. Y por hacerlo reflejando un reverso más tenebroso aún: el gobierno de Margaret Thatcher desde 1979 a 1990. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

2

Cruzando los dedos Miki Berenyi Contra

Qué gran narradora es Miki Berenyi. Quien fuera una de las dos vocalistas y compositoras de Lush lo reveló hace dos años en este título que nos llega ahora con una magnífica traducción. Desestructuración familiar, los abusos sexuales, el machismo (y cierto clasismo) imperante en la escena brit pop y la complicada convivencia en una banda sujeta al escrutinio público y al caprichoso vaivén de las modas son algunas de las temáticas que jalonan este libro. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

3

George Michael. Una vida

James Gavin Libros Cúpula

James Gavin, reconocido autor y periodista que ya ha dejado su sello previamente en otras biografías musicales de artistas de oscuro reverso (Peggy Lee, Lena Horne o Chet Baker), apuesta por llevar a cabo una obra respetuosa, libre de sensacionalismos y destinada a recoger a lo largo de su notoria extensión las claves necesarias para que el lector y fan entienda algo mejor las encrucijadas que tenían lugar dentro de esa feroz selva que era la mente de Michael. FRAN GONZÁLEZ

4

Joni Mitchell desde ambas caras

Malka Marom Libros del Kultrum

Malka Marom consigue acertar en el tono, el ritmo de la conversación y en crear un ambiente de confianza mutua (se conocieron en 1966 cuando Joni daba sus primeros pasos) con un grado de intimidad máximo, algo que se respira en estas páginas, combinando la charla con letras de canciones convenientemente insertadas en el momento más oportuno. Un libro que nos acerca a Joni Mitchell y nos ayuda a comprenderla mejor. TONI CASTARNADO

5

Superestrella de las calles: Un año con Lawrence Will Hodgkinson Contra

Que el de Lawrence (Felt, Denim...) es uno de los casos más injustos en la historia del pop es algo que más que evidente. El famoso periodista británico Will Hodgkinson es quien acompaña a Lawrence, durante un año, a través de su submundo por Temple Fortune y otras zonas de la ciudad, las cuales funcionan como un mapa de la mente y las obsesiones de nuestro protagonista principal, un tipo cuya dieta se reduce a te, galletitas saladas y regaliz.

MARCOS GENDRE

6

Swans

Sacrificio y trascendencia

Nick Soulsby Aurora Dorada Ediciones

Si existe un artista radical cuyo universo personal dé para una historia oral de más de cuatrocientas páginas, no les quepa duda que es Michael Gira, uno de los músicos más enigmáticos de la historia del rock. Apenas empezar el libro nos enteramos de que su madre intentó acuchillar a su padre y que su casa ardió una noche en que esta había bebido más de la cuenta. A partir de ahí entenderemos que Gira creara una banda como Swans. JOAN S. LUNA

7

Por encima de la ciudad, por debajo de las estrellas Barry Adamson Liburuak

Esta es otra historia de iniciación a la vida, que se detiene a principios de los noventa. Barry Adamson se ve a sí mismo desde fuera y con lucidez, como si su vida fuera una película. Y lo cierto es que nunca lo tuvo fácil: orígenes humildes, una discondroplasia que lo lastró de niño, la enfermedad de su hermana y la adicción a las drogas se van interrumpiendo por epifanías musicales hasta convertirse en un nuevo y seductor Barry. CARLOS PÉREZ DE ZIRIZA

8

Derecho a la fiesta La historia del DIY Sound System

Harry Harrison Col. Bruxista

“Derecho a la fiesta” relata, en primera persona y desde el punto de vista de uno de sus principales artífices, el nacimiento, desarrollo y posterior difuminación del movimiento DIY Sound System en Reino Unido. Harry Harrison fue, en efecto, uno de aquellos anárquicos visionarios que decidieron apostar por el poder redentor de la música, en un alarde de pasión, locura y necesidad vital por encontrar la diversión. Honesto y esclarecedor. RAÚL JULIÁN

9

David Bowie me hizo gay Darryl W. Bullock M&Cía

Se han publicado y, con total seguridad, se seguirán publicando libros que versan alrededor de la música y el colectivo LGBT, pero Darryl W. Bullock firma uno de los mejores que han visto la luz hasta el momento. “David Bowie me hizo gay” está plagado de ejemplos, momentos históricos y el análisis necesario para hacernos entender la importancia de cada uno de los pasos dados.

JULIO DEROZAN

10

Rebel Girl Mi vida como una feminista punk Kathleen Hanna

Hay libros dedicados al movimiento riot grrrl y libros que son manifiestos feministas con una base sólida. “Rebel Girl” es ambas cosas, y no podría ser de otra forma, atendiendo a que es la mismísima Kathleen Hanna, una de las referentes imprescindibles, quien nos narra su despertar a una vida en la música en la que la actitud y el mensaje pueden ser más importantes que todo lo demás. Una chica rebelde y con una cabeza muy bien amueblada. MERCÈ GUTIÉRREZ

Liburuak

PODCASTS

Frame Fatale

Sebastián De Caro y Santiago Calori

Si quieres hacerte una idea de lo que puedes encontrarte en este podcast –argentino para más señas– puedes escucharte el “trailer sonoro” con el que, en febrero de 2021, los cineastas Sebastián De Caro y Santiago Calori lo ponían en circulación. Según ellos, “Frame Fatale” es un podcast sobre “películas no canónicas”, lo cual una vez aterrizado significa que llevan más de cien programas analizando películas de culto, saltando de “La posesión” de Zulawski a “La noche del demonio” de Tourneur, pasando por joyas tan diversas como “Portero de noche”, “Nekromantik”, “Rock’n’roll HIgh School”... Eso sí, el line up original ha ido cambiando y ahora podrás escuchar a Calori bien respaldado por Axel Kuschevatzky y Sebastián Rotstein, todos ellos –entre otras cosas– guionistas cinematográficos. MARTÍ VILADOT

Titania

Manuel Bartual y Juan José Ramírez Mascaró

La ficción española continúa probando que cualquier formato le es práctico para mantenernos en vilo capítulo a capítulo. Manuel Bartual y Juan José Ramírez Mascaró así nos lo demuestran escribiendo a cuatro manos este thriller distópico de ritmo trepidante, absolutamente capaz de hacernos devorar sus entregas con voraz escucha. Las brillantes labores de interpretación y locución de los implicados (Nikki García, Francesco Carril, Olga Aguirre, Fernanda Orazi) junto a su excelente producción sonora, logran que construyamos en nuestra mente las secuencias de un adictivo y blackmirroriano relato que baja a lo terrenal temas tan en boga como la Inteligencia Artificial o la ciberseguridad.

FRAN GONZÁLEZ

ESPECIALES WEB PODCASTS MS

Triana

En el 50 aniversario de una de las bandas más importantes e influyentes de la música en español, ve la luz el álbum recopilatorio “Eternos Triana” (Warner). Hablamos con Eduardo Rodríguez Rodway, miembro fundador y con artistas actuales sobre el legado de Triana (Ángeles Toledano, Jose Domingo, Victor Cabezuelo, Rocío Marquez, Cristian de Moret, Dani Llamas, Le Parody, Anni B Sweet o Quentin Gas).

Fermin Muguruza

Fermin Muguruza celebra los cuarenta años de la publicación de la primera maqueta de Kortatu con una una gira muy especial en la que repasará toda su trayectoria. Así que no se nos ocurre mejor momento que este para charlar sobre su trayectoria desde Kortatu, pasando por Negu Gorriak y llegando hasta sus distintas etapas en solitario.

Triángulo de Amor Bizarro

Hace unos meses Triángulo de Amor Bizarro se plantearon protagonizar una gira impredecible en la que el público y el azar deciden qué dos discos completos de los seis de su discografía interpretarían de principio a fin. Entre concierto y concierto se pasaron por nuestro estudio de Madrid para dejar que las cartas y el azar eligieran las preguntas de la entrevista.

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EL CUERPO

( 1 )

ABRIL

03 BARCELONA Auditori Forum

05 LAS PALMAS G.C. Auditorio Alfredo Krauss

27 VALENCIA Palau de Les Arts

( 2 )

DESPUÉS DE TODO

MAYO

03 BILBAO Palacio Euskalduna

17 SALAMANCA CAEM 11 GRANADA Palacio de Congresos

18 A CORUÑA Palacio de la Ópera

23 MURCIA Auditorio Victor Villegas

24 ALICANTE Auditorio Diputación Alicante 29 DONOSTI Miramar Gauak

VALERIA CASTRO

( 3 )

JUNIO

01 SEVILLA Cartuja Center

06 PAMPLONA Auditorio Baluarte

14 TENERIFE Auditorio Adán Martínez

27 MÁLAGA Teatro Cervantes

( 4 )

SEPTIEMBRE

12 OPORTO TBA 13 LISBOA TBA

18 COPENAGUE TBA 19 26 DUBLÍN PARIS TBA TBA 20 27 LONDRES BRUSELAS TBA TBA 24 29 BERLÍN AMSTERDAM TBA TBA

OCTUBRE

( 5 ) ALMERÍA

Otoño y Sal

DICIEMBRE

ENERO 2026 ( 6 )

03 CHICAGO Instituto Cervantes

06 CIUDAD DE MÉXICO Teatro de la Ciudad 10 BOGOTÁ Teatro Libre

12 LIMA Teatro Español

14 SANTIAGO DE CHILE Teatro Manuel de Salas

17 BUENOS AIRES La Trastienda 19 MONTEVIDEO Sala Zitarrosa

22 RIO DE JANEIRO Galpão Ladeira das Artes

( 7 )

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