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Siempre que se admira a alguien es difícil ser objetivo, y más cuando hay pruebas contundentes de las razones por las que se le admira. Pero más difícil aún es el tener que escribir una nota de despedida hacia esa persona.

Arthur C. Clarke, tal vez la última estrella de toda una generación de escritores de ciencia ficción nos ha dejado el pasado 19 de marzo.

Originario de Sri Lanka, bhimanya el 16 de diciembre de 1917, con noventa años y una pléyade de historias, premios y logros, Arthur C. Clarke fue uno de esos personajes que llevaron en alto al género de la Ciencia Ficción en su vertiente de “Dura”, su novela más famosa fue 2001: Una odisea del espacio, misma que llevara al cine Stanley Kubrik en donde se dan cita todos sus intereses: la relación entre el hombre y la tecnología, la evolución humana, el contacto con inteligencias extraterrestres y la misma auto evolución del ser humano; temas que repetidamente trabajó en otras de sus novelas más destacadas como El Fin de la infancia, Ante el fin de la noche y las subsecuentes secuelas de 2001 (2010: Odisea dos, 2065: La Tercera Odisea y 3001: La Odisea Final). Tan importante es su obra literaria que fue nominado al premio nobel de literatura en 1999 y en 1994 fue nominado por el premio nobel de la Paz. Tal vez sea el primer autor de Ciencia Ficción en ser nominado.

En ciencia, fue muy importante su contribución con su teoría acerca de la utilización de las orbitas geoestacionarias para la colocación de satélites de comunicaciones que desarrolló en 1945.

Activista en la protección de los gorilas ante la UNESCO, difusor de la ciencia, director del Instituto para la Cooperación Espacial y vicepresidente de la Sociedad de H. G. Wells, Arthur C. Clarke no permitirá, afortunadamente que lo extrañamos gracias a la grandeza de su obra, solo le podemos recriminar que nos haya dejado a una edad tan joven: noventa años.

Coincidiendo irónicamente con el dossier elegido para este número, nos enteramos de la repentina desaparición de Gary Gygax, mejor recordado por ser el creador del Calabozos y Dragones (Dungeons and Drangons), el juego de rol por antonomasia, inclusive, podríamos decir además que fue el creador de los juegos de rol en sí.

Calabozos y Dragones es de vital importancia para el género de fantasía heroica por muchas circunstancias, no solo lo popularizó entre cierto sector de los años ochenta, sino que logró generar múltiples novelas, películas, series de televisión, video juegos y un largo etcétera; es casi un sinónimo de juego de rol, que se traduce a fin de cuentas en aventuras sin fin, el mismo concepto logró una exitosa (aunque infantil) serie de dibujos animados y dos películas de largo metraje.

Cuenta la leyenda que Gary ideó el concepto al jugar ajedrez y enojarse por tener que acatar leyes tan rígidas cuando en su mente el juego representaba una batalla medieval. Posteriormente pensó en otras reglas basadas en los juegos de estrategia con miniaturas (los conocidos como “wargames” de mesa) en los que introdujo dados basados en los cuerpos tridimensionales de Platón, popularizando el dado de veinte caras.

Gary Gygax nació el 27 de Julio de 1938 y nos dejó el 4 de marzo, los que jugamos Calabozos y Dragones siempre lo recordaremos.

Justo al cierre de esta publicación nos enteramos del lamentable fallecimiento de una de las más grandes leyendas de la pantalla: Charlton Henston a los 84 años de edad (Dios, a este ritmo tendremos que poner una sección fija de “obituarios”).

Henston, quien fuera un antecesor de los heroes “rudos” como Silvester Stallone o Arnold Schwarzenegger filmó mega producciones de época como La agonia y el éxtasis (interprentando junto a Rex Harrison a Miguel Ángel Buonarotti), Los Diez Mandamientos, El Cid o Ben-Hur. También participó en películas de culto como Aeropuerto 75, Terremoto, Midway o El Espectáculo más grande del Mundo (todas estas, curiosamente sobre desastres).

Dentro del género fantástico lo recordaremos siempre como George Taylor en las primeras dos películas de El Planeta de los Simios, como el detective Robert Thorn en Cuando el destino nos alcance (Soylent Green, en su título original) o como Robert Neville en El Hombre Omega, una de las primeras adaptaciones de la novela Soy Leyenda de Richard Matheson.

En sus últimos años destacó por otro tipo de actividades que lo vieron rodeado en escándalo al apoyar publicamente el derecho y la libertad de portar armas en su país, sin embargo nosotros siempre lo recordaremos por sus magníficas actuaciones y sus extraordinarias películas...

Si, otra parte de nuestra infancia que nos deja.

A

hora me toca a mi darles la bienvenida a esta aventura editorial que pretende ser Fantasci... ¿Qué? Sí, ya sé que Ignacio Loranca, el Publisher de esta H. revista ya lo hizo en el anterior número.

Pero al final de cuentas “He is the boss” y tuve que dejarle la Prima Nocte simbólica de la carta editorial. Y por cierto, a partir de aquí y en adelante, Nacho tendrá su propia sección donde hablará de lo que se le pegue la gana (¡Cthulhu apiádate de nosotros!), al final de cada número.

Pero pasando a mejores temas, y como ya leyeron en la portada, nuestro dossier de esta ocasión se centra en la Fantasía Heroica: Prepárense a conocer la evolución cinematográfica de este género. También les presentamos el trabajo de Michael Moorcock, un autor literario no tan comercial, pero de importante peso para la mitología del héroe. Y por si fuera poco, publicamos los escritos de un viejo escribano, sobre las aventuras de un bárbaro melenudo cuyo nombre quizás han escuchado: Conan.

Cerrando el tema, les mostramos las primeras imágenes de lo que será Ángel Caído, una película mexicana de fantasía que dará de que hablar el próximo año, así como algunos detalles de esta historia que nos contaron, en amena charla, el productor y la diseñadora de vestuario de la misma.

No puedo olvidar anunciarles que dentro están los resultados de los Fanboy Awards 2007. Sí, no cuadra premiar lo mejor del cine del año pasado en pleno abril, pero el próximo año esas votaciones las verán al comienzo.

Y claro, también podrán leer nuestras secciones fijas que son noticias, recomendaciones, cuento y... ya. Esta vez, tristemente no leerán ningún debraye en el fan fiction (sección que fue tan gustada como repudiada), pues “alguien” se prolongo de más en su “breve” historia del cine de fantasía heroica (omitiré nombre para no herir sentimientos)...

Sin más vueltas, en verdad espero que disfruten de leer este segundo número de Fantasci, tanto como nosotros nos apasionamos en su creación.

Vicente Cabrera Das Editor

El murciélago regresa a la TV Cartoon Network dio a conocer la nueva línea de caricaturas que saldrán al aire en la segunda mitad de este año, y una de ellas es Batman: The Brave and the Bold, la cual se aleja por completo del estilo visual antes visto y presenta un dibujo mucho más cercano a las tiras cómicas de antaño, con un Batman que nos recuerda a la encarnación de Adam West en la serie de los 60’s.

Stan Lee + Disney Stan Lee se encuentra desarrollando 3 películas para la Disney Pictures, las cuales serán producidas mediante su compañía productora POW! Entertainment.

En palabras del propio Lee: “Solo espero que Disney tenga espacio en su parque de diversiones para estos 3 proyectos, una vez que sean un gran éxito mundial con sagas completas, como auguro que serán”. Eso es modestia.

Son leyendas Stephen King y su hijo, el también escritor Joe Hill, escribirán juntos una novela corta para un libro antológico titulado He is Legend (Él es Leyenda), en claro homenaje a la novela original de Richard Matheson. Aunque uno pudiera esperar un relato ambientado en el universo de la novela original Soy Leyenda, la antología presentará relatos dentro de los diversos universos creados por Matheson, la novela de King e hijo se ambientará dentro del universo de la historia Duelo (misma que Steven Spielberg llevara al cine con el mismo nombre en los inicios de su carrera).

También participarán en la antología: F. Paul Wilson, Joe Lansdale, Whitley Strieber, William F. Nolan, Gary Braunbeck, Thomas Monteleone, John Shirley, Ed Gorman, el mismo hijo de Matheson y la introducción correrá a cargo de Ramsey Campbell.

Iron Man... ¡Y que viva México Ca...!

Tendremos en México la oportunidad de ser el primer país en ver la película del Hombre de Hierro (Iron Man), puesto que aunque está programada para estreno mundial el próximo viernes 2 de Mayo, la productura y distribuidora en México ha decidido estrenarla el 30 de Abril, aprovechando así el puente del Día del Niño (que es ese día en México) con el Primero de Mayo, esto ya nos había pasado anteriormente con X-Men 2... Si, estamos bendecidos por Jack Kirby...

Festival SciFantasy Entre los próximos 5 y 10 de Mayo se llevará a cabo el primer festival de cine SciFantasy (¿Por qué me suena el nombre?) en la ciudad de México en el Laboratorio de Arte Alameda, la Biblioteca de México (Metro Balderas) y el Teatro Legaria (Por confirmnar), pueden checar para mayor información el blog:

El Spirit, primer atisbo Se ha dado a conocer el primer poster de la próxima película de El Spirit (un tríptico, en realidad), famoso personaje de historieta creado por el legendario Will Eisner. La película será dirigida por Frank Miller, del que se podría esperar un resultado magnífico al ser alguien tan ligado al mundo del comic, sin embargo, como primera impresión no deja de verse la clara influencia de su propio comic Sin City, a ver que tal...

Que la fuerza, legal, lo acompañe George Lucas demandó a un diseñador inglés de nombre Andrew Ainsworth, quien es el responsable del famoso diseño de los storm-trooper. La demanda fue puesta porque Ainsworth vendia copias de los trajes sin autorización de Lucasfilm, quien tiene los derechos. Pero Ainsworth ha contrademandado diciendo que el copyright (de su propia obra) ha expirado, pues se trata de diseño industrial y no arte.

http://scifant.blogspot.com/

Esperamos que sea el primero de muchos y que tenga bastante éxito.

Hablando de magos y Hobbits...

Sir Ian McKellen a confirmado su participación en las películas de El Hobbit reinterpretando a Gandalf, el mago de El Señor de los Anillos, siempre y cuando si es que Peter Jackson funge como productor de las mismas, ya que al parecer, aunque todavía sin confirmación, será nuestro querido Guillermo del Toro quien las dirija.

(Redobles de tambor) Nosotros las propusimos. Ustedes votaron. Y orgullosamente anunciamos con bombo y platillo a la crème de la crème, a las big kahunas, a las más chiludas (risas grabadas); las mejores películas, momentos y personajes del cine fantástico del año pasado: (Aplausos)

Sin duda, la adaptación de la épica novela gráfica de Frank Miller, 300, tenía todos los ingredientes para ser la consentida de todos y el eye candy de todas.

¿Acaso pensaban que habría algo que le pudiera ganar a Cañitas como el mayor bodrio?

En segundo lugar, Eli Roth sigue haciendo porquerías. Gracias.

Pese a tener una trama bastante inverosímil, la maestría que demuestra Michael Bay para entretener con su pirotecnia, logró que Transformers fuera la favorita.

Una de las obras más queridas de Neil Gaiman, Stardust, logro tener una adaptación bastante aceptable y trajo de vuelta la fantasía romántica a los cines.

Kilómetro 31 demostró que este género no es imposible para el cine mexicano, usando clichés del horror japonés para actualizar el mito de la llorona.

El reinado de Pixar es imbatible. Cada nueva película es tanto o más entretenida (y visualmente sorprendente) que la anterior y Ratatouille no fue la excepción.

Pese a sus defensores, la verdad es que Spider-man 3 apestó como ninguna. Sam Raimi pudo haber hecho un mejor trabajo, Venom fue una mentada, ¿Y ese Peter emo?

Esperábamos una secuela oportunista que pretendiera darle un gancho a nuestro bolsillo, pero Rocky Balboa cerró el ciclo del viejo boxeador de forma magistral.

Industrial Light and Magic volvió realidad el sueño húmedo de los geeks cuando convirtieron vehículos “reales” en esos robots gigantes llamados Transformers.

Los vampiros de 30 días de Noche fueron realmente feos, pálidos, con rostros angulosos y no se molestaban en limpiarse la sangre coagulada. Cual deben de ser.

Una edición innovadora y miembros mutilados volando por los aires en slow motion fueron los ingredientes de la sangrienta primer batalla de los 300 espartanos.

Quizás la gente no olvidara la heroica muerte de los espartanos, pero es un hecho que haber visto la escena donde Homero canta “Puerco-araña” no tiene precio.

Increíble. El irregular director Len Wiseman logro que Duro de Matar 4.0 fuera la más emocionante secuela de McClane. ¡Ah! Y Rocky subió de nuevo a un ring.

Spider-man 3 dio una dura lección a los lectores de comics: No tengan tanta expectativa por las adaptaciones de sus héroes.

Y Ghost Rider lo reafirma.

Zack Snyder nos llevo a la gloria con su brutal 300. Veamos si repite la hazaña con Watchmen en el 2009. En segundo lugar quedo el director de La Fuente de la vida.

El OST de Planet Terror es de esos que puedes disfrutar aunque no hayas visto la película. Si la viste, no podrás dejar de recordar el baile mortal de Cherry Darling.

El primer pirata rockstar sigue siendo el consentido de muchas al imponerse incluso a la testosterona de Leónidas. Jack Sparrow ganó indudablemente por su sex appeal.

Nadie como el ambiguamente sexual Rey Jerjes y sus kilos y kilos de oro. Un plus fue su ejército de persas que pregonaban: “No somos machos, pero somos muchos”.

Trasformers nos dio acción, comedia y supieron vendernos la mejor carne fresca de temporada: Megan Fox. Aún así la Bellucci sigue siendo una diosa.

l hecho de filmar una película siempre resulta ser un acontecimiento bastante “heroico”, ya sea en esta época o en cualquier otra, todo esto para obtener un resultado “fantástico”: el de sorprender de alguna forma al espectador (dependiendo del éxito o fracaso que la empresa tenga finalmente); bajo esta premisa podríamos determinar que cualquier película pertenece al género de la “Fantasía heroica”, claro que esto no es del todo cierto y toda esta premisa no es más que una excusa para tratar de explicar o definir en que consiste el género de la Fantasía heroica, así que cayendo en un lugar común podemos decir que se trata de aquel en donde predominan los héroes a capa y espada que rodeados literalmente de un entorno mágico realizan las hazañas más sorprendentes enfrentando dragones, ogros, duendes, hechiceros, nigromantes y demás fauna imaginativa.

Claro que es difícil delimitar que cosa es y que no es “fantasía heroica”, hasta donde sé, ninguna agrupación literaria lo ha definido (desmiéntanme por favor), ya que no podríamos afirmar que cualquier narración, en cualquier medio, pertenece al género por el solo hecho de tener elementos mágicos o heroicos (claro, no es lo mismo Rambo que Conan el bárbaro o El Grinch que la saga de Harry Potter o El Señor de los Anillos por decir algo), por lo que la línea que lo delimita es realmente tenue, así que para esta recapitulación nos basaremos en las películas que presenten estas características de manera obvia así como de algunos “cuentos de hadas” que cumplan con estos elementos de manera amplia.

s difícil determinar cual es la primer película de este género, aunque podríamos iniciar comentando la “bilogía” de Fritz Lang acerca del anillo de los Nibelungos: Die Nibelungen: Siegfried y Die Nibelungen: Kriemhilds Rache (Ambas de 1924 y 1925) que de manera profética inician como serial narrando las aventuras de Sigfrido, héroe homónimo del poema heroico del siglo XIII, se dice que esta película era una de las favoritas de Goebbles y que hizo llorar al mismísimo Hitler, quien la interpreto como una oda a Alemania. Bella visualmente y con dragón realmente impactante para la época en que fue realizada, es una cinta obligada no solo para el género, sino para estudiosos del cine en general.

También de 1924 aparece en Estados Unidos la primera versión de El Ladrón de Bagdad (The Thief of Bagdad) dirigida por Raoul Walsh con Douglas Fairbanks en una de sus películas más representativas, aquí se nos narra las aventuras de un ladrón que se enamora de la hija de un califa, y que para ganar su mano primero se hará pasar por un príncipe, después deberá encontrar un cristal mágico y robar la manzana mágica de un príncipe mongol, esta película es considerada como una de las piezas claves de la historia de la cinematografía; sin embargo, no debemos minimizar la versión de 1940 de Ludwig Berger y Michael Powell con Conrad Veith, June Duprez, John Justin y Sabú como el ladrón, en esta versión la historia cambia drásticamente al ser el ladrón quien ayuda al príncipe Ahmed (quien ha caído en desgracia ante las maquinaciones de Jafar, su consejero) a ganarse el corazón de la hija de un sultán en un sinfín de aventuras en las que aparece un caballo volador, un genio con mal carácter (interpretado magistralmente por Rex Ingram), una alfombra mágica y muchos elementos fantásticos más.

Esta película fue realmente un parte aguas en el género fantástico y ambas versiones sirvieron como fuente de inspiración para Aladdin (1992) de Walt Disney, que curiosamente, más que adaptar el cuento de Aladino y la lámpara maravillosa de Las Mil y una Noches parecía más una versión animada de estas (De hecho, el cuento de Aladino se desarrolla originalmente en China, pero en la versión de Disney lo ubican en el medio oriente, Abú es el nombre de la mascota de Aladdin, mismo nombre del ladrón en la versión del 40, el villano también se llama Jaffar, la persecución inicial está calcada de la segunda versión y el protagonista también se hace pasar por noble entre muchos otros detalles).

Durante la década de los treinta aparecerán dos películas realmente importantes para el género, aunque más cercanas al cuento de hadas: Blanca Nieves y los Siete Enanos (1937) de Walt Disney y El Mago de Oz (1939) de Victor Fleming, sendos clásicos americanos. El primero fue una polémica producción (pues además se trató del primer largometraje en animación) que rescató los elementos clásicos del cuento de los hermanos Grimm y el segundo la popular novela infantil de L. Frank Baum.

El éxito de ambos filmes llevó a las productoras cinematográficas a realizar filmes del género con éxitos dispares, primero tenemos El pájaro Azul (The Blue Bird) de Victor Lang con Shirley Temple, tratando de rivalizar en candor y encanto a Judy Garland en El Mago de Oz, sin embargo, esta resultó ser una película desangelada y realmente aburrida (El “candor” de la protagonista es opacado al ser un personaje realmente antipático, culpa del guión y no de la Temple quien resultó ser una mina de oro para las productoras con otras películas que nada tenían que ver con el género).

Disney por su parte produjo Pinocho (Pinocchio, 1940) la famosa historia de Collidi con una atmósfera preciosista que raya en lo tétrico (la secuencia de la Isla del Placer cuando los niños se convierten en borricos todavía puede causar pesadillas a los niños) y el cortometraje El dragón Presumido (The Reluctant Dragon, 1941) una divertida historia ya más cercana al género de Fantasía heroica propiamente dicho, aunque en tono paródico, siendo esta un antecedente de Shrek.

Del alemán Josef von Báky en esa misma década se realiza Münchhausen (1943), basada en las aventuras del homónimo barón quien es considerado como el mentiroso más grande que jamás haya existido, a pesar de realizarse durante la segunda guerra mundial la película logró evadir cualquier comentario político y es considerada como una de las mejores películas fantásticas de todos los tiempos (fue además de las primeras películas en utilizar escenas coloreadas a mano).

Tampoco podemos dejar de lado La Bella y la Bestia del francés Jean Cocteau (La Belle et la Bête, 1946) quien logra crear una bellísima producción en un ambiente surrealista cercano al expresionismo alemán, pero haciendo muy suyo su estilo, de hecho, esta película sirvió de inspiración para la versión de Disney y para la comedia musical de Lloyd Webber, El Fantasma de la Opera.

Ya en los años cincuenta el género comienza a tomar un poco más de forma, principalmente con las producciones de Disney como: Cenicienta (Cinderella, 1950), Alicia en el País de las Maravillas (Alice in Wonderland, 1951), Peter Pan (Idem,1953) y La Bella Durmiente (Sleeping Beauty, 1959), en especial esta última con una emociónate secuencia final en donde el príncipe enfrenta a Maléfica, la bruja convertida en dragón y que ha hechizado a la princesa Aurora.

De Italia nos llega Ulises (Ulisse, 1954) de Franco Brusati, quien adapta de manera sorprendente el relato de La Odisea de Homero, y al igual que El Ladrón de Bagdad de los 40’s los valores de producción ya lucen caducos, sin embargo lo compensan en espíritu, Kirk Douglas hace uno de sus papeles más memorables de su carrera, ninguna otra versión de esta historia ha tenido una calidad cinematográfica como la del italiano.

De Alemania (esos alemanes, no sé que tienen que hacen películas tan buenas) nos llega El Séptimo sello (Det Sjunde inseglet, 1957) de Ingmar Bergman, en donde un caballero medieval juega ajedrez contra la muerte, la apuesta: su vida misma. Se trata simplemente de una de las obras maestras de la cinematografía de todos los tiempos, reflejo de una época existencialista y de una vigencia terrible.

En 1958 aparece Sinbad y la Princesa (The seventh Voyage of sinbad de Nathan Juran), primera de una trilogía del personaje extraído de Las Mil y Una Noches con Kerwin Mathews como Sinbad, Kathryn Grant como la princesa y Thorin Tatcher como el mago, en esta, Sinbad debe salvar a su novia quien ha sido reducida de tamaño por un maligno mago enfrentando a criaturas como un cíclope, un dragón, al ave Roc y a un esqueleto, todos animados con maestría por Ray Harryhaussen; aunque dijimos “trilogía”, a esta serie de filmes se les considera como tal debido a las magníficas criaturas de Harryhausen, aunque en realidad no hay una continuidad entre las tres películas (que mencionaremos más adelante) y además que a Sinbad lo interpretaron diferentes actores.

on el avance de las técnicas cinematográficas uno podría esperar que más películas abordasen el género, sin embargo, los años sesenta son relativamente pobres. En 1962 aparece Jack, el matador de gigantes (Jack The Giant Killer), dirigida por Nathan Juran e interpretada también por Kerwin Mathews. Esta película trató curiosamente de rivalizar con Sinbad adaptando el clásico cuento de Jack y las habichuelas mágicas, pero desarrollando una trama mucho más oscura en donde Jack debe rescatar a una princesa de las garras de un gigante, alejándose poco a poco de la atmósfera de cuento infantil.

Al año siguiente, Don Chaffey dirige con bastante acierto Jason y los Argonautas (Jason and the argonauts, 1963) adaptando la famosa historia de la búsqueda del vellocino de oro y de la venganza de Jason contra Pelias por haber asesinado a su padre. Visualmente es una obra maestra, debido principalmente a las maravillosas creaciones de (¿Cómo no?) Ray Harryhausen en las que aparecen unas arpías, el gigante Talos, la hidra de siete cabezas y un ejército de esqueletos que son la escena climática y toda una referencia obligada. Siendo honestos, aunque es un deleite visual al terminar la película a uno le queda cierta sensación de vacio, de que la historia está incompleta, cierto, Jason recupera al vellocino de oro, paro ya no vemos si cumple su venganza o no, en fin, buena excusa para leer los clásicos…

De 1965, la Hammer nos presentó Ella (She), dirigida por Robert Day y con la escultural Ursula Andrews en el papel de Ayesha (“¡La que debe ser obedecida, la que debe ser amada, la que debe ser poseída!” como recitaba la publicidad de entonces); basada en la novela de H. Rider Haggard, Ella trata sobre una misteriosa mujer que reina en una ciudad perdida y que intenta seducir a un joven arqueólogo (de quien cree es la reencarnación de un antiguo amor en otra vida) ofreciéndole la eterna juventud; en realidad esta cinta entra más en el género de “aventuras”, pero los elementos fantásticos (la civilización perdida, la bruja, la eterna juventud, etc.) la convierten también en una cinta representativa del género. Posteriormente se realizó una secuela, La venganza de Ella (The Vengeance of She, 1968), también de la Hammer pero ya sin la Andrews y con menor trascendencia.

Por su parte, la Disney solo produjo una película totalmente animada en esta década (sin contar Mary Poppins, que aunque tenía muchas secuencias animadas era en realidad una película en acción viva) y curiosamente es una de las piezas más representativas de la fantasía heroica: La Espada en la Piedra (The Sword in the Stone), una maravillosa cinta en donde se nos narra la infancia del rey Arturo y su relación con el mago Merlín quien funge como su tutor y maestro y que a través de la magia le enseña los elementos esenciales para que llegue a ser rey.

Encantadora, divertida y emocionante, La Espada en la piedra es uno de los clásicos del género más importantes y una pieza imprescindible dentro del género de animación.

Los años setenta serán decisivos para el género, aunque principalmente en lo que fue la animación: Disney realizó en 1973 Robin Hood (Idem), adaptando de manera bastante ingeniosa la leyenda inglesa del ladrón de ricos que da a los pobres, con el giro de antropomorfizar animales, pero más dentro del género produjeron dos años antes Travesuras de una bruja (Bedknobs and Broomsticks, 1971) en donde una aprendiz de bruja (Angela Lansbury, en uno de sus papelas más memorables) que durante la segunda guerra mundial debe cuidar a un grupo de niños mientras busca un hechizo que puede animar objetos inanimados y de esta forma detener a una avanzada enemiga. Aunque tuvo menor éxito que su antecesora (Mary Poppins) se trata de un filme muy entretenido y visualmente impactante.

La franquicia de Sinbad continuó en esta década con dos filmes de mayor o menor calidad, primero con El viaje dorado de Sinbad (The Golden Voyage of Sinbad, 1974) con John Phillip Law como Sinbad y después con Sinbad y el ojo del tigre (Sinbad and the eye of the tiger, 1977) con Patrick Wayne en el papel titular, al igual que su antecesora, estas películas lucen por las maravillosas criaturas de Harryhausen, argumentalmente son divertidas y son aventura pura, pero realmente ya no aportaron gran cosa al género.

Será sin embargo, el animador y director Ralph Bakshi quien le de un fuerte impulso a la Fantasía heroica como tal con dos películas. Primero tenemos Los hechiceros de la guerra (Wizards, 1977), cinta en donde nos narra el enfrentamiento entre dos magos hermanos en un mundo post apocalíptico en el que han resurgido las hadas, duendes y la magia en general, Hechiceros de la guerra es un interesante ejercicio estilístico en donde Bakshi intentó mezclar imágenes reales de la Alemania Nazi y la segunda guerra mundial con animación que desafortunadamente no termina de cuajar del todo, aunque es una reflexión interesante en el tema de “Magia contra Tecnología” con un final realmente inesperado.

La siguiente película de Bakshi fue nada más y nada menos El Señor de los Anillos (The Lord of the Rings, 1978), la obra cumbre en la literatura de Fantasía heroica, en esta, Bakshi empleó la técnica denominada “Rotoscopio”, en la cual se filmaban muchas escenas con actores reales sobre las cuales se dibujaba sobre ellos, brindándole movimiento constante a los personajes (aunque permanezcan quietos no dejan de respirar). Aunque la película tuvo un éxito regular fue menospreciada por los fans del libro e incomprensible para la crítica y el público infantil al que erróneamente la publicidad de su época se enfocó (quién estas líneas escribe recuerda la

publicidad en radio y televisión en la que se narraba a modo de cuento de hadas parte del principio del libro, por personajes de la televisión infantil mexicana).

La versión de Bakshi de El Señor de los Anillos resulta actualmente una curiosidad que despierta debates, hay a quienes les gusta y hay quienes la detestan; en esta, Bakshi nos narra el primer y más de la mitad del segundo libro de la trilogía original, su director tenía toda la intención de realizar el final con una película más, pero por decisión del estudio esta pequeña joya quedó inconclusa hasta que un estudio menor, la Rankin Bass realizó para televisión El Regreso del Rey en 1980.

De hecho, un año antes de El Señor de los Anillos, la misma Rankin Bass realizó una adaptación también animada de El Hobbit para televisión en una correcta versión para niños, sin embargo, El Regreso del Rey sufrió del mismo tratamiento infantil y difícilmente puede verse como la conclusión de la película de Bakshi.

Y es con la película de la Rankin Bass que entramos en la década de los ochenta, un periodo afortunado y rico para el género.

Furia de Titanes (Clash of Titans, 1981) de Desmond Davis es una extraordinaria película sobre el mito de Perseo y Andrómeda que es también el canto de cisne de Ray Harrihausen quien se retiró tras realizar esta épica, una vez más sus ingeniosas criaturas son las estrellas de esta, presentándonos en esta ocasión a Pegaso, a un fauno, unos alacranes gigantes, al titán Kraken y a la realmente tétrica Medusa que provocó pesadillas a muchos que todavía éramos niños en esa época (al menos no nos convertimos en piedra…), todo el mito del héroe se encuentra en esta maravillosa joya del género.

Ese mismo año fue particularmente bueno para el género, también pudimos ver Verdugo de Dragones (Dragonslayer) de Matthew Robbins y producida por la Disney. Esta se consideró por muchos años como la mejor película de Fantasía heroica y se trató de una producción realmente polémica, de hecho se considera como la primer cinta “adulta” de la Disney (es particularmente oscura, violenta y tiene un desnudo femenino).

En esta, un aprendiz de mago (un joven Peter McNicholl) debe matar a Vermithax, un dragón que asola a un ficticio reino medieval en medio de una atmósfera oscurantista y con un fuerte contexto sexual (para que el dragón respete al reino había que entregarle una virgen en sacrificio cada cierto tiempo). Vermithax es realmente impactante, aunque hay que reconocer que tiene un ligero parecido con el dragón de La Bella Durmiente, sin embargo es bastante aterrador.

De John Boorman aparece todo un clásico: Excálibur (ídem, 1981) en donde de manera acertada se nos narra el ciclo artúrico basado en el texto de Thomas Malory: Morte d’ Arthur. Excálibur fue un filme ampliamente aceptado y de gran éxito, que aunque rápido en su desarrollo (prácticamente es toda la leyenda de Arturo: Su origen como rey, la

búsqueda del Grial, el romance con Ginebra y la traición de Láncelot así como de su enfrentamiento con su hijo Mordred) es una estupenda versión para conocer la historia. Destaca también por el soundtrack que puso de moda a clásicos como Carmina Burana de Carl Orff y Tristán e Isolda de Wagner.

Cerrando ese año, Terry Gilliam dirigió Los Bandidos del Tiempo (Time Bandits, 1981), cinta infantil nada complaciente (sobre todo por su final “no feliz”) en donde unos enanos huyen a través del tiempo acompañados por un niño enfrentando diferentes peligros y viviendo varias aventuras en las que conocen al rey Agammenón, a Robin Hood y a Napoleón Bonaparte mientras son perseguidos nada más y nada menos que por el mismísimo… ¡Dios!

1982 fue también un buen año para el género, empezando con El Señor de las Bestias (The Beastmaster) de Don Coscarelli con Marc Singer como el héroe titular y Tania Roberts como la dama en desgracia. Esta fue una cinta menor pero bastante divertida en la que Dar (Singer), el hijo perdido de un rey busca venganza apoyándose en la sorprendente habilidad de controlar a los animales. Los valores de producción se veían bastante bien en su momento, aunque actualmente lucen como película de clase B. Posteriormente generó dos secuelas y una serie de televisión, pero todas de calidad bastante inferior (si eso fuese posible).

Albert Pyun dirigió La Espada y el Hechicero (The Sword and the Sorcerer) en donde un mercenario descubre su origen noble y busca vengarse del hechicero del título apoyándose con una espada de tres hojas. Filme ultra violento y visualmente impactante, fue realizado aprovechando el éxito que en ese momento gozaba el juego de mesa Calabozos y Dragones.

El filme más destacado de ese año fue, sin embargo, Conan el Bárbaro de John Milius y con un semi-desconocido actual alcalde de Los Angeles Arnold Schwarzenegger en el papel titular, adaptando al personaje homónimo de las novelas de Robert E. Howard y que en ese entonces gozaba de cierta popularidad debido a la versión en historieta de Marvel Comics. Conan el Bárbaro es quizás, junto con la saga de El Señor de los Anillos la quintaescencia de la fantasía heroica. La película, a pesar de tomarse muchas libertades es una correcta versión del personaje en una súper producción de esas que hicieron época, al grado que muchos pensaron que su inventiva mitología era basada en una cultura real.

Conan el Bárbaro posee muchos valores de producción, desde la maravillosa música de Basil Poledouris pasando por épicas secuencias de acción y una interpretación “decente” de Arnold, quien físicamente es correcto y creíble como el personaje (Su primera aparición, ya como adulto es un close-up en el que Conan da marcha a un molino y el pelo cubre parte de su cara, dándole una aproximación a la imagen del comic en la versión de John Buscema).

Conan el Bárbaro generó una secuela (Conan The Destroyer, 1984) y un Spin-Off (Red Sonja, 1985) que demeritaron en calidad de manera terrible, al grado de desvirtuar al personaje haciéndolo mucho más ligero e infantil (y habrá quien diga que hasta gay).

El cine infantil nos presentó tres maravillosas producciones ese mismo año: El último Unicornio (The last Unicorn) de la Rankin Bass, La Ratoncita Valiente (The Secret of Nimh) de Don Bluth y El Cristal Encantado (The Dark Crystal) de Jim Henson y Frank Oz.

La primera es una adaptación animada de la novela de Peter S. Beagle (que él mismo adaptó, y que como dato de trivia, realizó también el guión de El Señor de los Anillos de Bakshi) en donde la última de los unicornios debe rescatar a sus congéneres de el Toro Rojo, un demonio que los a aprisionado en forma de la espuma del mar para el beneplácito del nihilista rey Haggard.

El Último Unicornio es en realidad una bellísima adaptación que rivaliza inclusive con la novela misma, al ser el mismo autor el guionista se da el lujo de poner frases y situaciones que no aparecen en el original, de esta forma la película complementa al libro y viceversa. Es curioso que al promocionarse como una cinta infantil pueda leerse un sub-texto bastante adulto que solo algunos niños y pocos adultos perciben (por ejemplo, Mollie Grue, una amiga del unicornio llora al encontrarse con ella cuando ya es una mujer grande y no una doncella virginal, es realmente una escena conmovedora), destaca también el magnífico soundtrack del grupo América.

La Ratoncita valiente (espantoso título que le pusieron en español) es la ópera prima del ex animador de la Disney Don Bluth, y eso se nota a leguas en su estilo, sin embargo, esta es una estupenda película rodeada de misterio y oscuridad alejada de la chabacanería a la que Disney nos tenía acostumbrados, en esta, una ratoncita, la señora Brisby, viuda de un inteligente ratón pide ayuda a las misteriosas ratas de Nimh para mover su hogar y que no sea destruida por el arado ya que su hijo padece de pulmonía y no puede sacarlo. Las ratas de Nimh son una sociedad secreta que busca la evolución de su especie en una lucha interna por el poder, es la razón y el progreso contra la brutalidad y la barbarie en donde la señora Brisby jugará un papel muy importante. Además de ser un espectáculo minucioso y sorprendente, la trama es bastante inteligente y profunda en donde la magia juega también un papel preponderante, es una lástima que sea una película casi olvidada, a pesar de ser realmente el primer atisbo de una producción que competía en calidad con la casa Disney.

El Cristal Encantado por su parte fue una película realmente adelantada a su época, su característica principal es que fue realizada en su totalidad con títeres (animatronics) para trasladarnos a un fantástico mundo en donde la rivalidad milenaria de dos razas (los Místicos y los Skeksis) será determinada por el último sobreviviente de una raza llamada Gelflings (una especie de elfos exterminados por los Skeksis) y el cristal titular. Es una encantadora y a veces oscura fantasía cuyos valores de producción no han perdido espectacularidad, esto aunado a los maravillosos diseños de Brian Fround logran un festín para la vista, además de una trama interesante que nunca decae. Actualmente se está produciendo una precuela.

Al año siguiente apareció Krull (idem, 1983) de Peter Yates, cinta que raya en la ciencia ficción y que trata sobre el rescate de una princesa que ha sido secuestrada por un ser extraterrestre. En medio de rayos laser, espadas, cíclopes y caballos de fuego, Krull es una cinta preciosista que realmente vale por eso, honestamente es predecible, chabacana y pobre en actuaciones (hasta hay una escena que copia descaradamente el duelo de la araña gigante de El Ladrón de Bagdad), valga pues por los valores de producción, pero nada más.

La Historia Sin Fin (The Neverending Story, 1984) adapta con corrección la primera mitad del libro de Michael Ende; dirigida por Wolfgang Petersen, nos cuenta la historia de Bastian, un niño reservado que sigue a través del libro del mismo título las aventuras de otro niño, Atreyu, con la finalidad de evitar que la tierra de Fantasía sea destruida por la Nada. Esta es una película hermosa con sorprendentes efectos especiales y que intenta invitar a los niños a leer, como un antecedente de cierto maguito inglés.

1985 es un buen año para el género con dos filmes, el primero de estos es el Caldero Mágico (The black Cauldron) de la casa Disney que finalmente entra de lleno al género adaptando los dos primeros libros de las Crónicas de Prydan de Lloyd Alexander, en esta, Tarán, un adolescente deberá proteger a una cerdita oráculo del maligno Rey con Cuernos. Con esta película la Disney trató de experimentar y ampliar a sus espectadores a uno un poco más adolescente, sin embargo, la película fue un fracaso de taquilla (aunque dio ganancias no fueron las que se esperaban) y estuvo fuera de circulación por prácticamente una década en la que no se reestrenó ni se conseguía en VHS. La verdad no es de lo mejor de Disney y la animación cae en sus niveles más bajos (para ser una película de Disney, que conste), pero no es del todo terrible, es como una versión oscura de La Espada en la Piedra y es bastante fiel al espíritu de las novelas.

Leyenda (Legend, 1985) de Ridley Scott es una hermosa cinta con un jovencísimo Tom Cruise y una bellísima Mia Sara. En esta, un joven silvestre del bosque deberá rescatar de las garras del mismo diablo (Un estupendo e impresionantemente caracterizado Tim Curry) a la princesa y a unos unicornios que han sido robados para llenar al mundo de oscuridad.

Rodeado de hadas, enanos, trasgos y brujas, Leyenda es una maravillosa película del género que sin ser la mar de original entretiene bastante.

Un año después, Richard Donner nos presentó El Hechizo de Aquila (Ladyhawke, 1986. Estos títulos en español…), una encantadora y a veces oscura fantasía en donde un muchacho apodado “Ratón” (un todavía joven Mathew Broderick) debe ayudar a una pareja a liberarse de una maldición, él (El capitán Etienne Navarre, interpretado por Rugter Hauer) se convierte en lobo durante las noches mientras que su amada Isabeau d’ Anjou (una bellísima Michelle Pfeifer) se convierte en halcón de día pudiendo verse y tocarse solo unos instantes cuando se pone el sol. Exitosa con la crítica pero un fracaso de taquilla es una pequeña pieza que no hay que perderse.

De ese mismo año aparece Highlander: El inmortal (Highlander, 1986), dirigida por Russell Mulcahy, aquí, Connor McCloud un guerrero escoces (Christopher Lambert) descubre que es un guerrero inmortal que en una eterna guerra deberá derrotar a todos los inmortales ayudado por su maestro Ramirez (un estupendo Sean Connery), otro inmortal, con la finalidad de obtener un premio final. Estupenda historia con una fotografía netamente ochentera (mucho vapor, neón, filtros difuminados, etc.) que nos hace comprender que la inmortalidad más que un premio puede ser una maldición. Tal fue el éxito de esta película que engendró tres secuelas y una serie de televisión que al igual que otras franquicias no lograron alcanzar el nivel de la original, además de que encontrar una línea argumental es bastante difícil, la serie misma se contradice en muchas ocasiones, vean solamente la original.

Ese mismo año apareció Laberinto (Labyrinth, 1986) con el mismo equipo de El Cristal Encantado, en esta ocasión, los títeres departen con actores en una alucinante y divertida puesta al día de Alicia en el País de las maravillas, aquí, una adolescente, Sara (una bellísima y jovencísima Jennifer Connelly) deberá rescatar a su hermanito bebé, Toby, del rey de los duendes, Jareth (un fascinante e impresionante David Bowie) cruzando en solo trece horas un laberinto rodeado de duendes y criaturas salidas una vez más de la imaginación de Brian Fround, todo esto en un rito de pasaje en donde Sara descubrirá que para ser madura no deberá abandonar sus fantasías necesariamente. Por desgracia, la película fue un fiasco en taquilla, lo que ocasionó que Jim Henson y su compañía (de hecho él murió poco después) ya no produjeran más filmes de este tipo.

Aventuras, magia, asesinatos, traiciones, milagros y amor verdadero nos ofreció Rob Reiner con El Pirata y la Princesa (The Princess Bride, 1987.

Otra vez esos títulos…), una divertidísima y tierna cinta en la que un joven campesino venido a pirata, Westley (Cary Elwes) debe recuperar al amor de su vida, la princesa Buttercup (una encantadora Robin Wright Penn) y en el ínterin derrotar a un malvado príncipe, escapar de las arenas movedizas, enfrentarse a roedores de gran tamaño, morir y resucitar con la ayuda de Iñigo Montoya (un sensacional Mandy Patinkin) un extravagante y divertido espadachín y de Fezzik (André el Gigante) un gigante tonto pero de buen corazón. Todo esto enmarcado por la habitación de un niño afecto a los video juegos que durante una enfermedad deberá “soportar” el cuento que le lee su abuelo, dejándose conquistar por la lectura poco a poco. Esta es realmente una de las mejores películas del género con un humor muy al estilo de los Monty Phyton y que a diferencia de Willow (ver más adelante) consigue mantener el humor sin faltarle el respeto al género, haciéndola también una de las películas más emocionantes jamás realizadas (el duelo entre Iñigo y el conde Rugen es de antología).

Las Aventuras del Barón Munchausen de Terry Gilliam (The Adventures of Baron Munchausen, 1988) más que un remake de las versiones anteriores es una reinvención de la historia del Barón, la historia del mentiroso más grande del mundo alcanza proporciones épicas en esta versión en la que el barón deberá hacer frente a una invasión turca que el mismo

provocó, armado solamente con su fértil imaginación y la inocencia de una pequeña niña, Gilliam nos lleva a un mundo fantástico y de gran riqueza visual en donde cada secuencia bien podría ser el punto culminante de cualquier otra producción.

Filme polémico en su realización (se sobregiró en su presupuesto) y sonado fracaso de taquilla (que las grandes productoras apenas le están perdonando a Gillian) poco a poco ha ido alcanzando su estatus de culto, destaca la magnifica interpretación de John Neville como el Barón mismo así como de la aparición de la guapérrima Uma Thurman como Venus saliendo del mar; esta es definitivamente una cinta que nadie debe perderse.

Con Willow (idem, 1988) de Ron Howard y producida por George Lucas se intentó realizar una franquicia e iniciar una oleada de cintas de fantasía heroica, sin embargo, tanto el director como el guionista no se toman lo suficientemente en serio al género como para lograr esto. Sin ser estrictamente mala, tampoco es particularmente buena. Willow (Warwick Davis) es un enanito que deberá proteger a una bebé de las garras de una terrible bruja quien sabe que está destinada a derrocarla. Destaca la actuación de Val Kilmer como el cínico Madmartigan así como la fotografía y el vestuario Erick el Vikingo (Erik the viking, 1989) es considerada como un filme menor de Terry Jones (Miembro de los Monty Phyton y guionista de Laberinto) y que resulta ser una interesante y divertida reflexión acerca de la invalidez de los mitos, en ésta, Erik (Tim Robbins), un vikingo harto de dedicarse a saquear, matar y violar decide que la siguiente expedición de su aldea deberá ser la de ir a despertar a los dioses del Valhalla y terminar de esta forma con el Ragnarok, la era de la oscuridad. De humor absurdo muy cercano a los comics de Asterix de Uderzo y Gossiny (la tripulación que acompaña a Erik en su viaje es de antología), Erik el vikingo es una cinta menospreciada por el público en general, tal vez por no captar el sutil sarcasmo que se aleja de los finales y discursos complacientes.

Para cerrar la década la Disney nos presentó La Sirenita (The Little Mermaid, 1989) basada en el popular cuento de Hans Christian Anderson con un predecible final feliz a diferencia del relato original, sin embargo, la película resulta ser bastante entretenida, con esta, la productora regresó a una nueva racha de éxitos técnicos y comerciales, los personajes son encantadores y la villana Ursula es fabulosa, aunque hay que decirlo, aparte de la animación, la estrella era en realidad la música y las canciones de Alan Meneken y Howard Ashman.

a década de los noventa fue relativamente pobre en el género de fantasía heroica como tal, aunque Disney empieza el primer lustro con más cuentos de hadas gracias al éxito de La Sirenita y cintas como La Bella y la Bestia (The Beauty and the Beast, 1991), Aladdin (ídem, 1992) y Mulan (ídem, 1998) fueron grandes éxitos de taquilla, lo mismo su adaptación de Hércules (ídem, 1997) del mito griego, todas estas con un gran despliegue de tecnología y humor pero sin gran aporte a la cinematografía en si (con la honrosa excepción de La Bella y la Bestia, primer cinta animada en la historia en ser nominada al Oscar de mejor Película).

También de 1990 aparece Las Brujas (The Witches) de Nicolas Roeg adaptando la novela infantil de Roald Dhal, cinta bastante interesante en la que Luke, un pequeño niño deberá terminar con un complot en el que las brujas de todo el mundo pretenden convertir a todos los niños en ratones, el problema reside en que el mismo Luke ya ha sido convertido en roedor, la película destaca por no ser complaciente con los niños al presentar una trama elaborada, así como de la sensacional interpretación de Angelica Huston como la líder de la brujas.

En 1991 Terry Gilliam vuelve a dirigir, en esta ocasión El Pescador de Ilusiones (The Fisher King); estrictamente hablando esta no es una película del género, pero su parafernalia y ritmo narrativo la hacen un filme imprescindible, en esta, Jack Lucas, un ex conductor de radio venido a menos (Jeff Bridges) deberá ayudar a Parry, un mendigo (Robin Williams) a encontrar el Santo Grial en un edificio colindante al Central Park de Nueva York. En medio de los delirios de Parry (al que lo persigue un

caballero rojo en llamas), Jack deberá no solo ayudar a su nuevo amigo, sino a encontrar su propia redención, que es lo que simboliza la búsqueda del Grial. Con una narrativa entre psicodélica y posmoderna, Gilliam nos presenta una estupenda película que logra transmitirnos los valores de la caballería en una comedia contemporánea.

El Guardían de las Palabras (The Pagemaster, 1995 de Joe Johnston) y La Princesa Encantada (The Swann Princess, 1996 de Richard Rich) fueron dos películas de animación, la primera es una mezcla de acción viva con el insoportable de Macauley Culkin (quien afortunadamente sale muy poco al convertirse en un personaje animado) quien es un niño demasiado temeroso que se pierde en una biblioteca, ahí, con la ayuda de diversos libros mágicos encontrará valor con el mensaje de que “los libros te pueden ayudar”, buena idea para fomentar la lectura, aunque carece del candor de La Historia sin Fin o de El Pirata y la Princesa.

La Princesa encantada fue una divertida actualización del ballet El lago de los Cisnes (sin música de Tchaikovski, curiosamente) en una cinta modesta y sin grandes pretensiones aparentemente (Y es que después se realizaron dos secuelas más para video de mucho menor calidad).

En 1996 aparece la estupenda Corazón de Dragón (Dragonheart) de Rob Cohen, en esta, Bowen (Dennis Quaid) un retirado caballero se dedica a cazar dragones tras decepcionarse cuando un dragón corrompe aparentemente a un joven príncipe al compartirle la mitad de su corazón, sin embargo, Bowen deberá aliarse con Draco (Con la extraordinaria voz de Sean Connery), el último dragón que existe para continuar obteniendo ganancias en su cacería y posteriormente derrocar al príncipe (ya un rey tirano). Esta película presumió además de presentar al primer “actor digital” y no es por nada, pero Draco esta muy bien hecho. Corazón de Dragón es una sensacional puesta en escena y es tal vez el antecedente más directo a las producciones de fantasía heroica de esta década.

El Poderoso (The Mighty, 1998) de Peter Chelsom narra la historia de una relación simbionte entre dos niños, uno muy débil pero sumamente inteligente y otro muy fuerte pero de poco I.Q, juntos se convierten en el Poderoso; inspirados en las leyendas artúricas hacen frente a los pormenores que la vida misma les presenta, al igual que El Pescador de Ilusiones no es estrictamente una película de fantasía heroica, pero al igual que el filme de Gilliam está impregnada de esa capacidad de asombro en un melodrama realmente memorable que trata de rescatar lo mejor de cada uno de nosotros enseñándonos que las fantasías tienen una razón de ser, no pierdan de vista el sensacional personaje que interpreta Meat Loaf y véanla con un pañuelo o una buena dotación de Kleenex.

Es en la década del nuevo milenio donde el género se ha afianzado finalmente y empieza a ser reconocido y diferenciado por el público en general (hay quienes piensan que estas películas corresponden a la ciencia-ficción), la primera de esta camada es Calabozos y Dragones (Dungeons and Dragons, 2000) de Courtney Salomon, que finalmente adapta

el popular juego de rol de los años ochentas… de manera desastrosa, un desperdicio de actores y efectos especiales nos dan una trama complaciente y predecible, muy vistosa, eso sí, pero sin nada de sustancia y de actuaciones realmente patéticas, hasta el mismo Jeremy Irons desluce, pero culpemos al guión y a su mediocre dirección. En el 2005 apareció una secuela un poco mejor cuidada que rescataba de mejor manera la dinámica del juego, de todas formas no es la gran cosa.

El 2001 es un año decisivo para el género, serán cuatro las películas que determinarán su futuro: Primero que nada tenemos a la película animada digitalmente Shrek (Idem, 2001) de Andrew Adamson y Vicky Jenson, en esta se nos narran las aventuras de un ogro quien debe recuperar su pantano rescatando a una princesa de las garras de una dragona acompañado por un borrico parlanchín, Shrek es la antítesis de los cuentos de hadas con humor socarrón bastante ingenioso, dándonos además un “mensaje” de contra cultura, la magia de Shrek consiste además en ser una película que funciona en diversos niveles, tanto hace reír a los niños como a los adultos (vean la versión mexicana, que los mismos productores reconocieron era muy superior a la original), fue tal el éxito del filme que se ha convertido en el parámetro de la mayoría de las actuales películas de animación, hasta el momento ha generado dos secuelas bastante menos afortunadas.

También, de Japón nos llegó la animada (tradicionalmente) El Viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no Kamikakushi, 2001) de Hayao Miyazaki, una hermosa producción que es también un rito de pasaje en donde una niña debe disolver un hechizo que ha transformado en cerdos a sus padres, para esto deberá trabajar en un balneario de dioses y espíritus a cargo de una bruja. Altamente imaginativa, original e incomprendida por muchos llamados “críticos”, El Viaje de Chihiro tiene además el honor de ser la primer película extranjera en ganar el Oscar en el rubro de mejor película animada.

Y finalmente llegamos con los dos gigantes del género, el primero es Harry Potter y la Piedra Filosofal (Harry Potter and the Sorcerer’s Stone, 2001) de Chris Columbus, iniciando la franquicia basada en las novelas de J. K. Rowling. Esta primer cinta es una correcta y preciosista adaptación de la primer novela en donde se nos narra el origen del que será considerado como el más grande mago de todos los tiempos. Amada por millones, odiada por muchos, no se puede negar que la serie tiene su encanto, los personajes están bien definidos (curiosamente es el mismo Harry Potter quien tarda más en desarrollarse, tanto en la película como en el libro), la producción es decorosa y las actuaciones son bastante buenas. Como serie ha corrido de manera irregular, para quien estas líneas escribe han sido la tercera y la quinta película las mejores logradas, cinematográficamente hablando (lo siento, solo he leído el primer libro). Actualmente se han producido cinco películas de las siete novelas originales pero se comenta que el séptimo libro será dividido en dos cintas.

Y bueno, pues es El Señor de los Anillos: La Comunidad del Anillo (Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring, 2001) de Peter Jackson la joya de la corona del género junto con las otras dos partes: Las Dos Torres (The Two Towers, 2002) y El Regreso del Rey (The Return of the King, 2003).

Filmadas una tras otra, la superproducción de Jackson fue un éxito tanto del público como de la crítica (aunque, obviamente, muchos seguidores del libro las despreciaron), esta ha sido la saga de toda una generación en la que sus virtudes está de más mencionarlas, con esta serie el género llegó definitivamente para quedarse.

Pueden contarse miles de anécdotas y sucesos, desde que recuperó su inversión desde el primer filme, que tardó más de un año en hacerse la fotografía principal, que si Spielberg y Lucas decían que eran unos libros que eran imposible de filmarse y un largo etcétera que no demeritarán su logro: El Señor de los Anillos será vista por muchas décadas más gracias a sus valores universales.

El Gran Pez (Big Fish, 2003) de Tim Burton es una puesta al día del mito de Munchausen, el hijo de un hombre moribundo trata de recrear la verdadera historia de la vida de su padre, que este ha aderezado con gigantes, brujas, hombres lobo y un largo etcétera, para mostrarnos que si la realidad es aburrida tu puedes ser capaz de crear la tuya, a ver también con pañuelo.

De Gore Verbinski y de la casa Disney aparece Piratas del Caribe: La Maldición del Perla Negra (Pirates of the Caribbean: The Curse of the Black Pearl, 2003). Esta película tiene una génesis curiosa, la Disney empezó a realizar películas basadas en las atracciones de su parque temático y los Piratas era una de estas con un éxito realmente inesperado, y es que el romance entre Will Turner (Orlando Bloom) y Elizabeth Swann (Keira Knightley) apoyados por el pirata Jack Sparrow (Un sensacional Johnny Depp) nos brindó una serie de aventuras sobrenaturales y de capa y espada realmente entretenida (aquí vemos quizás uno de los mejores duelos de

espada jamás filmados entre Jack y William en una herrería). Esta pronto se convirtió en serie con dos secuelas un poco menos afortunadas: El cofre de la muerte (Dead man’s chest, 2006) y En el fin del mundo (At world’s end, 2007) pero no por eso menos emocionantes.

También de Disney nos llega: Las Crónicas de Narnia: El León, la Bruja y el Ropero (The Chronicles of Narnia: The Lion, The Witch and the Wardrobe, 2005) de Andrew Adamson, correcta adaptación de la novela homónima de C. S. Lewis que amenaza también con convertirse en serie (bueno, en realidad Lewis escribió varios libros, así que se justifica).

De Jim Henson’s Productions y dirigida por el ilustrador Dave McKean apareció Mirrormask (ídem, 2005), una alucinante y delirante fantasía que originalmente sería una secuela de Laberinto, en esta, una adolescente deberá viajar a un reino mágico para encontrar la cura a la enfermedad de su madre, que en esa realidad es la reina. Las ilustraciones de McKean cobran vida y aunque la trama es muy elemental y predecible es una pieza de arte que vale mucho la pena ver, desafortunadamente esta solo apareció en DVD y en unas pocas salas de arte.

Eragon (ídem, 2006) de Stefen Frangmeier adapta la exitosa novela del mismo título de Christopher Paolini que según cuenta la leyenda empezó a escribirla a los 15 años… y eso se nota, con perdón para mis lectores adolescentes de los cuales no dudo haya mentes creativas, pero Eragon es la misma trama de Star Wars solo que ambientada en un mundo de fantasía medieval: tenemos un héroe huérfano que lo adopta su tío, un villano muy malo, un reino sometido, un maestro jedi (perdón, mago) que ayuda al héroe quien finalmente destruye al mal montado en su X-Wing, ¡oopss!, su dragón. Un desperdicio de recursos y de buenos actores se dan cita en uno de los fiascos más sonados de la historia, por fortuna no se realizarán las secuelas.

De ese mismo año nuestro compatriota Guillermo del Toro nos presentó El Laberinto del Fauno (ídem, 2006), una bellísima película en donde una niña crea un mundo de fantasía para poder evadir una realidad terrible (la guerra civil española y el tener que soportar a su nuevo padrastro, un perverso militar), aclamada por la crítica y por buena parte del público (hay quienes no la entendieron y la rechazaron al no captar la sutileza del director), no podemos dejar de admirar su inteligencia, y sobre todo su sutil belleza y elegancia.

En el 2007 destacan El misterio de la estrella (Stardust, premio a la peor traducción) de Matthew Vaughn adaptando la novela homónima de Neil Gaiman, simpática adaptación que pierde mucho de la poesía del original pero visual y actoralmente maravillosa (Robert de Niro se lleva las palmas, nunca lo volveré a ver igual), en esta Tristan Thorn (Charlie Cox) le promete a la chica más bella de su pueblo traerle una estrella fugaz si se casa con él, para esto, la estrella ha caído detrás de un muro que divide a nuestro mundo de uno en donde la magia, los unicornios, las brujas y demás criaturas son reales. Más cercana a El Pirata y la Princesa que a El Señor de los Anillos, Stardust es una maravillosa producción con

un desfachatado sentido del humor (se nota la vena inglesa de Gaiman) que vale la pena verla más de una vez.

Termino comentando La Brújula Dorada (The Golden Compass, 2007) de Chris Weitz que inicia una trilogía en donde en una realidad alterna de tipo victoriana las personas charlan con sus tótems animales y combaten a la religión organizada, polémica, sobre todo por tratarse de un filme dirigido a un público infantil, es sin embargo un filme altamente complejo que apela al conocimiento y la razón humana como la magia más importante que podamos tener, obviamente varios círculos religiosos la condenaron.

Se me quedan en el ordenador varios títulos como Los seis Signos de la luz, Beowulf, Spiderwick y varias más recientes, pero valga este “breve” recuento como un intento de enlistar las películas más representativas de un género que parece ser tiene mucho más que dar aún, por que a fin de cuentas, el cine es en donde buscamos evadirnos de la realidad, es en donde podemos ser héroes y sentir la magia de una manera más palpable, a través de esa luz mágica que sale del proyector.

POR VICO En sueños, escucha algo parecido a voces, no entiende que dicen; solo siente el apremio con que se emiten cada noche, repitiéndose sin descanso. Imágenes confusas, paisajes, lugares, personas, que de alguna forma le son familiares, conocidos.

Las voces persisten, cada vez más claras, le inquietan, una parte de si, profunda casi enterrada, fuera de lo consciente, comienza a moverse, agitando partes casi en el olvido.

Teme dormir, soñar y encontrar de nuevo aquello que le angustia, imágenes oscuras, una realidad que no quiere reconocer; cientos, miles de hombres en batallas sin fin, muerte, violencia.

Las voces más claras, un idioma que de alguna forma él sabe que es un llamado, la invocación; un deber ha de ser cumplido, recuerda que siempre ha sido así, sabe que así siempre será. “¡¡Ereköse, te necesitamos!!”

Por fin, el llamado se realiza, sin posibilidad alguna de ignorarlo, ha de atender, es su deber; invocado por quien le necesita. Él es quien Las Fuerzas han designado para tal empresa, forjaron su destino, así habrá de ser por los eones.

Cansado de ello, la memoria regresa, las miles de batallas que se antojan una sola sin fin, eterna y sin sentido; una que es todas.

Cansado esta, pero sabe que solo portar su armadura y empuñar su espada nuevamente, dejara de estarlo. La incomodidad, el cansancio le abandonara; fue concebido en y para la batalla, es su vida, su destino. Lo acepta de mala gana, no importa qué lado le llame, El Orden o El Caos, el ha de cumplir.

Cuando despierte ya estará de nuevo en marcha, no sabe quien será esta vez, si alguien lo ama, si alguna vez regresara, si algún día encontrara la paz….

Dentro del género fantástico, la figura del Campeón Eterno, idea-concepto nacido de la imaginación de Michael Moorcock; resume a todos los héroes conocidos y por conocer; el es todos y uno, quien presenta las cualidades clásicas de todo aquel que se pueda nombrar como tal. Solo que Moorcock le da un giro al perfil clásico, sus héroes no desean serlo, son obligados, no desean ser lo que son y por ello vive atormentado por los recuerdos de todas sus encarnaciones.

Es un héroe, sí; dentro de un juego entre El Orden y El Caos, un peón que bien sirve a uno u otro bando, por mantener el equilibrio, que si se rompe ha de terminar con la existencia del plano donde se da el nuevo conflicto. No puede rebelarse, no puede dejar de actuar, para ello fue concebido y debe cumplir; solo tiene la última promesa de que algún día podrá recobrar su libertad y por ende, la paz.

El Caos y El Orden, en eterna pugna, difieren del clásico concepto del bien y el mal, en que deben enfrentarse en busca de un equilibrio, sin el cual la destrucción seria total; no, El Orden o El Caos no ganaran uno sobre el otro y ambos pueden ser tan salvajes como justos y tener la razón o no.

Como en la vida real.

Un juego eterno dentro del Multiverso, otro concepto de la autoría de Moorcock no menos apasionante, donde hay infinidad de planos de planos existenciales y variables de la realidad que conocemos, en estos podemos encontrar grupos que vaticinan, profetizan la llegada de ese Campeón quien les dirigirá para lograr esa parte del equilibrio que les corresponde, sin saber que forman parte de ese juego, pues ellos también forman parte de ese juego; infinidad de realidades donde gobierna una u otra fuerza, haciendo valer su condición y en las que el Campeón Eterno es conocido por diferentes nombres, siendo en esencia, el mismo.

El héroe atormentado que no es dueño de su destino, que no descansa por servir a los demás, un héroe forzado y consciente de ello; un héroe que porta muchos nombres como tantas realidades visite. Mientras, ha de vestir y portar mantos y espadas del Campeón Eterno, una vez más.

Elric es el último monarca del Reino de Melnibone y el personaje más conocido de Moorcock y que encarna perfectamente al héroe atormentado e infeliz. Es una de las encarnaciones del Campeón Eterno y se caracteriza por ser una persona cuya condición física y mental le aleja del tradicional perfil del héroe.

Elric es albino, su piel tan blanca que fue nombrado el Lobo Blanco; los ojos escarlata, y de facciones agudas, casi femeninas y un cuerpo nada atlético, más bien escuálido que debe mantener de pie por medio de unos brebajes místicos que el mismo ha de preparar, que le dan esa vitalidad necesaria para pasar un día mas entre los vivos. Es el último de su linaje, y disputa el trono de Melnibone con su primo, Yyrkon; con quien además también es rival por el amor de Cymorril, en un triangulo incestuoso que no nos ha de ocupar ahora.

Es un sirviente del Caos como casi todos en su familia, y tiene contacto con un demonio llamado Ariocco, ante lo cual no queda claro quién sirve a quien; pues muchas veces cada favor que pide exige a cambio condiciones muy ambiguas.

Es Ariocco quien le muestra cómo conseguir una de las Espadas Oscuras, La Tormentosa, cuyo filo tiene la particularidad de más que cortar carne y hueso, robar el alma del enemigo con tan solo el más simple de los roces con la hoja. Esta energía robada se incorpora a Elric de tal modo que deja de depender de sus brebajes y se vuelve “adicto” al nuevo brío que le proporciona La Tormentosa.

Así Elric habrá de existir, y como los demás con quien comparte destino, sujetarse a los designios de su destino, que no le complace ni anima; atormentado, solitario; quien se embarca en una travesía por los Reinos Jóvenes, en busca de esa tranquilidad que de tan indefinida, podría no existir. ¿Héroe, antihéroe? Quizá, pero el más carismático y complejo de las personajes que Michael Moorcock creó para narrar sus aventuras en una de las posibilidades del Multiverso; y se dice también como antítesis de los personajes que antes reinaban y eran prototipos aceptados, como el Conan de Howard; alto, de músculos impresionantes y poca o casi nada de inteligencia, que permitió después que otro tipo de héroes apareciera dentro del género. Niños, animales y mujeres, que antes solo eran personajes de soporte.

Nacido un 18 de Diciembre de 1939, en Inglaterra; Michael John Moorcock es un autor dentro del género fantástico que es poco o nada conocido en nuestro país, pero que en los años ‘60s inicio desde las páginas de la revista “New Worlds” un movimiento que estremecería los cimientos de la literatura de Ficción y tal vez de la literatura en general.

Sus personajes más conocidos son aquellos que comparten el destino del Campeón Eterno, destacando por mucho el albino monarca de Melnibone, Elric de quien ya se habla en este articulo y que nace siendo la contraparte de los clásicos estereotipos del héroe todo poderoso y filántropo.

Cofundador de “The Science Fiction and Fantasy Writers of America” (SFWA) junto a otros famosos creadores de lo fantástico; este año 2008, será nombrado el 25º Gran Maestro Damon Knight, por la obra de toda una vida de contribuciones a los géneros de la Ciencia Ficción y la Fantasía. Otros Grandes Maestros son: Fritz Leiber (1981), Isaac Asimov (1986), Ray Bradbury (1988) y Harlan Ellison (2006) entre otras grandes plumas de lo fantástico.

El estilo de Moorcock es de cierta sencillez y belleza, muy moderna, que atrapa al lector desde las primeras líneas, toda su obra destila ese amor por la aventura y la acción que hará las delicias de cualquier lector que busque emociones y una lectura inteligente y no le tema a las ideas, conceptos lejanos a los clásicos y conocidos.

POR BANDACONP

D

eja que te cuente lector, de la época después en que las aguas devoraron a la Atlántida, pero antes de la historia escrita, una época de reinos enjoyados, y antiguas usanzas, de la época dorada de Aquilonia con sus palacios de oro, la misteriosa y profunda Ofir, de los poderosos reinos de Zamora, Semitas, Koth, Britania, Nemedia y Cimeria, lugar de origen de aquel que vino a aplastar los reinos enjoyados, a matar serpientes y a conquistar su reino por propia mano.

Déjame que te cuente de la época de las grandes aventuras, de cómo el continente se encontraba dividido en reinos fundados por los invasores del norte, los hiborianos, 3 mil años antes, sobre las ruinas del diabólico imperio Aqueron.

Al sur se encontraban las belicosas ciudades-estado de Shem, y mas allá se encontraba el antiguo y misterioso reino de Estigia, rival y compañero de Aqueron, en los últimos días de su sangrienta gloria.

En el sur se encontraban los reinos negros, al norte las tierras bárbaras de Cimeria, Hiperbórea, Vanaheim y Aesgard, al oeste, a lo largo del vasto mar se encuentran los feroces pictos, al este relucían los reinos de hirkania, de los cuales el más poderoso es Turan.

En este mundo surgió un bárbaro de cabellera negra, de mirar profundo, que vagabundeó, alborotó, y combatió por la mitad de este mundo, su nombre fue Conan, hijo de un herrero que habitaba en la desolada y atrasada tierra del norte de Cimeria, nació en medio de un campo de batalla.

Cuando era joven participó en el saqueo de Venarium, puesto fronterizo Aquilonio, posteriormente se unió a una banda de Asir, fue capturado en una incursión dentro de Hiperbórea.

Escapando de la esclavitud en Hiperbórea, vagó hacia el sur hasta el reino de Zamora. Por varios años, llevó una vida precaria como ladrón, ahí en las tierras de Corintia y Nemedia, inexperto ante la civilización y bastante ingobernable por naturaleza, resolvió su falta de sutileza y sofisticación con su sagacidad natural y con el físico hercúleo heredado de su padre.

Cansado de su vida por demás indigente se enlista como soldado mercenario en los ejércitos de Turan. Durante los dos años siguientes viajó mucho al este hasta las fabulosas tierras de Meru y Kitai. Además refinó sus habilidades para el tiro con arco y para montar caballos, los cuales le habían sido indiferentes antes de unirse con el ejercito turaniano.

Después de pelearse con un oficial superior, Conan abandona Turán, después de un frustrado intento de cazar tesoros en Zamora de una breve visita a su nativa Cimeria, emprendió la carrera de soldado mercenario en los reinos Hiboreos.

Los hechos violentos en este reino lo vuelve pirata al lado de Belit, sangrando toda la costa de Kush, con una tripulación de corsarios negros, por su fiereza fue llamado por los nativos Amra, el león.

La poderosa reina pirata Belit se convierte en su amante, y por esto y las envidias de otros bucaneros Belit es asesinada con lo que Conan abandona a los corsarios negros volviéndose líder de los Kozaks, una horda de renegados que rondaban las estepas entre las tierras Hiboreas y Turan. Fue capitán de un barco pirata en el gran mar interior de Vilayet y jefe entre los Zuagiros nómadas de los desiertos del sureste.

Tras un breve periodo como capitán mercenario en el ejercito del rey de Iranistan, Conan llegó al pie de las montañas Himelianas, una vasta extensión de campo accidentado que separa a Irinestan y a Turan del reino tropical de Vendia.

Trató sin éxito de reunir a las feroces tribus de que habitaban al pie de esas montañas por lo que regresa al oeste y pasó otro tiempo como soldado de Kot y Argos. Durante este periodo se vuelve vice gobernante de la ciudad de Tombalku, en el desierto, entonces regreso al mar primero como pirata de las islas Baraca, luego como capitán de un navío de los bucaneros zingaranos.

Cuando unos rivales hundieron su barco Conan sirve como mercenario en Estigia y entre los reinos negros. Luego vagabundeo hacia el norte hasta Aquilonia, volviéndose explorador de la frontera picta, cuando los pictos con la ayuda del hechicero Zogar Sag, atacaron las poblaciones aquilonias, volviéndose este su aventura más dramática ya que casi estuvo a punto de morir a manos de los pictos, y sin poder salvar el fuerte Tuscelan pero salvando a algunos colonos entre los ríos Trueno y Negro, las fronteras de Aquilonia jamás volvieron a llegar mas allá del rio negro, ya que este ataque diezmó seriamente el deseo de expansión de Aquilonia.

Motivados con este triunfo los pictos desearon invadir Aquilonia, incursión que fracasó ya que Conan se volvió comandante del ejército Aquilonia y aplasto la invasión picta, con su fama y logros al máximo fue llevado con engaños a la capital de Aquilonia donde el receloso rey Numédides lo encarcela por envidia y temor.

Conan escapa de Aquilonia para volver a combatir contra los pictos por el tesoro de Tranicos, batalla que pierde pero es rescatado por rebeldes aquilianos que le piden les ayude para arrebatarle el trono al demente rey Numédides.

Tras una larga batalla por conquista Conan mata al rey Numédides en su propio trono, convirtiéndose a sus cuarenta años en rey del reino más poderoso de Hiborea.

Pronto descubré Conan que ser rey no es un lecho de rosas, un grupo de nobles inconformes con su reinado casi lo matan y por un ardid de los reyes de Ofir y Kot cae en una trampa en donde lo encarcelan a fin de tener vía libre para conquistar Aquilonia, pero escapa con la ayuda de un compañero de celda, un mago que lo lleva a retomar su trono.

Posteriormente, grupos rivales se unen para invocar a la momia Xaltotum, un mago aquerontio muerto milenios antes para que los ayude en su empresa. Conan es vencido y desterrado por poco tiempo ya que regresa para retomar el trono y aplastar a sus rivales.

Después de esto decide tomar a una reina, esta fue Zenobia, una esclava que salvó su vida cuando estuvo prisionero en un calabozo bajo el palacio del rey Tarascus de Nemedia. Discretamente acaba en el harem de concubinas y se entrega a los placeres y dolores del matrimonio, pero un hechicero de Kitai secuestra a Zenobia forzando a Conan a viajar medio mundo para recuperarla.

Los años pasan y Zenobia le da un heredero llamado Conan también pero conocido por todos como Conn, los años empezaban a pesar en los hombros de Conan, al morir Zenobia se percata de esto y deja el trono en los fuertes y capaces hombros de su hijo y él decide volver a vagar, en donde desaparece para siempre de la historia de la humanidad.

Y así reclama su lugar entre las leyendas de las brumas del tiempo.

POR IGNACIO LORANCA.

L

a cita fue en un conocido restaurante del centro histórico de la ciudad de México, la primera impresión que me dieron Raúl Vázquez y Trixia Merlina de la productora Red Dragon Films fue realmente de sorpresa, ambos son muy jóvenes, ella para ser la diseñadora de vestuario de una película de gran envergadura y él para ser el productor; debido a la hora en que nos encontramos (las cinco de la tarde) y a que se trataba además de semana santa el lugar estaba a reventar, así que decidimos salir al atrio de la iglesia de San Francisco (muy acordes a la fecha) para realizar la entrevista.

Ambos son muy amables y simpáticos, Trixia con su pelo color rosa hacía juego con las flores del atrio y Raúl se sentó frente a mí en el suelo como yo suelo hacerlo ocasionalmente. A mí me acompañaba Vicente Cabrera, nuestro diseñador y editor, una vez hechas las presentaciones

decidimos iniciar la entrevista en forma, obviamente la pregunta inicial fue sobre que cosa es Ángel Caído...

“Mira – inicia Raúl – Ángel Caído es todo un concepto multimedia, tenemos un comic, una novela y nuestro broche de oro es la película que, curiosamente, es la segunda parte de una trilogía.”

“La historia trata de un muchacho llamado Liut (interpretado en dos edades diferentes por los hermanos Sebastián y Emiliano Zurita, hijos del gran actor Humberto Zurita quienes hacen su debut cinematográfico con esta película) quien además de ser un huérfano estudiante de la universidad es un “Sephiro”, un ser mitad humano y mitad Ángel que se verá en medio de una conflagración entre ángeles caídos liderados por Satanás (Carlos Cacho, actor ganador del premio al mejor actor Nacional de Teatro en Guadalajara) contra los mismos ángeles.”

“Liut jugará un papel muy importante ya que él es el heredero de una llave que evitará que Satanás entre de nuevo a la Tierra.”

“La película se ubica en una época atemporal, lo mismo veremos escenarios modernos como de tipo medieval y colonial, nuestro héroe vive en un monasterio (El monte Angeluz en Grecia) y observará todo a través de flashbacks, aunque todas las locaciones que se utilizaron son mexicanas, la película se filmó en lugares tan disímbolos como La Paz en Baja California, Guadalajara, Aguascalientes, Durango, y Coahuila entre otros lugares.”

El viento empieza a soplar poco a poco y parece que hará frio, pero estamos tan emocionados de conocer el proyecto que apenas lo notamos, la torre Latinoamericana que está a nuestro lado parece escuchar atentamente nuestra conversación, lo mismo que una señora que se ha sentado al lado de nuestra banca.

Una vez enterados de que va la película surge una pregunta inevitable en nuestro país: ¿Qué tan difícil es hacer una película como esta en México?, Tanto Trixia como Raúl levantan la mirada, se ven algo exhaustos, en cierta forma esperaba esa respuesta… “¡Pufff, muchísimo! – Me dice Raúl – Arturo (Arturo Anaya, el director de la película y creador de todo el concepto de Ángel Caído) tuvo que vender su casa, carros y varias pertenencias para poder financiar la película; en general es una película que ha costado mucho

esfuerzo, al ser jóvenes (el mismo Arturo tiene veintiocho años, al igual que Raúl) no se nos toma muy en serio, ni de parte de las distribuidoras ni de las productoras, la mayoría de la gente involucrada en la película tiene en promedio 25 años, menos Trixia, quien tiene veinte nueve – bromea Raúl, Trixia lo mira feo y me aclara que en realidad tiene apenas veintitrés-.”

“Sin embargo pensamos que si se puede ser profeta en tu tierra aunque no es nada fácil, el cine es un círculo muy cerrado y pequeño, se batalla mucho para hacer que la gente crea en el proyecto a pesar de que en México ya tenemos la tecnología para hacer una producción decorosa.” “Ángel Caído costó aproximadamente unos tres millones de dólares, a diferencia de una producción norteamericana de este tipo que rebasa actualmente los cien millones, esta cantidad se fue recaudando poco a poco aunque hubo un par de ocasiones en la que tuvimos que detener la producción.”

Ya que andamos hablando de esto pasamos entonces a detalles técnicos acerca de la realización, el viento ya empieza a despeinarnos.

“Meta-Cube es la empresa que se encargó de realizar los efectos especiales, el último conteo nos reveló que nuestra película cuenta con más de cuatrocientos efectos especiales (rompiéndole el record a Kilómetro 31 como la película con más efectos hecha en México), un treinta por ciento

de la película está filmada en green screen (Pantalla verde) en un foro de 180º en Aguascalientes, ahí se filmaron las batallas que se verán realmente épicas. Fue muy interesante y divertido, especialmente para los cincuenta chavos que interpretaron a los guerreros, eran la mitad ángeles y la otra mitad caídos.”

“Van a ver en la película un flashback de lo que será la siguiente película, va a haber batallas aéreas (no muchas por que apenas estamos probando la tecnología) y hasta donde sabemos vamos a realizar el primer motion caption en México (esta es la tecnología de atrapar en computadora movimientos humanos para después trabajar sobre ellos, es la tecnología que se usó para Gollum en El Señor de los Anillos y que es heredera del rotoscopio) un poco más adelante, pues aunque ya se terminó de filmar la película vamos a realizar un “retake.”

Una pregunta asalta a mi compañero Vicente: ¿Por qué iniciar una trilogía con el segundo capítulo? “¡Por que esta parte es más barata de realizar, ja!, así que si esta tiene éxito podremos posteriormente realizar la siguiente, pero no se preocupen, entenderán todo lo que está ocurriendo, además, también tenemos el comic que nos expandirá el universo de Ángel Caído.”

Le preguntamos acerca del comic y sobre si este será una adaptación de la película: “No, es una precuela de la película, es una mini serie de unos nueve números escrita por Francisco Espinoza y te va a explicar la mitología de la película, sabremos también por que Luzbel se rebeló entre muchas otras cosas. Esperemos que el comic ya esté a la venta por estos días, se va a distribuir por toda la República por Editorial Vid. El comic será parte de la estrategia “multimedia” que Red Dragon Films tiene para promover la película, pero también habrá mas cosas, “Vamos a sacar una línea de peluches también – Nos comenta Trixia – Yo los diseñé, vamos a sacar a los siete arcángeles que verán en el comic”. Inclusive me comentan que están en pláticas para lanzar un juego de tarjetas similares a las de Magic.

Y ya que mencionaron los peluches aprovecho para preguntarle a Trixia como fue el proceso de la realización del vestuario: “Fue muy emocionante me dice mientras se acomoda su rosada cabellera que el viento empieza a revolotear, tienes que revisar todas tus influencias, en mi caso fueron muchas, me puse a ver muchas de mis películas favoritas (De Penny Rose, el vestuario de Piratas del Caribe, de Corazón Valiente y obviamente el trabajo de Lila Dixon en El Señor de los Anillos entre muchas otras), veía las formas y texturas, fue mucha experimentación y muy divertido el trabajar con los chicos del departamento de arte que diseñaban las armaduras, las armas y demás parafernalia.”

“Diseñar el vestuario de los “buenos” fue más difícil ya que todo en ellos era muy limpio, fue más divertido diseñar a los “malos”, podía jugar con los materiales y aventurarme más, incluso quemé una capa para el personaje de Atalus (Alejandro Durán) que es un demonio, él me ayudaba, se revolcaba en los charcos de lodo y todo ese rollo.”

“Utilizamos muchos materiales también: Razos, algodones teñidos y chiffones para los “buenos”, para los caídos usamos manto de cielo y también algodones; las armaduras eran de fibra de vidrio, ar-

mas de resina y de madera, fue muy interesante combinar las telas con todo ese material. Pero es bastante trabajo de todas formas, había vestuario que se rediseñaba cada tres meses porque cuando terminabas algo otro departamento ya lo había mejorado y al igualarlo y mejorarlo uno otro departamento ya lo había vuelto a mejorar.” ¿Te imaginaste algún día hacer un vestuario así? Le pregunto.

“Desde niña me gustaba ver películas como Las nieblas de Ávalon, Excálibur o las diferentes versiones de Juana de Arco y me di cuenta que yo quería hacer algo así, creo que el vestuario de esta película me lo mandaron a mi, era algo que estaba esperando, yo ya había pre visualizado algunos personajes que fueron apareciendo poco a poco, ahorita ya tengo en mente el vestuario de Lilith para la siguiente película.”

“Me atrae diseñar cosas históricas – me dice al preguntarle sobre que otros géneros le gustaría diseñar -, cosas como de la Segunda Guerra Mundial (ríe), no, más bien como de la época de las Cruzadas, lo medieval, pero me gustan mucho los personajes extraños, en esta película realizo el diseño de un ser celestial que es glamoroso y hay un principado malvado en contraste, con los personajes extraños tienes más libertad y te puedes explayar.“

“En el comic hay un personaje, Vaal, cuando lo hagamos vamos a jugar con latex y con más materiales que ya no son textiles.”

“El latex se utiliza mucho, quien lo maneja es Alain de la Mora y que yo lo odiaba por que a todo le ponía latex, pero la verdad lo admiro por que además es un excelente maquillista, yo aprendí mucho de él y me gustó trabajar con el latex, aunque es apestosísimo. Alain trabajaba mucho, él diseñaba personajes. Hubo una caracterización de Satanás que empezó a las cuatro de la mañana y que terminó como hasta las cuatro de la tarde, ¡casi doce horas! Los actores y extras fueron maravillosos, había muchos que estaban las veinticuatro horas sin poderse quitar el maquillaje y las armaduras.”

A la altura de la entrevista el aire empieza a soplar bastante fuerte y se quiere volar las hojas en las que estoy tomando notas, aún así hay todavía mucho que comentar, como por ejemplo, el trabajo de los actores, de manera más específica Humberto Zurita y José Alonso.

“Humberto quedó muy impactado desde el principio – me comenta Raúl -, en cuanto conoció el proyecto quiso estar en la película. Él es muy profesional, puntual, interpreta a Caín.”

“Al ver la carpeta dijo que siempre había querido hacer a ese personaje” – me dice Trixia -. “Él creyó en el proyecto – continúa Raúl -, incluso nos guió sobre como conseguir dinero para el proyecto. Por su parte, José Alonso fue también extraordinario, es un tipazo con mucha experiencia, fue de gran

ayuda para los chavos que están iniciándose en la actuación, hablaba con Emiliano y lo guiaba, es muy entregado a su trabajo, vamos a ver como su personaje envejece de manera muy creíble” “Inclusive – nos dice Trixia – movía las manos como descontrolándose, se concentra en su interpretación, realmente se convierte en un viejito, es sensacional”.

“Humberto y Pepe han apoyado mucho al proyecto – continúa Raúl –.

En el set siempre hay mucho estress y Pepe bromeaba relajando la tensión, él hace a Angus, que es como una versión del bien.”

“Otro magnífico actor es Alejandro Durán, que como ya dijimos hace a Atalus, un demonio, su personaje es el opuesto al de Pepe, es otra perspectiva, otra visión, la de los “malos”. En el comic verán que su posición, se trata de que los lectores se formen su propio juicio, que tengas la idea de ¿A quién le vas?”.

El viento ya está insoportable, así que decidimos tomarnos unas fotos con ellos y con esta idea de ver “¿A quien le vamos?” nos despedimos esperando el estreno de esta súper producción que veremos hasta el 2009, una nueva propuesta en el cine mexicano que esperamos tenga un éxito épico, estos chicos de Red Dragon Films se lo merecen y nosotros como público, también.

Una y solo una bolita roja de plástico usaba el gran Hermelando, mago ilusionista, prestidigitador y payaso del circo “Armonía”. Sin embargo, el truco ya parecía un algo gastado. ¿Qué atractivo había en meter la bolita roja por el bolso izquierdo de su pantalón y sacarlo por el bolso derecho? (mostrando previamente que ambas bolsas estaban vacías, obvio.)

Inclusive, en cierta ocasión lo abuchearon, así que empezó a experimentar con otras cosas: relojes, anteojos, carteras, en fin, lo que fuera necesario para dar variedad y credibilidad a su acto.

Y, “lo que fuera” era exactamente lo que hizo la última vez: lo retaron durante una función en el circo a que no podría hacer el truco con un tigre.

- No –Respondió el gran Hermelando -, un tigre es muy peligroso.

Nada más terminó de decir lo anterior y empezaron a abuchearlo, así que para molestarlo le ofrecieron un perro, un oso y hasta un caballo.

Sin embargo, Hermelando optó por un elefante.

El publicó estalló en risas y carcajadas mientras Hermelando permaneció quieto, encogió los hombros con indiferencia y esperó a que el domador de bestias salvajes trajera un paquidermo. Éste trajo consigo a “Paquito”, el más pesado de sus elefantes.

Hermelando se acercó a Paquito sin mayor preocupación y metiendo primero un cacahuate como carnada hizo que el elefante introdujera su trompa en su bolsillo izquierdo.

El público aplaudió sorprendido, el elefante empezó a introducirse en el pantalón de Hermelando, poco a poco hasta que finalmente desapareció de la vista de todos sin abultar el frente del pantalón del mago (hubiera sido algo muy vergonzoso).

Pocos segundos después asomó la trompa de Paquito de su bolso derecho y en menos de un minuto salió del pantalón. Paquito salió corriendo del escenario totalmente desconcertado y Hermelando aceptó el aplauso flemáticamente poco antes de abandonar la pista principal del circo.

En su camerino, Hermelando se quitó los pantalones y los extendió en una silla con delicadeza; se metió a la regadera y empezó a bañarse despreocupadamente.

Mientras tanto, el domador de elefantes se acercó silenciosamente a revisar los pantalones, ¡tenía que descubrir el secreto!

Revisó el bolso izquierdo y con el dedo índice descubrió un pequeño agujero, introdujo a fondo el dedo y entonces el agujero lo absorbió. Para el pobre domador la realidad empezó a alterarse, sintió que se estiraba indefinidamente y después sintió que empezaba a descomponerse en miles, millones de moléculas.

Vio frente a él una brillante luz que lo cegó levemente. “No vayas a la luz, no vayas a la luz”, se repetía como mantra recordando los consejos que una vez un fundamentalista le había dicho. Sin embargo, no tenía control de sí y la luz lo jaló irremediablemente.

Ya casi iba a perder el sentido, y en menos de lo que se dio cuenta, salió por el bolsillo derecho del pantalón.

El hombre estaba sorprendido mientras trataba de incorporarse del piso, pero se sorprendió aún más al ver a Hermelando frente a él empuñando una pistola.

- E-e-es un agujero negro! –Dijo el domador -.

- Un agujero cósmico de gusano – Corrigió el mago -.

- Pe-pe-pero… –Titubeaba el domador sin comprender porque lo apuntaba con el arma.

- Lo siento –Agregó Hermelando -, pero un buen mago nunca revela sus secretos.

Y sin decir nada más, el mago disparó dos secas balas.

BATMAN E HIJO Grupo Editorial Vid Historia: Grant Morrison Arte: Andy Kubert Hace poco más de 20 años, DC Comics publicó una novela gráfica titulada Son of the Demon, en la que el terrorista ecológico Ra’s Al Ghul y Batman cruzan caminos en la búsqueda del asesino de un prominente científico en Ciudad Gótica. En esa historia, Batman y Talia, la hija de Ra’s Al Ghul procrean un hijo, mismo que es dado en adopción por la madre al final de la novela, sin que Batman tuviera conocimiento de ello. Pero se opto porque esta historia quedara fuera de la continuidad de la editorial. Ósea que se consideraba como que nunca paso.

Pero hace dos años, el escritor Grant Morrison trajo de vuelta al pequeño bastardo, con todo y su madre, a la línea argumental actual. Y así es como llegamos a este arco narrativo de 4 números.

En donde Batman no solo tiene que lidiar con el hecho de ser padre, sino que además Damian (que fue entrenado por la liga de asesinos de su abuelo desde pequeño y siente celos por Robin), queda a su cuidado. Mientras Talia se encuentra continuando el legado de Ra’s Al Ghul, al secuestrar a la esposa del primer ministro inglés.

Pero que bonita familia. -Vicente Cabrera.

PLANETA HULK Marvel/Televisa Historia: Greg Pak Arte: Carlo Pagulayan Editorial Televisa publica una de las sagas más interesantes del Goliat esmeralda llamada Planeta Hulk, y que explica el por qué este monstruo no estuvo presente en los sucesos de la Guerra Civil.

Engañado por los héroes que conforman a los Illuminati (Reed Richards, Iron Man, Dr. Strange, Blackbolt y Charles Xavier), Hulk es exiliado al espacio, con la intención de que habitara un planeta desolado donde no pudiera lastimar a ningún ser vivo. Pero las cosas no resultan como se esperaban y colisiona en Sakaar, donde es convertido en esclavo y posteriormente entrenado como gladiador.

Y es en este mundo donde Hulk ha encontrado cierto placer en lo que hace y encontrado la camaradería en otros gladiadores con quienes ha formado una alianza.

Pero gracias a sus victorias y fortaleza, se ha convertido una amenaza para el Rey Rojo, ya que ha inspirado a los rebeldes, quienes lo ven como el mítico personaje del que hablan sus profecías.

Pero lo único que él quiere, es volver a la Tierra, y cobrar venganza contra aquellos que lo exiliaron.

Esta es la historia de la cicatriz verde. Del ojo de la furia. Del destructor de mundos. Esta es la historia de Hulk. -Vicente Cabrera

LAS CRÓNICAS DE SPIDERWICK Dir. Mark Waters Con: Freddie Highmore, Nick Nolte y Martin Short.

Si te gustan los seres fantásticos, la magia y la diversión, no te puedes perder esta película que relata la historia de unos gemelos que se mudan con su familia a una vieja casona alejada de la civilización.

Jared, uno de los gemelos, comienza a notar que suceden cosas raras en la casa y decide investigar pero, ¡pobre! no sabe lo que le espera al descubrir y leer un libro que escribió su tio Arthur Spiderwick acerca de la naturaleza y las criaturas místicas que habitan el mundo, esa información

JUMPER Dir. Doug Liman Con: Hayden Christensen, Samuel L. Jackson y Jamie Bell.

Jumper es una película palomera, cuyo nivel de entretenimiento es aceptable, con la pretensión de volverse una franquicia (es eso o los agujeros argumentales quedaran como tales), pues hay muchas preguntas sin respuesta y hay quienes la etiquetaban como la “nueva Matrix”.

Básicamente la trama gira en David (Hayden Christensen, con una actuación de flojera), quien es un Jumper, un tipo con el poder de teletransportarse a cualquier parte del mundo con solo pensarlo, y que de pronto es cazado por unos sujetos llamados Paladines (liderados por Jackson), quienes ven esto como una aberración de la naturaleza.

en manos equivocadas podría ser un peligro potencial para el mundo. Jared pronto descubre que hay seres mágicos que lo ayudarán a proteger el libro, pero también conoce el lado oscuro de la vida fantástica.

Descubre entre miel, salsa de tomate y ¡pájaros, pájaros! la aventura que vive Jared con su familia para acabar con los enemigos y salvar el libro.

Así que es una garantía que la diversión esta asegurada… ¡La tienes que ver! -Ixchel Romero.

La idea del “saltador en el espacio - tiempo” no es una novedad en la ciencia ficción literaria. Pero curiosamente es hasta ahora que se le dedica una película al tema con tanto presupuesto. Sí, mucha gente toma como referencia al Nightcrawler de los X-Men (incluso mencionan a Marvel Comics en un momento de la película), pero no traten de descubrir el hilo negro. Ese poder tiene antecedentes más antiguos.

Aunque tiene buenas escenas de acción y momentos emocionantes, esto no sostiene una historia donde el “héroe” no aprende nada durante toda la película, y en donde el personaje secundario (Jamie Bell, el eterno Billy Elliot), que es un cazador de cazadores, tiene una actuación más destacada.

Véanla solo para pasar el rato. No les aporta nada más.

-Vicente Cabrera

SUPERMAN: DOOMSDAY Región 1 Adaptando la historia que causara furor y provocara el último gran “Boom” que ha tenido la historieta, Warner Brothers nos presenta la versión animada de la conocida en México como: La muerte de Superman, obteniendo como resultado una película irregular.

No se puede negar que el estilo minimalista que la Warner ha maneja en las animaciones basadas en los comics de DC (Batman, Aventuras de Superman, etc.) no ha sido más que atinada, aunque en este caso la trama no haya sido del agrado de todos, aquí aparece la criatura indestructible Doomsday provocando la muerte del hombre de acero, la

creación de un clon por parte de Lex Luthor para suplantar y controlar a Supermán y la subsecuente resucitación del héroe, todo esto aderezado por el romance con Lois Lane.

Vale mucho la pena, realmente, aunque para los puristas de la historia original le faltará bastante, pero sobre todo vale por el magnífico documental que más que explicar la realización de la animación nos explica como fue que se realizó esta saga en su versión en comic. Impagable para los fans del personaje y para los amantes del comic en general.

Desafortunadamente solo se consigue en región 1.

- Nash Gaarder

BEOWULF Región 4 Correcta (aunque muy libre) adaptación del clásico anónimo de la literatura feudal en donde se narra la historia de Beowulf, el matador de dragones, su enfrentamiento con Grendel, su ascenso como rey de los geatas, el enfrentamiento contra la madre de Grendel (aunque en la película es más un enfrentamiento melodramático) y con el segundo hijo de esta, modificando las relaciones entre el héroe y las criaturas fantásticas.

El guión de Neil Gaiman pretende ser tal vez un antecedente a los míticos artúricos.

El DVD de región cuatro incluye entre los extras: Los documentales: Cómo se hizo Beowulf, Los orígenes de Beowulf, La bestia de carga de Beowulf y El arte de Beowulf, escenas suprimidas, John Malkovich haciendo café (¿?) y Trailers. Una buena opción y pieza indispensable para los fans de la fantasía heroica. -Nash Gaarder

THE MIST Región 1 Basado en una historia del maestro del terror Stephen King, llamada La Niebla (pero horriblemente rebautizada en México como Sobre-natural), esta película nos cuenta la llegada de una misteriosa niebla -¿Ah que sorpresa, verdad?- a un pequeño pueblo, y con ella llega algo más…

Con esto comienza una historia sobre el valor de las personas y el modo en que cambiamos cuando nos enfrentamos a situaciones extremas; se muestra como la naturaleza del hombre cambia tan fácilmente, permitiéndonos un vistazo a lo que realmente tenemos dentro de nosotros: nuestra propia niebla, que nada mas esconde la naturaleza brutal de la raza humana.

Soberbia historia típica del maestro King, pero con un final que merece decirse que el guionista de la película (y también director, Frank Darabont) debería reescribir los finales de todos los libros del autor.

Con música de Dead Can Dance (¡Esa secuencia final!), es una verdadera delicia el ver este DVD, que en su Collector’s Edition contiene una versión de la película en blanco y negro, escenas borradas, una conversación con Stephen King y Frank Darabont, el making of… y una presentación sobre el trabajo del artista de carteles cinematográficos Drew Struzan. -Bandaconp

CONAN EL BÁRBARO Región 4 Aunque no se trata de una “novedad”, no podemos dejar de hablar de uno de los DVD’s más importantes del género fantástico: Conan el Bárbaro. Pieza fantástica en cuanto a que se trata de una de las mejores películas del género de fantasía heroica y que además de ser edición de un solo disco contiene una cantidad de extras de mucha calidad.

En esta se nos narra de manera libre la historia del Bárbaro creado por Robert E. Howard, quien es raptado de niño y vendido como esclavo para convertirse en un hombre fuerte y poderoso que se vengará de Thulsa Doom (James Earl Jones), el hombre que asesinó a sus

padres y que lo esclavizó, todo esto rodeado de brujas, magos, serpientes gigantes y épicas batallas.

Entre los extras encontramos un muy interesante documental “Detrás de las cámaras”, una secuencia de escenas eliminadas, comentario con el director y Arnold Schwarzenegger así como los trailers originales entre otros agregados.

Indispensable para tu videoteca. -Ignacio Loranca

EL CÁLCULO DE DIOS Robert J. Sawyer Ediciones B “Durante la oración es cuando experimento mis mayores dudas sobre Dios, y cuando miro a las estrellas es cuando doy el salto de fe.”

Ya podemos encontrar en México una de las novelas de ciencia ficción más importantes de los últimos tiempos: El cálculo de Dios de Robert J. Sawyer, autor canadiense de la vertiente de la Sci-fi dura, una extraordinaria novela en la cual temas tan aparentemente disímbolos como la astronomía, la biología, la paleontología y la teología se dan cita en un muy interesante cóctel filosófico.

En esta, Tom D. Jericó, un paleontólogo ateo, enfermo de cáncer recibe la visita de Hollus, un extraterrestre en forma de arácnido que también es paleontólogo quien busca pruebas de la existencia de Dios en nuestro mundo; es a través de los diálogos que estos dos personajes sostienen en que

nos vemos sumergidos en una trama que podría ser muy compleja, pero que gracias a la narrativa de Sawyer se torna en un deléite para el intelecto, no importa si uno no es erudito en estos temas, Sawyer no se olvida que está escribiendo un divertimento.

Claro que no todo es diálogos en la novela, hay una subtrama acerca de un complot de fanáticos religiosos que pretenden enseñar la “verdad cristiana” a Hollus así como de una terrible amenaza para tres mundos con vida (la Tierra y el mundo de Hollus son dos de esos mundos obviamente) que pondrá a prueba a Dios mismo en este caso.

Lectura indispensable para los aficionados al género y para todo aquel que quiera leer algo que estimule a sus neuronas. A leer sin falta. -Ignacio Loranca

LA HISTORIADORA Elizabeth Kostova Editorial Umbriel “Pero también lo lamento por ti, mi todavía desconocido amigo, porque sólo alguien que necesite una información tan horripilante leerá esta carta algún día.”

Novela que nos cuenta la fascinación que aún provoca el personaje clásico de la literatura universal, creación de Bram Stoker: Drácula, así como su difuminación con el histórico Vlad Tepes del cual gira la historia; en esta conoceremos a personajes fascinados en la historia de este legendario vampiro que a través de la narración nos llevará a lugares exóticos, castillos olvidados en medio de

leyendas, tradiciones y visiones muy diferentes del antiguo vampiro.

Veremos como la desaparición de un profesor desencadenará la búsqueda de la verdad dentro de la historia de Drácula, conoceremos la historia de Vlad Tepes, y sabremos de la posibilidad que aún deambule entre nosotros como un “no-muerto” orientándonos a un final en el que descubriremos una verdad tal vez más fantástica que la del mismo personaje de la novela original. Una revaloración de la leyenda del mito mismo. -Bandaconp

LOST Axn Lunes, 21:00 hrs.

El encanto de la serie de Sci fi, Lost, radica principalmente en la formula en que se estructuran todos sus capítulos.

En las tres primeras temporadas encontramos una buena cantidad de ideas que se antojan aleatorias, casi improvisadas y que los guionistas aplican dejando para después el preocuparse de como resolverlas; para delicia de los fanáticos de el programa.

Un elemento primordial de la serie son los flashbacks, donde podemos ver el pasado de los personajes de la serie; las conexiones secretas o directas entre ellos que dan a entender que no es simple coincidencia que estén dentro de las circunstancias de las que somos testigos; estas

secuencias retrospectivas son tan socorridas que en el capitulo final de la tercera temporada dejó a todo fan de la serie con deseos de ver la siguiente ansiosamente.

El flashback dio paso a una nueva modalidad, no solo ver el pasado de los personajes, si no también el futuro, uno donde incluso muestra que si podrán salir de la isla y las consecuencias de su experiencia en la misma.

En fin, un must see para todo fan de la fantasía y la sci fi, ahora comenzando su cuarta temporada. -Vico

DEXTER Fox Miércoles, 22:00 hrs.

No hay peor estado en el ser humano que sentirse vacio. Todo aquello que nos rodea nos tiene sin cuidado. La gente que nos rodea carece de importancia. El trabajo, la pareja, los amigos, la vida cotidiana como tal, ya no nos llena. Pero que satisfacción nos da, encontrar una pequeña distracción, un hobby si se quiere ver de esa forma, que de pronto le da un significado a nuestra existencia...

Eso es justo lo que vive Dexter Morgan, un forense del departamento de policía de Miami, quien tiene que jugar día a día un rol social para seguir haciendo lo único que le da placer.

Sí. Dexter es un ser vacio. Frio. Un desganado cuerpo sin alma. Pero también es un psicópata.

Es un asesino en serie con un torcido valor moral: El no mata a cualquiera. Solo se encarga de castigar (por llamarlo de una forma) a aquellos homicidas cuyos crímenes se vuelven parte de su trabajo.

Así sin más, Dexter lleva una doble vida en la que de día resuelve misterios a la CSI y por las noches caza a psicópatas como él mismo, y así lograr sentirse vivo. -Vicente Cabrera

PRO EVOLUTION SOCCER Ya dejando un poco la violencia gratuita (y muchas veces innecesaria) tenemos éste título multiconsola para los amantes del “panbol”. He de decir que en lo personal no me gusta mucho el fútbol pero dentro de el mundo de los videojuegos siempre he considerado este título como el mejor, superando al FIFA inclusive, supongo que es por el modo de juego más dinámico que a su vez lo hace fácil y por lo tanto divertido (aclaro si eres como yo que no te gusta el futbol). Además de las obvias modificaciones en cuanto a gráficas, animaciones y modo de juego al parecer este nuevo Pro Evolution tendrá la opción de poner tu rostro (en foto) en la de algún jugador, lo malo es que parece ser que aún no incluyen a México en la lista de equipos. -Mr. Punch

GOD OF WAR: CHAINS OF OLYMPUS Si nunca tuviste la oportunidad de conocer a Kratos ahora es cuando, esta nueva entrega para la portátil de Sony te dará acción, sangre, combos bélicos y una historia sólida. Es una precuela de las batallas en el PS2 en donde sabremos el por qué Kratos está furioso con los dioses. Esta ves la batalla que enfrenta el fantasma de esparta (Kratos) es rescatar a Helios el dios del sol y liberar a la humanidad de la oscuridad eterna.

Las gráficas y los cinemáticos son excelentes se nota que explotaron la capacidad del PlayStation Portable al máximo, lamentablemente el juego es muy corto comparado con sus predecesores pero es lo único malo, los controles son precisos y eso lo podemos ver en las ya clásicas secuencias de pulsar botones para hacer los combos, ¡está genial!

Es God of War el campeón del PS2 pero ahora en la palma de tu mano. -Mr. Punch

VIKING: BATTLE FOR ASGARD Siguiendo con juegos de espadas y mucha, pero mucha sangre tenemos ahora para la Xbox 360 y el PlayStation 3, Viking: Battle for Asgard, la gran promesa de Sega para esta primavera. La historia es de Skarin un guerrero vikingo que es resucitado por la diosa Freya para pelear en Midgard y así salvaguardar la existencia de su pueblo. Con escenarios amplios y de gran detalle este juego promete mucho, ¿será que le quieren quitar su lugar a God of War? -Mr. Punch

10,000 B.C. Harald Kloser and Thomas Wander

CONAN THE BARBARIAN Basil Poledouris

Este es un score medianamente aceptable, pues aunque llega a cumplir con lo que se podría esperar de la musicalización de este tipo de películas “tribales”, no llega a despuntar.

Tiene interesantes ritmos africanos y temas donde las voces se vuelven un instrumento atmosférico más, como lo constata el Opening y el tema titulado Wounded Hunter.

Lamentablemente llegará a ser tan olvidado como la película misma. -Vicente Cabrera

No podíamos terminar esta revista sin hablar de la joya de la corona de la música heroica: Conan el Bárbaro.

No hay adjetivos que describan la grandeza de esta banda sonora y de su creador, Basil Poledouris (cuyo tema más reconocible es el de Robocop), pero si puedo decirles que el escucharlo es conocer el verdadero poder orquestal en una música tan hermosa como épica. La partitura no solo acompaña a la película, sino que llega a narrar la historia.

El tema Riddle of steel / Riders of doom, está al nivel del Carmina Burana de Carl Orff o del Vuelo de la Valkirias de Wagner.

Es totalmente imprescindible en la colección. -Vicente Cabrera

RAMBO Brian Tyler El trabajo de Tyler en este disco es casi perfecto. Utiliza percusiones e instrumentos de cuerda tanto para denotar paz y soledad (la de Rambo), como también para explotar en los momentos violentos y de acción. Uno de los tracks a destacar es el track 2, No Rules Of Engagement, en el cual escuchamos por momentos el tema de John Rambo compuesto por Jerry Goldsmith para la original película, y que se vuelve el leitmotiv a lo largo del disco. Una verdadera chulada. -Vicente Cabrera JUNO Varios El soundtrack de Juno quizás pueda calificarse de excéntrico, por los géneros musicales que presenta, pero cada uno va muy acorde con los momentos emotivos que tiene la película.

En el ecléctico menú tenemos a Cat Power, Belle & Sebastian, Buddy Holly, Sonic Youth y hasta a la misma Ellen Page (Juno) cantando el tema final.

Hace mucho tiempo que no escuchaba un disco compilatorio que fuera tan agradable y bueno como este. -Vicente Cabrera.

Una apología innecesaria Saludos amigos, bienvenidos a esta primera ocasión de esta sección de su revista Fantasci, aquí hablaremos de temas diversos relacionados de manera directa o indirecta de temas fantásticos o alternativos, desde una perspectiva más o menos seria, una especie de Post Scriptum con aproximación también más o menos filosófica.

Para esta primera ocasión quisiera hablar de algo muy especial para muchos y de lo que no quisiera volver a hablar más adelante (me parece ocioso) y es una especie de apología a los géneros fantásticos. ¿Por qué no defenderlos, si es que en esta revista hablamos de ellos un 99.9 % de las veces? Pues por que creo que la mejor defensa de algo es apelar a ese mismo algo, ¿Qué caso tiene recalcar en cada ocasión que la fantasía, la ciencia ficción, el terror o etcétera son géneros chidos y no infantiloides si en cada artículo que realizamos, en cada recomendación o en cada relato que realizamos estamos cuidando mucho la calidad y el contenido dándoles la seriedad que se merecen?

Es curioso que cuando uno menciona que lee comics o que le gustan las películas de Harry Potter o de Pixar todo mundo se te quede viendo como bicho raro, cuando ver películas, leer literatura fantástica, comics, jugar video juegos, etcétera, no son más que un divertimento.

Claro que si decimos que vemos fútbol, que fumamos o que coleccionamos modelos a escala de automóviles todo mundo piensa que tenemos un pasatiempo respetable y adecuado a nuestra edad (quien estas líneas escribe tiene 38 años), aunque curiosamente esos mismos pasatiempos se inculcan también desde la infancia (bueno, menos el de fumar).

Creo firmemente que los géneros fantásticos no solo son entretenidos sino que además nos dan un valor agregado, muchos de mis amigos los siguen y entre ellos se encuentran abogados, contadores, filósofos,

actores, diseñadores gráficos, publicistas, músicos y demás fauna que contribuye al “bienestar social”.

En mi caso particular, ver a los siete años La Guerra de las Galaxias, leer en mi adolescencia a Stephen King o la serie de Fundación de Isaac Asimov me ayudaron a elegir la profesión de escritor y filósofo en mi adultez, me gusta pensar que muchos de mis amigos eligieron su profesión influenciados de alguna manera, directa o indirectamente por sus aficiones.

Leer literatura fantástica, ver películas o leer comics nos dan además diversas perspectivas del mundo, se nos presentan cosmovisiones e ideas que jamás nos habíamos planteado, recíprocamente nos volvemos más sofisticados, más interesantes y profundos, alguien que lee ciencia ficción dura podrá fácilmente sostener una conversación con un físico, un biólogo o un político inclusive, vamos, incluso si uno menciona a García Márquez o a Jorge Luís Borges (y no podemos negar que ellos son pura fantasía) uno parece más interesante a otras personas, vamos hasta podría uno llegar a la presidencia de la república (aunque conozco a uno que no leyó a Borges… ¿Así que por qué chingados uno no?)

En fin, podría pasarme líneas y líneas hablando de las virtudes de Frodo, del Señor Spock, de Leonardo, Rafael o Donatello (de estos tres últimos no me refiero necesariamente a los renacentistas), pero como dije al principio, me parece ocioso defender lo que me gusta, así que cierro este mes diciendo solamente que me gusta todo esto, por qué si y ya. ¡Nos leemos el próximo mes!

Atte: Ignacio A. Loranca Frontana Dir. General Fi Comics ignacio.loranca@gmail.com