ART OFIC

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ISSN-2346-1500

ARTES Y OFICIOS

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PASCUAL BRAVO FORMADORES DEL FUTURO

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ONTENIDO

5. Escuela de artes y oficios 6. La revolución del diseño 8. Arte y diseño 10. Por el amor a esto 13. Freddy leal 14. Para crear solo hay que imaginar 12. Para crear solo hay que imaginar 16. 43 salón nacional de artistas 17. Saber desconocer 18. Diseño sostenible 19. Orígenes del diseño sostenible 20. Tipografía 21. Contenedor

22. Pictogramas

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DITORIAL

Esta revista fue creada para mostrar un poco más del diseño, su historia, y los beneficios que ha atraído a la humanidad. También nos habla un poco del diseño en el Pascual Bravo mostrando como empezó nuestra institución y que papel juega en la sociedad.

Hecha para aquellos que les guste la parte del diseño y la ilustración, ya que encontraran ilustraciones hechas por nuestros maestros.

-Director de arte :Liney Luna Galeano -Fotografías por :Liney Luna Galeano -Correcciones de texto :Liney Luna Galeano -Diagramación :Liney Luna Galeano -Columnista :Liney Luna Galeano

Fotografia: Liney Luna Galeano

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ESCUELA DE ARTES Y OFICIOS La creación de la Escuela de Artes y Oficios requirió inversión monetaria para su funcionamiento, ya que no se contaba con las instalaciones adecuadas: talleres, aulas de clase, maquinaria y herramientas. Por disposición de la Honorable Asamblea Departamental, mediante Ordenanza No. 37 del 24 de julio de 1935, fue creada la escuela de Artes y Oficios como secciones de la Universidad de Antioquia. La Asamblea Departamental de Antioquia por Ordenanza No. 56 del 4 de julio de 1938 cambió su nombre por “ Escuela de Artes y Oficios Pascual Bravo”, en honor al héroe antioqueño, uno de los más jóvenes y epónimos gobernantes que se registran en nuestra historia. Un año más tarde, mediante Decreto 2350, el Ministerio de Educación Nacional recibe esta Institución de la Universidad de Antioquia.

especializados. Los oficios como la sastrería, la zapatería, albañilería y la carpintería eran desarrollados desde el hogar, de ahí que la formación profesional que venía imponiéndose desde finales del siglo XIX exigiera una preparación de profesionales técnicos. (1930 Meliton Rodríguez).

En el año 1933 surge la idea desconformar una escuela de artes y oficios que les permitiera a las personas como vendedores y amas de casa desempeñarse en otro tipo de actividades, ya que la demanda de la industria exigía trabajadores especializados.

Monumento a Pascual Bravo

Su mayor legado para propiciar el desarrollo de la región quedó en sus programas de gobierno, particularmente en el tema sobre educación.

Sostenía que el mismo Estado debería facilitar al pueblo el aprendizaje de artes y oficios, con la intención clara de moldear y enderezar, mediante el ejemplo y el estudio teórico y práctico, las vidas sin brújula y sin método. Pasaron muchos años hasta que la revolución industrial llegó al país y mostró la validez del pensamiento de Pascual Bravo planteado en 1863, en el sentido de impulsar propuestas prácticas para capacitar a la población y vincularla de manera rápida y efectiva al nuevo modelo de desarrollo. desempeñarse en otro tipo de actividades, ya que la demanda de la industria exigía trabajadores Fotografia: Liney Luna Galeano

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LA REVOLUCIÓN DEL DISEÑO El diseño como disciplina de estudio para la Historia del Arte, comenzando por las implicaciones del término, el contexto de origen y las vinculaciones con los movimientos artísticos de vanguardia, así como la polémica arte-diseño que dio origen a la disciplina y que se ha extendido a lo largo del siglo XX.

Ilustración: Freddy Leal

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l término Diseño, se presta a numerables acepciones. Más allá de las implicaciones contextuales o históricas del mismo, en principio, está vinculado directamente a la idea de trazar, ya sea una línea, un edificio, un vestido o un folleto; a la de bosquejar ya sea con hechos o palabras y se puede vincular directamente con los conceptos de proyectar o planificar.

En el origen del término se pueden rastrear varios antecedentes que se remontan hasta el siglo XVI, época en la que la estética manierista hablaba de la libertad creativa y se cuestionaba la representación en pro de la experimentación personal

Fotografia: Liney Luna Galeano

e individual. Ya con los tratados del siglo XVI como el de Francesco Doni (Disegno de 1549) y principalmente Danti (arti del disegno) que unificaba la pintura, la arquitectura y la escultura a partir del concepto diseño y quien junto a Miguel Ángel inició la disociación de las artes para abordar el concepto de Bellas Artes (afianzado luego en el siglo XVIII), se inicia un primer acercamiento a lo que posteriormente fue el diseño, pero ya en los albores de la Revolución Industrial. En el contexto del siglo XVIII existía una confianza generalizada en el poder de la razón, en la ciencia, en los adelantos que se estaban generando a nivel tecnológico y en los cambios sociales derivados de la Revolución Industrial. Esta explosión maquinista trajo enormes resultados en todos los ámbitos sociales y culturales: por una parte el arte se defendía de los ataques de la industria contra la creatividad del ser único del objeto creado. Por otro, la artesanía, ante el advenimiento de la producción en masa, se proponía elevar la calidad técnica tomando del arte elementos para sus confecciones. La arquitectura, por su lado, portadora de la dualidad de ser funcional y a la vez artística, se adaptaba con más facilidad a los repentinos cambios que la revolución acarreaba. la terrible confusión terminológica de entonces, producida al extender el significado de la palabra arte para abarcar la nueva actividad aún no bautizada, correspondía a una imprecisión entre las categorías de lo estético y lo artístico. El verbo “diseñar” se refiere al proceso de creación y desarrollo para producir un nuevo objeto o medio de comunicación (objeto, proceso, servicio, conocimiento o entorno) para uso humano. El sustantivo “diseño” se refiere al plan final o proposición determinada fruto del proceso de diseñar: dibujo, proyecto, plano o descripción técnica, maqueta al resultado de poner ese plan final en práctica (la imagen, el objeto a fabricar o construir).

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DISEÑO Normalmente, el proceso de creación de una obra de arte se inicia con nada, un lienzo en blanco. Una obra de arte surge de un punto de vista, una opinión o un sentimiento que el artista tiene dentro de sí.

Ellos crean el arte para compartir ese sentimiento con los demás, para permitir que los espectadores se relacionen con él, aprender sobre él o se sientan inspirados por el mismo. La más famosa (y exitosa) de las obras de arte hoy en día es la que establece un lazo afectivo estrecho entre el artista y su público.El arte se conecta con la gente de diferentes maneras, porque se interpreta de diferentes maneras. La Mona Lisa de Da Vinci ha sido interpretada y discutida durante muchos años ¿Por qué está sonriendo? Los científicos dicen que es una ilusión creada por nuestra visión periférica. Los románticos dicen que es porque está enamorada.

Los escépticos dicen que no existe razón. Ninguno de ellos se equivoca.

El diseño se define como el proceso

previo de configuración mental. Utilizado habitualmente en el contexto de la industria, ingeniería, arquitectura, comunicación y otras disciplinas creativas.

Plasmar el pensamiento de la solución o las alternativas mediante esbozos, dibujos, bocetos o esquemas trazados en cualquiera de los soportes. El acto intuitivo de diseñar podría llamarse creatividad como acto de creación o innovación.El acto humano de diseñar no es un hecho artístico en sí mismo, aunque puede valerse de los mismos procesos en pensamiento y los mismos medios de expresión como resultado; al diseñar un objeto o l proceso de diseñar:dibujo, proyecto, plano o descripción técnica, maqueta al resultado de poner ese plan final en práctica (la imagen, el objeto a fabricar o construir).

Diseñar requiere principalmente consideraciones funcionales, estéticas y simbólicas. El proceso necesita numerosas fases como: observación, investigación, análisis y ajustes.

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Quien es el diseñador?

Quien diseña, actúa, proyecta objetos funcionales, herramientas ergonómicas, mobiliario, accesorios útiles, vestimenta, espacios físicos o virtuales webs, multimedia, información, señales, mensajes no verbales sígnicos, simbólicos y sistemas, ordena elementos gráficos e imágenes, clasifica tipologías, crea o modifica tipografías. Su campo de actuación tiene relación con la industria, el comercio y todas las actividades culturales, su perfil y educación puede tener orientación técnica en la ingeniería de procesos industriales o constructivos (arquitectura de interiores), en relación con las disciplinas humanísticas en los campos de actuación de la comunicación audiovisual, las artes gráficas, la blicidad, el mercadeo (marketing) o la gestión de productos, el diseño de los mismos o sus contenedores ,embalajes, etiquetas, envases y en las mismas empresas industriales o comerciales en departamentos de investigación y desarrollo de nuevos productos o comunicación corporativa con el diseñador. Las computadoras también hacen más eficientes los procesos de diseño y fabricación. Por ejemplo, si las especificaciones de una pequeña pieza de una máquina se modifican en el ordenador, éste puede calcular cómo afectan los cambios al resto de la máquina antes de proceder a su fabricación. Un diseñador tiene algo de artista, tiene la necesidad de expresar algo y por ende tiene un cierto punto de inconformidad con la manera en que se ven, se resuelven y se hacen las cosas que pasan.

El propósito fundamental del diseño es comunicar un mensaje y motivar al espectador a hacer algo. Con un buen diseño, el mensaje que el diseñador buscaba comunicar es entendido por el espectador.

El arte es una forma de expresión, la manifestación de la creatividad y sentimientos humanos .

Conjunto de obras, estilos o movimientos artísticos.

¿Cual es el perfil de un diseñador?

Un diseñador es una persona que busca la libertad y esto es porque al ser libre, es creativo.Un diseñador se mueve por algo que va más allá del estímulo económico, a un diseñador lo mueve el logro, la ayuda y la aportación de algo que en un momento para él podría ser considerado como trascendente. Para ser diseñador se tiene entonces, sobre todo, que ser creativo. Pero ser creativo no es cuestión de “tener el don”, de “encontrar la iluminación divina” o “de esperar la musa”. Ser creativo es no tener miedo de explorar las posibilidades derivadas de las metodologías que permiten detonar ideas. La creatividad en el diseño es un músculo que se forma con la aplicación de metodologías y son estas mismas las que dan sentido a las ideas que se generan en cualquier entorno .

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IPOGRAFÍA El medio de transmisión de ideas por excelencia es la palabra escrita. La esencia del buen diseño gráfico consiste en comunicar ideas por medio de La tipografía, combinada a menudo con dibujos o con fotografías. Es por esto, que el aspecto visual de cada una de las letras que forman los textos de una composición gráfica es muy importante. De este planteamiento se deriva que el diseñador gráfico debe emplear las letras en una composición tanto para comunicar ideas como para configurar el aspecto visual de la misma, siendo necesario para ello conocer a fondo los diferentes tipos existentes y sus propiedades, conocimientos que se agrupan en la ciencia o arte de la tipografía. Cada letra de una palabra es por sí misma un elemento gráfico, que aporta riqueza y belleza a la composición gráfica de un texto.

Por lo tanto un diseñador debe saber, y jugar con sus diseños, sabiendo que las letras, el texto, no serán solo un medio de transmisión del mensaje, sino que además serán parte importante de la configuración visual y del atractivo del diseño. El diseñador debe poner una especial atención a la hora de elegir la tipografía a usar, ya que cada una tiene su propio carácter, y una mala elección tipográfica puede llegar a provocar que el espectador reciba un mensaje equívoco, o mismo que ese mensaje no se reciba con claridad.

La tipografía es el reflejo de una época. Por ello la evolución del diseño de las mismas responde a proyecciones tecnológicas y artísticas. El signo tipográfico se ha considerado como uno de los miembros más activos de los cambios culturales del hombre.

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Ilustraci贸n: Freddy Leal

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FREDDY LEAL Un buen ilustrador

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i herramienta lápiz ym pincel desde hace….no recuerdo, tal vez 15 o 16 años todo ese tiempo en Medellín aunque mi origen de nacimiento sea calarca (Quindio).

Siempre he tenido ,en mis obras artística, inclinación en diferentes temas,ya que considero que el ilustrador debe ser versátil, mientras se trabajo como ilustrador se descubren formas y estilos que terminan aportando al lenguaje gráfico.

Estoy en el mundo del arte gráfico como diseñador y animador ,pero siempre me gusto la Ilustración infantil ya que mi inclinación siempre fueron los libros con muchos dibujos que me llamaban la atención y me gustaba observarlos detenidamente.

Desde 1979 hasta ahora,trabajo como ilustrador para diferentes entidades ,sobre todo para agencias y editoriales.Yo siempre digo que la Ilustración es mi vida,incluso si todavía estoy haciendo otras cosas y trabajosen otros campos tales como la animación o como la pedagogia para dictar clase,mi objetivo principal es la ilustracion.Invetigar y crear por y para el libro,diria yo.

Si me siento orgulloso de algo seria de saber que mis ilustaciones contribuyen al lenguaje muy especial con el que se alimentan los sueños de muchos niños y las mnetes de los adultos.

Es absolutamente fantastico saber que mis dibujos siguen gustando alos demas como cuando yo era un niño pequeño y no dejaba de mirar libros con dibujos.

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PARA CREAR SOLO HAYQUE

Ilustraci贸n: Freddy Leal

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IMAGINAR...

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43 Sal贸n (inter) Nacional de Artistas

Fotografia: Liney Luna Galeano

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En 2013 llega a su edición No. 43 el Salón (inter) Nacional de Artistas Saber Desconocer el programa de apoyo al arte contemporáneo de mayor trayectoria en Colombia y, posiblemente, su plataforma más visible. Se trata de la adición (inter), que evidencia la apertura del salón a la escena internacional, ya presente en las dos versiones pasadas, al tiempo que da cuenta del interés por proponer lecturas, y fortalecer diálogos y redes entre la producción artística local, nacional e internacional. La curaduría del 43 Salón (inter) Nacional de Artistas trabajará a partir de dos ejes conceptuales: En forma muy general, una parte de la exposición tendrá que ver con SABER, con la revisión del canon desde los saberes tradicionales, con reconocer la importancia y la actualidad de los saberes ancestrales, de las narrativas de origen, del arraigo.

Metafóricamente, SABER resalta la importancia de un contexto específico, de las tradiciones del territorio y los conocimientos que allí se han desarrollado; es andar con paso firme, es la brújula para la supervivencia de cada dia . Pero la exposición recono-

ce que paralelo al saber existente DESCONOCER que acepta la suspensión de significados unívocos y nos permite estar abiertos a la duda, a la ambigüedad, a la incertidumbre que genera la promesa de lo nuevo. Es lo que posibilita el escape, la navegación hacia otros futuros y nuevos presentes. Es la proliferación de caminos, la capacidad de desligarse de lugares específicos y tradiciones, y también el impulso, la expansión necesaria para emprender un viaje sin dirección, para la exploración del inmenso océano, la selva o el espacio sideral de lo desconocido. Saber y desconocer son dos conceptos aparentemente contradictorios pero que se unirán en el Salón para que, como en un oxímoron, generen un nuevo significado. En breve, a lo largo de la exposición algunas obras operarán bajo el concepto SABER, otras bajo DESCONOCER y entre las dos habrá una tercera categoría que, como un chamán, reconciliará la dicotomía entre lo que sabemos y lo que desconocemos, a través de vectores, trayectos, tensores y otras metáforas de mediación similares.

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DISEÑO SOSTENIBLE simposio internacional

Objetivo General Desarrollar herramientas para pensar e intervenir como profesionales con acciones sostenibles que transformen las normas sociales y ambientales en la industria del diseño, colaborando con la movilidad de los diferentes actores para que favorezcan el desarrollo social sin descuidar el medio ambiente, además de concientizarlos sobre la responsabilidad que tienen con las generaciones futuras, crear medios de vida sostenibles y reducir el impacto de la industria sobre la biósfera.

Descripción El diseño SOSTENIBLE es un enfoque filosófico del diseño, tiene en cuenta el ambiente, la cultura, los procesos de producción, los materiales, su uso y los aspectos posteriores a su vida útil. Los diseñadores del siglo XXI, deben repensarse al proyectar, producir, comercializar, consumir y reciclar, reduciendo al mínimo la utilización de materia prima y energía. Todo esto bajo los principios del desarrollo sostenible que incluye sostenibilidad económica, social y ambiental. Por ello, el diseñador tiene la responsabilidad de abordar problemas específicos en comunidades para crear nuevos contextos referidos a la sustentabilidad en todos sus aspectos. “La sostenibilidad puede ser un reto para los diseñadores, ya que esto implica hacerse responsable de las consecuencias

sociales y ambientales de su trabajo; el no solo pensar en el bienestar financiero de sus clientes sino trabajar en favor del bien común. Además de tener muy en cuenta en nuestras habilidades y aptitudes .La sabiduría para anticipar las consecuencias medioambientales, ecológicas, económicas y políticas de las intervenciones del diseño”.

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Diseño para la sostenibilidad es un diseño estratégico de la actividad que transforma los sistemas existentes y crea otros nuevos caracterizados por materiales de baja intensidad energética y una alta potencialidad para la regeneración de los contextos de la vida. (Enzio Manzini).

ORÍGENES DEL DISEÑO SOSTENIBLE Los orígenes del diseño sostenible están en la década de 1970 cuando uno de los pioneros de los cambios dentro del diseño industrial, el italiano Víctor Papanek, en su libro Diseño Real: Ecología Humana y el cambio social, explico la forma en que el diseño de la posguerra se centró más en la creación de necesidades artificiales en lugar de las necesidades esenciales y fundamentales. En su análisis sugiere que las necesidades básicas son generalmente más difíciles de cumplir para los diseñadores y son mucho menos rentables para las empresas. Podemos decir que el diseño sostenible busca generar soluciones a través de servicios y estilos de vida pero no exclusivamente a través de objetos. Con el fin de introducir una definición elaborada de diseño sostenible es necesario mencionar los sistemas sostenibles, que básica

mente, se refieren a cualquier tipo de red o servicio social que puede existir y replicarse. Además de sistemas sostenibles hay otros principios dentro del diseño sostenible: a) coherencia con los principios fundamentales del diseño - sociales, culturales, ambientales y culturales, b) el uso de materiales de baja intensidad energética, en referencia a la eficiencia de los sistemas de producción; y c) la alta calidad dentro del contexto, refiriéndose a la integración de los sistemas de producción y consumo dentro de un contexto de calidad de vida establecido por la misma comunidad. Por último cualquier tipo de resultado obtenido para satisfacer la necesidad debe ser sostenible a largo plazo entendiéndose como un proceso que permita una comunidad lograr un resultado a través de estrategias de diseño sostenible .

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S

MANUAL DE EÑALIZACIÓN

TIPOGRAFÍA

A BC

abcdefghijklmnñopqr svwzyz 0 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

a bc

Swift

A B C D E F GH I J K L M N Ñ O P QK R S V W X Y Z 0 1 2 3 4 5 6 7 8 9 10

Escogí la tipografía Swift porque es fácil de leer y está diseñada para periódicos y revista ya que es elegante y de fácil entendimiento.

CÓDIGO CROMATICO C : 92,57% R:: 1 M:63,27% G:99 Y:121% B: 174 K:0%

C : 0,45% R: 237 M:98.8% G:30 Y:95,83% B: 38 K:0,08%

C : 0% M:0% Y:0% K:0%

C : 0% M: 0% Y: 0% K: 100%

R:: 255 G:255 B: 255

R: 0 G:0 B: 0

Los colores escogidos son el blanco el rojo y el negro ya que son los colores corporativos de la empresa, y los colores que voy a utilizar para mis señales.

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ONTENEDOR

Administración -Bodega

20 cm

20 cm

24 cm

Nombre laSeñal Señal Nombre de de la 14 cm

25 cm

30 cm

25 cm

Nombre de la Señal

21cm

Nombre de la Señal

7 cm

Secciones

Nombre de la Señal

5 cm

1 cm

La forma del contenedor es rectangular, la parte inferior tiene terminaciones diagonales de 5 cm. Un fondo blanco, con un grosor de 4 cm. La tipografía va a ser a 15 pt utilizando el color negro para todas las señales.

La medida del contenedor va a depender del lugar expuesto .Para el área de administración y bodega el contenedor va tener una medida más pequeñas ya que es muy visible, el color para estas señales es el rojo informando que es una zona prohibida .Mientras que en cada sección va hacer exhibido más grande, utilizando el color azul para hacer más informativo, con un fondo blanco para todas la señales.

Los colores van hacer rojo, azul, blanco, dependiendo cada sección, las cuales son: administración, bodega, vistieres y secciones de ropa. Estos contenedores también van acompañado tanto de icono como tipografía.

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ICTOGRAMAS

JR Y KIDS

Administración

Los pictogramas son de color azul y los objetos que los acompañan van negro para que se vea más llamativos. Estos pictogramas fueron diseñados en diferentes funciones pero manejado siempre la misma coherencia para k la gente sepa muy bien en que sección se encuentra.

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INSTITUCIÓN UNIVERSITARIA PASCUAL BRAVO Fotografia: Liney Luna Galeano