LaCasa11 by Grupo Diario Libre, S. A.

casa

nĂşmero 11 | junio2011

RD$ 180.00

• Av. Luperón 89, Sto. Dgo. • Tel. 809.549.5220 • valfesa@claro.net.do

Maceteros con sistemas de irrigación automático.

Lacasa

Av. Luperón #89 Maderas y materiales de construcción

E-mail: valfesa@codetel.net.do

iloveLacasa número11 | junio2011

Beatriz Bienzobas directora

Mejores espacios

Lacasa

Está claro: El Diseño de Interiores busca mejorar la calidad de vida dentro de nuestros hogares. Lo demuestra el reportaje de Olga Agustín, orientado a encontrar ese espacio perfecto para niños especiales, o el que presenta la diseñadora de interiores Paola Tineo, fomentando la integración de la naturaleza, con un Techo Verde, como parte del concepto del diseño, una tendencia que bien podríamos llevar a nuestras viviendas, tal y como lo ha hecho el Grupo Banas. Completan esta edición tres hogares (ciudad, playa y montaña) que prueban cómo el talento dominicano se desarrolla en todos los rincones del país, con la misma calidad e identidad distintiva en cada uno de los casos.

Directora Beatriz Bienzobas • Editora Olga Agustín • Editora de Diseño de Revistas Norca Amézquita • Diseño Dalia Alcántara • Fotos Maglio Pérez • Gerente de Ventas Bethania Manzueta • Publicidad Joseph Cabrera • Tratamiento de Imágenes Irving Cleto y Daniel de los Santos Presidente Arturo Pellerano • Vicepresidente Manuel Arturo Pellerano • Secretario Salvador Dájer • Vicepresidenta Comercial Angie Vega • Gerente Financiero Abel Flores • Gerente de Mercadeo Deborah Hernández • Directora de Ventas Laura Mena • Gerente de Circulación Rafael Oviedo • Gerente de Producción Tomás Rodríguez Dirección Ave. Abraham Lincoln esq. Max Henríquez Ureña, Santo Domingo, R. D. Teléfono 809-476-7200 Fax 809-616-1520 Apdo. 20313

| apuntesdediseño64 Fotografía de portada MaglioPérez

particular | burbuja 34

colortendencias

Tonalidades a flor de piel TEEN

Gamas coloridas y tonos contrastantes, que proporcionan calidez y lucidez a todos los espacios donde se encuentran, forman parte de esta paleta. En la presente carta de colores (correspondiente a la Kids & Teenagers Collection, de Lanco) se exponen todas las tonalidades por edades.

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AUTUMN BLOOM 2H3-7

DESERT DAY 3J2-7

HIGH COUNTRY TWILIGHT 3O3-7

HIGH SPIRITS 2O1-7

PEARLY EVERLASTING 6H1-2

PORCH SWING 5I1-3

SILVER MINE 6G1-5

SWIRLING WATER 3Q1-2

TORRANCE 6B3-7

TREASURES OF THE SEA 3O1-5

WHISPERY BREEZE 1O1-3

AYE CALYPSO 1R1-1

BLUE TOPAZ 3Q1-5

CAMEO KISS 3D2-1

CITRUS GROVE 2G1-7

FROM THE HEART 2D3-7

GLEAMING SHELLS 3D3-3

GREEN BANANAS 3J3-7

LEMONY NOTE 2J1-1

OLIVE OIL 3K1-5

OPEN SKY 2Q1-5

SIERRA GRANDE 2K1-8

SPRING VALLEY 2K2-8

CLEAR SAILING 2Q1-1

COOL TRADEWINDS 2Q1-3

ENGLISH VERMILION 2D3-8

FRESH AIR 2O1-2

HIGH CHAPARRAL 5I2-7

PINK PUTTY 6D1-3

SPRING FRESH 2K3-5

STAR GAZER 6F2-2

SUNGLOW 1J1-3

VERY VANILLA 5J2-3

WEDDING PETALS 5C1-5

BABY

KIDS

ALMOND JOY 5J3-3

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Un saludo cordial Para aquellos seguidores de Lacasa, que ahora también pueden vernos a través del ciberespacio (www.revistalacasa.com), valga la invitación para que continúen retroalimentándonos sobre nuestro trabajo. ¿Cómo pueden hacerlo? ¡Muy sencillo! Escríbannos a lacasa@revistalacasa.com, o cumplimenten el formulario que encontrarán en nuestra página web. 1. El artículo dE portada

Lacasa

“Cantamar Villa”, el tema de portada de la décima edición de Lacasa (fotografiado por Maglio Pérez, diagramado por Norca Amézquita y escrito por Olga Agustín), ¡fue simplemente perfecto!

lynn Kramer, consultora del proyecto inmobiliario Seatree – Estates

2. El rEportajE “thE GrEEn StorE, un toque ‘verde’ en Santo 3

Domingo” (publicado en la novena edición) nos encantó, tanto por las fotografías (de Maglio Pérez) como por los textos (de Paola Tineo). Gracias por la calidez y el profundo amor que transmite este tema. Vayan también los agradecimientos para la editora, Olga Agustín, y todo el equipo que labora en la revista.

3. hE hojEado alGunaS dE SuS EdicionES en su página web (www.revistalacasa.com), y deseo suscribirme a la revista para poder recibir un producto tan maravilloso.

Emely pérez, diseñadora

4. amiGoS dE Lacasa, me gusta mucho su página web. ¡Muchas felicidades!

Ángela maría jiménez, seguidora página web de Lacasa

5. Su pÁGina wEb está muy buena. ¡Pa’lante!

manuel cuello, seguidor de www.revistalacasa.com

6. ¡lES Saludo dESdE paraGuay! Me gusta mucho su revista

lilian peña, propietaria de the Green Store

Lacasa. ¡Que tengan éxito! juan, seguidor de Lacasa por la vía de internet

ilovelondres

Texto y fotografías: AntonioAcuña

Carnaby Street,

encarnación moderna de los 60 Los Beatles, Mary Quant, Biba, los Rolling Stones, las primeras minifaldas… Todos tienen algo en común: son iconos ingleses de los 60 y se pasearon por Carnaby Street, un enclave londinense muy particular. Lacasa

Carnaby Street, un pequeño enclave citadino marcado por la historia de la moda y de la música londinense de los años 60. Está considerada como una de las mejores calles comerciales de Europa.

A mediados del siglo XX, esta calle peatonal, paralela a la Regent Street, no sólo se convirtió en el centro geográfico de la nueva movida británica, y en la cuna de las modas ‘hippie’ y ‘modernista’, sino en el punto de referencia obligado para los clubes vanguardistas. En su periferia, como tentáculo artístico y temático, se extiende el Soho, con sus locales de entretenimiento adulto: en la 47 Frith Street, el inigualable Ronnie Scott. Fue en Carnaby Street por donde desfilaron las primeras minifaldas, y donde Mary Quant abrió Bazaar, su boutique más exitosa. El viajero que pasa por Londres no puede dejar de visitarla, pues aún conserva su estilo bohemio y alternativo. El visitante encontrará fácilmente la Carnaby Street saliendo de la estación del metro en Oxford Street, girando a la izquierda en la primera esquina y bajando, a seguidas, por la Regent Street. No hay posibilidad de perderse, pues esta calle se encuentra detrás del imponente edificio Tudor de Liberty (ubicado en la Regent Street, desde 1874, y en su local actual, desde 1920). Si no encuentra lo que quiere en Liberty (algo bien difícil, aunque su billetera sufra en el proceso), la calle cuenta con un sinnúmero de tiendas para elegir; desde modas inspiradas en los 60, al estilo grunge, o con un diseño deportivo (bajo el aval de reconocidas marcas, como Nike, Puma y Diesel), allí todo está al alcance. Las calles aledañas, que ya han sido adoptadas dentro del concepto de Carnaby, también cuentan con exclusivas boutiques y ateliers, que salteados con cafés y bares, donde se puede gastar lo que le quede en el bolsillo tras las compras, son algunas de las opciones que presentan estas vías adyacentes. Allí todavía se pueden apreciar las auténticas fachadas de la década del 60 y, en algunos casos, las originales tiendas que aún siguen en pie, aprovechando quizás que la tendencia vintage (a lo antiguo) y la moda retro vuelven a ponerse de moda. Y para continuar con el recorrido, tras caminar largo y tendido por estas arterias, puede detenerse en el Kingly Court, dotado de una sección de restaurantes y de una sastrería de alta costura en su interior, cuyo atractivo principal es estar a cielo abierto. Es una cita ineludible pasarse por Carnaby, un lugar marcado por la historia de la moda y la música, que en su encarnación moderna se considera como una de las mejores calles comerciales de Europa.

Lacasa

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1. La Great Marlborough Street, denominada así en honor a la conocida marca de cigarrillos, entrecruza el inicio de la Carnaby Street. 2. Las boutiques de las calles aledañas son conocidas por su estilo alternativo. 3. El edificio Liberty alberga un gran conjunto de tiendas. 4. La vidriera de la nueva tienda Lacoste en Carnaby Street. 5. La moda británica de los 60 resurge y se exhibe en esta arteria comercial. 6. La bicicleta de Lacoste, permanentemente encadenada frente a su local. 7. Kingly Court, con una sección de restaurantes y una sastrería de alta costura en su interior. 8. Este espacio comercial, que está a la venta en plena Carnaby Street, probablemente cueste una fortuna.

Fotografía: EvaHart

ilovemadrid

Texto: WendyEspinal

Madrid,

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la ‘ciudad collage’ A partir de una simple afición, hoy toda una generación ha hecho del “corta-pega” un verdadero arte y su forma de expresión artística por excelencia. En Madrid, muchas cosas invitan a pensar en el arte del collage: el caos, su historia transgredida, sus excesos, sus calles, su multiculturalidad, sus encrucijadas, el Rastro, sus tiendas de libros antiguos, sus recovecos, sus papeleras, sus mercadillos… Tijeras en mano, los collagistas se zambullen entre los papeles y artículos enmohecidos, buscando los protagonistas de su próxima pieza. Libros carcomidos, revistas olvidadas, postales amarillentas, encajes mohosos, hojas y hasta pétalos secos… Les interesa todo aquello que parezca haber perdido la vida, para luego en sus mesas de trabajo -cual si fuesen cirujanos- devolvérsela tras algunos cortes, un poco de pegamento e imaginación. Algunos de los collagistas más consagrados de España nos cuentan de qué va el collage, ese arte tan artesanal con el que todo parece resucitar.

En Madrid, los collagistas construyen el carácter de este arte a través de las herencias de épocas anteriores. 1. Julio Falagán trata temas populares, cotidianos y banales, pero también grandes verdades universales. 2. Daniel Estheras ha creado series sobre infancias quemadas, mujeres anónimas y otros temas que le interesan a profundidad. 3. Raúl Lázaro apela a la imaginería personal y a las historias prestadas, que componen el aspecto inacabado de sus collages. 4. Juan Carlos Fernández trabaja con materiales antiguos, reviviéndolos y convirtiéndolos en otra cosa. 5. Francisca Pagés cuenta, a través de su trabajo como collagista, pequeñas sensaciones, historias, sueños y cuentos. 6. A Mario Nofre le gusta envolver las historias de inmoralidad y hacer visible las trastiendas personales del ser humano.

Julio Falagán Una terapia personal bastante económica Aunque Julio no se considera collagista del todo, ha encontrado en esta técnica otro medio de expresión para lanzar conceptos reflexivos críticos a todo el público posible. Con su obra busca provocar la participación del espectador, ya sea directa o indirectamente, llevándole a buscar y explorar contenidos. Le gusta trabajar con un concepto amplio, que va desde el apropiacionismo al procomún. Su mensaje principal: “No tengan miedo”. Su trabajo: “No sé hacia dónde quiero llevarlo, él me lleva a mí. Pero sé hacia dónde no quiero dejarme llevar, y es hacia la complacencia”. Entre sus colaboraciones memorables, se queda con: Dos de sus mejores amigos y grandes collagistas de España, Cless y Rubén B. También con Alberto Sobrino, para el libro “El Kit del No”, que surgió del intercambio de libretas en las que intervenían uno sobre el trabajo del otro sin ninguna norma, resultando en una experiencia brutal. En Madrid le inspira: Todo, todo y todo. “Trato temas populares cotidianos y banales, pero también grandes verdades universales. Me gusta mirar las cosas desde diferentes puntos de vista. La minucia y lo magnánimo, conviviendo en un mismo tiempo y espacio“.

daniel estheras canal de expUlsión Su madre no se esperaba la evolución de Daniel como artista del collage. De pequeño, cuando llenaba la mesa de recortes, hasta le quitaba las tijeras. Hoy, gracias a la inspiración de otros collagistas, son precisamente las tijeras y el pegamento los que ocupan los huecos libres de este madrileño. Para Daniel, esto todavía es un hobby, pero cada vez más cerca de ser una profesión. Ya ha colaborado con artistas como Zahara, Carlos Siles, Mäbu y el joven director Federico Calabuig. Ahora le gustaría que sus collages viajasen a publicaciones en todo el mundo y, ¿por qué no?, también a galerías. Para ser collagista: “Hacen falta ganas y pasión. Que sea el canal para expulsar todo lo que tienes dentro, lo que te daña y lo que te hace bien. Luego hay que acumular revistas, periódicos, libros, tener unas buenas tijeras/bisturí y un buen pegamento…”. Le gusta contar: Historias en serie. Ha creado series sobre infancias quemadas, mujeres anónimas, y otros temas que le interesa estudiar a profundidad. Otra pasión es aplicar el collage al mundo de la música para las carátulas o la cartelería. En Madrid: Lo que más le inspira es que siempre hay gente a todas horas, la mezcla de culturas y esos rincones escondidos que pocos conocen.

raúl lázaro imaginería personal e historias prestadas Raúl se describe con lo que le gusta: las cosas pequeñas, los encuentros azarosos, los espacios intermedios o despertarse con el olor a café. Cuando busca una razón para el collage, dice: “¿Para qué, si no, se hicieron las tijeras?”, y recuerda cómo hace un tiempo en Rotterdam -entre fotocopias, periódicos, restos de planos y otros papeles- empezó su afición al querer hacer una serie sobre la ciudad. Mirar, descubrir y encontrar, es su día a día como artista. Imaginería personal e historias prestadas componen sus piezas y, sobre todo, le enamora el aspecto inacabado de los collages, “como si esperasen que sea el espectador el que termine de cerrar la historia”. Entre sus colaboraciones resalta la de hace poco, para un cadáver exquisito con varios artistas, y de la que está ansioso por ver el resultado final. Su trabajo: “Generalmente no se deja llevar mucho, y aunque lo intento obstinadamente, no suelo conseguir pasearle por donde quiero; él suele elegir los sitios”. Sueña con: Ilustrar un libro de Georges Perec y con colaborar con Joan Brossa. En Madrid: Le inspiran los cronopios verdes, los jerseys de lana y el mar. ¿Lo próximo?: “Eso me gustaría a mí saber”.

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Juan carlos Fernández ExprEsarME siN palabras

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Este restaurador de obras de arte se inició en el collage de un modo casual y esporádico, hasta que el pasatiempo se convirtió en una necesidad. Ahora es para él “una prolongación de su trabajo profesional, un refugio del mundo tan rápido en el que vivimos, una especie de Arcadia feliz”. Nombra sus obras completamente fuera del contexto que aparentan tener y prefiere no mirar demasiado hacia delante, sino que se deja llevar simplemente por su arte. En las calles de Madrid: Ha encontrado cosas claves para sus obras, “¡incluso un encaje de mediados del siglo XIX!”. Además, siempre visita el Rastro en busca de gangas y se da el lujo de contar con amigos anticuarios, quienes a veces le suministran papeles antiguos. Próximamente: Veremos su colaboración con la escritora Eva Gabeiras para crear un libro objeto, un insectario que mezcla poesía y collage. Luego, ya tiene en mente a “Play Time”, un proyecto en torno a la infancia. “Necesito trabajar con materiales antiguos y vividos en los que la pátina del tiempo se haya posado; recuperar papeles que han perdido su significado y uso para que vuelvan a revivir, aunque convertidos en otra cosa”.

Francisca pagés divErsióN + tErapia + trabaJo + vida

Mario Nofre El placEr dE dEstruir y rEcoNstruir

Autodidacta y prolífera, Francisca ha tocado además del collage, la fotografía, el videoarte, el diseño gráfico e inclusive el diseño de eventos personalizados. Lo del collage nació en sus diarios, donde en lugar de escribir, pegaba los recortes que representaban su día a día. Los diarios se volvieron digitales e Internet popularizó sus creaciones. Hoy, no podría vivir sin el collage. Su trabajo: “Cuenta pequeñas sensaciones, historias, sueños y cuentos. Fragilidad humana, sueños por cumplir, esperanza, inocencia, naturaleza, detalles del diario vivir”. Prefiere: Que su trabajo esté integrado en la rutina diaria, como puede ser en libros, posters, álbumes de música... Antes que tenerlo colgado en una galería o museo. Una razón: El collage es una bonita forma de reciclar papeles que ya no sirven y con los cuales podemos crear imágenes de la nada. Puede ser diversión, hobby y hasta terapia. En Madrid: No hay nada mejor que volverte con libros y revistas del Rastro o de la encantadora Casa Postal (en Chueca). Próximamente: Veremos sus trabajos en la revista de cine Rapporto Confidénciale, y al mismo tiempo prepara una exposición colectiva en Rusia, y otras colaboraciones con artistas como la ilustradora Cendrine Rovini y la diseñadora de moda Raquel Samper.

A la hora de crear, Mario se convierte en Artista DiMerda, Ilustrador por Necesidad Vital. Un personaje que le permite suplir carencias, enfrentarse a fantamas, superar traumas y realizar auto-exorcismos. Y, sobre todo, para pasárselo bien haciendo lo que hace. Desde siempre buscó un lenguaje que le permitiera decir muchas cosas en poco tiempo, que se ajustase al “tempo” en que le iban surgiendo las ideas. Lo encontró en el collage. Ahora se entrega al “fastfood creativo”, mientras deja que el propio trabajo le conduzca. Persigue: Huir de todo lo trascendente que tiene el mundo del arte. El crear por crear, manteniendo una actitud punk con todo lo pretencioso de la idea. Pura gula. Le gusta: Envolver las historias de inmoralidad y hacer visible la trastienda que cada uno de nosotros tiene. Un sueño: Ilustrar los poemas de Eduardo Haro Ibars, el poeta maldito de la movida madrileña. “Es un genio”. Madrid: Es un espectáculo en sí. Nada mejor que sentarse en cualquier banco del centro a cualquier hora para cargarse de ideas. Madrid te arrastra. Próximamente: Le gustaría retomar ese proyecto rechazado de un libro de poesía erótica e ilustrar los poemas, por ejemplo, a partir de pinturas manieristas.

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Texto: FrancisRodríguez Fotografías: FuenteExterna

Nat Sherman al estilo Esquire

Nat Sherman no sólo es famosa por sus cigarros y sus lujosos accesorios, sino por la nueva colección de muebles y artículos para el hogar presentados recientemente por la revista Esquire, convirtiendo al icónico lugar en un exclusivo club neoyorquino. Lacasa

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Oscuras tonalidades en la madera, salones de billar, amplias escaleras, un piano y voluminosos muebles en piel, son algunas de las piezas y estancias que hacen que la caja arquitectónica de este local sea especial.

Hace apenas un par de meses que “la tienda Nat Sherman se impregna de la esencia de Esquire Magazine al incorporar piezas decorativas que satisfacen la necesidad y el buen gusto de cualquier caballero”, expresa su presidente, Joel Sherman, al referirse a una novedosa colección que incorpora muebles para áreas claves de la casa, incluyendo lámparas y alfombras, entre otros elementos. Y es que la colección Esquire Home reafirma la filosofía de la revista Esquire sobre el “Hombre actual en la búsqueda de lo mejor”, pues crea una experiencia única en cuanto a comodidad y sofisticación, que gira en torno al mobiliario y a la decoración para el hogar. Se trata de piezas que han recibido, en esmero y detalle, la misma atención que los cigarros creados durante los últimos 80 años en el emblemático Nat Sherman.

De igual forma, la línea de muebles Esquire Home –que debutó en las tiendas durante el pasado otoño y que está disponible en ABC Carpet and Home, toda una institución en materia de muebles y decoración en la urbe neoyorquina desde 1897– incluye tres piezas únicas creadas especialmente para la tienda de cigarros, que también están a la venta. Los diseños, que ahora se suman a la emblemática colección “Stars and Stripes” (“Estrella y Líneas”) de Nat Sherman, fueron creados por Halo Group. Esta propuesta es una colaboración continua de múltiples diseñadores (como el británico David Linley, creador de muebles y accesorios que es reconocido en el ámbito profesional porque ofrece a sus clientes la posibilidad de diseñar muebles acorde a sus criterios y especificaciones).

Mueble cargado de patriotismo, en el que la bandera estadounidense juega un rol preponderante.

Esta legendaria tienda fue elegida por la revista Esquire para mostrar su colección de muebles y presentar el libro Black Book.

A lo interno de Nat Sherman El ‘salón azul’ es uno de los espacios rediseñados dentro de la legendaria tienda que ha fascinado a decenas de generaciones. Allí prima el metal y se imponen el gris, el azul, y las piezas versátiles y prácticas (como un bar-baúl, matizado en metal y piel, que puede cerrarse y adaptarse a cualquier espacio, y que está dotado de diversos compartimentos para vinos, licores, copas y accesorios). La sala de Nat Sherman evoca a los célebres y distinguidos ‘clubes para caballeros’ de principios del siglo XVIII, que sólo estaban reservados para selectos miembros. Precisamente inspirada en aquella época, en esta estancia –que para muchos podría ser la escenografía perfecta para algún episodio de la serie televisiva Mad Men- se conjugan una colección pletórica de nostalgia y piezas que resurgen armoniosamente dentro de una propuesta contemporánea. La sala también registra grandes muebles de piel marrón, maletas antiguas y vitrinas en madera. Igualmente, alberga ottomanes en diversos tamaños y estilos, que se constituyen en las piezas claves del lugar y que, según los expertos de Esquire, son perfectos para los hogares modernos, ya que pueden utilizarse como descanso para bandejas de copas o aperitivos, como si fuesen una mesa, o para acomodar visitas inesperadas, e incluso ambas cosas a la vez.

Lacasa

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Con esta exhibición, Esquire Magazine ofrece una nueva colección con ideas prácticas sobre cómo decorar bajo el estilo del hombre moderno. Cortinas, cuadros y lámparas han sido piezas adecuadamente seleccionadas y colocadas.

La tienda de cigarros Nat Sherman, convertida en un verdadero emporio para caballeros, incluye un club privado y ofrece una gran variedad de accesorios.

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Texto: JorgeTavárez Fotografía: Claudia Uribe Exterior del New World Center en Miami Beach, donde se puede apreciar una inmensa pantalla de proyección. Allí los transeúntes pueden disfrutar de los conciertos que se presentan totalmente gratis y al aire libre.

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Miami y su New World Center El Sur de la Florida se ha convertido en un referente cultural que no tiene nada que envidiarle a ningún otro, y lo demuestra a través de su New World Center.

Año tras año, Miami da la bienvenida a los eventos de Art Basel, donde las galerías de arte moderno se desplazan desde todos los confines del mundo para exponer sus novedades. Por citar un caso, en el 2006, el Downtown Miami fue el escenario perfecto para la inauguración del Adrienne Arsht Center for the Performing Arts, un impresionante complejo de teatros que anualmente presenta tanto a renombrados artistas mundiales, como reconocidos musicales de Broadway. Sin embargo, es ahora, y por medio a la apertura del New World Center en Miami Beach, que esta urbe se perpetúa como una de las más importantes de Estados Unidos –culturalmente hablando-. Esta imponente edificación, que alberga a la orquesta sinfónica New World (con base en el Sur de la Florida), fue diseñada por el arquitecto canadiense Frank Gehry, ganador del Pritzker Prize a la arquitectura. Gehry, quien es conocido por la realización del museo Guggenheim en Bilbao, España, y por el Walt Disney Concert Hall de Los Ángeles, creó este espacio miamense en el que no sólo se entrenan músicos de la sinfónica, sino que se presentan grandes conciertos de música clásica a través de un moderno auditorio. Para llenar su cometido, Gehry trabajó por mucho tiempo junto a Michael Tilson Thomas, el fundador y director artístico del New World Symphony. ¿El resultado final? Un lugar repleto de nuevas e infinitas posibilidades para entrenar a futuros músicos, y el espacio ideal para presentar espectáculos musicales en una de las instalaciones más modernas y sofisticadas del país. A juicio de Michael Tilson Thomas, “la inauguración de este extraordinario centro es el principio de una magnífica aventura y exploración”. “No sólo estamos marcando una nueva era para la organización y propiciando un espacio inigualable para que nuestros estudiantes de música aprendan y alcancen su máximo potencial, sino que estamos invitando a todo el mundo a que venga a disfrutar de la música clásica en un espacio innovador”, concluye.

A lo interno del New World Center, las pantallas cóncavas que se ubican en la parte superior del escenario parecen las velas de un velero.

Con su ‘musiquita’ por dentro… El New World Center, como es por todos conocido, cuenta con 756 asientos para el público y dispone de una instalación de paredes cóncavas, parecidas a las velas de un velero, que sirven como monitores para que todas las actuaciones que nacen en el escenario se reflejen en éstas, envolviendo a los presentes dentro del sonido de la música clásica. Gehry ha expresado su orgullo hacia el New World Center públicamente, especificando que este proyecto arquitectónico fue posible gracias al trabajo que hizo en colaboración con Michael Thomas Wilson. Y es que ambos participaron mancomunadamente, compartiendo ideas y forjando lo que hoy se ha convertido en una realidad. “Espero que el espíritu de creatividad que Michael y yo le hemos impregnado a este proyecto perdure por mucho tiempo dentro de este lugar”, expone Gehry. “Cada rincón del New World Center está diseñado para promover e inspirar a los músicos jóvenes, a sus profesores y a la audiencia, para que experimenten cosas nuevas e interactúen de diversas formas, manteniéndose siempre abiertos a experiencias nuevas”, agrega. El New World Center es, sin lugar a dudas, solemne y señorial. La estructura podría definirse como minimalista, y cuenta con una paleta de colores completamente neutral, donde predominan tanto el blanco como el gris, asemejando al concreto y a los metales.

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Fotografía: Todd Eberle

Michael Tilson Thomas (de pie), fundador y director artístico del New World Symphony, acompañado por el mundialmente afamado arquitecto canadiense Frank Gehry, quien diseñó el New World Center de Miami Beach.

ilovemiami Fotografías: Claudia Uribe

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Un detalle del atrio y de los diferentes niveles del New World Center de Miami Beach.

La luz también juega un papel preponderante en la creación de los espacios. Ésta, combinada con el dramático contraste de los ángulos agudos y las paredes onduladas, forma un extraordinario espectáculo de luces y sombras. El arquitecto canadiense juega magistralmente con el ojo del visitante, ya que las líneas y formas del lugar impresionan a todo aquel que entra por primera vez –y hasta por reiteradas ocasiones- en el increíble espacio. Parecería que Gehry, inspirado en una pieza rítmica clásica, le dio vida a este lugar, en el que con sólo mirarlo sentimos los altibajos y emociones que tan sólo es capaz de transmitir una composición musical. La fachada de la edificación cuenta con una majestuosa pantalla de vidrio de más de 80 pies de altura, que recrea una entrada espectacular al lugar,

Una perspectiva del impecable trabajo de Frank Gehry, donde los ángulos, las curvas y las líneas rectas se unen para lograr una magnífica composición.

y que presenta a su vez envidiables vistas de los jardines y de los alrededores del centro. En las afueras del New World Center el arquitecto Gehry creó unos espacios ajardinados que invitan a los transeúntes de la avenida Collins a moverse entre diversas estructuras de hierro en forma de árboles. Estas obras de arte están cubiertas de trinitarias que se aferran al metal, creando un efecto en el que la naturaleza se apodera de la creación humana. Los jardines, que están abiertos al público, se hacen acompañar de una enorme pantalla de 7,000 pies cuadrados, que proyecta los conciertos que se llevan a cabo dentro del New World Center. Respaldados por un sofisticado equipo de sonido, los visitantes tienen la oportunidad de disfrutar de los conciertos al aire libre y totalmente gratis.

Éste es el espacio ideal para presentar espectáculos musicales en una de las instalaciones más modernas y sofisticadas del país.

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Texto: SergioCastillo Fotografías: AlejandraUrresti

Casa de Loma Verde

La originalidad de esta infraestructura le ha valido premios y reconocimientos, pero sobre todo se ha constituido en un fiel indicador de que la arquitectura argentina sigue en la búsqueda de nuevos formatos.

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Vistas frontales del cuerpo principal de la casa en diferentes momentos: primero, completamente cerrada, dando la apariencia de un gran cubo blanco ubicado en medio del campo, sin puertas ni ventanas a la vista. En la segunda imagen (de izquierda a derecha) se muestra el instante en el que se apertura el portón corredizo, revelando parcialmente el interior de la viviendo. Y, por último, hay una foto de la casa abierta en su totalidad.

Buenos Aires es una ciudad dinámica y latente, que alberga en su capital federal a unos 3 millones de habitantes -de los 15.5 millones del resto de la provincia-. Ésta no sólo se constituye en la capital argentina, sino en la capital de la contemporaneidad, el arte y el diseño, donde se exhibe y se premia lo que surge en la región. Como en muchas otras, esta urbe ha experimentado mayores cambios en los últimos 10 años que en el siglo anterior. Cambios que, de la mano de la tecnología, las crisis económicas y las diferencias sociales, alteraron las costumbres de las personas y su calidad de vida, provocando así la búsqueda de nuevos formatos y el resurgimiento de otras respuestas a estas necesidades. Es en este contexto donde se enmarca la infraestructura que mostramos durante el desarrollo de esta columna.

Ubicada a 54 kilómetros de Buenos Aires y concebida para ser ocupada sólo los fines de semana, esta casa prácticamente fue “sembrada” en el terreno, con la firme idea de integrar su interior al exterior, y viceversa. También fue creada para desplegarse fácilmente, previo a su uso, y cerrarse herméticamente, con la misma liviandad, a la hora de partir. Construida en obra seca, con estructura de hierro, carcasa de chapa y corazón de madera, la casa de Loma Verde destaca por su simpleza conceptual. Se trata de un volumen en tira montado sobre pilotes, con un gran portón corredizo de chapa que cubre o descubre –según se prefiera- la única fachada vidriada que da hacia el frente, y que a su vez descansa sobre un deck. Este volumen se extiende hacia otro menor a través de un pasillo vidriado, desembocando en la habitación principal.

Sin dudas, esta casa fue concebida para el disfrute de ‘estar a la intemperie’. Además, fue pensada para convocar, reunirse y descansar.

Esta solución arquitectónica se constituye en un vivo ejemplo que cómo se soluciona la doble necesidad de proveerle seguridad y apertura a toda vivienda actual, con un elemento único. La casa de Loma Verde es un verdadero lujo escenográfico que se funde con el paisaje, destacando la arquitectura y relegando a un segundo plano visual la figura de los visitantes. El blanco tono del exterior se repite en su monocromático interior, pero esta vez por medio a la naturalidad y diafanidad de la madera que reviste tanto a las paredes, como a los pisos y techos. En el ambiente principal una encimera de piedra blanca, que incluye los fogones de la cocina y se hace acompañar de unas banquetas, también se integra a la sala de estar; mientras que la habitación de los niños se ubica a espaldas de la cocina, completando los 96 metros cuadrados de superficie con la habitación principal y sus respectivos baños. Lacasa

|21 El deck está amueblado con sillones de hierro, catres de madera, colchonetas y almohadones. Los altos ventanales, por su parte, se descubren como fachadas laterales al abrir las celosías, otorgándole luminosidad y amplitud al interior de la vivienda. El pasillo, construido con vigueta de vidrio en forma de “U”, conforma un puente translúcido que une la habitación con el resto de la casa, permitiendo el ingreso diurno de la luz natural y funcionando como una lámpara nocturna.

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La originalidad de este hábitat no tardó mucho tiempo en llamar la atención de los sectores especializados en Argentina, y se hizo acreedor de un premio en la XIII Bienal de Arquitectura (SCAEn el interior de los ambientes de la Casa de Loma Verde se repite la combinación de maderas, como la Guayubira (de la región del Iguazú e implementada en el deck y los pisos), y la madera CPAU), edición del Bicentenario -que por primera y Paraíso (utilizada en las paredes y techos que, con diferentes cortes y medidas, conforman la única vez, y por sugerencia de Clorindo Testa, optó trama del revestimiento interno). A su vez, los tejidos utilizados en todo el hogar son a base de por no reconocer a cada rubro en particular, sino algodón, que convive con los linos, los lienzos y las lonas con lana merino y alpaca. por elegir directamente a las mejores obras de los últimos dos años-. Esta casa fue proyectada por FPS Oficina de Arquitectura y llevada a cabo por Jorge Pérez, dentro de un proceso creativo en el que la idea evolucionó en el marco de varias reuniones, matizadas por referencias, devoluciones, presupuestos y posibilidades. Al equipo creativo también se sumaron, en su momento: el primer maestro herrero, Carlos Guayapero (venezolano), a cargo de la realización de la obra; y Fernando y Pablo, al frente del área de carpintería y de las instalaciones eléctricas, sanitarias y de gas; así como de la pintura y de la ayudantía en el área de herrería. La casa de Loma Verde también fue destacada por ARQ, un suplemento temático del diario Clarín, que en su repaso anual la destacó como un claro ejemplo de por dónde anda la arquitectura argentina en estos momentos. (El autor estuvo a cargo de la dirección de obra de esta propuesta arquitectónica).

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Por: OlgaAgustín Fotografías: BayoanFreites

Estilo vintage,

lo mejor de cada época De vuelta al pasado, pero sin olvidar el presente, el interiorismo de hoy día se aferra al estilo vintage con la firme intención de economizar y de salpicar de nostalgia al vanguardismo. En las casas de nuestras abuelas los vemos por doquier. Son esos, los

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elementos –de inicios, mediados y finales del siglo pasado- que muchos arrojan a los basureros y que otros desestiman en sus desvanes, los que se remontan a los hogares actuales para prodigarles un toque vintage. Desde reliquias como máquinas de escribir, credencias, teléfonos de disco y globos terráqueos, hasta cortinas, alfombras y cojines con motivos geométricos o étnicos, pasando por antigüedades como espejos, tocadiscos, vajillas, cristalería y sofás retapizados… Todo encaja dentro de este estilo que se distingue por fusionar piezas de otras épocas con las actuales tendencias. “Lo vintage se apoya en la conservación de artículos añejos y de calidad que, por su valor monetario y sentimental, permiten ser reacondicionados y reutilizados en nuestros espacios”, explica Cecilia Lorenzo, diseñadora de interiores de Casa Cuesta (responsable, junto a los también diseñadores, Johnny Tejeda Schery y Josefina Bauer, de ambientar el “Bazar Estilo Vintage”, exhibido en esa tienda). “En este estilo convergen lo artesanal, lo étnico y lo bohemio, junto al buen gusto y la simplicidad, creando los espacios más elegantes, románticos e íntimos que podamos imaginar”, agrega Lorenzo sobre esta tendencia que cobra una fuerza indetenible dentro del mundo del diseño.

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1. En un ambiente romántico, diversas piezas vanguardistas junto a una antigua caja registradora (marca Olivetti), representan la esencia del estilo vintage. 2. Un gallo de metal parece alardear de su singularidad y colorido (atributos propios del vintage). 3. En un rincón –como éstese destacan objetos donde el aspecto artesanal, étnico y bohemio se unen con un fin común: respaldar al estilo vintage. 4. Una ancestral cómoda puede tornarse vintage si se pinta de un color vibrante. 5. Al colocar ornamentos modernos sobre un vetusto radio logramos un perfecto toque antiguo-moderno. 6. Como si se tratase de una mudanza vintage, con reliquias sobre sí, un Mini 1275 GT irrumpe grácilmente en esta exhibición. 7 y 8. Sobre un mueble de jardín con un acabado antiguo, la cristalería de color y la platería crean espacios elegantes, románticos e íntimos (característicos del vintage). 9 y 10. Antigüedades como máquinas registradoras, de escribir, de imprimir cheques; teléfonos de disco y hasta globos terráqueos se presentan en este estilo. *Todos los ambientes y artículos de estas imágenes corresponden al “Bazar Estilo Vintage”, de Casa Cuesta.

Fotografía: HollyReynoso

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Texto: OlgaAgustín Fotografías: MaríaPrimo

Club Musée, una creación dominicana en pleno Madrid Lacasa

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La zona VIP del Club Musée, inspirada en la sala de exposiciones de un museo, presenta interesantes efectos ópticos creados por un juego de espejos y cuatro marcos de cristal negro retro-iluminados, con fotos del alemán Robert Bartholot. El espacio también está matizado por una dramática iluminación y por originales muebles diseñados especialmente (por Parolio) en forma de geométricas, brillantes y coloridas esculturas.

Para Parolio, un director creativo y diseñador de interiores criollo, responsable de gestar reconocidos proyectos internacionales, el concepto de fusionar el arte contemporáneo con la cultura nocturna de este club madrileño generó un resultado futurista y extrasensorial. Su ‘procreación’ se llevó a cabo en la capital española -en la calle Alberto Alcocer 33, para ser más precisos-. Fue allí donde Fernando Nicolás y Jacobo Domínguez, los dueños de lo que hoy día se conoce como el Club Musée, decidieron abrir la discoteca que sigue capturando la atención tanto del público nacional e internacional, como de los editores y periodistas de libros y revistas especializadas en decoración e interiorismo. Y es que la línea conceptual seguida por el diseñador y creativo dominicano fue, desde el principio, la de crear un “club nocturno y artístico”, cuyo diseño enriquecido con elementos diferenciadores (como las instalaciones de arte moderno, la iluminación y los recursos multimedia) le aportaron un valor agregado y se encargaron de sugerir un museo de arte contemporáneo, matizado por líneas limpias y geométricas y por esculturales estructuras. El trabajo de Parolio, fundador de Parolio & Euphoria Lab, arrancó en la primavera de 2010, con un proceso de conceptualización, creación de marca y diseño de interiores que duró 45 días, proseguido de la materialización en obra, que se llevó a cabo en dos meses y medio. Así nació Club Musée, ocupando un diáfano espacio de forma rectangular y una amplitud repartida entre 700 metros cuadrados de jardín e infraestructura.

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La barra Art es la mayor del Club Musée y está dedicada al arte. Cuenta con una gran escultura tipográfica y con una ilustración iluminada con proyectores RGB LED. Allí, Glenn Hilario, un ilustrador de moda domínicoamericano, se encargó de las ilustraciones, elaborando junto a Parolio un collage de 10 metros de ancho.

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En esta discoteca las notas musicales de los géneros de moda (como el house, el pop, el rock y la electrónica) se confunden con las piezas del lugar, que presentan un gran valor estético, cultural y artístico, y se materializan a través de sus fotos, vídeos de arte, instalaciones, ilustraciones y, por supuesto, de los diseños.

“Lo que un club del futuro podría ser”, Bill Tikos, gurú de tendencias “Espacios conceptuales, con elementos temáticos, dinámicos e interactivos, y una gran presencia del color y la teatralidad” son las características que, según Parolio, están presentes en todas sus composiciones y, por supuesto, en el Club Musée. Amante de los diversos estilos artísticos que presenta la historia del Diseño de Interiores, este profesional dominicano, que ha concebido espacios comerciales de la talla de Le Marquis, Petite Mort y Pachá Madrid, eligió el arte contemporáneo y el arte moderno de finales del siglo pasado (sobre todo el imperante en las décadas de los 60 y 80) para este club nocturno. El pop art, el anime japonés y las instalaciones también inspiraron a Parolio durante el proceso de creación de este local de ocio nocturno, sin dejar de lado el acostumbrado uso de un puro tecnicolor proveniente de sus raíces caribeñas. Desde el ingreso al Club Musée, su caja arquitectónica -y todo lo que hay dentro de ella- exuda

La barra Expo está formada por un botellero con marcos geométricos y tecnología tridimensional, cuyos revestimientos son en cristal negro y están compuestos por dos espacios que permiten visualizar lo último del arte en vídeo. El mostrador está completamente cubierto en cristal y granito negro.

el eslogan “Art You” (o “Imprégnate de arte”, si se traduce al español), como frase insignia de la discoteca. Esta expresión forma parte, igualmente, de la campaña publicitaria ideada por Parolio & Euphoria Lab, ya que esta firma también trabaja con el mundo de la comunicación, las marcas, el mercadeo y las tendencias. Provisto de una escalera de entrada, un pasillo central, una zona VIP, dos barras, una pista y dos cuartos de aseo, en este club la iluminación se instaló con la firme intención de impregnar dramatismo y esculturalidad; de hecho, ésta se constituye por sí misma en un elemento escultórico. Cabe destacar que el diseñador de interiores Parolio no sólo trabajó ampliamente con juegos de espejos y espejos espías, que propiciaron la creación de superposiciones y repeticiones de las luminarias, sino que mandó a diseñar en exclusiva todas las lámparas del lugar en metacrilato. En todos los casos, el reflejo interacciona con el diseño de la iluminación, que es en su mayoría tipo LED RGB y que se extiende en la infraestructura a través de sus 400 metros lineales. Por otro lado, saltan a la vista los materiales implementados en el diseño de interiores del Club Musée. Entre estos están: el revestimiento de los muros en cristal negro, la implementación tanto de espejos en tonalidad plateada, como de cristales en colores dentro de los baños; así como la cerámica

“Hay que tener una visión conceptual clara y no alejarse del hilo conductor del proyecto, aunque se incluyan elementos escultóricos y artísticos”, Parolio (www.euphorialab.com).

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1 y 3. El Club Musée se da el lujo de contar con imágenes de fotógrafos del calibre del berlinés Robert Bartholot (foto 1) y del madrileño Paco Peregrín (foto 3). Allí también se pueden apreciar las ilustraciones de Glenn Hilario, un ilustrador de moda domínico-neoyorquino. 2. Los baños se presentan en dos sólidos bloques de color (el de los caballeros es azul, y el de las damas es magenta), con ilustraciones en las paredes y espejos retro-iluminados. Vale destacar que todos los elementos de aseo (jaboneras, papeleras y secadores) están integrados al diseño del espejo, despejando así toda el área. 4. La plataforma flotante del DJ está sujeta por una estructura de metacrilato incoloro, y todos los cables pasan por la estructura de la tapa de la mesa (que es en forma de “U”), la cual se sujeta de las paredes. 5. Esta imagen gráfica de Twiggy, la famosa modelo londinense, está compuesta por piezas acolchadas y tapizadas en terciopelo negro.

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geométrica y tipo rompecabezas, de color negro y de dibujos en relieve, aplicada en ciertas áreas. Las superficies, por su parte, se expresan a través de un piso de cemento pulido y resina plástica, con algunas zonas enmoquetadas; mientras las barras y los muebles de los baños cuentan con tapas de granito negro. Los rodapiés, los portales y los embellecedores son de acero inoxidable pulido. En cuanto a la paleta de colores, existe una estrecha correspondencia con las imperantes en el universo del arte contemporáneo de finales del siglo XX, añadiéndole ciertos toques del mundo pop y tendiendo hacia una perspectiva más geométrica. Si del mobiliario se trata, Parolio se lleva enteramente los créditos. “La idea era buscar piezas escultóricas, que agregasen valor artístico al concepto”, agrega este profesional que diseñó los muebles exclusivamente para el Club Musée. En el caso de la zona VIP los sofás están suspendidos de las paredes, y el desarrollo de las geometrías tapizadas sigue la línea que marcan los contornos de las fotos, pues se trató de que estas piezas mobiliarias fuesen parte de la imagen enmarcada. Sin embargo, es el enorme sofá (de tres metros), con un respaldo contorneado en forma de letras corpóreas, acolchadas y tapizadas, el que deja sin aliento a todo el que ingresa a esta área. Mientras que los pufs, en forma de bloques geométricos multicolores, mantienen la estética del entorno. También hay dos habitáculos privados, uno naranja y otro magenta, donde Parolio experimentó con la tapicería, utilizando bases de madera cortadas con láser, que luego fueron tapizadas. En su generalidad, el diseñador jugó con la contraposición de diversas piezas frente a varias texturas y colores de telas (de la marca danesa Kvadrat), mezclándolas y creando secciones brillantes y mates, con un contraste de bloques de fuertes tonalidades. Aunque con el diseño del Club Musée, Parolio sólo pensó en volcar originalmente su amplio conocimiento profesional sobre la creación de locales de ocio nocturno y su profunda admiración por las artes plásticas, jamás imaginó que un par de días después de la inauguración habrían más 600 páginas, en 12 idiomas diferentes, haciéndose eco de este proyecto y recomendándolo como uno de los lugares que se constituyen en sí mismos en una experiencia sensorial distinta y novedosa.

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6. Esta vista, desde la barra del madrileño Club Musée, permite ver la pista, cuya instalación está diseñada en Tubeled AQUA RGB para efectos visuales y cuyo diseño original está hecho con espejos que potencian la espectacularidad de la instalación. 7. En el pasillo hay dos habitáculos privados, con un espectacular diseño en madera (cortada con láser) y con un minucioso trabajo de tapicería, cuyas piezas acolchadas se encajan como un rompecabezas formando una escultórica pieza. 8. La barra Expo muestra dos marcos geométricos, que cuentan con tecnología 3D, y exhiben lo último del arte en vídeo. 9. La escalera de entrada cuenta con una instalación de espejos y luminarias tipo LEDs, que generan espectaculares efectos ópticos para el visitante.

actualidad

Texto: OlgaAgustín / Imágenes: FuenteExterna

El Arte se tiñe de rosa En la muestra colectiva “En Tono

Para conocer más sobre ALADI y ADOPRODI, ingrese a: http://adoprodi.blogspot.com/

Agenda de ALADI

y ADOPRODI

El programa de actividades pauta-

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do por la Asociación Latinoamericana de Diseño (ALADI) y por la Asociación Dominicana de Profesionales del Diseño (ADOPRODI), de julio a septiembre, comprende exposiciones y congresos internacionales, un día dedicado a la Industria y hasta una jornada de diseño de interiores a realizarse localmente en julio. La diseñadora de interiores Julia Virginia Pimentel Jiménez, presidenta y fundadora de ADOPRODI y coordinadora del Comité Nacional ALADI-República Dominicana, informó que del 5 al 8 de julio se llevará a cabo la IV Jornada de Diseño de Interiores en UNIBE. Del 25 al 27, Argentina será la sede del II Congreso Latinoamericano de Enseñanza UP; del 26 al 29, ese mismo país presidirá el Encuentro Latinoamericano 2011 UP y (el día 29) la reunión de representantes de ALADI. Agosto trae consigo la Exposición Casa Brasil 2011 (del 2 al 6), en el país carioca; la Exposign Argentina con sus Quintas Jornadas Latinoamericanas de Diseño y Tecnología, en Buenos Aires (del 4 al 6); el Primer Congreso Nacional de Diseño de Brasil / Diseñando el Futuro 2011, en tierras brasileras (del 2 al 6); y Expo Arte Moda Deco Córdoba 2011, en Argentina (del 13 al 15). Septiembre cierra esta programación trimestral con la celebración del Día de la Industria (el día 2) y con la Semana del Diseño en Monterrey (del 6 al 9).

Rosa -Arte con amor y causa-”, cuarenta artistas plásticos nacionales e internacionales plasmaron su talento con el objetivo de recaudar fondos para la Fundación Prevención de Cáncer (FUPRECA). Las obras, presentadas del 25 de mayo al 14 de junio, exhibieron diversos formatos, técnicas y estilos y le abrieron paso a SorMed Fine Arts Gallery, un nuevo espacio para el arte y la cultura en Santo Domingo –ubicado en la calle Wenceslao Álvarez, número 7, de la Zona Universitaria-. En esta exposición, la curadora y crítica de arte dominicana Lilian Carrasco quiso diseñar una muestra colectiva donde los artistas pusiesen de manifiesto su sensibilidad hacia la lucha contra el cáncer de mama, incorporando el rosado a sus pinturas por ser esta tonalidad la que identifica la campaña contra la enfermedad.

En esta muestra expusieron artistas dominicanos de renombre (como Guillo Pérez y Pedro Oviedo, entre otros tantos); internacionalmente, los artistas sudamericanos, centroamericanos, estadounidenses y españoles, se hicieron presentes.

IV Jornada de Diseño de Interiores de UNIBE La Escuela de Diseño de Interiores de la Universi-

En la Escuela de Diseño de Interiores de UNIBE (Teléfono 809-689-4111 ext. 4522), podrá obtener más información.

dad Iberoamericana (UNIBE) realizará su IV Jornada Universitaria de Diseño de Interiores, cuya temática central versará sobre el tópico “Diseñando Hoteles”. La actividad será celebrada desde el martes 5 hasta el viernes 8 de julio en las instalaciones de la Alta Casa de Estudios. Como todos los años, la motivación de esta institución académica es la de constituirse en un espacio de encuentro entre los diseñadores, las empresas y las Escuelas de Diseño de Interiores, donde se analizarán las últimas tendencias y los nuevos productos de la Industria, a través de la presentación de diversos proyectos a cargo de un grupo de diseñadores de interiores. A esta Jornada están invitadas distintas empresas nacionales que expondrán sus productos y servicios, haciendo énfasis en los esfuerzos mercadológicos que llevan a cabo para competir y captar a sus consumidores y rigiéndose por el tema “Diseño de Hoteles”, como eje central de la actividad.

portada Texto: OlgaAgustín Fotografías: MaglioPérez

Con la predominancia del blanco, el azul, el gris y el marrón, el estudio de este apartamento se convirtió en un verdadero refugio audiovisual para su propietario, pues allí le rodean sus pasatiempos favoritos. Las piezas interesantes, como el juego de ajedrez, los accesorios apostados en el librero, el mobiliario con toques de madera y metal, la alfombra y el diván, se encargan de prodigarle calidez.

Cuando la moda entra en casa, a través de un profesional como Jorge Brown, los resultados no se hacen esperar y se evidencian en el diseño de interiores de un apartamento como éste, ubicado en el Polígono Central de Santo Domingo. Si el sustantivo “diseño” se hace acompañar de la preposición “de” y ésta, a su vez, de las palabras “artes gráficas”, “moda” e “interiores”, sin proponérnoslo, estamos refiriéndonos a las diversas áreas profesionales en las se ha desempeñado Jorge Brown durante toda su vida. Y es que para él, “lo chulo del diseño es que puedes crear tu propia burbuja”. Ahora, Brown se encuentra en su faceta de interiorista, y a través de la firma de diseño que lleva su nombre no sólo está promoviendo una forma particular de diseñar los espacios, sino una manera de ayudar a sus clientes a desarrollar un estilo de vida diferente. Es un seguidor furibundo de las tendencias y se define poseedor de un estilo “chic, contemporáneo y repleto de fusión”. También le gusta “lo glamoroso, pero sin rayar en la ostentación” y le encanta, además, experimentar y tomarse riesgos, pues es “la única manera de lograr espacios totalmente únicos”, según apunta. Este “adicto del diseño”, que interpreta al cliente observando sus necesidades y gustos, trata de crear una “burbuja particular” en cada espacio, donde converjan los estilos del anfitrión y del diseñador.

Bajo una atmósfera diferente En este apartamento capitaleño, lo único que los clientes (un abogado soltero y su hija de nueve años) pidieron a Jorge Brown, fue que implementase los tonos azules y blancos en la mayor frecuencia posible. Aquí, el creativo tuvo la entera libertad de propiciar un espacio que lograse sacar al anfitrión del rutinario ambiente de oficina y que contase con los debidos toques de femineidad necesarios tanto para el soltero, como para la pequeña de la casa. Sin embargo, este “enamorado del interiorismo” nunca perdió de vista que las reglas debían primar dentro de este diseño, para lograr un toque de elegancia y frescura sin transgredir los límites del cliente; sin dudas, todo un reto para quien estaba encargado de crear una atmósfera diferente, dotándola de las personalidades de sus habitantes.

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|35 Este espejo acentúa el carácter de la sala de estar. Su forma (geométrica) y su material (enmaderado) contrastan absolutamente con la ambientación vanguardista que circunda a la pieza.

Aquí, al igual que en el resto de los proyectos de interiorismo en los que ha estado inmerso, Jorge Brown tendió a “crear un hogar y un espacio vivido, donde verdaderamente se interactuase” bajo el alegato de que es “incapaz de crear espacios tan limpios que no te permitan estar en ellos durante más de dos días”. Pero a Brown no le costó, en absoluto, empatizar con el propietario de este inmueble de tres habitaciones (con sus respectivos baños), con un estudio y un comedor independientes, y provisto de un vestíbulo espectacular. Durante el periodo de planeación y ejecución del proyecto, el director de arte disfrutó al máximo el proceso al mantenerse en constante interacción y complicidad con el cliente.

Un surgimiento paulatino “Las estancias fueron naciendo una a una”, afirma Brown, y al parecer esto sucedió en la medida en que se fue inspirando. La primera pieza que llegó a la infraestructura fue la mesa del comedor y, poco a poco, arribaron el resto de

“La moda (en el más amplio sentido de la palabra) está en todas partes, por eso me gusta implementarla en el diseño de interiores”, Jorge Brown.

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El estudio de este apartamento capitaleño se constituye en un espacio contemporáneo, matizado por las acostumbradas fusiones de Jorge Brown y sus singulares detalles, presentes en cada rincón. La sala (imágenes superior derecha e inferior) es “divertida y egocéntrica, con mucha fusión y una gran implementación de patrones”, según su diseñador. Aquí reinan los objetos de diseño que van, desde un espejo Luis XV, unas llaves tailandesas, algunos broches de jade y piedras de cuarzo, hasta los complementos más inimaginables…

los muebles y detalles que, ante la sorprendida –pero confiada- mirada del propietario, se fueron fusionando y encargando de propiciar una lectura espacial conjunta. La primera impresión de este apartamento, su vestíbulo, es totalmente retro y conjuga las características: “diversión y masculinidad”. En esta área impera una fusión de formas y colores que se evidencian a través del empapelado, de los patrones, de los espejos orgánicos y geométricos, de la escultura en forma de caballo y de la mesa entramada en verde (diseñada por la firma de Jorge Brown). La paleta blanquiazul se aferra al requerimiento cromático del cliente, mientras que la repetición de los patrones y de las formas, tanto geométricas como orgánicas, se encargan de prodigar el dramatismo que impera en todas las áreas de la casa. Precisamente, es el patrón y el color de la mesa, situada en el recibidor, la que antecede y refiere las miradas hacia la sala; el verde interconecta tanto con el tono, como con el diseño de los cojines, mientras que su entramado se corresponde también con las claves grecas que ribetean las cortinas. En el espacio de estar, Jorge Brown quería evocar un ambiente alegre y confortable, que fuese capaz de exclamar por sí mismo: “¡Siéntate, acomódate e interactúa!”. De ese modo, esta sala procedió a ser dotada de un estilo barroco retomado y se formó con la composición de elementos puntuales, como la intrincada mesa de mármol, la alfombra con una superposición de elementos geométricos mezclados con repeticiones, el amplio sofá en forma de “L” y los contrastantes orejeros azules, junto a curiosos objetos de diseño que, aparentemente no se relacionan entre sí, pero que efectivamente guardan una vinculación recíproca. “Debo recalcar que todo el mobiliario de este apartamento se adquirió en el país”, agrega el diseñador, y aunque por la sala de estar desfilaron hasta cinco mesas centrales, para Brown lo más importante era colocar justamente lo que el espacio ameritaba, “ni más ni menos”. Ya en el estudio, contiguo a la sala, pero totalmente independiente de ésta, el director de arte decidió conferirle un aire de formalidad a este espacio que estaría destinado exclusivamente al ocio y la lectura por parte del anfitrión de la casa. Así, la coloración marrón y gris, retrotrayendo al blanco y

Este comedor ocupa un espacio que permite la integración con otras áreas sociales de la residencia. Sobre una mesa para ocho comensales, cuyo tope está fabricado a base de material de coco, se percibe el montaje y la cubertería de Janet Rivera, los platos de D´Arquín y las copas de Altri Tempi. Mientras que el techo es engalanado por una lámpara de cristales y las paredes están elegantemente empapeladas.

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“Me gusta que los espacios se vean habitados y con historia, por eso no pueden faltar los detalles”, Jorge Brown.

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al azul, así como el mobiliario, con características totalmente sobrias y masculinas, partieron de las actividades a desarrollar. No obstante, no faltaron en este espacio esos detalles simpáticos y juguetones, que se sumaron al hilo conductor contemporáneo y chic imperante en el resto de áreas, pero sin dejar de diferenciarse de éstas. En el comedor, la línea a seguir fue la de tornarlo cálido y acogedor para los familiares y amigos del propietario. “Aquí me incliné por los tonos pasteles, pues buscaba la sublimidad”, dice Brown. Y para complementar la selección cromática, diseñó dos muebles que colocó en lo que anteriormente eran unos nichos y dispuso, además, de una llamativa luminaria cenital, de unas suaves cortinas y de una mesa para ocho comensales, cuyo tope está fabricado a base de material de coco. Si de habitaciones se trata, está la de la más joven de la casa, que tiende hacia lo francés provenzal romántico y que cuenta en su ambientación con diversas texturas y empapelados. Los colores son suaves y sus elementos exhiben un estilo barroco restaurado. Para Brown, era sumamente importante diseñarle un espacio a una niña en crecimiento, donde se sintiese cómoda. “Ella me guió mucho. Tuvimos buena química desde el principio”, recuerda el diseñador. Contraproducentemente, en el dormitorio del anfitrión no dominó el blanquiazul, sino una estancia creada por Brown para “prodigar paz y la relajación del cuerpo”. Fueron, precisamente, los detalles los que marcaron la diferencia. El cristal, la madera y el metal fueron los materlales claves; mientras que un área de desayuno y otra de descanso se encargaron de facilitar la comodidad de quien allí pernocta. Cuando los seguidores de este creativo visitan el espacio y opinan: “¡Muy Jorge Brown!”, a él le surge la disyuntiva de si “¿será porque refleja bien mi estilo, y no se parece al de nadie?” o de si “¿será porque me he salido de los cánones al atreverme demasiado?”. Sea como sea, los dueños de este apartamento están de pláceme, y sólo saben que se mudarán cuando Jorge Brown les mande a preparar una cena inaugural y les dejé la nevera surtida –como ya es su costumbre al entregar cada uno de sus nuevos proyectos-.

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1. En las paredes del comedor, unos platos del diseñador Fornasetti. 2. Éste es un detalle apostado en un lateral del pasillo, en cuya área se fusionan elementos, formas, texturas, estilos y hasta épocas, idénticos a los del vestíbulo y similares a los del resto de las estancias. 3. El recibidor denota dinamismo a través del blanquiazul de sus empapelados. Aquí el uso de los espejos no sólo juega un papel estético, sino que aumenta la sensación de espacio y refleja la luz. El caballo, la mesa (de la firma Jorge Brown) y un cuadro (de Melissa Mejía, una de las artistas representadas por Lyle O. Ritzel) se constituyen en atrevidos recursos, propios de un buen vestíbulo. 4. Una alcancía en forma de marrano de resina y mármol (de Harry Allen) y cuadros de la Galería Lyle O. Ritzel reinan en este rincón de la sala. 5 y 7. En la habitación infantil la tendencia de Brown derivó hacia lo francés provenzal romántico (el mobiliario pertenece a la firma de Jorge Brown). 6. Regio, sobrio y armónico, así es el dormitorio principal de este apartamento, donde Jorge Brown trabajó con una línea muy suave.

livingoffice Texto: Arq.LizaCastellanos Fotografías: MaglioPérez

Un gancho para la ropa fue el objeto de uso cotidiano, implementado por la arquitecta Liza Castellanos en el diseño de interiores de La Tintorería, como alegoría perfecta del propósito comercial de esta lavandería.

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Elementos simples en el diseño,

el ‘gancho’ perfecto

Crear la identidad de un nuevo establecimiento comercial a partir de una percha, fue la clave para que La Tintorería Dry Cleaners -un espacio de apenas 18 metros cuadrados- resultase innovadora, memorable y transportable a futuras sucursales. Romper con la clásica imagen de una lavandería común era la premisa principal de este proyecto de diseño (a cargo de la arquitecta Liza Castellanos). Y es que los propietarios de La Tintorería Dry Cleaners no sólo deseaban sustentar su nuevo negocio en vender un servicio diferenciado y personalizado, sino en reflejar una identidad corporativa totalmente innovadora. De ese modo, diseñar a partir de un elemento único parecía lo idóneo; así como lo era el aplicar un ente que fuese capaz de plasmar todo el lenguaje visual de este proyecto.

¿Una percha? A juicio de la arquitecta encargada del proyecto de diseño en cuestión, ¿qué otro componente, que no fuese una percha, podría llenar todas las expectativas creadas alrededor de este negocio en ciernes? La respuesta indiscutible fue: ninguno. Tras varias propuestas, un gancho para la ropa resultaba ser ese objeto metálico de uso cotidiano, que se constituía a su vez en una verdadera alegoría de la función propia de una lavandería. Y, además, era un elemento fácil de manejar, económico, sencillo, pero ante todo original. Por supuesto, la idea le encantó desde el principio a los dueños de La Tintorería Dry Cleaners. A seguidas, la cuestión era determinar cuántas perchas colocar: ¿Una, dos, tres…? ¿Varias, tal vez? La conclusión, que se evidencia hoy en día, es que se dispuso de un sinnúmero de éstas. Un simple dispositivo con la forma de los hombros y diseñado para colgar el vestuario, previniendo sus arrugas, fue perfecto para ambientar este local, ya que por su conformación metálica y su tonalidad grisácea, se encargó de aportarle un toque de contemporaneidad a cada rincón. La transparencia y ligereza, conferidos por elementos propios de la cotidianidad, se afianzaron en el interiorismo de este espacio reducido, pues contribuyeron a que no luciese recargado. Las perchas resaltan, pero no pesan; existen, pero no invaden. Liza Castellanos, arquitecta.

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Una simple percha fue el ‘gancho’ perfecto para el diseño de interiores de este proyecto comercial, resultando fácil de manejar, económico, sencillo, pero ante todo original.

“Diseñar a partir de un elemento único es idóneo si permite plasmar el lenguaje visual del proyecto”,

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Del techo, los ganchos pasaron a las paredes de La Tintorería. Allí cobraron movimiento, se organizaron en forma de espirales y se tornaron en apliques decorativos que enriquecen y proporcionan textura al blanco de la envolvente.

Desde el inicio, se planteó utilizarlas en su forma original, para que todos pudiesen identificarlas fácilmente, e implementarlas de una manera en la que siempre fuesen percibidas como lo que son (“Utensilios ligeros que constan de un soporte donde se cuelga un traje u otra prenda parecida, y que tienen en su parte superior un gancho para suspenderlos de una barra”, según la RAE). También se perseguía que éstas siguiesen comportándose como tales, pero multiplicándose, repitiéndose, superponiéndose en desorden y molestándose unas a otras. En términos formales, se trataba de jugar con ellas; de penetrarlas, de interceptarlas y de unirlas, con el objetivo de obtener nuevas formas y estructuras. El siguiente paso era encontrarle nuevos usos y aplicaciones en el diseño a estos rudimentarios ganchos de ropa que, extendidos en forma plana y sin ningún patrón a seguir, se conformaron en módulos cuadrados, y que posteriormente fueron suspendidos en el techo -a modo de cielo raso o de plafón de interesante textura-.

De igual modo, esta telaraña metálica devino en un excelente fondo para el letrero en acrílico ubicado detrás del mostrador, constituyéndose también en una proyección de las perchas del logo de La Tintorería Dry Cleaners. En las lámparas colgantes, las perchas se organizaron en torno a un eje vertical, conformando las pantallas de estas luminarias, que se convirtieron finalmente en las protagonistas del lugar. Del techo, los ganchos pasaron a las paredes, en donde se encargaron de cobrar movimiento y de organizarse en forma de espiral, con apliques decorativos que enriquecieron y ofrecieron textura al blanco de la envolvente. El resto de la ambientación estuvo a cargo del acero inoxidable, el cristal, la madera oscura y la renuncia al color, acompañados por dos sillas y un mostrador. Pero, sin dudas, lo que predominó en el diseño comercial de esta lavandería fue el haberse establecido como un verdadero ejemplo de que en un espacio mínimo el ‘gancho’ perfecto radica en un objeto sencillo y común. En este caso, en una simple percha…

Entre los nuevos usos y aplicaciones conferidos a las perchas dentro de este interiorismo, se encuentran: la estructuración de un cielo raso o plafón, la telaraña metálica que sirve de fondo para el letrero ubicado tras el mostrador y las lámparas colgantes organizadas en torno a un eje vertical.

Fotografía: MaglioPérez

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Arq.CarolinaGarcíaMarcano

Fotografías y plantas arquitectónicas: CortesíaArquitecturaenVerde/Arquitec3D Locaciones: LAVE, S. A. / Grupo Indarte, S. A.

Oficinas ‘domésticas’ Con un poco de imaginación, algo de color y varias ideas, cualquier estancia del hogar puede convertirse no sólo en una oficina, sino en un área de diseño y en un verdadero refugio. Con el pasar de los años, contar con una Lacasa

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Esta oficina presenta una opción moderna, pero elegante a su vez. Su mobiliario está fabricado a base de madera natural laminada y su escritorio principal es móvil y promueve diferentes usos. (Línea predominante: Escritorio Universal. Silla: Think de Steelcase).

oficina en casa resulta más que imperativo. Por eso es tan importante manejar los conceptos básicos para ambientar este tipo de espacios, tornándolos productivos y acogedores al mismo tiempo. El trabajo en casa, según los científicos sociales, se ha convertido en la forma más común de ganarse la vida en el siglo XXI. De ahí la importancia de habilitar un espacio de uso exclusivo para las tareas profesionales, pues de no hacerse así, la salud física y psíquica de los miembros familiares podría verse afectada. Aunque en principio la vivienda no reúna las condiciones óptimas para instalar una oficina, hay que ingeniárselas para lograrlo sin romper la armonía decorativa del entorno. Esto es posible con un poco de creatividad y aplicando ciertos criterios de diseño que se adapten a las necesidades específicas. Para diseñar una distribución factible y funcional, lo ideal es ubicar la oficina en un espacio interior de la casa que no esté relacionado directamente con las áreas sociales, ya que debe propiciarse la privacidad y la concentración para no interrumpir el trabajo realizado. Es recomendable, inclusive, delimitar un horario de trabajo, para que el resto de la familia respete el tiempo que se ha de estar allí. Asimismo es importante tomar en cuenta que el hecho de elegir un pequeño espacio de la casa, que muchas veces se encuentra subutilizado, no

1 siempre es la mejor decisión para instalar una oficina doméstica que resulte práctica y atractiva.

• Establecer cuántos colaboradores habrán de trabajar en el área.

• Adquirir los muebles y equipos necesarios para ¡A organizarse!

poder realizar las funciones dentro del espacio.

Existen diversas formas de ordenar un espacio para trabajar, y para descubrirlas hay que darle respuesta a las siguientes inquietudes: • ¿Cuánto tiempo se estará allí? (Elaborar un horario de trabajo que sea respetado por todos en el hogar). • Especificar si el espacio sólo será utilizado como oficina o si el resto de la familia podrá destinarlo a otras actividades. De ser así, se deben establecer ciertos límites. • Verificar si se van a recibir visitas de trabajo y se van a celebrar reuniones dentro de esta estancia. En caso afirmativo, es importante calcular la cantidad de personas a esperar, y fijar las fechas y horarios para atenderlas.

• Elaborar un planito del número de personas, muebles y necesidades que imperarán en la oficina.

• Consensuar qué área de la casa se podrán utilizar como oficina. Hablar con la familia para destinar un área privada y específica. Despejar estas interrogantes permitirá ponerse manos a la obra. A partir de ahí, será necesario elaborar la lista de muebles y accesorios a implementar; así como clasificar el trabajo urgente, diario y de almacenamiento. De esta manera, y con un poco de orden, se tendrá todo a mano y se ejercerá un pleno control sobre la oficina. (Para más información sobre el tema, consulte: www.arquitec3D.com y www. arquitecturaenverde.com / 809-856-8068).

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1. He aquí un ambiente de trabajo más formal (perteneciente a la marca Smart, de la línea Donati) logrado a través de tonalidades oscuras y de sillas en piel. 2. Ésta es una tendencia más práctica (con la línea Smoke y la silla Cachet, de la marca Steelcase). 3. La disposición ideal de una oficina ‘doméstica’ vista a través de este plano (de Arquitectura en Verde y Arquitec3D). 4. Para algo más moderno, aquí se puede observar la línea Expace (de la marca Fursys). 5. Una silla como ésta (Move de Steelcase) marca la diferencia en cualquier espacio.

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Cómo ‘llevar a domicilio’ una oficina estética y funcional • El área de trabajo estará compuesta por un escritorio, una silla, un computador y unos muebles. En ese sentido, la silla habrá de ser ergonómica; los escritorios se colocarán a favor de la luz, serán amplios y mantendrán los materiales de diario en orden. En cuanto a la computadora, los cables estarán organizados, y en el caso de los muebles se utilizarán libreros, archivos, mesas auxiliares y mesas de reuniones (antes de comprarlos se medirá el espacio, se esquematizará el mobiliario dentro de éste y se adquirirán piezas que combinen entre sí). • Instalaciones técnicas (Internet, conexiones eléctricas, regletas, luces, teléfono, celular, impresoras, bocinas y micrófonos, entre otros). El acceso a Internet y el uso de teléfonos privados y celulares será fundamental. No se recomendará la colocación de televisiones u otros artículos que distraigan, mas sí se aceptarán equipos de música para trabajar con melodías ambientales. Lacasa

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La diafanidad de este escritorio (Donati), con el toque de color de la silla (Reply), pertenecientes a las marcas Smart y Fursys, respectivamente, hacen de ésta un área de trabajo estética y funcional.

• La iluminación podrá ser natural, o con luces de bajo consumo que preserven el medioambiente. Si se va a trabajar de noche, lo ideal será implementar lámparas prácticas y decorativas junto a la computadora. • Climatización (natural o artificial). El espacio se mantendrá fresco y limpio, con una buena ventana, o utilizando aire acondicionado y abanicos. Si el espacio es muy caliente habrá que mejorarlo para preservar los equipos eléctricos. • Área de almacenamiento. Con algunos muebles sencillos (como archivos, libreros y anaqueles, entre otros) se mantendrá una oficina limpia, cuidada y en orden. Esto se logrará colocando los papeles en archivos, imprimiendo menos documentos, rodeándose de lo necesario y destinando lo demás a una caja identificada que se guardará en un área de depósito específica. Los CDs y DVDs se colocarán en un mueble de pared, que habrá de ser decorativo y funcional. • Detalles auxiliares como pizarras, calendarios, boletines en corcho, bandejas, materiales de oficina… ayudarán a ordenar todos los mensajes y papeles de un modo dinámico y divertido, aprovechando cada metro del espacio.

Accesorios para la organización de una oficina ‘doméstica’, que sean prácticos, cómodos y estéticos (como estos de la línea Details de Steelcase), se pueden disponer en un muro o sobre un escritorio.

• Decoración. Si el área resultase ser algo pequeña se implementará un color claro (el blanco y el crema la tornarán más grande, calmada y relajada). En la pared se podrá agregar alguna textura y color llamativo, o algún empapelado o detalle arquitectónico. Como hoy en día todos los objetos vienen en diversos colores, combinar dos o tres resultará ideal. Los cuadros, flores, vinilos, relojes, esculturas y plantas, entre otros, son detalles que al ser modificados aportarán un toque diferente, si se combinan con colores básicos.

Fotografía: KarlaKhouri

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Texto: Dis.PaolaTineo Fotografías: FuenteExterna

Ciudades forradas de ‘verde’ Los techos y paredes verdes son una forma de paisajismo, que se implementa como una herramienta estética y funcional de las construcciones verdes, en constante evolución y en estrecha colaboración con el diseño ecológico. Lacasa

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Con el agitado crecimiento citadino, los espacios dedicados al paisajismo se limitan a meras aceras con escasas especies arbóreas, convirtiéndose en la antítesis de la naturaleza. Las edificaciones tradicionales absorben la radiación solar, y subsecuentemente la transmiten en forma de calor; las capitaleñas, de concreto rodeado de concreto, se expresan como calor envuelto en más calor. La techumbre verde, que se aplica sobre la parte superior de un edificio, se muestra en forma de césped, de arbustos y hasta de árboles, mientras que las paredes verdes o jardines verticales se implementan dentro y fuera de las edificaciones. Como está estructurado, un techo verde varía según la empresa, pero generalmente está compuesto por la capa vegetal, el sustrato con nutrientes, una capa que drena y almacena agua, un aislante y protector de raíces, y la membrana impermeabilizante. Las paredes verdes funcionan con módulos que permiten variar los diseños de los jardines colgantes, la elección de su grosor variará según el tipo de plantas que se siembren, y su configuración modular deja abierta la posibilidad de modificar el diseño en el futuro. La selección del tipo de vegetación a implementar, tanto en los techos como en las paredes verdes, va a depender del diseño, del espesor de la capa vegetal, pero principalmente de la resistencia

Fotografía: CortesíadelGrupoBanas

Las paredes verdes se presentan como jardines colgantes que, además de aportar estética, contribuyen no sólo a regular la temperatura de los interiores y a aislar naturalmente la acústica exterior, sino a descontaminar la ciudad y a crear hábitats que propicien la biodiversidad.

de las plantas a la exposición continua del sol, a los vientos de la temporada ciclónica y a la profundidad limitada de sus raíces. En el caso de las paredes verdes interiores, se utilizan plantas con otras características. A grandes rasgos, los beneficios de estos techos y paredes verdes son los mismos, pues ambos se caracterizan por ir más allá de lo decorativo; actúan como un sistema de aislamiento natural, amortiguando el ruido exterior, y regulan la temperatura de los interiores, disminuyendo el consumo de los sistemas de climatización. Los expertos han comprobado que implementar estos jardines en los techos o fachadas reduce la temperatura de los interiores entre un 25 y un 50 por ciento; en el caso de los jardines verticales se experimenta principalmente si son ubicados en paredes expuestas al sol. De este modo, también disminuyen las llamadas “islas de calor”, que es el calor que emite una edificación a las que le rodean. Los techos y paredes verdes limpian, además, la ciudad y los interiores de las infraestructuras; regalan oxígeno, absorben dióxido de carbono y filtran otros contaminantes producidos por la industria, el tránsito y la construcción. Asimismo, contribuyen con la biodiversidad y traen de vuelta determinados hábitats para numerosas especies, como los invertebrados y las aves.

En estas imágenes se pueden observar diversos ejemplos de paredes verdes establecidas en otros países (bajo el sello de Furbish Company, representada localmente por la empresa Espacios Naturales), mientras que la creación del techo verde corresponde a Green Living Technologies International.

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La captación de la lluvia que cae en el techo es otro de los beneficios de enverdecerlo, pues se aprovecha el agua para su irrigación, el almacenamiento u otros fines, como la descarga de aparatos sanitarios. Otra ventaja de los techos verdes es que protegen a la estructura del daño ocasionado por el sol y las lluvias, aumentando la vida de los techos al evitar las grietas y filtraciones.

Techos y paredes “verdes” en el país El Grupo Banas es un ejemplo nacional de que efectivamente se puede disfrutar de un techo verde que capta el agua de lluvia para su irrigación automática, mientras que el resto se canaliza por la cisterna para regar los demás jardines de la edificación. Aunque todavía no se ha finalizado el montaje, este Grupo ya se ha beneficiado de su techo, dotado de una capa verde de 30 centímetros de espesor.

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50| En la foto superior se percibe un techo verde de la empresa LiveRoof. En las imágenes centrales se observan un par de renders del Grupo Banas que muestran cómo serán revestidos los 350 metros cuadrados del techo de su edificio por un huerto, cuyas plantas de ciclo corto (hierbas aromáticas, condimentos, hortalizas y vegetales) requieren de poco espacio. Esto a fin de representar una producción significativa que habrá de ser aprovechada para el consumo interno de la empresa y para que los empleados puedan llevársela a sus hogares. En el resto de las fotografías también se pone de manifiesto que integrar la naturaleza a la construcción es la tendencia a seguir por la arquitectura e ingeniería moderna.

Esta compañía dominicana maximiza el uso de la vegetación en un ambiente urbano, reduce la ganancia de calor que entra por el techo a la edificación y disminuye el consumo de los sistemas de aires acondicionados. Constituirse en una infraestructura neutra en cuanto a emisiones de gases de efecto invernadero, asociados al gasto de energía se refiere, es un hecho en el Grupo Banas, ya que el edificio capta las emisiones que produce como consecuencia de la energía que consume el edificio. Además se ha logrado reducir la huella de calor de la ciudad, en un grado pequeño, al minimizar su “isla de calor”. En República Dominicana, las empresas LiveRoof y Furbish Company, para techos y paredes verdes, respectivamente, están representadas por la empresa local Espacios Naturales. LiveRoof, una empresa que funciona con bandejas de distintas dimensiones y un sistema de irrigación por goteo, se encarga de analizar la carga mecánica de la estructura, ejercida por la vegetación y la concentración de agua; de la aplicación del impermeabilizante y del asesoramiento del tipo de vegetación. Los techos y paredes verdes agradan a la vista, atenuando la frialdad de muchas de las edificaciones modernas. Traen la frescura del campo y las posibilidades de diseño son inagotables. Ya no se ha de ver esta integración de la naturaleza como algo extra, sino como parte del concepto de diseño.

En su condición de “mitad holandeses y mitad dominicanos”, la pareja propietaria

Esta infraestructura de tres niveles (diseñada y construida por Heritage Log Homes, a través de Vanagro S.R.L, su representante en el país y el Caribe) fue revestida con troncos en sus niveles superiores, y cimentada en blocks, cemento y hormigón en el sótano. El sistema de techos consta de un cuerpo central, uno perpendicular y dos adicionales; todos son a dos aguas, menos el de la entrada, que es simple.

de esta casa todavía recuerda que su vínculo con esta infraestructura, enclavada en la montaña Las Neblinas, en Constanza, comenzó como “amor a primera vista” desde el día en que fue descubierta. A él le cautivaron las frías temperaturas, que rememoran las de los Países Bajos, de donde emigró hace 26 años; y a ella, la flora y la fauna que, en semejanza a la de Holanda, es sumamente variada. Y es que, bautizada como “Smokey Ridge”, esta casa de montaña no sólo permite una visual de 360 grados, desde la que se puede divisar un paisaje inigualable (que incluye a la Cordillera Central, el Valle de Constanza, Pinalito, Tireo Arriba, Tireo Abajo y Tireo al Medio), sino que es cómplice del singular clima constancero y del remanso de paz que allí se respira. Cercada por un deck, esta vivienda de 520 metros cuadrados (dentro de un lote de 7,000) consta de tres niveles: dos a base de troncos, y el sótano de blocks, cemento y hormigón. Su diseño y construcción estuvo a cargo de la empresa estadounidense Heritage Log Homes, especializada en el área de casas pre-fabricadas, y representada en el país y el Caribe por Vanagro S.R.L. Entre los materiales utilizados en esta estructura, cuya cimentación inició a mediados de febrero de 2009 y culminó seis meses después, se encuentran: la madera de pino blanco americano, seleccionada y tratada para revestir los muros, pisos y techos; el doble vidrio de las ventanas, que tienen argón en su interior para reducir la entrada de los rayos ultra violeta. Así como aislantes térmicos implementados en techos y paredes, que no se construyeron con troncos, con el objetivo de preservar una temperatura agradable durante todas las estaciones del año; aislantes entre los troncos para evitar la infiltración de la brisa y el agua; y una pintura que protege la madera de los elementos, con tratamiento para los insectos. En cuanto a la madera, se eligió el pino blanco americano en su color natural, porque dentro de su neutralidad no sólo resulta ser estable, balanceado y versátil, sino porque combina a la perfección con los demás tonos. Asimismo, se ha comprobado que la cantidad de nudos por metro lineal en este tipo de pino es mejor que en el regular.

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verdemontañoso Los troncos que envuelven esta estructura arquitectónica se presentan en forma de “D” y miden 8 pulgadas de circunferencia, disponiendo la parte curveada hacia los muros exteriores y la plana hacia los interiores. Las piezas y complementos, de líneas simples y sutiles, fueron adquiridos en Urbana, Tienda Charo, Básicos e Ilumel, en su mayoría.

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De igual modo, este tipo de madera contribuye a que las fluctuaciones del crecimiento de la madera –propias de la temperatura y de la presión atmosférica en Constanza- sean mínimas. También prevé que la estructura se mantenga inalterable ante los movimientos propios de los productos enmaderados. Los troncos se presentan en forma de “D” y miden 8 pulgadas de circunferencia, mostrando la parte curveada en los muros exteriores y la plana en los interiores. Según explica Carlos Franco, ingeniero a cargo y director de operaciones de Vanagro S.R.L, “el tipo de construcción responde al sistema Thru-Bolt, que convierte los troncos en piezas compactas que forman la parte estructural de la casa, contribuyendo con la certificación contra huracanes (por su solidez, resistencia y durabilidad) y facilitando el hermetismo y la libertad de mantenimiento”. Sin embargo, erigir esta obra no fue tarea fácil, a juicio del ingeniero Franco, pues hubo que realizar un sinnúmero de movimientos de tierra para ajustar la topografía a los requerimientos de los dueños (como el de aprovechar al máximo las vistas circundantes), en un terreno que resultó arcilloso y que impulsó al equipo de trabajo a reforzar y modificar

las fundaciones de zapatas convencionales, a viga-zapatas. Además, hubo que sortear las dificultades iniciales para acceder a esa zona, con la complicación logística adicional del abastecimiento de materiales.

A los propietarios les cautivó, sobre todo, la vista y la temperatura de esta zona constancera, por lo que el diseño arquitectónico e interior de la casa les permite disfrutar de estas ventajas desde cualquiera de las estancias.

Un vistazo por dentro “En esta casa encontramos nuestro verdadero santuario”, refiere su anfitrión, mientras no se cansa de agradecerle a Alfredo Ríos, presidente de Vanagro S.R.L, el haberle ayudado a adquirir el terreno y a construir sobre éste –que se ha convertido en el hábitat perfecto de sus fines de semana-. “Él (Ríos) es el ‘culpable’ de todo esto…”, bromea orgulloso sobre su vivienda conformada por cuatro habitaciones (cada una con sus respectivos baños y closets), una sala de estar familiar, una cocina con desayunador, un comedor, dos salas, un salón de juego y un estudio. Al traspasar el umbral de la entrada principal se encuentra el piso intermedio (entre el sótano y el segundo nivel). Allí, a mano izquierda, está el baño de las visitas, y a la derecha, un armario de ropa blanca. Más adelante, la cocina y el comedor; el estudio y una sala. A seguidas, se encuentra la escalera que conduce a la sala principal y a dos

“Desde el primer picazo hasta la entrega de las llaves, siempre hicimos el esfuerzo para que todo saliese bien”, Alfredo Ríos, presidente de Vanagro S.R.L, sobre el diseño y la construcción de esta casa.

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La arquitectura de esta casa de montaña, dotada de movimiento y dinamismo a través de sus líneas, exhibe alturas en sus techos que van desde los 3 metros (en el sótano y el piso inferior) hasta los 2.80 y 4.50 metros en la parte más alta de la limatesa (en el nivel superior).

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habitaciones superiores. En el sótano, sin embargo, dominan dos habitaciones con sus closets. A cargo del interiorismo y la decoración de todas y cada una de las áreas estuvo la anfitriona, quien muy por el contrario al ambiente montañoso donde se enmarca esta casa decidió conferirle tonalidades claras (como el crema, el azul celeste y el blanco grueso), para transmitirle una sensación de luminosidad, paz y relajación. Así se produjo un interesante contraste con el marrón oscuro del porcelanato del piso, presente en algunas estancias. “En resumen, queríamos implementar las líneas simples, pero sin llegar al minimalismo”, apunta esta innata diseñadora de interiores. Para la joven pareja, sus dos hijos, y hasta la mascota canina de la familia, no sólo era una necesidad, sino un verdadero deseo, el acceder a un ambiente que les permitiese relajarse, alejándoles de la capital, del trabajo y de la cotidianidad. “Desde que obtuvimos los planos, empezamos a diseñar los interiores en nuestras mentes, y a ubicar y reubicar muebles y piezas decorativas en dibujos y maquetas. Hasta que, finalmente, fuimos comprando el mobiliario paulatinamente y, diez meses después, la casa estuvo totalmente lista y decorada”. En cuanto a los materiales y texturas de los accesorios y piezas mobiliarias, “escogí la madera blanca, porque resalta ante la naturalidad del pino de los paramentos”. “Todos los elementos los fuimos adquiriendo localmente en la medida en que encontrábamos lo que se iba ajustando a nuestras necesidades y deseos, sin seguir un plan en particular. Aunque el resultado final fue muy satisfactorio para nosotros”, agrega la propietaria. Entre los elementos que dominan algunas zonas de esta residencia montañosa, están la imponente lámpara que pende del techo de la sala, la cortina de la habitación matrimonial y la cerámica de la ducha principal. Es innegable que Smokey Ridge le ha proporcionado incontables momentos de paz y felicidad -en igual número de visitas semanales- a esta familia domínico-holandesa, que todavía no sale de su asombro cuando sale de Santo Domingo en ropa de verano y llega a Constanza a abrigarse, ni cuando asciende la montaña Las Neblinas e ingresa a su hogar, desde donde está a un paso del cielo. Pasa a la página 58

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En cuanto a los complementos y piezas mobiliarias, todo fue escogido en blanco para contrastar con la tonalidad natural de la madera circundante. La omnipresencia de los troncos de madera de pino blanco americano (seleccionado, tratado y presentado en su tonalidad natural), tanto en los muros y techos, como en las escaleras y pisos de esta casa pre-fabricada, contrasta con la implementación de una paleta cromática basada en el blanco, el crema y el azul cielo, en su diseño de interiores.

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“En esta casa se utilizaron aislantes entre los troncos, para evitar la infiltración de la brisa y el agua”, Carlos Franco, ingeniero a cargo de la obra y director de operaciones de Vanagro S.R.L

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Texto: Dis.MichelleUrtecho Fotografías: FuenteExterna

Las nuevas apuestas textiles Lacasa

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Las tendencias de hoy día apuntan hacia la reinvención y el rejuvenecimiento en materia de textiles. Es la temporada de los contrastes y las alternativas. Los procesos de fabricación se inclinan sobre las telas sintéticas y naturales recicladas, los teñidos y los tratamientos; y la industria textil internacional apuesta hacia lo ecológico en sus diseños y materiales. Los blancos, negros, plateados y metalizados, como tonalidades base, combinados

Los adamascados permiten trabajar diversos espacios, tanto clásicos como modernos, dependiendo de la manera en que se apliquen y combinen. Este dormitorio, donde se implementaron textiles de la colección Kavana (de American Center), se constituye en un buen ejemplo.

con aquellos que se relacionan con la naturaleza, forman parte de la paleta cromática que se está llevando en los tejidos; mientras que las superficies mates o brillantes, traslúcidas y sedosas, son las que priman como texturas y materiales. La seda es un tejido frágil, que posee gran brillo y una diversidad de texturas a su disposición, constituyéndose en la materia prima ideal para la confección de almohadas y cortinas. El terciopelo, por su parte, es una tela con mayor formalidad, pues es lujosa y elegante, y se torna resistente y duradera ante el paso del tiempo. Por otro lado, la tendencia vintage sigue dominando en el escenario textil con aquellas combinaciones que generan una sensación de antigüedad, siendo ésta una de las directrices con mayor vigencia en estos momentos. Hilos finos, brillantes o gastados, una mezcla de tejidos planos y con relieve, efectos de envejecido o de imperfección, lisos y estampados (con y sin textura), son algunas de las manifestaciones de esta onda retomada, junto a la reutilización de ciertas aplicaciones como hilos, fibras naturales, botones y cristales.

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3 Otra tendencia en el mundo textil posa sus ojos sobre lo étnico. Colores que también van a tono con la naturaleza, pero sin dejar de lado la base tierra; motivos inspirados en el barro y la cerámica; la implementación del beige, el camel, los ocres, cobrizos, naranjas y dorados, en patrones de hojas y flores; las superficies planas o en relieve, y los contrastes en materiales y texturas, son algunos de los indicadores. Estos tonos pueden combinarse perfectamente con el ‘madreselva’ (el color del 2011, según Pantone), que unifica al rosa y al rojo, buscando un efecto esperanzador y revitalizante. Si de estampados se trata, los patrones ondulados y los tejidos circulares se llevan la delantera; mientras que los tejidos más tupidos sobre corti-

nas, colchas y tapizados, y los clásicos adamascados, pero actualizados con nuevas formas y grandes dibujos, con brillos y mates, y en colores modernos, tampoco se quedan atrás. Como queda más que evidenciado, es tiempo de jugar y experimentar, combinando colores y materiales. Pero, sobre todo, es el momento en que la ecología se afianza como una firme apuesta en la que los diseñadores debemos reconocer que a la industria textil aún le queda mucho por recorrer. Así que hagamos conciencia, implementando tejidos ecológicos en los proyectos de decoración e interiorismo, para que la industria verde pueda competir – y ganar, por qué no- dentro del competitivo mundo del mercado textil.

Una buena combinación de telas lisas con diferentes materiales, texturas y brillos es capaz de crear espacios tan especiales como los que surgen a partir de las telas estampadas (1. Sillas tapizadas en damasco fucsia de la colección Kavana, perteneciente a American Center. 2. Colección Matisse de estampados con plumas, bordados de hilo de piel y laser cut retro, de Telas de Francia. 3. Colección BRU Southface, de Aurora. ).

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Es notorio que ésta es la temporada de los contrastes y alternativas en el mundo de los textiles. Las telas sintéticas y naturales recicladas, los teñidos y tratamientos, y la industria textil que apuesta por lo ecológico ¡están de última! (4 y 5. Diseños clásicos y modernos, con diversos estampados, materiales y texturas, de Tissage Design. 7 y 8. Colección BRU Magnífico y colección BRU Leather Craft, respectivamente, de Aurora. 6, 9, 10 y 11. Damasco en madreselva, de la colección Pierre Frey; colección Nobilis, con lino bordado en hilos de plata; colección Matisse, en tafeta blanca con flores en negro; y colección Pierre Frey en seda bordada, pertenecen, respectivamente, a Telas de Francia).

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Fotografía: LidiaLimardo

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Texto: Dis.JoséErnestoRivera Fotografías: FuenteExterna

En diseño, el servicio ante todo El mundo necesita ser más servicial y, en ese sentido, las mejores preguntas que puede formularse un diseñador apuntan hacia cómo ser más útil en el ejercicio de su profesión y sobre cómo impactar positivamente en la vida de otros, con su metodología de trabajo.

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En la imagen superior, Gilles Lipovetsky, filósofo francés que percibe el diseño como una profesión de marcada dimensión social. Debajo, la estantería de Memphis, que es una muestra de que cuando los objetos carecen de utilidad práctica, el costo se corresponde con un objeto simbólico.

Aunque actualmente el diseño exhibe una euforia efervescente y los diseñadores son considerados verdaderas celebridades, este eclipse podría desvirtuar el enfoque de muchos principiantes. Por otra parte, casi todos los usuarios reclaman –como si se tratase de un derecho- una existencia completamente diseñada, mientras que los bienes culturales, adquiridos a través del comercio, estimulan constantemente la apropiación de estilos de vida preconcebidos e intermitentes. Sin embargo, esta realidad espumante no debe ser el objetivo final del diseñador. Cometemos un grave error cuando confundimos al simple estilismo con el diseño; si el principio que guía la compra o la contratación es la representación social, en lugar de la capacidad útil de los productos u objetos, atrofiamos el criterio para hacer la mejor elección. Esto ocurre, por ejemplo, al momento de escoger un objeto atendiendo únicamente a la marca, a la firma del diseñador o a su lugar de procedencia. Ni el diseño es moda, ni la moda es arte, aun cuando haya un empeño en amalgamar estos conceptos y en compartir sus referentes. La ocupación del diseño debe diferenciarse del efímero mundo de la moda y de la satisfacción de un hambre voraz por la novedad.

En el sentido de las agujas del reloj: Sobre una moto están Charles y Ray Eames, quienes entendieron que lo moderno no es el empleo exclusivo de nuevos materiales. En los restaurantes, la acústica y la circulación de los olores son fundamentales a la hora de diseñar. La LCW, de los Eames, es una silla que es estéticamente interesante y permite el asiento. La silla Red Blue de Reitveld es un ejemplo de que en diseño hay que pensar qué es relevante en la vida de los usuarios. En el documental “Comprar, tirar, comprar” se explora la dimensión ética de la obsolescencia programada en los diseños.

La gran paradoja es que el diseño en sí mismo es un producto del sistema industrial, que para existir necesita encauzar los deseos. No obstante, una industria del diseño tiránicamente gobernada bajo la acelerada agenda de la moda sólo produce obsolescencia programada. Esta maquinaria de desechos contradice cualquier intento de sostenibilidad. El arte contemporáneo ha hecho suya la consigna del “todo vale”, y con dificultad podríamos admitir que en diseño y arquitectura las cosas deban ser iguales. El diseño también es una ciencia y, como tal, reclama un entendimiento más profundo y reflexivo. Investigar el contexto es importante, por cuanto se busca responder a ciertas especificaciones; es esencialmente democrático, pues aspira a la accesibilidad y tiene una sincera intención de ser útil. Parece que con los renglones de ciertos productos nos atrevemos a admitir algún nivel de simbolismo, como en el instante en que elegimos un sofá. Pero, a pesar de este tipo de elecciones, es necesario contemplar asuntos estrictamente técnicos: antes de conformarnos con saber que la firma es italiana (por ejemplo), tendríamos que observar si el diseño responde a todos los factores ergonómicos, conocer la calidad de fabricación y la de sus componentes; así como buscar la destreza con la que fueron ejecutadas las juntas y probar el carácter táctil de las superficies. Tras este breve escrutinio, estamos seguros de que muchos sofás de escaparate perderían todo su encanto frente a sus posibles compradores. Entender el diseño como una ciencia es reconocer que existen principios conocidos que han sido verificados por experimentación y que son herramientas útiles para alcanzar soluciones innovadoras. Este nuevo enfoque no excluye el factor artístico, sino que combina la precisión y el rigor de la ingeniería con la comprensión de los elementos sociales y estéticos, siempre con la intención de servir mejor a otros. (apuntesdediseno@gmail.com).

Para que un diseño sea bueno no tiene que ser costoso, sino estar bien diseñado, lo cual requiere un mayor esfuerzo profesional.

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azulmarino Texto: OlgaAgustín Fotografías: AlejandroGonzález

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Un homenaje a natura. En el cuerpo sólido que representa la sala de este penthouse, en Balcones del Atlántico, los colores y las texturas se desprenden de la naturaleza. La presencia del color aqua y de los espejos (tipo ventanas) fue escogencia de la anfitriona. Mientras que el rattan de los muebles, la alfombra de sisal, la lámpara (que mezcla una moderna forma cilíndrica y un entretejido en rústicas fibras), junto a las hojas y butacas enmaderadas, evocan claramente a lo verde y lo marino de esta zona samanense.

De cara al Atlántico

Como un verdadero mirador al Océano Atlántico (al Norte) y a las montañas (al Sur), este penthouse del proyecto Balcones del Atlántico, en Las Terrenas, fue capaz de integrar esta ambivalencia medioambiental a lo interno de su infraestructura.

En cuanto llegó a este apartamento, con los planes de redecorarlo, el diseñador de interiores Andrés Aybar sólo tuvo que echar un vistazo a su entorno para encontrar su fuente de inspiración, con la que sella cada uno de sus trabajos. La masa oceánica y el sistema montañoso, que enmarcan el proyecto de construcción donde se encuentra enclavado este espacio residencial, se constituyeron en los verdaderos responsables de que la ambientación preservase y reverenciase a la naturaleza circundante. Balcones del Atlántico, desarrollado por el grupo Bisonó y situado entre Las Terrenas y Portillo, proveyó de un paquete totalmente amueblado a la joven familia que pasó a ser la propietaria de esta infraestructura de dos niveles. “Cuando conocimos este apartamento en un viaje familiar a Las Terrenas, quedamos prendados. Fue amor a primera vista”, expresan este matrimonio y sus tres hijos, que sin embargo querían darle un sello más personalizado a los 360 metros cuadrados que habrían de convertirse en su segundo hogar, y ése fue el momento en el que Aybar entró en escena.

Metamorfosis “isleño-contemporánea” A la hora de darle un nuevo giro a la decoración de este apartamento no sólo fue necesario analizar pormenorizadamente qué artículos e implementos se iban a reutilizar y cuáles se habrían de adquirir, sino que la opinión de los propietarios resultó ser un factor determinante para la toma de todas las decisiones. Según este profesional, “el estilo es isleño, porque los elementos están por doquier en la playa; ramas, fibras, conchas y cocos, por mencionar algunos, son cien por ciento nativos. Mientras que también resulta contemporáneo, porque responde a las nuevas tendencias, incluyendo piezas que originalmente eran rústicas y fueron modernizadas”. De ese modo, la decoración comenzó a rotar en torno al tema natural. Lo marino aunado con lo verde incidió en la elección de una paleta de color matizada por una degradación tonal proveniente del entorno. También influyó en la selección del print, en que las telas contasen con motivos de hojas, ramas y elementos marinos; y en la presencia de caracolas, peces y estrellas de mar, entre otros, en cada una de las estancias.

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Fusión de espacios abiertos. La sala, el comedor y la cocina de este apartamento de playa se intercomunican tanto en ambiente, como en espacio. Al fondo, la sala con su centro de entrenamiento enmarcado por una pared revestida en rafia; en el centro, un comedor de seis sillas; y en un primer plano, una vista parcial del tope en piedra rústica que forma parte de la cocina.

“Ya nada es como antes…” Del apartamento de playa original hoy sólo existen algunos muebles y la funcionalidad con el que fue concebido y ambientado desde el principio. Por lo demás, todo cambió en su interior: el azul turquesa de sus paredes, vigas y columnas; los adornos en sentido general (los tapices, cojines, cortinas, visillos, cubrecamas, tramos flotantes de los baños, lámparas…). Aunque el comedor permaneció en el mismo lugar, la sala cambió radicalmente. En esta área, que funge como el eje central de la infraestructura, la pared que respalda a la televisión de este salón exhibe un revestimiento en fibra de rafia que rompe con la uniformidad del azul turquesa imperante, para crear una mezcla de texturas en colores sólidos. Los acentos, tanto en verde lima a través de los cojines, como en azul laqueado sobre los espejos decapados a la antigua, imbrican a la sala con el paradisíaco exterior samanense. La preponderancia de las alfombras en sisal, la rafia en las paredes, las maderas con rusticidad y contemporaneidad, el rattan en el mobiliario y el mimbre en las lámparas,

“Siempre hay un toque personal que puedes enlazar con las tendencias. Se trata de fusionar, de mezclar, de crear un concepto o una razón a seguir en cada espacio”, Andrés Aybar, diseñador de interiores.

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En cada pieza, detalle u ornamento de este apartamento primó el estilo “isleño- contemporáneo” que el diseñador de interiores quiso darle, para que cada rincón replicase las características particulares de esta isla y del Caribe, sin olvidarse del toque de modernidad y vanguardismo correlativo a las tendencias.

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orienta claramente a esta vivienda hacia el uso de los materiales nobles y hacia la naturaleza. Tanto las áreas de la sala y el balcón están salpicadas de azul (turquesa y aqua), verde lima y marrón, prodigándole a cada una la frescura y naturalidad propias del entorno. En el balcón, las butacas, las consolas en azul (envejecidas intencionalmente) y los cojines decorativos enarbolan esas tonalidades, pues las paredes en este mirador debían preservar la línea cromática del resto de balcones del proyecto. En las habitaciones también se hicieron algunas modificaciones, pues la habitación central se convirtió en la de huéspedes; la principal pasó a ser la de los niños y la más pequeña pasó a ser la master room. Sin embargo, lo que caracteriza -en líneas generales- a todas las áreas de este penthouse es su nivel de intercomunicación, tanto en los ambientes como en los espacios. La terraza del segundo nivel, con un jacuzzi y una vista insuperable, es el lugar predilecto de sus propietarios. Cuatro meses después de haber pisado aquel espacio por primera vez, Andrés Aybar se dio cuenta que había logrado su cometido: darle un giro de 360 grados a este apartamento emplazado en Las Terrenas, implementando “un estilo isleñocontemporáneo, como sinónimo de archipiélago, de criollismo y de Caribe”. Asimismo, para aquellas mismas fechas, la unidad familiar que hoy lo habita también descubrió que éste no sólo se convertiría en su segundo hogar, sino en un paraíso particular de cara al Atlántico…

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5 1. La habitación de los niños, bautizada como el “Sea Acuarium”, sigue el concepto de un submarino, donde se trabajó con una degradación cromática del azul. Mientras que los cojines, las cortinas y la ropa de cama derivaron de la paleta de colores circundante. 2 y 3. Los elementos naturales y artesanales, como espejos manufacturados a base de conchas de nácar o esferas de caracoles, son algunos ejemplos de la onda natural con la que se trabajó la decoración de esta residencia. 4 y 5. Readaptaciones en los baños de este penthouse, como algunos tramos flotantes para la colocación de las toallas y de los accesorios, son detalles que marcan la diferencia.

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Texto: OlgaAgustín Imágenes: CortesíadeKarennyGüílamo/CarmenAriza

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Este ángulo de una habitación, especialmente diseñada para niños autistas, permite apreciar un área donde destacan el uso de tonos neutrales y pasteles, en alusión a la naturaleza. Aquí también impera una línea continua de mobiliario, que propicia un sistema de organización de alto nivel y de pictogramas.

Espacios especiales, para niños especiales

Como el autismo conlleva a que los infantes se desenvuelvan de un modo diferente en el ambiente que les rodea, el Diseño de Interiores de hoy día se ha convertido en un instrumento clave para mejorar su calidad de vida y la de sus acompañantes.

Con el paso de los años y la evolución del Diseño de Interiores se ha demostrado que cada usuario posee sus propias necesidades físicas y ambientales, que son las que dirigen en sí el proceso de diseño. Si bien es cierto que inicialmente se buscaba el mero embellecimiento de los espacios, no se puede negar que ahora también se procura generar espacios de alto funcionamiento. En la actualidad, el Diseño de Interiores es validado no sólo como una disciplina capaz de proteger la salud, sino como una labor que fomenta el bienestar a través de la intervención de los espacios. Lo que hasta hace poco era visto por algunos como una profesión superficial, hoy por hoy le abre sus puertas a grupos que, por sus limitaciones, solían ser excluidos. Estudiar cuáles son las necesidades espaciales de esta población y crear las regulaciones que le permitan acceder a los servicios ofrecidos, deben formar parte de los nuevos planteamientos de los interioristas. Los sistemas sensoriales de los niños con autismo suelen presentar hipo e hipersensibilidad, y el Diseño de Interiores es un instrumento de organización y sistematización que ayuda a definir cuándo controlarlos o incentivarlos, con el fin de provocar una mejoría en la conducta de los más pequeños del hogar. A través del estudio de los componentes del espacio y del perfil conductual del usuario se ha llegado a la conclusión de que, en la medida en que se manejen factores como la iluminación, las formas, las texturas, el mobiliario, la acústica, la climatización y el color, se logrará un mejor desenvolvimiento del infante que presenta esta condición. Y es que, según las diseñadoras de interiores Karenny Güílamo y Carmen Ariza, existen cuatro elementos que contribuirán con la creación de un ambiente amigable para un niño con autismo, al fomentar por demás su independencia emocional.

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|71 1. A través de esta imagen se ve cómo se aplicaron colores que evocan a la naturaleza, al igual que el concepto de una línea continua que viaja por toda la habitación a través del mobiliario. Aquí también se implementaron los sistemas de almacenaje visibles y de fácil acceso, se identificaron las áreas de descanso, de trabajo (escritorio) y de almacenamiento, y se colocaron elementos decorativos que cumplieran con una función en el desarrollo de los niños. Elementos, como la iluminación regulable e indirecta, la eliminación de patrones y distracciones, y los componentes de seguridad, se mantuvieron presentes. 2. En esta vista, correspondiente al pasillo central de la residencia, se aprecia la utilización de portales que ayudan tanto a la implementación de un sistema de codificación, como a la identificación de los espacios a través de los colores. 3. Este pequeño espacio situado en la sala-comedor fue designado como ‘rincón sensorial’ (un área donde se implementan ciertos juegos y elementos terapéuticos que ayudan a la estimulación sensorial). Esta propuesta busca la integración del usuario con el área de interacción social. 4. Ésta es la portada de Autismo: Espacios Especiales. Manual de Diseño Residencial, que sintetiza la investigación de sus autoras, las diseñadoras de interiores Karenny Güílamo y Carmen Ariza, sobre cómo mejorar la calidad de vida de los infantes con autismo, a través del diseño de los espacios.

Autismo: Espacios Especiales. Manual de Diseño Residencial (de la autoría de las diseñadoras de interiores, Karenny Güílamo y Carmen Ariza) no sólo orienta sobre esta condición a quienes rodean a los infantes autistas, sino que instruye sobre las necesidades espaciales de quienes lo presentan.

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En la propuesta de esta sala-comedor imperan los colores neutros y pasteles, así como una línea continua de mobiliario -diseñado especialmente para este espacio- con la intención de lograr un sistema de organización de alto nivel y la inclusión de sistemas de pictogramas.

Factores como la iluminación, el color, las formas y texturas; el mobiliario, la acústica y la climatización, le facilitan la vida al infante con autismo.

Uno de ellos es la flexibilidad, como punto clave en términos de iluminación, ya que es necesario poder graduar sus niveles; asimismo, se recomienda prescindir de las luminarias fluorescentes, pues emiten un zumbido y parpadeo que puede llegar a perturbar a la población infantil autista. El color es otro factor importante, a juicio de las diseñadoras Güílamo y Ariza (autoras de Autismo: Espacios Especiales. Manual de Diseño Residencial). Evitar colores primarios (rojo, azul y verde) es fundamental, porque son bastante intensos e inquietantes; e, igualmente, es recomendable la implementación de tonos neutros y pasteles que ayuden a su correcta asimilación y a mantener la calma.

En adición al buen manejo de los componentes espaciales es primordial que se logre un espacio seguro, previsible, fácil de utilizar y libre de distracciones. Para ello se han de implementar caminos delimitados y dirigidos; sistemas de identificación, a través de patrones de colores; pictogramas, que ayuden a la implementación del lenguaje visual, como refuerzo del lenguaje verbal; y accesorios de seguridad, que ayuden a disminuir el número de impedimentos en el área de circulación. Por éstas y otras razones, resulta más que evidente que el Diseño de Interiores ha recorrido un largo camino que le posiciona en lo que es actualmente: una profesión especializada que permite una mejor calidad de vida dentro de los espacios.

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Por: OlgaAgustín Fotografías RicardoRojas/MaglioPérez

Un espacio social retomado

Nathel Hernández

Reformular la estancia única donde se ubican la sala, el comedor y la oficina de un apartamento con un metraje XXS, y lograrlo en sólo un mes y con un fondo de 20 mil pesos, no fue problema alguno para Nathel Hernández, la estudiante de término de Diseño de Interiores de UNIBE, que asumió este reto promovido por Lacasa.

La oportunidad que había esperado

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desde que ingresó a la carrera de Diseño de Interiores -¡por fin!- había llegado: ejecutar su primer proyecto profesional, rediseñando el espacio social y multiusos del reducido espacio habitacional de una pareja sin hijos, donde convergían el estar, el comedor y un pequeño escritorio (a modo de oficina), sería su objetivo. Al escuchar de labios de su profesora Massiel Nova, diseñadora de muebles e interiores, y de la directora de la Escuela de Diseño de Interiores de UNIBE, Sandra Gómez, que se había agenciado el derecho de desarrollar este proyecto de diseño (a publicarse en el “Proyecto 001” de la revista Lacasa), tras participar junto a las propuestas de sus compañeras universarias de la materia de “Costos y Presupuesto de Mobiliario”, su reacción no se hizo esperar: ¡tenía que empezar de inmediato! Nathel Hernández estaba consciente de que había llegado la hora de aplicar sus conocimientos sobre los Principios del Diseño. De esa manera, procedió a elaborar dos listados (el de los deseos y el de las necesidades) de sus futuros clientes, y así supo que estos se habían cansado de la salacomedor que les había acompañado durante diez largos años y que estaban listos para su profunda transformación. Un inventario, tanto de los muebles y ornamentos existentes, como de las posibles actividades a desarrollar en esta zona del hogar, llevaron a Nathel a tomar la decisión de preservar y retomar algunos de estos elementos, ya que su proporcionalidad y escala se adecuaban al metraje disponible.

“En este espacio sustituimos el clasicismo por el modernismo, reutilizando la mayoría del mobiliario”.

Por eso, le encargó a Chico Tapicería la responsabilidad de tapizar el mobiliario de la sala en vinil blanco, convirtiendo las dos butacas en ottomanes, a ser colocados posteriormente junto al balcón, propiciando la fluidez del espacio y facilitando la visibilidad hacia el exterior desde todos los ángulos. También le endosó la reconstrucción del sofá, a fin de conferirle un espaldar y unos brazos rectilíneos que ocupasen menos y que hiciesen que el área se viese menos confinada. Y para disponer de más espacio libre, Manuel Rivera, encargado de la logística del proyecto, adosó algunos elementos contra los muros, optimizando al máximo el metraje y facilitando así un mejorado esquema de circulación.

El movimiento horizontal propiciado por estas nuevas formas de las piezas mobiliarias originó la idea de plasmar unas líneas negras paralelas al horizonte (a cargo del pintor Wascar Elías de la Rosa), tanto en toda la extensión de la pared como en la cornisa completa, que prodigaron la sensación de continuidad, estática y elegancia. Sin embargo, el balance visual vino de la mano de la verticalidad de un librero rojo, como facilitador del almacenaje, y de una lámpara de pie, que brindase calidez. Ambos objetos se encargaron de agenciarle un dinamismo potencial al conjunto. Como el sofá se extiende a lo ancho, produciendo una ilusión óptica de achicamiento, se colocaron tres composiciones con motivos geométricos (de la autoría de Nathel Hernández), para rellenar el espacio vacío sobre él. Las mesas de centro sumaron la simplicidad de sus líneas y aportaron un equilibrio simétrico. Bajo estas superficies de apoyo, una alfombra negra le añadió un toque de textura a la sala y la demarcó. Ya en el comedor, tanto las mesas como las sillas fueron laqueadas de blanco con pintura automotriz, y tapizadas en tela de hilo negro para crear un concepto envolvente neutro, donde la mesa fuera la protagonista fundamental. Sobre ésta se colocó una lámpara roja, pendiendo a 90 centímetros del tope para no deslumbrar a los comensales. Las formas geométricas que predominaron en el mobiliario fueron complementadas con las formas orgánicas y serpenteantes de los espejos colocados en la pared del fondo (adjunta al comedor) y de la estantería roja adosada al muro (que ubicado en una esquina fue aprovechado para colocar una funcional mesa de trabajo, que en una coloración blanquinegra mantuvo el ritmo cromático del resto

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|75 de las áreas, y donde se colocó un computador, para desarrollar actividades intelectuales y disfrutar de algunos hobbies). El tono y el ritmo se cifraron en los contrastes que generaron colores complementarios como el rojo, el blanco y el negro. Estos reinaron dentro de este ambiente multifuncional (el blanco, por ejemplo, presente en el mobiliario, paredes y cortinas, contribuyó al reflejo de la luz; a su vez, el rojo le imprime una sensación de calidez y alegría a todo el salón). En cuanto a la textura, predominan visualmente las superficies lisas y brillantes; mientras que, táctilmente, la dureza y la suavidad se observaron en las diversas áreas que reflectan a la luz. Los accesorios utilizados (patrocinados en su mayoría por Minerva Decoraciones) acentuaron el nuevo carácter de la ambientación. El predominio del rojo en detalles como los cojines y las mesas (en la sala), la lámpara (en el comedor) y la estantería (en la mini-oficina) se encargaron de armonizar, resaltar e imbricar cada una de estas zonas, y formaron parte de esta composición de Nathel Hernández, que fue capaz de generar un gran “cambio radical” en un diminuto espacio social.

valijadearte Texto y Fotografías: FuenteExterna

Del 29 de mayo al 31 de octubre de 2011

Las fantasías de Tim Burton en el Museo de Arte de Los Ángeles El universo gótico de Burton, inmediatamente perturbador y extrañamente atractivo, llega al Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (LACMA) en una exhibición retrospectiva de trabajos artísticos relacionados con sus pelí-

Gran Vía, Antonio López (1974-1981)

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Del 28 de junio al 25 de septiembre de 2011

Antonio López en Madrid Durante este verano de 2011 recala en el Museo Thyssen-Bornemisza, de Madrid, la acogida de una completa representación de la obra del artista español Antonio López (Tomelloso, 1936), que es presentada en su sala de exposiciones temporales. La exposición incluye tanto óleos como dibujos y esculturas de algunos de sus temas más habituales, como son los interiores o la figura humana; paisajes y vistas urbanas, principalmente de Madrid; o composiciones frutales. Las obras que se exhiben muestran a un Antonio López que busca, entre la realidad que le rodea, aquellos aspectos cotidianos susceptibles de ser retratados en su obra. Éste lo hace con una elaboración lenta y meditada, buscando captar la esencia del objeto o del paisaje representado.

culas y dibujos originales, esculturas y otras obras realizadas durante su carrera. Originalmente, la exhibición fue inaugurada en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York (en noviembre), donde se convirtió en una de las más visitadas en toda la historia de ese museo con 810,500 visitantes en cinco meses. La muestra consta de 700 piezas de arte que el propio Burton guarda en su archivo personal, así como de colecciones privadas de algunos de sus colaboradores. De Bettlejuice a Batman y de Ed Wood a Willy Wonka, los personajes que Tim Burton ha llevado a la pantalla grande son notables por su oscura idiosincrasia y su extraordinaria forma macabra. Ingrese a: www.lacma.org Ubicación: 5905Wilshire Blvd, Los Angeles, California 90036

Ingrese a: www.museothyssen.org Ubicación: Museo Thyssen-Bornemisza Palacio de Villahermosa, Paseo del Prado 8 Madrid, 28014 España (+34) 91 369 01 51

Parte de la exposición de Tim Burton, donde muestra algunas de sus piezas creativas.

La escalera de la evasión, Joan Miró (1940)

Del 14 de abril al 11 de septiembre de 2011

En la Tate Modern, el Joan Miró más político La galería Tate Modern de Londres dedica una exposición a Joan Miró (1893-1983), que explora el contexto en el que el artista creó su obra, su compromiso político y la influencia de sus raíces catalanas, de la Guerra Civil y del advenimiento del régimen franquista. La muestra, de unas 150 obras, titulada Joan Miró: La escalera de la evasión, toma el nombre de uno de los cuadros del artista catalán en el que la escalera, recurrente en su obra, aparece como símbolo de la necesidad de escapar de una realidad política y social que rechaza. La exposición se divide en tres apartados, que distinguen las diferentes etapas que marcaron la obra de Miró, en las que “se distinguen rasgos formales e inspiraciones temáticas totalmente diferentes”. Tras su paso por la Tate de Londres, la exposición viajará en octubre de 2011 a la Fundación Joan Miró de Barcelona, museo y centro de documentación dedicado al artista, para recalar después en la National Gallery of Art de Washington, a partir de 2012. Ingrese a: http://www.tate.org.uk/modern/ Ubicación: Bankside London SE1 9TG / 020 7887 8888

• Av. Luperón 89, Sto. Dgo. • Tel. 809.549.5220 • valfesa@claro.net.do

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nĂşmero 11 | junio2011

RD$ 180.00