LaCasa12

casa

La

número 12 | septiembre2011

• Av. Luperón 89, Sto. Dgo. • Tel. 809.549.5220 • valfesa@claro.net.do RD$ 180.00

iloveLacasa

número12 | septiembre2011

Beatriz Bienzobas directora

Misión cumplida

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Uno de los principios más complicados de cumplir en diseño de

Lacasa

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interiores es lograr conjugar los deseos del propietario con las necesidades de una vivienda. Para comprobarlo, en esta edición, te invitamos a cruzar el umbral de 4 casas, y disfrutar del espíritu y gusto que cada uno de sus interioristas han impreso en sus creaciones respetando la identidad de sus dueños. Una villa en La Estancia hace suyo el eslogan: “Vive bien, vive aquí”; conseguir optimizar un apartamento de 70 metros cuadrados con mucho ‘ingenio’; respetar el entorno natural de un refugio campestre en Quinta Las Lomas; o transformar un pequeño apartamento capitaleño en “un gran hotel en casa”…. se convierten para todos estos profesionales en una misión ‘posible’. ¡Disfruta de un rato relajante con tu revista Lacasa!

Directora Beatriz Bienzobas • Editora Olga Agustín • Editora de Diseño de Revistas Norca Amézquita • Diseño Dalia Alcántara • Fotos Maglio Pérez • Publicidad Joseph Cabrera • Tratamiento de Imágenes Irving Cleto y Daniel de los Santos Presidente Arturo Pellerano • Vicepresidente Manuel Arturo Pellerano • Secretario Salvador Dájer • Vicepresidenta Comercial Angie Vega • Gerente Financiero Abel Flores • Gerente de Mercadeo Deborah Hernández • Directora de Ventas Laura Mena • Gerente de Circulación Rafael Oviedo • Gerente de Producción Tomás Rodríguez Dirección Ave. Abraham Lincoln esq. Max Henríquez Ureña, Santo Domingo, R. D. Teléfono 809-476-7200 Fax 809-616-1520 Apdo. 20313

Fotografía de portada MaglioPérez

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número 12 | septiembre2011

RD$ 180.00

laalpargatería | 34

| ilovemail6 | ilovelondres8 | ilovemadrid10 | iloveny12 | ilovemiami16 | ilovebarcelona18 | ilovebaires22 | azulmarino24 | tendencias30 | ilovegreen40 | casasconestilo44 | apuntesdediseño48 | verdemontañoso52 | diseñarte58 |livingsingle62 | espaciosvirtuales66 | iloveit!70 | entrevista74 | actualidad76 |

colortendencias

Las edades de color TEEN

Tonalidades expuestas por edades, así como vibrantes y contrastantes gamas de color, forman parte de esta paleta (correspondiente a la Kids & Teenagers Collection, de Lanco). Aquí prevalece la calidez y lucidez, que se traduce a los espacios donde es implementada.

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AUTUMN BLOOM 2H3-7

DESERT DAY 3J2-7

HIGH COUNTRY TWILIGHT 3O3-7

HIGH SPIRITS 2O1-7

PEARLY EVERLASTING 6H1-2

PORCH SWING 5I1-3

SILVER MINE 6G1-5

SWIRLING WATER 3Q1-2

TORRANCE 6B3-7

TREASURES OF THE SEA 3O1-5

WHISPERY BREEZE 1O1-3

AYE CALYPSO 1R1-1

BLUE TOPAZ 3Q1-5

CAMEO KISS 3D2-1

CITRUS GROVE 2G1-7

FROM THE HEART 2D3-7

GLEAMING SHELLS 3D3-3

GREEN BANANAS 3J3-7

LEMONY NOTE 2J1-1

OLIVE OIL 3K1-5

OPEN SKY 2Q1-5

SIERRA GRANDE 2K1-8

SPRING VALLEY 2K2-8

CLEAR SAILING 2Q1-1

COOL TRADEWINDS 2Q1-3

ENGLISH VERMILION 2D3-8

FRESH AIR 2O1-2

HIGH CHAPARRAL 5I2-7

PINK PUTTY 6D1-3

SPRING FRESH 2K3-5

STAR GAZER 6F2-2

SUNGLOW 1J1-3

VERY VANILLA 5J2-3

WEDDING PETALS 5C1-5

BABY

KIDS

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ALMOND JOY 5J3-3

ilovemail

Estimados todos:

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Edición tras edición, esperamos por los comentarios y sugerencias que gustosamente recibimos de ustedes a través del correo electrónico (lacasa@revistalacasa. com) y de nuestra página web (www.revistalacasa).

1. Estoy tan fEliz por El rEsultado del tema de portada de

4. mE Encanta la rEvista. Es una experiencia refrescante, inteligente; todo un esfuerzo de disciplina y perseverancia. ¡Felicidades a todos los que la crean! Una observación que creo positiva: utilicen menos anglicismos en los títulos y textos, pues el español es hermoso y todo puede traducirse.

la decimoprimera edición de Lacasa... ¡Gracias, de todo corazón, a su equipo de trabajo!

Jorge Brown, creativo y diseñador

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verdemontañoso Texto: OlgaAgustín Fotografías: FranciscoManosalvas

A un paso del

En su condición de “mitad holandeses y mitad dominicanos”, la pareja propietaria

cielo Desde esta casa de montaña se dominan las vistas del valle constancero; de Pinalito, Tireo Arriba, Tireo Abajo y Tireo al Medio. Ésta consta de 520 metros cuadrados de construcción dentro de un lote de 7,000 metros cuadrados, sobre Las Neblinas, (Constanza).

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Con el Valle de Constanza a sus pies, esta casa parece levitar sobre la montaña Las Neblinas, elevándose a 1,700 metros sobre el nivel del mar y empinándose lo suficiente como para tocar el firmamento.

Esta infraestructura de tres niveles (diseñada y construida por Heritage Log Homes, a través de Vanagro S.R.L, su representante en el país y el Caribe) fue revestida con troncos en sus niveles superiores, y cimentada en blocks, cemento y hormigón en el sótano. El sistema de techos consta de un cuerpo central, uno perpendicular y dos adicionales; todos son a dos aguas, menos el de la entrada, que es simple.

de esta casa todavía recuerda que su vínculo con esta infraestructura, enclavada en la montaña Las Neblinas, en Constanza, comenzó como “amor a primera vista” desde el día en que fue descubierta.

A él le cautivaron las frías temperaturas, que rememoran las de los Países Bajos, de donde emigró hace 26 años; y a ella, la flora y la fauna que, en semejanza a la de Holanda, es sumamente variada.

Y es que, bautizada como “Smokey Ridge”, esta casa de montaña no sólo permite una visual de 360 grados, desde la que se puede divisar un paisaje inigualable (que incluye a la Cordillera Central, el Valle de Constanza, Pinalito, Tireo Arriba, Tireo Abajo y Tireo al Medio), sino que es cómplice del singular clima constancero y del remanso de paz que allí se respira.

Cercada por un deck, esta vivienda de 520 metros cuadrados (dentro de un lote de 7,000) consta de tres niveles: dos a base de troncos, y el sótano de blocks, cemento y hormigón. Su diseño y construcción estuvo a cargo de la empresa estadounidense Heritage Log Homes, especializada en el área de casas pre-fabricadas, y representada en el país y el Caribe por Vanagro S.R.L. Entre los materiales utilizados en esta estructura, cuya cimentación inició a mediados de febrero de 2009 y culminó seis meses después, se encuentran: la madera de pino blanco americano, seleccionada y tratada para revestir los muros, pisos y techos; el doble vidrio de las ventanas, que tienen argón en su interior para reducir la entrada de los rayos ultra violeta. Así como aislantes térmicos implementados en techos y paredes, que no se construyeron con troncos, con el objetivo de preservar una temperatura agradable durante todas las estaciones del año; aislantes entre los troncos para evitar la infiltración de la brisa y el agua; y una pintura que protege la madera de los elementos, con tratamiento para los insectos.

En cuanto a la madera, se eligió el pino blanco americano en su color natural, porque dentro de su neutralidad no sólo resulta ser estable, balanceado y versátil, sino porque combina a la perfección con los demás tonos. Asimismo, se ha comprobado que la cantidad de nudos por metro lineal en este tipo de pino es mejor que en el regular.

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Un gancho para la ropa fue el objeto de uso cotidiano, implementado por la arquitecta Liza Castellanos en el diseño de interiores de La Tintorería, como alegoría perfecta del propósito comercial de esta lavandería.

Crear la identidad de un nuevo establecimiento comercial a partir de una percha, fue la clave para que La Tintorería Dry Cleaners -un espacio de apenas 18 metros cuadrados- resultase innovadora, memorable y transportable a futuras sucursales.

Romper con la clásica imagen de una lavandería común era la premisa principal de este proyecto de diseño (a cargo de la arquitecta Liza Castellanos). Y es que los propietarios de La Tintorería Dry Cleaners no sólo deseaban sustentar su nuevo negocio en vender un servicio diferenciado y personalizado, sino en reflejar una identidad corporativa totalmente innovadora.

De ese modo, diseñar a partir de un elemento único parecía lo idóneo; así como lo era el aplicar un ente que fuese capaz de plasmar todo el lenguaje visual de este proyecto.

¿Una percha?

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A juicio de la arquitecta encargada del proyecto de

Una simple percha fue el ‘gancho’ perfecto para el diseño de interiores de este proyecto comercial, resultando fácil de manejar, económico, sencillo, pero ante todo original.

diseño en cuestión, ¿qué otro componente, que no fuese una percha, podría llenar todas las expectativas creadas alrededor de este negocio en ciernes?

La respuesta indiscutible fue: ninguno.

Tras varias propuestas, un gancho para la ropa resultaba ser ese objeto metálico de uso cotidiano, que se constituía a su vez en una verdadera alegoría de la función propia de una lavandería. Y, además, era un elemento fácil de manejar, económico,

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sencillo, pero ante todo original.

Por supuesto, la idea le encantó desde el principio a los dueños de La Tintorería Dry Cleaners.

A seguidas, la cuestión era determinar cuántas perchas colocar: ¿Una, dos, tres…? ¿Varias, tal vez?

La conclusión, que se evidencia hoy en día, es que se dispuso de un sinnúmero de éstas.

Un simple dispositivo con la forma de los hombros y diseñado para colgar el vestuario, pre-

Elementos simples en el diseño,

el ‘gancho’ perfecto

4 Fotografía: HollyReynoso

Texto: OlgaAgustín Fotografías: MaríaPrimo

Club Musée, una creación dominicana en pleno Madrid Lacasa

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viniendo sus arrugas, fue perfecto para ambientar este local, ya que por su conformación metálica y su tonalidad grisácea, se encargó de aportarle un toque de contemporaneidad a cada rincón.

La transparencia y ligereza, conferidos por elementos propios de la cotidianidad, se afianzaron en el interiorismo de este espacio reducido, pues contribuyeron a que no luciese recargado. Las perchas resaltan, pero no pesan; existen, pero no invaden.

Liza Castellanos, arquitecta.

“Diseñar a partir de un elemento único es idóneo si permite plasmar el lenguaje visual del proyecto”,

La zona VIP del Club Musée, inspirada en la sala de exposiciones de un museo, presenta interesantes efectos ópticos creados por un juego de espejos y cuatro marcos de cristal negro retro-iluminados, con fotos del alemán Robert Bartholot. El espacio también está matizado por una dramática iluminación y por originales muebles diseñados especialmente (por Parolio) en forma de geométricas, brillantes y coloridas esculturas.

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alejandra l. arzeno Kerr, lectora

reportajes como por las fotos de los proyectos de arquitectura e interiorismo, que jamás imaginé que existiesen en nuestro país.

5. rEsido En argEntina y, dEsdE aquí, tuvE El agrado de visitar la página web (www.

Jz, dominicano radicado en nueva york (seguidor de Lacasa a través de internet)

revistalacasa.com) de vuestra revista, la cual me parece de gran calidad y repleta de contenidos completos y atractivos.

patricio rodríguez, fotógrafo profesional

3. ExtiEndo mi agradEcimiEnto al Equipo dE Esa rEvista por el artículo

3 Texto: Arq.LizaCastellanos Fotografías: MaglioPérez

2. Estas línEas son para dEcirlEs quE mE gusta mucho la rEvista, tanto por sus

6. quEríamos darlE las gracias al Equipo dE la rEvista Lacasa por ser los primeros

“Elementos simples en el diseño, el gancho perfecto”, publicado en su entrega de junio de 2011. Felicitaciones, en especial, para Maglio Pérez (por sus increíbles fotos) y para Olga Agustín (por sus pinceladas de edición a lo largo del texto).

en capturar la esencia de Chatny, a través de las imágenes de Maglio Pérez y del texto del arquitecto Mauricio Benavides.

liza castellanos, arquitecta

masood ahmad parves, co-propietario de chatny

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azulmarino

Texto: MauricioBenavides Fotografías: MaglioPérez

Texto: OlgaAgustín Fotografías: AlejandroGonzález

En cuanto llegó a este apartamento, con los planes de redecorarlo, el diseña-

Para Parolio, un director creativo y diseñador de interiores criollo, responsable de gestar reconocidos proyectos internacionales, el concepto de fusionar el arte contemporáneo con la cultura nocturna de este club madrileño generó un resultado futurista y extrasensorial.

Su ‘procreación’ se llevó a cabo en la capital española -en la calle Alberto Alcocer 33, para ser más precisos-. Fue allí donde Fernando Nicolás y Jacobo Domínguez, los dueños de lo que hoy día se conoce como el Club Musée, decidieron abrir la discoteca que sigue capturando la atención tanto del público nacional e internacional, como de los editores y periodistas de libros y revistas especializadas en decoración e interiorismo.

Y es que la línea conceptual seguida por el diseñador y creativo dominicano fue, desde el principio, la de crear un “club nocturno y artístico”, cuyo diseño enriquecido con elementos diferenciadores (como las instalaciones de arte moderno, la iluminación y los recursos multimedia) le aportaron un valor agregado y se encargaron de sugerir un museo de arte contemporáneo, matizado por líneas limpias y geométricas y por esculturales estructuras.

El trabajo de Parolio, fundador de Parolio & Euphoria Lab, arrancó en la primavera de 2010, con un proceso de conceptualización, creación de marca y diseño de interiores que duró 45 días, proseguido de la materialización en obra, que se llevó a cabo en dos meses y medio. Así nació Club Musée, ocupando un diáfano espacio de forma rectangular y una amplitud repartida entre 700 metros cuadrados de jardín e infraestructura.

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dor de interiores Andrés Aybar sólo tuvo que echar un vistazo a su entorno para encontrar su fuente de inspiración, con la que sella cada uno de sus trabajos. La masa oceánica y el sistema montañoso, que enmarcan el proyecto de construcción donde se encuentra enclavado este espacio residencial, se constituyeron en los verdaderos responsables de que la ambientación preservase y reverenciase a la naturaleza circundante.

Balcones del Atlántico, desarrollado por el grupo Bisonó y situado entre Las Terrenas y Portillo, proveyó de un paquete totalmente amueblado a la joven familia que pasó a ser la propietaria de esta infraestructura de dos niveles. “Cuando conocimos este apartamento en un viaje familiar a Las Terrenas, quedamos prendados. Fue amor a primera vista”, expresan este matrimonio y sus tres hijos, que sin embargo querían darle un sello más personalizado a los 360 metros cuadrados que habrían de convertirse en su segundo hogar, y ése fue el momento en el que Aybar entró en escena.

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Metamorfosis “isleño-contemporánea”

Un homenaje a natura. En el cuerpo sólido que representa la sala de este penthouse, en Balcones del Atlántico, los colores y las texturas se desprenden de la naturaleza. La presencia del color aqua y de los espejos (tipo ventanas) fue escogencia de la anfitriona. Mientras que el rattan de los muebles, la alfombra de sisal, la lámpara (que mezcla una moderna forma cilíndrica y un entretejido en rústicas fibras), junto a las hojas y butacas enmaderadas, evocan claramente a lo verde y lo marino de esta zona samanense.

De cara al Atlántico

Como un verdadero mirador al Océano Atlántico (al Norte) y a las montañas (al Sur), este penthouse del proyecto Balcones del Atlántico, en Las Terrenas, fue capaz de integrar esta ambivalencia medioambiental a lo interno de su infraestructura.

A la hora de darle un nuevo giro a la decoración de este apartamento no sólo fue necesario analizar pormenorizadamente qué artículos e implementos se iban a reutilizar y cuáles se habrían de adquirir, sino que la opinión de los propietarios resultó ser un factor determinante para la toma de todas las decisiones.

Según este profesional, “el estilo es isleño, porque los elementos están por doquier en la playa; ramas, fibras, conchas y cocos, por mencionar algunos, son cien por ciento nativos. Mientras que también resulta contemporáneo, porque responde a las nuevas tendencias, incluyendo piezas que originalmente eran rústicas y fueron modernizadas”.

De ese modo, la decoración comenzó a rotar en torno al tema natural. Lo marino aunado con lo verde incidió en la elección de una paleta de color matizada por una degradación tonal proveniente del entorno. También influyó en la selección del print, en que las telas contasen con motivos de hojas, ramas y elementos marinos; y en la presencia de caracolas, peces y estrellas de mar, entre otros, en cada una de las estancias.

Chatny,

un restaurante en casa (literalmente)

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Fusión de espacios abiertos. La sala, el comedor y la cocina de este apartamento de playa se intercomunican tanto en ambiente, como en espacio. Al fondo, la sala con su centro de entrenamiento enmarcado por una pared revestida en rafia; en el centro, un comedor de seis sillas; y en un primer plano, una vista parcial del tope en piedra rústica que forma parte de la cocina.

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“Siempre hay un toque personal que puedes enlazar con las tendencias.

Se trata de fusionar, de mezclar, de crear un concepto o una razón a seguir en cada espacio”, Andrés Aybar, diseñador de interiores.

El concepto que encierra un home based restaurant (restaurante casero) no es el de transformar una casa en un restaurante como tal, sino el de ofrecer ese espacio residencial -con sus virtudes y defectos- a un grupo de personas, por un tiempo limitado.

El home based restaurant es, ante todo, un hogar como cualquier otro, pero con el agregado de acomodar, una o dos veces por semana, a los comensales que lo visitan.

Sin embargo, esta opción no es un negocio per se, sino un hobby -que puede llegar a convertirse en una carga si se pierde la visión de que sea entretenido para el visitante y el anfitrión-. Es como tener una oficina en casa.

cobertera, emulando la forma tradicional de comer en la India. Hay dos áreas de asientos que permiten acomodar a cuatro personas en una, y a seis en otra, que exhiben cómodos cojines rectangulares (con capacidad para dos personas cada uno) y cuentan con respaldos individuales y reposabrazos, que hacen la función divisoria entre ellos; igualmente, están tapizados con telas de diversos patrones

“En este ambiente se envuelven todos los sentidos”, (www.chatny.do)

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Un espacio que pone a prueba los sentidos

“Ya nada es como antes…”

Del apartamento de playa original hoy sólo existen algunos muebles y la funcionalidad con el que fue concebido y ambientado desde el principio. Por lo demás, todo cambió en su interior: el azul turquesa de sus paredes, vigas y columnas; los adornos en sentido general (los tapices, cojines, cortinas, visillos, cubrecamas, tramos flotantes de los baños, lámparas…).

Aunque el comedor permaneció en el mismo lugar, la sala cambió radicalmente. En esta área, que funge como el eje central de la infraestructura, la pared que respalda a la televisión de este salón exhibe un revestimiento en fibra de rafia que rompe con la uniformidad del azul turquesa imperante, para crear una mezcla de texturas en colores sólidos.

Los acentos, tanto en verde lima a través de los cojines, como en azul laqueado sobre los espejos decapados a la antigua, imbrican a la sala con el paradisíaco exterior samanense. La preponderancia de las alfombras en sisal, la rafia en las paredes, las maderas con rusticidad y contemporaneidad, el rattan en el mobiliario y el mimbre en las lámparas,

Ante la recesión económica mundial, extranjeros radicados en Europa crearon los denominados “restaurantes en casa”. Hoy día, este concepto se traslada a Santo Domingo a través de Chatny, un hogar que abre sus puertas para darle a conocer la cultura y la gastronomía hindú a sus visitantes.

Chatny opera como un pequeño restaurante que acoge a diez personas simultáneamente, y funge a la vez como el hogar de sus anfitriones (ilustrando a la perfección lo que es un home based restaurant, como sinónimo de un concepto gastronómicoempresarial muy en boga en estos días).

Al igual que en las urbes más vanguardistas, en Santo Domingo también opera un home based restaurant llamado Chatny, en alusión a un acompañamiento muy popular en la cocina hindú, que representa a una salsa preparada a base de frutas secas y nueces, con especias y picante.

Desde que surgió la idea de crear el proyecto Chatny Mughal Indian Cuisine, en la mente de sus propietarios siempre estuvo claro que el tipo de comida a servirse allí se basaría en la gastronomía India, pero enfocada específicamente en la que solía degustarse en ese país asiático durante la Dinastía de los Mughal (1500 -1800 d.C.).

La imagen de Chatny, una vez concebido este home based restaurant, ha surgido de una planificación conceptual (desde su imagen impresa hasta la funcionalidad de sus espacios interiores), que en su tríada “concepto-espacio-comida” implica palabras claves como: exuberante, excitante, una experiencia única, subido de sabores, aromas y tacto, sensualidad, femenino, exótico y picante.

En este restaurante casero se estipula atender a diez personas en un espacio relativamente pequeño, que originalmente funge como un hogar, donde se ofrece asiento sobre cojines en el piso y sin

La influencia hindú de la Dinastía de los Mughal (1500-1800 d. C.) no sólo se hace presente en la preparación de los platos y bebidas servidas en Chatny, sino en su ecléctica decoración que combina elementos culturalmente ricos tanto de Asia como del Medio Oriente.

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Texto y fotografías: AntonioAcuña

Portobello Market,

una experiencia muy londinense A todo lo largo del barrio Notting Hill, y paralelo a la calle Ladbroke Grove, el Portobello Market abastece a Londres de toda cosa imaginable desde el siglo XIX. Lacasa

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Con un típico verano, en el que el sol brilla por su ausencia, la gris pátina que cubre los edificios de Londres se ve bañada por una débil luz naranja; mientras la gente, cual hormigas atraídas por un picnic, camina alborozada hacia la calle.

El estío también trae consigo la migración anual de esa especie única llamada turistas, y al combinar ambos factores el estado resultante es una muchedumbre increíble. Por lo que, si de darse un baño de pueblo se trata, no hay mejor lugar que el británico Portobello Market para ser apretujado por todas las nacionalidades o ser acosado por los insistentes vendedores -que harán hasta lo imposible por traspasarnos no sólo sus objetos de plata pura, sino aquellos provenientes de la época Tudor-.

En Portobello, la multitud y el mercado Al inicio de esta vía, el visitante se encuentra -si observa con cuidado- con una de las escasas, y casi inexistentes, paradas de abastecimiento de taxis. Estos pequeños cubículos, siempre pintados de verde, servían comidas y bebidas a los taxistas de turno, aunque ya quedan pocos en operación. Resulta di-

Maletas antiguas y palos de golf (de la tercera década del siglo XX), forman parte de los objetos más populares a la venta en el londinense Portobello Market.

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fícil de creer, al ver el tamaño de estos recintos, que en su interior exista una cocina completa (con barra y taburetes incluidos) y que allí puedan ser atendidos hasta cuatro clientes a la vez.

Más adelante, y una vez en el mercado per se, se desvela una calle llena de tiendas y de mesas rebosantes de los más extraños objetos (como plata, antigüedades, palos de golf de madera, muñecas victorianas, estatuas africanas y todas las obras de Shakespeare en libros de hasta seis pulgadas).

Los precios no son de mercado, pues estas piezas son consideradas como reliquias e implican un costo más moderno, que generalmente está por encima de lo normal y que, todavía así, es mejor que el de las tiendas.

Mucho de lo que hay en Portobello no se encuentra en otros sitios, y los vendedores tienden a pertenecer a la segunda o tercera generación dentro del mercado, con la respectiva pericia de lugar y con acceso a piezas únicas.

Entre los chillidos de los vendedores, las incontables interrupciones fotográficas (con la consecuente mirada de desaprobación del turista ‘ofendido’) y los actos al aire libre, se llega a la segunda parte del mercado, dedicada a la comida. Allí se despachan desde pescado fresco y salchichas de Alemania, hasta sidra de Somerset o carne de Argentina (generalmente en forma de sándwich), para comer mientras alguien te empuja o en tanto un señor japonés o turco grita cerca de tu oído para preguntarle a su familia si desea mostaza en su hamburguesa.

Justo un poco antes del final de la calle, ya casi en la estación de Ladbroke Grove, se encuentra la tienda García, uno de los pocos supermercados de productos españoles en Londres. Favorito de los gourmets y frecuentado por la comunidad latina, también es una parada obligatoria para degustar unas tapas en su bar y saborear uno que otro vaso de buen vino o hasta una sidra asturiana.

Para concluir, toca regresar a la estación de Notting Hill, ya que la línea de metro que usa el Ladbroke Grove es lenta y ‘temperamental’. Eso otorga otra oportunidad de comer algo, de interrumpir nuevamente una que otra foto o, como es costumbre entre los vendedores, de dar direcciones equivocadas a los turistas. Eso es parte de pasear por el Portobello Road y su mercado: una experiencia, sin duda, muy londinense.

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7 1. Algunos puestos apenas constan de una mesita que le sirve de soporte a las piezas exhibidas. 2. Aquí hay tiendas que gozan de mayor prestigio que los puestos al aire libre.

3. Alice es uno de los establecimientos más legendarios de Portobello. 4. Antigüedades deportivas manifiestas en materiales de cuero o madera. 5. La platería es una las mercancías más comunes en este mercado. 6. Un punto de cámaras fotográficas de la época, que todavía están en pleno funcionamiento. 7. Las opciones para el almuerzo son variadas. 8. La oferta musical de Portobello se evidencia en cada una de sus esquinas.

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Fotografía: EvaHart

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Texto: WendyEspinal Fotografías: FuenteExterna

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Para las almas libres, los cazadores de experiencias y los enemigos de la rutina, un establecimiento comercial efímero se consolida en Madrid y lo hace de la mano de Claudia Pou. Esta publicista dominicana arranca “Le Pop Up”, una serie de experiencias ocasionales donde se unen la gastronomía, el arte y el diseño.

¿Qué pasa cuando varios artesanos, diseñadores, artistas visuales, plásticos y culinarios, invaden durante varios días un restaurante japonés? ¿Y si luego deciden irse a la frutería del barrio? Y luego a la tienda de golosinas o al kiosco de revistas…

En esto se basan las llamadas pop-up stores, tiendas que aparecen y desaparecen; que combinan la creatividad, el entretenimiento y la sorpresa, e invitan a vivir experiencias curiosas e irrepetibles.

En Madrid son las grandes marcas las que han encabezado esta tendencia que lleva años proliferándose en ciudades como Londres o Nueva York.

Pero bajo el concepto pop-up entra todo: desde los diseñadores más indies, hasta la marca o el promotor de fiestas nocturnas más main-stream. Todos lanzan sus propuestas itinerantes para captar sin falta la atención y la curiosidad de la gente.

Le Pop Up

En la imagen superior (flanqueando el título de esta columna), uno de los curiosos objetos del ilustrador Nacho de Diego, quien es Premio a la Ilustración por su libro A Curious Book. Él participó en la tienda Le Pop Up con su universo de personajes. En la imagen inferior están los cupcakes de Sweet Emma; en el primer Le Pop Up, que tuvo lugar en el restaurante japonés Go!Kaiten, el toque goloso estuvo a cargo de esta afamada firma de repostería artesanal.

Es una tienda pop-up pionera en combinar arte, diseño y gastronomía en Madrid. Una dominicana está detrás. Claudia Pou, quien lleva más de cinco años residiendo en España, con una extensa trayectoria en el sector publicitario. Le Pop Up es su más reciente proyecto, el cual emprende junto a su socia Camila Bores, y lo llevan viento en popa.

Creadores como Gonzalo Sáez Díaz-Merry, Nacho De Diego, Javier Arcos Pitarque, Rocío Fueyo, Cheli Pascual de Zulueta, Javier Bores y la firma de repostería artesanal Sweet Emma, han formado parte de la iniciativa con sus pinturas, ilustraciones,

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1 fotografías, accesorios, complementos, pasteles, cupcakes, video-creaciones y hasta robots. Otros artistas, como Vir Vireta y el poeta Perú, están en la mira. “Las personas que elegimos tienen que ser ante todo curiosas, auténticas y con la creatividad como bandera”, comenta Claudia.

Esta serie de eventos efímeros y exclusivos crea experiencias únicas cada dos meses. Lugares como el jardín vertical de la torre de La Mutua Madrileña, un ático con vistas al Retiro, la azotea del Círculo de Bellas Artes, son algunos de los lugares en los que próximamente podría aparecer Le Pop Up (www. facebook.com/lepopup).

Donde menos te lo esperes La gracia del concepto pop-up es que puede suceder en inusuales rincones: el bar de la esquina, una fábrica abandonada, el restaurante chino al que nadie hace caso, la terraza del vecino, la habitación de un hotel o la barbería del barrio… Esta tendencia se originó en Nueva York y Londres, y está en su mejor momento. Tiendas y discotecas aparecen y desaparecen por toda la ciudad en lugares inimaginables.

El público, saturado de ver siempre lo mismo, lo está agradeciendo mucho. Como nos cuenta Claudia Pou, “el punto es ofrecer una experiencia diferente cada vez, en contextos inesperados”.

Para Claudia…

• Curiosidad es: Adicción a entender mejor las cosas. Buena en su justa medida.

• Diseño es: ¡Qué peligro! Es tan relativo y personal... Ojalá significara simplicidad para la mayoría.

• Detalles son: Una habilidad que pocos tenemos. Saber observar e identificar pequeñas cosas que hacen grandes diferencias.

• Color es: Ruido, atrevimiento…

• Tendencia es: Esos caminos que tarde o temprano todos seguimos como borregos. ¡Arriba las ovejas negras y arriba aquellos valientes que las marcan (las tendencias, no las ovejas)!

• Personalidad es: ¡Uy! Tendré que buscarlo en Google. ¿Atrevernos a ser auténticos?

• Carácter es: Ay, ay, ay...

• Inspiración es: La llamada de las musas.

1. Las ilustraciones de Gonzalo Sáez Díaz-Merry. Autodidacta convencido, este madrileño de 35 años lleva dibujando toda la vida. Su estilo puede definirse como Pop, con bastante carga simbólica y mucho de surrealista. 2. Los robots de Javier Arcos están por todas partes. Este publicista de Madrid soñaba de pequeño con ser un inventor capaz de construir robots y viajar por el espacio. Aunque no ha llegado al espacio aún, sigue armando curiosos robots con las piezas más inverosímiles. 3. Una de las chicas de Gonzalo Sáez Díaz-Merry. 4 y 5. Le Pop Up es la pop-up store pionera en mezclar arte y gastronomía en Madrid, donde el mundo de la publicidad es el hilo conductor.

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Texto: FrancisRodríguez Fotografías: JenniferCalaisSmith

El restaurante Four Seasons

Diseñado por Philip Johnson y Miles Van Der Rohe, destacados arquitectos del siglo XX, el Four Seasons es el restaurante por excelencia de empresarios y celebridades. Pero, ante todo, alberga una extensa colección de piezas de arte y singulares memorias de la cultura estadounidense.

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En 1962, el Four Seasons ya era escenario del cumpleaños número 45 del presidente

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La construcción del restaurante Four Seasons implicó alrededor de 4.5 millones de dólares, algo que en 1959 generó grandes titulares en la prensa. Aunque ya han pasado más de cuatro décadas, este establecimiento todavía sigue impresionando a sus visitantes por su diseño, historia y estilo aristocrático.

norteamericano John F. Kennedy. Y es que no hay un sólo aspecto de este restaurante neoyorquino que no haya sido tomado en cuenta desde que abrió sus puertas al público en 1959.

Los gráficos para los menús estuvieron a cargo del artista Emilio Antonucci; y los creativos Garth y Ada Louise Huxtable, de más de cien creaciones que abarcaron todas las piezas, desde la cocina hasta las mesas. Este dúo también trabajó con la lista de registro, las bandejas para el pan, las copas para el champán y las utilerías especiales para las órdenes de caviar, las de frutas y también las de vegetales -dieciocho de esas obras forman parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno (MoMA) de la ciudad-.

Sillas, manteles, cubiertos, cortinas y piezas de cristal fueron diseñados con exclusividad y bajo un concepto internacional. Four Seasons exhibe cinco salones con reconocidas obras de maestros como Pablo Picasso (quien vendió personalmente una de las obras creadas para el Ballet Russes a los dueños del Four Seasons); de Juan Miró, Frank Stella y Roy Lichtenstein, por mencionar algunos. En el bar, centenares de piezas en bronce se unen para formar una escultura chandelier, que cuelga del techo.

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Un verdadero clásico Julian Niccolini, uno de los propietarios del Four Seasons -en exclusiva entrevista concedida a la revista Lacasa-, comenta que los ambientes y la decoración de su restaurante permanecen prácticamente intactos desde hace medio siglo.

“Nada ha cambiado desde hace cincuenta años, y ésa ha sido una de las claves del éxito de este local. La fórmula consiste en un diseño impresionante y en un menú concebido con la idea de satisfacer al más exigente de los paladares”, apunta sobre este negocio que ha sido reconocido por el New York City Landmarks Preservation Commission (en 1989) como ‘un interior de significación histórica’.

Niccolini, quien lleva décadas sorprendiendo a sus invitados con una inusitada camaradería, no es el típico empresario inalcanzable; se sitúa en la recepción, recibe personalmente a los grandes ejecutivos y se cerciora de que, durante las horas más concurridas, la glamorosa experiencia en el Four Seasons transcurra armoniosamente.

“Pienso que con este restaurante sucede como con las grandes marcas de diseñadores de ropa: no son cuestión del momento, son clásicos que siempre estarán presentes en el gusto de la gente”, añade sobre este espacio creado bajo el concepto de “menos es más”.

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4 1. Cientos de fragmentos de bronce se unen en el bar del Four Seasons, para formar una espectacular pieza tipo chandelier (de la autoría del célebre escultor Richard Rippold).

2. Julian Niccolini, quien es co-propietario de este restaurante, se sentó hace tres décadas a almorzar en el Pool Room, y al día siguiente solicitó empleo; seis meses después lo llamaron y desde entonces surgió un lazo entre él y el Four Seasons. 3. Los exquisitos menús del Four Seasons cambian con el paso de cada estación. De igual manera, los uniformes de los empleados y el tono de las plantas cambian de color cada tres meses, anunciando la llegada de las estaciones. 4. Las lustrosas paredes en ‘french walnut’ del Grill Room se ven imponentes en este espacio repleto de altos ejecutivos.

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Niccolini, quien emigró de Italia en la década del 70, admite que el Pool Room es su salón de almuerzo favorito. Y es que, sin duda alguna, éste muestra una piscina marmórea en el centro, rodeada de cuatro árboles localizados en cada extremo, que cambian sus colores dependiendo de la estación del año. El Pool Room, con una gran iluminación natural, gracias a los gigantescos ventanales de cristal que tocan prácticamente el techo, irradia un ambiente romántico que se completa con imponentes elementos (entre los que destacan fascinantes cortinas que al moverse simulan un reflejo de luz).

“La primera vez que vine al restaurante me senté en este salón (en el Pool Room) y luego llamé para solicitar trabajo. Me dijeron que estaba muy joven, que necesitaba adquirir más experiencia, pero al paso de seis meses me llamaron y así crecí junto con el restaurante”, agrega.

“Power lunch”, desde el comienzo Una de las anécdotas más pintorescas de la creación de este establecimiento es que inicialmente se pensaba mostrar una serie de obras del artista Mark Rothko; esta asignación constituiría la primera de ese tipo en su carrera.

Sin embargo, la idea fracasó cuando Rothko se percató de que éste no sería un lugar donde se congregaría la clase trabajadora, sino los altos ejecutivos. Años más tarde, el artista confesó que en principio aceptó la propuesta como reto, con el fin de que sus creaciones lograsen matar el apetito de los ejecutivos que acudieran al restaurante.

Finalmente, Rothko abandonó el proyecto y se quedó con las obras, que ahora pueden apreciarse en la Tate Gallery de Londres, en el Museo Kawamura Memorial de Japón y en la Galería Nacional de Arte en Washington.

Entre los múltiples atractivos que ofrece el Pool Room figuran sus inmensos ventanales con cortinas en cadenas de metal que se mueven lentamente en forma de cascada. La piscina de mármol, justo en el centro del salón, se mantiene con agua burbujeante, otorgándole un aire refrescante y romántico a este espacio. La escena se completa con cuatro inmensos árboles en cada extremo de la piscina.

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Texto: JorgeTavárez

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Esta escultura de papel se titula “Burst”. Mide 12” x 12” x 3” y fue creada por la artista Jen Stark en 2007.

(Foto: Harlan Erskine).

Arte ¡a todo color!

La Ciudad del Sol es electrizante y está colmada de matices y energía. Eso lo sabe bien Jen Stark, una reconocida artista nacida en Miami, cuya fuente de inspiración proviene de la diversidad y de la policromía que caracterizan a esta urbe.

El azul celeste del Atlántico contrasta dramáticamente con los coloridos edificios Art Deco de South Beach que, combinados con el verdor tropical que adorna las calles de Miami, crea un efecto magnético y hasta inspirador en quienes transitan sobre esta ciudad del Sur de la Florida.

Pero las musas no sólo inciden en los transeúntes y visitantes, sino en aquellos creativos que, como Jen Stark, nutren su trabajo del ambiente que les rodea.

Stark, quien estudió Arte en el Maryland Institute College of Art, es conocida por sus impresionantes

esculturas tridimensionales, realizadas completamente con papel de construcción multicolor. En estas obras, articuladas con una pormenorización extrema, la artista no sólo juega con la combinación de tonalidades fosforescentes de una manera espectacular, sino que se atreve a manipular el ojo humano y la percepción del espectador sobre la profundidad.

Jen Stark se aprovecha de la versatilidad y flexibilidad que ofrece el papel para moldearlo y cortarlo, creando así unas magníficas piezas de arte que son capaces de robar múltiples suspiros y dejar boquiabiertos a muchos.

Mientras estas esculturas -que han sido exhibidas alrededor del mundo y varían en sus formas geométricas- generan muchas dudas sobre qué tan laborioso puede ser su proceso de creación, su artífice las percibe como una mezcla de la geometría, la matemática y la naturaleza. De hecho, la artista considera que estas ciencias parecen tener “todo en común” y sus seguidores opinan que estas composiciones parecen “ser sacadas de la Natura misma”.

Obras de papel, pedazo a pedazo Mientras estudiaba en la universidad, Jen Stark viajó a Francia a pasarse un verano completo. En cuanto arribó a su destino se trasladó a una tienda para comprar materiales que le permitiesen realizar sus acostumbrados trabajos artísticos. Sin embargo, como viajaba con poco dinero en ese entonces –según cuenta ella misma–, decidió comprar lo más económico que había en el lugar: “¡papel!”. Y en ese mismo momento surgió la idea de elaborar las creaciones que, hoy en día, son codiciadas por respetados coleccionistas de arte en todo el mundo.

Esta innovadora explica que muchos toman al papel, su material de trabajo por excelencia, como un elemento sin importancia; no obstante, ella disfruta a plenitud el poder transformar sus dos dimensiones en un elemento tridimensional.

Tan pronto entra a su estudio de trabajo, en el Sur de la Florida, lo primero que prepara es un sketch de lo que va a realizar ese día. Luego, empieza a cortar las hojas de papel, una a una, con la ayuda de una cuchilla; y, a continuación, procede a acoplar y unir cada pedazo de papel para crear su escultura definitiva.

En el sentido de las agujas del reloj: Jen Stark trabajando en su estudio de la Florida. (Fotografía: Fuente Externa). La escultura de papel “Radial Reverie”, de 20” x 20”, una creación del 2008. (Foto: Jen Stark).

La obra “Coriolis Effect” mide 12” x 12” y fue creada en el 2007 (Foto: Harlan Erskine). “Over and Out” cuenta con 19” x 19” x 5” y data del 2008 (Foto: Jen Stark). La pieza “Primarie Invert”, del 2010, es otra exposición de color, movimiento, formas y detalles (Foto: Jen Stark).

Este proceso, que requiere de una paciencia y precisión impecables, puede durar desde unos cuantos días hasta varias semanas para completarse. Muchas horas después, el resultado es un estruendo de color, movimiento, formas y detalles que generan un sinnúmero de emociones en quienes tienen la oportunidad de observarlo.

Miami es un enclave donde conviven personas de todo el mundo; familias de diferentes culturas, religiones y países. La fusión hace de ésta una ciudad rica en diversidad y, a su vez, la convierte en una metrópolis de diferentes capas; capas de diversos sabores y colores. Capas, como las hojas fosforescentes de Jen Stark, que al unirse forman una hermosa escultura que inspira armonía y, a la vez, satisfacción… Igual que la Capital del Sol.

Para conocer más sobre el trabajo de Jen Stark, visite el portal www.jenstark.com

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Texto: SoraydaPeguero Fotos: XavierAngulo Agradecimientos: SidoannaDiVanna

El legado artístico de

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¿Con aire o sin aire? Ésa es la cuestión, pues -como se dice por estas tierras- ‘voy de paquete’ en el asiento trasero de la moto que conduce mi amiga Sidoanna Di Vanna. ¿La razón? Un recorrido exprés por algunas de las creaciones más emblemáticas de “el más catalán entre los catalanes”, como describió el pintor uruguayo Joaquim Torres García al arquitecto más famoso del mundo: Antoni Gaudí.

Vista frontal de la impresionante casa Batlló, adornada con los coloridos mosaicos que Gaudí recuperaba de los desechos de una vidriería catalana.

Casa Milá, un edificio modernista construido por Gaudí entre 1906 y 1910. La fachada de La Pedrera (del catalán ‘cantera’) fue construida con piedra calcárea y está considerada como una obra de importante inspiración naturalista, motivo de marcada recurrencia en la obra de Gaudí.

“El sacerdote de la belleza”, así le llaman a este oriundo de Reus (una localidad catalana perteneciente a Tarragona y orientada al Sur). Un 25 de junio de 1852, en medio de las montañas y el mar Mediterráneo, nació Antoni Gaudí i Cornet, hijo de Antonia y Francisco (forjador de oficio). Aquel niño enfermizo no malgastó las habilidades artesanales que heredó de sus progenitores y revolucionó por completo la arquitectura de toda una época, aprovechando vajillas rotas, paredes destartaladas, vidrieras de colores y juguetes inservibles... Así construyó un legado artístico de dimensiones inigualables.

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Las casas Batlló y Milá Así, con aire, llegamos al Paseo de Gracia, la segunda calle más glamorosa y costosa del mundo, con dos obras de arte provistas de una belleza arrebatadora y de una escasa separación de 500 metros. La primera es la casa Batlló, con columnas que recuerdan las majestuosas patas de un elefante, y sus protuberantes balconcitos enmascarados. El colorido de su fachada, salpicada con pequeñas piedras de mosaico, es un espectáculo de estrellas diurnas que brillan a contraluz, un gozo gratuito para los transeúntes que pasan por el número 43 del Passeig de Gràcia. Las paredes exteriores están construidas con piedra pulida de Montjuïc, y las interiores parecen revestidas de una suave y moldeable capa de fondant, en la que provoca hundir los dedos y dejar una traviesa evidencia.

Algunas vistas del interior y el exterior de la casa Milá. Hoy día, ésta forma parte del tesoro arquitectónico barcelonés. (Mosaico fotográfico: Fuente Externa).

En un primer plano, frente a la Sagrada Familia, posa Sidoanna Di Vanna, quien estuvo al frente del “moto-tour gaudiniano” ofrecido a Sorayda Peguero (autora de esta columna).

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Es casi seguro que Josep Batlló i Casanovas no imaginó el cambio que experimentaría su vivienda cuando le encargó a Gaudí una remodelación completa. Allí Gaudí se apartó de las tendencias arquitectónicas de la época y construyó una casa que consiguió sorprenderle a sí mismo; una casa que es puro sueño, fantasía y delirio.

Las tejas del techo, con su forma redondeada, están rematadas por un borde que parece una gran oruga. Y es que los elementos de la naturaleza son constantes en las comparaciones que sugiere la imaginación al apreciar las obras de Gaudí, quien definió la motivación de su obra como “el gran libro de la naturaleza”; observándola encontró las variadas y sorprendentes formas que marcaron su legado con el sello inconfundible de una peculiaridad que no pasa desapercibida.

Aunque nos quedan dos lugares más por visitar en este pequeño ‘moto-tour’, seguimos el corto tramo que separa la casa Batlló de la casa Milá -la segunda obra del maestro catalán, a visitar en el Paseo de Gracia-, una encomienda más para Gaudí a cargo de su amigo Pere Milá. Se trata de un edificio naturalista en el que hizo un repaso por los detalles que definen su estilo. Su fachada principal fue construida con piedra calcárea, de ahí que sea comparada “con la superficie del mar agitada por un temporal”. Mil metros cuadrados de solar, inicialmente situado entre los bloques de dos calles, sostienen a este edificio carente de uniformidad; mientras que las formas ondulantes de La Pedrera provocan una sensación de movimiento en sus paredes y en sus muros.

La casa Milá es conocida como un referente único en el terreno arquitectónico que, paradójicamente, fue objeto de incomprensión y burla. En la actualidad, forma parte del tesoro catalán y exhibe con orgullo una curiosa variedad de alegres chimeneas ‘gaudinianas’ que se calientan con el sol de la ciudad y a la vista de todos.

La Sagrada Familia y el Parque Güell

Diferentes ángulos de la Sagrada Familia. La obra magna e inconclusa de Antoni Gaudí atrae a múltiples visitantes, constituyendo así uno de los puntos de mayor interés artístico de Barcelona. El templo fue consagrado por el Papa Benedicto XVI, el 7 de noviembre del 2010, y declarado basílica menor durante su visita a esta ciudad.

En la calle Valencia, Sidoanna hace un giro a la derecha y empieza a buscar aparcamiento, bordeando las inmediaciones de la Sagrada Familia. En menos de cinco minutos encontramos un espacio disponible, porque una de las ventajas de desplazarse en moto por la capital barcelonesa es la facilidad para

estacionarse rápida y gratuitamente. En una de las puertas de acceso a la obra magna de Gaudí, una mujer supervisa las entradas de un grupo de jóvenes ingleses -me temo que la mayoría acabará con tortícolis al mirar hechizados hacia lo alto, y no hacia las nubes, sino hacia esas maravillosas torres del campanario que rezan: “Sanctus, Sanctus, Sanctus”-.

Hasta 700 niños y 1,500 cantores puede albergar el interior de esta catedral, que inicialmente se llamó la catedral de los pobres y que fue concebida como una ofrenda. Este proyecto estuvo a cargo del arquitecto Francisco de Paula del Villar hasta que, entre del Villar y la Asociación Espiritual de Devotos de San José, encargada de promover la construcción, surgieron malos entendidos. A raíz de estas diferencias se paralizaron las obras y, recomendado por Joan Martorell, a Gaudí se le asignó este proyecto que, desde los 31 años y hasta el final de sus días, fue el eje principal de su vida.

Gaudí introdujo cambios de tipo naturalista en los elementos góticos y levantó pináculos y torres que dominan el paisaje de la ciudad y que representan la exaltación de los 12 apóstoles. Figuras de animales, símbolos geométricos, plantas… La Sagrada Familia es un edificio grandioso, plagado de una simbología compleja y fascinante.

“El sacerdote de la belleza” pensaba que la iglesia debía influir en el diseño urbano de la ciudad y, al mismo tiempo, ser un foco de atención. Sus intenciones estaban forjadas por sus deseos, que recreó en una edificación que cobra nueva vida cada vez que alguien la mira -y, cómo no, todos la miran-. Incorporar nuevos elementos forma parte del estilo de Gaudí, de ahí el tiempo que dedicó a la construcción de la catedral que permanece inconclusa, misteriosa, exultante y que, a pesar de sus múltiples visitantes, se antoja silenciosa.

Los balcones en los edificios empiezan a ser un despliegue de los primeros retoños de primavera, y así lo confirma la gente que sale a pasear con menos capas de ropa. Los puestos de helados abren sus puertas y se hace la luz, esa luz que Gijs Van Hensbergen dice que cuando incide en la piedra tiene un efecto mágico en toda España, “pero que en Cataluña resulta casi místico”. En la calle de Olot hay un lugar en el que esa ‘mística’ luz es la protagonista absoluta, un bosque encantado que no tenía fuentes, vegetación ni tierra fértil y que hoy

luce adornado por palmeras y un pinar espléndido, gracias al ingenio de Gaudí. Eusebi Güell, promotor de la obra, quería ir más allá y en sus propósitos iniciales planeó una ciudad modelo que hoy se conoce como el Parque Güell.

El proyecto de Güell no obtuvo la acogida esperada, sólo se vendieron dos parcelas y la gente no parecía muy motivada, de manera que su deseo de levantar una zona residencial rodeada por jardines de influencia inglesa experimentó una notoria transformación.

El Parque Güell es un espacio abierto al público que anuncia una fiesta de colores desde sus siete puertas, que contrastan con la naturaleza salvaje que lo rodea en un espacio que antaño sólo era un terreno pedregoso. Los pabellones que flanquean la entrada parecen el capricho de un niño talentoso, un genio precoz que dibujó a carboncillo un cuento que después coloreó con crayolas.

Como suele pasar en los relatos más fascinantes, y haciendo honor a la mitología catalana, el Parque Güell tiene un dragón de escamas suaves y multicolores que lo vigila mientras posa con la gente que se le acerca sin miedo para fotografiarse. Y también hay un banco muy especial… Serpenteante, variopinto y larguísimo en el que cabemos todos: los que nos colamos en los pliegues de la Ciudad Condal para descubrir la belleza, los misterios y el aroma que perfuma los aires de esta tierra de Gaudí.

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En la imagen superior se percibe una perspectiva del Parque Güell, y en la inferior, un detalle del famoso banco serpenteante situado en esa plaza; mientras que al lado también se aprecia uno de los medallones que adornan el techo del interior de la sala hipóstila del Parque Güell.

Finalmente (debajo), hay un detalle de la parte superior de las paredes a la entrada al parque.

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Texto y fotografías: SergioCastillo

Mercados sobrevivientes La incidencia de otras naciones se hizo sentir en las costumbres y en la arquitectura de Buenos Aires. Hoy día, tres mercados de alimentos todavía perduran para mostrarnos cómo lograron preservar ese espíritu multicultural.

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Una característica indiscutible de Buenos Aires radica en la influencia de las Fotografía: FuenteExterna

De izquierda a derecha, los típicos puestos de mercadería de antigüedades, apostados en los pasillos laterales del Mercado de San Telmo; un ángulo de la fachada del Mercado del Progreso en la avenida Rivadavia, en pleno barrio de Caballito. Debajo, una foto del bar del Mercado del Progreso, excelente para hacer una pausa y degustar los platos del día.

diversas corrientes de inmigrantes, que la eligieron como su residencia definitiva. Italianos y españoles, en su gran mayoría, con presencia de alemanes, libaneses y ciudadanos de otras nacionalidades (en menor proporción) introdujeron sus costumbres, arquitectura y gastronomía; por lo que las fachadas de los edificios acogieron estos guiños culturales y los mercados de alimentos pasaron a ser su refugio por excelencia.

Entrar hoy día a cualquiera de estas plazas es hacerlo a un lugar de otro tiempo; a una época en la que se priorizaba el trato personal, y donde los clientes y vendedores se conocían de años. Allí siempre había espacio para conversar…

Fotografía: AlejandraUrresti

Mercados del Progreso, San Telmo y Juramento En la actualidad son pocos los mercados que perduran. Muchos fueron demolidos y algunos se transformaron, logrando conservar la esencia de su infraestructura. Y aunque la mayoría de estos desaparecieron ante el avance de las hipertiendas, aún existen tres que resistieron el embate del tiempo: el Mercado del Progreso, en el barrio de Caballito; el del barrio de Belgrano, en las calles Juramento y Ciudad de la Paz; y el del barrio de San Telmo, el más turístico de todos.

Los rasgos comunes entre estos “sobrevivientes” es que todos tuvieron que mejorar su oferta para volver a ser atractivos a pesar del paso del tiempo, y que para conseguirlo se rodearon de tiendas de moda, antigüedades, electrónica y artesanía, sin perder la esencia de sus antiguos puestos de alimentos.

El Mercado del Progreso se fundó en 1889, con un gran evento social celebrado en un hotel de la zona, en el que compartieron autoridades, puesteros y vecinos. Era el símbolo de una época progresista, en la que los vecinos ocupaban una parte importante de la agenda gubernamental.

Hoy día se mantiene gracias al cambio generacional y al resurgimiento obtenido tras ser elegido por la élite gourmet porteña para realizar allí sus compras. La mayoría de estos expertos coinciden al destacar la variedad y calidad de sus alimentos, así como la higiene y el cuidado de sus puestos.

El Mercado de San Telmo, en cambio, tiene otra particularidad. Fue inaugurado en 1897 y está emplazado en la zona central del barrio del mismo nombre; además es conocido como “la mayor feria de antigüedades de Sudamérica”, comprendiendo más de 500 anticuarios y contribuyendo significativamente al desenvolvimiento cotidiano de sus mercaderes.

Aquí no sólo es la calidad de los alimentos la que

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|23 le permitió subsistir, sino esa ocasional alianza con las reliquias, que también le jacta de ser uno de los puntos turísticos más visitados de la ciudad.

Por su parte, la feria modelo de Belgrano, mejor conocida como el Mercado de Juramento, le debe su suerte a otro hecho fortuito. Esta plaza se encuentra ubicada en uno de los barrios más elegantes y mejor cotizados (por metro cuadrado) de Buenos Aires. Sus terrenos fueron donados en 1875 por José Hernández, el escritor del Martín Fierro, ya que su familia poseía una casona en esos lotes. Al comienzo, Juramento estaba compuesto por unas tolderías, luego se construyeron los puestos y actualmente cuenta con 30 comercios. Sin embargo, a diferencia de otros mercados, el haber sido donado por la familia Hernández le permitió resistir la acometida inmobiliaria que lo impulsaba a desalojar los predios.

Como puede notarse, en una ciudad como Buenos Aires, que crece y cambia a pasos agigantados, la visita a cualquiera de estos mercados es una verdadera oportunidad para conocer, acercarse y experimentar el modus vivendi de otros tiempos...

En las fotos superiores se percibe la fachada del Mercado de San Telmo, edificio diseñado por el arquitecto Juan Antonio Buschiazzo, con una imponente estructura de hierro en su interior y dotada de techos de zinc y vidrio; y parte de la oferta agropecuaria del Mercado de Juramento. La tercera imagen corresponde a un mural en la calle Juramento, perteneciente a uno de los accesos al Mercado de Belgrano.

azulmarino Texto: OlgaAgustín Fotografías: MaglioPérez

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Una estancia

para vivir bien

Entre la Capital y La Romana, esta villa pertenece al complejo residencial tur铆stico La Estancia, que se ha constituido en una opci贸n inmobiliaria para el disfrute del Este dominicano.

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La Estancia, desde La Romana, es una nueva opción para el turismo residencial.

A un paso de Santo Domingo, La Romana, Bayahibe, Bávaro y Punta Cana, esta residencia forma parte de La Estan-

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cia, un complejo que proyecta desarrollar en sus tres etapas: 2,500 residencias, 27 hoyos de golf, spa, club de niños, de río y de playa, caballeriza, colegio, farmacia, mini-market y hasta helipuerto, entre otros atractivos.

Pletórica de encantos caribeños, “La Estancia se distingue por ofrecer el servicio de reconocidas firmas de arquitectos a un precio asequible”, según explica su departamento de mercadeo y ventas.

Entre las oficinas de arquitectura que facilitan sus diseños para la edificación de viviendas dentro de este proyecto, están las de Rafael Selman, William (Pichy) Vega Torres, Antonio Segundo Imbert, Francisco Feaugas y Alberto Calleja. Y es que en La Estancia, cuyas acciones mayoritarias pertenecen al Grupo GPI de Venezuela, los compradores de lotes pueden construir por cuenta propia, aunque los promotores de este complejo trabajan con varias constructoras y cuentan con un departamento de ingeniería y otro de construcción, para tales fines.

En esta comunidad, en la que reina la naturaleza y desde donde pueden apreciarse increíbles vistas de la Cañada del Tanamá, del Río Chavón o del campo de golf (diseñado por P. B. Dye), se ofrecen lotes de 500 a 2,000 metros cuadrados, apartamentos, villas y townhomes.

Al que a buen arquitecto se arrima…

Aunque en el diseño arquitectónico de esta casa en particular se impuso el sello profesional del arquitecto venezolano Francisco Feaugas, también pudo haber sido estampada con el estilo de los arquitectos Selman, Vega Torres, Segundo Imbert

y Calleja. Y es que ésa, precisamente, es una de las ventajas que ofrece La Estancia a los futuros dueños: un diseño residencial de primera a un costo razonable.

Por todos es bien sabido que a Francisco Feaugas le gusta implementar el estilo “moderno asiático-caribeño” en sus trabajos; mientras que a Segundo Imbert le provoca jugar “con materiales, texturas y colores tradicionales, tornándolos en formas originales que provocan espacios flexibles y modernos”, plasmados por igual en los diseños destinados a La Estancia.

Cuando de Rafael Selman se trata, en sus proyectos no puede faltar “la estética limpia y minimalista en donde el uso de la luz, las formas geométricas, los planos, las superficies y los materiales son preponderantes, integrando conceptos como la sencillez, la amplitud y la fluidez”.

En el caso de Alberto Calleja la idea es “generar espacios que brinden infinitos instantes de interconexión entre los usuarios y lo propuesto”, y Pichy Vega siempre piensa en “hacer la arquitectura más adecuada para el proyecto en cuestión y ser lo más racional posible”.

Sobre esta villa en particular En esta villa, de 300 metros cuadrados aproximadamente, se planteó un diseño arquitectónico en forma de “L”, en el que las áreas sociales se cobijan bajo un dinámico techo y en el que la vista se

Aunque esta villa fue diseñada específicamente por el arquitecto Francisco Feaugas, también pudo haber estado a cargo de los arquitectos Rafael Selman, William (Pichy) Vega Torres, Antonio Segundo Imbert y Alberto Calleja, cuyas oficinas de arquitectura facilitan sus diseños a La Estancia para la edificación de viviendas dentro de este complejo.

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Este complejo residencial turístico ofrece diseños de reconocidos arquitectos a un precio asequible, según sus promotores.

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En esta residencia sobresalen el uso de la piedra coralina, la teja y la madera; las dobles alturas y la implementación de numerosas ventanillas, como resultante de la implementación del estilo arquitectónico del venezolano Francisco Feaugas. El interiorismo y la decoración estuvieron a cargo de los arquitectos Lowell Whipple y Yelhidá Lora.

pierde en el horizonte al asomarse al umbral. Enclavada en Los Flamboyanes, uno de los complejos de la primera etapa de La Estancia, presenta un diseño del arquitecto Francisco Feaugas, en el que sobresalen el uso de la piedra coralina, la teja y la madera, y donde predominan las dobles alturas y la implementación de numerosas ventanillas.

En tanto que el interiorismo de esta infraestructura fue ejecutado por los arquitectos Yelhidá Lora y Lowell Whipple, encargándose este último de una ligera modificación del diseño original, a solicitud del propietario.

Y es que, finalmente, esta nueva opción para el turismo residencial en La Romana no sólo aspira a que sus residentes vean La Estancia como el lugar donde habrán de establecerse definitivamente, sino que busca que se empoderen y hagan suyo el eslogan que reza: “Vive bien, vive aquí”.

tendencias

Texto: Arq.IvánBalcácer

El nuevo barroquismo La transmutación de los estilos empleados en decoración de interiores puede comprenderse si analizamos los cambios como reacciones hacia la saturación que produce el uso de una línea de diseño durante un largo periodo de tiempo.

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Antes del siglo XX, los cambios estilísticos se generaban a partir de los cambios políticos, sociales, económicos y/o religiosos.

En el siglo XVII, por ejemplo, los movimientos políticos generaron transformaciones económicas, como aquel momento en el que la Iglesia de Roma incurrió en la venta de indulgencias para concluir la construcción del Vaticano. Esto provocó el descontento del bajo clero, deviniendo en el nacimiento de la Iglesia Protestante, y condujo a la Iglesia de Roma a crear el estilo de la contrarreforma, que en Arte se llamó “barroco”. La idea era crear una forma más dramática e impresionante de hacer Arte y Arquitectura a fin de sugestionar a las masas y redimirlas hacia la Iglesia más antigua.

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La evolución del barroco Este estilo pronto fue adoptado por los gobernantes de corte absolutista, que lo impusieron en sus cortes. Así, las formas curvas, los entrantes y salientes, los planos profundos, las superficies alabeadas, los revestimientos dorados, las lámparas de cristal, los textiles pesados, y los colores fuertes y oscuros, se apoderaron de los interiores de iglesias y palacios.

Hasta el siglo XVIII, el barroco fue el estilo imperante en el mundo occidental. En países como Francia e Inglaterra recibió el nombre del “gobernante de turno”. Entre los estilos menores estuvieron el Luis XIV, Luis XV, Reina Ana, George II, o Early Georgian, todos pertenecientes al periodo barroco.

Aunque hubo un ‘brote’ de barroquismo durante el siglo XIX, no fue sino hasta 1950 cuando volvimos a ver a este estilo empoderarse como toda una tendencia. Este resurgimiento se debió a la reacción que se produjo ante la racionalidad que impuso la Segunda Guerra Mundial, y que se asoció al Arte y a la Arquitectura moderna, con su limpieza

1. En el restaurante madrileño Le Marquis (proyecto desarrollado por el diseñador dominicano Parolio), la silueta y el estampado de este mueble (y el de las cortinas) siguen lineamientos puramente barrocos. (Foto: Ricardo Labougler)

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de formas, simplicidad compositiva y escasez de elementos decorativos.

Durante la década de 1980 hubo un ligero asomo de barroquismo, aunque solo en concepto. Las formas se volvieron voluptuosas, intrincadas y elaboradas. No obstante, y en general, lucieron bastante nuevas.

Veinte años después, y tras haber experimentado la búsqueda de la naturalidad, de la espiritualidad Zen y de otras filosofías del Extremo Oriente, y sobre todo, después del reinado del minimalismo nadie creía posible el retorno del barroquismo, que en teoría tiene muy poco que ver con nuestro mundo moderno.

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El barroquismo de hoy día Si bien es cierto que nuestra civilización se caracteriza por la búsqueda de la novedad, tampoco es menos cierto que la consecuente inclinación al cansancio consumista -que experimenta toda la sociedad ante las modas aceptadas y puestas en boga- es aprovechada por los mercados productores de objetos y modas, para etiquetar de “obsoletos” y “demodé” a los muebles, accesorios y demás componentes del diario vivir, con el objetivo de imponer o “sugerir” otros nuevos.

En general, lo que se considera nuevo en interiorismo y moda, debe oponerse conceptualmente a lo establecido con la introducción del concepto barroco (complejidad, decorativismo, curvas exuberantes, implementación de los tonos dorados, exageración, monumentalidad, teatralidad…). Sin embargo, la nueva decoración contradice todas las acepciones consideradas como válidas hasta ahora.

No obstante, la tendencia actual apunta a aceptar las bases de la modernidad del siglo XX en general, por lo que este nuevo barroquismo deberá combinar los elementos propios del estilo, como los muebles Luis XV -tapizados en tonos insólitos como el marrón, violeta o fucsia, más propios de los años 1950, 1960 y 1970-.

Además, las maderas ya no serán necesariamente doradas, sino blancas, negras y hasta rojas. El cristal estará presente en los accesorios y, por supuesto, en las lámparas colgantes, en los

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|31 chandeliers que asumirán nuevas formas, en los cristales resplandecientes, en color natural, ámbar o gris. Por su parte, los textiles habrán de recuperar la sensación de opulencia, que perdieron durante el minimalismo.

Las terminaciones serán tornasoladas. Los brocados y damascos se emplearán en la tapicería y en las cortinas. Las texturas serán aún más ligeras que las imperantes durante la década de 1980.

En cuanto a los muebles, se reintroducen los revestidos en espejo, a fin de aumentar el efecto de opulencia en los detalles. Objetos como los candelabros vuelven a estar de moda, en materiales como el cristal o el plateado resplandeciente.

Asimismo, los marcos de los cuadros y de los espejos se recubren de pan de plata; mientras que las maderas oscuras continúan en boga, así como los tonos turquesa y el azul violeta. Todo esto deberá combinarse con piezas de mobiliario de líneas simples y limpias, y con tonalidades muy claras.

Hay que hacer notar que este nuevo barroquismo se constituye más bien en un nuevo ingrediente que se suma a la sopa estilística del siglo XXI, caracterizado por el eclecticismo de las tendencias del siglo anterior y acompañado por la introducción de nuevos materiales y de combinaciones de colores y texturas.

2. Esta pieza es barroca-chinesca, ya que está inspirada en la inserción de la moda chinesca (propia del neobarroco), que tuvo efecto en los muebles franceses e ingleses del siglo XVIII. 3. Esta butaca centenaria presenta los lineamientos propios del estilo barroco, con un repujado floral en la madera de su espaldar y de su asiento, que además de ser elaborado va en franca representación de la saturación propia del barroquismo.

4. Este medio baño, diseñado por José Ernesto Rivera, es netamente barroco. Aquí se impusieron: el predominio de las líneas curvas y de los constantes entrantes y salientes, el gusto por los contrastes y el interés por el movimiento, junto a la preocupación por no dejar un hueco libre en la decoración.

5. Características del barroco, como la utilización de la piedra y del mármol, y la incorporación de infinitas curvas, se ponen de manifiesto en esta escalera. 6. Este espejo es una reinterpretación de los espejos barrocos. Gian Lorenzo Bernini, en San Pedro (Roma), creó el Transparente, donde en vez de un espejo colocó una ventana para que los interiores fuesen bañados –y dramatizados- por los rayos solares.

(Fotos 2, 3, 5 y 6: Fernando Calzada) (Foto 4: Maribel Álvarez).

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Texto: OlgaAgustín Fotografías: FuenteExterna

Objetos de diseño 1

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en la oficina Gracias a los grandes diseñadores, los artículos más comunes se convierten en espectaculares piezas que hacen que la gente admire su propio entorno.

Suele ser un firme objetivo de quienes ejercen el Diseño de Interiores, Industrial o Gráfico el que sus creaciones combatan el estrés de la cotidianidad, imbricando la experiencia con la forma. Ellos saben, mejor que nadie, que al dotar de personalidad a un elemento, éste puede salir del anonimato.

Provistos de ingenio y singularidad, hay objetos que no sólo cumplen con una simple función, sino que son capaces de decorar y hasta de realzar cualquier espacio.

La tendencia hacia lo estético, orgánico y funcional, se evidencia en algunos artículos de oficina, como en los dispensadores de notas y de cinta adhesiva, por ejemplo, que despiertan el interés por su uso y diseño.

Por eso, la necesidad que posee el individuo de sentirse innovador, diferente y heterogéneo puede llevarle a sentirse cautivado por estas piezas cargadas de textura, forma y color; y al mundo, a postrarse ante los objetos de diseño…

4 1. Este dispensador de notas en forma de corazón (de la marca Post-it, diseñado por Karim Rashid y disponible en las tiendas por departamentos, papelerías y librerías locales), es capaz de aportarle dinamismo y funcionalidad a cualquier estación de trabajo. 2. Brillante, colorido y atractivo, así es este dispensador de cinta Scotch, fácil de transportar y con un atractivo diseño. Su simpleza y modernidad hacen que el trabajo en la oficina sea más llevadero. 3. Las marcas Post-it y Scotch cuentan con The Pebble Collection

by Karim, una serie de innovadores dispensadores en formas de guijarros, creados exclusivamente por el reconocido diseñador Karim Rashid. 4. Este elegante dispensador de cinta adhesiva, conocido como Scotch Black Shoe, le sigue los pasos a la elegancia y ejemplifica a la perfección lo que es trabajar con estilo y glamour.

Fotografía: HollyReynoso

Texto OlgaAgustín Fotografías: MaglioPérez

Enraizada en la calle Salomé Ureña número 59, en plena Ciudad Colonial, esta casa centenaria alberga en sus entrañas la simbiosis generada por un trío de creativos, que fusionaron un café-bar con una boutique donde reina el diseño artesanal de alpargatas.

“Simplemente artesanal”, así puede conceptualizarse esta tienda donde todo está hecho a mano. Desde la manufactura de un calzado personalizado, pasando por la preparación de aperitivos con un toque casero, y sin dejar de lado el bricolaje aplicado en la decoración e interiorismo de sus espacios, en La Alpargatería impera el arte del “hágalo usted mismo”.

Los autores intelectuales y materiales de este proyecto son tres creativos de ultramar que, con tradición alpargatera de quinta generación corriéndoles por las venas, decidieron importar desde La Rioja el ancestral oficio de elaborar calzado (de lona con suela de esparto y ajustado con cintas), optando por combinarlo con la gastronomía y la coctelería internacional. De este modo, Elena Fernández, directora de arte y decoradora de oficio, se hizo cargo de la cocina; Ricardo Fernández, profesional de la arquitectura y el diseño, del bar; y César García González, hotelero por antonomasia, del diseño y la confección de las alpargatas.

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Bricolaje al dedillo Este trío, que administra y atiende personalmente su innovador negocio, tampoco designó intermediario alguno para ejecutar su arquitectura interior.

A partir del día en que Elena descubrió este antiguo local de 260 metros cuadrados, motorizó junto a sus socios su afición por la creación manual, recorriendo cuantas esquinas de barrios y callejones les fue posible, para adquirir y restaurar el mobiliario que hoy forma parte de La Alpargatería. “Fue una búsqueda furtiva… ¡y todavía necesitamos más!”, refiere Ricardo Fernández sobre las sillas, mesas y enseres, que difieren totalmente entre sí y que en su mayoría provienen de disímiles hogares capitaleños.

Por respeto a la identidad colonial de esta casa, no se produjeron más reformas que la de pintar todos sus muros de blanco, a fin de incrementar la sensación de espacio y luminosidad. Mientras que con el uso de la madera, como material predo

Ésta es una de las múltiples áreas de este café-bar-boutique, ubicado en la Ciudad Colonial, en la que también se aprecia la tendencia al bricolaje en su decoración e interiorismo.

portada Entre arcos coloniales se sitúa “libros y revistas” (al fondo), un área de lectura que responde bien a su apodo y que dentro de La Alpargatería funge como un punto de transición entre la boutique y el café-bar. Al centro, una alfombra de yute (uno de los materiales utilizados para fabricar las alpargatas) recibe al visitante; mientras que en un primer plano se observa un comedor reutilizado, que se encarga de aportarle un toque shabby chic al espacio.

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Los propietarios de esta alpargatería-café-bar, quienes se encargaron personalmente de su decoración e interiorismo, trataron -a todas luces- de conferirle un aspecto diferente al de la típica tienda de calzado, gracias a la simpleza de sus exhibidores.

Desde alpargatas personalizadas y aperitivos caseros, hasta el bricolaje de la decoración y el interiorismo, en La Alpargatería domina el arte del “hágalo usted mismo”.

minante, se propuso preservar las características orgánicas y naturales del espacio.

Y es que el toque verde se pone presente a través de exuberantes especies vegetales dispuestas en las jardineras del patio, en los maceteros oscilantes en los rincones y en los jarrones colocados sobre diversos tramos.

En la antesala se sitúa la boutique, donde se exhiben y expenden las alpargatas confeccionadas in situ. Allí, a mano derecha, una viga enmaderada y empotrada en la pared funge doblemente como armario y exhibidor, con unas luminarias integradas.

Delante, unas banquetas provistas de un estilo bucólico sirven de probadores. A la izquierda de esta tienda, un counter y un exhibidor, con motivos telares combinados al unísono, exponen los nuevos diseños de alpargatas de temporada y logran que “esta zapatería no parezca la típica tienda de calzado, sino algo más acogedor y personalizado”, según apunta César García.

A seguidas, y tras un arco colonial, el lugar se prolonga y da paso a un vestíbulo, donde se produce una transición entre la tienda y el café-bar. La apertura hacia este lobby viene de la mano de unas cortinas a base de retazos de tela, precedidas y combinadas con las del counter y el exhibidor de la boutique. Una vez en esta zona de inmersión hacia el café-bar, una alfombra central de yute (uno de los materiales utilizados para fabricar las alpargatas) recibe al visitante, ante la mirada inanimada de una imagen de San Antonio de Padua. En esta área, bautizada por su condición operativa como “libros y revistas”, se compilan obras y ediciones que son presentadas al público a través de una estructura de paletas de madera reusadas y preservadas en su estado natural.

Cierto aire shabby chic se apodera de este ambiente transicional por medio a un comedor y a unas sillas de segunda mano que se pintaron de blanco. Mientras tanto, el bricolaje se presenta en su máximo esplendor a través de algunos muebles creados por los anfitriones, quienes reutilizaron materiales enmaderados para tales fines.

Ya un poco más cerca del café-bar se distribuyen otros espacios, más reservados y particulares, para degustar tapas, tragos, vinos, jugos y cafés, y donde las sillas, variopintas por demás, “parecen tener vida propia”, a decir de Ricardo Fernández.

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En la imagen superior, la barra de esta alpargatería-café-bar se hace acompañar de un trío de banquetas de madera (diseñadas por los propietarios, bajo un concepto de ebanistería artesanal), y de un mostrador embellecido por una estructura enmaderada (también producto de la creatividad de sus dueños), desde donde se despachan todas las bebidas y aperitivos. Debajo está la imagen de la pizarra de La Alpargatería, que indica diariamente a sus visitantes cuáles son las especialidades de la casa.

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A diferencia del resto, las sillas apostadas en los pasillos cercanos a la barra del bar se lucen en vibrantes tonalidades (amarillas, verdes, rojas y azules); mientras que las lámparas (negras) que penden sobre estos asientos, bajan desde el techo y aportan un toque de dramatismo.

Cuando las miradas se centran en el bar, un módulo revestido por listones de madera (dispuestos asimétricamente y pintados en una gama de colores pasteles), se vislumbra una interesante composición donde convergen la tasca y la cocina. Circundando la barra, están las banquetas construidas por Elena, Ricardo y César, con paletas de pino.

Al fondo, en el patio de La Alpargatería, no sólo confluyen al aire libre algunas piezas mobiliarias resultantes de la Ley de las 3rs y del arte del “hágalo usted mismo”, sino un público totalmente heterogéneo que disfruta de un espacio hecho a mano en Santo Domingo.

Al fondo, en el patio de La Alpargatería (foto superior), no sólo confluyen al aire libre diversas especies vegetales y varias piezas mobiliarias, sino un público totalmente heterogéneo que disfruta de un concepto diferente en Santo Domingo. En la foto inferior, el letrero alusivo al local se enmarca dentro de un exhibidor que se apega a lo orgánico y a lo natural -como todo en La Alpargatería-, y que suele mostrar los nuevos diseños de alpargatas pertenecientes a cada temporada.

Fotografía: KarlaKhouri

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Texto: Dis.PaolaTineo Fotografías: FuenteExterna

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Dentro del diseño se usan los empapelados y adhesivos para las paredes, como un aporte de color y textura a los espacios. Sin embargo, este recurso ya no sólo es estético, sino ecológico, al alejar los cocteles químicos de nuestros ambientes.

Hoy en día, hay un sinnúmero de empresas dedicadas al diseño y fabricación de revestimientos eco-amigables.

La empresa Mod Green Pod, por ejemplo, tiene opciones fabulosas de papeles sin vinilo y con algodón orgánico.

En el caso de la empresa MIO posee empapelados de papel reciclado. Por su parte, aunque técnicamente no sean de papel, Phillip Jeffries exhibe unos revestimientos de yute y cáñamo.

Paredes AI también cuenta con una línea de revestimientos en fibras naturales, como la fibra de hierba y la paja igusa.

Aunque los empapelados y adhesivos vienen decorando las paredes desde el siglo XIII, hoy cuentan con el toque de modernidad correspondiente a nuestra época y están de moda nuevamente. Estos se prestan para las áreas residenciales, los espacios comerciales y hasta los cuartos de baño… Sólo hay que dejar que fluya la imaginación.

Los adhesivos y empapelados convencionales impactan negativamente en el ambiente y en la salud de quienes los fabrican, instalan y utilizan: los sintéticos suelen estar fabricados a base de policloruro de vinilo (PVC), material conocido por su gran impacto ambiental y su toxicidad, ya que libera dioxinas -las cuales se han ligado a la supresión del sistema inmunológico y a ciertos cánceres-. En su elaboración también se utilizan componentes como el ácido perfluorooctanoico (PFOA), conocido como C8, el cual es altamente tóxico y carcinógeno.

Mientras que aquellos (adhesivos y empapelados) que son de papel tienen como fuente los recursos naturales provenientes del renglón forestal.

Los decorados de ambos tipos (los sintéticos y los de papel) usualmente están compuestos por tintas y solventes artificiales con una gran cantidad de químicos. El pegamento para su instalación es una mezcla de compuestos volátiles orgánicos (COVs) y de poliuretano; asimismo, la remoción de estos productos requiere el uso de solventes químicos. Todos estos compuestos se quedan en el ambiente, incluso años después de su instalación, contribuyendo a disminuir la calidad del aire de los espacios interiores.

¡Un alto a los empapelados y adhesivos contaminantes!

Si existe una tendencia hacia todo lo ‘verde’ y contamos en el mercado con la tecnología adecuada

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1. En esta imagen los adhesivos de pared son biodegradables (de la empresa Weedecor), y están pintados a mano, libres de PVC y pueden ser fácilmente removidos y reubicados.

Son ideales para las habitaciones infantiles, salas de juegos, guarderías y escuelas.

2. La inclinación actual hacia la implementación del papel ‘verde’ pintado, con los criterios de protección a la salud y al medioambiente, producen diseños muy atractivos y ecológicos para las paredes (Telas Etcétera, en nuestro país, posee toda una gama de este tipo de papeles). 3. No hay un espacio en el hogar que deba permanecer más puro que la habitación de un infante, y la empresa Love Mae (ver imagen) posee una gama de adhesivos en tela, ideales para las estancias de los más pequeñines.

para ello, ¿realmente deseamos rodearnos de un coctel de químicos en nuestros hogares, restaurantes y oficinas, que contaminan cada vez más el Planeta? Ahora, con el movimiento del diseño verde en los interiores, los fabricantes y diseñadores han comenzado a trabajar con empapelados y adhesivos ecológicamente sostenibles.

Esta inclinación hacia el papel ‘verde’ pintado produce diseños muy atractivos y ecológicos para las paredes. Las últimas tendencias de estos empapelados y adhesivos ecológicos implican una mezcla de fibras naturales, productos con contenido reciclado, tintas a base de agua y tintas vegetales.

Estos no sólo están libres de PVC y de solventes con COVs, sino que también son reciclables.

A diferencia de los empapelados tradicionales, los de papel utilizan fibras naturales para su elaboración, provenientes de fuentes sostenibles de madera (sin impactar los bosques ni las selvas tropicales). Aunque proceden de la madera, no están impregnados de fungicidas, preservativos ni resinas sintéticas. Otros utilizan el papel reciclado como materia prima; y otras veces, una combinación entre el papel reciclado y la materia prima pura.

Los pegamentos eco-friendlys son ideales para la instalación de estos recursos decorativos ecológicos. Se elaboran con pastas solubles en agua y están libres de acrílico y solventes; son hechos, principalmente, de celulosa de metilo, sin tóxicos y anti alergénicos, por ser derivados de la celulosa.

Y si de removedores se trata, la marca Senpro, con su línea biodegradable, constituye un ejemplo ideal de cómo retirar el revestimiento sin el uso de químicos tóxicos.

Así que ya no hay excusa para no innovar creando espacios novedosos y deliciosamente “puros”… ¡Dile sí a los empapelados y adhesivos ecológicamente sostenibles!

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ilovegreen Actualmente, los fabricantes y diseñadores trabajan con empapelados y adhesivos ecológicamente sostenibles.

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6 4. Aquí se perciben diversos adhesivos, ideales para habitaciones de niños y espacios residenciales en general (de la empresa Love Mae), que están hechos de tela, son biodegradables, se instalan con pegamentos a base de agua y no tienen policloruro de vinilo (PVC). 5. Las últimas tendencias de estos empapelados y adhesivos ecológicos implican una mezcla de fibras naturales, productos con contenido reciclado, tintas a base de agua y tintas vegetales. 6. Estos empapelados (de la compañía Graham & Brown) se destacan por contar con diseños de Laurence Llewelyn-Bowen, Julien Macdonald, Hemingway Design y Linda Barker. Se recomiendan en residencias, restaurantes, bares y oficinas.

casasconestilo Texto: OlgaAgustín Fotografías: MaglioPérez

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En este estar sobresalen los elementos metálicos, que se hacen sentir en el resto de las áreas, pues forman parte de las actuales tendencias decorativas. La combinación de los marcos de los cuadros y espejos; de las lámparas chandelier en la sala y la habitación; y de la seda en los cojines y cortinas, junto a las paredes matizadas de una tonalidad gris, realzan este ambiente.

Ingenio a la

máxima potencia Optimizar hasta el último de los 70 metros cuadrados de este apartamento, ubicado en el Malecon Center, creando estancias funcionales con un matiz “acogedor, divertido y glamoroso”, fue más que una misión posible para su diseñadora.

En cuanto los propietarios le dieron luz verde a sus servicios profesionales, Delia García se sumergió en la caja arquitectónica de este encumbrado apartamento con vista al Mar Caribe, al Malecón y a la capital dominicana, y procedió a mejorarla interiormente.

Especializada en Arquitectura, Diseño de Interiores e Historia del Arte, esta profesional entendió de inmediato que el proyecto debía adaptarse al entorno marino-citadino en el que se desarrollaría, pero cobrando la identidad de la joven pareja que habría de habitarlo. Sin embargo, los anfitriones, quienes forman parte de la diáspora dominicana y son asiduos visitantes de la República Dominicana, sólo le pidieron: la creación de “un espacio divertido y añorado”, donde pasar sus esporádicas estadías.

El lugar y la tipología de la obra ya estaban definidos, pero a Delia García todavía no le quedaba claro qué tendencia implementaría. Así que decidió declinarse por el eclecticismo, y ambientar este A mano izquierda, se observa un ángulo de la sala, donde un espejo acompaña a una credencia espacio como si fuese para ella, pero sin olvidarse revestida en cristal que, a su vez, funge como mini-bar. Al fondo, un prolongado jarrón, con palos de –como es lógico- de quienes lo ocuparían. bambú ennegrecidos, dota de carácter a este rincón y propicia la transición entre áreas.

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casasconestilo Espacio chiquito, ingenio grande

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“¿En cuánto tiempo nos entregas el inmueble?”, fueron las últimas palabras que sellaron el primer encuentro de los propietarios con Delia. Ella, tras una diligente conceptualización del proyecto, incontables y fugaces recorridos por las tiendas de Santo Domingo y un montón de consultas cibernéticas con los futuros moradores, procedió a entregarlo completamente diseñado y amueblado en tan sólo tres meses después.

Para la presidenta de la compañía DG Arquitectura S.A., era preponderante que hasta el mínimo detalle fuese coherente con el lenguaje común desarrollado dentro de los espacios. En ese tenor, se valió de la implementación de tonalidades neutras, donde el gris, el negro y los acentos de color se fusionaron con el uso de los espejos, que a su juicio “jugaron un papel preponderante en este apartamento por la amplitud y la elegancia que aportan”.

El manejo de una paleta cromática hegemonizada propició la unificación de áreas, facilitando una fluida transición entre cada una de ellas.

Manejar el interiorismo y la decoración de una infraestructura situada frente al Malecón, nunca fue una limitante para Delia García, sino todo lo contrario. Ella decidió acopiar los toques de color provenientes del exterior, manteniendo un ambiente interior neutro y sin ningún elemento alusivo al tema marino.

“La mejor obra de arte te la da el paisaje”, refiere Delia mientras apunta desde el balcón hacia el Mar Caribe. En esta reducida área, que también funge como terraza y comedor del apartamento, el resumido juego de muebles de exterior es grisáceo para evitar recargamientos; mientras que en los muros cuelgan unos cuadros con temas en blanquinegro y sepia, para no competir con el entorno natural, que es el verdadero protagonista.

Sobre esta mesa de exterior, las flores violetas combinan con la coloración de los cojines de la sala, contribuyendo así a hilvanar el concepto chic, que se sigue en todos los rincones de este apartamento. Una vez en el estar, el ritmo lo marca la repetición de sus elementos metálicos y plateados, que también se hacen sentir en todas las áreas, pues forman parte de las nuevas tendencias decorativas. Esta recurrencia viene dada por la combinación de ciertos objetos, como los marcos

En la imagen superior, la sala muestra que el ritmo está presente en este diseño de Delia García y se remite a la combinación de elementos, como es el caso del metal, los espejos y la seda. En la foto inferior se observa la habitación, donde los tonos neutros, las luminarias y las texturas mantienen el hilo conductor sobrio y chic, registrado en todo el apartamento.

“Dentro del estilo de cada cliente se pueden lograr cosas espectaculares, sólo hay que ver qué desea y qué necesita”, arquitecta Delia García.

En este apartamento, situado en pleno Malecón, la vista hacia el Mar Caribe y Santo Domingo se constituye en la verdadera protagonista de la terraza-balcón, donde las piezas mobiliarias y ornamentales fueron escogidas por su simpleza y limpidez.

metálicos de los cuadros y espejos, las lámparas chandelier en la sala y la habitación, y la seda de los cojines y la butaca.

El sofá negro en piel, provisto de unas aplicaciones capitoneadas, también se suma a la elegancia y formalidad que distingue a la sala. Allí las paredes están matizadas de una tonalidad gris, realzando las piezas circundantes, cuyas formas orgánicas y geométricas imperan indistintamente para transmitir sensaciones.

La habitación, por otra parte, mantiene el hilo conductor del resto de las estancias mediante el uso de tonos acromáticos en sus muros y techos (cuya altura promedio es de tres metros lineales).

La iluminación cenital y lateral, tanto de la lámpara chandelier como de las luminarias de mesa, permiten ambientar el dormitorio, e intensificar y disminuir su nivel de luminosidad. Pero la iluminación también puede ser natural -¡y de qué modo!-, pues proviene del amplio mirador en el que se constituye el Malecón de Santo Domingo.

En aquel espacio de descanso, las cortinas tipo blackout en un tono gris, se constituyen en el perfecto aislante de la luz. Sobre éstas, unas cortinas de visillos brillantes confieren fuerza y glamour.

A Delia García le caracterizan los “diseños elegantes, innovadores y versátiles” y, en este caso, este apartamento no fue la excepción. Para ella, aquí “cada metro cuenta con su propia identidad: la terracita es totalmente relajante; la sala, indiscutiblemente glamorosa, y la habitación transmite un romanticismo inusitado”. Definitivamente, esta profesional logró aquí la creación de áreas específicas para un espacio muy reducido, satisfaciendo los deseos y necesidades de sus dueños, y elevando el ingenio a su máxima expresión.

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Fotografía: LidiaLimardo

apuntesdediseño

Texto: Dis.JoséErnestoRivera Fotografías: FuenteExterna

La silla Nub, de Patricia Urquiola, es un ejemplo del diseño nostálgico inspirado en la ebanistería tradicional.

La estética fría del modernismo nunca ha sido popular. En los interiores residenciales, el eclecticismo lo recluye al contexto de cocinas, baños y salones de estudio.

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El peso de la historia

en el diseño

Recuperar la memoria local es un gran reto para los diseñadores. Y responder a la pregunta de por qué es diseño lo que se conoce como tal, permite manejar buenos argumentos e influye, con el espesor cultural que trae consigo, en el modo de hacer.

Estamos saturados de información, presos de nuestra inmediatez, de la abundancia desestructurada de conocimientos. En todas partes se vive un fenómeno similar. Nos rodean los teléfonos inteligentes, las computadoras personales, las redes sociales, las publicaciones, las campañas publicitarias, las ofertas culturales y las propuestas de ocio. Hemos llegado a tal punto de atiborramiento mental, que el mero hecho de que usted esté leyendo estas líneas, lo integra a un minúsculo grupo de personas que no se ha conformado con tan sólo ver las imágenes y pasar de página.

Ilustración del calzado gótico y renacentista (Dictionnaire du Mobilier Francais, 1858-1875). El arquitecto francés, E. Viollet- le-Duc, sostenía que si diseñábamos en base a los principios verdaderos y naturales no tendríamos que preocuparnos por definir un estilo.

Éste es el Mini Cooper 2008, un automóvil de mucho éxito con un diseño de re-edición.

A la izquierda, Todo sobre la casa, de Anatxu Zabalbeascoa, es un libro excelente para introducirnos en la historiografía de la casa. Hay costumbres que nos parecen novedosas y en verdad no lo son. Al lado, Medianoche en París, una película de Woody Allen, cuyo relato muestra la necesidad de sintetizar, explora los posibles acercamientos a la historia y debe ser vista por todo creativo.

La complejidad actual podría compararse a un aglutinamiento dispar y superficial de datos que invita siempre al menor esfuerzo. La situación no es exclusiva de nuestro contexto, sino que ha venido a ser el ánimo general de estos tiempos. Las implicaciones inmediatas del fenómeno son la falta de perspectiva y la expropiación de una base común de conocimientos. Esta ausencia de referentes ha hecho difícil las interpretaciones y las jerarquizaciones. Lo importante y lo trivial se mezcla, y lo falso intenta legitimarse bajo sus propias leyes.

El historiador y filósofo norteamericano, Will Durant, dijo una vez que nuestras sociedades modernas son las mejor informadas acerca de los eventos ocurridos en las últimas 24 horas, pero no así de los eventos de los últimos seis siglos. Durant señaló que evitaremos cometer errores gracias a un mejor conocimiento de la historia. La falta de objetividad es típica de la post-modernidad; en ese sentido, el remedio para nuestro excesivo enfoque en el tiempo presente y el atascamiento de información es considerar la distancia y tener un entendimiento cabal de las duraciones. Por lo tanto, debemos reconsiderar la importancia de un acercamiento honesto a la historia como ejercicio orientador.

Si se asume la historia como la ‘memoria colectiva’, llegar a la amnesia general sólo nos encaminaría a una crisis de identidad multiniveles. En lo que al diseño respecta, el uso en las conversaciones de calificativos como ‘moderno’, ‘contemporáneo’, ‘ecléctico’, ‘funcional’, ‘vintage’, es cada vez más frecuente y en la mayoría de los casos se trata de señalamientos muy dispares o emocionales.

La historia del diseño contrarresta el riesgo de comunicar con nuestro trabajo: el desarraigo, el adocenamiento y la repetición. El crítico Otl Aicher calificó esta situación como la cantera del “diseño del aderezo”. Aicher entendía que la crisis de la modernidad radicaba en su disposición a reemplazar al pensamiento y los criterios prácticos por una visión meramente estilística, cómplice de las modas y del azar estético. En gran medida, esta situación tiene su origen en el escaso interés por la teoría y la historia del diseño, tal como el historiador del arte, quien ha disfrutado de un mayor reconocimiento en la cultura y las ciencias actuales.

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apuntesdediseño La industria de la moda, con frecuencia, hace uso del repertorio histórico. Esta metodología ha invadido a los demás sectores.

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50| Consideremos que la historia del diseño -que no es lo mismo que la historia del arte, la historia del mueble o la historia del diseño moderno- permanece ausente en los programas académicos de grado y en los estudios de post-grado para formar a los diseñadores de la comunidad iberoamericana. La necesidad de revertir esta realidad es la consigna de instituciones como la Fundación Historia del Diseño, en Barcelona, o la Design History Society, de Londres.

Cabe destacar que en la mayoría de los casos las formulaciones teóricas del diseño se alejan bastante de su realidad práctica. Con frecuencia la construcción histórica del diseño pone su enfoque en la figura del diseñador y no en los procesos, abordando los trabajos de una manera no problemática. Muchas ficciones surgen de estos reduccionismos. ¿Cuáles recursos tecnológicos y materiales fueron usados en el diseño? ¿De qué modo fue determinante la participación del profesional? ¿En qué contexto ambiental se desarrolló el proyecto? ¿Cuáles fueron las condiciones económicas, sociales y culturales? ¿Hubo alguna normativa institucional que cumplir? Son algunas de las muchas

preguntas que deben responderse al momento de publicar los proyectos.

Por otro lado, es un romanticismo pensar que sólo otros tiempos fueron mejores para la profesión. La nostalgia se alimenta de una percepción negativa del presente y del futuro. El conservacionismo extremo atrofia la innovación y desmerita la capacidad discursiva en los planteamientos de cualquier época.

También tenemos que admitir que ningún creativo partirá desde un terreno absolutamente original, y es por eso que pensar en el diseño como un oficio sin deudas con el pasado es sencillamente un mito.

El pasado siempre estará presente en nuestros planteamientos, ya sea de manera simbólica o material.

Una aproximación adecuada a la historia es muy distinta al eclecticismo y al revivalismo sin formulaciones. Un gran reto para los diseñadores es recuperar su historia local. Lo que nos hace falta no es tanto responder a la pregunta de qué es diseño, sino por qué es diseño lo que señalamos como tal.

Aquí radica la importancia de conocer la historia de nuestra profesión, permitir que ese espesor cultural influya en nuestros modos de hacer. (apuntesdediseno@gmail.com).

Los mercados de antigüedades despiertan interés por el componente artesanal de sus mercancías. Al ser hechas a mano, éstas envejecen en mejores condiciones.

En Quinta Las Lomas, a 36 kilómetros del Distrito Nacional, este refugio campestre no sólo se regodea de haber sido la locación de un famoso anuncio televisivo, sino que muestra con beneplácito su envidiable vista hacia la Cordillera Central y se enorgullece de ser uno de los mayores deleites de sus propietarios.

Bajo el concepto de una “casa de campo”, el ingeniero José Manuel Brache, su diseñador y ejecutor, reconoce que esta construcción “fue la resultante de los diversos puntos de vista de sus propietarios y amigos, quienes unieron criterios y voluntades para edificarla”. De hecho, este profesional –que se incluye en el listado de contertulios del matrimonio anfitrión- asegura que esta residencia “fue la primera que se desarrolló con un criterio arquitectónico dentro de la Urbanización Quinta Las Lomas, en Piedra Gorda”.

Como parte del anecdotario que encierra el proceso de esta construcción, que se llevó a cabo hace cinco años, el ingeniero Brache recuerda que “los vecinos y amigos no sólo acudíamos aquí a colaborar con sus propietarios, sino que veníamos a compartir con ellos inolvidables momentos de ocio y dispersión…”.

La anfitriona rememora el instante en el que se apersonó al terreno que hoy ocupa esta casa, junto a su esposo y sus tres hijos. “Nos recordó tanto a San José de las Matas, municipio al que nos sentimos

tan unidos familiar y sentimentalmente…”, comenta visiblemente emocionada, “…que no pudimos evitar ‘enamorarnos’ de él a primera vista. A partir de ahí, el resto es historia”, concluye.

Bloque a bloque José Manuel Brache aprovechó el desnivel del lote de 6,000 metros cuadrados, en el que erigió esta infraestructura de 600, creando una base de hormigón armado que luego revistió de pino tratado, para prodigarle “ese sabor a montaña” que la identifica.

La piedra que envuelve los cimientos proviene de Piedra Gorda, paraje que alberga a esta construcción y de donde son originarios estos trozos de roca (que le hacen honor a la demarcación por su grosor).

A raíz del declive geográfico existente en la zona surgió la estructura exhibida actualmente por esta casa. La cocina y las áreas sociales están arriba, para el fácil acceso y el disfrute tanto de sus habitantes como de los visitantes; las habitaciones, debajo, para no desaprovechar el espacio disponible; y un área

Desde un lateral de esta residencia, ubicada en la Urbanización Quinta Las Lomas, a 36 kilómetros del Distrito Nacional, se percibe el respeto de sus propietarios por la naturaleza circundante. Este ángulo también permite apreciar los tres niveles de esta infraestructura, donde el ingeniero José Manuel Brache creó una base de hormigón armado (revestida en pino tratado) y cuyos cimientos están cubiertos de piedras (provenientes de Piedra Gorda, el paraje donde se enmarca).

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verdemontañoso Como una verdadera transición entre la casa y el jacuzzi (ubicado junto al gazebo) se presenta este puente enmaderado (en la foto superior), que se hace acompañar de un hermoso paisajismo. En la foto inferior, todo el mobiliario de exteriores se rinde ante la maravillosa vista hacia la Cordillera Central.

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más abajo aún (que recibe el apodo de “la covacha” por sus propietarios), la cual quedó hábil para utilizarse y convertirse a futuro en un tablao.

El nivel superior de la casa parece estar unido al gazebo y al jacuzzi, ambos ubicados en el exterior, por medio a un pequeño puente de madera para peatones, que funge como elemento transicional entre estas áreas.

Que la casa resultase con varios metros de altura en su punto más alto no fue producto de la casualidad, sino de la gran estatura de su anfitrión y de la firme idea de prodigarle frescura, apertura y ventilación. Que terminase contando con más de dos habitaciones se debió a la perseverancia de su propietaria.

Cabe destacar que antes y durante el transcurrir constructivo, se respetó al máximo el entorno natural, caracterizado por hermosos pinares que

ahora exhiben árboles de la familia de las Abietáceas con una misión ornamental y forestal. Hoy por hoy, los filodendros, las palmas reales y los charamicos se han unido a esta especie arbórea junto a algunas variedades florales, como las trinitarias, las orquídeas (de todos los colores imaginables) y las flores de vainilla; a otras frutales, como los mangos, los limones, los pomelos, las manzanas, los higos, los aguacates, las guanábanas, las naranjas agrias, los cajuiles y los cocos, entre muchas más; y a ciertos rubros agrícolas, como la yuca, los guineos verdes, los plátanos, las habichuelas negras, las habichuelas rojas, los rulos y los gandules…

Una bocanada de aire fresco El ambiente bucólico envuelve al visitante desde que atraviesa el florido pergolado que antecede al umbral de la casa, y que hace las veces de marquesina.

Al ingresar, las miradas se dirigen instantáneamente hacia los amplios ventanales que ofrecen una perspectiva en 180 grados de la Cordillera Central.

Un módulo central, que alberga dos amplias salas y dos comedores, es el pilar donde se producen las reuniones sociales y familiares, a lo interno de esta infraestructura. En éste, se destaca –como en el resto de las estancias- “una decoración de interiores que encierra matices campestres, con toques de contemporaneidad; siempre adecuada a la necesidad de cada uno de sus habitantes”, según expresa la diseñadora de interiores, Xiomara Alcántara.

Alcántara no sólo colaboró con el ingeniero Brache en la arquitectura interior, en la selección de materiales y en la terminación de la casa, sino que intervino en la decoración y en el diseño de interiores de todas las áreas, junto a la propietaria.

Esta profesional del diseño también admira profundamente que este espacio de cara a la montaña se mantenga incólume ante el paso del tiempo.

Los tres dormitorios, ubicados bajo el área social, gozan por igual de una magnífica visual hacia el sistema montañoso y se encuentran precedidos por una pequeña sala -con mueble, televisión y chimenea, incluidos-. Cada habitación saca a flote, a través del colorido y de la ambientación imperante, la personalidad de quienes allí pernoctan.

La habitación de los hijos posee dos camas vestidas de verdiazul frente a un decorado azulado con motivos marinos; la de la hija presenta accesorios

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verdirrojos, y en la de los esposos se destacan las lámparas, los baúles, la cortinería, la ropa de cama y hasta una colección de gorras del anfitrión, que giran en torno al anaranjado tono de las paredes y las texturas.

Dependiendo de la hora o de la estación del año, todos los ambientes se ven invadidos por la neblina, por la luz de luna o por los rayos solares, creando así la locación perfecta para el anuncio televisivo de una reconocida compañía cafetalera que, al igual que los anfitriones, percibieron en esta casa el “Sabor (a libertad) que empieza en el aroma (a montaña)…”.

Bajo el encanado techo de este gazebo, el mobiliario y la decoración se prestan para hacer de éste el espacio ideal, que se complementa con una vista extraordinaria hacia el entorno circundante. Aquí, al igual que en el resto de las estancias, la idea fue permitir la visibilidad, creando apertura e intimidad a la vez.

verdemontañoso En esta estancia se filmó una de las escenas que se transmiten en el anuncio televisivo de una reconocida compañía cafetalera. Aquí se puede observar un collage de lajas y piedras (en la pared principal), como una creación exclusiva de su propietaria, que junto a una lámpara con un toque antiguo, un mobiliario adecuado y un espejo tamizado por hojas secas, le prodigan un aspecto cálido a uno de los comedores de esta casa.

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Para contrarrestar todo aspecto citadino y prodigarle un toque campestre a esta casa, se utilizó la madera como revestimiento de las paredes, techos, vigas y columnas, sin olvidar el reforzamiento necesario para garantizar su seguridad arquitectónica.

En esta estancia se filmó una de las escenas que se transmiten en el anuncio televisivo de una reconocida compañía cafetalera. Aquí se puede observar un collage de lajas y piedras (en la pared principal), como una creación exclusiva de su propietaria, que junto a una lámpara con un toque antiguo, un mobiliario adecuado y un espejo tamizado por hojas secas, le prodigan un aspecto cálido a uno de los comedores de esta casa.

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Para contrarrestar todo aspecto citadino y prodigarle un toque campestre a esta casa, se utilizó la madera como revestimiento de las paredes, techos, vigas y columnas, sin olvidar el reforzamiento necesario para garantizar su seguridad arquitectónica.

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Texto: Dis.MichelleUrtecho

Ideas para vestir la cama

Como el dormitorio es el refugio por excelencia de nuestro hogar, y la cama es su protagonista, es imperativo ubicarla idealmente y saber escogerle un espaldar y complementos que vayan de acuerdo con la decoración circundante.

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El diseño de interiores se ha tornado muy libre en general, y esta tendencia se traduce al momento de diseñar una cama. Sin embargo, allí no dejan de primar aspectos importantes, como la comodidad y la ergonomía, que siempre deben respetarse; así como las dimensiones del cuerpo humano y los materiales adecuados para toda ropa de cama, que también han de tomarse en cuenta.

Ropa y complementos de cama

La presencia del azul (turquesa, en el edredón, y cielo, en la mantilla) le confiere serenidad y dramatismo a esta habitación diseñada por Paola Alvarado; mientras que las tonalidades y texturas metalizadas también se hacen notar en los cojines. En la cabecera, una pared con un nicho iluminado funge doblemente de ornamento y almacenaje. (Fotografía: Maglio Pérez).

Precisamente, son estos los elementos que influyen poderosamente en la decoración de cualquier dormitorio, tanto o más que su mobiliario. Por tal razón, he aquí algunos consejos de cómo elegirlos e implementarlos: • Se pueden crear originales composiciones con estampados diferentes, combinando un edredón de rayas con diversos almohadones (de círculos o de cuadros en suaves colores).

1. En esta original composición se combinó un edredón a rayas con almohadones de motivos cilíndricos y florales. La aleación de una paleta rosa y marrón prodiga contemporaneidad y romanticismo. (Diseño: Myrna Ravelo, Fotografía: Fernando Calzada). 2. La aplicación de ciertos detalles (como los bordados a mano) en los cojines decorativos y en las sábanas, por ejemplo, son ideales para personalizar estos ambientes. (Ropa de cama: Marcan Lencería, Fotografía: Fuente Externa). 3. En este dormitorio se exhibe un original espaldar adosado a la pared. Las tonalidades aqua y tierra dominan en la ropa de cama (telas de la tienda Aurora) y en el matelassé (cuya tela es de Tessutti). (Diseño: Michelle Urtecho, Fotografía: Maglio Pérez).

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|59 1 • La mezcla de texturas, como el lino con el algodón y con pequeños bordados o encajes, prodiga una sensación de limpieza o pureza. Ésta es una selección de materiales que resulta espectacular en blanco, en transparencias o en tonalidades cremas, y que transforma las habitaciones al generar una opción cromática que va de la mano tanto con el estilo clásico como con el moderno.

• El aplicar detalles en los cojines decorativos (con diseños de las mismas telas; tejidos con otros acabados, como el tornasol; botones o aplicaciones en cristal, nácar o metalizados; cuencas en los bordes, que podrían ser en la misma gama de colores o creando contrastes, entre otros) depende de si se quiere crear algo más dramático o no. El límite es la imaginación…

• Los tonos metalizados se imponen en la ropa textil del hogar. Las telas brillantes y satinadas son opciones que crean espacios más sofisticados; por otra parte, las tonalidades tierra aportan calidez. La forma de aplicación de éstas puede crear un estilo rústico, clásico o moderno. Otra tendencia apunta

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hacia los rosados, pues están de moda y dan un aspecto de romanticismo, permitiendo ser combinados con estampados y lisos. El azul siempre estará de moda, ya que prodiga serenidad y dramatismo.

• Escoger edredones reversibles permite cambiar el diseño según los estados de ánimo de su usuario.

De un lado podría ser estampado y del otro liso.

También se puede contar con una colcha discreta, pero con ciertos acentos en el colorido o estampado de los cojines.

• El uso del rodapié (falda de cama) dependerá del tipo de cama; hay unas que tienen una base y no lo necesitan. No obstante, ya existen muchas personas que desestiman este tipo de usos en procura de mayor practicidad.

El espaldar o cabecera Éste es otro elemento de suma importancia dentro de una habitación. Aunque hoy día se apuesta por

la ausencia de cabeceras, sustituyéndolas por paredes empapeladas, telas o paredes con anaqueles (espacios para almacenar).

Un clásico que regresa es el tapizado capitoneado en una versión muy moderna, con aplicaciones de terciopelos o pieles sintéticas, estableciendo espaldares con mucha personalidad. También se opta por el reciclaje, como una excelente alternativa, en el caso de la implementación de biombos que, por ejemplo, hacen las veces de cabeceras.

En conclusión, las camas pueden estar vestidas según las necesidades de las personas. Hay algunos que prefieren una colcha simple y un par de almohadones sencillos; mientras que otros optan por un juego de mantas, almohadones, cojines decorativos, duvets, rodapiés... Sólo hay que estar conscientes de que la cama es el punto focal de la habitación y de que ésta define el carácter del entorno y de sus usuarios.

En este dormitorio (diseñado por Adolfo Lucero) predomina la sencillez y ligereza que sugieren la ausencia de cojines o almohadones, y la opción cromática (neutra), que también va de la mano con el estilo clásico y moderno. (Fotografía: Fernando Calzada).

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Texto: OlgaAgustín Fotografías: MaglioPérez

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Un hotel en casa

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En el corazón de Santo Domingo, la arquitecta Mariel Asencio creó una especie de establecimiento de hostelería en el pequeño espacio habitacional de una soltera.

“De haber sabido que iba a resultar así, ¡me quedo con él!”, bromea el padre de la

“Relaxed chic”, así puede definirse el concepto de diseño de esta sala donde el sofá de estilo clásico es el protagonista, junto a un cojín inspirado en las muñecas rusas Matryoska. En la mesa central, sin embargo, el estilo es más moderno; mientras que los accesorios se destacan por sus colores vivos, sus diferentes texturas y su tendencia vintage.

hoy dueña de este inmueble que cuenta con dos décadas de construido y 120 metros cuadrados en su haber.

Para la propietaria estaba más que claro que quería un espacio acogedor, y ambientado como un hotel, para permanecer cómodamente una vez llegada a la casa, y Mariel Asencio, quien se encargó de materializar esos deseos y necesidades, lo entendió a la perfección.

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Esta arquitecta, que también se especializó en el Diseño de Interiores y que cuenta con una amplia experiencia en el diseño de proyectos hoteleros (entre otros espacios comerciales y residenciales), se enfrentó con la remodelación de este apartamento, donde los principales aspectos a trabajar eran los pisos, baños y la cocina, para luego pasar a la decoración y el amueblamiento. Uno de los cambios más dramáticos radicó en el remplazo de los pisos existentes, eligiendo distintos materiales como el porcelanato (en tonos grises) y los pisos de madera (en tonos más cálidos), a fin de diferenciar cada estancia.

Conformada por dos habitaciones, sala, comedor, baño, área de servicio y balcón, en esta vivienda se eliminó el muro situado frente a la entrada, con el objetivo de ganar profundidad visual y amplitud. En su lugar se colocó, a modo de recibidor, un mueble de estilo moderno y líneas sencillas (diseñado por la arquitecta Asencio), con el fin de disponer flores.

Tanto para la anfitriona como para la propietaria, el efecto de la iluminación siempre fue muy importante, por lo que todos los rincones de este hogar se acentuaron con las luminarias adecuadas para generar espacios más placenteros. “Aquí se trabajó concienzudamente con la iluminación, para darle forma a los espacios”, según explica la experta.

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1. Con carácter y estilo único, este comedor exhibe paredes revestidas de un papel (de la marca francesa Elitis, perteneciente a la colección China Club) que motivó la búsqueda de una lámpara de techo tejida en mimbre y de un centro de mesa de estilo similar. La mesa cuadrada con tope de mármol blanco (de Eurostone), diseño de Mariel Asencio, resulta contrastante y se rodea de cuatro sillas y de dos banquetas tapizadas. Para las cortinas se combinó la ligereza y transparencia del visillo, con la elegancia y cuerpo de esta tela, a través de sus formas geométricas en algodón crudo. 2.

El área del baño, con un marcado acento moderno, es una fusión de materiales que hacen de este espacio un lugar más estimulante.

El gris fue el color por excelencia que, en combinación con el blanco, evita recargamientos en un área reducida; las líneas horizontales permiten manejar una perspectiva visual más amplia. 3.

En esta habitación se conjuntaron los colores vivos para reflejar un aspecto más fresco y juvenil. El color turquesa de la lámpara y el rojo de los cojines son el complemento perfecto, tanto para el oscuro tono de la madera como para el resplandeciente resto de la habitación. El moderno diseño del mueble de cama (a cargo de Mariel Asencio) hace juego con el estilo retro de los accesorios circundantes. 4. Práctica, funcional, divertida y creativa es esta cocina, donde hay unos tramos reservados para los libros de recetas, a fin de aprovechar al máximo el espacio.

Los utensilios de cocina, de reconocidos diseñadores, también forman parte de la decoración.

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livingsingle 5. Las flores se incorporan desde la entrada a través de este mueble (diseñado especialmente por Mariel Asencio), donde se incrustan cuatro cilindros de cristal, logrando el aire de sorpresa y expectativa, propio de un lobby. 6. Desde un exprimidor de cítricos Juicy Salif (diseño de Philippe Starck), pasando por un sacacorchos en forma de muñeca (diseño de Alessandro Mendini), hasta un destapador de botellas (diseño de Biagio Cisotti, de la marca Alessi) son elementos que forman parte de esta cocina de un modo estético y funcional.

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El estilo a seguir, a partir de los gustos de la clienta, trazó las pautas para que la ejecutora tomase como referencia la sofisticación de lo clásico y lo mezclase con la simplicidad de lo moderno, dándole ciertos toques de vintage a este interior, donde sobresalen la calidez y armonía entre los diversos componentes de diseño gracias a una estudiada selección de colores, formas y texturas.

Precisamente, la paleta cromática a ser implementada estuvo compuesta por las tonalidades neutras (dentro de la gama de los blancos, cremas y grises). De igual forma, se adicionaron brillantes matices de color en todas las áreas, para aportar vida y dinamismo.

“Propiciar dos estilos diferenciados dentro de la casa, genera la ilusión de que se está alternando en distintos ambientes. Aun así, todos los espacios están imbricados a través de elementos comunes que suelen girar en torno a un objeto específico que funge como protagonista”, añade la arquitecta Mariel Asencio.

Si bien es cierto que esta profesional procuró en todo momento implementar un estilo simple y elegante en cada estancia, tampoco hay que olvidar el toque de creatividad que pidió la anfitriona y que derivó en un ambiente provisto de personalidad y en un estilo flexible ante las tendencias de diseño venideras.

Así que, hoy por hoy, no se puede dudar de que el progenitor de la propietaria se arrepienta “aunque sea un poco de haber cedido esta propiedad, ni de que la experta y la clienta todavía se asombren de haber logrado la hazaña de convertir un pequeño y vetusto apartamento de la Capital en un gran “hotel en casa”.

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Arq.CarolinaGarcíaMarcano Fotografías: MaglioPérez, Plantas arquitectónicas y esquema: CortesíadeArquitec3D y ArquitecturaenVerde, Diseño y construcción: DecoFondeur, Locación: Flia.CastellanosGarcía

Cocinas XXS

El ‘departamento de humo y grasa’ de un hogar es fundamental dentro de su infraestructura, pero ¿cómo diseñarlo si está confinado en un espacio reducido?

Hoy día, el metraje de nuestras viviendas y oficinas se ha visto considerablemente disminuido, ya que las edificaciones se construyen dentro de un marco de ahorro de espacio, tiempo y dinero.

Por lo tanto, las actividades que habitualmente se desarrollaban en cada una de las áreas están siendo afectadas por la falta de holgura. Es ahí, precisamente, donde entra en juego la pericia del arquitecto, quien se encarga de ‘armar’ estancias con la triple condición de funcionalidad, forma y estilo.

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¿Cocinas multiusos en metrajes reducidos?

En esta cocina, de apenas siete metros cuadrados, se prodigaron la luz y el brillo necesarios para que las superficies que reflejan (como las baldosas de cerámica y el acero inoxidable) aumentasen sutilmente los efectos de amplitud.

Si aspiramos a que una cocina de dimensiones limitadas se torne de utilidad para varias personas, ya sea que esté ubicada en una residencia u oficina, tenemos que diseñarla de un modo inteligente a fin de se preste para un café, un almuerzo, una gran reunión o, simplemente, una comida familiar.

En ese sentido, la primera pauta a tomar en cuenta es zonificar las áreas. Entre éstas podemos identificar cinco: el área de lavar platos (fregadero), el área de congelados (nevera), el área de cocinar (estufa), el área de almacenaje y el área de trabajo.

Lo ideal es que se propicie el triángulo de diseño que involucra a tres zonas básicas: fregaderonevera-estufa, permitiendo que tres personas realicen varias actividades al mismo tiempo, pero manteniendo todo limpio y en orden.

A seguidas, debemos preguntarnos qué carácter le queremos dar al espacio. Si va a ser algo multifuncional

Esquema de triángulo de una cocina de 7 mts2

o si va a operar desde la casa u oficina; si habrá de ser moderno o clásico; si monocromático o colorido…

En fin, no hay que olvidar que “menos es más” y que lo que más conviene es analizar lo que necesitamos en realidad. Debemos ser prácticos para ahorrar dinero, tiempo y espacio. Los objetos que no sean necesarios es mejor regalarlos, pues es una forma de hacer algo bueno por los demás y, sobre todo, la forma más inteligente de ganar centímetros de espacio en nuestra mini-cocina.

Planta cocina

Para pequeñas cocinas a la medida…

• Las dimensiones y la distribución ayudan a mejorar el espacio y a que todo encaje en su lugar. Se recomienda aplicar la línea blanca (nevera, estufa); mientras los muebles pueden ser modulares o en madera con tope de granito, y estar dispuestos aprovechando todas las paredes y dejando el centro libre para la circulación.

• Gabinetes de base. Lo ideal es trabajar con puertas que abran a 90 grados y nos permitan aprovechar todo el espacio. Asimismo, se aconseja que al ordenar una cocina se clasifiquen los artículos según las necesidades, con el objetivo de mantener todo en su lugar y facilitar las actividades dentro del espacio.

• Gabinetes de pared. El vidrio y la madera son perfectos para realzar la cocina, pues la hacen ver más limpia, suave y hermosa. El concepto de traslúcido contribuye a la ligereza, y los elementos metálicos sugieren creatividad. Aprovechar la altura y utilizar gabinetes hasta el techo, con divisiones, optimiza el espacio.

• Gavetas. Son imprescindibles para tener todo a mano. Los primeros niveles han de contener los objetos más utilizados (como cubiertos, servilletas, pañitos para servir, entre otros).

• El color. Los tonos claros evocan limpieza y amplitud. Combinar el color con metal resulta chic; los colores básicos junto a los dominantes prodigan un buen resultado. Fusionar las tonalidades claras con detalles de colores fuertes en los adornos y aparatos eléctricos, también funciona.

• La luz. El fregadero, junto a las áreas calientes y de trabajo, deben contar con buena iluminación para evitar accidentes. Las luminarias tipo LED son ideales por su estética y bajo consumo; las cálidas

pueden combinarse con las de luz blanca, para dotar de carácter al espacio.

• El fregadero. Lo recomendable es que sea de doble boca. La grifería debe cerrar bien para ahorrar agua, mientras que las tuberías han de encajar perfectamente para evitar escapes y no dañar los muebles.

• Electricidad. Al colocar las cenefas debemos calcular que los tomacorrientes, luminarias e interruptores no coincidan a la misma altura, a fin de lograr una buena terminación. Para los tomacorrientes e interruptores podemos: utilizar un color parecido al de las cerámicas y/o pintura para atenuar un posible contraste o, por el contrario, elegirlos en colores fuertes o metálicos para contrastar.

• La ventilación es mejor cruzada.

Si el área no posee ventanas, podemos trabajar con huecos que hagan esa función; así como con puertas y pasillos. Igualmente, hay que evitar las corrientes de aire en el área de la estufa.

• Los topes. Un tono neutro en la encimera permite remodelar a futuro. Si el espacio es pequeño, los tonos claros realzan la luz; los oscuros son una opción elegante si los combinamos con otros más claros. Mantener una línea larga y continua, con la ilusión de ser una pieza única, se constituye en una solución dentro la cocina.

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Contar con un plano del espacio que se va a intervenir (erigir o remodelar) es una buena idea, porque a partir de ahí se planteará dónde puede colocarse cada área y se calculará el metraje, los materiales y el presupuesto de la obra.

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• Armarios. Los hay de piso a techo, con divi-

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siones de anaqueles que nos permitirán clasificar todo, según su uso. Lo más utilizado siempre ha de estar a mano; lo tóxico y peligroso se guardará en un área específica.

• El extractor de grasa puede ser, eventualmente, hasta decorativo. Si se desea esconder bajo sheetrock puede construirse un falso techo; pero si queremos mantener un carácter industrial en la cocina, el acero inoxidable nos brindará un toque muy contemporáneo.

• Línea metálica. Los metales (como el acero inoxidable, el cobre y el oro) ofrecen un tipo de ambientación majestuosa, sólo hay que saberlos combinar. La fusión bien pensada de dos metales da un carácter de diseño; mientras que el brillo evoca amplitud y la iluminación en conjunto crea un interesante efecto.

• Las cerámicas de pared permiten ser combinadas con listelos, que pueden ser de un color llamativo. Es importante que el derretido de las juntas sea de buena calidad (anti-hongos y anti-ácaros). Si el presupuesto es algo limitado, podemos utilizar cerámica sólo donde están la estufa, los gabinetes y el fregadero; así como pintar la cerámica de un color similar para que se vea uniforme.

• Las cerámicas de piso se pueden manejar de dos formas: implementando el mismo tipo de suelo que el del resto de la oficina o casa, o utilizando un piso que combine con la cerámica de la cocina. Lo ideal es utilizar un piso con una medida media y un derretido parecido para dar una sensación de amplitud.

• Otros materiales (como los listelos horizontales y el orden dentro de los gabinetes, que hace que las mesetas libres hagan el espacio menos pesado) favorecen la sensación de amplitud.

Los espejos y cristales, donde se pueden colocar detalles, frutas y flores, prodigan transparencia, y si se implementan en muebles reflejan la luz y las dobles vistas.

(Para más información sobre el tema, consulte: www.arquitec3D.com y www.arquitecturaenverde.com / 809-856-8068).

En los espacios pequeños lo ideal es que se implementen colores claros, pues el ojo humano sólo puede captar cuatro tonos a la vez. Las tonalidades claras pueden ir de la mano de colores fuertes en los adornos y aparatos eléctricos; mientras que las texturas y materiales deben hacer juego con el entorno.

La planificación para remodelar una cocina conlleva un buen cálculo del tiempo y los costos.

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Fotografías: CortesíadelCentroCulturaldeEspañaenSantoDomingo

“Foodjects”,

una fusión de diseño y gastronomía Lacasa

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La nueva visión de la cocina española ha influenciado a toda una generación de creativos, propiciando sensaciones y emociones a través del diseño de utensilios de cocina.

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Una gran mesa se ha preparado. ¿La degustación? Innovadores objetos, fruto de la colaboración entre la cocina y el diseño español, que se montan y desmontan cada vez que les toca viajar. ¿El mantel? Está decorado con motivos extraídos de bodegones del Siglo de Oro español, que tratados se convierten en una textura tecnológica. ¿La celebración? Se conoce como “Foodjects”.

En esta novedosa exposición se materializa la visión de la nueva cocina española como una experiencia emocional e intelectual, presente en más de cien objetos, provenientes de la revolucionaria relación que se ha establecido en España entre chefs, diseñadores y empresas.

La muestra -promovida por la Secretaría de Estado de Cooperación Internacional, a través de la Agencia Española de Cooperación Internacional para el Desarrollo, y exhibida recientemente en el Centro Cultural de España en Santo Domingo- refleja la forma en que los diseñadores de herramientas de cocina y menaje responden a la renovación e innovación de la cocina tradicional de España.

Los objetos y productos propuestos en esta selección han sido diseñados o producidos en los últimos años por los diseñadores y/o empresas españolas: Deunor Bregaña y Anne Ibáñez, Gemma Bernal, Luki Huber, Zoocreative y Ernest Perera, Jaime Hayón y Bodo Sterlein, Patricia Urquiola, Diez+diez diseño, Curro Claret, Pati Nuñez, Ana Mir, Emili Padrós y Enric Rovira. Así como, Cul de Sac y Alejandro Mingarro, Toni Arola, Xavi Claramunt y Azuamoline, Ferran Adrià, Javier Mariscal, Attua Aparicio y Ricard Ferrer, quienes han realizado propuestas muy diferentes entre sí, en las que se mezclan diversas generaciones de diseñadores que demuestran el potencial inspirador de la cocina española actual.

Y es que, como lo afirma el diseñador Martín Azúa, “la nueva cocina necesita instrumentos para expresarse y presentar sus hallazgos, donde el sentido del humor y la sorpresa desempeñen un importante papel”.

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1. Este “Camino de Mesa (Colección Pictogramas)” ayuda a entender el lenguaje gastronómico. (Diseño: Ferran Adrià by Armand Basi, 2004/05). 2. “Conversation Vase I/ Figurita The Lover I” es un jarrón inspirado en los principios del siglo XX, donde más que la funcionalidad, se destaca la expresividad de su decoración. (Diseño: Jaime Hayon, 2007). 3. La “Vajilla Landscape” juega con siete motivos digitales buscando la transparencia. (Diseño: Patricia Urquiola). 4. El “Plato Lunar Hondo” se inspira en el agua y sus marcas.

(Diseño: Deunor Bregaña & Anne Ibáñez Guridi, 2004). 5. Con una forma suave y orgánica, la “Vajilla Ola”, especialmente diseñada para Ferran Adrià, parece emular el fluir de los líquidos. (Diseño: Gemma Bernal, 2003). 6. Para la cantidad de jugo deseado, el dinámico y original “Exprimidor de limones” diseñado por Luki Huber (2006). 7. Otra creación de Luki Huber (2006) es esta “Cuchara con pinza”, para comer y oler a la vez, a modo de mestizaje sensorial. 8. El diseño del “Jamonero Cha Chá”, como objeto contemporáneo y funcional (se puede plegar y guardar), estuvo a cargo de Alejandro Mingarro (2005).

9. “Demeter” es una cubertería que da una respuesta contemporánea y atemporal al ritual de la mesa.

(Diseño: Deunor Bregaña & Javier Machibarrena). 10. La “Colección Áurea” es un escurridor que además permite presentar el servicio de mesa.

(Diseño: Ernest Perera, 2008).

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11. Comer es un acto creativo que se prolonga con esta “Cuchara para escribir”, permitiendo escribir y dibujar con el café, el chocolate y las salsas. (Diseño: Julia Mariscal, 2006). 12. El “Frutero Lorea” es un ejercicio de papiroflexia que se inspira en las flores para crear un frutero. (Diseño: Zoocreative, 2007).

13. “Cúpula de manzana” es un mini-recipiente inspirado en temas vegetales, que permite presentar los alimentos descubriéndolos a través del olor, el sabor y la temperatura. (Diseño: Deunor Bregaña & Anne Ibáñez Guridi, 2007). 14. Con aroma de frutas, estas “lata velas” son un diseño de Luki Huber & Marta Méndez (2000). 15. Ésta es una “Malla de Cocción” que permite cocinar varios alimentos a la vez de manera separada.

(Diseño: Luki Huber, 2006). 16. Un objeto híbrido entre una copa y un porrón, el ¨Coporrón”, va de lo sofisticado a lo popular. (Diseño: Martín Azúa/Gerard Moliné, 2005).

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entrevista

Texto: OlgaAgustín Fotografías: MaglioPérez

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74| Lorena Medina y César Tarrazo emprendieron, casi sin proponérselo y a través de su microempresa, Talalo Recycled Designs, un viaje sin retorno en el que sólo le acompañan los materiales que recolectan (plástico, cristal y aluminio, entre otros). Los resultados son más que evidentes: lámparas, botellas personalizadas, portarretratos, marcos y espejos. Estos son, en general, algunos de los objetos de decoración para el hogar que cobran vida gracias a la emprendedora pareja.

(Para más información acceda a http://www.facebook.com/talalorecycleddesigns).

Diseño bajo

la Ley de las 3Rs

Reducir, reciclar y reutilizar son las ‘municiones’ de un par de creativos que se han propuesto retar a la basura sólida, al confeccionar objetos decorativos, en un duelo donde el medioambiente será el ganador indiscutible.

Que nadie confunda a ‘Talalo’ con ‘tálalo’, porque no es lo mismo; sino todo lo contrario.

Y es que la denominación ‘Talalo Recycled Designs’ deriva de la combinación silábica de los nombres y apellidos de sus creadores -César (Ta)rrazo y (La)ura (Lo)rena Medina- y de su inquietud por preservar un medioambiente sano, partiendo de pequeñas acciones y contribuciones cotidianas.

Así nomás, decidieron que un día –inspirado por las musas de “la ‘olla’ y la creatividad”, según admiten con el mayor de los desenfados- convertirían sus hogares en centros de acopio de aquellos materiales que otros tiran, destruyen o, simplemente, desperdician.

De este modo, y como un “verdadero alivio” para muchos colmaderos, amas de casa, propietarios de gimnasios y administradores de oficinas, entre otros ‘suplidores’, Lorena y César comenzaron a recolectar botellas (plásticas y de cristal), latas, sorbetes, tubos de gas, CD´s y tapitas, como parte de su estrategia para demostrar que la basura puede ser algo más que un recurso desperdiciado.

Finalmente, la fusión de talentos (en el ámbito del Diseño Gráfico, en el caso de César, y en el área de la Arquitectura, por parte de Lorena), conllevó a que estos microempresarios impulsasen a finales del año pasado la creación y manufactura de originales objetos decorativos, nunca antes vistos por estas latitudes.

Creaciones que ‘sanan’ el medioambiente “Pensar globalmente y actuar localmente” puso manos a la obra –literalmente- a esta pareja, que toma hasta tres días confeccionando una pieza decorativa. El diseño pormenorizado, el arduo trabajo manual y el arte reciclado como resultante, forman parte del proceso de producción del catálogo que ya cuenta con más de 20 modelos y que se exhibe –con bastantes seguidores- en las redes sociales (http://www.facebook.com/talalorecycleddesigns).

Lámparas, botellas, floreros, portarretratos, portavasos, marcos, espejos y, futuramente, topes de mesas, son algunos de los objetos que pueden ser encargados a distancia y recibidos a domicilio por todo el que desee sumarse a esta onda eco-decorativa.

A juicio de algunos adeptos de esta nueva forma de hacer arte, ésta no sólo contribuye a la preservación del ecosistema, sino a la economía de aquellos bolsillos que se complacen al colaborar con el entorno, con sólo desembolsar entre 600 y 3,000 pesos dominicanos, que es el costo promedio de cada artículo.

Y aunque, “lamentablemente, en este tipo de artesanías no suele valorarse la mano de obra”, apunta Lorena, y todavía existe mucha gente “que podría pensar que estas cosas provienen de la basura”, agrega César. Hoy día estas creaciones circulan en ultramar, en ciudades como Boston, Washington, Nueva York y Miami; mientras que Europa ya está en los planes de exportación a corto y mediano plazo.

Este dúo, que atestigua que “se puede ser creativo con poco”, y que bautiza a cada producto con un apodo distintivo, desea “ser original, generando piezas que podrían lucir similares, mas no iguales”.

Rebeldes con causa Sin embargo, la insaciable búsqueda de estos jóvenes de sumarse a lo eco-amigable, no ha sido del todo comprendida por sus conocidos. Aunque a Lorena se le han reído en la cara muchas veces, y a César le conocen como “el que recicla”, siguen firmes en la cruzada de llevar sus creaciones a un público más amplio, que no sólo sea el de una mentalidad abierta y el de cierto nivel de conciencia medioambiental.

Si bien es cierto que muchas veces se sienten incomprendidos, hoy por hoy el resultado es lo único que les importa. “La satisfacción vale más que todo, pues sabemos que estamos en paz con el medioambiente” -y demás está decir que parecen estarlo con la Ley de Dios y, por supuesto, con la de las 3Rs-.

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2 1. “Bittersweet”, así le llaman en Talalo Recycled Designs, y está hecha con CD’s reutilizados. 2. Esta curiosa luminaria es una estructura triangular con fondos de botellas de vidrio. 3. Material plástico y un tubo de gas reciclado le dan vida a esta lámpara.

4. “Alegría” es la luminaria que se compone de un conjunto multicolor de sorbetes.

5. Ilustrada y pintada a mano, la lámpara “Black Jungle” tiene su propio encanto.

6. Este tipo de portarretratos pueden ser fabricados a base de latas (de hojalata o aluminio).

7. Un ramillete de botellas plásticas recicladas es el eje central de esta luminaria de pie.

actualidad

Texto: OlgaAgustín Imágenes: FuenteExterna

Diseño de Ambientes y Productos Artesanales El Segundo Encuentro Iberoamericano de Diseño de Ambientes y de Productos Artesanales está programado del 16 al 18 de noviembre, en el Salón La Mancha del Hotel Lina. Este evento, organizado por la Universidad APEC (UNAPEC), reunirá a personalidades de renombre en el ámbito del diseño, con la finalidad de exponer investigaciones, proyectos de diseño de ambientes con soluciones óptimas, nuevos avances y conocimientos en los materiales y avances tecnológicos. Además, recogerá y dará a conocer las experiencias de diversos profesionales y artistas

Lacasa

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locales e iberoamericanos, y constará también de un seminario, talleres y una exposición, propiciando el desarrollo socio-económico y cultural de la sociedad.

Para inscribirse en estos seminarios y talleres -que cuentan con el respaldo absoluto de la Asociación Latinoamericana de Diseño (ALADI) y de la Asociación Dominicana de Profesionales del Diseño (ADOPRODI)-, puede hacerlo hasta el 10 de noviembre de 2011 en el Decanato de Artes y Comunicación de UNAPEC o llamando al teléfono 809-686-0021, extensiones 2302 y 2329.

26 Bienal Nacional

Agenda trimestral

de Artes Visuales 2011

Con el objetivo de estimular, mostrar, evaluar y

de ALADI y ADOPRODI

El programa de la Asociación Latinoamericana de Diseño (ALADI) y de la Asociación Dominicana de Profesionales del Diseño (ADOPRODI) comprende una serie de actividades relacionadas con su sector, a desarrollarse de septiembre a noviembre de 2011.

En carpeta están la celebración del Día de la Industria en Argentina, el 2 de septiembre, y la Semana del Diseño en Monterrey, del 6 al 9.

En octubre se celebrará el XII mes ALADI Mercosur del Diseño, con actividades en cada país miembro; así como “Volados 2011 / Festival de Diseño y Publicidad”, en Costa Rica.

El 14, por su parte, se conmemora el Día del Sastre en Argentina; y el 18 es la premiación “III Concurso Internacional Diseño y Creatividad, Edición 2011”, también en Buenos Aires. Del 18 al 21 está el “Congreso Internacional de Diseño Forma 2001”,

Para contactar directamente a la Coordinadora de Diseño de Interiores y Diseño de Productos y Artesanía de UNAPEC, arquitecta Amada Badía Ortiz, escríbale a: abadia@adm. unapec.edu.do

Para conocer más sobre ALADI y ADOPRODI, ingrese a: http://adoprodi.blogspot.com/

en Habana (Cuba). El 24 es el Día del Diseñador en Argentina, y del 24 al 31 está la XII Semana ALADI Mercosur del Diseño en esa ciudad sudamericana.

Ya en noviembre, el día 4, se llevará a cabo el “Premio de Diseño/Feria Internacional de la Habana 2011”, en Cuba. Mientras que el 12 se festejará en cada uno de los países miembros ALADI, el Día del Diseño Latinoamericano y el trigésimo primer aniversario de la fundación de esa Asociación.

Finalmente, el día 18, se desarrollará la premiación “III Concurso Internacional Diseño y Creatividad, Edición 2011”, en Buenos Aires.

proyectar el desarrollo de las artes visuales dominicanas contemporáneas, la vigésimo sexta versión de la Bienal de Artes Visuales se inaugurará el martes 16 de agosto, a las 7 de la tarde, en las instalaciones del Museo de Arte Moderno (MAM) de la República Dominicana.

En esta exposición, que estará abierta al público hasta el 16 de noviembre, se estarán exhibiendo, con la posibilidad de ser premiadas, las obras seleccionadas de artistas nacionales, residentes o no en el país, así como de artistas extranjeros residentes aquí por más de cinco años.

Pintura, escultura, dibujo, obra gráfica, fotografía, video y/o multimedia, cerámica, instalación, acciones plásticas, visuales, sonoras y performáticas, son algunas de las expresiones artísticas que podrán ser apreciadas en el MAM y que serán evaluadas por un Comité Organizador.

En el Museo de Arte Moderno de la República Dominicana, localizado en la Plaza de la Cultura Juan Pablo Duarte (Teléfonos 809-685-2153 al 56), podrá obtenerse más información sobre esta actividad.

casa

La

número 12 | septiembre2011

• Av. Luperón 89, Sto. Dgo. • Tel. 809.549.5220 • valfesa@claro.net.do RD$ 180.00