Guía MUSAC 6 by musac_museo

Candice Breitz · Fernando Sánchez Castillo · Kazuyo SeJima + Ryue Nishizawa / SANAA · Clare E. Rojas · David Bestué + Marc Vives

guía musac 6 Candice Breitz Candice Breitz: Exposición Múltiple / Multiple Exposure Del 20 de enero al 2 de mayo de 2007

Fernando Sánchez Castillo Abajo la inteligencia Del 20 de enero al 2 de mayo de 2007

Kazuyo SeJima + Ryue Nishizawa / SANAA Del 20 de enero al 1 de mayo de 2007

Proyecto Vitrinas / Showcase Project

El mundo de hoy en 20 libros de fotografía / The World Today in 20 Photography Books Del 20 de enero al 2 de mayo de 2007

Laboratorio 987 Clare E. Rojas Sympathetic Magic Del 20 de enero al 4 de marzo de 2007

David Bestué + Marc Vives Imágenes del Fin del Mundo / Images from the End of the World Del 17 de marzo al 2 de mayo de 2007

MUSAC Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León Avenida de los Reyes Leoneses, 24 ES-24008 León Tel. +34 987 09 00 00 Fax. +34 987 09 11 11 e-mail: musac@musac.org.es

Horario De martes a domingo: Mañanas: de 10:00 a 15:00 h Tardes: de 16:00 a 21:00 h Lunes cerrado. ENTRADA GRATUITA

SALÓN DE ACTOS

PROYECTO VITRINAS

Opening Hours Tuesdays to Sundays: Mornings: from 10:00 to 15:00 h Afternoons: from 16:00 to 21:00 h Closed on Mondays. FREE ADMISSION

La taquilla cierra a las 14:30 y a las 20:30 h. El desalojo de las salas se iniciará quince minutos antes del cierre.

The cloakroom will close at 14:30 and 20:30 h. The visitors should leave fifteen minutes before the closing time.

Facilidad de acceso Puede accederse a las salas e instalaciones del museo con sillas de ruedas y cochecitos para niños. En la guardarropa del museo se podrán solicitar sillas de ruedas sin cargo.

Access Facilities The exhibition halls and installations of the museum can be accessed with wheelchairs and strollers. In the cloakroom of the museum these wheelchairs may be requested for free.

Guardarropa Para proteger las obras de arte de posibles accidentes, se deberán dejar en el guardarropa las mochilas (de todos los tamaños), paraguas, paquetes, bolsas y carteras de tamaño superiores a 28 x 36 cm, así como cualquier bulto grande.

Cloakroom To protect the works of art from possible accidents, all backpacks (of all sizes), umbrellas, packages, bags and purses bigger than 28 x 36 cm in size should be left in the cloakroom.

Animales Está permitida la entrada de animales cogidos en brazos y perros-guía.

Animals The entry of animals is permitted to small dogs and guide dogs.

Normas de acceso Se permite tomar fotografías en las salas únicamente con cámaras de mano. No se permite el uso del flash ni de trípodes. Se podrán efectuar grabaciones de video únicamente en la entrada y en los patios del museo. Queda prohibida la reproducción, distribución o venta de fotografías sin el permiso del museo. No está permitido fumar en el interior del museo, ni entrar con alimentos y bebidas.

Entry Regulations Photographs may be taken inside the museum only with hand cameras. The use of flash or tripods is not permitted. Video may be taken only in the entrance and the patios of the museum. Smoking is not permitted inside the museum, nor entering with food and drinks.

Medios de transporte Autobuses urbanos: 7, 11, 12 y 13 Estación de autobuses: Avda. Sáinz de Miera s/n. www.alsa.es Ferrocarril: RENFE. Calle Astorga s/n. www.renfe.es Aeropuerto: Aeropuerto de La Virgen del Camino a 7 km del centro de la ciudad.

Transportation Bus Lines: 7, 11, 12 and 13 Bus Station: Avda. Sáinz de Miera s/n. www.alsa.es Railway Station: RENFE. Calle Astorga s/n. www.renfe.es Airport: La Virgen del Camino Airport. 7 km from the city center.

Aparcamientos Muy cerca del museo hay un aparcamiento público.

Parking There is a public parking area near the museum.

JUNTA DE CASTILLA Y LEÓN CONSEJERÍA DE CULTURA Y TURISMO/CULTURE & TOURISM COUNCIL Consejera/Councillor

Dña. Silvia Clemente Municio Secretario General/General Secretary

D. José Rodríguez Sanz-Pastor Director General de Promoción e Instituciones Culturales/ General Director of Cultural Promotions and Institutions

D. Alberto Gutiérrez Alberca

FUNDACIÓN SIGLO PARA LAS ARTES DE CASTILLA Y LEÓN Director General/General Director

D. Jesús Mª Gómez Sanz Director de Artes Plásticas/Visual Arts Director

D. Rafael Doctor Roncero

MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León Director/Director

Rafael Doctor Roncero Conservador Jefe/Chief Curator

Agustín Pérez Rubio Coordinadora General/General Coordinator

Kristine Guzmán Biblioteca-Centro Documentación/Library-Documentation Center

Araceli Corbo Carlos Sánchez Comunicación y Prensa/Comunication and Press

Paula Álvarez Izaskun Sebastián Coordinación de Exposiciones y Proyectos/Exhibitions and Projects Coordination

Marta Gerveno Carlos Ordás Tania Pardo Helena López Educación y Acción Cultural/Education and Cultural Action

Belén Sola Amparo Moroño Registro/Registrar

Koré Escobar Josefina Manzanal GESTOR ADMINISTRATIVO/ADMINISTRATION MANAGER

Andrés de la Viuda

COMITÉ DE ADQUISICIÓN/ACQUISITION COMMITTEE

D. Jesús M. Gómez Sanz D. Rafael Doctor Roncero D. Agustín Pérez Rubio Dña. Estrella de Diego D. José Guirao Cabrera D. Javier Hernando Dña. Mª Jesús Miján D. Octavio Zaya

La labor expositiva de la Junta de Castilla y León comienza esta temporada con un nuevo programa de exposiciones en el MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León. Tengo el honor de presentar el trabajo de tres de los más reconocidos artistas en su campo. En Abajo la inteligencia, Fernando Sánchez Castillo elabora una lectura de algunos de los sucesos históricos que más han determinado la trayectoria de nuestro país en la segunda mitad del siglo pasado. Candice Breitz presenta, con Exposición Múltiple, su primera muestra individual en España, una selección de sus trabajos videográficos realizados en los últimos años. Por otra parte, también encontramos la exposición dedicada a SANAA, en la que se repasa la trayectoria artística de este equipo japonés de arquitectos, formado por Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa. Para la ocasión, el Proyecto Vitrinas se transforma en un escaparate en el que podemos encontrar algunas de las más prestigiosas publicaciones internacionales de fotografía, y el Laboratorio 987 acogerá por su parte los proyectos artísticos de Clare E. Rojas y David Bestué + Marc Vives. Con esta programación, el MUSAC pretende afianzar su compromiso con la creación artística más destacable de la época actual y mantener el nivel de repercusión que ya le ha convertido en uno de los centros culturales de referencia de nuestro país. Silvia Clemente Municio Consejera de Cultura y Turismo

We begin the new season with an extensive programme of exhibitions run by the Junta de Castilla y León through the MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León, which is consolidating its position as a cultural amenity and building a name for itself within the region and beyond. I am very proud to be presenting the work of three of the best known artists in their practice. With Abajo la inteligencia, Fernando Sánchez Castillo presents a complex reflection on the History of Spain in the 20th Century through a selection of sculptural, pictorial and audiovisual works. Multiple Exposure, Candice Breitz’s first solo exhibition in Spain, shows a selection of her last years video works. On the other hand we’ll find a retrospective show of the Japanese architectural firm Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa/SANAA. The new MUSAC proposal for Showcase Project is a selection of 20 books on photography published by the most prestigious publishing houses in the world in the last five years. And Clare E. Rojas and David Bestué + Marc Vives will show their projects for Laboratorio 987. With this programme MUSAC pretends to consolidate its compromise with the most remarcable contemporary artistic creation, maintaining its pressence as one of the most important art centres in our country. Silvia Clemente Municio Regional Minister for Culture and Tourism

El mundo de hoy en 20 libros de fotografía La nueva propuesta del MUSAC para el Proyecto Vitrinas es una selección de 20 libros de fotografía publicados por las más prestigiosas editoriales de todo el mundo a lo largo de los cinco últimos años. Por medio de un cuidado diseño de montaje, se presenta una selección realizada bajo un criterio de calidad en la impresión, la encuadernación y la elección de autores e imágenes. Cabe destacar que todas y cada una de estas publicaciones responden a una doble intencionalidad, crítica y documental, que pretende reflexionar sobre la situación del mundo contemporáneo en sus más diversas facetas: catástrofes naturales, guerras, retratos de ciudades, documentos humanos, etc. La publicación de la imagen fotográfica supone uno de los más importantes medios de reproducción, multiplicación y difusión de la fotografía, algo innato a la naturaleza de esta disciplina. Imagen fotográfica e imprenta han sido dos aliadas importantísimas y esenciales en la época contemporánea. Con la publicación se consigue una universalización de la creación artística, un espacio expositivo permanente y viajero, un objeto artístico de posible adquisición y, en este caso, un documento reflejo de la situación del mundo de hoy. El artista es consciente de la importancia de una buena publicación, no sólo como documento que consolida su trabajo y muestra sus intereses, sino también como material de calidad para futuras investigaciones sobre su obra. Por ello, el artista mantiene una implicación directa en el desarrollo de la edición del libro, pasando a formar parte del equipo editorial como si del montaje de la exposición en un museo, centro de arte o galería se tratara.

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showcase project The World Today in 20 Photography Books

The new MUSAC proposal for Showcase Project is a selection of 20 photography books published by the most prestigious publishing houses in the world in the last five years. By way of a careful installation design, the selection has been undertaken under the criteria of printing and bonding quality selection of authors and images, but above all, considering the very concept of the book within the most important publishing houses of art books and photographic albums in the world. Above all, each and every one of these publications fulfills the doble intentionality of critic and documentary, which intend to reflect on the situation of the contemporary world in its more diverse aspects: natural catastrophes, wars, portraits of cities, human documents, etc. The publication of the photographic image is one of the most important modes of reproduction, multiplication and diffusion of photography, something innate in its own nature. Photographic image and printing are two important and essential allies in the contemporary period. With publication, we achieve a universalization of artistic creation, a permanent and temporary exhibition space, an artistic object of possible acquisition and, in this case, a document that reflects the situation of the world today. guĂa musac 6

LABORATORIO 987

Clare E. Rojas Sympathetic Magic

El universo artístico de Clare E. Rojas (Ohio, EE.UU., 1976) bebe directamente de la imaginería popular norteamericana o folk art. Sus pinturas, de pequeño formato, son fantasías corales donde distintas mujeres comparten escenario con pájaros, serpientes, osos y diversos elementos extraídos de los cuentos tradicionales infantiles. Dibujos de trazo sencillo realizados con una gama de colores planos de reminiscencias eminentemente naïf, que encierran una compleja e irónica visión de los sentimientos femeninos más profundos. El resultado es –mediante una gran composición de escenas– una relectura del papel que la mujer ha desarrollado a lo largo de la historia, alterando los tradicionales roles masculino y femenino. Esta apropiación de distintas imágenes populares para tratar las diferentes preocupaciones sociales femeninas está directamente relacionada con la tradición feminista de los años 70, y más concretamente con Miriam Schapiro y Judy Chicago.

De esta forma, sus obras están concebidas a la manera del pachtwork, una técnica de costura basada en la yuxtaposición de retales para conformar una colorista pieza unitaria. Una labor, por otra parte, ligada indisolublemente al mundo femenino, protagonista indiscutible de su universo pictórico. Igualmente encontramos en la trayectoria de Clare E. Rojas trabajos ligados al street art y la performance, destacando su labor musical bajo el seudónimo de Peggy Honeywell. [p.6] C.H., 2006. Gouache sobre madera. 30,5 x 30,5 cm · Mustache Fight, 2006. Gouache sobre madera. 41,3 x 28,6 cm · [p.7] Laughing Woman in Green Dress, 2006. Gouache sobre madera. 18,5 x 10,1 cm · Judy May Bridge, 2005. Gouache y látex sobre madera. 363 x 359 cm.

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Sympathetic Magic, es una compleja instalación pictórica compuesta por dibujos sobre tablilla que, a modo de novela gráfica, conforman un complejo mundo alegórico. Sin una línea narrativa continua, la mayoría de estas escenas están protagonizadas por mujeres que realizan diversas actividades en el contexto de la realidad contemporánea. La artista cuestiona, desde la perspectiva de la crítica de género, el papel que tradicionalmente ha jugado la mujer en nuestra cultura: “quisiera –dice la artista– que todas las mujeres pudieran caminar en mi espacio sin ser bombardeadas con las imágenes que han tenido un valor negativo para ellas a lo largo de la historia”. The exhibition Sympathetic Magic shows a complex installation based on drawing, canvas and paintings on wood composing huge panels on which the artist Clare E. Rojas (Ohio, USA, 1976) gathers part of the iconography behind American folk imagery, through her complex vision of ‘folk art’. The result is a large composition of scenes that forms a kind of graphic novel telling of a complex, allegoryrich world. With no straight narrative behind them, each of her drawings offers a fragment of unreality, an alternate world in which the women characters can escape from contemporary realities. Her small-scale paintings recall the simple lines of adolescent drawings, with women characters sharing the stage with birds, serpents, bears and other creatures. This coexistence of animal anthropology and human life is sprinkled with visual references to popular American culture and children’s story books. With her links to street art, this artist does not restrict herself to pictorial installations: she also produces animation videos, performances and musical performances, she being better known as a musician under the pseudonym Peggy Honeywell. guía musac 6

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David Bestué + Marc Vives Imágenes del Fin del Mundo / Images of the End of the World

David Bestué (Barcelona, España, 1980) y Marc Vives (Barcelona, España, 1978) son ambos licenciados en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Se conocieron en 2002 y en 2003 empezaron a colaborar en el proyecto Acciones en Mataró (ciudad costera de la provincia de Barcelona). Continuaron trabajando juntos en diversos proyectos y especialmente en la segunda parte de su primer trabajo, bajo el título de Acciones en casa. Poseedores igualmente de carreras artísticas individuales, Bestué y Vives reflexionan en sus obras sobre lo cotidiano y lo absurdo, dejando patente la intrascendencia de nuestra propias acciones vitales haciendo uso de un inteligente sentido del humor.

El espacio público, el espacio privado y el cuerpo se convierten en los ámbitos en los que establecer diversos diálogos y metáforas sobre la cotidianeidad, con alusiones al mundo del cine, el diseño y la arquitectura para, en definitiva, cuestionarse su (nuestra) realidad circundante. Estas acciones comenzaron en 2001, recogidas mediante imágenes en la publicación titulada Acciones en Mataró. Como explican los propios Bestué y Vives, “llevamos a cabo una serie de intervenciones de pequeño calibre en el espacio público de la ciudad catalana (...) En aquel caso hacíamos una relectura del espacio público –como tema bien nutrido de referentes y precedentes– planteando nuestro imaginario particular”. Tras esta pieza realizaron el vídeo titulado Acciones en casa, una suerte de inventario de objetos y fantasías evocadas en un lugar común: la casa. Continuando en esta línea de trabajo han llevado a cabo en el último año Acciones en el cuerpo, una performance recogida en vídeo donde vuelven a cuestionar mediante guiños y alusiones a la Historia del Arte muchas de las situaciones a las que nos enfrentamos, concibiendo el cuerpo como receptor de todas ellas. En Imágenes del Fin del Mundo se recogen los trabajos más destacados de estos dos artistas. Vídeo, fotografía y diversos objetos conforman un espacio que evoca la penumbra más profunda. A través de la acción y la imagen directa reflexionan sobre lo micro y lo macro en el universo. Si hasta el momento su trabajo se centraba en los diferentes modos de actuación a la hora de enfrentarse a su realidad cotidiana, aquí se cuestionan un futuro incierto.

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For David Bestué (Barcelona, Spain, 1980) and Marc Vives (Barcelona, Spain, 1978), the public space, the private space and the body, become settings for establishing various dialogues and metaphors on everyday experience, with allusions to the world of the cinema, design and architecture, all ultimately questioning their (our) milieu. These actions, in which they reinterpreted the public space, began in 2001, and were collected in the publication Acciones en Mataró, and then in the video Acciones en casa, over a hundred actions in all, presented one-by-one as an inventory of objects and fantasies summoned up in that very ordinary place, the home.

Images of the End of the World not only gathers the most outstanding works of these young artists through video, photography and different objects, but also generates a space that evokes the most profound shadows. Through live action and image, they reflect on the micro and the macro in the universe. Until now, their works were focused on the different modes of action upon facing their everyday reality, but here, they question an uncertain future. [p.8] Acciones en el cuerpo (Juicio Final), 2006. Vídeo · [p.9] Acciones en Mataró (Plaquita formalizando pintada), 2002. Libro. 18x13 cm. Fundación 30 km/s.

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Candice Breitz

candice breitz: exposición múltiple / multiple exposure

A lo largo de la última década, Candice Breitz ha venido explorando, traduciendo, remezclando y editando los códigos e iconos de la cultura mediática contemporánea y el lenguaje de la industria del entretenimiento. En los montajes fotográficos con los que se dio a conocer internacionalmente exploraba la inestabilidad de la identidad y la violencia de la representación. Las imponentes vídeo-instalaciones que se desarrollaron a partir de aquéllos, y que ahora conforman el centro de su práctica artística, tienden a desvelar y a interrogar las imágenes fílmicas que toma del cine comercial, la televisión y los vídeos musicales. Breitz re-organiza agresivamente este material fílmico y lo aisla de su narrativa y funciones estéticas características y habituales. Las obras que resultan atraviesan un terreno familiar, aunque sorprendente y fragmentario, que prescinde de la gramática y la sintaxis propia del material original. Por un lado, los paisajes de Breitz exponen la maquinaria, y desarman los valores, de la industria mediática dominante. Por otro, estas obras reflexionan sobre los efectos reales que la cultura pop consigue generar y mantener; proyecciones e identificaciones que son más complejas de lo que aparentan. La muestra Candice Breitz: Exposición Múltiple repasa una amplia selección de obras –incluyendo Soliloquy Trilogy, Becoming y Mother + Father– que han establecido a Candice Breitz como una de las figuras artísticas centrales que abordan las inflexibles fisuras entre la cultura y el consumo, la experiencia y el lenguaje. 10

Over the last decade, Candice Breitz has been probing, translating, remixing and editing the codes and icons of contemporary media culture and the language of the entertainment industry. In early photographic montages, she explored the instability of identity and the violence of representation. The compelling video installations that grew out of the earlier photographic works, and which have become central to her practice, tend to strip down and interrogate found footage borrowed from mainstream cinema, television and music video. Breitz isolates and aggressively redirects this footage away from its characteristically narrative and aesthetic functions. The resulting works traverse a familiar yet puzzling and fragmentary terrain, rescinding the grammar and syntax of the borrowed material. On the one hand, Breitz’s mediascapes expose the machinery and tease out the values of the mainstream media industry. On the other, they reflect on the very real effect that pop culture is able to generate and sustain; projections and identifications that are more complex than they may at first seem. The exhibition Candice Breitz: Multiple Exposure surveys a broad selection of works –including the Soliloquy Trilogy, Becoming and Mother + Father– that have established Candice Breitz as one of the central artistic figures to tackle the rocky chasms between culture and consumerism, experience and language. Textos extraídos del libro Candice Breitz: Exposición Múltiple / Multiple Exposure, publicado con motivo de esta exposición, y con ensayos de Octavio Zaya y Jessica Morgan.

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Queen (A Portrait of Madonna), 2005 Videoinstalación de 30 canales · 73’ 30” Pertenece a la serie de retratos que la artista ha realizado hasta la fecha de cantantes contemporáneos. El primero, Legend (A Portrait of Bob Marley) (2005) es una recreación del disco póstumo Legend del artista de reggae a cargo de treinta jamaicanos. A éste le siguió King (A Portrait of Michael Jackson) (2005), una instalación de dieciséis canales con sendas interpretaciones del disco Thriller grabadas en Alemania; en Queen (A Portrait of Madonna) (2005), treinta italianos cantan el recopilatorio The Immaculate Collection; y el más reciente ha sido Working Class Hero (A Portrait of John Lennon) (2006), producido en Newcastle con un grupo de veinticinco intérpretes británicos que han cantado el disco de Lennon en solitario Plastic Ono Band. Tanto en ésta como en el resto, y como se indica en el título de la pieza, la artista crea un retrato de una estrella. En él no aparece el famoso por ninguna parte, sino que está confeccionado a base de varias interpretaciones individuales de

sus seguidores. Tiene también trascendencia en cada obra el lugar de grabación, ya que arroja luz sobre las características concretas de la región en cuestión y sobre la relación de sus habitantes con la figura protagonista. Por último, tenemos un retrato, o más bien un estudio semiantropológico, de un grupo o un segmento de población conocido como aficionados, seguidores o fans. Varios cantantes reinterpretan todo un álbum siguiendo el orden original de los temas, de tal modo que cada obra tiene la misma duración que el propio disco; los artistas se eligen en función de su autenticidad como fans, no por su aspecto ni por sus cualidades vocales, actorales o rítmicas; se permite que las actuaciones se desarrollen de forma individual, sin apenas interferencias directivas de Breitz, y en la instalación final se ve a cada participante en un monitor o pantalla independiente, situado junto a los demás, en todos los cuales se reinterpreta también el álbum en cuestión.

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Four Duets, 2000 4 videoinstalaciones de 2 canales cada una

Four Duets es un repaso casi arqueológico de las canciones de amor de la segunda mitad del siglo XX. Las canciones que sirven a la artista para realizar este trabajo son: Close To You de Karen Carpenter, Hopelessly Devoted To You de Olivia Newton John, Thorn In My Side de Annie Lennox y I Will Always Love You de Withney Houston. Breitz fija concretamente su atención en aquellas partes de las canciones donde aparecen los pronombres personales “I” (Yo) y “You” (Tú), reduciéndolas a nada más que aquellos momentos donde éstos son pronunciados. De este modo nos encontraremos, en cualquiera de las cuatro instalaciones de dos canales que la componen, por una parte con una pantalla donde se reproduce la canción reducida a los momentos en los que se pronuncian los pronombres derivados de la primera persona, como “Me”, “My” o “I”, mientras que en la otra aprece la misma canción reducida a aquellos momentos en los que se pronuncia “You”. El objetivo no es otro que reducir a los pilares lingüísticos sobre los que se construye una canción de amor: el “yo” emisor y el “tú” receptor de un mensaje sentimental.

Double Karen (Close To You), 1970-2000 «I Loop». 6” · «You Loop». 16” Double Annie (Thorn In My Side), 1985-2000 «I Loop». 4,5” · «You Loop». 3,5” Double Olivia (Hopelessly Devoted To You), 1977-2000 «I Loop». 6” · «You Loop». 29” Double Whitney (I Will Always Love You), 1999-2000 «I Loop». 36” · «You Loop». 62” 12

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Soliloquy Trilogy, 2000 3 filmes en DVD

En Soliloquy Trilogy Breitz cortó el metraje de tres de las interpretaciones más conocidas de tres famosos actores y redujo la película original a la duración de la presencia vocal de la estrella en cuestión. Lo más sorprendente es comprobar lo corto que es el guión total de cada actor. En Instinto básico, Sharon Stone habla durante poco más de siete minutos, y Clint Eastwood en Harry el Sucio algo menos, mientras que Jack Nicholson parece todo un charlatán en Las brujas de Eastwick, con un total de catorce minutos de diálogo. Los cortometrajes resultantes consisten en articulaciones deslavazadas en las que los actores recitan a toda prisa su papel en la película en lo que da la sensación de ser, sobre todo en el caso de Eastwood, un monólogo psicótico.

Soliloquy Trilogy presenta un lado sumamente humano e incluso humanizante, que parece apuntar, lo mismo que las películas, hacia el monólogo interior a menudo alienante y la manifestación exterior que es resultado de la ineptitud del lenguaje a la hora de comunicar la experiencia del ser. Contemplar esos comentarios deslavazados es al mismo tiempo ser testigo de cómo sonaría nuestro monólogo interior diario si pudiéramos grabar la corriente de pensamientos inacabados y preguntas sin respuesta que son la constante de nuestra actividad mental cotidiana.

Soliloquy (Clint), 1971-2000 · 6’ 57” 22 frames

Soliloquy (Jack), 1987-2000 · 14’ 06” 25 frames

Soliloquy (Sharon), 1992-2000 · 7’ 11” 03 frames

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Mother + Father, 2005 2 instalaciones de 6 canales cada una En esta doble instalación Breitz trabaja los significados de la maternidad y la paternidad en la que amplía sus investigaciones a un terreno de gran caudal psicológico: el del comportamiento adquirido y atribuido. El díptico consta de dos instalaciones de seis canales (presentadas en espacios adyacentes), una de ellas con seis famosas madres cinematográficas (de Faye Dunaway en el papel de Joan Crawford en Queridísima mamá a Meryl Streep en Kramer contra Kramer) y otra con seis conocidos padres del celuloide (del cómico Steve Martin al macho Harvey Keitel). Recurriendo a su habitual proceso de montaje, mediante el cual de toda la cinta solamente se conserva la presencia del actor en la pantalla con un fondo negro, Breitz sigue recortando los papeles de los actores y actrices hasta dejarlos reducidos, en última instancia, a su interpretación de padres y madres emotivos. Susan Sarandon declara: “¡Tú no podrías ser madre!”, mientras que Streep insiste: “¡Soy su madre!”. Entre los hombres, Dustin Hoffman grita con agresividad: “¡Maldita sea, maldita

sea!”, y Donald Sutherland anuncia con gran comicidad: “Creo que ya sé por qué he venido... Creo que he venido a hablar de mí.” La neurosis centra el comportamiento de las madres, mientras que el tono de los padres es en general agresivo. Ellas se dedican a dar rienda suelta a su ansiedad sin cortapisas y ellos se sientan una y otra vez, dan portazos y, esporádicamente, aparecen y desaparecen de sus posiciones en la pantalla. En definitiva, una acumulación de tópicos relacionados con el género a partir de representaciones cinematográficas de la maternidad y la paternidad que terminan por presentar un inmenso parecido con la realidad. La textura tartamudeante y vacilante tanto de la imagen como del lenguaje de Mother + Father –lo que la artista denomina el “tic digital” resultante de su proceso de montaje– tiene como resultado el surgimiento de afirmaciones, preguntas y expresiones varias de forma aparentemente incontrolable, imitando con incomodidad el campo emotivo de la interacción entre padres e hijos y la adopción de roles.

Mother, 2005 · 13’ 15”

Father, 2005 · 11’

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Becoming, 2003 Instalación de 14 canales (7 instalaciones de 2 canales cada una: Becoming Cameron, Becoming Drew, Becoming Jennifer, Becoming Julia, Becoming Meg, Becoming Neve, Becoming Reese) Antes de realizar Becoming, Breitz estudió secuencias cortas de siete actrices conocidas de Hollywood y aprendió a reproducir fielmente las expresiones, los tics faciales, los encogimientos de hombros y los despliegues de emociones de mujeres como Julia Roberts en Pretty Woman, Meg Ryan en Tienes un e-mail o Reese Witherspoon en Una rubia muy legal. Cuando Becoming se presenta en su formato íntegro, como una instalación de catorce canales, las simulaciones de Breitz aparecen en siete monitores, cada uno de ellos emparejado con otro, la parte trasera del primero pegada a la del segundo, que rescata el fragmento original de la película, de modo que sólo se puede ver la interpretación de la actriz hollywoodiense o la de Breitz, pero no las dos a la vez. La voz de aquélla habla por las dos: el metraje original y la reinterpretación que de él hace Breitz están sincronizados a la perfección. Las actuaciones de la artista se diferencian de sus modelos por el empleo del blanco y

negro, que contrasta con los colores chillones de la escena paralela, así como por la adopción por parte de Breitz de un uniforme sencillo consistente en pantalones negros y camisa blanca en todas las tomas. La homogeneidad del aspecto de Breitz contribuye a confundir la relación entre original y copia, ya que la presencia dominante de la artista, multiplicada por siete (en contraste con las apariciones singulares de las siete actrices), sugiere con sutilidad que es ella la que ha creado las interpretaciones de sus homólogas, trabajando entre bastidores para mover los hilos de las marionetas de la pantalla. Esa impresión es exacerbada por el hecho de que las voces de las actrices surgen de forma igual de convincente de los labios de Breitz, que se mueven al unísono. Los gestos en apariencia idiosincrásicos de las actrices famosas quedan expuestos como copias seleccionadas de entre miles de matices disponibles potencialmente a los que todos recurrimos en nuestro quehacer diario.

Becoming Jennifer, 2003 · 34” 12 frames

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Fernando Sánchez Castillo abajo la inteligencia

Fernando Sánchez Castillo presenta mediante una selección de trabajos escultóricos, pictóricos y audiovisuales una compleja reflexión acerca de la Historia de España del siglo XX. La muestra ofrece una visión de tres de los aspectos que han articulado los ejes de trabajo de este artista. Por un lado la importancia de los monumentos, la estatuaria que remite a la figura del héroe derrocado, como los leones del Congreso o elementos de nuestra memoria colectiva como el coche del atentado contra Carrero Blanco; por otro la necesidad de redibujar la historia, a modo de hibridación entre el cómic y las ilustraciones periodísticas previas a la utilización de la fotografía y, por último la utilización del vídeo donde reflexiona sobre la propia Historia de España y, concretamente, sobre la idea de destino vinculada al poder.

El título de la muestra, Abajo la inteligencia, remite al célebre altercado que tuvo lugar el 12 de octubre de 1936 –con motivo de la celebración de la Fiesta de la Raza, actualmente, Día de la Hispanidad– en el paraninfo de la Universidad de Salamanca entre Miguel de Unamuno y Millán Astray, fundador de la Legión Española, quien replicaba de esta manera al último intento de postura ética ante la imposición por la fuerza de unos códigos sociales y morales basados en la negación de la reflexión: “¡Abajo la inteligencia! ¡Viva la muerte! Intelectuales, habéis perdido a España”. Esta exposición trata de incidir en hechos y objetos sobre los que se edificó gran parte de la idiosincrasia de nuestra sociedad actual. Los héroes, los mitos franquistas y la apología del objeto encierran el significado del pasado español. Cada una de las obras presentes en la muestra alude a hechos históricos concretos que remiten a episodios del pasado y a su vez dan la pauta al desarrollo de toda la exposición. Desde las piezas tituladas Anamnesis (León I, León II) (2003), que forman Ia instalación realizada a partir de modelos originales que sirvieron para fundir los leones que custodian las Cortes Españolas y que, simbólicamente defienden nuestra soberanía, fueron fundidos con los cañones que defendían [p.16] Fotografía tomada como modelo para la escultura Narón 2003, 2006 · [p.17] Coche de Carrero Blanco, 2006. Instalación, metales preciosos. 140 x 40 cm · [p.18] Anamnesis (León I, León II), 2003. Instalación, bronce. 100 x 180 x 400 cm · [p.19] Vistas del yate AZOR, Cogollos, Burgos · [p.20] Rondó, 2004. Fotografía color. 110 x 140 cm · [p.21] Detalle de Perspectiva ciudadana (1/2), 2004. Instalación, bronce. Medidas variables.

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la de otros. Estas esculturas se convierten así en receptores y liberadores de energías contenidas en pasados conflictos. Pasando por el luminoso que encierra la frase que da título a la exposición. Hasta el vídeo titulado Rich cat dies of Heart attack in Chicago (Gato rico muere de ataque al corazón en Chicago), que muestra la imagen de varias personas arrastrando la cabeza de una estatua que se vincula a la simbología del dictador derrocado. En su título se alude a la censura llevada a su extremo, lo que se convierte en su negación, ya que el chocante y absurdo enunciado es extraído de un titular de un diario brasileño aparecido el mismo día en que se prohibía la libertad de prensa. Así, mediante una estrategia tomada casi del dadaísmo o del surrealismo se hablaba de lo que no se podía hablar. Con este vídeo Fernando Sánchez Castillo representó a España en la XXVI Bienal de São

Paulo en el año 2004. Este vídeo se instalará junto una escultura que representa una cabeza imposible de identificar ya que sus rasgos físicos definitorios son una mezcla de lo que representa un prócer. Las marcas inscritas en el bronce nos cuentan los avatares de su historia fílmica como protagonista del vídeo Rich cat dies of Heart attack in Chicago. De tal forma que esta exposición hace un recorrido, no sólo por nuestro pasado más reciente sino por distintos momentos cronológicos que se aglutinan en nuestra memoria colectiva, desde el recuerdo de la guerra civil española con obras como Niños jugando a fusilar (2007), basada en una imagen titulada Juego de niños, realizada en 1937 por el fotógrafo Agustí Centelles, en el que el artista reflexiona sobre los comportamientos heredados y las consecuencias de esto sobre los más inocentes en cualquier conflicto bélico. También

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la simbología aparece aquí representada en la instalación formada por dos bancos y un mástil y titulada AZOR, Composición S/T (2007), recordando que el Azor era el barco en el que el General Francisco Franco realizaba una de sus actividades lúdicas favoritas, la pesca. En 1985, el entonces Presidente del Gobierno, Felipe González, realizó una travesía entre Rota y Lisboa pero la idea no fue bien recibida por la opinión pública. Tras diferentes destinos,

el Azor actualmente es el reclamo del Motel Azor y del Mesón El Labrador en Cogollos, Burgos. Este barco alude a los símbolos de poder y la mitificación de determinados objetos que con el paso del tiempo alcanzan estatus de icono o, por el contrario, los pierden. E incluso muestran metafóricamente cómo un icono que simbolizó el poder acaba oxidado, olvidado y varado en un paraje perdido y completamente descontextualizado. También en la pieza Coche de Carrero Blanco (2006) el artista realiza una maqueta basada en precisas fotografías facilitadas por la agencia de prensa EFE. Los materiales empleados son metales nobles y se muestra suspendido en el aire como recordatorio de unas circunstancias y de unas imágenes televisivas de las que somos herederos y que vinculamos al período de la transición. Por tanto, ese pasado al que se alude mediante símbolos e iconos llega a

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nuestros días con obras como Narón 2003 (2007) –producida específicamente para esta exposición– y que se remonta al año 2003 cuando se produjo el intento de destrucción de la primera escultura erigida del General Franco ubicada en la parroquia de San Mateo, en Narón (Ferrol), finalmente la estatua del Caudillo fue decapitada en diciembre de ese mismo año por un grupo opuesto a la presencia de símbolos franquistas, esta pieza reconstruye una instantánea de dicho momento convirtiéndose en una representación permanente de un hecho anecdótico. A través de la selección de las piezas que conforman esta exposición se intenta utilizar el proceso creativo como una herramienta capaz de ahondar en el conocimiento del presente y el imaginario visual de España. De tal modo que el análisis de los comportamientos en la guerra civil española le han llevado a Fernando Sánchez Castillo a reflexionar sobre los estereotipos de los levantamientos revolucionarios y los derrocamientos populares de dictadores. La violencia, implícita en toda su obra, la estatuaria y toda la simbología del

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objeto y el poder son temas que este artista retoma una y otra vez. De hecho el vídeo titulado Baraka (2007),término con el que los árabes definían la fortuna y la fuerza del destino del General Francisco Franco, muestra como a la muerte del dictador se obtuvo de su cadáver una mascara funeraria y una impronta de las manos en bronce (que hoy día puede contemplarse en el Museo del Ejército de Madrid). De tal modo que el vídeo muestra como una de estas palmas de la mano es ofrecida a diferentes quiromantes que aportan distintas versiones de lo que la historiografía y la memoria nos proporcionan. Un juego sobre el destino, la simbología y nuestro pasado histórico. La práctica artística desarrollada por Fernando Sánchez Castillo se basa fundamentalmente en

el terreno conceptual. A través de la escultura, el dibujo y el vídeo investiga la relación entre arte y poder, aludiendo a la memoria histórica colectiva y evidenciando, además, el poder que tienen todavía determinados símbolos en nuestra sociedad. El monumento, la documentación, el espacio público o la tradición se convierten en herramientas para desenterrar nuestro pasado más reciente. La fascinación de este artista por la historia española y en especial por el período de la Guerra Civil y la posterior posguerra, supone una atracción, a su vez, por lo revolucionario, lo político y, desde luego, lo social. Los civiles, los soldados, los dictadores, las historias de los ganadores, de los perdedores, en definitiva, una muestra sobre los convulsos procesos históricos del pasado siglo XX.

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Fernando Sánchez Castillo presents a complex reflection on the History of Spain in the 20th Century through a selection of sculptural, pictorial and audiovisual works. The show offers a vision of three of the aspects that articulate the axes of work of this artist. On one hand, the importance of monuments, the statues that bring to mind the figure of the toppled hero, such as the lions of the Congress, or elements of our collective memory such as the car used by Carrero Blanco upon suffering a terrorist attack; and on the other hand, the need to redraw history by way of a hybrid between comic and newspaper illustrations prior to the use of photography; and lastly, the use of video where he reflects on the very history of Spain, more specifically, on the idea of destiny as related to power. The title of the show, Abajo la inteligencia, brings to mind the celebrated altercation that took place on October 12th, 1936, on occasion of the celebration of the Day of the Race –currently known as Columbus Day– at the Assembly Hall of the Salamanca University between Miguel de Unamuno and Millán Astray, founder of the Spanish legion, who replicated the last intent of ethical stand in this manner against the forceful imposition of some social and moral codes based on the negation of the reflection: “Down with intelligence!. Long live death! Intellectuals, you have lost Spain.”

Through the selection of the pieces that make up the exhibition, the creative process as a tool capable of exploring the knowledge of the present and the visual imaginary of Spain, was intended to be used. In this way that the analysis of the behaviour in the Spanish civil war has led Fernando Sánchez Castillo to reflect on the stereotypes of revolutionary uprisings and popular ousting of dictators. Violence, present in all his works, statues and all the symbolisms of the object and power are topics that this artist tackles over and over again. The artistic practice developed by Fernando Sánchez Castillo is fundamentally based on the conceptual field. Through sculpture, drawing and video, he investigates on the relationship between art and power, alluding to the collective historic memory and putting into evidence the power that certain symbols still possess in our society. The monument, documentation, public space or tradition is converted into tools that unbury our most recent past. This artist’s fascination for Spanish history, most especially, for the civil war and later on, post-war period, suppose an attraction for the revolutionary, the political and of course, the social, at the same time. The civilians, the soldiers, the dictators, the stories of the winners, the losers, undoubtedly, a show on the convulsed historic processes of the past 20th century.

This exhibition intends to stress on the facts and objects on which a great part of the idiosyncrasy of our current society is constructed. The heroes, the Francoist myths and the eulogy of the object that encloses the meaning of the Spanish past. Each one of the works present in the show allude to a concrete historic fact that bring back the episodes of the past and at the same time mark the points of development of the whole exhibition. guía musac 6

Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa / SANAA El MUSAC presenta la primera gran muestra en España, y la mayor hasta el momento en Europa, de los arquitectos japoneses SANAA (Sejima and Nishizawa Architects and Associates). Este equipo está compuesto por Kazuyo Sejima (Ibaraki, Japón, 1956) y Ryue Nishizawa (Kanagawa, Japón, 1966), ganadores del León de Oro en la 9a Bienal de Venecia de Arquitectura por el diseño del Museo del S.XXI en Kanazawa y la ampliación del IVAM en Valencia. Estos arquitectos han sabido elaborar todo un catálogo de propuestas, tanto estéticas como de ingeniería, logrando situar su arquitectura como una de las más sólidas del panorama actual, siendo uno de los equipos más prestigiosos a nivel internacional, desde sus comienzos en Japón hasta su reconocimiento en todo el mundo. La exposición que se presenta

está dividida en tres salas e incluye proyectos realizados individualmente bajo Kazuyo Sejima and Associates y el Office of Ryue Nishizawa, estudios que han sido creados en 1987 y 1997, respectivamente, y que siguen coexistiendo al mismo tiempo que SANAA, creado en 1997. De esta manera, tanto en la instalación de Flower House (Casa Flor) como en el resto de salas se podrán apreciar todas aquellas características que han otorgado reconocimiento internacional a la arquitectura de SANAA: grandes vanos de vidrio transparente que permiten la permeabilidad entre el interior y el exterior; la búsqueda de una nueva jerarquía entre estructura y particiones, con un resultado de sofisticadas soluciones constructivas; el juego entre luz, sombra, aperturas y cubiertas; y, por último, la simbiosis entre naturaleza y arquitectura.

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MUSAC presents the first major show in Spain and the biggest in Europe at the moment, of the Japanese architects SANAA (Sejima and Nishizawa Architects and Associates). This firm is composed of Kazuyo Sejima (Ibaraki, Jap贸n 1956) y Ryue Nishizawa (Kanagawa, Jap贸n 1966), winners of the Golden Lion during the 9th Venice Biennial for Architecture for the design of the 21st Century Museum of Contemporary Art in Kanazawa and the IVAM Extension Building in Valencia. These architects have known how to elaborate a whole new dictum of aesthetic as well as engineering proposals, bringing their architecture onto the forefront of the current architectural scene, as one of the most prestigious international firms from the start of their careers in Japan up to world-wide recognition. The exhibition that is presented is divided into three galleries and includes projects undertaken individually under Kazuyo Sejima and Associates and the Office of Ryue Nishizawa, firms that were established

in 1987 and 1997, respectively, and that continue to co-exist together with SANAA, created in 1997. As such, in the installation of Flower House as well as in the rest of the exhibition spaces, all those characteristics that have given international recognition to the architecture of SANAA can be appreciated: wide panes of transparent glass that allows for permeability between exterior and interior spaces; the search for new between structure and partition resulting to sophisticated constructive solutions; the interplay of light, shade, openings and closures; and lastly, the symbiosis between nature and architecture.

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FLOWER HOUSE (Casa Flor) Da la bienvenida a la exposición como pieza principal un mock-up –un prototipo de un proyecto inédito, que se da a conocer por primera vez en esta muestra–, de una casa privada en Europa a escala 1:2, en el que se encuentran actualmente trabajando. En él, se pueden apreciar varias de aquellas características que han dado reconocimiento internacional a la arquitectura de SANAA y algunas nuevas concepciones que ahora están desarrollando: un espacio diáfano y transparente para una sóla vivienda, la total comunión con la idea de frontera o límite entre interior y exterior, la utilización de telas como forma de privacidad, la relación con los patios por los que entra luz más directa en el interior, las formas naturales, orgánicas y sinuosas, sus constantes juegos entre aperturas y cubiertas, o la fidelidad a las directrices de los clientes, invitan al público a imaginar la sensación de habitar una casa diseñada por estos arquitectos.

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Proyectos bidimensionales En la última sala encontramos presentaciones de trabajos bidimensionales que conforman un recorrido visual a lo largo de dibujos a gran escala que pretenden ser cuadros abstractos; bocetos representativos de los estudios preliminares de cada proyecto; imágenes realizadas por fotógrafos reconocidos; e incluso vídeos con una intención procesual. Se trazan así los inicios de sus carreras a nivel individual en las viviendas privadas en Japón como la Casa Pequeña, Casa N, Casa Moriyama, o la Casa en un huerto de ciruelos; y como equipo, cuando empiezan a ganar concursos internacionales como el Novartis Campus (Basilea, Suiza), Christian Dior Omotesando (Tokio, Japón), Stadstheater Almere “De Kunstlinie” (Almere, Paises Bajos), Museo del Siglo XXI (Kanazawa, Japón), New Museum of Contemporary Art (Nueva York, EEUU) o la ampliación del IVAM (Valencia, España).

Cabe resaltar que el diseño de la exposición, tanto por su distribución como por su presentación, así como por la iluminación blanca que inunda las salas, se ha hecho de acuerdo con las características estéticas de SANAA de blancura, limpieza y luminosidad, alterando el carácter original del edificio y permitiendo la comunión de una arquitectura dentro de otra.

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Proyectos tridimensionales Gran parte del proceso creativo de SANAA consiste en la creación un gran número de maquetas, que les permiten estudiar opciones de distribución, formas y soluciones constructivas, mientras son sometidas a un proceso de simplificación. Maquetas del New Museum of Contemporary Art (Nueva York, EE.UU.), la Escuela de Diseño de Zollverein (Essen, Alemania), la ampliación del IVAM (Valencia, España), el Museo del Siglo XXI (Kanazawa, Japón), o el Pabellón de Cristal en el Museo de Vidrio de Toledo (Ohio, EE.UU.), entre otros, muestran las diferentes soluciones arquitectónicas que han adoptado para cada proyecto. En paralelo a su práctica arquitectónica, SANAA diseña, además, mobiliario y otros objetos, como los conocidos Florero Hanahana, Silla Flor, Drop Chair y el juego de té para la firma Alessi.

[p.22] Fotomontaje de la Ampliación del IVAM, Valencia (España), 2002 · [p.23] Maqueta del Centro de Enseñanza EPFL, 2004 · [p.24] Estudios y detalles de la maqueta de Flower House (Casa Flor), 2006 · [p.25] Museo de Arte del Siglo XXI, Kanazawa (Japón), 1999-2004. Interior, plano y vistas · [p.26] Torre de té y café Alessi, 2000. Medidas diversas · Taburete Maru Maru, 2000. 735 Ø x 570 cm · Maqueta de la Silla Flor, 2001. Escala 1:1. 108,5 x 120,5 x 30 cm · [p.27] Maqueta de la Ampliación del IVAM, Valencia (España), 2002. Escala 1:100. 240 x 195 x 35 cm · Maqueta de Apartamentos Ichikawa, 2001. Escala 1:22. 45 x 45 x 40 cm · Maqueta de la Casa en un huerto de ciruelos, Prefectura de Chiba (Japón), 2001-2003. Escala 1:5. 130 x 136 x 142 cm. 26

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DEAC

departamento de educación y acción cultural MUSAC

VISITAS GUIADAS Visitas con un educador del MUSAC, de una hora de duración en las que se ofrecen las claves principales para que el espectador disfrute de las exposiciones con una mayor información. Se ha de solicitar un aparato receptor de sonido en la taquilla del museo cinco minutos antes del comienzo de la actividad. Horarios: Martes a jueves a las 19:00 h Viernes a las 17:00 y 19:00 h Sábado y domingo a las 11:30 y 13:00, 17:00 y 19:00 h Actividad gratuita sin inscripción previa

en la que para entender lo que miramos necesitamos encontrar explicaciones ajenas a la propia imagen visual. Horarios: Viernes a las 18:00 h Sábados y domingos a las 12:00 y 18:00 h Está dirigido a adultos y tiene un número limitado de 25 plazas. Es necesario inscribirse en la taquilla del museo hasta cinco minutos antes de comenzar la actividad. Actividad gratuita TALLERES taller de fotografía arquitectónica

MIRAR PARA HABLAR

Dirigido por Olga Cuesta (febrero)

Análisis visual de obras de las exposiciones donde prevalece la opinión y capacidad de análisis del espectador sobre la del educador, que actúa como moderador de una lluvia de ideas y opiniones que surgen a partir de la percepción visual de la imagen que analizamos. La asistencia a este programa-taller didáctico tiene como objetivo desarrollar nuestra capacidad de análisis visual y pausar la mirada en las obras, desafectándolas de la tradicional explicación

EVERYDAY LIFE ART/ACCIONES PARA EL DÍA A DÍA

Dirigido por Alicia Framis (marzo) No ficciones: taller de documental

Dirigido por Chus Domínguez (abril) Fechas y horarios por confirmar CURSOS Curso de introducción al arte del S. XX Jueves de 12:00 a 13:30 h

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30 Miradas críticas sobre 30 artistas de la Colección MUSAC Jueves a las 20:00 h TALLERES PARA ADOLESCENTES Taller de creación y edición de vídeo digital Fechas y horarios por confirmar ACTIVIDADES PARA PÚBLICO INFANTIL PEQUEAMIGOS MUSAC Agrupación de amigos del museo para niños entre 5 y 12 años. Las actividades dirigidas a los pequeamigos invitan a la diversión en el museo como medio de aprender a disfrutar del arte y ampliar conocimientos del mundo que nos rodea. Inscripción gratuita Talleres abiertos los sábados por la tarde PROGRAMA PARA CENTROS EDUCATIVOS Con este programa queremos introducir el museo de forma activa en la escuela, como forma alternativa o complementaria de enseñar / aprender a través del arte además de convertir en hábito cotidiano para el alumno el espacio del museo. Las exposiciones del MUSAC, tienen una unidad didáctica desarrollada y adecuada a todos los niveles de enseñanza formal (desde Educación Infantil hasta

Universidad), en dicha unidad, además de apuntar relaciones de las áreas curriculares con la exposición, hacemos una propuesta de trabajo práctico, donde el principal objetivo es que el alumno aprenda a desarrollar la capacidad de análisis crítico a través de las formas de expresión contemporáneas. En muchas ocasiones, la parte práctica se traduce en un taller, en el que los alumnos puedan expresar de una manera creativa los conocimientos, sensaciones y actitudes formadas durante la visita a la exposición. Actividad gratuita PROGRAMAS PARA ASOCIACIONES Y AGRUPACIONES CON NECESIDADES ESPECÍFICAS Trabajo personalizado del departamento en colaboración con los colectivos con discapacidades que requieran una adaptación de las visitas o talleres a necesidades especiales. Actividad gratuita Información e inscripciones: Horario: Martes a viernes de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 h Tlf: 987 091 101 · Fax: 987 091 111 e-mail: deac@musac.es

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Biblioteca-Centro de Documentación La Biblioteca-Centro de Documentación del MUSAC está especializada en Arte Contemporáneo a nivel nacional e internacional, con las incursiones necesarias en los antecedentes. La Biblioteca-Centro de Documentación está ubicada en la planta baja del museo, con acceso directo desde el vestíbulo y consta de dos plantas: la planta baja, reservada para consulta, visionado de material audiovisual, hemeroteca y acceso a Internet; y la planta alta, que alberga el fondo bibliográfico. La entrada es gratuita para investigadores del mundo del arte y para el público en general. No es necesario carnet de usuario, ya que no hay servicio de préstamo. Servicios La Biblioteca-Centro de Documentación del MUSAC ofrece: · Consulta en sala de los fondos de libre acceso. · Información y referencia. · Acceso al catálogo informatizado de la biblioteca. · Acceso a Internet y conexión libre con wireless. · DSI (Difusión Selectiva de Información) y Alerta Informativa (exposiciones actuales, becas y certámenes). · Visionado de material audiovisual (VHS, DVD y CDROM). · Préstamo interbibliotecario restringido. · Atención al público on-line. Fondos La Biblioteca-Centro de Documentación del MUSAC, que ya cuenta con más de 5.500 volúmenes, pone a disposición del público un fondo documental especializado, estructurado en las siguientes secciones: · Sala de Referencia: sección formada por diccionarios lingüísticos y temáticos, enciclopedias especializadas y guías de museos y artistas. · Monografías sobre Teoría del Arte y Crítica, Filosofía, Estética e Historia del Arte, movimientos artísticos contemporáneos, fotografía, arquitectura, diseño y otras artes plásticas como pintura, escultura, dibujo y grabado. 30

· Catálogos y monografías de artistas. · Catálogos de exposiciones colectivas. · Catálogos de ferias, bienales, certámenes y premios a nivel nacional e internacional. · Mediateca y videoteca: sección especializada en audiovisuales (VHS, DVD, CD-ROM, diapositivas). Existe una importante colección videográfica a nivel nacional e internacional. Todos los trabajos de video de la Colección MUSAC podrán visionarse de forma íntegra en la biblioteca. · Sección documental: carpetas documentales con trípticos, invitaciones, folletos, dossieres de prensa y programaciones de otros centros, museos y galerías de arte contemporáneo. · Sección documental de los artistas de la colección: carpetas que contienen documentación, recortes de prensa y currículos de los artistas de la Colección MUSAC. · Hemeroteca: publicaciones periódicas especializadas en arte contemporáneo. Horario: De martes a sábado de 11:00 a 14:30 y de 17:00 a 20:00 h. Domingos, lunes y festivos: cerrado. e-mail: biblioteca@musac.es

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Library-Documentation Center The MUSAC Library-Documentation Center specializes in Contemporary Art. It places special emphasis on the past two decades, with a multidisciplinary perspective on the national and international level, and the necessary incursions into the past. The Library-Documentation Center is located on the ground floor of the building, with direct access from the main lobby. It consists of two floors: the ground floor is reserved for consultation and Internet and the upper floor is dedicated to bibliographic funds. Services The Library-Documentation Center offers: · Consultation of funds with free access. · Information and reference. · Access to library catalogues. · Access to the Internet. · Information on exhibitions, grants and artistic contests. · Preview of audiovisual material (VHS, DVD and CDROM). · Interlibrary lending restricted. · On-line public assistance.

There is a large video collection that includes national as well as international works. · Documentary section: document folders with leaflets, invitations, brochures, press dossiers and programming for other contemporary art centers, museums and galleries. · Documentary section for artists in the collection: folders with documentation, press clippings and cvs of the artists in the MUSAC Collection. · Newspaper library: periodical publications specialising in contemporary art on the national and international level. Opening hours: Tuesdays to Sundays: 10 - 14,30 / 17 - 20 h. Closed on Sundays, Mondays and Holidays. e-mail: biblioteca@musac.es

Resources It makes available to the public a specialized collection of documents, divided into the following sections: · Reference Room: section that includes linguistic and thematic dictionaries, specialised encyclopaedias and guides to museums and artists. · Monographs on art theory and criticism, philosophy, aesthetics and art history. Contemporary artistic movements, photography, architecture, design and other visual arts such as painting, sculpture, drawing and engraving. · Artist monographs and catalogues. · Catalogues of collective exhibitions. · Catalogues of international fairs, biennial exhibitions, competitions and awards. · Media library and video library: section specialising in audiovisuals that includes VHS, DVD, CD-ROM, slides. guía musac 6

EXPOSICIONES Candice Breitz: Exposición Múltiple / Multiple Exposure Del 20 de enero al 2 de mayo de 2007 Artista Candice Breitz · Comisario Octavio Zaya · Coordinación Alexander Fahl / Marta Gerveno Con la colaboración de: Abajo la inteligencia Del 20 de enero al 2 de mayo de 2007 Artista Fernando Sánchez Castillo · Comisaria Tania Pardo · Coordinación Eduardo García Nieto

Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa / SANAA Del 20 de enero al 1 de mayo de 2007 Arquitectos Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa / SANAA · Comisario Agustín Pérez Rubio · Comisaria asistente y coordinación MUSAC Kristine Guzmán · Coordinación SANAA Sam Chermayeff

Proyecto Vitrinas / Showcase Project El mundo de hoy en 20 libros de fotografía / THE WORLD TODAY IN 20 PHOTOGRAPHY BOOKS

Del 20 de enero al 2 de mayo de 2007 Comisarios Rafael Doctor Roncero / Araceli Corbo · Diseño de montaje Kristine Guzmán

Laboratorio 987

Sympathetic Magic Del 20 de enero al 4 de marzo de 2007 Artista Clare E. Rojas · Comisaria Tania Pardo · Coordinadora Helena López Camacho Imágenes del Fin del Mundo / Images from the End of the World Del 17 de marzo al 2 de mayo de 2007 Artista Marc Vives + David Bestué · Comisaria Tania Pardo · Coordinadora Helena López Camacho Créditos fotográficos: Carlos Sánchez Suárez [pp. 4 y 5] · Clare E. Rojas [pp. 6 y 7] · Carlos Rodríguez Méndez [p. 8] · Alex Fahl [pp. 11, 13-15] · Jason Mandella [p. 12] · SANAA [pp. 22, 24, 25, 26 (3) y 27 (1 y 3)] · Jin Hosya [p. 23] · Alessi [p. 26 (1)] · Driade [p. 26 (2)] · Estudio Ryue Nishizawa [p. 27 (2)] Cortesías: Stuart Shave / Modern Art, Londres (UK) [pp. 6 y 7] · Galería Strany de la Mota, Barcelona (ES) [pp. 8 y 9] · Jay Joplin / White Cube, Londres (UK) [pp. 11, 12 (1 y 4) y 15] · Francesca Kaufmann, Milán (IT) [pp. 12 (2 y 3) y 13] · Colección MUSAC [p. 14] · Kazuyo Sejima + Ryue Nishizawa / SANAA [pp. 22-27] Portada: Candice Breitz. Fragmentos de Mother + Father, 2005. Colección MUSAC

MUSAC coordinación editorial

Carlos Ordás proyecto gráfico

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S.42-2007