Laboratorio 987, 2005-2007 (2008) by Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León

2005 2007

MUSAC

Silvia Prada, Fikret Atay, Abigail Lazkoz, Ryan Mcginley, Wilfredo Prieto, Monika Sosnowska, Philipp Fröhlich, Pauline Fondevila, Clare E. Rojas, David Bestué y Marc Vives, Pedro Paiva y Joâo Maria Gusmâo, Matías Duville LABORATORIO LABORATORIO 987 2005–2007 2005–2007 59 79 111 425 443 4 459 475 491 211 229 237 265

LABORATORIO 987 2005–2007

MUSAC. MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE CASTILLA Y LEÓN

JUNTA DE CASTILLA Y LEÓN CONSEJERIA DE CULTURA Y TURISMO/ CULTURE & TOURISM COUNCIL Consejera/Councillior Dña. María José Salgueiro Cortiñas

Biblioteca y Centro Documentación/ Library and Documentation Center Araceli Corbo Carlos S. Suárez

Restauración/Restoration Pablo Bernabé Transporte/Shipping Alcoarte Artística de Transporte especial S.L. Dalser S.L. Artefacto S.L.

Secretario General/ General Secretary D. José Rodríguez Sanz Pastor

Educación y Acción Cultural/ Education and Cultural Action Belén Sola Amparo Moroño ANDO C.B

Viceconsejero de Cultura/ Vice Councillor of Culture D. Alberto Gutiérrez Alberca

Gestión Administrativa/ Administration Management Andrés de la Viuda Delgado

Director General de Patrimonio Cultural/General Director of Cultural Heritage D. Enrique Saiz Martín

Infórmatico/ Technology Administrador Mariano Javier Román Roberto Gómez Blanco

PUBLICACIÓN/PUBLICATION

Directora General de Promoción e Instituciones Culturales/ General Director of Cultural Promotions and Institutions Dña. Luisa Herrero Cabrejas

Servicio auxiliares/ Support Services DALSER S.L.

Coordinación editorial/ Editorial Coordination Tania Pardo

COMITÉ DE ADQUISICIÓN/ ACQUISITION COMMITTEE

Textos/Texts Rafael Doctor Tania Pardo

FUNDACIÓN SIGLO PARA LAS ARTES DE CASTILLA Y LEÓN

Director de Artes Plásticas/ Visual Arts Director D. Rafael Doctor Roncero

D. José Luis Fernández de Dios D. Rafael Doctor Roncero D. Agustín Pérez Rubio Dña. Estrella de Diego D. José Guirao Cabrera D. Javier Hernando Dña. Mª Jesús Miján D. Octavio Zaya

MUSAC. MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE CASTILLA Y LEÓN

EXPOSICIONES/EXHIBITIONS LABOARATORIO 987/2005–2007

Director/Director Rafael Doctor Roncero

Comisariado y Coordinación/ Curator and Coordinator Tania Pardo

Director General/General Director D. José Luis Fernández de Dios

Conservador Jefe/Chief Curator Agustín Pérez Rubio Coordinadora General/ General Coordinator Kristine Guzmán Coordinación de Exposiciones y Proyectos/Exhibitions and Projects Coordination Marta Gerveno Helena López Camacho Carlos Ordás Tania Pardo Registro/Registrar Koré Escobar Josefina Manzanal Comunicación y Prensa/ Comunication and Press Paula Álvarez Izaskun Sebastián Marquínez

Coordinación exposición, Symphatetic Magic de Clare E. Rojas Helena López Camacho Comunicación y Prensa/ Comunication and Press Izaskun Sebastián Marquínez Paula Álvarez Montaje/Installation Artefacto S.L Asistencia Técnica/Technical Asistants Ana Álvarez Ines Fraile Registro/Registration Koré Escobar Josefina Manzanal Manrique

Seguros/Insurance AON GIL Y CARVAJAL, S.A. STAI

Edita/Edited by MUSAC

Textos de los artistas Tania Pardo Traducción/Traslation Aitor Arauz Chapman Diseño gráfico/Graphic Design Albert Folch Studio Fotomecánica La Sixtina Digital 2000, S.L. Impresión/Printing C/A Gráfica © de las © of the © de los © of the © de las Clare E. D.L.: ISBN-

obras sus autores works their authors textos sus autores texts their authors imágenes © of images Rojas [pp. XX]

Agradecimientos/Acknowledgments MUSAC y la responsable de programación y comisaria del Laboratorio 987 quieren agradecer la confianza, la ayuda, el apoyo y la dedicación a todos los artistas, coleccionistas, galerías e instituciones y per-sonas implicadas sin las que estas exposiciones y este libro no habrían sido posibles, y en especial a: MUSAC and the Laboratorio 987 programme to acknowledge the trust, help, support collectors, galleries, institutions and this book would not have been possible,

coordinator and curator would like and dedication of all the artists, individuals without whose contribution and in particular:

Ana Álvarez, Patrick Bresman, John Blanco, José Mário Brandao, Sonia Becce, Maria Baro, Orly Benzacar, Daniel Besoytaorube, Colección de Arte Caja Madrid, Chantal Crousel Galerie [Paris, FR], Crashcats, Julia Converti, Oscar Cruz, Abraham Cruz Villegas, Natxo Checa, Andres Duprat, Inés Fraile Monroy, Nadia G. Naurozi, Eva Gristein, Mario Gemin, Ana Gallardo, Galería Estrany de la Mota [Barcelona, ES], Galerie Sollertis [Toulouse, FR], Galeria Graça Brandão [Lisboa, PT], Galeria zdb-Ze dos Bois [Lisboa, PT], Galería Nogueras Blanchard [Barcelona, ES], Gachi Harper, Oihana Iturbide, Ines Katzenstein, Guillermo Kuitca, José Kuri, Kurimanzzutto [ME], Maribel López, LisboaPhoto [Lisboa, PT], Nuria Marqués, Barry McGuee, Jorge Macchi, Ministério da Cultura [PT], Solana Molina, Daniel Molina, Museu do Chiado [Lisboa, PT], Miquel Noguera, Victoria Noorthoorn, Chris Pérez, Concepción Prada, Oriol Pont, Ratio3 [San Francisco, USA], Fernando Renes, Ana Riba, Sergio Rubira, Tulio de Sagastizabal, Stuart Save Modern Art [London, UK], Alberto Sendros, Pablo Siquier, Luis Venegas, Matthew Williams, Octavio Zaya.

Como viene siendo habitual desde el MUSAC, Museo de Arte Contempo-ráneo de Castilla y León, la labor expositiva centrada en la promoción y difusión del arte contemporáneo no sólo se lleva a cabo a través de las exposiciones tanto monográficas como colectivas, sino mediante una excelente labor editorial. Es por esto que, tras dos años de programación la sala de proyectos especifica del MUSAC, denominada Laboratorio 987, presenta este catálogo en el que quedan recogidos cada una de las muestras que se han llevado a cabo. El libro, editado por MUSAC y diseñado por Albert Folch Studio recoge – mediante fotografías de cada una de las intervenciones y textos de Rafael Doctor, director de MUSAC y Tania Pardo, comisaria y responsable de la programación del Laboratorio 987- las doce exposiciones que han tenido lugar durante este período de dos años: Hot or Not de Silvia Prada (Ponferrada, 1969); Sonidos Lejanos/Distant Sounds de Fikret Atay (Batman, Turquía, 1976); Esconde la mano de Abigail Lazkoz (Bilbao, 1972); Beetween us/ Entre nosotros de Ryan McGinley (New Jersey, EE.UU, 1978); Mucho ruido y pocas nueces II de Wilfredo Prieto (Santi Spíritus, Cuba, 1977); Untitled de Monika Sosnowska (Ryki, Polonia, 1972); Exvoto. Where is Nikki Black? de Philipp Fröhlich (Schweinfurt, Alemania, 1975); November Song de Pauline Fondevila (Le Havre, Francia, 1972); Sympathetic Magic de Clare E. Rojas (Ohio, EE.UU, 1976); Imágenes del Fin del Mundo de David Bestué (Barcelona, 1980)/Marc Vives (Barcelona, 1978); Crevasse de João Maria Gusmão (Lisboa, 1979) + Pedro Paiva (Lisboa, 1977) y la última de este ciclo Cover de Matías Duville (Buenos Aires, 1974). Este espacio, inaugurado junto el resto de salas del museo, el 1 de abril de 2005, surge como lugar interreferencial entre las salas expositivas de MUSAC y la necesidad de mostrar proyectos específicos. Un espacio en el que se han llevado a cabo doce exposiciones de artistas menos visibles en los circuitos convencionales del arte. Cada una de las exposiciones ha trasformado el espacio en un nuevo lugar. El compromiso del MUSAC con la labor editorial se evidencia de nuevo con la publicación de este libro. Asimismo, responde a la necesidad de recoger gráficamente los proyectos efímeros realizados específicamente para el Laboratorio 987. Este catálogo que presenta el MUSAC reúne –mediante las doce exposicioneslos proyectos específicos de cada uno de los artista que conforman lo más novedoso de la escena, tanto nacional como internacional, artística actual. Con este libro, una vez más, la Junta de Castilla y León continúa, a través del programa expositivo del MUSAC, con su labor de implicación y apoyo al arte contemporáneo. María José Salgueiro Consejera de Cultura y Turismo

As is the norm at MUSAC, the Castilla y León Museum of Contemporary Art, their exhibition work devoted to promoting and disseminating contemporary art is not limited to solo and group exhibitions, but also includes excellent editorial work. Thus, after two years’ programming at Laboratorio 987, MUSAC’s specific project room, they now present a catalogue bringing together each and every one of the exhibitions held to date. Published by MUSAC and designed by Albert Folch Studio, the catalogue includes photographs and texts by MUSAC Director Rafael Doctor and Tania Pardo, curator responsible for Laboratorio 987, on each of the 12 exhibitions held over the past two years: Hot or Not by Silvia Prada (Ponferrada, 1969); Sonidos Lejanos/Distant Sounds by Fikret Atay (Batman, Turkey, 1976); Esconde la mano by Abigail Lazkoz (Bilbao, 1972); Beetween us/ Entre nosotros by Ryan McGinley (New Jersey, USA, 1978); Mucho ruido y pocas nueces II by Wilfredo Prieto (Santi Spiritus, Cuba, 1977); Untitled by Monika Sosnowska (Ryki, Poland, 1972); Exvoto. Where is Nikki Black? by Philipp Fröhlich (Schweinfurt, Germany, 1975); November Song by Pauline Fondevila (Le Havre, France, 1972); Sympathetic Magic by Clare E. Rojas (Ohio, USA, 1976); Imágenes del Fin del Mundo by David Bestué (Barcelona, 1980)/Marc Vives (Barcelona, 1978); Crevasse by João Maria Gusmão (Lisbon, 1979) + Pedro Paiva (Lisbon, 1977) and the most recent Cover by Matías Duville (Buenos Aires, 1974). This space, inaugurated with the rest of the museum on 1 April 2005, intends to provide a specific location for cross-referencing between MUSAC’s other exhibition halls, as well as for ad hoc projects. The hall has so far hosted 12 artists who enjoy lower visibility in the conventional art circuit. Each of these exhibitions has transformed the project room into a different place. MUSAC’s commitment to editorial work is renewed in the publication of this book. It also responds to the need to document the ephemeral projects carried out specifically for Laboratorio 987. This catalogue introduced by MUSAC brings together the 12 exhibition projects carried out by each of these artists, who represent the freshest contributions on both the domestic and international scene. With this book, the Castilla y León Regional Government, through MUSAC’s exhibition programme, ensures its continued involvement and support of contemporary art. María José Salgueiro Regional Councillor for Culture and Tourism

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Tania Pardo TĂtulo del texto Lorpero del ipit loreet wisit alisciliquat dolor iliquat. Ut nisit praesto con henis alis at vel iure el estis eu feum doluptat augait adion eugiat autat nim alit eugait ute faccum quam venim veliquam venit dolorpercip et adigna feuipsumsan ullam, consenim am, velisim vel ing el ullumsan utat am, sim quam, consequipisi bla cortinit vel diam irillan henisl dolorerit ilit ing et nonsequisi. Duis accumsan velenisl ulputpat, quat. Ut ullan ullamet aciduis aut alit ipisci tat, sisim ea coreetum vullan heniamcon vulputpat, sum ipsum nulputp tinci te dolutpat ent volesectet prat, quametue vulla faccumm dolor susto core magna facilis accum vel iure consequat la feuisisl dit auguerc duiscillan eugiam ipit ea feuis nos amcorem volorem volor accum duisim nulla consequatum inibh et vel ullam illa faciduipis at. Ut ulputatue ex ercin velis delit del et laor acil ut la feum eros num in henismo uptat eu facinisim iniam digniam ipisim zzriuscip el in hent wis euguer autpate tionsed eu feugait aut etue venim dolumsandit ullaorper stionulla feu facipis nibh eugait praesectem nonsequatet, volorper ipissecte duisim verciduisit, conse tet volutpat ulla at in ullut nummodo obore et wismod et autatis alit wis aut laore magna con utat vel ip et ipit, quis dolorpe ostrud tin et pratuerat nit wis aci bla alis niat. Ut ea commy nulla feugait iusto conse diamcor sent ad tinibh ex euguer in ulla feuisit accummolum quissit nonsequat ulput ut vendre del dolor augait, sim dio consectet nim acilla am, consed dunt ipit nostie vullan henisl ut adignibh eu feugait lorpero tinit iure cor in eugiam, commy nismod doluptat. Ut ute dolendio el ut nulla aliquis elisim volumsan velenissi. Duiscidunt ad magnim el eu faccum ipit accum quis ate eum zzril ut nulla consectet, sed do consed minissed tat lore magna feui bla faciliquis nos at. Ut ad diametumsan hendre conullaortie dunt num zzrilit, summy niam illa faccum am nulputet ute ming el estrud euissit lum ipit eu feuis nos enibh et et lore consed tie molore molorpe cidunt lorer ad ea feugait iuscing eu facidunt iusto odolor sequatue feuisim quat. Dui eummolorem quamconulput dit, vel utat laore minci blametue feuis nit adigna facip eugiamc rpercidui tis num dolore consecte velent nibh et, vel erostrud delenisit la conum inim veniam delent accum iure consectet prat, secte facinci ciliquat ullutpatin hendre commoloreet num ilit augiam diatum ea facip esequat, quate enim iliquamet, consendre feu feugait lore faccum ing erit, sumsan venibh endio dunt num num iriustio dolortisl elisisi blam quip euiscincil euis accum velesti nummolum diam ing et, vendit wis doloreet luptat, conulputpat. Ut nim at. Ut inis nulput at, sequi blamcon hendreet, velismod dit loreet etum iure min voloboreros nis at diam, sed tate ex estrud duis nim numsan ver sumsandreet, sim verit nulla feuis dui euismol rpercing et ea commole sequat luptatu rcidui tatum zzrit nisi tem zzriusto commodo elesequi bla adit ad tat, sustrud tatumsa diam, vero exerit ipsuscipis nonsectem init nullaore dolore min ut ut aliquatumsan henim nullamc nulput veliquat. Duipissenibh ex exero dolor iriustie delit iure del iustrud et pratum etuer sustrud er at. Duis nonsequ smodio dolor iriliqu psustie molorem il ip eraese dolobore dolore dolorpe cipit nim nulla faccum volore dolobore tat pratincipit duisi bla commolore doloreet diam elestin velit iusto digna feu faccumsan vullamc nsenibh

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Tania Pardo Text Tittle Lorpero del ipit loreet wisit alisciliquat dolor iliquat. Ut nisit praesto con henis alis at vel iure el estis eu feum doluptat augait adion eugiat autat nim alit eugait ute faccum quam venim veliquam venit dolorpercip et adigna feuipsumsan ullam, consenim am, velisim vel ing el ullumsan utat am, sim quam, consequipisi bla cortinit vel diam irillan henisl dolorerit ilit ing et nonsequisi. Duis accumsan velenisl ulputpat, quat. Ut ullan ullamet aciduis aut alit ipisci tat, sisim ea coreetum vullan heniamcon vulputpat, sum ipsum nulputp tinci te dolutpat ent volesectet prat, quametue vulla faccumm dolor susto core magna facilis accum vel iure consequat la feuisisl dit auguerc duiscillan eugiam ipit ea feuis nos amcorem volorem volor accum duisim nulla consequatum inibh et vel ullam illa faciduipis at. Ut ulputatue ex ercin velis delit del et laor acil ut la feum eros num in henismo uptat eu facinisim iniam digniam ipisim zzriuscip el in hent wis euguer autpate tionsed eu feugait aut etue venim dolumsandit ullaorper stionulla feu facipis nibh eugait praesectem nonsequatet, volorper ipissecte duisim verciduisit, conse tet volutpat ulla at in ullut nummodo obore et wismod et autatis alit wis aut laore magna con utat vel ip et ipit, quis dolorpe ostrud tin et pratuerat nit wis aci bla alis niat. Ut ea commy nulla feugait iusto conse diamcor sent ad tinibh ex euguer in ulla feuisit accummolum quissit nonsequat ulput ut vendre del dolor augait, sim dio consectet nim acilla am, consed dunt ipit nostie vullan henisl ut adignibh eu feugait lorpero tinit iure cor in eugiam, commy nismod doluptat. Ut ute dolendio el ut nulla aliquis elisim volumsan velenissi. Duiscidunt ad magnim el eu faccum ipit accum quis ate eum zzril ut nulla consectet, sed do consed minissed tat lore magna feui bla faciliquis nos at. Ut ad diametumsan hendre conullaortie dunt num zzrilit, summy niam illa faccum am nulputet ute ming el estrud euissit lum ipit eu feuis nos enibh et et lore consed tie molore molorpe cidunt lorer ad ea feugait iuscing eu facidunt iusto odolor sequatue feuisim quat. Dui eummolorem quamconulput dit, vel utat laore minci blametue feuis nit adigna facip eugiamc rpercidui tis num dolore consecte velent nibh et, vel erostrud delenisit la conum inim veniam delent accum iure consectet prat, secte facinci ciliquat ullutpatin hendre commoloreet num ilit augiam diatum ea facip esequat, quate enim iliquamet, consendre feu feugait lore faccum ing erit, sumsan venibh endio dunt num num iriustio dolortisl elisisi blam quip euiscincil euis accum velesti nummolum diam ing et, vendit wis doloreet luptat, conulputpat. Ut nim at. Ut inis nulput at, sequi blamcon hendreet, velismod dit loreet etum iure min voloboreros nis at diam, sed tate ex estrud duis nim numsan ver sumsandreet, sim verit nulla feuis dui euismol rpercing et ea commole sequat luptatu rcidui tatum zzrit nisi tem zzriusto commodo elesequi bla adit ad tat, sustrud tatumsa diam, vero exerit ipsuscipis nonsectem init nullaore dolore min ut ut aliquatumsan henim nullamc nulput veliquat. Duipissenibh ex exero dolor iriustie delit iure del iustrud et pratum etuer sustrud er at. Duis nonsequ smodio dolor iriliqu psustie molorem il ip eraese dolobore dolore dolorpe cipit nim nulla faccum volore dolobore tat pratincipit duisi bla commolore doloreet diam elestin velit iusto digna feu faccumsan vullamc nsenibh

Silvia Hot or 53

Prada not

Silvia Prada ha sido la primera artista en intervenir en el espacio Laboratorio 987, con el proyecto específico titulado Hot or Not. El trabajo de esta artista encierra un cúmulo de referentes y reflexiones acerca de los mitos e iconos de la actualidad y la cultura juvenil arraigada en las sociedades globalizadas y capitalistas. Ofrece un mundo basado en el bombardeo mediático y sobre todo, en los videoclips de la MTV, las revistas de tendencias y otros tantos subgéneros de la cultura juvenil. Sus ilustraciones, realizadas con grafito, muestran una galería de personajes sacados del mundo de la televisión, la pornografía o el cómic. En este caso, Silvia Prada concibe los muros del espacio como si de un gran cuaderno blanco se trataran y da así el salto de la ilustración sobre papel en revistas de tendencias a las paredes del Laboratorio 987, plasmando lo que la artista concibe como Hot or Not: “Un desarrollo de diferentes situaciones de la cultura visual más contemporánea, teniendo en cuenta lo más ‘Hot’ de la misma: lo más hot en música, lo más hot en cine, moda, pornografía y tendencia. Artefactos de asociación y divulgación de convicciones culturales”. Para ello, plasma a gran escala sobre los muros de la sala una serie de personajes reconocidos: Kylie Minogue, Macaulay Culkin, Devon Aoki, Kart Legerfeld, etc. además de dibujos sobre papel. En cualquier caso, la conexión del trabajo de Silvia Prada con lo popular, la cultura de club o su vinculación con el street art, va más allá del espacio expositivo: para Hot or Not Silvia Prada creó un póster específico que se distribuyó por toda la ciudad, una copia, de nuevo realizada en blanco y negro, de una de las portadas de la revista más influyente en tendencias, I-D, donde el rostro de Gwen Stefani volvía a convertirse en un símbolo de mitificación. Sin embargo, este póster en ningún caso se trataba como un reclamo o una invitación a asistir a la exposición. Silvia Prada hace así un pormenorizado estudio de la cultura contemporánea más inmediata, de ahí su vinculación como artista con otros medios: moda, diseño, ilustración, música, etc. La carga conceptual de su trabajo va más allá del excelente manejo de la técnica, ya que utiliza lo mediático y el uso del marketing asumido en su función de arte. En cualquier caso, Silvia Prada plantea a través de sus dibujos distintas asociaciones que remiten, una y otra vez, al “mercado de la imagen”.

Silvia Prada was the first artist to intervene at Laboratorio 987, with an ad hoc project by the title of Hot or Not. The artist’s works encloses an accumulation of references and reflections on the celebrities and icons of today’s teen culture, so deeply rooted in our globalised and capitalist societies. She suggests a world defined by media saturation and MTV video-clips, fashion magazines and so many other youth culture sub-genres. Her charcoal illustrations are a gallery of personalities drawn from the world of TV, pornography and comics. On this occasion, Silvia Prada approached the walls of the exhibition hall as if they were a great white sketchbook, jumping from illustration on paper for fashion magazines to the walls of Laboratorio 987. The result was a project the artist labelled Hot or Not: “A development of different situations found in the latest contemporary visual culture, taking account of its “Hottest”; the hottest in music, in film, fashion, pornography and trends. Artefacts for associating and disseminating cultural beliefs”. To this end, she drew large-scale portraits of a number of celebrities on the walls: Kylie Minogue, Macaulay Culkin, Devon Aoki, Karl Lagerfeld, etc., as well as drawings on paper. Silvia Prada’s connection with pop, with club culture and street art stretches beyond the boundaries of the exhibition space: for Hot or Not she designed a poster that was put up on walls all over town – a black and white copy of an i-D cover where Gwen Stefani’s face was yet again transformed into an icon. The poster, however, did not take the form of an advertisement or an invitation to the exhibition. Silvia Prada’s work is a close examination of our most immediate contemporary culture, hence her connection as an artist to other media: fashion, design, illustration, music, etc. Her work’s conceptual content goes beyond her skilful technique to embrace the mass media and its use of marketing seen as art. In this way, Silvia Prada’s drawings establish a range of associations that refer, time and again, to the “image market”.

Hot or Not, 2005 Vista de la instalación en/Installation view at Laboratorio 987 – MUSAC, León [ES]

Hot or Not, 2005 Vistas de la instalación en/Installation views at Laboratorio 987 – MUSAC, León [ES]

Hot or Not, 2005 Vistas de la intervención pública en/Public intervention views at León [ES]

Kate Bwam, 2006 Lápiz sobre papel/Pencil on paper 29 x 42 cm Cortesía de la artista/Courtesy of the artist

Justin/Steven Klein, 2006 Lápiz sobre papel/Pencil on paper 29 x 42cm Cortesía de la artista/Courtesy of the artist

Madonna/Herb Ritts, 2007 LĂĄpiz sobre papel/Pencil on paper 42 x 29cm CortesĂa del artista/Courtesy of the artist

Matt Dillon on Malevich, 2007 LĂĄpiz sobre papel/Pencil on paper 42 x2 9cm CortesĂa de la artista/Courtesy of the artist

Fikret Atay Sonidos Lejanos/Distant sounds - trabajo de este artista está condicionado por el hecho de vivir en Batman, una El ciudad perteneciente a una región repartida entre Turquía, Siria, Irak e Irán. El pueblo Kurdo, al cual pertenece Fikret Atay (Batman, Turquía, 1976), es un gru- étnico muy complejo, con grandes variaciones lingüísticas y culturales, lo po - hace que en muchos de sus trabajos utilice sonidos, música o danzas folque clóricas tradicionales asociadas a los acontecimientos sociales y la actividad diaria. De ahí que esta exposición, titulada Sonidos Lejanos / Distant Sounds, reflexione sobre la capacidad que tienen los sonidos para traspasar cualquier frontera y cómo podemos aproximarnos a Oriente sin dejar de reflexionar so- Occidente. bre - obra de Fikret Atay está basada, fundamentalmente, en la realización de víLa deos, en los que nos habla de esa ruptura de fronteras entre distintas culturas, - como de la comunicación y de determinados elementos analíticos sencillos así - desenmascarar a través de la tradición y el folclore cultural. de - vídeos muestran como telón de fondo los indicios de una ciudad, Batman, Sus y- una cultura que han sufrido la intervención militar y la opresión política, lo que - evidencia en la estructura de los mismos, grabados de un modo informal y se espontáneo. Yuxtapone, por tanto, los elementos de una cultura arraigada a la tradición con las influencias occidentales, insertando así lo local en lo global. - vídeos de Fikret Atay reflejan anécdotas de la vida diaria de Batman, y en Los Sonidos Lejanos / Distant Sounds, como ya hiciera en otros trabajos, muestra retazos de su propia cotidianidad cultural. De una narración sencilla, sus obras mantienen la esencia de la simplicidad fílmica y narrativa. En esta exposición, mediante la proyección de cuatro vídeos, se analizan conceptos que giran en torno a la comunicación y a la pérdida de fronteras culturales. - el titulado Fast & Best (2002) se muestra una danza folclórica típica de su En país a través del movimiento de unos bailarines filmados de cintura para aba- que recuerdan, en algunos momentos, a los movimientos de un desfile milijo - En esta obra nos habla precisamente de los nuevos códigos existentes en tar. - sociedad turca. Los personajes van ataviados con atuendo occidental (panla talón vaquero, zapatillas, etc.), mientras la cámara va filmando los pasos acompasados de los bailarines que se mueven al ritmo de la música de una danza tradicional kurda. También el vídeo Tinica (2004) muestra cómo un joven utiliza unas latas viejas - sustitución de un batería y toca enérgicamente como si de un músico de rock en - tratara mientras observamos de fondo la ciudad de Batman. La sencillez con se - el protagonista genera música utilizando materiales de deshecho nos hacen que reflexionar sobre las distintas necesidades establecidas en las sociedades de la abundancia. En Rebels of the Dance (2002) el artista resume las características - todo su trabajo pues muestra, por un lado, un canto atávico que remite a la de tradición kurda y por otro, el escenario en el que se desarrolla la acción –el interior de un cajero automático- nos acerca a la simbología occidental. - último, el vídeo Bang, Bang (2003) narra el modo de jugar de un grupo de Por cuatro niños que, como si fuesen pistoleros, se persiguen por las vías del tren, - que metafóricamente podría ser otra danza universal. Influenciado por su lo condición de kurdo, los vídeos de este artista hablan de cómo los distintos có73

Fikret Atay’s work is strongly influenced by the fact of living in Batman, a city in region split between Turkey, Syria, Iraq and Iran. The Kurdish people, to which Atay belongs (Batman, Turkey, 1976), is a complex ethnic group that displays a considerable degree of internal diversity in terms of language and culture. His work is therefore rich in traditional sounds, music and folk dance linked to social events and everyday life. In this line, Sonidos Lejanos / Distant Sounds reflects upon sound’s capacity to transcend borders, inviting us to approach the East while at the same time reflecting upon the West. Fikret Atay works essentially in video. In his films, he tells us about that breach of borders between cultures, as well as about communication and certain analytical elements that are easy to discover in folklore and traditional culture. The backdrop to his videos is the suggestion of a city, Batman, and a culture that has suffered military intervention and political oppression. This shines through in the videos’ informal and spontaneous composition. Atay juxtaposes elements of a culture rooted in tradition with Western influences, inserting the local into the global. Fikret Atay’s videos capture anecdotes of everyday life in Batman. In Sonidos Lejanos / Distant Sounds, as in previous works, he reveals brushstrokes of his own cultural environment. His films stand out for retaining a high degree of narrative and technical simplicity. In the four videos on show, he analyses concepts that revolve around communication and the loss of cultural borders. In Fast & Best (2002) he captures a traditional folk dance from his area, with the dancers filmed from the waist down, in such a way that they sometimes resemble a military march. This work talks about the new codes arising in Turkish culture. The characters wear Western dress (jeans, trainers, etc.), while the camera records the steps of dancers who move to the rhythm of traditional Turkish dances. The video Tinica (2004) shows a boy using old cans as a drum kit, playing away like a real rock drummer, with the city of Batman in the background. The utter simplicity with which the character makes music from refuse material leads us to reflect upon the multifarious needs created in wealthy societies. Rebels of the Dance (2002) summarises the main features of the artist’s work. On the one hand, it portrays an ancient chant that harks back to Kurdish tradition, while on the other, the action takes place in the booth of a cash machine, bouncing us back to Western symbolism. Finally, Bang, Bang (2003) narrates the games of four children as they chase each other and play out a gun battle over the railway lines – a possible metaphor of the universal dance. Influenced by his condition as a Kurd, the artist’s videos talk about how different cultural codes are, after all, able to transcend the borders of language. Sonidos Lejanos/ Distant sounds is ultimately a reflection on communication and the bridges that unite East and West.

Sonidos lejanos/Distant Sounds, 2005 Vista de la instalación en/Installation view at Laboratorio 987-MUSAC, León [ES]

Sonidos lejanos/Distant Sounds, 2005 Vistas de la instalación en/Installation views at Laboratorio 987 – MUSAC, León [ES]

Tinica, 2004 Video sobre Dvd, color y sonido/Video on Dvd, color and sound 7 min 32 seg Colecciรณn MUSAC, Leรณn [ES]

Tinica, 2004 Video sobre Dvd, color y sonido/ Video on Dvd, color and sound 7 min 32 seg Colecciรณn MUSAC, Leรณn [ES]

Bang, bang, 2003 Video sobre Dvd, color y sonido/ Video on Dvd color and sound 2 min 17 seg CortesĂa del artista y/Courtesy of the artist and Galerie Chantal Crousel, Paris [FR]

Spring Fever, 2006 Video sobre DVD, color y sonido/ Video on Dvd, color and sound 2 min 50 seg CortesĂa del artista y/Courtesy of the artist and Galerie Chantal Crousel, Paris [FR]

Abigail Lazkoz Esconde la mano La obra de - Abigail Lazkoz (Bilbao, 1972) replantea mediante una estructura realizada en-dibujo, próxima al mundo de la viñeta gráfica, la realidad política, social o los-roles de género, planteando en el propio espectador cuestiones que han de ser - desveladas yendo más allá de lo que el dibujo, aparentemente sencillo, ofrece - en un primer golpe de vista. De ahí que los títulos de la mayoría de sus trabajos - –normalmente frases- clarifiquen parte del significado. La artista- ha realizado mediante pintura mural un proyecto específico para Laboratorio - 987 titulado Esconde la mano. El título tiene en sí mismo connotaciones múltiples relacionadas con el significado estricto del dicho español que habla de -“tirar la piedra y esconder la mano” y como metáfora referida a la idea de, como- explica la artista: “la normalidad del individuo no es solo necesaria sino obligatoria: hay que saber callar, saber sonreír, saber manifestarse, saber parir, saber - ser ‘diferente’ (…). Se aconseja vivir sin hacer mucho ruido ni para ser malos- (si tiras la piedra esconde la mano) ni para ser buenos (aunque no tires la piedra esconde la mano), etc.” De este modo Abigail Lazkoz, utilizando un lenguaje - próximo al cómic, ofrece escenas en las que aparecen enormes figuras realizadas con línea negra sobre fondo blanco. Tras la sencillez del trazo y la monumentalidad de sus dibujos murales se esconde una profunda reflexión sobre el mundo en que vivimos. Las cuestiones políticas y de género han sido, la mayoría de las veces, partes fundamentales desarrolladas-en los trabajos de esta artista. Los dibujos de Abigail Lazkoz plantean una aproximación a la realidad en la que vivimos desde una perspectiva aparentemente sencilla –la lucha, el llanto, el dolor, etc.- de tal forma que tras su aparente simplicidad en el trazo, que recuerda a los enormes murales mexicanos, se esconden diferentes planteamientos sociales y políticos. Lazkoz introduce, mediante-motivos florales y adornos, elementos desconcertantes que, aunque pasan desapercibidos en una primera lectura, desvelan posteriormente el significado real - de su composición. El dibujo -desarrollado sobre las paredes blancas y las acciones llevadas a cabo por sus personajes se perciben como parte de nuestra realidad social. La construcción de enormes escenografías mediante el uso del dibujo mural asume al espectador - convirtiéndolo así en parte activa de la obra. Monumentales personajes que- portan pancartas en blanco, edificios que surgen de montañas, y diferentes escalas sociales representadas en distintos intérpretes: desde el muñeco que-porta la estrella del sheriff, símbolos eclesiásticos y unas figuras que parecen reproducirse bajo tierra. Esconde -la mano reflexiona, por tanto, sobre una cuestión que define en gran medida los - comportamientos adultos de una parte de nuestra sociedad, es decir, apunta - Abigail Lazkoz: “el aprendizaje del movimiento continuo, dígase productividad - y que, sin embargo, no implica ni definición ni elección, es algo así como la enseñanza de la supervivencia a través del disimulo que se hereda de padres a -hijos, el aprendizaje de la integración”. 95

In her work, Abigail Lazkoz (Bilbao, 1972) uses a structure based on drawing, not far removed from the world of comics, to reappraise our political and social reality and our gender roles, facing the viewer with questions that can only be answered by delving into the depths of the drawing – at a first glance so simple. Hence the need for the titles of so many of her works –usually whole phrases– to clarify a part of their meaning. The artist carried out a site-specific mural painting for Laboratorio 987 she named Esconde la mano. The title conjures the range of nuances implicit in the Spanish saying “tirar la piedra y esconder la mano” (to throw a stone and hide one’s hand). The mural plays out the metaphor, in the artist’s own words: “for the individual, adjusting to the norm is not only necessary, it is obligatory: one must know how to keep quiet, how to smile, how to express oneself, how to give birth, how to be ‘different’ (...). We are told to go through life without making much noise, not even when we’re being bad (if you throw a stone, hide your hand), etc.” Thus, Abigail Lazkoz, through the medium of a language that is close to the comic strip, offers scenes populated by large figures drawn in black lines on a white surface. The simplicity of her lines and the monumentality of her mural drawings conceal a deep reflection on the world we live in. Political and gender issues are often a key element in her work. Abigal Lazkoz’s drawings offer an approach to reality from an apparently simple perspective – struggles, crying, pain, etc. – in such a way that her simple lines, reminiscent of the huge Mexican murals, hide a number of social and political statements. Through floral motifs and decorations, Lazkoz introduces certain discordant elements that go unnoticed at a first glance, but later reveal the composition’s true significance. Drawings on white walls and the actions carried out by her characters are seen as a part of our social reality. These huge sets constructed through mural drawings draw the viewers in, making them an active part of the work. Monumental characters carry white placards, buildings burst from the mountains and different social strata are represented by different actors: from the toy bearing a sheriff’s star to church symbols and figures that appear to reproduce underground. Esconde la mano reflects upon a question that, to a great extent, defines an important part of our adult behaviour in today’s society. According to Abigail Lazkoz: “learning the process of continuous movement, call it productivity, which however does not imply definition nor choice, is something like a lesson in survival through dissimulation passed on from parents to children, the learning process for integration”.

Esconde la mano, 2005 Vista de la instalación en/Installation view in Laboratorio 987 – MUSAC, León [ES]

Esconde la mano, 2005 Vistas de la instalación en/Installation views in Laboratorio 987 – MUSAC, León [ES]

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Esconde la mano, 2005 Vistas de la instalación en/Installation views in Laboratorio 987 – MUSAC, León [ES]

Drive-thru, limusina, 2003 Tinta pigmentada y tinta china sobre papel/ Pigmented and Chinese ink on paper 142 x 146 cm CortesĂa de la artista/ Courtesy of the artist

Drive-thru, camiĂłn, 2003 Tinta pigmentada y tinta china sobre papel/ Pigmented and Chinese ink on paper 142 x 146 cm CortesĂa de la artista/ Courtesy of the artist

Heredero, 2002 Tinta china y pigmentada sobre papel/Pigmented and Chinese ink on paper 70 x 100 cm CortesĂa de la artista/ Courtesy of the artist

Desastres naturales, 2007 Vistas de la instalación en/ Installation views in Centre d’Art La Panera, Lleida [ES] Instalación: pintura acrílica sobre muro/Instalation: Acrilic on wall Dimensiones variables/Variable dimensions Cortesía de la artista/Courtesy of the artist

Ryan Mcginley Between us/Entre nosotros La obra del artista - estadounidense Ryan McGinley (New Jersey, EE.UU, 1978) analiza mediante fotografías en color conceptos que giran en torno la amistad, la diversión y determinados comportamientos juveniles de la sociedad contemporánea. En la exposición titulada Between us / Entre nosotros se muestran alrededor de veinte imágenes - que recogen las características formales y temáticas más representativas del - autor. En la estela de fotógrafos como Wolfgang Tillmans, Nan Goldin o Larry - Clark, sus imágenes son diarios de la propia vida del fotógrafo; normalmente - escenas donde los protagonistas son amigos y conocidos, formando grupos -o individualizados en retratos. Fotografías que parecen ser el documento de una determinada generación en las que muestra formas de comportamiento que relacionamos con los jóvenes, como por ejemplo- grupos de skateboarders, grafiteros, etc. Las imágenes de McGinley analizan-así la frontera entre lo público y lo privado, convierten la cámara fotográfica en - cómplice tanto de la vida del retratado como de las de aquellos que observan.Son muchos los artistas que a través de su cámara retratan y testimonian su propio círculo de amigos, amantes, e incluso su familia. La autobiografía vuelve a aparecer reflejada en las potentes escenas de Ryan McGinley, desde Tim Falling, Dakota Hair, - pasando por las fotografías que muestran a su grupo de amigos bañándose - bajo el agua y a los que, tras la congelación de la cámara, ha convertido en elementos acuáticos. La espontaneidad- de sus fotografías aparece en todos y cada uno de los temas a los que recurre: la música, el sexo o las diferentes subculturas urbanas. McGinley convierte - a la cámara en una extensión de él mismo y refleja fiestas, salidas nocturnas,- retratos, etc., pero siempre mostrando un gran pictoricismo en sus imágenes -en las que utiliza, mediante la luz, distintas gamas de color. Imágenes potentes - y sugerentes que, lejos de ser meros testimonios anecdóticos, se convierten - en testigos implicados de una realidad: la del propio Ryan McGinley. El título de la muestra alude, por tanto, a esa complicidad que surge entre el fotógrafo y los retratados y por extensión entre los protagonistas y el espectador, en unas fotografías - que muestran la espontaneidad y reflejan la conexión existente entre la fotografía de Ryan McGinley el street art. 117

US artist Ryan McGinley (New Jersey, USA, 1978) uses colour photography to delve into concepts that revolve around friendship, fun and certain forms of youth behaviour in today’s society. The exhibition Between us / Entre nosotros brings together around twenty images that capture the artist’s most representative themes and formal approaches. Following in the footsteps of photographers such as Wolfgang Tillmans, Nan Goldin or Larry Clark, his snapshots are diaries of his own life: generally scenes starring his friends and acquaintances, in groups or in solo portraits. These photographs appear as the document of a generation that displays all the forms of behaviour we expect from young people, including groups of skateboarders or graffiti artists. McGinley’s images play on the border between public and private, making the camera an accomplice in the life both of the subject and the viewer. Many artists have used their camera to capture and pay testimony to their circle of friends, lovers and even family. Autobiography reappears in Ryan McGinley’s powerful scenes, from Tim Falling, Dakota Hair, to underwater pictures of his friends swimming who, once frozen by the camera, become water creatures. The spontaneity of his photography is apparent in each and every one of his recurring themes: music, sex and a range of urban subcultures. McGinley turns the camera into an extension of himself, capturing parties, nights on the town, portraits, etc. A marked pictorial value runs through all his images, in his use of light to provide varying ranges of colour. Powerful and suggestive snapshots that, far from being mere anecdotal testimonies, become complicit witnesses of a given reality – Ryan McGinley’s own. The exhibition title therefore refers to that complicity between the photographer and his subjects and by extension between the figures and the viewer, in a selection of photographs that reveal spontaneity and reflect the link between Ryan McGinley’s photography and street art.

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Entre nosotros/Between us, 2005 Vista de la instalación en/Installation view in Laboratorio 987 – MUSAC, León [ES]

Entre nosotros/Between us, 2005 Vistas de la instalación en/Installation views in Laboratorio 987 – MUSAC, León [ES]

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Dany, 2003 Fotografía color/Colour photograph 130 x 195 cm Colección MUSAC, León [ES]

Whirlwind, 2004 Fotografía color/Colour photograph 76 x 102 cm Cortesía del artista y/Courtesy of the artist and Ratio3, San Francisco [USA]

Back againstwall, 2004 Fotografía color/Colour photograph 76 x 102 cm Cortesía del artista y/Courtesy of the artist and Ratio3, San Francisco [USA]

Lizzy, 2002 Fotografía color/Colour photograph 102 x 76 cm Cortesía del artista y/ Courtesy of the artist and Ratio3, San Francisco [USA]

Fireworks, 2002 Fotografía color/Colour photograph 102 x 76 cm Cortesía del artista y/ Courtesy of the artist and Ratio3, San Francisco [USA]

Wilfredo Prieto Mucho ruido y pocas nueces II Wilfredo Prieto (Sancti-Spíritus, Cuba, 1978), continuando con el desarrollo de su trabajo basado, fundamentalmente, en la instalación, ha desarrollado para Laboratorio 897 un proyecto - específico titulado Mucho ruido y pocas nueces II, donde retoma el título de un - proyecto comenzado en 2003 en Cuba, con el que pretende hacer reflexionar-al espectador sobre lo esperado y, en este caso, lo inesperado dentro de los espacios expositivos relacionados con el mundo del arte contemporáneo y el engranaje artístico actual. Un instalación realizada a -modo de pasillo donde el espectador recorre un túnel negro construido con bafles donde escuchamos el ruido de un abrir y cerrar de cáscaras de nueces - para, al final de la misma, encontrar en el suelo un puñado de restos de esos -frutos. La propia literalidad de la instalación, en alusión al título, encierra precisamente la metáfora de su significado: esperar algo para no encontrar nada. Un-espacio abierto a la reflexión que, como en muchos de los trabajos de Wilfredo-Prieto, conduce a un mismo punto: la subversión del significado. De esta manera, - el artista descoloca las expectativas del público y articula distintos elementos sorpresivos. Su trabajo, calificado por Gerardo Mosquera de “minimalismo - perverso”, habla precisamente del “contenedor” y el “contenido”, de lo que esperamos y lo que en realidad encontramos, incluso, de lo decepcionante aplicado - no sólo al mundo del arte sino a cualquier parcela de nuestra propia vida. Este proyecto, que forma parte de una serie de diferentes piezas con el mismo - título, intenta, en esta segunda edición, cuestionar la propia finalidad del mismo, - es decir: la vía como sentido, el vaciar para contener. Mucho ruido y pocas- nueces II, según el artista, “establece un lenguaje lineal y literal que fundamenta el concepto de la inmediatez, subrayando así la propia contradicción entre-la esencia y el vacío”. 135

Wilfredo Prieto (Sancti-Spiritus, Cuba, 1978), in line with his previous work in the field of installation, developed a site-specific project for Laboratorio 987 by the title of Mucho ruido y pocas nueces II (Much Ado about Nothing II), recovering the title of a project he initiated in Cuba in 2003. He invited the viewer to reflect upon the unexpected – in this case within the kind of exhibition spaces common in today’s art world and in the current art system. The viewer enters an installation in the form of a black corridor built out of loudspeakers that play the sound of cracking walnut shells, only to find a small heap of them on the floor at the end of the tunnel. The literality of the installation’s title (nueces in Spanish meaning walnut) encloses its metaphorical significance: expecting a lot, then finding nearly nothing. As in so many of Prieto’s works, this installation provides room for thought, leading to a single conclusion: a subversion of expected meanings. In this way, the artist dashes the viewer’s expectations whilst providing other elements of surprise. His work, described by Gerardo Mosquera as “perverse minimalism”, refers precisely to “continent” and “content”, to what we expect and what we find, even to disappointment – applicable not only to the art world but to any sphere of life. This project, the second element in a series under the same title, throws its own end into question; i.e., the path as meaning, emptiness providing content. Mucho ruido y pocas nueces II, according to the artist, “establishes a linear and literal language that provides a basis for the concept of immediacy, thus underlining the very contradiction between essence and emptiness”.

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Mucho ruido y pocas nueces II, 2005-2006 Vista de la instalación en/Installation view in Laboratorio 987 – MUSAC, León [ES]

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Mucho ruido y pocas nueces II, 2005-2006 Vista de la instalación en/Installation view in Laboratorio 987 – MUSAC, León [ES]

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Sin Título (Biblioteca Blanca), 2004 Vistas de la instalación en/Installation views at Galería Nogueras Blanchard, Barcelona [ES] Instalación: libros blancos, estanterías, mesas y sillas/Installation: white books, bookcases, tables and chairs Dimensiones variables/Variable dimensions Cortesía del artista y/Courtesy of the artist and Galería Nogueras Blanchard, Barcelona [ES]

Apolítico, 2001 Vista de la instalación en/Installation view at the VIII Bienal de La Habana [CU] Instalación: banderas de todos los países en escala de grises con dimensiones, diseño y materiales oficiales/Installation: flags of all the countries in scale of gray with dimensions, design and official materials Medidas variables/Variable dimensions Cortesía del artista y/Courtesy of the artist and Daros- Latinoamericana Collection, Zurich [CH] and Galería Nogueras Blanchard, Barcelona [ES]

Poema Finito, 2001-2006 Monedas pegadas/Currencies hit Medidas variables/Variable dimensions Cortesía del artista y/Courtesy of the artist and Galería Nogueras Blanchrad, Barcelona [ES]

Grasa, jabón y plátano, 2006 Grasa, jabón y plátano/Fat, soap and banana Medidas variables/Variable dimensions Vista de la instalación en/Installation view in Convento de Santa Clara, La Habana [CU] Cortesía del artista y/Courtesy of the artist and Galería Nogueras Blanchard, Barcelona [ES]

Monika Sosnowska Untitled El trabajo de Monika Sosnowska (Ryki, Polonia, 1972) se centra, fundamentalmente, en el ámbito de la instalación. - Sus obras suelen relacionarse con la arquitectura o el tratamiento de pinturas murales que aluden a interiores industriales. La realización de trampantojos - arquitectónicos es uno de los rasgos que mejor definen a esta artista: desde-laberintos con puertas, pasillos en los que cada vez se estrechan más los muros, - pasando por todo tipo de ilusiones espaciales arquitectónicas. De este modo, - la artista no sólo juega con la realidad y la ficción de los espacios, sino con la -intervención del espectador en sus obras. Los diseños transitables de sus construcciones espaciales dialogan siempre con los lugares en los que son concebidos, puesto que la artista concede gran importancia a conceptos que parten - de la construcción y generan un diálogo entre la arquitectura y el diseño. Monika Sosnowska concibe, por tanto, no sólo espacios reales sino territorios mentales que estimulan la imaginación del visitante. Para Laboratorio 987 la artista - ha realizado un proyecto específico de instalación titulado Untitled, donde-confluyen todas las investigaciones y conceptos que componen su obra. La muestra se concibe como la creación de una única pieza bajo el título de The corridor (el pasillo) –en lo que pretende ser una representación utópica de la arquitectura- y para ello Sosnowska - ha realizado una instalación que simula los diferentes tramos de un pasillo,- todos ellos horizontales, excepto el tramo final que resulta ser vertical. Por tanto, el primer espacio resulta-real, como si el espectador paseara por un pasillo aséptico e impersonal de un - hotel para, una vez traspasar esta primera parte de la instalación, encontrarse - en un lugar imposible. Una vez más, la artista juega con los trampantojos -arquitectónicos al someter al espectador a una realidad ficticia, dominada por los - dictados de la gravedad, convirtiendo así esta segunda parte de pasillo en un - espacio vertical, que altera nuestra percepción visual. La estética de este pasillo está tomada de la realidad, como si este lugar hubiera sido transitado por el espectador infinidad de veces, e incluso la propia impersonalidad del corredor resulta- familiar y cotidiana. Ayudándose de los diferentes elementos que conforman-esta pieza (las luces, la moqueta e incluso las paredes), The corridor se convierte en un lugar donde convergen nuestras distintas percepciones de un mismo - sitio, alterando, por tanto, nuestra percepción de la realidad. La artista, al imposibilitar el recorrido - en el último tramo, convierte el final de este pasillo imposible en algo misterioso: ¿qué hay al final del túnel?, ¿adónde se accede si traspasamos una puerta - que no sabemos hacia dónde nos conduce? En realidad, Monika Sosnowska-juega con la alteridad, no sólo de la estructura propia de un pasillo, sino con lo- que supone en nuestro pensamiento el recorrer un lugar de acceso que no lleva - a ninguna parte. 151

The work of Monika Sosnowska (Ryki, Poland, 1972) focuses essentially on installation. Her work is often closely related to architecture, or deals with mural paintings allusive to industrial interiors. Indeed, architectural trompe l’oeil are one of her defining techniques: labyrinths made of doors, corridors that become progressively narrower and a broad range of architectural illusions. Through this media, the artist plays not only with reality and the fiction of mirrors, but also with the viewer’s role in her work. The artist’s transitable constructed spaces establish a dialogue with their location. Indeed, she attaches a great importance to concepts derived directly from the building and to the conversation generated between the architecture and her designs. Monika Sosnowska therefore conceives not only real spaces, but mental territories that stimulate the visitor’s imagination. For Laboratorio 987, the artist carried out the site-specific installation Untitled, which brings together all the investigations and concepts explored in her previous work. The project is conceived as a single piece under the title of The corridor that attempts to provide a Utopian representation of architecture itself. To this end, Sosnowska’s installation simulates a corridor in its various stretches, all of which are horizontal, except for the last, which turns out to be vertical. Thus, the first space is real, as if the viewer were walking down a neutral and impersonal hotel corridor, only to cross into the second section and find an impossible place. Again, the artist works with architectural trompe l’oeil, exposing the viewer to a fictional reality subject to the dictates of gravity. The corridor’s second stretch is a vertical space that alters our visual perception. The corridor’s appearance is taken from reality, as if it had been crossed by the viewer on countless occasions; the corridor’s very impersonality providing a sense of familiarity. Assisted by the piece’s various components (lighting, carpets and even the walls themselves), The corridor becomes a place where our different perceptions converge, thus altering our sense of reality. By making the last stretch of the corridor impassable, the artist imbues her impossible corridor with a sense of mystery. What lies at the end of the tunnel? Where would we end up if we were to cross a door that leads to an unknown location? In fact, Monika Sosnowska plays on an alteration, not only of the corridor’s own structure, but also of our thoughts as we move through an access that leads nowhere.

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Untitled (The Corridor), 2005 Vista de la instalación en/ Installation view at Laboratorio 987 – MUSAC, León [ES]

Untitled (The Corridor), 2005 Vista de la instalación en/Installation view at Laboratorio 987 – MUSAC, León [ES]

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Untitled (The Corridor), 2005 Vista de la instalación en/Installation view at Laboratorio 987 – MUSAC, León [ES]

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No title, 2002 Vista de la instalación en/ Installation view at Manifesta 4, Franfurt [D] Cortesía de la artista y/Courtesy of the artist; Foksal Gallery Foundation, Warsaw [PO] and Kurimanzutto, Mexico D.F [ME]

Entrance, 2003-2004 Vista de la instalación en/ Installation view at Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich [CH] Cortesía de la artista y/Courtesy of the artist; Foksal Gallery Foundation, Warsaw [POL] and Kurimanzutto, Mexico D.F [ME]

Little Alice, 2001 Vista de la instalaciĂłn en/ Installation view at Centre of Contemporary Art, Vjazdowski Castle, Warsaw [PO] CortesĂa de la artista y/Courtesy of the artist; Foksal Gallery Foundation, Warsaw [PO] and Kurimanzutto, Mexico D.F [ME]

1:1, 2007 Vista de la instalación en/ Installation view at Polish Pavillion at the 52nd Venice Biennale, Venice [IT] Cortesía de la artista y/Courtesy of the artist; Foksal Gallery Foundation, Warsaw [PO] and Kurimanzutto, Mexico D.F [ME]

The Hole, 2006 Vista de la instalación en/ Installation view at the Museum of Modern Art, New York [USA] Cortesía de la artista y/Courtesy of the artist; Foksal Gallery Foundation, Warsaw [PO] and Kurimanzutto, Mexico D.F [ME]

Philipp Fröhlich Exvoto. Where is Nikki Black? Los lienzos de Philipp Fröhlich (Schweinfurt,-Alemania, 1975) muestran una serie de escenas, tanto interiores como exteriores - en las que, a través de una dramática iluminación, sugiere misteriosos sucesos inacabados. Proveniente del mundo de la escenografía teatral, su pintura -puede considerarse una nueva forma de revisar las aportaciones de esta disciplina a lo largo de las décadas. El título de esta muestra, Exvoto. Where is Nikki - Black?, nos conduce a un extraño misterio, como si en estas escenas faltara - alguien o incluso algo, pues aquí poco o nada importa el intrascendente y común nombre propio de Nikki Black, de la misma forma que Laura Palmer se convirtió en la excusa perfecta para el desarrollo de toda una trama de misterio en- la televisiva serie Twin Peaks, dirigida por David Lynch. Fröhlich nos enfrenta - a una pintura de minuciosa realización en la que cada una las escenas se convierte, para el artista, en una realidad oblicua. Espacios y lugares extraños de imposible identificación; la mayoría de ellos, sacados de narraciones de alguna noticia del periódico o de viejas fotografías en blanco y negro. Escenarios, en definitiva, inventados, que el propio artista construye a través de maquetas –como parte de-su proceso de trabajo- y que destruye una vez éstos han sido trasladados al lienzo. La pintura de Philipp Fröhlich, realizada en témpera sobre lienzo, es en sí misma el resultado de una extraña relación entre - el acontecimiento sucedido y lo revelado al espectador por el artista en formato de cuadro o, como a él mismo le gusta denominar, en forma de “exvoto”. - Aunque lejos de una intencionalidad religiosa, estos cuadros, como los exvotos, son también testigos de sucesos y existencias. Sus cuadros muestran escenas recortadas,-historias inacabadas y encuadres que, como fotografías sacadas de un periódico, - atestiguan que en ese lugar algo ha sucedido, quizá un crimen pasional, un robo, una huida, etc. Nos muestran escenarios cargados de un gran dramatismo, - cercano, incluso, a los límites del terror. El manejo asombroso de la luz, ayuda a que sus pinturas, paradójicamente, transmitan un silencioso desasosiego. La-iluminación de sus escenas de interior, al igual que sus excelentes paisajes, nos remiten a esa pintura decimonónica que evidenciaba, a través de lo que se - creía sublime, el enfrentamiento del hombre a la naturaleza. Sus lienzos son, como lo fueron para los pintores románticos alemanes, testimonios de nuestra -propia existencia. Paisajes desolados, donde la completa ausencia del ser humano da paso a su huella: un coche abandonado, una silla caída en el suelo, unas- maderas apiladas, etc. Espacios y lugares en principio, intranscendentes, despersonalizados, realidades fragmentadas que testimonian que ya poco o nada está - fuera de nuestra imaginación. 167

In his paintings, Philipp Fröhlich (Schweinfurt, Gemany, 1975) displays an array of scenes, both indoor and outdoor, that suggest mysterious unfinished events, heightened by a dramatic lighting. Trained in set design for theatre, Fröhlich’s work provides a review of the technique’s contribution over the decades. The title of the show, Exvoto. Where is Nikki Black?, suggests a weird mystery, as if there were someone or even something amiss in these scenes (given that the banal name Nikki Black means little or nothing at all, just as Laura Palmer provided the perfect excuse for David Lynch to develop a convoluted mystery plot in his TV series Twin Peaks). Fröhlich confronts us with painstakingly executed paintings where each scene is a slanted reality. Strange spaces and places, impossible to identify: most of them borrowed from stories in newspapers or old black and white photographs. Ultimately, stages created by the artist using models that he destroys once they are on canvas. Philipp Fröhlich’s paintings, executed in tempera on canvas, are in themselves the result of a strange connection between the event that took place and what the artist reveals to the viewer in the form of a painting or –to use his own term– in the form of an ‘exvoto’. Though far from any religious intention, these paintings are also witnesses to an event or an existence. These paintings carry cut-out scenes, unfinished stories and frames that, like photographs taken from a newspaper, bear witness to the fact that something happened in this place: perhaps a crime of passion, a robbery, an escape... They reveal scenes charged with a high dose of drama, verging on terror. An outstanding treatment of light paradoxically makes his paintings ooze a silent malaise. The lighting of his interiors, as well as his magnificent landscapes, harks back to that 19th century painting that revealed, in the form of what was seen as being sublime, the struggle between man and nature. His canvases are, as they were for the German Romantics, evidence of our own existence. Desolate landscapes, where the complete absence of human form leaves only traces: an abandoned car, an overturned chair, piled-up timber... Spaces and places that are in principle irrelevant, impersonal, fragmented realities that bear witness to the fact that little or nothing remains beyond the realm of our imagination.

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Exvoto. Where is Nikki Black?, 2006 Vista de la instalación en/Installation view in Laboratorio 987 – MUSAC, León [ES]

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Exvoto. Where is Nikki Black?, 2006 Vista de la instalación en/Installation view in Laboratorio 987 – MUSAC, León [ES]

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S/T, de la Serie Exvoto (12 piezas), 2003 Témpera sobre madera/ Tempera on wood 45,5 x 35 cm c/u Cortesía del artista/ Courtesy of the artist

S/T, 2004 Témpera sobre lienzo/Tempera on canvas 195 x 146 cm Cortesía del artista/Courtesy of the artist

S/T, 2004 TĂŠmpera sobre lienzo/ Tempera on canvas 146 x 195 cm CortesĂa del artista/ Courtesy of the artist

S/T, de la Serie Exvoto (12 piezas), 2003 Témpera sobre madera/ Tempera on wood 45,5 x 35 cm c/u Cortesía del artista/ Courtesy of the artist

S/T, 2004 Témpera sobre lienzo/ Tempera on canvas 195 x 146 cm Cortesía del artista/ Courtesy of the artist

Pauline Fondevila November Song El trabajo de Pauline Fondevila (Le Havre, 1972.Vive y-trabaja en Barcelona) basado en la instalación, la escultura y, fundamentalmente, el dibujo, combina diferentes referentes culturales como el cómic, la música - pop, la nouvelle vague,… De modo que la artista construye su universo personal en base a referentes que forman parte de su cultura y sus vivencias: desde - Goya, Gilbert & George, el Bosco pasando por Bruce Nauman, Maurizio Cattelan o Los Planetas hasta François Truffaut, Little Nemo o Jeff Wall. Muchos de-los títulos de sus exposiciones están sacados de canciones o meras descripciones de un acontecimiento, de tal modo que recrea narraciones extrañas y asociaciones de ideas a las que el espectador puede sentirse muy próximo. Dentro del universo propio de Pauline Fondevila, se -encuentra P., un alter ego de la propia artista que protagoniza la mayoría de las- obras e, incluso, sirve de hilo argumental de su trabajo. P., materializada en forma - de escultura de madera articulada, también se identifica con el propio Pinocchio, lo que nos lleva a pensar en un juego metafórico de asociaciones de ideas. Esta muñeca, ya bien desde su escritorio o su furgoneta, imagina y piensa un - mundo en el que se establecen distintas relaciones y experiencias. De tal manera que P. nos conduce por su universo mediante un viaje por recuerdos y-anécdotas donde se cruza con diferentes personajes que componen su iconografía y referentes, como explica la propia artista: “cada dibujo es como una canción, autónomo, sencillo, fácil de mirar”. Y es que, en el imaginario de Pauline Fondevila encontramos, ya sea mediante sus dibujos o instalaciones, una dualidad - constante entre la realidad y la ficción. Esta exposición titulada November Song está concebida - como una canción realizada específicamente para el Laboratorio 987 bajo el - formato de un dibujo: un friso corrido de unos treinta metros de largo, distribuido estrictamente como una canción con introducción, estrofas, estribillos, etc. - En la entrada a la exposición el personaje P. aparece pintado el título en una - de las paredes si como si ella misma fuera el ‘autor-intérprete’ presentando su - concierto. El título de la muestra se relaciona con el mes en que se inaugura la muestra y es que, como explica la artista: “Siempre intento que el trabajo que-voy a exponer sea lo más cercano posible al momento en el que precisamente-se da a enseñar. También que sea cercano al lugar que me acoge. En este caso - quise hacer entrar en mi dibujo elementos de los frescos románicos de la Colegiata de San Isidoro de León. Me fijé en el calendario pintado en el techo en el- que el mes de noviembre está representado por un hombre matando a un cerdo. - Se supone que de esa matanza se vivirá el resto del año. A partir de ahí escogí el formato de la ‘canción’ también como un guiño al género de la canción - medieval: principio histórico de la novela, relato popular anónimo y monumental. Y también pensé en las canciones que suenan a noviembre, noviembre como - un tono musical, como una sensación, un ambiente…y las hice entrar en el dibujo” En síntesis, su obra analiza cómo una cultura marcada - por la superabundancia de estímulos condiciona la construcción del yo y de -las relaciones interpersonales. Los dibujos y las pinturas de esta artista aluden - a una experiencia subjetiva contaminada por las necesidades y deseos generados por una sociedad marcada por el consumo irrefrenable. Su obra, en conjunto, no deja de ser un mapa cartográfico de lo sentimental. 183

Pauline Fondevila (Le Havre, 1972, currently lives in Barcelona) works in the media of installation, sculpture and mainly drawing, combining different cultural references such as comic strips, pop music, nouvelle vague… She develops a personal universe based on elements that are a part of her culture and her experience: from Goya, Gilbert & George, Hieronymus Bosch, through Bruce Nauman, Maurizio Cattelan or Spanish pop band Los Planetas to François Truffaut, Little Nemo or Jeff Wall. The titles of many of her works are taken from song lyrics, or merely describe an event, in a way that establishes twisted narratives and associations that the viewer can closely relate to. Inhabiting Pauline Fondevila’s personal universe is P., the artist’s alter ego and protagonist of most of her works, who establishes a connection between pieces. P., in the form of an articulated wooden sculpture, is also identified with Pinocchio, providing for an interesting metaphorical game. The doll, sitting at her desk or driving her van, imagines and conjures up a world rich in relationships and experiences. Thus, P. leads us through her universe via an array of memories and anecdotes peopled by a succession of characters who stand as her icons and references. According to the artist: “each drawing is like a song; they’re independent, simple, easy to look at”. Indeed, Pauline Fondevila’s world, captured in drawings or in installation, constantly balances on the brink between reality and fiction. The exhibition November Song is designed as a theme composed ad hoc for Laboratorio 987 in the form of a drawing: a 30-m wall painting with the same structure as a song: an intro, verses, a chorus, etc. Flanking the access to the installation, P. is drawn into the title on one of the walls, as if she herself were the author-performer introducing her concert. The title includes the month in which the exhibition opened as, according the artist: “I always try to ensure that the work I show is as recent as possible at the time of viewing. Also that it is close to the place hosting me. In this case I wanted the access to the installation to include Romanic frescoes from the Basilica of St. Isidore of León. I noticed the calendar painted on the ceiling, where the month of November is represented as a man slaughtering a pig. That slaughter was meant to provide subsistence for the rest of the year. Leading on from there, I chose the ‘song’ format as a playful reference to Mediaeval songs: the historical source of the novel, anonymous and monumental popular stories. I also thought about songs that sound like November, November as a musical tone, as a sensation, a mood... and I brought that into the drawing”. In a nutshell, Fondevila’s work looks into how a culture defined by an overabundance of stimuli shapes the way we construct our self-image and our relationships with others. This artist’s paintings refer to a subjective experience polluted by a set of needs and desires created by a society driven by unfettered consumption. Her work is ultimately a cartography of emotions.