¿Pintura? ¡Pintura! Exposición colectiva de pintura. Evento paralelo a la VIII Feria de Arte Contemporáneo de Arévalo. Sala de exposiciones temporales del Museo de la Historia de Arévalo.
Juan Gil Segovia Clara Isabel Arribas Cerezo Comisarios.
David Martín Martín Coordinador.
¿Pintura? ¡Pintura!
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Contexto de la exposición El término “pintura pintura” nace en la década de 1980 para definir algunas de las corrientes estéticas surgidas en torno a esa fecha y que tienen en común una vuelta al soporte y la técnica pictóricos, dejando a un lado las tendencias más experimentales de los 20 años previos. Para una mejor comprensión del origen de la llamada pintura pintura quizá sea conveniente repasar brevemente la evolución de las artes plásticas y visuales en el convulso siglo XX . Durante las primeras décadas del pasado siglo las llamadas vanguardias históricas experimentaron con el arte transformándolo para siempre. Algunos movimientos como el expresionismo, el cubismo o el futurismo siguieron utilizando la pintura como medio de expresión pero a la vez incorporaron un lenguaje totalmente transgresor, otras vanguardias como el neoplasticismo o el constructivismo inventaron formas de abstracción y otras como el dadaísmo y el surrealismo fueron incluso más allá al utilizar todas las técnicas a su alcance. Tras la Segunda Guerra Mundial aparecen las neovanguardias, es decir, nuevas vanguardias pero inspiradas de una u otra manera en las anteriores. En la década de los 60 y parte de la siguiente, la postura de los artistas se vuelve más arriesgada, cada vez se crean obras con medios aparentemente más simples pero que intentan expresar conceptos más complejos. Primero, el minimalismo y, posteriormente, el arte povera y el arte conceptual colocan a la idea y el concepto en el lugar preferente de la creación artística, más allá del resultado final. En esta época comienzan a utilizarse nuevos materiales y técnicas, como la fotografía o el vídeo, que ocupan el lugar preferente que hasta entonces había tenido la pintura. Estos medios sirven a los artistas conceptuales para documentar performances y acciones artísticas efímeras como el Land art o el Body art. A finales de la década de los 70 se aprecia un cierto agotamiento de este tipo de tendencias y vuelve el interés por la pintura, deudora, en su mayoría, de la que se practicaba en las vanguardias de comienzos de siglo, pero también de movimientos más recientes como el Pop art. En varios lugares del planeta surgen focos muy activos de jóvenes pintores: en Italia un grupo conocido como la “Transvanguardia”, en Alemania los “Nuevos salvajes” y en Nueva York los graffiteros, que cambiaron el metro por las galerías de arte. Comienza a hablarse de muchos “neos”: neoexpresionismo, neopop, neogeo… fruto de un movimiento mucho mayor conocido como “Posmodernidad”, un término complejo cuya característica principal, posiblemente, sea la utilización libre de formas de las vanguardias, en particular, y la cultura e historia del arte, en general, muchas veces de una forma descarada, irónica o paródica. España no fue impermeable a todo esto, además en este caso se unieron las tendencias internacionales con las características específicas de nuestro país; la muerte de Franco aún era un hecho reciente, por lo que la sociedad estaba en pleno cambio y, tras 40 años de censura, había hambre de modernidad y libertad creadora. Un grupo de artistas, con Miquel Barceló a la cabeza, unido a la inauguración de museos, como el Reina Sofía en Madrid y el IVAM en Valencia, pusieron de nuevo a España en el mapa internacional del arte. ¿Pintura? ¡Pintura!
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Por todo el país comienzan a aparecer artistas, galerías y ferias; y en este contexto el pintor José Antonio Arribas organiza la Bienal de Arévalo, uno de los temas de la conferencia que se ofrecerá en el Museo. Durante ésta década el mercado del arte aumenta considerablemente, pero a comienzos de los 90, debido a la Guerra del Golfo y a la escasez de petróleo derivada de la contienda, se produce una recesión económica que afecta a todos los sectores, también al del arte, que, mientras tanto, está desviando de nuevo su atención hacia otros medios en detrimento de la pintura. Actualmente se puede decir que todos los medios y soportes conviven en cierta igualdad y que unos han “contaminado” a otros, es decir, la pintura que, décadas antes, había introducido elementos de la fotografía o la escultura, recientemente se encuentra relacionada con las llamadas “instalaciones”, es decir, la apropiación de un espacio tridimensional de dimensiones variables con materiales y técnicas heterogéneos. En ocasiones se ha hablado de “pintura expandida” para definir esta situación, que se concreta en traspasar los límites físicos del cuadro y continuar la obra por las paredes, el suelo o, incluso, el techo, ya sea con pintura o bien con objetos, fotografías o proyecciones de vídeo. La situación actual de la pintura se debate entre los artistas que siguen esta línea, los que tratan de reformular de una manera personal los lenguajes pictóricos preexistentes, sobretodo los aparecidos en las vanguardias y neovanguardias y una tercera vía nacida al calor de las nuevas tecnologías y el arte digital. Pero en cualquier caso creo que se puede decir que la pintura goza de buena salud a pesar de tener ya miles de años de historia, ya que aunque ha variado mucho sigue conservando sus rasgos distintivos (color, forma, composición, superficie) y sigue sirviendo como medio de expresión y transmisión de conocimientos.
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Albano (Albano Hernández Domínguez) “Valquiria y arrepentimiento”. 2012. 114 x 146 cm. Mixta sobre lienzo.
Foto cedida por el artista.
La serie “Sueños Valquíricos” que Albano presentó en una exposición individual en la Galería Alfama de Madrid en 2011, sintetiza un viaje del artista por el desierto de Sonora. En un texto relativo a dicha exposición se dice: "Donde los saguaros se alzan en verdes cantos y los coyotes celebran el último rugido del Sol. Paulo Coelho vio, olió y sintió Arizona a finales de los 80. Ahora, Albano se sumerge en el desierto para encararse a la soledad, al sol, a las tormentas de arena, a sus sueños; acompañado por sus valquirias, metáforas de humanización, salpicadas por leyendas de los Tohono O´odham. “Sueños Valquíricos” personifica al saguaro en su presencia como imagen, confiriéndole cualidades antropomórficas bajo la idea de deidad femenina, de valquirias que cabalgan por el desierto camino del Vingólf". Además de Paulo Coelho es necesario hacer referencia al mítico libro "El camino" de Jack kerouack, camino físico al mismo tiempo que camino interior, el que nos sirve para conocernos a nosotros mismos, y hablando del desierto de sonora es imprescindible citar a Roberto Bolaño, el cual nos ayuda a entender un poco mejor esas áridas tierras así como los extravagantes personajes que rodean al desierto, tanto en México como en EEUU. Este es un caso en el que la literatura y la pintura se contaminan mutuamente enriqueciendo ambos discursos. Albano (Ávila, 1988), antes de iniciar sus estudios en la Facultad de Bellas Artes de la UCM, ya había logrado más de 30 Premios, que le consolidaban como el pintor más galardonado en la escena europea a sus veinte años. Sus exposiciones se cuentan por éxitos, vendiendo todo lo expuesto. Su obra forma parte de prestigiosas colecciones europeas públicas y privadas: como BMW, Fundación Caja Madrid, Fundación Valparaíso, Fundaçao António Prates, Cortes de Catilla y León, Fundaçao José Saramago, etc. www.albanoartist.com
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Carlos Vilas Bugallo representado por Cabalum Galería (Pontevedra). Sin título. Técnica mixta sobre lino. 150 x 250 cm.
Foto cedida por el artista.
Las telas de Carlos Vilas Bugallo tienen varias características que las hacen especiales. El soporte de las obras fue conseguido en Loureiro, aldea nativa del artista, se trata de lino tipo bastardilla de los años 30 - 40 del s. XX. El lino bastardilla era el lino de desecho, se caracteriza por su textura gruesa, rugosa y áspera, algo similar a la arpillera. Estas telas se presentan sin montar sobre bastidor, es decir, la tela sola, suelta, que además se pueden colocar sobre la pared o colgando del techo, con lo que puede ser vista por las dos caras, adquiriendo un matiz tridimensional. Las obras abstractas de este artista se pueden calificar como “paisajes interiores”, ya que transmiten diferentes estados de ánimo a través de sus formas etéreas y la elección de determinados colores. Carlos Vilas Bugallo (Loureiro, 1961) actualmente vive en Vigo y comparte taller con el poeta Carlos Oroza desde 1998. Es licenciado en filosofía y Ciencias de la Educación por la Universidad de Santiago de Compostela. Tras diferentes ocupaciones y viajes en 1991 comienza su trabajo artístico.
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Carmen Palenzuela López “Tabla I” Óleo y collage sobre madera. 70 x 100 cm.
Foto cedida por el artista.
La obras de la serie "tablas" de Carmen Palenzuela llaman la atención en primer lugar por las antiguas tablas de lavar que ha superpuesto a otras tablas, las que utiliza como soporte para pintar. Carmen Palenzuela López (Valladolid, 1967) es licenciada en Bellas Artes, en 2010 realiza el comisariado de la exposición “All day everyday” en el Museo Patio Herreriano de Valladolid, además es autora de varios artículos de arte público independiente y ha editado el libro “Espacios para la Libertad, graffiti en el entorno ferroviario de Valladolid”. Ha realizado varias exposiciones entre las que destacan las realizadas en el Teatro Calderón y el Palacio Pimentel, ambas en Valladolid y la realizada en la sala Fortuny de Vitoria. “Tabla II” Óleo y collage sobre madera. 70 x 100 cm.
Foto cedida por el artista.
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Fernando Arahuetes “Dentro D III” Óleo sobre lienzo. 2011. 120 x 200 cm. (Díptico).
Foto cedida por el artista.
La serie “Dentro-D” de Fernando Arahuetes es un estudio realizado desde el año 2007 donde las manchas abstractas de color son la base de las obras. Aunque estas obras no sean figurativas podemos buscar referentes cercanos en la realidad, como por ejemplo las divisiones de terrenos vistos desde el aire, o, en el caso concreto de esta obra, una vegetación tupida y colorista. Se representa la lucha de la luz contra la oscuridad, luz y oscuridad entendidos como equilibrio frente a desequilibrio. Es característico de esta serie el uso de grandes formatos, polípticos algunos de ellos, para introducir al espectador en el conjunto pictórico y perder la referencia de lo observado dentro del cuadro. Fernando Arahuetes (1971), ha expuesto en ferias como “Holland Art Fair” (La Haya) y "Dearte" (Madrid). De forma individual su trabajo se ha podido ver en la Galería Mainel (Burgos), en la Diputación Provincial de Burgos o en la Universidad de Burgos entre otros. Entre sus exposiciones colectivas destaca una en la Colorida Art Gallery de Lisboa en el año 2011. www.arahuetes.com
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Joaquín Aragón Vega “Vertebrar” Mixta sobre tela. 100 x 140 cm.
Foto cedida por el artista.
La obra “Vertebrar” de Joaquín Aragón Vega se encuentra a medio camino entre la figuración y la abstracción, a primera vista son sutiles manchas de colores que flotan sobre un fondo neutro, pero a medida que vamos adentrándonos en la obra nos damos cuenta de que dichas manchas tienen tintes zoomorfos, se asemejan al mismo tiempo tanto a aves como a pequeños microorganismos. En esta especie de trampantojo pictórico podemos llegar a ver ramas, raíces y una serie de vegetación indeterminada; esta visión heterogénea es fruto de la multiplicidad de interpretaciones de la que goza la pintura actual, superada ya la rígida objetividad que debía tener la pintura siglos atrás. Joaquín Aragón Vega (Valladolid, 1968), en los años 90 fue premiado por Caja de Burgos y por la Junta de Castilla y León además de ser becado por la Fundación Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Valladolid. Mas recientemente su obra se ha podido ver en la Galería Detursa (Madrid) y en la Galería Orón (Valladolid), entre otras salas.
www.abocetadas.blogspot.com
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Juan Canals “La ciudad” Óleo sobre tela. 2003. 114 x 146 cm.
Foto cedida por el artista.
La obra de Juan Canals tiene varias influencias reconocibles, como son el surrealismo de las vanguardias históricas o los neoexpresionismos figurativos de los años 80, pero en cualquier caso se trata de maneras modernas de representar la realidad que nos rodea. Se puede decir que parte de la fotografía actual (no toda) es la manera objetiva de representar el mundo, pues bien, este tipo de pintura es la manera subjetiva de mostrar la realidad, es decir, el artista nos muestra su visión particular de los hechos. En el caso de la obra de Juan Canals “La ciudad” nos muestra las aglomeraciones, las prisas y lo frías e impersonales que son las ciudades de nuestro tiempo. El artista Juan Canals ha mostrado su obra en diferentes países como China, Argentina o Alemania. Dentro de nuestras fronteras sus exposiciones mas destacadas son una colectiva en la Galería Dalmau (Barcelona) y de forma individual en las Galerías Roch Minué (Palma de Mallorca) y Siart Espacio de arte (Cadaqués). www.canals-carreras.com
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Juan Sebastián González Rodríguez “From the studio” Óleo sobre tela. 2012. 200 x 200 cm.
Foto cedida por el artista.
La obra de Juan Sebastián González Rodríguez es típica de un antiguo alumno de la Facultad de Bellas Artes de Salamanca, es decir, practica un expresionismo abstracto a base de grandes pinceladas de colores terrosos (ocres, algunos verdes) que recuerda por momentos a la estética de la escuela americana del "colour field painting", o pintura de campos de color, muy popular en las décadas de 1950 y 1960 del pasado siglo, que practicaron artistas como Morris Louis, el cual embadurnaba enormes lienzos sin imprimar con pintura acrílica diluida con aguarrás, consiguiendo grandes superficies de color con un aspecto etéreo y poco definido. Esta pieza, titulada "desde el estudio", tiene cualidades abstractas, pero el título nos hace sospechar que hay algo más, algo que quizá al primer vistazo se nos escapa, posiblemente un paisaje que se avista desde el lugar de trabajo del artista, aunque también es posible que trate de decirnos que la obra viene desde lo más profundo de ese lugar sagrado que para los pintores es el estudio. Juan Sebastián González Rodríguez (Badajoz, 1979) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca en el año 2006 y ha completado su formación con diversos cursos entre los que sobresale el realizado con Antonio López en el Palacio de los Serrano de Caja de Ávila en 2011. Actualmente se encuentra realizando el doctorado en la Universidad de Salamanca. Ha realizado exposiciones individuales en Milán, Roma, Madrid y Salamanca entre otras además de diversas colectivas.
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Pilar Duque “Paisaje en verde II” Técnica mixta sobre tabla. 2011. 60 x 90 cm.
Foto cedida por el artista.
Las “pinturas” de Pilar Duque son, más que pinturas, “tablas”, maderas horadadas bajorrelieves hechos con escoplos, gubias cutters... Maderas excavadas hasta el límite, incluso traspasando al otro lado. Pigmentos arrojados con desmesura, viejos óleos, acuarelas, acrílicos, resinas, aguas, grafitos de todas clases, metales en polvo, arenas, cuarzos, polvos de mármol... y sobre todo una intuición natural desbordante, un muy especial sentido de la belleza, un momento mágico en cada obra... una ejecución rápida... atrapar ese momento efímero y plasmarlo. Una lectura detenida sobre estas obras nos cuenta historias de paisajes, a veces figurativos, otras más abstractos o esenciales... la emoción sobre imágenes de una tierra que siente dentro... algo del alma, un arrebato personal. Pilar Duque (La Mudarra, Valladolid. 1960) es una artista autodidacta que ha realizado diversas exposiciones en Castilla y León, entre las que destacan las realizadas en la Sala de exposiciones del Palacio de Pimentel (Valladolid) y en la Galería Sardón (León), ambas en 2011.
“Paisaje en gris” Técnica mixta sobre tabla. 2011. 60 x 90 cm.
Foto cedida por el artista.
pilarduquegonzalez.blogspot.com
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Sergio Loeda Sin título. Óleo sobre tela. 2011. 130 x 195 cm.
Foto cedida por el artista.
La obra pretende recuperar la estética de la fotografía de finales del S.XIX hasta mediados del S.XX. En palabras del autor: "la temática es realista, y se basa en el reencuentro con una realidad que puede volver a darse, haciendo referencia al eterno retorno de la obra de Nietszche. Esto se presenta descontextualizando imágenes y personajes concretos en un marco vacío". Esta pieza está realizada con un único Tono sobre una tela de color ocre, que recuerda a las obras de las series más recientes de Jesús Alonso, que crean obras de alto contraste cromático, que a su vez, al utilizar el color negro sobre fondo relativamente neutro se asemejan al famoso test de Rorschach. Esta situación de parentesco nos fuerza a buscar algo más en la obra, imágenes ocultas que posiblemente solo nuestro subconsciente sea capaz de apreciar.
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Virginia Garrosa “En este cielo boca abajo sueña otro pez” Acrílico sobre tela. 2012. 114 x 146 cm
Foto cedida por el artista.
La obra “En este cielo boca abajo sueña otro pez” hace referencia al momento actual que vive nuestra naturaleza más salvaje y su degradación, Un cielo que es un mar, que es un sueño, que no deseamos que solo sea eso… sueño, añoranza. Virginia Garrosa (Madrid, 1961), es Diplomada en artes aplicadas a la madera por la escuela de la Palma nº 1, de Madrid, Licenciada en bellas artes por la universidad Complutense de Madrid, Profesora de la escuela taller de artes plásticas Lápices y Colaboradora en talleres de arte terapia de la asociación Lakoma (Madrid) para la recuperación y reinserción social de personas en riesgo de exclusión social. Entre sus exposiciones destacan una individual en la Fundación Antonio Concha de Cáceres y las colectivas realizadas en la Fundación Santa María (Albarracín, Teruel), en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y en la escuela de artes aplicadas nº1, también en Madrid.
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