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RESSOURCES ET MATÉRIELS DIDACTIQUES
PREMIÈRE ÉTAPE DU CUBISME
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L’art cubiste est un mouvement artistique qui était présent entre 1907 et 1914. Le cubisme est considéré comme une avant-garde pionnière car il est à l' origine de la rupture de la perspective, dernier principe de la Renaissance encore en vigueur au début du siècle. Le cubisme était centré sur la ville de Paris, et les chefs de le et maîtres du mouvement étaient les Espagnols Pablo Picasso et Juan Gris et les Français Georges Braque et Fernand Léger. Cependant, l’artiste Paul Cézanne avait déjà ouvert la voie, lui qui, influencé par l'impressionnisme, a réagi contre celui-ci, rejetant l'impression au prot d' une compréhension plus profonde de la réalité. Cézanne pensait que la nature ne se dessinait pas, mais qu’elle se manifestait par la couleur, sa peinture n 'étant pas dessinée, mais une peinture de volumes, de formes, les meant en relation les unes avec les autres une fois qu ' elles ont été créées. Ce style de peinture a donné lieu au problème des plans et l' a amené à regarder les objets sous diérents points de vue. Cet artiste français est devenu un des pionniers de ce mouvement, aux côtés notamment de Pablo Picasso. Ce mouvement artistique était essentiel car il a donné naissance aux autres mouvements d' avant-garde en Europe au XXe siècle. Il s ' agit donc de la dernière rupture de l' art avec la peinture traditionnelle. Le principe selon lequel une image est toujours observée à partir de diérents points de vue, puisqu’elle est tridimensionnelle, était la base idéologique du cubisme. Cela a amené les artistes de ce mouvement à rechercher de nouvelles formes de représentation picturale, parmi lesquelles apparaissait la rupture avec l'image réelle à travers la formation de cubes et d' autres formes géométriques. La présence de nombreuses, et certainement chaotiques, formes géométriques donnait une complexité unique à l’image, qui avait pour objectif de représenter la complexité de la vie quotidienne. Le concept de cubisme a été créé par le critique d’art Louis Vauxcelles qui a également donné un nom au mouvement fauviste. Ce terme trouve son origine dans une critique qu 'il a faite d' une œuvre d' art qu 'il a appelée "cubes" , depuis lors le concept de cubisme est né. L’art cubiste n’aurait pas pu exister sans l’apparition de la photographie qui, en représentant la réalité visuelle avec plus de précision que la peinture, a libéré cee dernière de l' obligation de représenter les choses telles qu ' elles apparaissent sous nos yeux. Elle a également obligé les artistes à chercher un sens autre que la simple transcription de l' apparence extérieure des choses en deux dimensions.
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L'émergence du cubisme est également liée à deux autres développements de la même décennie : la psychanalyse, qui a montré qu 'il pouvait exister des motivations plus profondes pour les pensées et les actions humaines, et la théorie de la relativité, qui a révélé que le monde n ' est pas tout à fait dans sa structure la plus profonde.
Les principales caractéristiques du cubisme :
La rupture avec la nature est obtenue par la décomposition de la gure en ses parties minimales, en plans, qui seront étudiés en eux-mêmes et non dans la vision globale du volume.
Le cubisme est un art mental, l' œuvre ayant une valeur en soi et exprimant des idées.
Le cubisme a été la rupture dénitive avec la Renaissance. Dans les œuvres d' art cubistes, la vision traditionnelle de l' art disparaît donc complètement Ce mouvement artistique est principalement basé sur la nature représentée par des gures ou des formes géométriques et par la fragmentation des surfaces et des lignes, sous une forme simpliée, en cubes, cylindres et sphères. Un nouveau concept appelé "perspective multiple" est apparu, c ' est-à-dire que toutes les parties étaient développées sur le même plan. Les œuvres sont devenues intransigeantes sur l' esthétique des choses, c ' est pourquoi elles apparaissent sur le même plan et à des moments diérents, par exemple, dans le cas des visages humains, le nez est représenté de prol et l' œil de face.
Il n ' existait pas de vision unique. C' est pour cee raison que les oeuvres d' art n ' avait aucune sensation de profondeur. Les portraits, les paysages, les natures mortes et les natures mortes urbaines étaient les sujets les plus fréquemment représentés. En ce qui concerne les couleurs, les plus utilisées sont les tons sobres tels que les bruns, les verts ou les gris, c ' est-à-dire que toutes les couleurs qui caractérisaient le fauvisme ou l'impressionnisme sont supprimées. Les dégradés d' ombre et de lumière disparaîtront et les couleurs de la réalité ne seront plus utilisées, le noir et le blanc apparaissant dans les représentations. Les formes géométriques envahissent les compositions. Ils n ' utilisaient pas le style abstrait, la forme était toujours respectée.
ANEXOS
LES PRINCIPAUX STADES DE L'ART CUBI STE
Il existe diérents stades dans le développement progressif de ce mouvement artistique, parmi lesquelles nous pouvons souligner les suivantes :
Art cubiste analytique
Cee étape est considérée comme le premier stade du cubisme, de 1909 à 1912, et son précurseur est Paul Cézanne. Les artistes se sont consacrés à l’analyse d’images et leur reconstruction à travers ces formes géométriques. Leur objectif s’est transformé en une recherche plus profonde qui consistait à extrapoler la réalité et représenter l’essence même de ce qui était visible. Il se caractérise par la décomposition et le déséquilibre de ces formes et gures. Son objectif principal était de les observer et d’essayer d’établir un ordre pour les séparer. C' est à ce stade que l' on peut voir un cubisme diicile à comprendre et très pur. Il se caractérisait par la décomposition de la forme et des gures en plusieurs parties, toutes géométriques, en forme de cône, de cylindre ou de sphère et par l’utilisation de la couleur pure.
Art cubiste synthétique
C’est un terme qui identie généralement la seconde partie du mouvement pictural qui remonte à 1912, lorsque Picasso a peint “Nature morte à la chaise cannée” . Les auteurs ont développé de nouvelles techniques qui leur ont permis
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de travailler avec diérentes textures et surfaces, comme le collage, pour créer des œuvres picturales inédites. Les principales caractéristiques compositionnelles du cubisme synthétique se trouvent dans le choix de juxtaposer ou de superposer diérentes parties d' une représentation, en recourant souvent à des techniques pertinentes telles que le collage et le papier collé, favorisant ainsi les compositions d' objets polioculari visions d' un même objet. À ce stade, il ne s ' agit plus d' observer et d' ordonner les objets, mais de résumer la gure essentielle, ce qui explique que diérentes parties de l'image soient mises en évidence. La synthèse se fait en meant en évidence sur la toile les parties les plus signicatives de la gure qui seront vues de tous les côtés.
Peintres appartenant au cubisme
Pablo Ruiz Picasso: Plusieurs de ses oeuvres faisaient partie du cubisme, comme Les Demoiselles d’Avignon, l' œuvre représente une maison close à Barcelone, avec des femmes nues aux visages dégurés, influencée par Cézanne, l' art ibérique et la sculpture noire, où il rompt avec toutes les règles traditionnelles de la peinture gurative en fragmentant la perspective en volumes carrés et anguleux. Les oeuvres Nu à la serviee, L’usine à Horta de Ebro, Le portrait d’AmbroiseVollardont également été réalisées par Pablo Ruiz Picasso. L' une de ses meilleures œuvres est Guernica, une peinture symbolisant l'horreur de la guerre civile espagnole et le bombardement qui a détruit la ville basque de
de Guernica, dans un style cubiste et avec un symbolisme de surréalisme et de déformations expressionnistes. George Braque: C' est le second grand créateur du cubisme. Il a découvert que les formes pouvaient être simpliées en les réduisant en prismes et cylindres. Dans son œuvre Nature morte aux cartes àjouer, il réduit le chromatisme à des couleurs grises et géométrise et décompose les formes pour créer une nouvelle réalité par le biais de superpositions et de transparences. Il s ' est également lancé dans le collage. D' autres œuvres remarquables sont Nature morte avec la guitare, Naturemorteaveclevioloncelleet L' atelierdupeintre. Juan Gris: Son cubisme est fondamentalement synthétique et coloré. Il utilise des compositions qui ont une structure ferme et un rythme harmonieux. Il mêle douceur et énergie, ce qui se retrouve dans l' agencement de ses natures mortes, réalisées avec des plans très violents. Il s ' est concentré sur le thème de la nature morte, avec des éléments tels que des verres, des bouteilles, des journaux, des coupes de fruits, des pipes, des arlequins, des éléments musicaux. Parmi les œuvres remarquables, citons Nature morte, Le petit-déjeuner et Nature morte surunechaise.
Fernand Léger: Il travaille dans un cubisme qui tend vers des formes mécaniques et tubulaires. Ses thèmes les plus fréquemment utilisés étaient liés à la vie quotidienne et au machinisme de la grande ville, avec des personnages ayant un certain caractère d' automate. Nous avons des œuvres comme La partie de cartes, où les protagonistes ont été transformés en une sorte de robots métalliques, avec d' autres œuvres importantes comme Les acrobates en gris, Lescylindrescolorés, Hélices. Il existe de nombreux autres peintres très célèbres appartenant à ce courant artistique. Parmi eux, nous pouvons mere en évidence certains de ceux qui sont encore connus aujourd'hui, ainsi que leurs œuvres, ces artistes sont : Jean Metzinger, Robert Delaunay, Albert Gleizs. Bien sûr, on connaît de nombreux autres artistes, mais les plus connus et donc les plus célèbres sont ces artistes.
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https://tiposdearte.com/arte-cubista/
Les Demoiselles d'Avignon. P a b l o P i c a s s o , 1 9 0 7
Le petit-déjeuner, J u a n G r i s , 1 9 1 4 Nature morte aux cartes à jouer, G e o r g e B r a q u e , 1 9 1 3
La partie de cartes, F e r n a n d L é g e r , 1 9 1 7
Trois femmes, F e r n a n d L é g e r , 1 9 2 1
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Portrait de Dora Maar, P i c a s s o , 1 9 3 6
Art scuplture faces, P i c a s s o
POINTILLI SME
Le pointillisme est une technique artistique qui consiste à réaliser une œuvre en utilisant seulement de tout petits points. Elle est apparue en 1869, sous l'impulsion du peintre néo-impressionniste Georges Seurat, qui a été suivi par des artistes tels que Henri-Edmond Cross et Vlaho Bukovac. Ce procédé consiste à mere des points de couleurs purs au lieu de coups de pinceau sur la toile. C' est le résultat des études chromatiques menées par le peintre français Georges Seurat (1859-1891) qui, en 1884, est arrivé à la division des tons par la position des touches de couleur qui, vues à une certaine distance, créent les combinaisons souhaitées sur la rétine. Paul Signac est un autre des artistes pointillistes les plus importants. Avec Seurat et d' autres néo-impressionnistes, il participe à la Société des Artistes Indépendants (1884), tous adeptes du pointillisme ou du divisionnisme. Ce procédé est lié au divisionnisme, une variante plus technique. Le divisionnisme se concentre sur la théorie de la couleur, tandis que le pointillisme se centre davantage sur le style spécique de pinceau utilisé pour appliquer la peinture. C' est une technique qui compte peu de praticiens actifs aujourd'hui et que l' on retrouve notamment dans les œuvres de Seurat, Signac et Cross. En adoptant de minuscules coups de pinceau en forme de point, ils ont réussi à accumuler, même sur de petites surfaces, une grande variété de couleurs et de tons, dont chacun correspondait à l' un des éléments contribuant à l' apparence de l' objet. À une certaine distance, ces minuscules particules se mélangent optiquement, ce qui permet d' obtenir une intensité de couleur bien supérieure à celle de n 'importe quel mélange de pigments.
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+infos
https://es.wikipedia.org/wiki/Puntillismo
Temps gris, Grande Jatte, Georges Pierre Seurat, 1888 Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte, Georges Pierre Seurat, 1884
Morning, Interior, Maximilien Luce, 1890.
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L'Entrée du port de Marseille, Paul Signac, 1911
Le cirque, Georges Pierre Seurat, 1891
Le Pont Neuf, Hippolyte Petitjean, 1912
CON STRUCTIV I SME RUSSE
Le constructivisme russe est un mouvement artistique qui a triomphé en Russie dans les années 1920. La peinture, le graphisme, la photographie et le cinéma témoignent de son influence, mais c ' est dans l' architecture qu ' elle a trouvé son application la plus concrète et révolutionnaire. Ce mouvement est né du rejet des excès décoratifs et ornementaux considérés comme typiques de l' art bourgeois. En contraste avec le néoclassicisme et l'Art nouveau qui prédominaient dans le reste de l'Europe, ils ont créé un art basé sur la simplicité, les lignes pures et les formes géométriques, inspiré du cubisme et du futurisme.
Un art au service de la révolution
Le constructivisme est devenu l’art oiciel de la Révolution Russe après le triomphe et la manifestation esthétique de la nouvelle société socialiste. Les constructivistes considéraient l’art comme un outil de plus pour la révolution, qui pouvait et devait contribuer à la formation du nouvel ordre social et à la diusion de l’idéologie socialiste. Les artistes souhaitaient changer le monde avec leurs œuvres, qu 'ils abordaient systématiquement sous un angle utilitaire et fonctionnel, où l' esthétique est toujours au service de la fonction. Le style de dessin était influencé par la révolution industrielle que vivait le territoire soviétique après la révolution. Nous pouvons le voir sur une des œuvres clés du constructivisme, telles que le Monument à la Troisième Internationale de Vladimir Tatlin, qui n’a jamais ni d’être construit et qui combinait une esthétique de machine avec des composants dynamiques qui célébraient la technologie, tels que des projecteurs et des écrans de projection.
Le constructivisme russe dans le graphisme
Des formes géométriques pures, linéarité, symétrie, répétition, typographies simples en bâton, dominance du rouge et du noir, photomontage… Grâce à ces éléments, les constructivistes ont créé un style de conception graphique qui s 'éloigne de tout artice et que nous associons encore aujourd'hui à la Russie post-révolutionnaire. L' une de ses fonctions est d'informer une population largement analphabète des politiques du nouveau gouvernement. Pour ce faire, on utilise l' une des principales caractéristiques : la manipulation de la typographie pour donner à chaque partie du texte les caractéristiques (corps, couleur) qui correspondent à son importance dans l' ensemble du message. Ses gures principales étaient Aleksandr Rodchenko, son épouse Varvara Stepanova, El Lissitzky et les frères Stenberg. L' agence de publicité fondée par Rodchenko avec le poète Maïakovski a produit plus de 150 dessins et pièces publicitaires entre 1923 et 1925.
ANNEXES
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https://www.connectionsbyfinsa.com/que-es-el-constructivismo-ruso/
Nous sommes en 1925 en URSS (Union des républiques socialistes soviétiques), le processus révolutionnaire a entraîné une série de changements dans la structure sociale de l'époque, et c ' est (du moins jusqu 'à ce moment-là) un terrain fertile pour l' avant-garde naissante. Peinture, cinéma, musique, architecture... Les artistes soviétiques semblaient déterminés à rompre avec l' art tel qu 'il avait été compris jusqu ' alors et à mere tout leur talent au service de la propagande communiste et de la construction d' une nouvelle société.C' est dans ce contexte qu 'Alexandre Rodchenko a conçu cee aiche et bien d' autres pour le lm du cinéaste soviétique Sergueï Eisenstein, Le Cuirassé Potemkine, qui relate les événements de la tentative ratée de révolution populaire en 1905. L' œuvre est un parfait exemple des propositions révolutionnaires dans le monde du graphisme faites à l'époque par des artistes tels que El Lissitzky, Varvara Stepanova et Rodchenko lui-même. L' utilisation agressive et frappante de la couleur, le recours récurrent aux diagonales et l'incorporation de la typographie comme autre élément de la composition picturale sont des caractéristiques indéniables de cee période, qui présente également une certaine ressemblance avec les œuvres contemporaines produites au Bauhaus. Les dessins de Rodchenko ont ni par avoir une grande influence sur le graphisme et la publicité au cours du XXème siècle. Le lm est aujourd'hui considéré comme un lm culte et l' un des chefs-d' œuvre de l' avant-garde cinématographique soviétique. En eet, le réalisateur Brian De Palma s ' est inspiré du lm pour la célèbre scène du landau dévalant les escaliers, qui apparaît dans son lm Les Intouchables d'Eliot Ness.
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https://historia-arte.com/obras/el-acorazado-potempkin
Affiche constructiviste de Maiakowski
Affiche de propagande de Alexander Rodchenko
Le Cuirassé Potemkin, Alexander Rodchenko, 1925
ANNEXES
Varvara-Stepanova: poster Through Red and White Glasses, 1924
Affiche de propagande soviétique russe, Vladimir Mayakovski y Alexander Rodchenko, 1923
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