Drums Etc [v24-n1] January-February 2012 by Muzik Etc / Drums Etc

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

VOL 24 No 1

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Volume 24, No 1 January-February / janvier-février 2012 Editor in Chief / Rédacteur en chef Ralph Angelillo ralph@muziketc.ca Managing Editor / Coordonnatrice à la rédaction Sofi Gamache sofi@muziketc.ca Editorial Assistant / Assistante à la rédaction Tara Wittet Manko Contributing Writers / Journalistes Jim Angelillo, Ralph Angelillo, Franck Camus, David Cronkite, Aaron Edgar, T.Bruce Wittet Translation / Traduction Jim Angelillo, Geneviève Hébert Layout / Mise en page Karine Wolfe, Janam Publications Inc. Cover Photo / Photo du couvert Claude Dufresne [www.quebecshowbiz.com]

www.drumsetc.ca Distribution [866/450] 677-1364 / distribution@muziketc.ca Advertising / Publicité Ralph Angelillo (Founder/fondateur 1989) [888/450] 928-1726 / ralph@muziketc.ca Publisher / Éditeur Serge Gamache [866] 834-4257 / [450] 651-4257 serge@muziketc.ca

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Muzik Etc / Drums Etc est publié 6 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles de musique, chez les détaillants de musique, etc. Ce numéro : 15 000 copies dans 385 points de distribution [circulation certifiée par Postes Canada].

Does the Buddha Play Drums?

By/Par: Franck Camus

Tips for School Rock Bands Conseils pour les groupes rock débutants By/Par: David Cronkite

Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235 Return Address / Adresse de retour: MUZIK ETC / DRUMS ETC 753 rue Ste-Hélène, Longueuil [QC] J4K 3R5 Canada Fax: [450] 670-8683

Did You Know? Savais-tu que... ?

Le Bouddha sait-il jouer de la batterie?

Printer / Imprimeur Solisco

Muzik Etc / Drums Etc is published 6 times per year and distributed across Canada, in music retail stores, music schools, etc. This issue: 15 000 copies in 385 distribution points [circulation certified by Canada Post].

edito + agenda

By/Par: Ralph Angelillo

How to Tune Your Snare Drum Comment accorder votre caisse claire By/Par: Aaron Edgar

By/Par: T. Bruce Wittet

Made in Canada Fabriqués au Canada Obel Drums By/Par: T Bruce Wittet

dossier

Snares Caisses claires

agenda

edito Dealing with change in our industry Taking a break during the Christmas holidays gives us a chance to think about how we can adapt to the many changes in the past year, but mostly in 2012. The music industry these days, is an ever-changing one, not one week goes by, and we hear news of merges between major musical instrument companies, but, strangely enough, we see more and more new instrument manufacturers appear, which is great in tough economic times .

NAMM SHOW 2012 Anaheim, CA January 19-22 / 19 au 22 janvier 2012 www.namm.org

MIDEM 2012

Another important change in drumkit sales is that, in the last year or so, electronic drums have reached 50% of sales worldwide compared to acoustic drums. Our team is attending the winter NAMM show in Anaheim, California this January, and we expect to see many more important changes in the way our industry works.

Cannes, FR January 28-31 / 28 au 31 janvier 2012 www.midem.com

Same goes for you, the musician, where many have to hustle to get interesting gigs and stay motivated and hopeful to be playing often in the new year. Of course, we are all touched by tough times, but, as artists, we do not give up ! Solutions are there ! History tells us that music has the capability of staying strong in times like this. So, to all of our readers, never quit… you are needed ! Adapting to change is the key.

LA BOURSE RIDEAU 2012

A very happy and prosperous New Year to all of our readers.

S’adapter aux changements de notre industrie

25e edition Québec, QC 12 au 16 février / February 12-16 2012 www.rideau-inc.qc.ca

KoSA Cuba 2012

Prendre une pause pendant les Fêtes nous donne l’occasion de penser à comment nous allons nous adapter aux nombreux changements de la dernière année et surtout, à ceux de 2012. De nos jours, l’industrie de la musique est en constante transformation. Pas une semaine ne s’écoule sans que nous entendions parler de fusion entre des compagnies d’instruments de musique majeures. Aussi étrange que cela puisse paraître, nous voyons également de plus en plus de fabricants d’instruments apparaître, ce qui est rassurant en ces temps économiques incertains. Dans la dernière année, il y a eu un autre événement marquant; les batteries électroniques ont atteint 50 % des ventes à travers le monde, en comparaison aux batteries acoustiques. Notre équipe sera présente au salon NAMM de janvier à Anaheim, en Californie et nous nous attendons à voir encore plus de changements importants dans la façon dont notre industrie fonctionne. Même chose pour vous, musiciens, qui doivent jouer du coude pour obtenir des contrats intéressants, pour rester motivés et pour garder espoir de jouer fréquemment dans la nouvelle année. Bien sûr, nous sommes tous affectés par les temps difficiles, mais, en tant qu’artistes, il ne faut pas abandonner! Il existe des solutions! L’histoire nous dit que la musique a la capacité de traverser des temps semblables. Alors, à tous nos lecteurs, ne baissez pas les bras! Nous avons besoin de vous! La clé est de s’adapter aux changements.

Havana, Cuba March 4-11 / 4 au 11 mars 2012 1-800-541-8401 www.kosamusic.com

MUSIKMESSE 2012 Frankfurt, Germany March 21-24 / 21 au 24 mars 2012 www.messefrankfurt.com

MIAC 2012 Toronto, ON International Centre May 15-16 / 15-16 mai, 2012 1-877-490-6422 www.miac.net

Je vous souhaite à tous une heureuse et prospère nouvelle année. Ralph Angelillo

In Memoriam In the last months, we have lost three drumming legends. Jazz drummer/teacher Freddie Gruber (84), jazz drummer/bandleader Paul Motian (80), and just recently, percussionist Ralph MacDonald (67). In the name of our team, I would like to salute these three great artists who helped write drumming history. They will be missed, but leave us a wealth in ideas and motivation.

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Dans les derniers mois, nous avons perdu trois légendes de la batterie: le batteur jazz et enseignant Freddie Gruber (84), le batteur jazz et figure de proue Paul Motian (80) et tout récemment, le percussionniste Ralph MacDonald (67). Au nom de toute l’équipe, j’aimerais saluer ces trois grands artistes qui ont aidé à écrire l’histoire de la batterie et des percussions. Ils nous manqueront, mais ils nous laissent une grande richesse d’idées et de motivation.

MONTRÉAL DRUM FEST 2012 20th Anniversary / 20e Anniversaire ! Montréal, QC October 20-21 / 20-21 octobre 2012 1-888-928-1726 www.montrealdrumfest.com

Re-Deening The Drummer‘s Drum.

WWW.SONOR.COM

THE DRUMMER‘S DRUM

Sonor Drums are distributed in Canada by Coast Music (a division of Jam Industries Ltd.) 21000 Trans Canada Highway. Baie D’Urfé, Québec, H9X 4B7 • www.sonorcanada.com drums etc.

? «Rome In A Day» du groupe

5 After 4 de Vito Rezza

“Rome In A Day” Vito Rezza’s 5 After 4 Highly-acclaimed Toronto contemporary jazz combo 5 After 4 makes a welcome return to recording with a sixth album, “Rome in a Day”. The album is a masterful and diverse collection of new 5 After 4 material. The group’s founder and driving force, drummer/composer Vito Rezza, contributes six compositions and longtime keyboardist Matt Horner chimes in with four numbers. The freewheeling “Animal Crackers” is credited to all four members. Saxophonist John Johnson and bassist/producer Peter Cardinali join Rezza and Horner in 5 After 4.

Musikmesse 2012 Musikmesse is one of the world’s leading trade fairs for musical instruments, sheet music, music production and music industry connections. This year, Musikmesse 2012 will be held March 21 to 24 in Frankfurt, Germany. More than 75,000 trade visitors from the musical instrument sector – manufacturers and retailers as well as professional and amateur musicians – traveled to Frankfurt for Musikmesse 2011. Musikmesse 2012 is complemented by the Prolight + Sound trade fair, which is held concurrently at the Frankfurt Fair and Exhibition Centre. Admission tickets can be purchased on the Musikmesse web site. 6

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5 After 4, le jazz-band contemporain torontois très salué par la critique, fait un retour apprécié avec un sixième album, « Rome in a Day ». Celui-ci renferme une collection magistrale et variée de nouveau matériel. Le batteur-compositeur, moteur et fondateur du groupe, Vito Rezza, signe six compositions et le claviériste de longue date le suit de près avec quatre numéros. Les crédits pour la peu orthodoxe « Animal Crackers » reviennent aux quatre membres du groupe. Le saxophoniste John Johnson et le bassiste/producteur Peter Cardinali s’unissent à Rezza et Horner dans 5 After4.

Musikmesse est un des plus importants salons du monde en ce qui a trait aux instruments de musique, aux partitions, à la production de musique et aux relations de l’industrie musicale. Cette année, le Musikmesse 2012 se tiendra du 21 au 24 mars à Frankfort, en Allemagne. Plus de 75 000 visiteurs de l’industrie (autant de fabricants et de détaillants d’instruments de musique que de musiciens amateurs et professionnels) se sont rendus à Frankfort pour le Musikmesse en 2011. L’édition 2012 sera complétée par le salon Prolight + Sound, qui se tiendra simultanément au Fair and Exhibition Centre de Francfort. Les billets d’admission peuvent être achetés sur le site Web du Musikmesse.

Stacey Montgomery-Clark [VP Marketing], Andy Zildjian [President], Nort Hargrove [VP Manufacturing], Robert Zildjian, Willi Zildjian, Peter Stairs [VP Sales/ventes]

Sabian Celebrates 30 Years Sabian célèbre ses 30 ans Introduction des séries de cymbales AAX et HHX. Premiers endossements d’artistes de renommée mondiale tels que Larry Londin, Phil Collins, Harvey Mason, aboutissant à des séries de cymbales Signature. Premiers jeux de cymbales « accordées » de niveau professionnel. Voilà seulement quelques-uns des événements marquants des remarquables 30 ans d’histoire de Sabian. Au départ, Sabian n’était qu’une petite entreprise canadienne, mais la compagnie se classe maintenant parmi les plus grands fabricants de cymbales au Known for quality, relevance and innova- monde. tion, Sabian has become home to many of the finest drummers in the world, includ- Reconnue pour sa qualité, sa pertinence ing artists as diverse as Jojo Mayer, Neil et son innovation, Sabian est devenue Peart, Jack DeJohnette, Chad Smith and la maison des plus grands batteurs au monde incluant des artistes tels que Jojo Dave Weckl. Mayer, Neil Peart, Jack DeJohnette, Chad Congratulations to Sabian for celebrating Smith et Dave Weckl. 30 successful years in the industry. Toutes nos félicitations à Sabian pour ses 30 ans de succès dans l’industrie! The introduction of the AAX and HHX series cymbal lines. The early signing of world-class endorsers like Larry Londin, Phil Collins and Harvey Mason, and the Signature series of cymbals that followed. The first “Sonically Matched” professionallevel box sets in the industry. These are just a few of the milestones in Sabian’s remarkable 30-year history. Once a small, upstart company from a tiny Canadian town, Sabian is now one of the world’s largest manufacturers of cymbals.

www.messefrankfurt.com | www.musikmesse.com

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cover story en

couverture

Want a Solid Drum Track? Call

Gordon Wood! Gordon Wood is some kind of rare drummer. I say this in light of 30 years interviewing musicians. He’s special—not just on account of his wicked drumming, his uncanny sense of placement, or his ability to walk into a studio and play anything the producer throws at him.

There’s more. Problem is, it’s like pulling teeth getting Gordon Wood to admit his specialness. When I requested he send me an MP3 of his playing, he emailed a variety of 30-second snippets, some of them radio hits, revealing such tight grooves you’d swear they were Pro Tooled. Curiously he didn’t send any clever fills, odd times—definitely no “Black Page”. Refreshing, I was thinking. Then I came upon an up-tempo Cuban groove. It was scary the way Gordon set up a tricky motif with triplet-based fills that were not for the faint of heart. Gordon’s bread & butter is mainstream Quebec pop. He records and tours with name artists including Hugo Lapointe, France D’Amour and Marie-Chantal Toupin, in addition to many other variety and jazz gigs. He can do mainstream theater, too, a gig that really separates the men from the boys. It’s interesting that Gordon has studied with the incredibly complex Magella Cormier and has been influenced by Neil Peart, particularly in A Show of Hands. I guess the point is that the ability to play intricate drum parts doesn’t necessarily equate with choosing to play them. That’s where mentors Dominique Messier and Paul Brochu enter the picture. Both can effortlessly play all the drummer stuff but don’t feel compelled to prove it each time they take the throne. What they deliver is fluidity, focus, and frightening tone. Gordon knows well that simplicity fosters good drum sounds— and good tracks. I get the feeling he would rather crawl over broken glass than execute some grand fill that blows away the acoustic guitar. In the 12 years since leaving the northern town of Alma, QC for Montreal, Gordon’s achieved first-call status. If it’s a recording session, irrespective of genre, he gets an advance tape and learns it cold. The producer knows Gordon is going to deliver a track that’s solid, no nonsense, and proud... Tbw: Your versatility amazes me. You play Cuban music like a Cuban and you can sightread Broadway shows. How does this happen? 8

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GW: When I decided to be a session drummer, a priority was to be able to be versatile. That way, you increase your chances of being called to assist in various situations. I accompany pop artists in Quebec but people also know that I can play fusion, Latin, jazz, theater, and that I can sight read most of it. There’s no secret to becoming versatile. I had to really do my homework and it starts with listening to music and distinguishing the various styles. You can’t sit and let it happen. For example, I was doing a gig in Atlantic City and when I had a break I took my girlfriend to New York to see Chicago; shows are really good for discovering drumming styles. And even in general there is so much to learn from going out and watching how drummers play. Also, in school you get exposed to all these different genres. I have a Bachelor of Music and learned all these styles; later on life, when I was asked to play, say, Brazilian groove, I’d think back to school and I’d also go to the books. Tommy Igoe’s are really helpful, Groove Essentials, and also Rick Van Horn’s The Working Drummer. Tbw: Do you find you still have to research and practice? GW: Yes, a lot! Since buying a home last year I’ve had the luxury of practicing every morning in the basement if I want! I’m not sure if I have a practice regime but I stay as consistent as I can to the goals I set. And I love learning new songs and getting the grooves, and the fills, right. That’s good when I get a new gig, not just practicing drums but listening a lot to the music I’m going to be performing. It shouldn’t be work. You can listen at home cleaning the house, in your car or on the bus, and that’s what I do. Tbw: Steve Gadd was the benchmark, the model of the session drummer recording every day. Is there really a “session drummer” these days? GW: I think there’s still a place for the session drummer but the work is far less abundant than in the days of Steve Gadd—three sessions a day. Again, improving one’s chops and capabilities is important. I get lots of last-minute calls because

Pour un rythme solide, appelez

Gordon Wood! Gordon Wood est un batteur rare. Je dis cela compte tenu du fait que ça fait 30 ans que je fais des entrevues avec des musiciens. Et ce n’est pas seulement parce qu’il joue extrêmement bien, qu’il a un sens du placement troublant ou qu’il a la capacité d’entrer dans un studio et de jouer tout ce que le réalisateur lui demandera.

Il y a plus. Mais le problème est qu’il est difficile de faire en sorte que Gordon Wood admette qu’il est spécial. Lorsque je lui ai demandé de m’envoyer un MP3 de son jeu, il m’a envoyé une variété d’extraits de 30 secondes, dont quelques succès radio, révélant des grooves tellement bien exécutés qu’on jurerait qu’il y a un travail informatique. Curieusement, il ne m’a pas envoyé de passes complexes ni de temps composés… pas de « Black Page ». J’ai trouvé cela particulièrement rafraichissant. Il y avait aussi un groove cubain très vivant. La façon dont Gordon jouait un motif mêlant avec des passes de remplissage basées sur des triolets était stupéfiante. C’est la musique pop québécoise qui met le pain sur sa table. Gordon enregistre et joue avec de grosses pointures comme Hugo Lapointe, France D’Amour et Marie-Chantal Toupin, en plus de nombreux contrats de variété et de jazz. Il fait aussi du théâtre, ce qui distingue vraiment les hommes des garçons! Il est intéressant de savoir que Gordon a étudié avec l’extrêmement complexe Magella Cormier et qu’il a été influencé par Neil Peart, particulièrement dans A Show of Hands. Je crois que l’idée est que la capacité de jouer toutes sortes de passes complexes n’entraîne pas nécessairement l’obligation de les jouer. C’est ici que ses mentors, Dominique Messier et Paul Brochu, entrent en scène. Ces deux batteurs peuvent jouer tout ce qui leur tente, sans effort, mais ne ressentent pas le besoin de le prouver chaque fois qu’ils s’assoient derrière une batterie. Pour eux, c’est une question de fluidité, de concentration et de tonalité. Gordon sait très bien que la simplicité favorise de bonnes sonorités de tambour et de bonnes pièces musicales. J’ai l’impression qu’il aimerait mieux ramper sur du verre cassé que de jouer une passe impressionnante qui enterre la guitare acoustique. Il s’est écoulé 12 ans depuis son départ d’Alma pour Montréal, bien assez pour qu’il devienne un des batteurs les plus convoités. Si c’est pour une session d’enregistrement, il reçoit les pièces et les apprend par cœur. Les réalisateurs savent que Gordon va jouer solidement, avec plein de bon sens et de fierté…

Tbw : Ta polyvalence m’impressionne. Tu joues la musique cubaine comme un Cubain et tu déchiffres en direct la musique de spectacles de Broadway. Comment fais-tu? GW : Quand j’ai décidé de devenir un batteur de session, l’une des priorités était d’être polyvalent. De cette façon, tu augmentes tes chances d’être appelé pour participer à toutes sortes de choses. J’accompagne des artistes pop au Québec, mais les gens savent que je peux jouer de la musique fusion, latine, jazz et de théâtre, et que je joue à vue presque toute cette musique. La polyvalence n’a pas de mystère. J’ai dû vraiment faire mes devoirs. Ça commence en écoutant de la musique et en distinguant les différents styles. Tu ne peux pas simplement t’assoir en attendant que ça arrive. Par exemple, je jouais à Atlantic City et quand j’ai eu une pause, je suis allé voir Chicago à New York avec ma copine; les spectacles sont très bons pour découvrir des styles de jeu. En général, il y a tellement de choses à apprendre en sortant pour voir comment jouent d’autres batteurs. À l’école, on est exposé à toutes sortes de genres musicaux. J’ai un baccalauréat en musique et j’ai appris tous ces genres. Plus tard, quand on m’a demandé de jouer, disons, un rythme brésilien, j’ai pensé à ce que j’avais appris. Je consulte aussi des livres. Ceux de Tommy Igoe sont particulièrement utiles, comme Groove Essentials, et The Working Drummer de Rick Van Horn. Tbw : Est-ce que tu fais toujours de la recherche? Pratiques-tu encore? GW : Oui, beaucoup! Depuis que j’ai ma maison, achetée l’année dernière, j’ai le luxe de pouvoir pratiquer tous les matins dans mon sous-sol! Je ne pense pas avoir de vrai régime de pratique, mais j’essaie d’être le plus constant possible relativement aux objectifs que je me donne. Et j’aime apprendre de nouvelles pièces et de réussir à jouer les rythmes et les passes correctement. C’est bien lorsque j’ai un nouveau contrat. Il ne s’agit pas uniquement de pratiquer, mais aussi d’écouter beaucoup la musique que je vais jouer. Ça ne devrait pas être du travail. L’écoute peut se faire pendant que tu fais le ménage, dans l’auto ou l’autobus. C’est ce que je fais. drums etc.

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they know I can play various tours and that I can read well. I was born in 1974 so I don’t really know about the years when there were tons of sessions, including radio and TV opportunities. But older people have told me about those years. Today, dommage! because people can do a whole album at home. They can program drum parts and use sophisticated equipment...so I don’t get the call!

The mag

Certain drummers set a standard for me, like Vinnie Colaiuta, Steve Gadd, and Dave Weckl. It’s a different scene in Quebec and some people don’t realize there are fantastic drummers like Dominique Messier, who plays with Celine Dion.

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Tbw: Dominique is definitely a really smooth groove player. And, hey, I love those yellow drums.

Le mag azine pour iciens les mus ens. canadi

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GW: Right! His playing is really fluid and his “pop fills” are really inspiring. Then obviously there’s Paul Brochu, who has the sound and also the feel. I mentioned Neil Peart, not because I play anything like him but because I respect his discipline, creativity, and perseverance. I have to mention my first encounter with a guy who would become a friend: Steve Gagné, who didn’t teach me to play drums but instead to play for the song. I really would appreciate this opportunity to thank him.

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PM 29/12/11 4:00

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Name • Nom:

Ad(d)ress(e):

If somebody asks me to try something I wouldn’t ordinarily do, I’m the first to say, “yes, I’ll try that!” Tbw: You and I have “talked drums” on the phone and you’ve mentioned a lot of drummers. Let’s put the shoe on the other foot: Why do people call you? GW: Well, humbly, I think I’m a good drummer and, honestly, I think I have a lot to learn. Humility and willingness to learn is an important quality. I can do a good job just playing 2 and 4 but I can also do nuances, too. If somebody asks me to try something I wouldn’t ordinarily do, I’m the first to say, “yes, I’ll try that!” That enters the realm of personality. I honestly like to meet the demands of other musicians and producers. I mean, I do what I like to do, as well, and people feel that. I think that in the course of drumming, I make life easier for other musicians while injecting my personality. I’ll do that here in Montreal and elsewhere, whereas some people don’t want to travel. I’m happy to go on the road. At the same time, I’m happy to do a wedding reception as much as doing the half-time show at the Grey Cup in front of 35,000 people. Tbw: You’re loyal to Pearl. Can you explain why and detail your other gear?

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Tel.:

Send your check or money order to: Faites parvenir votre chèque ou mandatposte au nom de: Musicien Québécois, 753, rue SteHélène,Longueuil (Québec) J4K 3R5

GW: Well Pearl was my first kit back in Alma. My father and I drove 6 hours to get to a Steve’s Music to buy them. I’ve been excited about the drums ever since. They’re versatile and the bass drums are like no other: really punchy and full of bottom-end. Each of the snare drums is special. Although I prefer 14x6.5 drums even my Pearl Free Floating Piccolo is amazing; it has loads of bottom end. I’ve used a birch Masters Studio drumset for several years: they’re ideal for studio and live. Engineers are always telling me they love my sound and don’t have to EQ the drums. All gear is important. For that reason I use Los Cabos, mostly their 5B model, which is between other companies’ 5A and 5B. And I can rely on Sennheiser headphones and mics. Cymbals are really important and I’ve tried a lot of brands. I always come back to Sabian; they seem to reflect my touch. Tbw: Parting words, goals, advice to aspiring drummers? GW: I’d like to branch out into the rest of Canada, play with someone like Kathleen Edwards. To other drummers, I’d advise them to be patient and be prepared to take a day job if you move to the big city. You know, when I arrived in Montreal, I was working at a grocery store checkout. One day I wrapped Dominique Messier’s groceries. When I told him I was a drummer he invited me to his home to talk and play. How good is that?

Tbw : Steve Gadd était la référence, le modèle du batteur de studio qui travaillait tous les jours. Est-ce que ça existe aujourd’hui, un « batteur de studio »? GW : Je crois qu’il y a toujours une place pour le batteur de studio, mais il y a beaucoup moins de travail qu’à l’époque de Steve Gadd avec ses trois sessions par jour. Je le répète, il est important d’améliorer son jeu et ses capacités. Je reçois beaucoup d’appels de dernière minute parce qu’ils savent que je peux jouer toutes sortes de choses et que je lis bien. Je suis né en 1974, donc je n’ai jamais vraiment connu les années où il y avait des tonnes de contrats de studio, en plus des contrats pour la radio et la télévision. Mais des musiciens plus âgés m’ont parlé de ces années. Aujourd’hui, c’est bien dommage, mais on peut enregistrer un disque complet à la maison. Ils programment la batterie et utilisent de l’équipement sophistiqué; donc on ne m’appelle pas! D’après moi, certains batteurs ont imposé un standard, comme Vinnie Colaiuta, Steve Gadd et Dave Weckl. La scène est différente au Québec et certaines personnes ne réalisent pas qu’il y a d’excellents batteurs comme Dominique Messier, qui joue avec Celine Dion. Tbw : Dominique est assurément un batteur de groove très fluide. Et, par ailleurs, j’adore sa batterie jaune! GW : Oui! Son jeu est très fluide et ses passes de remplissage sont très inspirantes. Et évidemment, il y a aussi Paul Brochu, qui a à la fois le sens du son et du rythme. J’ai mentionné Neil Peart pas parce que je joue comme lui, mais parce que je respecte sa discipline, sa créativité et sa persévérance. Il faut que je mentionne ma première rencontre avec un type qui est devenu un ami, Steve Gagné, qui ne m’a pas appris comment jouer la batterie, mais plutôt de jouer pour la chanson. J’en profite pour le remercier. Tbw : Nous avons parlé « batterie » au téléphone et tu as parlé de beaucoup de batteurs. Regardons l’autre face de la médaille. Pourquoi appelle-t-on Gordon Wood? GW : Eh bien, en toute humilité, je crois que je suis un bon batteur et, honnêtement, je crois que j’ai encore beaucoup à apprendre. L’humilité et la volonté d’apprendre sont des qualités importantes. Je peux faire du beau travail en ne jouant que 2 et 4, mais je peux aussi y mettre des nuances. Si quelqu’un me demande d’essayer quelque chose que je n’ai pas l’habitude de jouer, je n’hésite pas à accepter. C’est une partie de ma personnalité. Honnêtement, j’aime répondre aux exigences des autres musiciens et des réalisateurs. Je veux dire que j’aime ce que je fais et les gens le ressentent. Je crois qu’en jouant, je rends la vie des autres musiciens plus facile tout en y injectant ma personnalité. Je le fais ici, à Montréal, et ailleurs, alors que d’autres personnes ne veulent pas bouger. Ça me plaît de partir en tournée. En même temps, ça me plaît autant de jouer lors d’une réception de mariage qu’à un spectacle de mi-temps lors de la Coupe Grey devant 35 000 personnes. Tbw : Tu es loyal à Pearl. Peux-tu nous expliquer pourquoi et nous parler un peu de ton équipement? GW : Ma première batterie à Alma était une Pearl. Mon père et moi avions roulé pendant six heures pour l’acheter chez Steve’s Music. Les batteries Pearl me plaisaient à l’époque et me plaisent encore. Ce sont des instruments polyvalents et les grosses caisses sont hors pair: beaucoup de punch et beaucoup de fréquences graves. Chacune de leurs caisses claires est spéciale. Bien que je préfère une caisse claire de 14 x 6,5 pouces, j’aime tout autant ma caisse claire piccolo Pearl Free Floating; elle produit beaucoup de graves. Depuis plusieurs années, j’utilise une batterie de bou-

leau Masters Studio. Elle est parfaite pour le studio et la scène. Les techniciens de son me disent toujours qu’ils aiment mon son et qu’ils n’ont pas besoin d’utiliser de correcteur. Tout l’équipement est important. C’est pour ça que j’utilise les baguettes Los Cabos, surtout leur modèle 5B, qui se situe entre le 5A et le 5B des autres fabricants. Et je me fie sur les casques d’écoute et les micros Sennheiser. Quant aux cymbales, qui sont vraiment importantes, j’ai essayé beaucoup de marques. Mais je reviens toujours à Sabian; elles semblent refléter mon style. Tbw : Avant de terminer, as-tu des objectifs pour l’avenir? Des conseils pour les batteurs en début de carrière? GW : J’aimerais travailler ailleurs au Canada, jouer avec des artistes comme Kathleen Edwards. Et aux autres batteurs, je leur conseille d’être patients et d’être prêts à se trouver un emploi secondaire s’ils déménagent en ville. Tu sais, quand je suis arrivé à Montréal, je travaillais dans une épicerie. Un jour, j’ai rempli les sacs de Dominique Messier. Lorsque je lui ai dit que j’étais un batteur, il m’a invité chez lui pour discuter et pour jouer. Pas mal, non? www.myspace.com/gordonwoodjr

By/Par: T Bruce Wittet Traduction: Jim Angelillo Photos: Claude Dufresne Thanks/Merci: Michel Demers @ Les Productions Madrigal Inc drums etc.

Do you know why the Buddha is always shown with a large belly? It has nothing to do with wisdom. Rather, it comes from meditation, and more precisely from the fact that breathing is fundamental in meditation. We are not talking about breathing like stressed out human beings attracted by a world of performance and profit, but breathing like a god who understands the need for calming, meditative, ample, total and deep breathing. The Buddha breathes deeply by using his belly, not only his chest. That is why he is always represented with a fat belly. While playing an instrument while sitting and you have to expend a good amount of physical effort, have you ever wondered about the importance of breathing? The other day, I was watching a drummer’s DVD and I was surprised to see that his body had a natural tendency to lean forward when playing very fast stuff on the bass drums. In doing so, he closed up the angle between his trunk and legs, which on top of not being very good, it made his whole body close up on itself, like a mollusc in its shell. His head leaning forward, neck stretched out, he seemed to strain his body excessively. Folded over as he was, I wondered how he could breathe freely. After several discussions with him, he admitted that he had played like that for a long time, and that it never gave him any problems. And then I asked him how he manages to breathe decently. He looked at me, eyes glazed over, and told me he plays out of instinct, but that he had never really thought about it. Singing teachers have much to say on the subject and are much more aware of breathing than drummers since they must consider it in order to produce a powerful, clear, and articulate voice. Why? Singing does not simply involve the vocal cords. They work in conjunction with an air column propelled by the diaphragm. The diaphragm is the breathing muscle that separates the chest from the abdomen. It is found behind the ribs and under the lungs. When you are seated and leaning forward, there is no space to move freely, which restrains breathing. If you cannot breathe deeply, oxygen (which attaches to the red blood cells) has more trouble reaching the muscles that really need it when they are working. Without enough oxygen, a lactic acid influx causes burning sensations and even cramps, particularly in the forearms. The best way to delay the appearance of these symptoms is to breathe correctly. Before sitting down behind your drum set, take 3 or 4 deep breaths, making sure you use your abdomen; 12

drums etc.

if necessary, lay your hand on your abdominals to feel how your belly and chest move. Feel the air flowing through your body. This also works miracles to reduce stress before walking on stage. Breathing touches upon two important aspects: a physiological aspect with the supply of oxygen to the muscles, and a psychological aspect as it relaxes and reduces stress. There are many playing situations where we become nervous and where taking a deep breath makes us relax, but if your posture is less than optimal for breathing, it will not work. Make videos of yourself from different angles or play with a mirror at your side to see your posture; a teacher can be of great assistance in achieving a good posture, besides helping with technique. Try the following exercise. Look at a point in front of you, slightly above the horizon. Look at this point of reference for the longest time possible while you are playing. Try looking at it without affecting your playing. It won’t be easy at first, but after a while it will become natural. When you start being comfortable looking far ahead of you, take 3 or 4 breaths with your trunk and head propped up and aligned with your shoulders and waist. It will be much easier. Of course, don’t try this exercise at a gig – at least in the beginning. Practice calmly and comfortably in your practice space; during a concert, you have other things to think about. With time it will become a reflex, just like the Buddha in his meditative position. Although he breathes really well, he’ll have to unfold his legs to play drums!

Le Bouddha

sait-il jouer de la batterie?

Savez-vous pourquoi le Bouddha est toujours représenté avec un gros ventre? Ce n’est pas parce qu’il représente la sagesse, mais plutôt parce qu’il est méditatif et qu’à la base de la méditation on retrouve la respiration. Nous ne parlons pas de la respiration de l’homme stressé et attiré vers un monde de performance et de profit, mais celle d’un dieu qui a compris l’urgence d’une respiration calmante, méditative, ample, complète et profonde. Le Bouddha respire de façon profonde par le ventre comme il se doit, pas uniquement avec la cage thoracique. C’est pour ça qu’il est toujours représenté avec un gros ventre. Lorsque l’on joue d’un instrument et que l’on doit déployer un certain effort physique étant assis, vous êtes-vous déjà questionné sur l’importance de votre respiration? L’autre jour, en visionnant un DVD d’un batteur, je fus surpris, lors de passages très rapides sur les grosses caisses, de voir que le corps avait une tendance naturelle à se pencher vers l’avant. De ce fait, il refermait l’angle du tronc avec les jambes, ce qui en soi n’est déjà pas très bon, mais en plus il se refermait sur lui-même, comme un mollusque dans sa coquille. Avec la tête penchée vers l’avant et le cou étiré, il semblait forcer pour rien. Plié en deux sur lui-même comme il l’était, je me demandais comment il pouvait respirer librement. Après plusieurs discussions avec ce batteur, il m’a admis qu’il jouait comme ça depuis longtemps et que cela ne lui posait pas de problèmes. C’est alors que je lui ai demandé : « mais comment réussis-tu à respirer convenablement? » Il m’a regardé, les yeux dans le vide, et m’a dit qu’il jouait d’instinct, mais n’avait pas vraiment réfléchi à la question.

À ce sujet, les professeurs de chant ont une longueur d’avance sur les batteurs, car ils doivent en tenir compte pour avoir une voix puissante, claire et articulée. Pourquoi? Parce que le chant n’est pas juste une question de cordes vocales, mais aussi une question de colonne d’air poussée par le diaphragme. Le diaphragme est le muscle respiratoire qui tapisse l’intérieur des côtes et qui se situe sous les poumons. Il sépare le thorax de l’abdomen. Quand on est assis et replié sur nous-mêmes, il n’a pas l’espace pour bouger librement, ce qui limite beaucoup la respiration. Si celle-ci n’est pas ample, cela diminue l’acheminement de l’oxygène (qui se fixe sur les globules rouges dans le sang) aux muscles qui en ont vraiment besoin lorsqu’ils travaillent. Sans suffisamment d’oxygène, il y a sensation de brulure et apparition de crampes ou de courbatures dues à l’influx d’acide lactique, particulièrement au niveau des avant-bras. La meilleure façon de retarder l’apparition de ces symptômes commence par une bonne respiration. Avant de vous assoir pour pratiquer vos pièces préférées, prenez 3 ou 4 grandes inspirations tout en prenant soin de le faire par le ventre, au besoin mettez votre main sur vos abdominaux pour en prendre conscience et ressentez le mouvement de votre ventre et de votre cage thoracique. Ressentez l’air qui passe partout dans votre corps. C’est l’une des meilleures techniques que je connaisse pour contrer le stress avant de monter sur scène.

La respiration touche deux points importants: la physiologie avec l’apport d’oxygène aux muscles et la psychologie avec la prise de recul et la diminution du stress. Il y a beaucoup de situations de jeu où l’on devient nerveux et où prendre une bonne respiration permet de relaxer, mais si vous adoptez une posture contraignante qui ne vous permet pas de respirer librement, à quoi bon faire tout ça? N’hésitez pas à vous filmer sous différents angles ou à jouer devant un miroir de côté pour voir votre posture; un professeur sera évidemment d’une grande aide pour permettre d’affiner votre position, en plus de votre technique. Fixez un point devant vous légèrement au-dessus de votre ligne d’horizon ce sera votre point de référence que vous devez garder le plus longtemps possible tout en jouant. Essayer de le regarder sans que votre jeu subisse de conséquences; au début, ce n’est vraiment pas facile, mais au bout d’un certain temps vous y arriverez sans même y penser. Lorsque vous commencez à être à l’aise avec le regard porté loin devant vous prenez encore 3 ou 4 inspirations en ayant la tête et le tronc bien droit et bien aligné avec les épaules et le bassin. Ce sera beaucoup plus facile. Évidemment, cet exercice n’est pas à faire en spectacle, du moins au début. Exercez-vous dans le calme et le confort de votre local de répétition, car en concert, vous aurez bien d’autres choses à penser, particulièrement au début… cela deviendra un automatisme, tout comme le Bouddha dans sa position de méditation, car s’il respire confortablement, il faudrait qu’il déplie les jambes pour jouer de la batterie! By/Par: Franck Camus Translation: Jim Angelillo

drums etc.

Tips for School Rock Bands If you want to be the kind of drummer who can make a band sound amazing, this article is for you. I will show you what I have learned playing in various bands and as a teacher watching public school students slog their way through songs.

First off, the drummer has to know the song structure because they are the ones who guide the song in subtle, and not so subtle, ways. To do that well, the drummer must know where the song is going and how to get there. You don’t need to know chord structures; however, you do need to know the number of verses and choruses and how long they will last. There are subtle signals musicians transmit to each other during performance. For example, gradually loosening the hi-hats can mean a section change is coming, a fill is on its way, or the end of the song has arrived. It can also mean the intensity of a song is building and the soloist and/or band should turn up the heat. There is an old saying in real estate that also applies to fills: location, location, location. Don’t play when the other musicians are figuring out chords or parts. It’s tempting to blow some steam on your kit when the other guys are busy, but try to resist the urge. Play on your lap or a practice pad. Your drums are loud so your band mates appreciate when they can hear each other. Rehearsals go faster and are far more productive when other musicians keep “noodling” to a quiet minimum.

Make your fills fit. Imagine that your 2 and 4 are a comfy pair of pants and that your shirts are the fills. Think about it, not all shirts are going to look good with those pants. This means that just because you can play a fill, it doesn’t mean you should. Listen to classic drummers like Steve Gadd, Hal Blaine, Pete Thomas, Jim Keltner, and Ringo Starr. Pay attention to how well their fills fit the song. The words “serve the song” are worth writing in large letters above your drum set. And how do you make your fills fit the song? I don’t have a pat answer, but I do have some tips. Try the song without fills first. This will give you a clear picture of the song structure, the lyrics and the groove. I suggest this because it’s easy to throw in fills without thinking, which often results in a poor impression of the song. So, no fills at first. Next, gradually drop in a fill just before the verse repeats or becomes a chorus. Drop in a fill at the end of a chorus, too. And keep your fills within the style. Blazing 32nd notes around the toms during a light-hearted pop tune can really spoil the mood.

Listen to classic drummers like Steve Gadd, Hal Blaine, Pete Thomas, Jim Keltner, and Ringo Starr. And finally, make your kit sound good. It should be in tune and in good repair. Listen to the balance within your kit. Is your right hand dominating and playing the cymbals too loud? Perhaps a lighter touch on the hi-hats or ride might change the song for the better. Frequently, I see young drummers burying the shoulder of their stick in the edge of the hi-hat, creating a thick sound. That won’t work for every song. Start with the tip of the stick on the hi-hat and play an accent on beats 2 and 4, allowing the stick’s shoulder to strike the edges of the hi-hat cymbals. Tasty. Experiment with different accents on the hi-hat. You’ll be amazed at how much this can change a beat. Play around with hi-hat foot pressure and listen to the result. Give the kick a good kick. Keep that snare tight and high in the mix. Are you striking the rim of your snare and the center at the same time, creating a crack sound? Work with a metronome at home to improve your time sense. Trust me, you can play the simplest beat in the world and if it has groove, you will turn heads. Time and tuning – learn both.

By/Par: David Cronkite Traduction: Geneviève Hébert

Conseils pour les groupes rock débutants Si vous voulez être le type de batteur dont le groupe ne pourrait se passer, cet article est pour vous. Je vous présente ici ce que j’ai appris en jouant avec différentes formations et en enseignant dans les écoles publiques à des élèves qui avaient de la difficulté à aller au bout de leur entreprise. Pour débuter, tout batteur doit connaître la structure de la chanson puisqu’il doit guider les autres de façon plus ou moins subtile. Pour se faire, il doit savoir quelle direction prend la chanson et comment elle se développe. Pas besoin de connaître les structures des cordes; il s’agit plutôt de connaître le nombre de couplets, de refrains, ainsi que leur durée. Lors de performances, les musiciens utilisent souvent, entre eux, des signes subtils. Par exemple, relâcher graduellement la Charleston peut signifier qu’une improvisation ou qu’un changement de couplet est éminent, ou encore, que la chanson tire à sa fin. Cela peut aussi annoncer que l’intensité d’une chanson augmente et que le soliste ou le groupe devrait accentuer le rythme. Dans les improvisations, il n’y a rien d’aussi important que le timing. Il est également important de ne pas jouer lorsque les autres musiciens essaient de se souvenir de leurs cordes ou de leurs partitions. Il est tentant de se défouler lorsque les autres sont occupés, mais il faut apprendre à s’abstenir. À la place, vous pouvez jouer sur votre cuisse ou sur un pad de pratique. Votre instrument est bruyant et vos partenaires vous seront reconnaissants s’ils s’entendent jouer. Les répétitions iront ainsi plus vite et seront plus productives si chaque musicien s’en tient à un minimum de bruit.

Ensuite, essayez d’improviser juste avant que le couplet ne se répète ou qu’il devienne un refrain. Vous pouvez également improviser à la fin du refrain, mais assurezvous de rester dans le même style que la chanson. Envoyer des triples croches sur les toms sur une chanson pop légère risque de vraiment gâcher l’ambiance. Finalement, assurez-vous que votre batterie est à son mieux. Elle devrait être accordée et en bon état. Puis, recherchez l’équilibre. Frappez-vous les cymbales trop fort de la main droite? Une touche plus légère sur la Charleston ou la ride ferait-elle toute la différence? Je vois souvent les jeunes batteurs frapper le rebord de la Charleston avec le corps de leurs baguettes, créant ainsi un son dense. Mais cette technique ne fonctionne pas pour toutes les chansons. Commencez par frapper la Charleston avec l’extrémité de la baguette, puis accentuez les 2e et 4e temps avec le corps de la baguette. Voilà qui a du goût. N’oubliez pas d’expérimenter différents accents sur la Charleston. Vous serez surpris de voir à quel point ça change le rythme. Essayez différentes pressions sur la pédale de votre Charleston et constatez les résultats. Frappez la grosse caisse avec vigueur. Gardez un rythme serré à la caisse claire et assurez-vous qu’il ressorte bien au mixage. Observez-vous. Frappez-vous à la fois le rebord et le centre de votre caisse claire, créant ainsi un son de craquement? Pour améliorer votre sens du temps, pratiquez avec un métronome à la maison. Croyez-moi, vous pouvez jouer le rythme le plus simple du monde et s’il a du groove, vous ferez tourner des têtes. Et n’oubliez pas d’apprendre à garder le temps et à accorder votre batterie!

Arrangez-vous pour que vos improvisations s’agencent bien avec le reste. Imaginez que votre 2e et 4e temps est un pantalon confortable et que vos impros sont les chemises. Ce n’est pas n’importe quelle chemise qui ira avec votre pantalon! Et ce n’est pas parce que vous pouvez improviser que vous devez le faire. Écoutez les batteurs classiques comme Steve Gadd, Hal Blaine, Pete Thomas, Jim Keltner et Ringo Starr. Portez attention à la façon dont leurs improvisations s’agencent avec les chansons. S’il le faut, inscrivez en grosses lettres au-dessus de votre batterie « but: servir la chanson ». Comment peut-on agencer ses improvisations avec la chanson? Voici quelques conseils. Pour commencer, écoutez la chanson sans rien improviser. Vous aurez ainsi une image claire de sa structure, de ses paroles et de son groove. Il est facile d’improviser sans réfléchir ou sans se laisser imprégner par la chanson. Donc, pour commencer, écoutez. drums etc.

Each time you stop and check the pitch, make sure all the rods are pitched evenly. If one or more are out, very gently turn them up (or down) to the same pitch. Most of the time, a millimeter or two is all that’s necessary when you’re tuning this way.

How to

Tune Your Snare Drum

Everyone has a different idea of the perfect snare drum sound. Not only that, there are literally thousands of different snare drums, not including drum heads, wires and muffling. Where do you start? This article will teach you some basic tuning techniques that will get you on the right path to finding your sound. Let’s start from scratch. Sit your drum on a stool (or anything that will mute the snare side head) and loosen your batter head’s tension rods until they no longer make contact with the hoop. Then turn them gently until they’re barely touching again – not adding any tension to the head, just touching it. To me, the fastest and most accurate method to tune is with two drum keys. The benefit is that you can tune the opposite lugs simultaneously. Refer to the numbered picture and tension them up in order. Tensioning in a star pattern ensures that the head sits evenly. First, turn them in unison a half turn each until you’ve made it all the way around. Then, do it again with a quarter turn. Touch the very center of the head with your finger then tap an inch or so away from each lug with a mallet to hear its pitch. You can use a stick or your finger but a mallet softens the attack and brings out the tone.

drums etc.

Repeat the same method to achieve your desired pitch. If you make a mistake, don’t worry! Detune the drum completely and start fresh. A little extra practice never hurt anyone. The snare side head needs to be approached a little differently. The bottom edge of your snare drum is different from the top. It has a flattened section called the “snare bed” that helps your wires seat nicely. This doesn’t allow for an identical tuning across all the lugs. The bottom of the drum is where you get a crack or sizzle from the snare. Start by flipping the drum over so your batter head is on the stool. Begin tensioning it the same as the top to a medium-tight or tight tuning. You will need the four tension rods surrounding the wires to be a little tighter since the edge is lower at that point. You can really change how your wires sound with the tension of the bottom head. A tighter bottom head allows for a snappier snare sound. Experiment until you find the right combination of head tension and wire tension you’re looking for. Now you’ve learned how to get the top head pitched and how to get a good sizzle or satisfying crispness out of the bottom. But we’re not quite done. Enter snare drum ringing. Some ring is good, but too much is ugly to many players. My favorite option for muffling is MoonGel. Depending on what sound you’re going for, on a snare drum a full piece can be overkill. I like to cut my MoonGel into quarter and half pieces for snare drums. The placement that works for me involves taking two 1/4” pieces and placing them 3/4” to 1” from the edge, as if it was a full piece missing the middle 50%. The coolest thing about MoonGel is that moving it in any direction on the head affects different overtones. One inch here or there can make a massive difference in the sound. Even using different sized or cut pieces makes a difference. For example, there are two 1/4” pieces pictured. If you were to use a single half piece it would sound totally different.

To see and hear these techniques, as well as a number of bonus tips and tricks, including how microphone placement affects MoonGel, watch the free video at: www.aaronedgardrum.com/tuning

Répétez le même processus pour atteindre la hauteur tonale désirée. Si vous faites une erreur, ne vous inquiétez pas! Dévissez le tout et recommencez à zéro. Il n’est jamais mauvais de pratiquer un peu! La peau du côté des cordes de timbre nécessite une approche légèrement différente. La bordure inférieure du fût est différente du haut. Elle comporte une section plate qui aide les cordes à bien se placer. À cause de ceci, on ne peut pas accorder la peau de façon égale sur toute sa circonférence. C’est la portion inférieure de la caisse claire qui produit le claquement et le grésillement. Commencez en déposant la caisse claire côté peau de frappe sur le tabouret. Commencez par serrer les vis jusqu’à l’atteinte d’une tension plus ou moins élevée, comme avec la peau de frappe. Vous devrez serrer davantage les deux vis qui côtoient les cordes de timbre de chaque côté de l’anneau, car la bordure y est plus basse. Vous pouvez vraiment changer la sonorité des cordes de timbre en changeant la tension de la peau inférieure. Une peau plus serrée produira un son de caisse claire plus nerveux. Expérimentez jusqu’à ce que vous trouviez la combinaison de tension de peau et de tension de cordes de timbre que vous recherchez.

Comment accorder votre caisse claire Chacun a sa propre conception du son de caisse claire parfait. Et si l’on ajoute à cela le fait qu’il y a des milliers de modèles de caisse claire différents, sans compter les peaux, les cordes de timbre et les dispositifs d’assourdissement, il est difficile de savoir par où commencer lorsqu’on veut en accorder une. Cet article vous apprendra les techniques de base qui vous mettront sur la bonne voie dans votre quête du son idéal. Partons de zéro. Posez votre caisse claire sur un tabouret (ou toute surface qui assourdira les cordes de timbre) et desserrez les vis autour de la peau de frappe jusqu’à ce qu’elles ne soient plus en contact avec l’anneau. Ensuite, vissez-les jusqu’à ce qu’elles effleurent à peine l’anneau, sans tension. Selon moi, la méthode la plus rapide et la plus précise pour accorder un tambour est avec deux clés. L’avantage est qu’on peut visser deux vis opposées simultanément. Fiez-vous à l’illustration numérotée et vissez-les en succession. Le fait de les visser en suivant un motif d’étoile permet à la peau de se tendre sur le fût de façon uniforme. Premièrement, vissez chaque paire un demi-tour. Ensuite, vissez-les toutes de nouveau un quart de tour. Touchez le centre de la peau avec un doigt et puis tapez environ 3 centimètres devant chaque vis avec une mailloche pour entendre la hauteur tonale. Vous pouvez utiliser une baguette ou un doigt, mais une mailloche adoucit l’attaque et fait ressortir la tonalité. Chaque fois que vous vous arrêtez pour vérifier la hauteur tonale, assurez-vous que chaque vis produise une tonalité égale. S’il y en a certaines qui ne le sont pas, vissez ou dévissez pour obtenir la même tonalité. La plupart du temps, un ou deux millimètres dans une direction ou l’autre suffisent.

Vous venez d’apprendre comment accorder la peau de frappe et comment obtenir un beau grésillement ou un claquement satisfaisant de la peau inférieure. Mais il y a plus! Je parle des harmoniques. À petites doses, c’est bien, mais s’il y en a trop, ça peut être assez laid. Comme solution, je préfère les pads d’assourdissement MoonGel. Tout dépendant de ce que vous recherchez, un pad entier peut vraiment être trop. J’aime couper mes pads Moongel en quartiers et en demies pour la caisse claire. Selon moi, le placement idéal est de coller deux quarts de pad à deux ou trois centimètres du bord avec la distance d’un pad complet entre eux. La chose la plus géniale à propos des pads MoonGel est qu’ils influent sur différentes harmoniques en fonction de leur emplacement. Déplacer un pad de quelques centimètres dans une direction ou une autre fait une énorme différence dans le son. Utiliser d’autres grosseurs de pads ou les couper fait aussi beaucoup de différence. Par exemple, sur l’image, on y voit deux morceaux correspondant à un quart de pad chacun. Si vous n’utilisiez qu’un morceau équivalant à un demi-pad, le son serait totalement différent. Pour voir et entendre ces techniques, outre plusieurs conseils et astuces en prime, y compris comment le placement de microphone change l’effet des pads MoonGel, écoutez les vidéos gratuites à www.aaronedgardrum.com/tuning.

Pour voir et entendre ces techniques, outre plusieurs conseils et astuces en prime, y compris comment le placement de microphone change l’effet des pads MoonGel, écoutez les vidéos gratuites à www.aaronedgardrum.com/tuning.

By/Par: Aaron Edgar Traduction: Jim Angelillo

drums etc.

dossier

snares caisses claires

Gretsch Mark Schulman Signature snare drum

Gretsch Legend Brass Snare Drums

Well-rounded musician and educator Mark Schulman has teamed up with endorser Gretsch to launch two new snare drums for 2011. Available in 6x12 (6 lug) and 6x13 (8 lug), these signature snare drums are designed to appeal to the working drummer. Mark challenged Gretsch to create a snare that could cut through dense live performance mixes and still retain their versatility. In return, Gretsch presented Schulman with a 9-ply, 8.6mm all-maple shell with 45-degree bearing edges, die cast hoops, 42-strand snare wires, Silver Sealer interior and Evans drum heads. A Double stripe Bubinga inlay adds a distinctive look and is accompanied by a badge featuring Mark’s signature.

Gretsch has had a long history of building brass snare drums with a center bead dating back to the late 1930’s. Gretsch’s Legend snare drums pay tribute to the snares of yesteryear by combining time-tested features with contemporary drum making machinery. The 1mm center bead brass shell incorporates 45-degree singleflanged edges with 2.3mm triple flanged hoops to produce balanced and saturating tones. To enhance the dynamics of the brass shell, all lugs are attached without lug “spacers” or “gaskets”. Available in 6.5x14, 5.5x14, 6x13 and 6x12 sizes. All snares feature 20-strand brass coated snare wires, adjustable throw off/butt plate and Evans coated batter head with Evans hazy snare side head.

Caisse claire signature Mark Schulman de Gretsch

Caisses claires de laiton Gretsch Legend

Le musicien accompli et éducateur Mark Schulman s’est associé à Gretsch pour mettre en marché deux nouvelles caisses claires en 2011. Disponibles en deux formats, soit 6 x 12 pouces (6 raccords) et 6 x 13 pouces (8 raccords), ces caisses claires signature ont été conçues pour le batteur qui fait beaucoup de scène. Mark a mis Gretsch au défi de créer une caisse claire capable de percer à travers des environnements musicaux scéniques denses tout en conservant sa polyvalence. Gretsch lui a donc présenté une caisse claire composée d’un fût de 8,6 mm d’épaisseur fait de 9 couches d’érable, avec une bordure de 45 degrés, des anneaux moulés, 42 cordes de timbre, un fini intérieur Silver Sealer et des peaux Evans. Deux filets de bubinga lui donnent une allure distinctive, tandis qu’un écusson porte la signature de Mark.

Gretsch fabrique depuis les années 30 des caisses claires de laiton avec ourlet central. Les caisses claires Legend se veulent un hommage aux caisses claires d’une autre époque en combinant des caractéristiques qui ont fait leurs preuves à des méthodes de fabrication modernes. Le fût à ourlet central d’un millimètre d’épaisseur comporte des bordures de 45 degrés et est couvert d’anneaux de 2,3 mm d’épaisseur produisant des tonalités équilibrées et saturées. Afin d’augmenter les dynamiques du fût de laiton, tous les raccords sont fixés sans cales. Disponibles en plusieurs formats, soit 6,5 x 14, 5,5 x 14, 6 x 13 et 6 x 12 pouces, toutes les caisses claires sont munies de 20 cordes de timbre bronzées, d’une tringle de tension ajustable et de peaux Evans. www.bjmusic.ca / www.gretschdrums.com

drums etc.

Tama Starphonic series snare drums

Sonor Mikkey Dee signature snare drum

Tama has spent 3 years researching and testing their new Starphonic snare drums. To achieve their solid sound, featuring full projection with rich resonant tone, combined with fine, crisp snare response, Tama has developed a concept that incorporates entirely new hoop, lug, and strainer designs, married to a variety of uniquely constructed drum shells: maple, bubinga, brass, or aluminum. A symphony of sound springs to life from each STARPHONIC drum as a result of their combination of unique special features: naturally resonant shell materials, Super Sensitive Hi-Carbon Snappy Snare wires, and a specially Grooved Hoop for a totally sharp but open sound.

Mikkey Dee, drummer for one of the best-loved metal bands ever, Motörhead, has teamed up with Sonor to create his own signature snare drum, reflecting his unique and powerful style. It features a 14” x 7.25” 9-ply birch shell producing powerful mids and highs, and a well-balanced low-end. You will love the special Motörhead Mikkey Dee wrap design, created by Mark Devitto, the band’s album designer. Available this spring.

Caisses claires Tama Starphonic

Caisse claire signature Sonor Mikkey Dee

Tama a étudié et testé ses nouvelles caisses claires Starphonic pendant trois ans. Pour obtenir un son solide, avec une projection efficace pleine de tonalités riches et résonnantes, jumelée à une réaction de cordes de timbre fine et craquante, Tama a développé un système qui implique une nouvelle conception d’anneaux, de raccords et de tringle de tension, marié à différents fûts faits d’érable, de bubinga, de laiton ou d’aluminium. C’est une véritable symphonie de sonorités qui émanent de chaque caisse claire STARPHONIC et c’est le résultat de la combinaison d’une variété de caractéristiques uniques comme des fûts faits de matériaux naturellement résonants, des cordes de timbre Super Sensitive Hi-Carbon Snappy et des anneaux rainurés aidant à produire un son à la fois tranchant et ouvert.

Mikkey Dee, batteur pour l’une des formations métal les plus appréciées, Motörhead, s’est associé avec Sonor pour créer une caisse claire signature qui reflète son style unique et puissant. Elle est construite autour d’un fût de bouleau de 14 x 7,25 pouces qui produit des médianes et des aiguës puissantes, tout en conservant des graves bien équilibrées. Vous aimerez son revêtement, créé par le concepteur des pochettes de disque de Motörhead, Mark Devitto. La caisse claire Mikkey Dee sera disponible ce printemps. www.sonorcanada.com

www.efkaymusic.com

drums etc.

Vic Firth Essentials stick bag Every drummer and percussionist should own a stick bag in which every essential playing implement is safely stored and easily carried. Vic Firth, THE preeminent stick and mallet manufacturer, is introducing the new Essentials Stick Bag for 2012. Cleverly designed to hold 4 or 5 implements like sticks, brushes, Rutes, and mallets, the bag features a hook-and-strap system for secure suspension from the floor tom or snare. It also includes an internal pocket and an elastic drum key loop. Made from durable water resistant nylon, it retails for $21.00.

Étui à baguettes Vic Firth Essentials Tous les batteurs et percussionnistes devraient avoir un étui à baguettes dans lequel ils traînent tous leurs outils de jeu essentiels. Vic Firth, LE fabricant de baguettes et de mailloches par excellence, compte mettre en marché son nouvel étui Essentials en 2012. Conçu de façon intelligente, l’étui accommode de 4 à 5 baguettes, balais, mailloches ou autres outils. L’étui est muni d’une courroie lui permettant d’être suspendu au tom de plancher ou à la caisse claire. Il possède également une pochette intérieure et une boucle élastique permettant d’y accrocher une clé de batterie. L’étui est fait de nylon durable résistant à l’eau. Il coûtera 21,00 $. www.vicfirth.com

Sonor Prolite Series snare drums The new Prolite Series is Sonor’s ultimate “stock” made in Germany drum line, complete with Sonor’s sought-after Vintage Maple shells. The new Prolite snare drum features this maple shell with reinforcement rings, meaning there is a total of 9 thin layers at the bearing edge. It produces a soft, warm tone with focused low frequencies & well-balanced mids and highs. The drums are fitted with Sonor’s new Dual Glide System snare strainer mechanism. Available in 12”, 13”, and 14” widths, the Prolite Series snare drum is also available with a 14” steel or brass shell, topped with DieCast or Power Hoops. Look for them at your Sonor dealer in the Spring of 2012.

Caisse claire Sonor Prolite La nouvelle série Prolite est la gamme ultime de Sonor, fabriquée en Allemagne à partir de fûts en érable Vintage. Les nouvelles caisses claires Prolite sont construites autour de ce fût muni d’anneaux de renforcement aux bordures, ce qui fait 9 couches d’érable. Cela produit une sonorité douce et chaleureuse, avec des graves bien concentrées et des médianes et des aigües bien équilibrées. Les caisses claires sont munies du nouveau mécanisme de mise en tension des cordes de timbre de Sonor, le Dual Glide System. Disponibles avec un diamètre de 12, 13 ou 14 pouces, les caisses claires Prolite, également offertes avec des fûts d’acier ou de laiton de 14 pouces, sont munies d’anneaux moulés ou Power Hoops. Gardez l’œil ouvert, car la série Prolite fera son apparition en boutique au printemps 2012. www.sonorcanada.com

Sonor Dual Glide System Sonor’s Prolite, SQ2, and Artist Series snare drums now have a new and innovative snare mechanism. The new strainer mechanism features a technically perfected snare wire engage-and-release system, along with great adjustability and a solid look and feel. “Dual Glide System” refers to the precise and smooth action, which in turn eliminates any unwanted sounds when the snare wires are placed in “on” or “off” position, a nice touch for softer music settings. Both the strainer and butt sides are equipped with a fast-release snare wire detach function and fine-tune adjustment knob, allowing the drummer to change the resonant head without having to loosen and adjust the snare wires. And in case you feel left out, the new strainer also works to replace the current strainer on any Made in Germany drum series, and will be available as an individual component for retro-fitting onto any Sonor snare drum!

Système Dual Glide de Sonor Les caisses claires des séries Prolite, SQ2 et Artist de Sonor sont maintenant munies d’un nouveau système de mise en tension des cordes de timbre. Le nouveau mécanisme est composé d’un système de mise en tension techniquement amélioré, solide et très ajustable. « Dual Glide System » fait référence à la fluidité et la précision du mécanisme qui élimine tout bruit indésirable dans la mise en tension ou hors tension des cordes de timbre, ce qui est bien, particulièrement pour les situations musicales plus calmes. Il y a une relâche rapide aux deux extrémités des cordes de timbre, en plus d’un bouton d’ajustement, permettant au batteur de changer la peau inférieure sans désajuster les cordes de timbre. Et au cas où vous vous sentiriez délaissé, le nouveau système sera disponible comme remplacement du système actuel sur les caisses claires issues des séries de tambours fabriqués en Allemagne! www.sonorcanada.com

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Pearl Masters Premium Legend Series drum set The Masters Series has been heard on countless recordings and is forever associated with legends like Jeff Porcaro, Dennis Chambers, and Ian Paice. The most recent incarnation of the Masters Premium Legend drum set is based around classic fully focused 4-ply maple shells or full-toned 6-ply maple shells, both using 0.9mm plies. Features include aluminium Opti-Mounts and Fat Tone Hoops on all Toms and Floor toms. Masters Legend snare drums are fitted with Pearl’s premium low-mass swivel tube lugs that assure perfect tension. Pearl’s innovative GoldenRatio air vents promote improved low-end response on toms and bass drums and improved attack on snare drums. These drums are perfect for all musical styles, from punk to jazz, and beyond.

Batterie Pearl Masters Premium Legend La série de tambours Masters de Pearl a été entendue sur d’innombrables enregistrements et sera à jamais associée à des légendes comme Jeff Porcaro, Dennis Chambers et Ian Paice. La plus récente version de la batterie Masters Premium Legend est construite autour de fûts composés de 4 couches d’érable pour un son classique ou de 6 couches d’érable pour un son plus gras. Parmi les caractéristiques les plus intéressantes, notons les fixations en aluminium Opti-Mounts et les anneaux Fat Tone sur tous les toms. Les caisses claires Masters Legend sont munies de raccords à pivot qui assurent une tension parfaite. Par ailleurs, les trous d’aération innovateurs Golden-Ratio procurent une amélioration des basses sur les toms et la grosse caisse, tandis qu’ils améliorent l’attaque des caisses claires. Ces tambours se prêtent parfaitement à tous les styles musicaux, du punk au jazz, et au-delà. www.eriksonmusic.com

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Obel Drums Real-Deal Classic Drums A month ago, as I was leaving my local drum shop figuring I’d seen it all, in walks a guy carrying a snare drum he’d made. It looks nice right down to the badge, which reads Obel, but then so do a lot of snare drums. I know because I own too many to count. Too bad one drum couldn’t take the place of three. Wait a second. I laid a 5B hickory stick to the Obel, first quietly then firmly. The range of tones that emerged was truly amazing. Obel founder Simon Lebeau crafts Obel snare drums by-hand. He selects his woods, including exotic ones, locally. He carries the lengthy planks home in his car trunk, then saws and sculpts them into precisely-measured blocks. These he arranges into proprietary 20-sided templates. Lebeau’s deployment of multiple wood segments in various sizes enables him to meld kindred woods to taste and foster happy collisions among diverse ones. All the while, the bearing edge remains at a precise 45-degree angle, inside and out. Simon Lebeau’s grasp of the sonic essence of diverse wood species stems from his experience as a cabinet maker. He knows each step from basic construction to French polishing. His dad and mentor, Roch, is partner in Obel Drums and helps ensure that the manufacturing process exceeds environmental standards. Great, how do they sound? The current drum is made from Spanish Cedar, a refreshing alternative to run of the mill maple. It groans, it whispers. And that’s a “one wood shell” Simon can mix his woods since he knows each so well he can predict the sonic outcome. Imagine: purple heart combined with rosewood. If you can’t, Simon can. Obel Drums come from Cantley, QC, just across the river from Ottawa. To my way of thinking, the prices are amazingly modest, given the handwork and the sophisticated design and dynamic range. For now, Obel snare drums are available to-order in 14” diameters. Contact Simon and odds are he can embed your sound into his shells.  By/Par: T Bruce Wittet Traduction: Jim Angelillo

Les caisses claires Obel

de vrais classiques Il y a un mois, tandis que je quittais ma boutique de batterie locale, me disant que j’avais tout vu, j’aperçois un type qui entre avec une caisse claire qu’il avait fabriquée. Elle était très belle tout comme son écusson sur lequel était écrit Obel. Mais en même temps, c’est le cas de beaucoup de caisses claires. Je sais, car j’en possède probablement trop! Dommage qu’un tambour ne puisse pas en remplacer trois. J’ai tout de même pris le temps de l’essayer. Avec une baguette 5B, je l’ai frappé légèrement et ensuite fermement. L’éventail de tonalités qu’elle a produit était vraiment incroyable. Le fondateur d’Obel, Simon Lebeau, fabrique ses caisses claires à la main. Il trouve son bois, y compris les essences exotiques, localement. Il amène chez lui les longues planches dans le coffre de sa voiture; il les coupe et les sculpte en des blocs aux dimensions très précises. Ces blocs sont ensuite assemblés pour former des bases circulaires de 20 faces. Lebeau peut effectivement agencer différentes essences de bois et faire varier la dimension des blocs, créant des fûts et des sonorités uniques. Toutes les caisses claires Obel possèdent une bordure portante précise de 45 degrés, à l’intérieur et à l’extérieur. Simon Lebeau connaît l’essence sonore des différentes espèces de bois; cela vient directement de son expérience en tant qu’ébéniste. Il maîtrise chaque étape, de l’assemblage de base à la finition au tampon. Son père et mentor, Roch, est un partenaire d’Obel et assure que le procédé de fabrication excède les normes environnementales. C’est bien ça, mais comment sonnent-elles? La caisse claire que j’ai essayée était faite à partir d’acajou femelle, une rafraichissante alternative à l’érable, omniprésent. Elle rugit et elle chuchote. Et c’est un fût fait d’une seule essence de bois. Puisqu’il connaît si bien le bois, il peut prévoir la sonorité de mélanges d’essences. Imaginez un fût fait d’un mélange de bois d’amarante et de palissandre. Si vous ne pouvez pas, Simon, lui, peut! Les tambours Obel sont fabriqués à Cantley, au Québec, de l’autre côté de la rivière d’Ottawa. Selon moi, ses prix sont vraiment modestes, considérant le travail, la conception sophistiquée et l’étendue dynamique sonore. Pour le moment, les caisses claires Obel sont offertes sur commande en diamètres de 14 pouces. Communiquez avec Simon et qui sait, il pourra peut-être graver votre son dans ses fûts.  www.obeldrums.com drums etc.