Drums Etc [v24-n2] March-April 2012 by Muzik Etc / Drums Etc

The magazine for canadian drummers and percussionists Le magazine des batteurs et percussionnistes canadiens

VOL 24 No 2

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2012

larnell lewis

free gratuit

Volume 24, No 2 March-April 2012 / mars-avril 2012 Editor in Chief / Rédacteur en chef Ralph Angelillo ralph@muziketc.ca Managing Editor / Coordonnatrice à la rédaction Sofi Gamache sofi@muziketc.ca Editorial Assistants / Assistants à la rédaction Tara Wittet Manko, T.Bruce Wittet Contributing Writers / Journalistes Jim Angelillo, Ralph Angelillo, Franck Camus, Aaron Edgar, T.Bruce Wittet Translation / Traduction Jim Angelillo, Geneviève Hébert Layout / Mise en page Karine Wolfe, Janam Publications Inc.

larnell lewis By/Par: T. Bruce Wittet

Cover Photo / Photo du couvert Denise Grant [denisegrantphotography.com]

www.drumsetc.ca Distribution [866/450] 677-1364 / distribution@muziketc.ca

dossier

Advertising / Publicité Ralph Angelillo (Founder/fondateur 1989) [888/450] 928-1726 / ralph@muziketc.ca Publisher / Éditeur Serge Gamache [866] 834-4257 / [450] 651-4257 serge@muziketc.ca

Drumheads Peaux

edito + agenda

Muzik Etc / Drums Etc is published 6 times per year and distributed across Canada, in music retail stores, music schools, etc. This issue: 15 000 copies in 385 distribution points [circulation certified by Canada Post].

NAMM 2012

Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235 Return Address / Adresse de retour: MUZIK ETC / DRUMS ETC 753 rue Ste-Hélène, Longueuil [QC] J4K 3R5 Canada Fax: [450] 670-8683

Muzik Etc / Drums Etc est publié 6 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles de musique, chez les détaillants de musique, etc. Ce numéro : 15 000 copies dans 385 points de distribution [circulation certifiée par Postes Canada].

By/Par: Ralph Angelillo Advanced/Abstract Rhythmic Concepts Concepts rythmiques avancés ou abstraits By/Par: Aaron Edgar

Drummers Hate Halloween Les batteurs n’aiment pas l’Halloween By/Par: Frank Camus drums etc.

edito The Truth about Endorsements Endorsement deals have become a big thing these days. Several companies have created a sponsorship monster over the years. As a result, today, hundreds of drummers are vigorously pursuing endorsements, even students! Let’s look at a couple of the many criteria by which companies decide who gets endorsement deals. One is visibility. If you are a drummer who is seen frequently on TV, or if you constantly tour in front of thousands, you become a serious candidate. Another important consideration is education. If you’re teaching hundreds of drum students year-long, whether in college, university or privately, the major companies may take a look at you. They realize that your choice of gear will sway students.

agenda Take note that sponsorship deals vary. Even if you score a deal, you may not get free instruments. This depends greatly on the stature of the candidate. Certainly, players such as Weckl, Gadd, Colaiuta and Brochu travel world-wide and their sponsors usually supply drum kits. But many other drummers have endorsement deals that are limited to percentage discounts on gear. I also feel strongly that when a musician has a good relationship with a sponsor, he or she should remain faithful to that company. I’ve seen far too many drummers change drum or cymbal companies in the hopes that they can extract a little more from the competition. This becomes dangerous as the music industry is a small world: word gets around quickly that you are playing this game! If you have what it takes to become an endorser, or if you have the right visibility in front of thousands, or can influence numerous students, then, you may be welcomed by the drum, cymbal, stick, drumhead and accessory companies. A final note: if you are trying for an endorsement, make sure that you love the product. You’d better love it because an endorsement is not going to necessarily kick start a career. In that respect, you’d be better off relying on your natural and learned skills to guide you to success.

La vérité à propos des commandites Les contrats de promotion se trouvent partout de nos jours. Certains fabricants d’instruments ont, avec le temps, créer un engouement monstre avec leurs commandites. Voilà pourquoi des centaines de batteurs tentent d’être commandités aujourd’hui. Regardons de plus près quelques-uns des nombreux critères qui permettent aux compagnies de choisir avec qui elles signeront des contrats de promotion. La visibilité est un critère important. Si vous êtes un batteur qu’on voit souvent à la télévision ou si vous êtes constamment en tournée devant des milliers de personnes, vous devenez un candidat sérieux. Les compagnies vous considéreront aussi si vous êtes dans l’enseignement, que ce soit au collégial, à l’université ou au privé. Ils sont conscients que votre choix d’équipement risque d’influencer le choix des étudiants. Il faut noter que les contrats de promotion varient grandement. Ce n’est pas parce que vous en signez un que vous aurez des instruments gratuits. Cela dépend énormément de votre popularité. Il est évident que des musiciens comme Weckl, Gadd, Colaiuta et Brochu, qui voyagent partout dans le monde, sont commandités par des compagnies qui leur four-

nissent des instruments. Mais beaucoup d’autres batteurs ont des contrats de promotion qui se limitent à un pourcentage de rabais sur l’équipement. Je crois fermement que lorsqu’un musicien ou une musicienne entretient une bonne relation avec un commanditaire, il ou elle devrait rester fidèle à cette compagnie. J’ai vu trop de batteurs changer de compagnie de batteries ou de cymbales simplement pour voir si la concurrence ne leur en donnerait pas davantage. Mais ce n’est pas un bon plan puisque l’industrie de la musique est un petit milieu. Tout le monde saura rapidement que vous jouez ce jeu! Si vous possédez ce qu’il faut pour être commandité, que vous avez une bonne visibilité ou que vous avez beaucoup d’influence sur vos étudiants, vous devriez être bien accueilli par les compagnies de batteries, de cymbales, de baguettes, de peaux et d’accessoires. Un dernier conseil. Si vous tentez d’obtenir une commandite, assurez-vous d’aimer le produit, car une commandite ne fera pas nécessairement avancer votre carrière. Fiez-vous d’abord à votre talent pour vous mener au succès. Ralph Angelillo

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MUSIKMESSE 2012 Frankfurt, Germany March 21-24 / 21 au 24 mars 2012 www.messefrankfurt.com

MIAC 2012 Toronto, ON International Centre May 13-14 / 13-14 mai, 2012 1-877-490-6422 www.miac.net

STICKMAN DRUM EXPERIENCE CAMP Black Strap Lake, SK July 4 – 7 / 4 au 7 juillet 2012 www.stickmandrumexperience.com

KoSA 17 International Percussion Workshops, Drum Camp & Festival Castleton, VT July 24-29 / 24 au 29 juillet 2012 www.kosamusic.com

ULTIMATE DRUM CAMP 2012 Orford, QC August 14-19 / 14 au 19 août 2012 (514) 476-9666 www.ultimatedrumcamp.com

REGINA DRUM FESTIVAL Regina, SK September 14-15 / 14-15 septembre 2012 www.jaysonbrinkworth.com/ drumfestival2012.php

MONTRÉAL DRUM FEST 2012 20th Anniversary / 20e Anniversaire ! Montréal, QC October 20-21 / 20-21 octobre 2012 1-888-928-1726 www.montrealdrumfest.com

A drummer’s paradise!

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The National Association of Music Merchants (NAMM) reported 95,709 registered attendees, a six percent increase from last year and representing a new record for the 110-year-old show. Representing Drums Etc and the Montreal Drum Fest, our team was thrilled to see how dynamic the drum, cymbal and percussion exhibits were, showing a vast array of new products, using just about every colour you can imagine ! ▷

NAMM show 2012

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Le paradis pour les batteurs! Le National Association of Music Merchants (NAMM) a enregistré 95 709 entrées, une augmentation de six pour cent par rapport à l’an dernier, ce qui établit un nouveau record pour ce salon vieux de 110 ans. Représentant Drums Etc et le Drum Fest de Montréal, notre équipe était heureuse de voir à quel point les exposants de batteries, de cymbales et de percussion étaient attrayants, offrant une vaste gamme de nouveaux produits arborant à peu près toutes les couleurs imaginables! ▷

salon

Being at the NAMM show in Anaheim, California from January 19 to 22, gave visitors a short winter break and the chance to meet so many industry friends not only from Canada, but from around the globe. Here are some photos of the event. 

NAMM show

Le salon NAMM à Anaheim en Californie s’est déroulé du 19 au 22 janvier et a donné aux visiteurs, outre une petite pause hivernale, l’occasion de rencontrer plusieurs amis de l’industrie, non seulement du Canada, mais de partout sur la planète. Voici quelques photos de l’événement. 

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Trigger in Acoustic drums

Trigger in Electronic pads

Midi in Producer/DJ

Midi in Electronic drum kit

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Danny Carey TOOL

Phil Rudd AC/DC

John Bonham LED ZEPPLIN

Tico Torres BON JOVI

Steve Jordan STUDIO LEGEND

Stewart Copeland POLICE

Imitated, Never Duplicated Imité, jamais égalé

“The only drum company who’s standards have remained high or improved over the years is Yamaha.” Steve Jordan – Recording Legend / Vintage Drum Collector / Yamaha Artist since 1978

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cover story en

couverture

Serving a Higher Power with a Higher Level of Drumming Place 28 year old Larnell Lewis behind Joe Mama Shugga in a Toronto bar and if you can’t see the drummer through the crowd, despite his 6’3” stature, you can feel him. I mean, you really ought to push your way forward, just to get a glimpse of a unique body in motion. You might see his right arm, or his left, stretch skyward then swoop down in a majestic arc—and drop its payload where you least expect it. It’s a little hard to explain but to follow up on that example, the one arm is keeping a mid-tempo funk groove, the backbeat is there, and the hi-hat hypnotic in its open-closed pattern. Suddenly the hand that was aloft comes down on snare batter. It’s not an accent, though, but an eruption of 16th notes. These are not gratuitous; Larnell is engaging in call and response with the stuttering Hammond organ. Whoa, those 16ths begin a dramatic decrescendo dramatically, as if run through a digital delay or dub echo on steroids. There’s more, too. Larnell’s right foot, on a single pedal, if you please, is in unison with the snare, same rapid pattern that you’d need a double-kick to execute, seemingly. The bass drum pedal miraculously goes into a decrescendo with the snare, never out of step, as if locked to some invisible grid. I should have expected this, perhaps, given Larnell Lewis emerges from gospel. Contemporary gospel drummers are the slickest, fastest, sickest technicians since early fusion and then some. But Larnell is more. The groove is dug down deep in a trench. It can’t get out. Gospel drummer? Maybe. All I know is that, when my heart stops palpitating, I realize that I’m hearing what Ralph Angelillo warned me about: a special drummer. And one who seems to be responding to, and serving, a higher power than Ted Reed. Larnell’s chops and time feel don’t just happen. He puts in the time day after day so that if he thinks it, he can do it. No room for happenstance. Drum Fest audiences knew it, felt it at Drum Fest in October when Larnell sat aside Teddy Campbell and traded licks. Teddy was sweating, Larnell was sweating, and the room was beginning to rumble and steam up. I did a phoner with Larnell Lewis for this Drums Etc cover story. Space is limited so let’s get Larnell talking about his touch, control, and time. He’s articulate—good thing since following his graduation from Humber College he began teaching there!

The limbs soar! I am definitely aware of that ‘motion in space’. A couple of people influenced me in that, Teddy Campbell and Calvin Rogers, for example. It really just comes from that place of expression where I’m excited about what’s happening and I feel what’s happening. If it’s larger movements, it does help with the groove but it’s more the concept of the relationship of freedom, expression, and movement. 10

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It’s a commitment to intensity. It’s a fine balance and it’s based on what’s going on, as in a conversation, where you learn not listen and not speak out of turn. If you don’t play drums with that mentality, it’s going to sound out of place.

Heritage, influences Well, definitely Max Roach and Art Blakey influenced me; also Buddy Rich, Gene Krupa, Dennis Chambers. For me, drumming and music should come from the heart and should be expressive. It’s the responsibility of the drummer to pay attention to the situation and everything they execute should be relevant. I grew up on Andraé Crouch and Might Clouds of Joy: I wasn’t so into traditional jazz or fusion. My parents had a group, The Heavenly Light Band and, as a sidebar, one of the things people ask me is about my independence. For me it comes from as far back as age 6, when my dad would record everything at home on a 4-track recorder and he’d have me learning all of his drum parts and overdubbed percussion! Ladell Abrams was a major influence as far as how much joy and energy with which I could play the drums. When I was growing up, one of my godmothers would see me play and she’d always say, ‘You should smile more. You look angry’. I wasn’t upset, I was just focused!

How’d do you learn to do what you do? I had to learn control, due to a lot of people telling me to play quietly! Some of this came from playing at age 2 and at age 4 in church; later subbing in situations where I’d be a teenager and they’d be in their 30s...and I couldn’t cover up the vocalist. It took me a while to understand the balance between letting go and taming that fire, mold it and shape it.

Larnell Lewis Un jeu supérieur pour une puissance supérieure Vous êtes dans un bar de Toronto et Larnell Lewis joue avec Joe Mama Shugga. Même si vous n’apercevez pas le batteur de 28 ans à travers la foule, malgré ses 6 pieds 3 pouces, vous le ressentez. Vous devriez vous approcher, si ce n’est que pour voir un corps unique en mouvement. Vous pourriez voir son bras droit, ou peut-être celui de gauche, s’étirer vers le ciel avant de descendre, traçant un arc majestueux, là où vous vous y attendez le moins. C’est difficile à expliquer, mais poursuivons tout de même l’exemple. Il y a donc un bras qui joue un groove funk, backbeat intense et jeu de hi-hat fermé-ouvert hypnotique. Soudainement, la main qui ne faisait rien se dirige vers la caisse claire. Ce n’est pas un accent, mais une éruption de doubles croches. Ce n’est pas une passe gratuite; Larnell est impliqué dans une joute de question-réponse avec l’orgue Hammond. Et sans avertissement, les doubles croches commencent un decrescendo dramatique, comme un effet de délai ou d’écho stimulé aux stéroïdes. Mais ce n’est pas tout, car le pied droit de Larnell, jouant une pédale simple, suit à l’unisson ce qui se passe sur la caisse claire, comme si c’était une pédale double! Et donc, la grosse caisse participe au decrescendo, ne manquant aucun coup, aimantée à la caisse claire. J’aurais dû m’y attendre puisque Larnell Lewis est issu du gospel. Les batteurs de gospel contemporain sont les techniciens les plus précis, rapides et intenses depuis l’époque de la musique fusion. Mais Larnell va au-delà de cela. Son groove et ses passes folles sont profondément ancrés. C’est du solide. Batteur de gospel? Peut-être. Tout ce que je sais est que lorsque mon cœur cesse de palpiter, je réalise que je comprends enfin ce que Ralph m’avait dit au sujet de Larnell : c’est un batteur spécial qui semble servir une puissance plus élevée que Ted Reed. Son jeu et son sens du rythme ne sont pas le fruit du hasard. Il travaille jour après jour afin de jouer ce qu’il a en tête. Il n’y a pas de place pour le hasard. Le public du Drum Fest, en octobre dernier, le sait, car il a vu Larnell partager la scène et le rythme avec Teddy Campbell. Teddy suait, Larnell suait aussi et la salle s’est mise à se réchauffer et à groover.

J’ai donc rejoint Larnell Lewis par téléphone pour cet article. Et comme nous avons un espace limité, laissons Larnell parler de son jeu, de contrôle et de pulsation. Il s’exprime très clairement, ce qui est une bonne chose, car depuis sa graduation du collège Humber, il y enseigne!

Les membres qui volent! Je suis vraiment conscient de ce «mouvement dans l’espace». J’ai été influencé par quelques personnes, comme Teddy Campbell et Calvin Rogers, par exemple. Ça vient tout simplement du fait que je suis excité à propos de ce qui se passe et que je ressens ce qui se passe. C’est une manière d’exprimer le rythme. Si je fais de plus grands mouvements, ça aide avec le groove, mais ça touche davantage à la relation entre la liberté, l’expression et le mouvement. C’est un engagement envers l’intensité. La différence est subtile; il faut être dans le présent, comme lors d’une conversation, où l’on apprend à écouter et à parler de façon respectueuse. Si on ne joue pas la batterie avec cette mentalité, ça va sonner déplacé.

Héritage et influences Eh bien, il y a assurément Max Roach et Art Blakey qui m’ont influencé, et aussi Buddy Rich, Gene Krupa, Dennis Chambers. Pour moi, jouer la batterie et faire de la musique doivent venir du cœur et ça devrait être expressif. Le batteur a la responsabilité de porter attention à ce qui se passe et tout ce qu’il joue devrait être pertinent.

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The mag azine for can

You mentioned my dynamics. That comes from situations such as when an artist or musical director would say, ‘We need the intensity here and volume down, which means “shut up”!I learned in real time and from all the bad looks I could get. It’s amazing, I learned, the power and ability one person possesses to instantly change the atmosphere, like in conversation. I began to incorporate that as a musician and began to, for example, play on top of the beat to sustain the intensity and perhaps play a lighter tone out of the toms—maybe a more playful approach in some instances—and generally making one drum kit sound 10 or 20 different ways, just by my touch and by the things I choose to do. The important thing is you can’t sacrifice the flow.

ns. musicia adian Le mag azine pour iciens les mus ens. canadi

I do know what you mean by the listener being able to tap along without impediment. A friend of mine told me a while back, “you drummers begin a solo and then you start to go crazy and I don’t know who you are! You throw your audience away”.

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percussionistss drummers and for canadian percussionnistes canadien et The magazine des batteurs Le magazine

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The danger is substituting pure muscularity over control, at least for me. When I was younger, I’d get into it so far I’d reach danger points and I’d muscle through it in order to maintain the intensity. You learn not to sacrifice energy and groove; you can’t just explode!

gratuit

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The groove at church

Name • Nom:

Ad(d)ress(e):

We’d play Praise & Worship (portion of sabbath service wherein the band backs a soloist and can shift gears on a dime) was a matter of listening constantly. Sometimes the preparation is minimal and the challenge for the band is playing something they’ve never heard before and understanding where the melody is leading, grabbing a beat, and watching for instances where there’s an extra couple of beats to accommodate lyrics, and maintain the flow of the music. After a while, you learn how to understand songs and how to segue sections...and how to control your instrument.

Single pedal? It goes back to talent contests at church. I’d be telling my dad that I needed a new pedal and get rid of my $40 CB Percussion model. It was inferior, I told him, and because of it I couldn’t do singles, doubles or anything. At one of the contests I loaned my pedal and the other drummer went to work with it! Amazing. There was nothing wrong with my pedal, as my dad pointed out: I needed to practice my technique.

drums etc.

Tel.:

Send your check or money order to: Faites parvenir votre chèque ou mandatposte au nom de: Musicien Québécois, 753, rue SteHélène,Longueuil (Québec) J4K 3R5

You have your wrist and your hand control, understanding from your shoulder to your finger tips and the larger muscle groups and the finer control ‘gears’. And it became the same way with the pedal. I began staring at the pedal, watching my pedal stroke and the way the beater hit the drum and comprehending the mechanics of generating a single stroke vs multiple strokes and what was easiest. One thing I do is practice 8th notes straight then swung, back and forth. If you examine your foot as it makes the stroke with heel up and you note how you bring the heel down without your heel hitting the foot plate, and you’re doing that comfortably—and it’s one leg motion—then you straighten out your ankle. Change the swing in the area of your ankle and that will enable you to play straight notes evenly enough that it will emulate a double pedal.

Why Yamaha, why maple? I use the Yamaha Maple Custom Absolute Nouveau. I found my sound on them. I love the tone of all Yamaha drums, like birch, but prefer maple. It’s a big tone. Mind you, I learned that it all starts with the touch. It’s the same with sticks and heads, where I prefer Vater and Evans. And, of course, I’ve played Zildjian cymbals since I was young.

J’ai grandi en écoutant Andraé Crouch et Might Clouds of Joy. Je ne m’intéressais pas vraiment au jazz traditionnel et au jazz fusion. Mes parents avaient un groupe, The Heavenly Light Band, et… l’une des questions qu’on me pose le plus souvent concerne l’indépendance dans mon jeu. Pour moi, ça remonte à quand j’avais 6 ans: mon père enregistrait tout à la maison sur une enregistreuse 4 pistes. Il me faisait apprendre toutes ses parties de batterie et de percussion! Ladell Abrams fut une grande influence en terme de joie et d’énergie quand je jouais de la batterie. En grandissant, l’une de mes marraines me voyait jouer et me disait toujours de sourire davantage, car j’avais l’air fâché. Mais je n’étais pas fâché, je me concentrais!

Comment as-tu appris ce que tu sais? J’ai dû apprendre le contrôle, car beaucoup de gens me demandaient de jouer moins fort! Ça vient en partie du fait que je jouais à l’église quand j’avais 2 et 4 ans. Plus tard, à l’adolescence, je jouais avec des types dans la trentaine… et je ne pouvais pas enterrer le chanteur. J’ai pris un certain temps à saisir l’équilibre entre me laisser aller et apprivoiser cette ardeur, la façonner et lui donner une forme. Tu as parlé des dynamiques. Ça vient de situations particulières où un artiste ou un directeur musical te dit qu’il faut de l’intensité ici tout en réduisant le volume, ce qui veut dire « tais-toi »! J’ai appris cela en travaillant et en remarquant tous les mauvais regards qu’on me lançait. J’ai appris à quel point une personne possède la puissance et la capacité de changer une atmosphère instantanément. C’est incroyable. C’est comme dans une conversation. J’ai commencé à incorporer cela dans mon jeu et, par exemple, j’ai commencé à jouer au-dessus du rythme pour soutenir l’intensité et, peut-être, jouer moins intensément sur les toms, parfois de façon plus enjouée. Tout dépendant de mon toucher et des choses que je choisis de faire, j’arrive à faire sonner une batterie de 10 ou 20 manières différentes. Mais il est important de ne pas sacrifier la fluidité. Je sais de quoi tu parles quand tu dis que l’auditeur arrive à taper du pied sans problème. Un ami m’a déjà dit : « vous, les batteurs, lorsque vous commencez un solo, vous virez fous et je ne sais plus qui vous êtes! Vous perdez votre public. »

Le danger est de choisir l’aspect musculaire plutôt que le contrôle, du moins pour moi. Quand j’étais plus jeune, je m’impliquais tellement intensément que ça devenait dangereux; je compensais avec les muscles pour maintenir l’intensité. On apprend à ne pas sacrifier l’énergie et le groove; on ne peut pas tout simplement exploser!

Le groove à l’église On jouait le Rendons grâce au Seigneur (une portion de la messe au cours de laquelle l’orchestre accompagne un soliste et où tout peut changer de direction en une fraction de seconde) et il s’agissait d’être constamment à l’écoute. Parfois, la préparation est minimale et le défi pour les musiciens est de jouer quelque chose qu’ils n’ont jamais entendu avant. Donc, il faut comprendre où s’en va la mélodie, saisir un rythme et être attentif aux moments où il y a quelques mesures de plus pour accommoder les paroles, tout en maintenant le flot de la musique. Après un certain temps, on apprend à comprendre la structure des chansons et comment y ajouter des sections… et comment contrôler son instrument.

Pédale simple? Ça remonte aux concours de jeunes talents à l’église. Je disais à mon père que j’avais besoin d’une nouvelle pédale et que ma pédale CB Percussion de 40 dollars était inférieure, car je ne n’arrivais pas à jouer des coups simples ni doubles avec. Lors d’un concours, j’ai prêté ma pédale à un autre batteur qui n’avait aucun problème à faire ce qu’il voulait! Incroyable. Ma pédale était parfaitement convenable et comme disait mon père, j’avais besoin de pratiquer ma technique. Il y a le contrôle du poignet et de la main, comprendre que ça va de l’épaule au bout des doigts, et des groupes musculaires plus généraux à ceux qui s’occupent des petits mouvements précis. C’est comme ça que j’ai appris à utiliser la pédale. J’ai commencé en l’observant, en regardant comment je donnais un coup et la façon dont la mailloche frappait la peau. L’idée était de comprendre la mécanique d’un coup simple comparativement à des coups multiples et de déterminer la méthode la plus simple. L’un des exercices que je fais est de jouer des croches avec des coups francs et ensuite de les jouer en alternant le talon et la pointe du pied. Si vous observez votre pied tandis qu’il donne un coup avec le talon levé, notez comment vous abaissez le talon sans qu’il touche le repose-pied; il s’agit de faire ça de façon confortable, en un mouvement de jambe, et ensuite vous retendez la cheville. Il faut régler la façon dont la cheville oscille et vous pourrez jouer des notes régulières imitant une pédale double.

Pourquoi Yamaha et pourquoi l’érable? Je joue sur une batterie Yamaha Maple Custom Absolute Nouveau. J’ai trouvé mon son sur cet instrument. J’adore la sonorité de tous les tambours Yamaha, y compris le bouleau, mais je préfère l’érable. Il produit une tonalité bien grasse. Mais en même temps, j’ai appris que tout commence par le toucher. C’est pareil avec les baguettes et les peaux; je préfère Vater et Evans. Et, bien sûr, j’utilise des cymbales Zildjian depuis toujours. 

By/Par: T Bruce Wittet Traduction: Jim Angelillo Photos: Denise Grant [denisegrantphotography.com] drums etc.

How Advanced/Abstract Rhythmic Concepts Can Improve Your Groove Playing A very long time ago I got into Gavin Harrison, Gary Chaffee, and Meshuggah and began exploring their complex rhythmic concepts.

After a few months of expanding my rhthmic vocabulary, I began to notice that my pocket and my simple groove had gotten a lot more solid and felt better—even though I hadn’t practiced any straight-up exercises. It got me thinking about how we can hone in on this seeming paradox. I realized that by practicing, for example, modulations based in odd subdivisions and groups, especially the bigger ones like 5 and 7, we’re forced to focus closely on the pulse. When we’re dealing with notes that fly by in a fraction of a second and have to place them correctly around the quarter-note, we find that less complicated drumming, such as eighth-note rock grooves, are easier to dial in. Lets talk about a few specific examples. First I’d like to take a quick look at displacement. Imagine a rock beat, eighth-notes on the hi-hats, bass drum on 1 and 3, snare on 2 and 4. Now take that exact same pattern but start it on the e of beat 1. In other words, we’re displacing the 1. Now we find that each note lines up with nothing on the quarter-note or the ands. It’s a lot harder than it sounds to make that consistent, not to mention groove! But if we’re able to place those notes correctly and make them feel good, we gain a fresh perspective on the original pattern, which will become easier as a result.

Comment les concepts rythmiques avancés ou abstraits peuvent améliorer votre groove Il y a très longtemps, je me suis intéressé à Gavin Harrison, Gary Chaffee et Meshuggah, et je me suis mis à explorer leurs concepts rythmiques complexes. Après quelques mois passés à élargir mon vocabulaire rythmique, j’ai commencé à remarquer que mon groove, même avec des rythmes simples, était devenu beaucoup plus solide et dégageait quelque chose de beaucoup mieux, même si je n’avais pas pratiqué d’exercices à cet effet. Je me suis donc mis à penser à comment ce semblant de paradoxe fonctionne. J’ai réalisé qu’en pratiquant des modulations en groupes ou en temps composés, surtout les gros en 5 et en 7, par exemple, nous sommes forcés de nous concentrer sur la pulsation. Lorsque nous devons jouer des notes qui passent à la vitesse de l’éclair et que nous devons les placer correctement autour d’une noire, des rythmes moins complexes, comme un groove rock en croches, sont plus faciles à jouer. Regardons de plus près quelques exemples précis. Premièrement, j’aimerais brièvement regarder le déplacement. Imaginez un rythme rock, des croches sur le hi-hat, la grosse caisse sur 1 et 3, et la caisse claire sur 2 et 4. Jouez ce rythme tel quel, mais en le commençant une double croche après le 1. Autrement dit, le 1 est déplacé. Chaque note est donc jouée un peu après la noire. Il est plus difficile qu’il en a l’air de jouer cela de façon solide, sans même parler de groove! Mais si nous arrivons à placer ces notes correctement et de leur donner vie, nous venons d’acquérir une nouvelle perspective sur le rythme original qui, par extension, devient plus facile à jouer.

drums etc.

Exercice | Alterner les rythmes complexes et composés avec les rythmes simples Comme dans l’exemple précédent, les temps composés améliorent notre compréhension de la pulsation de base. Il y a plusieurs façons de les intégrer dans votre jeu. Par exemple, prenons des quintolets, qui sont des groupes de 5 notes par noire. Jouez deux mesures de quintolets et ensuite deux mesures de doubles croches et puis répétez. Voilà un bon exercice en soi, mais on peut le pousser un peu plus loin. Essayez d’accentuer ou, encore pire, d’ôter certaines notes dans le quintolet. Une bonne façon d’y arriver serait de prendre l’exercice (alterner des mesures de quintolets et de doubles croches) et (1) accentuer la première note de chaque groupe, qui se trouve sur la noire, tout le long de la série et (2) essayez de mettre l’accent sur la deuxième note des quintolets… et des doubles croches! Pratiquez avec votre métronome pour plus de régularité et pour assurer que vos accents sont bien placés relativement à la pulsation de base. C’est à votre avantage de commencer par un tempo très lent!

NEW FROM VATER IN 2012 Exercise | Alternating Complex, or Odd, with Simple Grooves Similarly, odd subdivisions will enhance our grasp of the basic pulse. There are a number of ways to work these into your playing. For example, let’s take quintuplets, which are groups of 5 notes per quarter-note. Play 2 bars of these, then 2 bars of sixteenth-notes, and repeat back and forth. This poses a challenge in itself, but you can take it a step further. Try accenting, or nastier still, removing some of the notes within the quintuplet. A great place to start would be taking the above exercise (alternating measures of quintuplets/ sixteenths) and (1) accent the first note of each group, landing on the quarter-note, through the entire series, then (2) try moving the accent to the second note—of the quintuplet and the sixteenth-note measures. Practice along with your metronome for consistency and to ensure that you’re accenting correctly relative to a basic pulse. It would be in your best interest to start at a very slow tempo!

A NEW TIP ON AN ICONIC STICK

Lastly, lets talk about metric modulation. We can imply a trusty eighth-note groove during a subdivision that isn’t eighth-note based, which creates the impression that we’re slowing down or speeding up. We’ll start with quarter-note triplets, using our alternatingmeasures framework as above. For the first 2 measures, you’ll be aligning your groove with the quarter-note triplets, whereas in the 2 measures that follow, you’ll be laying down the typical eighth-note groove. It will take a lot of practice and concentration to make your groove feel right during the transition. When you get to the quarter-note triplets, it can sound as if you’re dragging. It gets really interesting when you go beyond the basic pattern. For example, try adding some sixteenth-note bass drums into the mix! The bottom line is this: The more you practice abstract rhythmic concepts, the easier you’ll find it to zone in on the basic pulse and lay it down. 

By/Par: Aaron Edgar Traduction: Jim Angelillo

FUSION ACORN

Enfin, regardons la modulation métrique. Nous pouvons suggérer un bon vieux groove en croches lors d’une subdivision qui n’est pas fondée sur les croches, créant l’impression que nous ralentissons ou accélérons. Commençons par des triolets (sur noire) et utilisons la formule des mesures alternantes décrite plus haut. Durant les deux premières mesures, vous allez aligner votre rythme avec les triolets, tandis que dans les deux mesures suivantes, vous jouerez un rythme typique en croches. Cela prendra beaucoup de répétition et de concentration pour que le groove soit fluide dans la transition, car en passant du rythme en croches aux triolets, on peut avoir l’impression qu’on ralentit. Ça devient vraiment intéressant quand on va au-delà du motif de base. Par exemple, essayez d’ajouter des coups de grosse caisse en doubles croches! En somme, le fondement de mon raisonnement est que plus vous pratiquez de concepts rythmiques abstraits, plus il sera facile pour vous de sentir la pulsation de base et de jouer un groove efficace. 

™

L 16" • 40.64cm D .580" • 1.47cm VHFAW

The Fusion™ Acorn is the same design as the classic Vater Fusion but with an acorn tip for a warmer cymbal and drum tone.

VATER.COM drums etc.

Drummers hate Halloween Every serious drummer knows at least two essential things about improving his speed, his technique, and his groove. The first is that the metronome is his best friend; the second is that he has to increase the tempo slowly in order to play cleanly and relaxed at

What happens at these speeds?

Why is it that we get tired faster when we are not playing at our maximum speed? Having already asked the question to a number of drummers and guitarists, I realised that I wasn’t the only one encountering this problem when playing. However, as a teacher, I found myself pretty much alone in trying to understand the problem. So I decided to wage war against these ghost tempos.

high speeds. Learning is based on these two very important precepts. And I’d add another one that, as a teacher, seems fundamental, but that no one talks about. It is the capacity to play the same rhythm at any tempo; only truly great drummers perfectly master this. Indeed, each of us has an internal rhythmic clock, with varying degrees of effectiveness, which lets us comfortably play certain rhythms at different speeds. There are no problems when they are played slowly, but when speed is increased, a rupture point is reached, often around 170 bpm. I like to call these ghost tempos (they are there, but we don’t really feel them). At this point, it becomes difficult to remain precise and our comfort level diminishes. But, if we decide to accelerate, nearing our maximum speed, then everything comes back to normal and playing becomes comfortable again.

Les batteurs n’aiment pas l’Halloween Tout batteur sérieux connaît au moins deux choses cruciales pour améliorer sa vitesse, sa technique et son groove. La première est que le métronome est son meilleur ami, la seconde est qu’il doit augmenter le tempo lentement pour savoir jouer de façon propre et déliée à haute vitesse. L’apprentissage sera donc basé sur ces deux préceptes très importants. À ces deux-là, j’en ajouterais un qui, en tant qu’enseignant, me paraît fondamental, mais dont personne ne parle. C’est la capacité de pouvoir jouer un rythme à n’importe quel tempo; seuls les excellents et très grands batteurs maîtrisent cela à la perfection. En effet, chacun de nous possède plus ou moins bien cette horloge rythmique interne qui fait que nous sommes confortables pour jouer certains rythmes à différentes vitesses. Si on les joue lentement, il n’y a pas de problèmes, mais en accélérant on arrive toujours à un point de rupture, bien souvent aux alentours de 170 bpm. C’est ce que j’appelle les tempos fantômes (ils sont bien là, mais on ne les sent pas vraiment.) À ce stade, il est plus difficile d’être précis et nous ne sommes pas vraiment confortables. Par contre, si on décide d’accélérer et qu’on se trouve près de notre vitesse maximale alors tout revient dans l’ordre et on redevient confortable.

Pourquoi se fatigue-t-on plus vite alors que nous ne sommes pas à notre vitesse maximale? Ayant déjà posé la question à de nombreux batteurs et guitaristes, je me suis aperçu que je n’étais pas le seul à rencontrer ce problème quand je jouais. Par contre, en tant qu’enseignant, je me retrouvais souvent seul à essayer de comprendre ce problème. J’ai donc décidé de m’attaquer à ces fameux tempos fantômes.

Que se passe-til à ces vitesses?

drums etc.

Understanding ghost tempos

My first realization was that at speeds slightly under the maximum, we need to concentrate more to keep an exact and rigorous tempo, but we cannot let ourselves go, as it is not our maximum tempo. Our internal rhythmic clock is slightly off and much concentration is needed simply to play. We get tired faster and discomfort appears. What’s more, a difference in speed and feel appears whether you play with the wrists or the fingers. It might be necessary to go from one to the other when accelerating (unless you have perfect technique in bot…). In general, every drummer has his own technique, but it can be more difficult to sustain a fast tempo with the wrists or the fingers, depending on your abilities. Each case is different.

Comprendre les tempos fantômes

Le constat de départ est qu’à certaines vitesses légèrement en dessous du maximum il faut se concentrer pour garder un tempo exact et rigoureux, mais on ne peut pas se laisser aller à fond, car le tempo demandé n’est pas notre maximum. On y perd donc un peu notre horloge rythmique interne et la concentration demandée pour jouer est très importante. On se fatigue donc plus vite et l’inconfort apparaît. De plus, il y a une différence de vitesse et de sensation qui apparaît lorsque l’on joue avec les poignets ou les doigts. Il est souvent nécessaire de passer de l’un à l’autre quand on accélère (à moins d’avoir une technique parfaite dans les 2 façons de jouer…). En général, chaque batteur a sa propre technique, mais il n’est pas évident de pouvoir soutenir un tempo rapide aussi facilement avec les poignets que les doigts ou inversement, c’est selon. Chaque cas est différent. En ce qui me concerne, j’ai donc légèrement changé mon approche avec mes élèves. Je leur fais travailler un rythme simple qu’ils accélèrent de façon continue jusqu’à ce qu’il le joue au maximum de leur capacité. J’observe les changements de tempos, mais aussi la façon de jouer. Bien souvent, ils commencent avec les poignets et quand la vitesse de ceux-ci est maximale il continue d’accélérer avec les doigts. Je note les changements de tempos auxquels la précision rythmique diminue. Les tempos fantômes sont là! Je leur demande après de jouer le rythme (qui peut être par exemple un skank beat où la main droite joue en croche sur la ride avec la grosse caisse sur les temps et la caisse claire sur le ET de chaque temps) à différents tempos, mais au moins 10 minutes à chaque palier. En général, j’augmente chaque palier de 6 bpm, juste assez pour percevoir la différence de vitesse, mais sans accélérer trop rapidement. Une fois qu’ils sont confortables avec cela, je les amène à leurs propres paliers fantômes que je leur demande de tenir d’abord pour 30 secondes avec 30 secondes de récupération puis une minute avec 30 secondes de récupération puis 1 minute 30 puis 2 minutes (toujours avec 30 secondes de récupération). Je leur demande de le faire avec les poignets, puis les doigts; cela me permet de m’assurer que leur technique est bonne. Quand ils font cela depuis plusieurs semaines, on continue de jouer plus longtemps, au moins 5 minutes. Cela donne une double série qui est intéressante à jouer. 

Exercise For my part, I have already slightly changed my approach with students. I make them practice a simple beat, which they accelerate in a progressive manner until they reach the maximum speed they can manage. I watch their tempo changes, and also the way they play. Very often, they begin with their wrists, and when the speed maxes them out, they continue to accelerate with their fingers. I take note of the tempo changes where the rhythmic precision falters. That is where the ghost tempos are! Then, I ask them to play a beat (which can simply be a skank beat, where the right hand plays eighth notes on the ride, while the bass and snare drums alternate on 1 and 2) for at least 10 minutes at a given tempo, and then increase to another level by 6 bpm, just enough to feel the difference in speed, but without accelerating too fast. Once they are comfortable with this, I bring them up to their ghost tempos and ask them to play the beat for 30 seconds with a 30 second rest, then 1 minute with a 30 second rest, then 1 minute and a half with a 30 second rest, etc. I ask them to play with their wrists, and then with their fingers; this way, I make sure their technique is good. After a few weeks, I have them play longer, up to 5 minutes. It makes for an interesting double series to play. 

Series with wrists and then with fingers to be done with a metronome

30 sec. 1 min 1 min. 30 2 min. 2 min. 30 3 min. 4 min. 5 min.

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30 sec. 30 sec. 30 sec. 30 sec. 30 sec. 30 sec. 30 sec. 30 sec.

This type of exercise helps improve wrist and finger technique. One’s sense of rhythm is also very much improved, as is one’s endurance, and maximum speed. You simply need to take the time to practice long enough for new reflexes to appear. As for the ghosts, they will disappear, because, as we all know, drummers hate Halloween. To reach me, please send me an email at athleticmusician@hotmail.com.

By/Par: Frank Camus Translation: Jim Angelillo

Exercice

Série avec les poignets puis les doigts à faire au métronome

30 sec. 1 min 1 min. 30 2 min. 2 min. 30 3 min. 4 min. 5 min.

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30 sec. 30 sec. 30 sec. 30 sec. 30 sec. 30 sec. 30 sec. 30 sec.

Avec ce type d’exercice, on améliore beaucoup la technique des poignets et des doigts. On améliore aussi beaucoup son sens rythmique, son endurance et en fin de compte, sa vitesse maximale. Il faut simplement prendre le temps de jouer assez longtemps pour que les automatismes nouveaux apparaissent et que les fantômes, eux disparaissent, car c’est bien connu, les batteurs n’aiment pas l’Halloween. Pour me joindre, envoyez-moi un courriel à athleticmusician@hotmail.com

drumheads peaux dossier

New Marching Drumhead from Remo Some of the finest marching bands in the world have been road-testing the new Clear Emperor Crimplock tenor heads. Made from two plies of specially selected heavy-duty film for a total thickness of 15-mil, the Clear Emperor Crimplock tenor heads are Remo’s strongest to date. To quote World Champion drumming legend Sean Vega, “they have the best projection, tone and durability”, exactly what your drumline needs, whether you are playing gymnasiums or stadiums

Nouvelles peaux Remo pour tambours de parade Plusieurs des meilleurs orchestres de parade dans le monde ont fait l’essai des nouvelles peaux de tambour ténor Clear Emperor Crimplock. Faites de deux couches de polyester résistant spécialement sélectionné donnant une épaisseur de 15 mil, les peaux Clear Emperor Crimplock sont les peaux les plus robustes jamais fabriquées par Remo. Pour citer le champion du monde de batterie Sean Vega, cela veut dire « qu’elles possèdent la meilleure projection, la meilleure tonalité et la meilleure durabilité, » exactement ce que la section batterie de votre orchestre a besoin, que vous jouiez dans un gymnase ou dans un stade.

Vintage Sound from Remo Remo’s new Clear Vintage Emperor Tom heads come directly from the success of the original Vintage Emperor. Made with two free floating plies of 7.5-mil clear polyester films, the Clear Vintage Emperor produces warm transparent midrange tones with enhanced attack and durability. Bob Yerby, Remo’s VP of Sales and Marketing said, “The Clear Vintage Emperor has a vintage sound with modern innovation.” The best of both worlds.

Remo offre un son vintage Les nouvelles peaux de toms Clear Vintage Emperor de Remo sont inspirées directement du succès des peaux originales Vintage Emperor. Faites de deux couches de polyester clair de 7,5 mil flottant librement, les peaux Clear Vintage Emperor produisent des tonalités médianes chaleureuses et transparentes avec une bonne attaque et une bonne durabilité. Bob Yerby, vice-président aux ventes et à la commercialisation chez Remo, dit que « la peau Clear Vintage Emperor a une sonorité vintage avec des innovations modernes. » Le meilleur des deux mondes!

drums etc.

www.remo.com

Remo X14 The latest addition to Remo’s X series drumheads, the new X14 snare drum head is made from a single ply of coated 14-mil polyester film for extreme durability. It produces darker midrange tones with greater attack and volume. It is 40% thicker than the industry standard Coated Ambassador, and 20% thicker than the Ambassador X. Drummer Mark Schulman says: “The sound characteristics of Ambassadors with the durability of Emperors… a dream come true.” This is for the heavy-hitters out there!

Remo X14 La peau de caisse claire X14, la nouvelle venue dans la série de peaux X de Remo, est faite d’une couche de polyester d’une épaisseur de 14 mil pour une durabilité extrême. Elle produit des tonalités médianes assez grasses avec une bonne attaque et un bon volume. Elle est 40 % plus épaisse que la très populaire Coated Ambassador et 20 % plus épaisse que l’Ambassador X. Voici ce que le batteur Mark Schulman en dit : « Elle offre les caractéristiques sonores de l’Ambassador avec la durabilité de l’Emperor… c’est un rêve devenu réalité. » La X14 est pour ceux qui frappent fort!

Evans Marching Snare Drum Control Screens Evans, subsidiary of D’Addario, proudly introduces the new Evans Control Screen. It offers a simple and effective way to reduce the overall volume of marching snare drums without sacrificing tone, articulation, or feel. Used by top marching groups, it is simple to install, fits neatly under the drumhead, and is available in 13” and 14” sizes. “Our control screens are perfect for even the most discerning marching bands,” says Dick Markus, Evans Product Manager. “They are easy to use and the design allows you to keep the overall quality of your sound while reducing volume.”

Écran de contrôle Evans pour caisse claire de parade Evans, filiale de D’Addario, annonce fièrement la mise en marché de son nouvel écran de contrôle (Evans Control Screen). Il offre une façon simple et efficace de réduire le volume des caisses claires de parade sans en sacrifier la tonalité, l’articulation, ni la sensation. Utilisé par les meilleurs orchestres de parade, l’écran est facile à installer sous la peau et est disponible en diamètres de 13 et de 14 pouces. « Nos écrans de contrôle sont parfaits, même pour les orchestres de parade les plus exigeants, » dit Dick Markus, directeur de produit chez Evans. « Ils sont faciles à utiliser et leur design leur permet de conserver la qualité de son tout en réduisant le volume. » www.daddariocanada.com remo_cve-drumsetc_03_hp-v1.pdf

CMY

2/13/12

9:24 AM

Evans G14 Series Tom and Snare Drum Heads “The G14 is the loudest drumhead available”, says Evans Product Manager Dick Markus. That’s quite an assertion! Let’s look at the specs. The Evans G14 head is made from a single 14-mil ply film that combines durability with the dynamic response of single-ply drumheads. It withstands heavy-hitting, while projecting through the mix, providing a full, aggressive sound. Evans’ proprietary white coating provides additional warmth of tone to the coated version, while the clear version offers unrestrained response and projection. The G14 is available in sizes ranging from 6 to 20 inches. www.daddariocanada.com

Peaux de toms et de caisse claire Evans G14 « La G14 est la peau qui produit le plus de volume, » dit le directeur de produit de Evans, Dick Markus. Toute une affirmation! Regardons les caractéristiques. La peau Evans G14 est faite d’une seule épaisseur de polyester (14 mil), juxtaposant la durabilité à la réponse dynamique des peaux à une épaisseur. La G14 est très résistante aux coups puissants, mais elle produit un son qui perce à travers le mixe, un son gras et agressif. La version avec revêtement blanc procure une tonalité plus chaleureuse, tandis que la version claire offre une réponse et une projection sans retenue. Les peaux G14 de Evans sont offertes dans les dimensions suivantes : de 6 à 20 pouces.

Evans MEC2S Drumhead line Since some marching drummers were using Evans EC2S tom heads on their marching tenor drums, Evans is introducing a better-adapted product, the Marching EC2 Tenor head.. The MEC2S uses the same rollover hoop design used on all other marching tenor heads for greater durability. It is made to handle the tension and wear requirements of the marching activity. It is also fitted with the Sound Shaping Technology, which is a unique damping technique that insures optimized performance for each individually sized head. The Marching EC2S heads are available in sizes ranging from 6 to 14 inches.

Evans MEC2S Puisque plusieurs batteurs d’orchestres de parade utilisaient déjà les peaux de tom Evans EC2S sur leurs tambours ténors, Evans a décidé de mettre en marché un produit mieux adapté, soit la peau de tambour ténor Marching EC2. La MEC2S fait usage du même type d’anneau qu’on voit sur d’autres peaux de tambour ténor pour une durabilité accrue. Il est conçu pour supporter la tension élevée et l’usage intensif requis par l’activité. Chaque peau est également munie de ce qu’Evans nomme Sound Shaping Technology (technologie de modelage du son), consistant en une technique d’assourdissement unique qui assure une performance optimale pour chaque dimension de peau. D’ailleurs, les peaux Marching EC2S sont disponibles dans les dimensions suivantes : de 6 à 14 pouces.

drums etc.

Nord Drum

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Ever wish you could play synth sounds with your drums? The new Nord Drum 4-channel drum synthesizer lets you do just that. Using endlessly modifiable sample-free synthetic percussion sounds, the Nord Drum lets you create classic retrofuturistic percussion with analog waveforms or use the harmonically complex waveforms with different colors of noise for results that both sound and respond stunningly organic. It has an extremely dynamic range and super-fast triggering. It is offered as an electronic drum set or as acoustic drum triggers and MIDI pad/sequencers for easy integration into an acoustic drum set.

produits

Nord Drum Si vous rêvez d’obtenir la sonorité d’un synthé avec ou sans votre batterie, le nouvel ensemble de tambours synthés à quatre canaux vous offre cette possibilité. Faisant usage de sonorités percussives synthétiques infiniment modifiables, le Nord Drum vous permet de créer des rythmes rétro-futuristes à partir de formes d’onde analogiques ou en utilisant les formes d’onde harmoniquement complexes avec différentes textures sonores pour un résultat étonnamment organique. Les pads offrent une étendue dynamique étonnante et une réponse hyper rapide. Le Nord Drum est offert comme ensemble de tambours électroniques ou comme ensemble de déclencheurs pour tambours acoustiques. www.korgcanada.com

New sticks from Vater The new BeBop Series sticks are smaller grip models perfect for lower volume or jazz settings. The 500 and 525 models have a slightly smaller grip than a 7A, while a quick taper produces fast rebound, and a small tip for clean ride tones. All three models come in hickory or maple. Vater also announces it has designed a new edge for its Splashstick models. The dowel ends now feature angled edges for better feel, rebound, and fuller sound.

Nouvelles baguettes Vater La nouvelle série BeBop offre des baguettes plus minces, idéales pour jouer du jazz ou de la musique à bas volume. Les modèles 500 et 525 ont une prise légèrement plus mince qu’une baguette 7A, tandis qu’un biseau court promeut un rebond rapide. La petite pointe aide à produire des sonorités de ride très nettes. En tout, il y a trois modèles de noyer ou d’érable. Vater annonce également des modifications pour ses modèles de baguettes Splashstick. La bordure du bout des tiges est maintenant en angle pour une meilleure sensation, un meilleur rebond et une sonorité plus ronde. www.eriksonmusic.com

New Gon Bops cajons Gon Bops now offers two new cajon models specifically designed for unique market segments. The first is the El Toro, named after percussionist Efrain Toro. Made from Peruvian Mohena hardwood, it features inner guitar strings for an authentic flamenco sound, snappy highs to deep resonant lows. The second is the Fiesta Cajon, a slightly smaller introductory level model perfect for students and beginners with an adjustable maple front panel and internal snare wires. Both instruments have large rubber feet to ensure optimal resonance.

Nouveaux cajons Gon Bops Gon Bops offre maintenant deux nouveaux modèles de cajons conçus pour des segments de marché particuliers. Le premier est le El Toro, nommé en hommage au percussionniste Efrain Toro. Fabriqué à partir de mohena, un bois franc péruvien, il est muni de cordes de guitare pour une sonorité flamenco authentique, des aigues franches et des graves grasses et résonantes. Le second est le Fiesta Cajon, un cajon d’entrée de gamme légèrement plus petit, idéal pour les étudiants et les débutants. Son panneau avant en érable est ajustable et muni de cordes de timbre internes. Les deux instruments reposent sur de grosses pattes de caoutchouc, assurant une résonance optimale. www.gonbops.com drums etc.

Yamaha DTX9750K Drum Trigger Kit As the popularity of electronic drum sets rises every year, the instruments themselves are continuously getting better. And this one’s no exception! The DTX9750K set includes 3 8” 3-zone Textured Cellular Silicone (TCS) tom pads, a Kick tower, a 10” 3-zone TSC snare pad with throw off, 2 13” 3-zone crashes, a 15” 3-zone ride, and a 13” HH controller. The DTX900 module contains over 2000 stereo samples of Yamaha professional class drums, plus USB MIDI and storage, MOTIF class tone generation, and playback of your favourite popular songs via USB key. The set includes professional Yamaha cymbal holders, snare and hi-hat stands, and the RS700 rack system.

Batterie électronique Yamaha DTX9750K Tandis que la popularité des batteries électroniques augmente chaque année, les instruments eux-mêmes continuent de s’améliorer. Et celui-ci ne fait pas exception! L’ensemble DTX9750K comprend trois pads « tom » de 8 pouces à trois zones de frappe, une tour « grosse caisse », un pad « caisse claire » de 10 pouces à trois zones de frappe avec tringle de tension, deux cymbales crash de 13 pouces, une ride de 15 pouces, également à trois zones de frappe, et un hi-hat de 13 pouces. Le module DTX900 renferme plus de 2000 échantillonnages stéréo des batteries Yamaha de classe professionnelle, en plus de connexions USB et MIDI, un générateur sonore MOTIF et la possibilité de faire jouer vos chansons favorites en utilisant une clé USB. L’ensemble comprend également des pieds de cymbale, de caisse claire et de hi-hat professionnels, et le support de tambours. www.yamaha.ca

Roland HD-3 V-Drums Lite As an updated version of Roland’s popular entry-level HD-1 set, the new HD-3 V-Drums Lite offers enhanced playability and features, while retaining the compact, stylish design, sound quality, and ease of use. This is an affordable solution, ideal for family music spaces, schools, dorm rooms or offices. The updated sound module includes 20 new drum kits and an enhanced metronome, and is equipped with an external music player input so users can jam with their favourite songs and control the blend of music and live drumming.

Roland HD-3 V-Drums Lite Comme version améliorée du populaire ensemble d’entrée de gamme HD-1 de Roland, offre une facilité d’utilisation accrue et plus de fonctions, tout en conservant son aspect compact, son allure stylisée et sa qualité sonore. L’ensemble HD-3 constitue une solution abordable pour le coin musical familial, l’école, la chambre d’étudiant ou le bureau. Le module sonore comprend maintenant 20 nouvelles batteries et un métronome amélioré. Il est d’ailleurs muni d’une entrée destinée aux lecteurs de musique externes permettant d’accompagner vos chansons favorites, avec la possibilité de régler le mélange musiquebatterie. www.roland.ca 22

drums etc.

At some point you have to ask yourself if you really want to be a better drummer.

Yamaha Gigmaker 600 Powerpack A Yamaha Canada exclusive, the Gigmaker 600, available in a 22” or 20” configuration and 5 glitter finishes, offers drummers a complete package, including professional grade hardware and chain kick-pedal, and Paiste Pst3 cymbals. The matching wood bass drum hoops and professional hi-hat clutch are nice touches. All hardware comes with a 5-year warranty, while the cymbals have a 2-year warranty. The Gigmaker 600 Powerpack makes a great all around drum set at a very reasonable price.

Yamaha Gigmaker 600 Powerpack Exclusif à Yamaha Canada, le Gigmaker 600, disponible en configuration de 22 ou 20 pouces et en 5 finis éclatants, constitue la batterie ultime. L’ensemble comprend une quincaillerie de gamme professionnelle, y compris une pédale à chaine et des cymbales Paiste Pst3. Les anneaux de la grosse caisse de bois agencé et le mécanisme de hi-hat professionnel sont des aspects appréciés. La quincaillerie possède une garantie de 5 ans, tandis que les cymbales en ont une de 2 ans. La batterie Gigmaker 600 Powerpack est une superbe batterie polyvalente offerte à un prix plus que raisonnable.

The 17th Annual KoSA International Percussion Workshop, Drum Camp & Festival July 24-29, 2012 Castleton State College, Vermont USA

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Pearl Session Studio Classic Drums Constructed around blended birch and kapur shells, Pearl’s Session Studio Classic recreates the classic “session sound” of strong attack and projection with impressive lows and punch you can feel. The drums feature the same high gloss lacquer finish used for the Masters, Reference, and Masterworks series instruments. Studio Classic snare drums are fitted with SuperHoop II hoops for great rimshots and resonance. The set is offered in a choice of three shell packs, with Remo heads, and OptiMount tom holders.

Batterie Pearl Session Studio Classic Construite autour de fûts faits d’un mélange de bouleau et de bois de kapur, la batterie Session Studio Classic de Pearl recrée le « son de studio » classique, c’est-à-dire une attaque et une projection fortes, des graves impressionnantes et beaucoup de punch. Les tambours ont été fini avec une laque ultra-brillante, la même qui est utilisée sur les tambours des séries Masters, Reference et Masterworks. Les caisses claires Studio Classic sont munies d’anneaux SuperHoop II, produisant de superbes rimshots et une bonne résonance. Vous avez le choix entre trois ensembles de fûts, fournis avec des peaux Remo et un support de toms OptiMount. www.eriksonmusic.com

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