Muzik Etc [v20-n6] November-December 2008

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Poste-Publication Convention No 40009235, Adresse de retour : 753, Ste-Hélène, Longueuil, QC J4K 3R5 Publication Mail Agreement No 40009235, Return Address : 753, Ste-Hélène, Longueuil, QC J4K 3R5

Levon Ichkhanian +

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Keyboards & Software Claviers et logiciels

.OVEMBRE s $£CEMBRE

GRATUIT !

NOVEMBER - DECEMBER novembre - décembre

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Cover / En couverture

Levon Ichkhanian t by/par T.Bruce Witte

ETC 6 What’s New /

Quoi de neuf

Dossier

Keyboards & Softwar e update / Claviers et logiciels

Volume 20, No 6 November-December / novembre-décembre 2008 Editor in Chief / Rédactrice en chef Sofi Gamache (450) 674-1114 sofi@muziketc.ca Associate Editor / Rédacteur associé T. Bruce Wittet bruce.wittet@rogers.com Contributing Writers / Journalistes Ralph Angelillo, Graham Collins, Gerry Griffin, Jeffrey Gunn, Ian Tamblyn , T. Bruce Wittet Translation / Traduction Jim Angelillo, Geneviève Hébert Cover Photo/ Photo couvert Cylla von Tiedemann

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SYNTHS / SYNTHÉS The First Word & the Last from Software Experts / Le premier et le dernier mot des experts en logiciels

by/par Graham Collins

16 The Cruise Ship Option /

L’option croisière

by/par Jeffrey Gunn

by/par Ian Tamblyn

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PRODUCTION Old, New or Custom-Built? / Vieux, nouveau ou sur mesure ?

by/par Gerry Griffin

REFLECTION / RÉFLEXION 18 The Two Week Gig /

Le contrat de deux semaines

4 EDITO

Agenda

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2008

Advertising / Publicité Ralph Angelillo (888) / (450) 928-1726 angelillo@videotron.ca Serge Gamache (866) 834-4257 / (450) 651-4257 Publisher / Éditeur Serge Gamache sergegamache@videotron.ca

ads?client=ca-pub-

Printer / Imprimeur Solisco ODC audit report for the six month period ended September 2007 / Rapport ODC de la diffusion pour les six mois terminés en septembre 2007

Muzik Etc / Drums Etc is published 6 times per year and distributed across Canada, in music retail stores, music schools, etc. (434 distribution points) Muzik Etc / Drums Etc est publié 6 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles de musique, chez les détaillants de musique, etc.

(434 points de distribution) Poste-Publication Convention No 40009235, Adresse de retour : 753, Ste-Hélène, Longueuil, QC J4K 3R5 Publication Mail Agreement No 40009235, Return Address: 753, Ste-Hélène, Longueuil, QC J4K 3R5 © Copyright 2008 MUZIK ETC / DRUMS ETC 753 rue Ste-Hélène, Longueuil (QC) J4K 3R5 Canada Fax: (450) 670-8683

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Drowning in a Sea of Commitments

H

ave you noticed the motivational angle recently? We keep feeding you pointers and ideas to help move you off your couch and onto the stage. Well, this editorial is intended to tone down our pitch. See, there’s a limit to just how much a single individual can, and should, do. I’ve recently learned this—you guessed it—the hard way.

I’m suggesting that, yes, go out there.

Find gigs, have fun and maybe make a ­little cash. But please, be careful and don’t take on too much. You’ll lose more than you’ll gain.

I know that this may sound trivial. Or simple. And that’s just the point. ­Simple truths are easily forgotten in the rush of existence. For me, it came to the point where I’d spread myself so thin that a sudden gust of wind might have scooped me up and carried me off to Never Never Land (though it would have been welcomed at the time!).

It’s not like I planned it. Stuff like that just happens. It creeps up on you. There are signs that trouble is approaching but you don’t see them until it’s way too late.

Listen: If you get too caught up to see the signs, at least be wise enough to listen to the people around you. They’re apt to spot your impending doom as clear of day. Meanwhile, you’ve lost sight of yourself and you’re drowning in a vortex of endless commitments.

Don’t worry ‘bout me, though. I’m fine, really. Like a reed in the wind. But here’s my “mommy” advice of the day: Set limits and hold true to them. Don’t spread yourself too thin. No job or gig is worth it. And, in the spirit of our cover story, never forget who you are. You owe yourself that much.

Sofi Gamache Ps. Thanks for opening my eyes, guys; you know who you are.

Se noyer dans une mer de responsabilités

A

vez-vous remarqué la tendance motivationnelle que nous avons prise récemment ? Nous vous offrons des conseils et des idées qui vous aideront à monter sur scène. Eh bien, l’objectif de cet éditorial est de mettre un peu d’eau dans notre vin. Vous voyez, il y a une limite à ce qu’une personne peut faire. C’est ce que j’ai appris récemment, vous l’aurez deviné, à mes dépens.

Je ne vous dis pas de ne rien faire.

Au contraire, montez des spectacles, amusez-vous et essayez de faire en sorte que ça rapporte un peu. Mais de grâce, soyez prudents et n’en faites pas plus que vous pouvez en faire. Ça vous nuira plus que ça vous aidera.

Je sais que ça peut sonner insigni­ fiant ou même simpliste. Mais c’est juste­ ment ça, l’idée. Les vérités simples sont souvent mises de côté dans l’intensité de la vie. Pour ma part, je me suis rendu à un point où j’étais tellement surmenée que je me serais volontiers laissé emporter vers le Pays des Merveilles !

Ce n’est pas comme si j’ai fait exprès. C’est quelque chose qui survient, tout simplement, comme par surprise.

Oui, il y a des signes avant-coureurs, mais on ne s’en aperçoit pas avant qu’il ne soit trop tard.

Regardez, si vous êtes vraiment trop pris pour voir les signes, essayez d’être assez lucides pour écouter les gens qui vous entourent. Ils sont bien placés pour percevoir la dégringolade qui vous guette. Pendant ce temps, vous vous perdez et vous noyez dans un tourbillon d’engagements sans fin.

Mais ne vous inquiétez pas pour moi. Ça va bien… comme un roseau dans le vent. Voici mon conseil « maternel » du jour : Imposez-vous des limites et ne les dépassez pas. Ne vous surmenez pas ; aucun contrat ou spectacle n’en vaut la peine. Et dans l’esprit de notre article de couverture, n’oubliez jamais qui vous êtes. C’est la base.

Sofi Gamache PS. Merci à ceux qui m’ont ouvert les yeux (vous savez qui vous êtes !).

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AGENDA muzik ETC

Édito

Edito

CINARS 2008 Montréal, QC November 17-23 / 17 au 23 novembre (514) 842-5866 www.cinars.org

NAMM 2009 (Industry only / Industrie seulement) Anaheim, CA January 15-18 / 15 au 18 janvier 2009 www.namm.org

CANADIAN MUSIC WEEK Toronto, ON March 11-14 / 11 au 14 mars 2009 info@cmw.net www.cmw.net

MUSIKMESSE 2009 Frankfurt, DE April 1-4 / 1 au 4 avril 2009 (905) 824-5017 info@canada.messefrankfurt.com www.musikmesse.com

MIAC 2009 Toronto, ON August 23-24 / 23-24 août 2009 1-877-490-6422 www.miac.net

GUITAR SUMMIT 2009 Mont-Orford, QC August 24-28 / 24 au 28 août 2009 1-866-319-5754 info@theguitarsummit.com www.theguitarsummit.com

MONTRÉAL DRUM FEST 2009 Montréal, QC October 23-24-25 / 23-24-25 octobre 2009 1-888-928-1726 www.montrealdrumfest.com www.myspace.com/ montrealdrumfest.com

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International Songwriting Competition Extends Deadline Until December 1, 2008

Act now and get your submission to the ISC by mail, email, or even via ­MySpace and you’ll get a chance many valuable prizes including $150,000 in cash. Celebrity judges include Robert Smith (The Cure), Rob Thomas, Tom Waits (!) and Chaka Khan. Visit­ www.songwritingcompetition.com for the scoop.

Le International songwriting competition recule sa date butoir au 1er décembre 2008

N’attendez plus et demandez à recevoir votre formulaire d’inscription au ISC par la poste, par courriel ou par l’entremise de MySpace. ­Ainsi, vous obtiendrez également la chance de gagner plusieurs prix alléchants, dont 150 000 $ en argent. Parmi les juges, vous retrouverez les célèbres Robert Smith (The Cure), Rob Thomas, Tom Waits (!) et Chaka Khan. ­Visitez www.songwritingcompetition.com

Battle Of The Beach

Admiral Entertainment is currently looking for ­Canadian bands to participate in the first annual Battle of the Beach, hosted on spring break by Best Break Tours in Panama City Beach, Florida. Travel expenses will be paid and winners get a chance at $3,000 cash and gift certificates. Sounds like a good bash to us. Check out: http://www.facebook.com/pages/ Battle-Of-The-Beach/26375128385?ref=mf

Battle Of The Beach

Admiral Entertainment est actuellement à la recherche de groupes canadiens intéressés à participer à la toute première Battle of the Beach annuelle, qui aura lieu Pendant la semaine de relâche et le Best Break Tours à Panama City Beach, en Floride. Les frais de déplacement seront couverts et les gagnants auront la chance de gagner 3 000 $ en argent, ainsi que des certificatscadeaux. Visitez : http://www.facebook.com/pages/ Battle-Of-The-Beach/26375128385?ref=mf

Schools Receive Six Hundred Grand in Support of Music Programs

MusiCounts, a Canadian music education charity under CARAS, formerly known as MusiCan, announced it will give out $600,000 in 2008-2009 school year. The money goes to school programs nationwide, the idea being that all young Canadians, regardless of financial or cultural status, should have the opportunity to play ­instruments and receive pro instruction. n

Des écoles reçoivent six cent mille dollars pour leurs ­programmes de musique

MusiCounts, une fondation canadienne pour l’éducation musicale sous l’égide de CARAS, autrefois connu sous le nom de MusiCan, a déclaré avoir donné 600 000 $ pendant l’année 2008-2009. L’argent ira au soutien de programmes scolaires à l’échelle nationale, qui donneront à tous les Canadiens, peu importe leur statut culturel ou social, l’occasion de jouer avec des instruments et de recevoir une éducation musicale par des professionnels. n

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en couverture

cover story

Levon

Ichkhanian By / Par : T. Bruce Wittet

Traduction : Geneviève Hébert

Photos : Cylla von Tiedemann

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A Flame Burns Brighter Ten Years After

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ho has seen the wind? We’re betting on Levon Ichkhanian. The man who, almost exactly ten years ago, graced the first cover of Muzik Etc has seen it all, from Olympic galas in breathtaking open-air concert venues to damp stucco clubs a thousand miles from the nearest Tim Horton’s.

Levon Ichkhanian speaks eloquently to this magazine’s mandate, his every word providing inspiration to novice musicians or those who have faltered in mid-stream. Unlike so many others, Levon allows nothing to dampen his passion for music. He spends energy exploring new creative avenues, not dwelling on dead ends. Levon’s strategy is deceptively simple. That is, thrust forward in pursuit of musical fulfillment, constantly redoubling your energy and practice, and there will be no obstacles you cannot negotiate.

Choosing to be a musician is not hard, Levon suggests. But pursuing music twenty-four hours a day and learning an instrument to the core—that’s a big deal. Muzik Etc revisits Levon Ichkhanian, top-shelf producer, session guitarist and solo artist, to ask him questions that loom as large as they did ten years ago: What can musicians do to achieve success? And why do some fail while others succeed?

LI: For starters, the first mistake is listening to others. Music is a self-validating profession. We do a performance and people say, “Oh, that was great”, and we know it wasn’t. We should always be examining, for example, the way we played a song and maybe more comfortable and effective ways of doing it.

This whole notion about “the secret” being available in some book or DVD is fine. But if you sit every day in a room praying it’s going to happen for you, it’s not; you have to get out and do something to make it happen. We have to plan instead of play catch-up.

ME: What’s the first step musicians ought to take?

LI: The bottom line is to find that thing that makes you jump out of bed in the morning and not just wake up. Examine yourself a lot because if you don’t, you’ll end up blaming the world, society and others when things don’t happen. Impulses are good in music but sometimes we have to play smarter. If you we do a wedding, it’s more than playing “hot, hot, hot”; it’s a massive cultural event. But as musicians, we constantly shut ourselves off from experiencing things fully.

ME: What could playing a wedding possibly do to enhance our chances?

LI: The minute we can’t appreciate a wedding, we should stop doing jobbing gigs and give them to up and coming musicians who need experience. I’ll admit that I’ve given them up unless I’m the leader and I can play what I want: In the music world, everyone asks if we can approach things this way or that. Meanwhile, we should be doing things our way. Our musical heroes, like Charlie Parker, changed history because they explored music thoroughly. They may have been poor but they satisfied their own definitions of satisfaction and success.

I believe that feeling good or feeling bad is a choice. We’re all dealt the same cards; what do we do with them is what counts. For me, it’s easy: I don’t do anything I don’t want to do. It’s simplified my life like you wouldn’t believe. It’s not the easiest road but now when I’m in a musical situation, I’m there because it’s absolutely where I want to be at that moment.

I was in the Olympic hotel in Beijing and talked to this Greek martial arts master who trained hard every day. He simply couldn’t stop; it doesn’t work like that.

Dix ans plus tard, il brûle toujours du même feu

S’

il y en a un qui a vu du pays, c’est bien Levon Ichkhanian. L’homme qui avait fait la page couverture de Muzik Etc, il y a environ dix ans, en a vu de toutes les couleurs : de la scène en plein air lors des Olympiques aux 4 murs suintants en stuc de boîtes de nuit situées à des kilomètres et des kilomètres du Tim Horton le plus près.

Levon Ichkhanian parle avec éloquence au mandataire de notre magazine, chacun de ses mots insufflant une inspiration nouvelle aux musiciens débutants et à ceux qui hésitent à poursuivre leur route en tant que musicien. Contrairement à plusieurs, Levon ne laisse rien interférer avec sa passion pour la musique. Il met toute son énergie à explorer de nouvelles avenues créatives, sans jamais s’éterniser dans les culs de sacs. La stratégie de Levon est plus simple qu’il n’y paraît. Il va de l’avant en cherchant à s’épanouir musicalement, redoublant constamment les efforts et la rigueur au travail. Ainsi, les obstacles ne lui paraissent jamais insurmontables. « Il est facile de choisir de devenir musicien », suggère Levon. « Le réel défi réside dans le fait de s’y mettre vingt-quatre heures par jour et d’aller au bout de son instrument. » Muzik Etc a choisi de poser les mêmes questions qu’il y a dix ans à Levon Ichkhanian, producteur de haut niveau, guitariste studio et artiste solo : que faut-il faire pour avoir du succès en tant que musicien ? Et pourquoi certains d’entre nous ne réussissent-ils pas ?

LI : L’erreur de plusieurs est d’écouter les autres. La profession de musicien est une affirmation de soi. Après un spectacle,

les gens nous disent souvent : « c’était génial ». Mais nous savons très bien quand ce n’est pas le cas. Nous devrions toujours revoir la façon dont nous avons joué une chanson et chercher à la rendre de façon plus naturelle et efficace.

Je n’ai rien contre ceux qui pensent pouvoir trouver le « secret » dans les livres et les DVD. Mais s’ils ne font que prier pour que leur talent se manifeste, ils risquent d’être déçus. Pour arriver à quoi que soit, il faut y mettre l’effort et s’organiser pour arriver à ses buts au lieu d’attendre l’illumination.

ME : Quelle est la première étape à franchir pour un musicien ?

LI : Il faut trouver l’élément qui vous motive à sortir du lit le matin. Il faut aussi beaucoup vous s’observer parce que si vous ne le faites pas, vous finirez par blâmer le monde entier ou la société quand les choses ne se passeront pas comme vous voulez. Il est bien d’écouter ses impulsions en musique, mais parfois, il faut y mettre plus de conscience. Par exemple, lorsque vous décrochez un contrat pour un mariage, ne le faites pas à contrecœur : jouez comme si vous étiez à un évènement culturel important. Les musiciens s’empêchent souvent de vivre ces expériences pleinement.

ME : Jouer à un mariage peut-il vraiment augmenter nos chances de réussite ?

LI : Du moment où les contrats de mariage ne vous satisfont plus, il faut arrêter d’en prendre et les laisser aux musiciens qui ont besoin d’expérience. À un moment donné, j’ai moi-même cessé de prendre des contrats de mariage, sauf pour ceux qui me donnaient carte blanche. Dans le domaine de la musique, les gens

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One of my favorite movies is Pay it Forward. The idea is doing things without the expectation of something in return, especially a return that is a complete fabrication in our minds! We don’t receive that something and we get down about it.

Around 2005 for Lord of the Rings I was enthusiastic about this huge theatrical production. We’re rehearsing and I can’t figure out one of my parts. I tell the director, “These notes don’t exist on my instrument!” It turns out that the part is for an Irish bouzouki, a completely different animal from guitar or Greek bouzouki. Why does it have to be this way? Why can’t I just play guitar parts? The previews start in two weeks. My only option is to start practicing the Irish bouzouki. After the show, I was exhausted from all the work. But the other feeling was yessss! The problem is that musicians tend to walk away from options.

It all comes down to knowing exactly what you can contribute. Be truthful. Put your neck on the block when you know deep inside that you can do a gig justice. How do you come to that realization? Well,

it’s not going to happen on its own. It takes persistence, determination and practice.

It goes back to my Olympics martial arts friend. One day he wakes up and maybe he’s tired. But he goes to his practice room anyway.

The moment he enters the room and begins, he enters a different world of beauty and creation.

We can no longer be a nine-to-five society. I offered to help the musical director in Beijing. When he said he needed an arranger, I came back in an hour with five names and astonished him. I could have gone sightseeing in Beijing or shopping. But by contributing a little more effort, I was able to make things better—instead of sitting and watching things go by.

I hear musicians talk about others, “Yeah, man. They don’t have their shit together”. Come on, we’ve got to stop talking that way.

A.R. Rahman

Alain Caron Charles Aznavour

Peter Murphy Hari Haran

Dee Dee Bridgewater

vous demanderont toujours de faire les choses de telle ou telle façon. Mais vous devriez toujours faire les choses à votre façon.

En musique, les idoles comme Charlie Parker ont réussi à changer l’histoire en explorant la musique sous toutes ses formes. Ils ont peut-être vécu dans la pauvreté, mais ils avaient leur propre ­définition de la satisfaction et du succès.

Je crois que le sentiment de se sentir bien ou mal est un choix. Nous avons tous brassé les dés, mais ce qui compte, c’est que nous en faisons. Pour moi, c’est facile: je ne fais plus rien que je ne veux pas faire. Vous ne pouvez pas vous imaginer à quel point ça a changé ma vie ! Ce n’est certainement pas le chemin le plus facile, mais lorsque je joue de la musique, je sais que je suis là parce que j’ai choisi d’être là à ce moment même.

J’étais dans un hôtel pendant les Olympiques à Beijing et je parlais à un maître des arts martiaux qui venait de Grèce et qui s’entraînait à fond tous les jours. Il ne pouvait pas s’en empêcher : c’était plus fort que lui.

Payez au suivant est un de mes films préférés. Le film suggère qu’il faut faire les choses sans attendre rien en retour, et surtout, sans avoir toutes sortes d’attentes fabriquées de toutes pièces !

Sans attente, il est impossible d’être déçus !

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En 2005, je m’étais beaucoup enthousiasmé au sujet d’une i­mportante production théâtrale du Seigneur des agneaux. En pleine répétition, je n’arrivais plus à lire ma partition. J’ai dit au directeur: « ces notes n’existent pas sur mon instrument ! » En fait, la partition avait été écrite pour un bouzouki irlandais, une créature tout à fait différente de la guitare et même du bouzouki grec.

Pourquoi était-ce comme ça ? Pourquoi est-ce que je ne pouvais pas tout simplement jouer de la guitare ? Les avant-­premières de­vaient avoir lieu dans deux semaines. Ma seule option était de commencer à jouer du bouzouki irlandais. Après le spectacle, j’étais exténué d’avoir tant travaillé, mais j’avais aussi le merveilleux sentiment de m’être dépassé ! Le problème est que les musiciens ont tendance à reculer devant les choix.

Au bout du compte, l’idée est de connaître exactement ce dont vous êtes capables. Soyez honnêtes avec vous-mêmes. N’acceptez un contrat que si vous pouvez lui rendre justice. Comment y arriver ? Cela ne se fait pas tout seul : il faut de la persévérance, de la détermination et de la pratique.

Prenez mon ami qui a participé aux Olympiques. Il arrive qu’il se réveille fatigué. Mais il se rend tout de même à son dojo. Dès l’instant où il entre dans la pièce et qu’il commence à travailler, il

We’ve got to offer more; we’ve got to contribute. In Beijing, I didn’t do extra things to impress anybody. I need to do these things. And it turns out that now I’m close to a famous American producer who produced the Billboard awards.

If we approach every situation that way, we’ll have more of chance to be happy, fulfilled, and inspired. Otherwise, we become ­jaded in our little comfort zone. Like Einstein said, “If we do what we did yesterday and expect different results, we’re bordering on senility!” n

Post Script

Aside from performing and contracting for theatre productions including Spamalot and My Fair Lady, Levon has composed for the Nashville Chamber Orchestra and The Atlantic Jazz Society. He’ll have a new solo album out soon, in addition to projects by Cafe Mediteranne and World Sinfonia. He’s produced numerous albums and has played on many television and radio commercials. Levon Ichkhanian plays D’Addario strings on Godin guitars and uses Levy’s Leathers gig bags, Intellitouch tuners, and wares by Sibelius and Stringtech. entre dans un monde complètement différent, un monde de beauté et de création.

La société n’arrive à rien en travaillant de neuf à cinq. À ­Beijing, j’ai offert au directeur musical de l’aider. Lorsqu’il m’a confié qu’il avait besoin de quelqu’un pour les arrangements, une heure plus tard, je lui proposais cinq noms. Ça l’a impressionné.

J’aurais pu, bien sûr, faire du tourisme à Beijing. Mais en y mettant un ­petit effort, j’ai pu contribuer à la situation, au lieu d’être complètement passif.

J’entends parfois certains musiciens dire des autres qu’ils ne sont pas très bons. Il faut arrêter de dire des choses pareilles et tenter d’offrir notre aide, et ainsi, de contribuer davantage. À Beijing, je n’avais pas l’intention d’impressionner personne à n’en faisant un peu plus. J’avais besoin de le faire. Aujourd’hui, je garde encore contact avec le célèbre producteur américain des prix Billboard.

En approchant les situations de cette façon, nous avons plus de chance d’être heureux, satisfaits, inspirés. Autrement, en restant dans notre zone de confort, nous devenons blasés. Comme disait Einstein : « Si nous faisons la même chose qu’hier en pensant obtenir des résultats différents, c’est que nous sommes pas loin d’être séniles ! » n

Post Scriptum

En plus d’obtenir des contrats pour des productions théâtrales incluant Spamalot et My Fair Lady, Levon a composé pour le ­Nashville Chamber Orchestra et The Atlantic Jazz Society. Il a participé aux projets Cafe Mediteranne et World Sinfonia et lancera bientôt un nouvel album solo. Il a également produit de nombreux albums et joué pour plusieurs spots publicitaires à la radio et à la télévision. Levon Ichkhanian utilise les cordes D’Addario, les syntoniseurs Intellitouch, les guitares Godin qu’il transporte dans des étuis en cuir de marque Levy’s, ainsi que d’autres accessoires de ­Sibelius et Stringtech.

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Driving the industry:

The ultimate in arranger/workstations, with unrivaled expressive realism. You won't believe your ears. muzik etc 13 www.music-tyros.com

SYNTHÉS

SYNTHS By / Par : Graham Collins Traduction : Geneviève Hébert

First Word & the Last from Software Experts The

For our software theme issue, I’m speaking with Michael ­Lambie from the company Sound Quest (Victoria) and ­Marc-Pierre Verge from Applied-Acoustics Systems ­(Montreal). Both men create world-class, award-winning MIDI and audio ­software, which has attracted the attention of a wide variety of industry magazines ­ C: What is your background?

G ML: I have a Bachelor of Applied Science degree from the ­University of Waterloo in systems design engineering. I also studied production and engineering at Fanshawe College and jazz at Humber C ­ ollege.

MVP: I did a PhD in acoustics (synthesis and physical modeling) at IRCAM in Paris. I also studied at the Faculty of Music at Laval ­University and at Université de Montréal. I am a classically trained flute player.

GC: Why have you not gone on to work for a larger, international company?

ML: I’m part-owner of a company and I’ve never wanted to leave.Over the years we’ve done development and licensed software to Yamaha, Roland, Korg, Line 6, and more. You don’t need to be employed by a company to do work for them if you have skills that they are looking for.

MPV: Before starting the company, I worked in an acoustic research laboratory in France. I became interested in starting a new company more than finding work in a large company. Montréal was a good place for a start-up.

GC: What are the difficulties/advantages to working with a smaller company in Canada? Are there incentives to relocate?

ML: Customs and the border used to be problems in Sound Quest’s early days but the Internet has made these non-issues. There are no incentives we are aware of to encourage us to pack up and move to another country. The music software industry is just not big enough to matter.

MPV: Although there are many multimedia companies in ­Montréal there are very few specializing in audio. I don’t see this as a reason to move the company, and I hope we can contribute to develop this field in Canada. If I was looking for another job in this industry, I think I’d have to move abroad.

GC: What advice would you give to someone just starting out ­writing music software?

ML: Be honest about the kind of lifestyle you want. If you want to sell a mainstream product, you need a lot of seed capital. This wasn’t so much the case when Sound Quest started but it is now. Be prepared to deal with banks and investors always looking over your shoulder. Alternatively, if you want more control, look for a niche market that isn’t being served and develop a product for it. In either case, be prepared for a lot of work. You may never get to be a millionaire—and you’ll work your butt off seventy hours a weeks and make less than if you’d gotten a good programming or engineering job—but you’ll work in an industry you love and you’ll have a lot of fun.

MPV: Evaluate well the competition and then examine how any new product is gong to fit into the existing market, which is small and ­crowded.

GC: Can you offer opinions on the different plug-in formats for DAWs currently available?

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ML: The difficulty in supporting plug-in formats is ensuring that software runs smoothly on all of the different hosts. VST 2 has many versions and many implementations. The standard is open enough that it allows hosts to implement fully some of the features and only partially implement others. This can cause frustration when the user wants to do something that is supported by Midi Quest but not by the host.

MPV: I can’t say really that we prefer any one format. What is important for us, in offering cross-platform applications, is making sure that our instru­ments work perfectly with all of them. A lot of energy is spent coding and maintaining similar pieces of code, which all more or less do the same thing. The best would be to have one real standard used by ­everyone.

GC: When creating new software versions, how do you decide which features to include?

ML: Over the years, our users have contributed many ideas that tend to be refinements on our existing features. When looking at more substantial, conceptual aspects, changes usually come from within the organization or from companies that license our ­software.

MPV: Feedback from users is really important and contributes to the evolution of our own vision. There are always things that we only notice or realize once the application is out.

GC: When a new computer operating system is introduced/­ updated, how much work is involved in porting over and updating your work?

ML: It really depends on how much the OS has changed. Since the release of Windows 3.1, Microsoft has been good about not changing the APIs. They have added new APIs and new functions, but the code once written has had a very long shelf life. Apple frequently introduces new APIs that require substantially more time to re-code applications. Some of this is understandable in the move from OS9 to OSX, which required a huge investment. There are, however, major APIs that were introduced with OSX that have already been deprecated in the 64-bit version of 10.5 (Leopard). To us, this appears excessive.

MPV: It depends on the new release. Sometimes things will still work while, in other cases, the process can be very long. The passage from Mac OS9 to OSX took us at least a year. In any case, it always involves a lot of testing even if our code did not change a lot.

GC: Where do you see the future of music software heading?

ML: As computers become more powerful, it is possible to move out of the studio and into [virtually] the computer. I see that ­continuing.

MPV: More software integration in dedicated hardware platforms. From a synthesis point of view, I see a bright future for modeling based applications. CPU power used to be an issue but not a­nymore. n Graham Collins is a Toronto based composer/synthesist who can be reached at graham@pongthrob.com

www.squest.com www.applied-acoustics.com

Le premier et le dernier mot des experts en logiciels Pour cette édition abordant le thème des logiciels, je me suis adressé à Michael Lambie de Sound Quest (Victoria) et à ­Marc-Pierre Verge de Applied-Acoustics Systems ­(Montréal). Tous deux conçoi­ vent des logiciels audio et MIDI primés et de renommée mondiale ayant attiré l’attention de plusieurs ­magazines de l’industrie.

GC : Quel genre de formation avez-vous suivi ?

ML : J’ai une licence du département des sciences appliquées de l’université de Waterloo en ingénierie informatique, spécialisation conception de systèmes. J’ai aussi étudié la production et l’ingénierie au Fanshawe College, ainsi que le jazz au Humber ­College.

MVP : Pour ma part, j’ai fait un doctorat en acoustique (synthèse et modelage physique) à l’IRCAM, à Paris. J’ai aussi étudié en musique à ­l’Université Laval et à l’Université de Montréal. J’ai une formation classique de flûtiste.

GC : Pourquoi n’êtes-vous pas allés travailler pour de grandes entreprises d’envergure internationale ?

ML : Je suis un des propriétaires de la compagnie pour laquelle je travaille et je n’ai jamais eu envie d’aller ailleurs. Avec les années, nous avons fait beaucoup de développement et nous avons des produits sous licence avec Yamaha, Roland, Korg, Line 6 et plus encore. Si vous avez ce que ces compagnies recherchent, nul besoin d’être employé à leur enseigne pour travailler pour eux.

MPV : Avant de lancer mon entreprise, j’ai travaillé dans un labora­toire de recherche acoustique en France. Démarrer une nouvelle en­treprise a fini par m’attirer davantage que de travailler pour une gran­de entreprise. ­Montréal était l’endroit idéal pour réaliser ce ­projet.

GC : Quels sont les avantages et les difficultés de travailler dans une petite entreprise au Canada ? Qu’est-ce qui pourrait vous motiver à vous installer ailleurs ?

ML : Dans les débuts de Sound Quest, les frais de douanes et de courtage étaient problématiques, mais ce n’est plus le cas avec Internet aujourd’hui. Nous n’avons donc aucune raison de vouloir faire nos valises pour aller nous installer ailleurs. L’industrie des logiciels de musique n’est quand même pas si importante.

MPV : Même s’il existe beaucoup de boîtes multimédias à ­Montréal, peu d’entre elles se spécialisent en audio. Par contre, je ne vois pas en cela une raison pour déménager. J’aimerais contribuer à développer ce domaine au Canada. Par contre, si j’avais à changer d’emploi tout en restant dans mon domaine, je crois que j’irais travailler à l’étranger.

GC : Quel conseil donneriez-vous à quelqu’un qui débute dans le ­domaine de la conception de logiciel de musique ?

ML : Il faut savoir quel style de vie vous recherchez. Si vous voulez mettre sur le marché un produit pour le grand public, il vous faudra beaucoup de capital pour amorcer le projet. Ce n’était pas vraiment le cas avec Sound Quest au départ, mais ce l’est aujourd’hui. Il faut que vous soyez prêts à faire affaire avec des banques et des investisseurs qui voudront toujours surveiller ce que vous faites. Par contre, si vous voulez avoir plus de contrôle, il vous faudra développer un produit pour un marché ciblé qui n’a pas encore été exploité. Dans les deux cas, il faut que vous soyez à travailler dur. Vous ne serez peut-être jamais millionnaire : même si vous y mettez soixante-dix heures par semaine, il se peut que vous gagniez moins que si vous aviez opté pour un emploi de programmeur ou de technicien. Mais il n’y a rien comme de travailler dans un domaine qui vous plaît et d’aimer ce que vous faites.

MPV : Il faut aussi bien évaluer la concurrence et voir comment tout nouveau produit s’insérera dans le marché existant, car ce marché est petit et il faut parfois jouer du coude.

GC : Que pensez-vous des différents modules d’extension pour les postes de travail audionumériques déjà sur le marché ?

ML : La difficulté avec les modules d’extension est de s’assurer que les logiciels fonctionnent bien avec les différents hôtes. Le VST 2 possède différentes versions et implémentations. Le standard est assez ouvert pour permettre à l’hôte d’implémenter certains éléments en totalité et d’autres en partie seulement, ce qui peut être frustrant pour l’usager qui aimerait faire quelque chose qui fonctionne avec Midi Quest, mais qui ne fonctionne pas avec son hôte.

MPV : Je ne peux pas dire que nous préférons un modèle en particulier.

Ce qui nous importe, dans l’offre de logiciels d’applications multiplateformes, est de s’assurer que nos instruments fonctionnent parfaitement bien avec eux. Beaucoup d’énergie est déployée pour le codage et la préservation des codes correspondants, mais en fin de compte, tous font à peu près la même chose. L’idéal serait d’avoir un seul standard pour tout le monde.

GC : Lorsque vous concevez de nouvelles versions de logiciel, ­comment décidez-vous des éléments à inclure ?

ML : À travers les années, les utilisateurs de nos logiciels nous ont donné plusieurs idées qui nous ont permis de perfectionner les éléments déjà existants. Lorsqu’il s’agit d’aspects plus substantiels ou conceptuels, les changements viennent de l’intérieur de l’organisation ou de compagnies qui ont notre logiciel sous licence.

MPV : Les commentaires des utilisateurs sont très importants et ils contribuent à faire évoluer notre propre vision. Il y a toujours des trucs que nous ne voyons ou que nous ne réalisons qu’une fois le produit sur le marché.

GC : Lorsqu’il y a de nouveaux systèmes d’exploitation sur le ­marché, devez-vous travailler beaucoup afin d’améliorer et adapter vos produits ?

ML : Cela dépend beaucoup des changements apportés au système d’exploitation. Depuis le lancement de Windows 3.1, Microsoft n’a heureusement pas changé leurs interfaces de programmation. Ils ont ajouté de nouvelles interfaces, ainsi que de nouvelles fonctions, mais le code qui avait été écrit n’est pas resté longtemps sur les tablettes. Apple introduit fréquemment de nouvelles interfaces de programmation qui demandent beaucoup plus de temps pour recoder les applications. Cela était légitime lors du changement de OS9 à OSX, qui a requis un énorme investissement. Mais, il y a tout de même des interfaces de programmation importantes qui ont été introduites avec OSX qui ont déjà été désapprouvées dans la version 64-bit de 10.5 (Leopard). Pour nous, ça nous paraît un peu excessif.

MPV : Cela dépend toujours du nouveau système. Parfois, tout fonctionnera comme avant, mais parfois le processus peut être très long.

Le passage de Mac OS9 à OSX nous a pris une bonne année. Dans tous les cas, il faut toujours faire une batterie de tests, même si notre code n’a pas changé beaucoup.

GC : À quoi ressemble le futur des logiciels de musique ?

ML : Plus les ordinateurs gagnent en puissance, plus il nous sera possible de passer (virtuellement) du studio à l’ordinateur. Et je crois qu’on continue d’aller dans ce sens.

MPV : De plus en plus d’intégration des logiciels sur des supports informatiques spécialisés. Du point de vue de la synthèse, j’entrevois un brillant avenir pour les applications de modélisation. La puissance des unités centrales était autrefois un problème, mais ce n’est plus le cas. n Graham Collins est un compositeur et un synthésiste basé à ­Toronto.

Vous pouvez le rejoindre à graham@pongthrob.com

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By / Par : Jeffrey Gunn Traduction : Geneviève Hébert

The

T

Cruise Ship Option:

he prospect of working as a musician on a cruise ship is becoming an increasingly appealing option following college and university. A grad would be hard-pressed to find equivalent opportunities to perform stylistically diverse music daily with top calibre musicians from all walks of life, not to forget travelling the world and experiencing life changing events.

The myth that inadequate musicians head out to sea is inaccurate. Playing in a show band and accompanying different ­musical acts nightly is demanding and requires a great degree of facility on one’s instrument. Beyond the typical show band, cruise ships ­employ soloists, string quartets, jazz quartets, reggae and calypso groups, and pop bands. Backing up Motown greats Eddie Holman and Johnny Thunder (The Drifters) or sitting in with a jazz/R&B trio, featuring drummer Billy “Shoes” Johnson (Santana), made my time at sea extraordinary.

With time to practice and perform daily, your musicality has the potential to improve dramatically over the course of a few months.

Contracts can be as short as two weeks or as long as ten months.

Members of the show band have the opportunity to sight-read shows nightly as guest entertainers join the ship. A one to two-hour rehearsal is followed by a performance later that evening. Needless to say, your sight-reading ability skyrockets as you take on what I

call the “nightly challenge”. Like a stage actor who is given a script you must draw upon your musical knowledge and bring life to the music on your stand each night. A single show can contain music as varied as Broadway, opera, Scottish, pop and classical. In the absence of a full-sized orchestra you may find yourself exploring the sonic possibilities of your instrument. On guitar this meant playing some songs a la mandolin (using tremolo techniques), muting the strings in order to get a quasi-marimba sound or simulating a banjo on New Orleans Dixie tunes. This kind of musical thinking can enrich your playing as you incorporate these techniques into your performance and compositions.

As a guitarist my role occupied two completely different music worlds. One world was defined by playing with the show band on electric guitar. In the other world, I was a solo guitarist on acoustic guitar. During my solo sets, I had the freedom to play anything that came to my imagination from Bach to Irish folk tunes, from Thai country songs to Indian ragas, from jazz standards to….all in the same hour! Playing the melody, chords and bass lines simultan­ eously requires a different musical mindset as compared to playing with the show band. This improved both my focus and musical ability. Frequently, other instrumentalists would sit in, requiring that I further adjust my notion of “accompanist”.

Perspective d’un initié sur le travail d’un musicien sur un

bateau de croisière

P

our les étudiants diplômés du collège ou de l’université, le ­travail de musicien sur un bateau de croisière est de plus en plus attirant. Il serait même difficile de trouver meilleure occasion de jouer tous les jours plusieurs styles de musique avec d’excellents musiciens issus de tous les milieux, tout en voyageant à travers le monde et en vivant une expérience aussi formative.

C’est d’ailleurs un mythe que ce ne sont que les musiciens incompétents qui partent en mer. Faire partie d’une troupe qui se donne en spectacle et accompagne différents musiciens tous les soirs est très demandant et nécessite d’un musicien qu’il soit tout à fait à l’aise avec son instrument. Au-delà des troupes de musiciens typiques, les bateaux de croisière embauchent aussi des solistes, des quatuors à cordes ou de jazz, des groupes de reggae et de calypso et des groupes populaires. ­Accompagner de grands musiciens de Motown comme Eddie Holman et Johnny Thunder (The Drifters) et jouer avec un trio de jazz et de R & B mettant en vedette le batteur Billy « Shoes » Johnson (Santana) a fait de mon temps en mer un moment inoubliable.

Ayant également la possibilité de pratiquer et de jouer quotidiennement, vous avez le potentiel d’améliorer votre jeu de façon inattendue sur une très courte période, peu importe si vous signez un contrat de 2 semaines ou de 10 mois. Les membres de la troupe ont notamment l’occasion de déchiffrer la musique presque tous les soirs lorsque de nouveaux artistes se joignent à la croisière pour divertir les clients. Une répétition d’une ou deux heures précède chaque spectacle en soirée.

Inutile de vous dire que vos capacités de lecture s’amélioreront grandement à mesure que vous relèverez « le défi de tous les soirs ». Comme un comédien à qui on remet un scénario, vous devrez non seulement faire appel à vos connaissances musicales, mais aussi donner vie à cette musique, et ce, à chaque coup. Vous pouvez jouer tous les styles de musique en un seul spectacle, allant du Broadway à l’opéra, de la musique

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écossaise au ­populaire et au classique. Dans l’absence d’un orchestre complet, vous devrez explorer les possibilités sonores de votre instrument. À la guitare, ceci impliquait pour moi de jouer quelques chansons comme à la mandoline (en utilisant des techniques de trémolo), assourdir les cordes pour obtenir un son de quasi-marimba et d’imiter le banjo sur les chansons Dixie de la Nouvelle-Orléans. Ce genre de réflexions musicales peut vraiment enrichir votre façon de jouer, ainsi que vos propres performances et compositions.

En tant que guitariste, je devais occuper deux rôles complètement différents côté musical. L’un d’eux consistait à jouer de la guitare électrique avec la troupe, l’autre de jouer solo à la guitare acoustique. Pour mes premiers solos, j’avais la liberté de jouer tout ce qui me passait par la tête, de Bach au folklore irlandais, des chansons country thaïlandaises au raga indien, des standards de jazz à… et tout cela à l’intérieur d’une heure ! On aborde la musique très différemment lorsqu’il faut jouer simultanément la mélodie, les cordes et les basses que lorsqu’il faut jouer en groupe. Cela m’a permis d’améliorer à la fois ma concentration et mes capacités musicales. Il était aussi fréquent que d’autres instrumentistes se joignent à nous, ce qui me demandait encore de m’ajuster en tant qu’accompagnateur.

L’occasion de jouer avec d’authentiques musiciens latins, de reg­ gae ou de calypso vous permet d’élargir vos perspectives musicales.

Les croisières offrent une éducation musicale en dehors du cadre universitaire ou collégial. Plusieurs musiciens passent leurs journées à faire des arrangements et à composer et les spectacles en soirée deviennent des bancs d’essai pour leurs pièces musicales. Les bénéfices sont incontestables : vous avez tout de suite l’avis d’autres musiciens qui ont la chance d’entendre votre travail. Il arrive même souvent que les artistes invités demandent aux musiciens de la troupe de composer ou de faire les arrangements pour eux.

An Insider’s Perspective on Working as a Musician on Cruise Ships The opportunity to sit in with authentic reggae, calypso, and Latin bands will broaden your musical perspective. Cruise ships provide a musical education beyond the academic setting of universities and colleges.

Many musicians spend their days arranging or composing and the evening perform­ ances become a testing ground where these musical pieces can be heard as play-ons and play-offs. The benefits are obvious: immediate feedback from other musicians and the chance to hear your work. Frequently, show band musicians will be commissioned to write and arrange for guest entertainers.

The ports of call can enhance your musical experience depending on the interests of the individual. In New York City, many musicians will decide to study with a worldrenowned performer returning weekly or monthly for lessons. For me, that meant taking informal guitar lessons and picking up the nuances of Latin American rhythms in Central and South America, watching a Gamelan performance in Indonesia or sitting-in at jam sessions in Skagway, Alaska.

One of the greatest benefits of working as a musician on cruise ships includes making contacts across the globe. That’s how I hooked up with singer/performer Dwayne Britton and scored an arranging credit on his debut CD. Similarly, I have performed gigs in various countries from Britain to Thailand with musicians I have met on cruise ships.

Keep in contact following your contract, as you never know what may develop from your onboard musical relationships.

The musical, social, and travel benefits make the prospect of working as a ­musician on cruise ships an inspiring venture. If you are self-motivated and self-­disciplined, boat gigs can be a springboard for the various facets of your craft.

Think of cruise ships as a floating hiatus, a place of respite from ­urban clatter, where your proven abilities can lead to unforeseen opportunities. n

Les ports d’escale peuvent également enrichir votre expérience musicale selon vos champs d’intérêt. À New York, plusieurs musiciens décideront d’étudier avec des musiciens de renom international chaque fois qu’ils y feront une escale (une fois par mois ou par semaine). Pour moi, ce fut la chance de suivre des cours privés de guitare et d’apprendre les nuances des rythmes latino-américains en Amérique centrale et en Amérique du Sud, ainsi que d’assister à un spectacle de gamelan en Indonésie et de participer à des séances d’improvisation à Skagway, en Alaska.

Un des plus grands avantages de travailler comme musicien sur les bateaux de croisière est aussi de se faire des contacts autour du monde. Voilà comment j’ai fini par jouer avec le chanteur/musicien Dwayne Britton, en plus de faire les arrangements sur son premier album. Voilà aussi comment j’ai pu faire des spectacles dans divers pays, de l’Angleterre à la Thaïlande avec des musiciens que j’avais rencontrés sur le bateau. N’hésitez pas à rester en contact avec les musiciens de la troupe une fois que votre contrat sera fini : on ne sait jamais ce qui peut se passer par la suite.

Que ce soit pour les avantages sociaux, musicaux ou simplement pour le voyage, travailler comme musicien sur un bateau de croisière peut s’avérer très inspirant. Si vous êtes capables de vous motiver et de vous autodiscipliner, les contrats sur les bateaux peuvent être un bon tremplin pour plusieurs facettes de votre travail. Il faut voir les croisières comme des interludes flottants, des moments de répit loin du brouhaha urbain et un lieu pour mettre vos talents à jour et saisir toutes sortes de belles occasions. n

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réflexion

reflection By / Par : By Ian Tamblyn Traduction : Jim Angelillo

Le contrat The Two de deux Week Gig semaines

I

n an age when three bands might share one night at bar or club the idea of the two week engagement for one band might seem now as foreign or unbelievable. And yet this was the music scene in my eastern Ontario home town from 1976 and 1984 when I lead a band that played almost every week throughout this period. This was the reality until the early eighties when the Punkers and New Wave bands took it over.

The two week engagement was a great gigging and learning experience but it could be exhausting especially if you played the Quebec side—five sets from 9:30 pm to 3:00 am. Monday was a good night. The hard core clubbers were there and nerves pulled it together. Tuesday was the infamous let down night: The band was often jagged and the house seldom good. However, from ­Wednesday on, things built to the weekend. Friday night was ­singles night, Saturday date night. It was good to acknowledge the difference: a few more slow numbers toward the end of Saturday.

My band was doing mostly originals but would pepper the set list with lateral hits of the day including Talking Heads, Ry Cooder , Richard Thompson, Taj Mahal , Tom Petty and Peter Gabriel.

By the second week the club was our home. Days would be patterned around the work hours and the club stage became the most familiar thing. As the two weeks progressed we pushed ­material around, stretched solos, honed chops, and, in general, took more chances. We became totally comfortable on stage. Playing every night was what pushed our practice chops to stage level.

Some nights we really did get outside into another zone. On New Year’s Eve, the audience was so charged I felt as if I was floating above the music—raised up by the crowd. I am not talking altered states of consciousness, although some members of my band were in a constant state. You could also run a tab for two weeks at the bar and that was tough love when it was deducted from pay.

Musicians playing for the bar. Not good.

Some of clubs we played attempted a level of class but for the most part they were holes. Occasionally band rooms were shared with table dancers and strippers who worked the early shift, but it was all part of the colour. The seamier side was the drug scene. By the early eighties coke replaced weed as the drug of choice and the scene got ugly. Adding to the tension, some clubs were forced to pay fees directly to the Musician’s union because of ­previous ­violations. The club, however, ­expected the band to

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À

une époque où trois formations musicales se partagent la scène d’un bar ou d’un club pour une soirée, l’idée d’un contrat d’une semaine pour une formation peut sembler incroyable. Pourtant, de 1976 à 1984 dans ma ville natale de l’est de l’Ontario, je dirigeais un groupe qui a joué presque chaque semaine durant cette période. C’était la réalité jusqu’au début des années 80 quand les formations punk et new wave ont pris le dessus.

Le contrat de deux semaines constituait une excellente expérience de scène et d’apprentissage, mais il pouvait être carrément épuisant si vous jouiez au Québec : cinq sets entre 21 h et 3 h. Lundi soir était bien. Les clubs étaient remplis de vrais tripeux et il fallait s’assurer d’avoir assez d’énergie pour passer à travers. Les mardis soirs étaient habituellement les pires ; le groupe était irrégulier et le public était rarement bon. Mais à partir de mercredi soir, ça remontait la pente jusqu’à la fin de semaine. Les vendredis soirs étaient réservés aux célibataires, les samedis aux sorties en couple. Il était donc intelligent de marquer la différence avec quelques ballades de plus en fin de soirée ­samedi.

Mon groupe jouait principalement des pièces originales, mais nous ­avions l’habitude d’agrémenter notre répertoire de succès de l’époque par des artistes comme Talking Heads, Ry Cooder, Richard ­Thompson, Taj Mahal, Tom Petty et Peter Gabriel.

Rendu à la seconde semaine, le club était devenu notre domicile.

Nos journées gravitaient autour de nos heures de travail et la scène devenait notre environnement personnel. À mesure que les deux semaines avançaient, nous changions l’ordre des pièces, étirions les solos, parfaisions nos techniques et, en général, prenions plus de chances. Nous devenions entièrement confortables sur scène. Le fait de jouer chaque soir faisait passer notre jeu à un niveau de scène. Certains soirs, nous passions vraiment dans une autre zone. La veille du jour de l’an, le public était tellement intense que je me sentais comme si je flottais au-dessus de la musique, soulevé par la foule. Je ne parle pas d’état de conscience modifié, même si certains membres de mon groupe étaient dans un état constant. Nous pouvions aussi avoir un compte au bar, mais il fallait faire attention, car c’était déduit de notre salaire. Des musiciens qui jouent pour le bar… pas très intelligent.

Il y avait quelques clubs dans lesquels nous avons joué qui essayaient d’avoir un minimum de classe, mais en général, c’était des trous. Parfois, nous partagions les loges avec des danseuses et des effeuilleuses, mais ça faisait partie de l’expérience. L’aspect plus ­glauque était la drogue. Au début des années 80, la coke avait remplacé la marijuana comme drogue

de choix et les choses se sont corsées. Et comme s’il n’y avait pas assez de tension, on forçait certains clubs à payer les redevances directement à la Guilde des musiciens à cause de violations précédentes. Les clubs, en revanche, s’attendaient à ce que le groupe lui rembourse une portion de ce qu’il avait donné à la guilde. Ça pouvait parfois devenir assez intense et dangereux. Lors de la récession de 1982, il y a des clubs qui ont été incendiés et d’autres qui ont été cadenassés par des huissiers. Une nuit, la nuit des longs couteaux, il y a eu des descentes partout. Un promoteur musical avec qui nous nous étions liés d’amitié s’est avéré être un informateur pour la police. J’ai reçu un appel mystérieux un aprèsmidi qui m’a permis d’épargner un membre de mon groupe. Le club où nous jouions a été éventuellement incendié de façon suspecte.

Mais ça payait bien. Notre quintette recevait deux mille ­dollars pour deux semaines, ce qui était quelques centaines de dollars de plus que le seuil imposé par la guilde, donc deux semaines de travail étaient assez profitables, mieux que ce qu’on nous paie aujourd’hui.

Et nous avions beaucoup de plaisir. Après avoir joué, la soirée se poursui­vait ­habituellement de l’autre bord de la rivière. Après

kick back a portion of what was paid to the union. Sometimes this could get pretty heavy and dangerous. During the ­recession of 1982, clubs went up in flames all over town; others were padlocked by ­bailiffs.

There was one night, the night of long knives, when busts were timed all the way down the strip and ­beyond. A music promoter who ­befriended the band turned out to be a drug informer. I got a ­mysterious call in the afternoon, was forewarned, and a member of my band was spared. That club later burned to the ground under suspicious circumstances.

But the pay was good. Our five-piece commanded two grand a week, which was a few hundred above union scale, so a twoweek meant good coin—better than today.

The fun factor was significant. After a gig, the evening usually continued on the ­other side of the river. After all, who was ready for bed after playing all night? Here, clubs stayed open until three and were pop­ ulated by musicians and fans. The downside was that the drug scene, attendant to the clubs, also spilt across the river and there were some nights of drawn guns and knives. I don’t know who I feared most, the dealers or the police. Late nights and early ­mornings could lead to substance ­excesses and several musical friends from that ­period fell victim to those late nights.

I will remember the nights of the two-week gig: the dancers on the floor, the ­music transcending itself, and the ­memory of ­fellow musicians laughing their way home in the pre–dawn light, ­optimistic in the knowledge there was another week to play. n Ian Tamblyn is an award-winning singer, songwriter, recording artist, playwright, and, wouldn’t you know, a rocker in clubs. His band, informs one of our staff who was there, was as cutting-edge as it got. One of his compositions, “White Belt, White Shoes”, refers to the late night settling of scores.

tout, ­personne n’était prêt à se coucher ! Ici, les clubs restaient ouverts jusqu’à 3 heures du matin et étaient remplis de musiciens et d’amateurs de musique. L’aspect négatif était que le monde de la drogue, centré autour des clubs, était divisé aussi par la rivière, ce qui en poussait certains à sortir armes à feu et couteaux. Je ne sais pas qui je craignais le plus, les vendeurs ou la police. Les nuits et les mati­nées étaient propices à l’abus de substances et quelques amis musiciens en ont été les victimes.

Je me rappellerai toujours ces contrats de deux semaines : les danseuses, la musique qui se transcendait et le rire de musiciens qui s’en vont chez eux dans la douce lumière de l’aube, sachant qu’ils ont encore une semaine à jouer. n Ian Tamblyn est un chanteur, auteur-compositeur, dramaturge et, maintenant nous le savons, un rockeur de bars. Son groupe, nous dit un de nos collaborateurs qui était là, à l’époque, était de très haut niveau. L’une de ses compositions, « White Belt, White Shoes », fait référence aux règlements de compte de fin de soirée.

My Walden

my life.

www.waldenguitars.com • info@coastmusic.com

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production

production By / Par : Gerry Griffin Traduction : Jim Angelillo

Old, New or Custom-Built?

Our Take on The Good, The Bad and The Ugly

R

ecently I went on a sojourn with a guitarist friend to preview the newer electric guitar amplifiers. Since I’m accustomed to hearing old tube amps, my friend wanted my opinion on modern tube reissues. We found a couple that were great sounding but we were surprised at the amount of noise inherent in their design. Later we discovered there are Web sites that provide modifications to lessen noise and hum in new tube amps. It begs the question: Why didn’t they design them properly in the first place?

Many years ago, when old Tweed amps from the forties and fifties were lurking in basements and closets everywhere, I started buying them cheap. To this day, they still work perfectly and they sound great. One would think that such reliability would be commercially available in 2008 but to the best of my understanding it is only found in expensive, boutique hand-made options. The same applies in the realm of studio gear.

A couple of weeks ago, I spent a couple of grand on a coveted RCA 77 DX ribbon microphone circa 1950. The quality of build and the sonic integrity are stunning. If we take into account that this mic originally sold for $250, then I didn’t get ripped off when I spent $2000 (remembering that twenty-five bucks a week was a good wage at the time, meaning that this mic would have cost two and a half months’ of wages!)

One of my pet peeves is the plethora of options available in the market today. Whether it’s converters, software, preamps, consoles, compressors or mics, to wade through all available units would take a lifetime. By going straight to a known quantity, vintage gear, we shorten our search but we face unique problems. Sometimes maintenance and repairs add up to the purchase price or exceed it; fortunately, the cost can usually be recouped, and often a profit realized, at point of re-sale.

Old stuff can be solid investments as well as useful tools of recording.

Increasingly people are recognizing the substantial sonic improvement provided by high quality signal paths. The resurgence of analog gear has prompted the originating companies (the ones that still exist) to reissue their popular devices and consoles. They’re capitalizing on the vintage craze and they’re cashing in, as well. Odds are these reissues will cost, all things equal, more than their vintage counterparts.

The news is not all ugly. Certain vintage units are ignored in the market­place, despite the fact that their quality is excellent and their cash outlay is minimal. Old McCurdy tube mic preamps and Ward Beck recording consoles are two excellent examples and, incidentally, both manufacturers are Canadian. The trick is to ensure you are dealing with a reputable seller. The larger companies that deal in vintage gear usually

Vieux, nouveau ou sur mesure ?

Notre version de Le bon, la brute et le truand

R

écemment, je suis parti en mission avec un ami guitariste pour voir les amplificateurs de guitare plus récents.

Puisque je suis habitué d’entendre de vieux amplis à lampes, mon ami voulait avoir mon opinion sur les rééditions modernes d’amplis à lampes. Nous en avons trouvé quelques-uns qui sonnaient bien, mais nous étions surpris de la quantité de bruit qu’ils produisaient. Plus tard, nous avons découvert quelques sites Web qui expliquent quelles modifications à faire pour diminuer le bruit et le bourdonnement produit par les nouveaux amplis à lampes. Mais tout ça soulève la question suivante : pourquoi ne les ontils pas conçus correctement ?

Il y a plusieurs années, lorsque les vieux amplificateurs « tweed » des années quarante et cinquante étaient entreposés dans les soussols et les garde-robes, j’ai commencé à les acheter à des prix ridicules. Encore aujourd’hui, ils fonctionnent parfaitement et sonnent très bien. On pourrait penser qu’on puisse facilement trouver une fiabilité de la sorte en magasin en 2008, mais il semble, selon ce que je peux observer, qu’on la trouve seulement dans des amplificateurs haut de gamme fabriqués à la main. C’est la même chose pour l’équipement de studio.

Il y a quelques semaines, j’ai déboursé quelques milliers de dollars sur un microphone à ruban RCA 77 DX des années cinquante.

Sa qualité de fabrication et son intégrité sonore sont tout à fait formidables. Si l’on tient compte que le micro se vendait 250 $ à l’époque, je ne me suis pas fait avoir en payant 2 000 $ (considérant que 25 $ la semaine constituaient un bon salaire et que le micro aurait valu l’équivalent de deux mois et demi de travail !)

L’une de mes bêtes noires est la pléthore d’options qu’on trouve sur le marché aujourd’hui. Que ce soit des convertisseurs, des ­logiciels, des préamplificateurs, des consoles, des compresseurs

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ou des micros, il faudrait une vie entière pour tous les évaluer. En choisissant des équipements d’époque, ça simplifie notre quête, mais nous devons faire face à des problèmes particuliers. Parfois, les coûts de l’entretien et des réparations s’ajoutent au prix d’achat et même l’excèdent ; heureusement, ces dépenses peuvent être habituellement récupérées, même avec profit, en revente. Les vieux équipements constituent parfois d’excellents investissements tout en étant des outils d’enregistrement utiles.

De plus en plus, les gens ont tendance à percevoir l’amélioration sonore substantielle que procurent des signaux de qualité supérieure. La résurgence d’équipements analogiques a poussé les fabricants originaux (du moins ceux qui restent) à rééditer leurs appareils et leurs consoles populaires. Ils mettent à profit l’intérêt fou envers les équipements d’époque et ça rapporte. Mais, toutes considérations faites, la plupart de ces rééditions coûtent plus cher que leurs versions d’époque.

Mais il y a tout de même de bonnes occasions. Certains appareils d’époque demeurent dans l’ombre, malgré le fait que leur qualité est excellente et que leur valeur est minimale. Par exemple, il y a les vieux préamplificateurs à lampe McCurdy et les consoles d’enregistrement Ward Beck, deux produits fabriqués au Canada. L’idée est de faire affaire avec un marchand de bonne réputation. Les plus grandes entreprises qui vendent de l’équipement d’époque ont habituellement du personnel qui s’y connaît et des prix raisonnables.

C’est particulièrement pratique pour les achats en ligne où vous ne pouvez pas faire l’essai des appareils avant d’acheter ; il faut se fier sur le jugement et l’intégrité du marchand.

Mais nous pouvons également choisir de faire fabriquer quelque chose sur mesure. Cela implique de créer des équipements à partir de zéro, simulant les équipements d’époque, mais avec certains

have ­knowledgeable staff and reasonable prices. This helps in Internet and mail order situations where you can’t try before you buy; you rely on vendor savvy and integrity.

Further good news, we have the category of custom-built. This can mean creating new gear from scratch, emulating vintage gear but with unique refinements, or modifying vintage gear beyond original specifications. People assume that custom-built gear will be pricey but that is not always the case. If a competent technician can obtain premium components, or identical parts as used in revered vintage gear, he can introduce unique devices with unique sonic signatures, or they can replicate vintage products—preamps, compressors, mics, or whatever you may need—incorporating incredibly high modern standards and tolerances.

There are of course a multitude of choices of new recording equipment. Usually the more you spend the better the device. It then becomes a matter of choice as to what sonic attributes you require. People are often lured by the marketing ploys of the various companies. They’ll see a package deal consisting of eight mic preamps, with all the bells and whistles, selling for the cost of a single, featureless, high-quality preamp. They go for the deal and put together their studio “by the pound”.

That’s okay if there are no expectations of a world-class recording.

Inexpensive consumer-grade gear will be adequate. But experienced artists, who can now hear the difference through years of enduring bad re-

cordings and doing a lot of researching, will seek out studios fitted with the good stuff.

The longer we record ourselves and others, the deeper we get into the intricacies of recording and the complexity of sound. We develop our ears to the point where we appreciate sophisticated studio gear. We begin to recognise the unique harmonic content provided by transformers and tubes. We begin to hear subtle differences between seemingly identical pieces of gear. Once we become sufficiently familiar with a particular tool and its signature sonic attributes, we can better allocate it to a particular project, or just one track on a recording, knowing that the tool alone will give us what we need.

Familiarity with the respective sonic personalities of such gear, which often falls into the vintage tube or custom-built categories, can breed contempt for certain newly conceived gear, which may look good…but sounds bad!

So let’s strap on our best ears, grab some dough and lay it down on quality gear that will do the job and them some. Above all, let’s have some fun. n

raffinements uniques, ou de modifier des équipements d’époque au-delà de leur état originel. Les gens assument que des équipements fabriqués sur mesure coûtent cher, mais ce n’est pas toujours le cas. Si un technicien compétent peut mettre la main sur de bonnes composantes ou des pièces identiques à celles utilisées dans des appareils d’époque, il peut créer des appareils uniques possédant des signatures sonores uniques ou créer une réplique d’un produit d’époque, que ce soit des préamplificateurs, des compresseurs, des microphones ou tout autre appareil dont vous avez besoin, tout en intégrant des standards de fabrication et des tolérances d’aujourd’hui.

Il y a bien sûr une multitude de choix dans le monde de l’équipement d’enregistrement. En règle générale, plus vous dépensez, meilleure est la qualité de l’appareil. Les attributs sonores sont une question de choix personnel. Les gens sont souvent attirés par les astuces publicitaires des différents fabricants. Ils voient un appareil muni de huit préamplificateurs de micro tout équipés qui se vend le même prix qu’un préamplificateur de qualité supérieur sans fla-fla. Ils sautent sur l’aubaine et se montent un studio fondé sur la quantité plutôt que la qualité.

C’est bien si l’on espère ne pas créer des enregistrements de classe mondiale. Les équipements peu dispendieux pour amateurs sont adéquats. Mais les artistes expérimentés, qui ont la capacité d’entendre la différence grâce au fait qu’ils ont dû écouter des enregistrements médiocres pendant des années et qu’ils ont fait beaucoup de recherche, auront tendance à exiger un studio bien équipé.

Plus nous nous enregistrons et enregistrons les autres, plus nous pénétrons dans les subtilités de l’enregistrement et la complexité du son. Nos oreilles se développent au point où nous apprécions des équipements de studio sophistiqués. Nous commençons à reconnaître le contenu harmonique unique que procurent les transformateurs et les lampes. Nous commençons à percevoir les différences subtiles entre deux appareils en apparence similaires. Quand nous nous familiarisons suffisamment avec un outil spécifique et ses attributs sonores particuliers, nous sommes plus en mesure de l’utiliser dans certains projets plutôt que d’autres ou même sur une piste dans un enregistrement, sachant que seul cet outil nous donnera ce que nous voulons.

La connaissance approfondie des personnalités sonores respectives de ce genre d’appareil, qui souvent tombe dans les catégories d’équipements d’époque à lampe ou d’équipements fabriqués à la main, peut nous pousser à éprouver du mépris face à certains nouveaux équipements qui ont souvent l’air bons, mais produisent une sonorité horrible !

Donc, tendez l’oreille, économisez vos sous et procurez-vous des équipements de qualité qui produiront de bons résultats et bien plus.

Mais n’oubliez surtout pas d’avoir du plaisir ! n

Gerry Griffin is an independent songwriter, singer, harmonica player of note, and, yes, a guitar player of sorts. He owns a studio and will produce your album. Visit his Web site: www.gerrygriffinmusic.com

Gerry Griffin est auteur-compositeur, chanteur, joueur d’harmo­ nica de renom et guitariste. Il est le propriétaire d’un studio et est prêt à réaliser votre disque. Rendez-vous sur son site Web : www.gerrygriffinmusic.com

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dossier

dossier

Products at

2008 Year-End

Nouveaux produits, fin 2008 Korg PA-588

It’s very seriously smart looking and well appointed. The pianos are augmented in their realism by sampled noises of sustain and mute pedals. The PA-588 would be perfect for a home living room or studio and ideal for quieter gigs, especially given the backup facilities, which include instant guitar accompaniment, other band instruments including drums.

It’s a mix of pro workstation and home entertainment device with plenty of features for each application.

Korg PA-588

Voici un piano qui a une allure intelligente et qui semble très bien équipé. Le réalisme de ses sonorités est rendu encore plus authentique avec des échantillonnages de l’effet créé par les pédales de tenue de note et de sourdine. Le PA-588 serait parfait pour le salon ou le studio et même pour des spectacles à faible volume, surtout si l’on considère ses capacités d’accompagnement, comme l’accompagnement ­instantané de guitare et d’autres instruments, batterie incluse.

C’est un hybride de station de travail professionnelle et d’appareil de divertissement pour la maison rempli de fonctions pour chacune de ses applications.

www.korgcanada.com

Korg M-50

This one affords a polyphonic arpeggiator and intuitive sequencer that will serve musicians’ discriminating demands. After all, the M-50 takes after the legendary Korg M 3 series and is scaled down to the most desirable functions and sounds. It’s also portable. Proper weighted keys and the recent EDS synthesis system, to name two major features, will make you wonder how they kept the cost down.

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Korg M-50

Le M-50 comprend un module d’arpèges polyphoniques et un séquenceur intuitif qui répondront aux exigences pointues des musiciens. Après tout, il est inspiré de la série légendaire M3 de Korg, ne conservant que les sonorités et les fonctions les plus désirables. Portatif et muni de touches lestées et du nouveau système de synthèse EDS, pour ne nommer que deux caractéristiques, le M-50 de Korg vous impressionnera par son prix très abordable.

www.roland.ca

Roland Juno Stage Synth

The latest addition to the renowned Juno series, the Stage Synth incorporates a sampled piano to die for, a host of other stunning sounds and custom tones, all playable with a great feeling, redesigned keyboard with 76 keys. Very cool features include an XLR input for microphone and, gasp, a vocoder—shades of Peter Frampton. USB friendly, expandable via slots for SRX boards, MIDI through and through, and chock full of niceties such as separate reverb and EQ knobs, the Juno Stage Synth is ideal for studio or, well, stage.

Roland Juno Stage Synth

La nouveauté de la célèbre série de synthétiseurs Juno, le Stage Synth, comprend un piano échantillonné hors pair, une flopée de sonorités incroyables et de timbres uniques, tous extrêmement jouables, et un clavier redessiné de 76 touches. Parmi ses caractéristiques les plus tripantes, notons la prise XLR pour microphone et un vocodeur (Peter Frampton est-il de retour ?). Avec sa prise USB, la possibilité d’y brancher des cartes SRX, ses capacités MIDI et tous les détails comme les boutons d’écho et de correction séparés, le Juno Stage Synth convient autant à la scène qu’au studio.

Station de travail Roland GW-8

You don’t have to know a lot about synths or workstations to get going on the GW-8, thanks to USB flash memory capabilities, which enable downloading and replenishing of backing tracks and songs in pop, jazz and world genres.

Meanwhile the unit is conversant in all current file formats, includes a well-lit LCD, and boasts an on board D-beam pitch-bend/modulation control—essential when you want to have fun or get funky.

www.roland.ca

Station de travail Roland GW-8

Il n’est pas nécessaire de tout connaître à propos des synthés et des stations de travail pour utiliser la station GW-8, grâce à sa capacité d’utiliser de la mémoire flash USB pour ajouter et renouveler les pistes d’accompagnement et les chansons répertoriées dans les catégories pop, jazz et musique du monde. À part cela, l’appareil accommode tous les formats de fichier actuels, est muni d’un écran ACL bien éclairé et d’une commande de variation de ton et de modulation, essentiel si vous voulez vous laisser aller ou insuffler un peu de funk dans votre jeu.

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Tyros 3 from Yamaha Yamaha Motif-Rack XS

This unit incorporates essentially the same sounds as the famed XS and includes stand alone editing or editing with included Cubase software, thousands of instrument sounds, a synth engine for tailor-making your own sounds, sequencing, studio quality effects, and that’s just the start. You can record on 48 tracks of audio, 64 tracks of MIDI, and communicate by means of one Firewire cable.

Yamaha Motif-Rack XS

Cet appareil incorpore essentiellement les mêmes sonorités que le célèbre XS et offre la possibilité d’édition autonome ou avec le logiciel Cubase, inclus. Il est rempli de milliers de sonorités d’instruments, un moteur de synthé permettant la création de vos propres sonorités, un séquenceur, des effets de qualité studio et cela ne représente que la pointe de l’iceberg. On peut enregistrer jusqu’à 48 pistes d’audio, 64 pistes de MIDI et brancher le tout à un ordinateur avec un câble Firewire.

Following in the footsteps of the Tyros 2, the Yamaha Tyros 3 ups the ante with the addition of ­ultra-realistic sounds made possible by a radical new tone generator. Real time controllers, over 200 new voices, 50 new styles, and internal recording capacity of 80 GB make this a desirable workstation/keyboard/digital arranger, connectible to the Internet via LAN port. Fully nine sliders and two articulation switches augment the existing real time controllers on board. This one is going to be fun as well as creative.

Tyros 3 de Yamaha

Suivant les traces du Tyros 2, le Tyros 3 de Yamaha met la barre encore plus haute en ajoutant des sonorités ultraréalistes grâce à un nouveau générateur de sons. Avec des contrôleurs en temps réel, plus de 200 nouvelles voix, 50 nouveaux styles et une capacité d’enregistrement intégrée de 80 GB, Yamaha propose une station de travail, un clavier et un arrangeur numérique extrêmement désirable qui se branche à Internet avec un port LAN. Ses neuf boutons glisseurs et deux bagues d’articulation accroissent les possibilités des contrôleurs en temps réel intégrés. Le Tyros 3 : amusant et créatif.

Yamaha Pocketrak CX

We spoke in these pages about the elder sibling, the Yamaha Pocketrak 2G. It’s a hand-held unit the size of (we used to say “cigarette package”) a thing that fits in a shirt pocket and, brother, it’s the business! Check it out: on board stereo miking in X/Y configuration and 2 GB micro SD cards ensure continuous recording up to forty hours, down-loadable via USB. The 2G will record in 16-bit .wav files or .mp3s, depending on your fidelity requirements. It’ll work on readily-available AA batteries and comes with Cubase A14 for editing, sequencing and mixing.

Nous avons déjà parlé de son grand frère, le Yamaha Pocketrak 2G. C’est un appareil portatif qui s’insère faci­lement dans votre poche de chemise et qui possède des capacités inouïes ! Regardez les faits : mixage stéréo intégré avec une configuration de microphones X/Y et jusqu’à quarante heures d’enregistrement continu sur une carte micro SD de 2 GB, le tout téléchargeable avec une connexion USB. La capture est enregistrée en format .wav ou .mp3 de 16 bits, tout dépendant de la fidélité désirée. Le Pocketrak CX fonctionne avec des piles AA et est vendu avec une copie de Cubase A14 pour l’édition, le séquençage et le mixage.

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www.yamaha.ca

Yamaha Pocketrak CX

Rode M-2

In the harsh, cold world of competition among microphone models, the Rode M-2 is going to hold its own. It’s a vocal condenser mic with built-in shock mount to reduce hand noise and with frequencies “sculpted” such that you get less of that other noise: feedback. The M-2 offers premium, studio-quality audio reproduction desirable in live situations.

Noise rejection is excellent as is build quality. Hey, it’s supported by a ten year warranty!

Rode M-2

Dans le monde sans pitié de la concurrence entre modèles de microphone, le Rode M-2 va tenir le coup. C’est un microphone à condensateur pour voix avec support antivibrations intégré, réduisant le bruit causé par les mains, et des fréquences « sculptées » de sorte à réduire cet autre bruit, la rétroaction. Le M-2 offre une reproduction sonore de qualité studio exceptionnelle lors de prises en direct. Le rejet du bruit est excellent, comme l’est la qualité de fabrication. Il y a même une garantie de dix ans !

Strum Acoustic GS-1 Applied Acoustics Systems of Montreal announces the release of the affordable and exciting new software synth for acoustic guitars, the Strum Acoustic GS-1. An elaborate voicing module picks up notes played on a keyboard and expresses them as a guitarist would on a collection of nylon and steel stringed guitars.

Acoustic guitar tracks are now available to project studio creators who can’t afford session guitarists. In addition, said creators have access to strumming and picking actions via the auto-strum function, special keys, or MIDI loops. Amazing for the modest price tag, the device hosts EQ, reverb and effects and works with Mac OS X and Windows.

Strum Acoustic GS-1

Applied Acoustics Systems de Montréal dévoile son nouveau programme de synthé pour guitares acoustiques, le Strum Acoustic GS-1. Abordable, le module capte les notes jouées sur un clavier et les exprime comme

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www.applied-acoustics.com un guitariste le ferait avec l’une des nombreuses guitares sèches et classiques intégrées.

Les créateurs de projets studio qui ne peuvent pas se payer un guitariste professionnel ont maintenant accès à des pistes de guitares acoustiques. De plus, ils ont accès à une variété d’actions de grattage et de pinçage grâce à la fonction auto-strum, en plus de gammes spéciales et des boucles MIDI. Assez impressionnant si l’on considère le prix extrêmement modeste. Le plugiciel comprend un correcteur, un écho et des effets et fonctionne sur Mac OS X et Windows.

Olympus LS-10

It’s a hand-held Linear PCM recorder you can take to the swamp and capture the croaking of frogs and the squealing of vermin. Or you can place it centre-stage and obtain a breathtaking stereo snapshot of your band’s performance.

It has built-in 2 GB flash memory, expandable by means of card slot. Other features include AA battery power, 24-bit recording to .wav, .mp3 or .wma formats, and twelve hour continuous operation.

Olympus LS-10

Voici un enregistreur numérique portatif Linear PCM avec lequel vous pouvez enregistrer le croassement des grenouilles et les cris de vermines autour de l’étang. Ou vous pouvez capter la performance de votre orchestre en sublime stéréo. Il est muni d’une mémoire flash de 2 GB, augmentée d’une fente pour carte flash. Le LS‑10 fonctionne avec des piles AA et enregistre en formats .wav, .mp3 ou .wma de 24 bits, et offre douze heures d’enregistrement continu.

Sennheiser MKH 8000 Series

It’s a whole new series of modular, reduced-sized microphones that ensure transparency and preserve warmth and detail. Boasting an extremely wide frequency response, the new condenser mics are available with various pick up patterns. There are pretty amazing features happening including detachable XLR capsules and special low-noise coatings.

La série MKH 8000 de Sennheiser

Voici une toute nouvelle série de petits microphones modulaires qui assurent la transparence et préservent la chaleur et le détail en provenance de la source sonore. Grâce à une réponse de fréquence extrêmement large, les nouveaux micros à condensateur sont disponibles avec des diagrammes directionnels variés. Ils possèdent des caractéristiques assez incroyables comme les capsules XLR détachables et des revêtements à faible bruit.

Sennheiser MKE-1

In case you hadn’t noticed—and, actually, that’s the point here—Broadway style theatre productions now equip actor/singers with “clip on” lavaliere mics. Sure, the actors still shout and talk loudly—but they don’t have to. Not with mics such as the new Sennheiser MKE-1 models, which afford a decibel boost necessary in certain productions with loud bands, crowd scenes (“I come to bury Caesar, not to praise....”), or critical articulation issues (such as a recent Les Miserables performance, where they used cases of the new mics). If you attended, you didn’t notice because the new lavalieres are almost invisible…except for the long cables. Just kidding,they’re wireless to contemporary pro standards. n

Sennheiser MKE-1

Au cas où vous n’auriez pas remarqué, les productions théâtrales de type Broadway munissent leurs acteurs et chanteurs de microphones cravates. Oui, les acteurs crient et parlent fort, mais ils ne sont pas toujours obligés. Pas avec des micros comme les nouveaux modèles MKE-1 de Sennheiser qui offrent l’augmentation de décibels nécessaire lorsqu’il y a des orchestres bruyants, des scènes de foule ou des problèmes d’articulation critiques (comme lors d’une récente représentation de Les ­Miserables, où ils ont utilisé des douzaines de ces nouveaux micros).

Si vous y étiez, vous ne les avez pas aperçus, car ils sont pratiquement invisibles… à part les longs câbles. Non, je blague !

Ce sont des micros sans fil répondant aux exigences professionnelwww .senn les d’aujourd’hui. n heise r.ca

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