Muzik Etc [v21-n6] November-December 2009

Ric’key Pageot

FREE!

November • December 2009

Vol 21, No 6

keyboards claviers

Novembre • Décembre 2009

GRATUIT !

l

Poste-Publication Convention No 40009235, Adresse de retour : 753, Ste-Hélène, Longueuil, QC J4K 3R5 Publication Mail Agreement No 40009235, Return Address : 753, Ste-Hélène, Longueuil, QC J4K 3R5

November - December novembre - décembre

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Cover / En couverture

ey WiPtteat geot Ricr’k ce Bru T. by/pa

4 EDITO

Agenda

travel /

voyage 6 Bangkok

by/par Jeff Gunn

TIPS / CONSEILS 16 Save your Voice /

Ménagez votre voix

30 Volume 21, No 6 November-December / novembre-décembre 2009 Editor in Chief / Rédactrice en chef Sofi Gamache (450) 674-1114 sofi@muziketc.ca Associate Editor / Rédacteur associé T. Bruce Wittet bruce@muziketc.ca Contributing Writers / Journalistes Graham Collins, Gerry Griffin, Jeffrey Gunn, Ayman Ibrahim, Halley Southgate, Wendy Walker, T. Bruce Wittet

by/par Halley Southgate & Wendy Walker

Dossier

Keyboards / Claviers Advertising / Publicité Ralph Angelillo (888) / (450) 928-1726 angelillo@videotron.ca Serge Gamache (866) 834-4257 / (450) 651-4257 Publisher / Éditeur Serge Gamache sergegamache@videotron.ca Printer / Imprimeur Solisco © Copyright 2009

Translation / Traduction Jim Angelillo, Geneviève Hébert, Traduction B&B Cover Photo/ Photo couvert Nilaya Sabnis

www.muziketc.ca

2009

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SYNTHS / SYNTHÉS Make Mine Vanilla.. for Starters / Commençons avec la vanille

by/par Graham Collins

by/par Gerry Griffin

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TIPS / CONSEILS Learning How to Listen when Traveling / Le voyage : apprendre à écouter

by/par Jeff Gunn

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TIPS / CONSEILS Play Hard, Work Harder / Jouez, mais travaillez encore plus fort

by/par Ayman Ibrahim

PRODUCTION 22 Producing Vocals /

Enregistrer des voix

MADE IN CANADA /

FABRIQUÉ AU CANADA 28 Blueberry Guitars

by/par T. Bruce Wittet

Advertiser Information Request Form Demande d’information des produits annoncés www.muziketc.ca/coupon_v21n6.aspx Muzik Etc / Drums Etc is published 6 times per year and distributed across Canada, in music retail stores, music schools, etc. This issue: 19 700 copies in 417 distribution points (circulation ­certified by Canada Post).

Publication Mail Agreement / Poste-Publication Convention No 40009235, Return Address / Adresse de retour : Muzik Etc / Drums Etc 753, Ste-Hélène, Longueuil, QC J4K 3R5 Muzik Etc / Drums Etc est publié 6 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles de musique, chez les détaillants de musique, etc.

Ce numéro : 19 700 copies dans 417 points de ­distribution (circulation certifiée par Postes Canada).

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Noyeuses fêtes!

Happy Holidaze

Q: Qu’est-ce qui monte et ne ­redescend pas?

R: Moi?!!

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Q: What goes up and can’t come down?

A: Me?!!

Y

ou wouldn’t believe how busy it is here.

How busy? You try putting on an event the scale of the Montréal Drum Fest and see if you have time left over to run a magazine, chase writers, monitor graphics, chase colleagues, update a Web site, and plan for a merry holiday season. Not to mention managing two kids during flu season. Bleh.

I’ve been hearing rumors. Some of you don’t know we have Internet presence. Let me assure that we do have a Web site: www.muziketc.ca. Trust me we have it. It’s up there, almost over my dead body! Thankfully, I speak to you alive in flesh and spirit and I’m speaking particularly to our green friends for the moment: not only do we offer the magazine online but the paper we use is partially recycled (flip back a page and look at the pretty certification logo, if you hadn’t noticed in the last couple issues). Yes, the entire current issue of our magazine is up and running online, along with last year’s issues. You take your cursor. You flip through the pages. Life is good. You zoom-in if you can’t see the photos or text. Voilà, life is better.

In this day and age, everything is possible. In the New Year, we’re planning a sort of virtual artist community. We’ll have tools musicians can use; we’ll encourage linkages and links. Gear heads will enjoy our classified ads. Well, that’s the plan. All I have to do is find my two feet, plant them squarely on Planet Earth and get it done.

I do this for you. And you. All of you. It’s my green gift in Canada’s white season.

mpossible de vous dire à quel point nous en avons par-dessus la tête en ce moment. Occupés vous dites ? Essayez d’organiser un événement de la taille du Drum Fest de Montréal en même temps que de rouler un magazine, courrir après les rédacteurs, en dénicher des nouveaux, gérer la mise en page, rappeler les collègues à l’ordre, mettre à jour un site Internet, tout en planifiant un joyeux temps des fêtes. Sans mentionner la gestion de deux enfants pendant la saison de la grippe. Ouf. Des rumeurs sont venues à mes oreilles. Certains d’entre vous ne savent toujours pas que nous avons pignon sur Internet: www.muziketc.ca. Oui oui, le site est bel et bien en fonction (vous pouvez me faire confiance, puisque j’y ai presque laissé ma peau) ! Heureusement, je suis toujours là pour vous rappeler à vous et particulièrement à nos amis écolos que, non seulement le magazine est en ligne, mais que nos publications sont imprimées sur du papier partiellement recyclé (si vous ne l’aviez pas déjà remarqué, vous n’avez qu’à retourner à la page précédente pour voir le joli logo de certification). Eh oui, vous avez bien lu, l’édition complète du magazine de ce mois-ci est en ligne, aux côtés de toutes les éditions de la dernière année. Vous pouvez en feuilleter les pages à l’aide de votre curseur. Faites un zoom avant si vous ne voyez pas bien les images ou le texte. Facile et écolo à souhait.

Rien n’est impossible par les temps qui courent.

Pour la nouvelle année, nous planifions établir une sorte de communauté virtuelle d’artistes. Nous voulons offrir des outils destinés aux musiciens et encourager l’échange de liens. Les mordus d’équipement apprécieront nos petites annonces. C’est, du moins, ce qui est prévu. Tout ce qu’il me reste à faire est de me ressaisir un peu, ramener mes deux pieds sur terre et faire en sorte que le tout se réalise.

Je fais cela pour vous. Et pour vous aussi. Pour vous tous. Question d’ajouter un peu de vert à cette saison blanche.

Sofi Gamache

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AGENDA muzik ETC

Édito

Edito

NAMM SHOW 2010 Anaheim, CA January 14-17 / 14 au 17 janvier 2010 1-800-767-6266 www.namm.org/thenammshow/2010

MIDEM 2010 Cannes, FR January 24-27 / 24 au 27 janvier 2010 (514) 660-9724 www.midem.com

LA BOURSE RIDEAU 2010 Québec, QC February 14-18 / 14 au 18 février 2010 www.rideau-inc.qc.ca

EAST COAST MUSIC AWARDS, FESTIVAL & CONFERENCE 2010 Sydney, NS March 4-7 / 4 au 7 mars 2010 (902) 892-9040 ecma@ecma.com www.ecma.com

CANADIAN MUSIC WEEK 2010 Toronto, ON March 10-14 / 10 au 14 mars 2010 (905) 858-4747 www.cmw.net

JUNO AWARDS St. John’s, NL April 18 / 18 Avril 2010 (416) 485-3135 www.juno-awards.ca

NXNE 2010 Toronto, ON June 16-20 / 16 au 20 juin, 2010 (416) 863-6963 www.nxne.com

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To learn more, visit www.shurecanada.com

The PG27 and PG42 are also available with XLR output.

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Voyage

travel By / Par : Jeff Gunn

Traduction : Geneviève Hébert

A Musician’s Paradise:

The Bangkok Music Scene

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here are many music scenes in Bangkok, including jazz bars, hotels, restaurants, music clubs, and the DJ scene. Jazz musicians will enjoy watching world-class acts at Tokyo Joes, Brown Sugar and Nui’s on Silom with the opportunity to sit in. Cover bands perform at major hotels. Bed Supperclub and Glow offer hot opportunities for sax, trumpet to accompany DJs in a club setting.

For those of you who are interested in immersing yourself in the local music culture, you will want to spend an evening at one of the many Daowung Dang (Red Svun) music clubs. Here you will see great musicians performing original material in Thai rock and pop

La scène musicale de Bangkok : un paradis pour les musiciens

I

l y a plusieurs scènes musicales à Bangkok, notamment dans les bars jazz, les hôtels, les restaurants, les boîtes de nuit et les soirées DJ. Les musiciens de jazz apprécieront les spectacles de niveau international au Tokyo Joes, au Brown Sugar et au Nui’s on Silom et pourront peut-être même y participer. Vous retrouverez des groupes spécialisés dans la reprise de chansons célèbres dans les grands hôtels. Bed Supperclub et Glow offrent aux saxophonistes et aux trompettistes d’excellentes occasions pour accompagner les DJs dans les boîtes de nuit.

Pour ceux d’entre vous qui voudraient plonger dans la culture musicale locale, vous n’avez qu’à passer une soirée dans une des nombreuses boîtes à musique Daowung Dang (Red Sun). Vous y trouverez d’excellents musiciens jouant du matériel original de style pop ou rock thaïlandais et qui vous

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City/Country: Bangkok, Thailand Work Visa: needed if stay exceeds 30 days Customs Issues: rarely a problem Payoff: rewarding experience Currency: Thai Baht Equipment: Rented with ease and cheaply at one of Bangkok’s many music stores style—and probably at least one cover of Thailand’s most politically charged band Carabao. The intricate rhythms and pulse of Thai rock music are unique. Guitarists will be drawn to Thai style tremolo picking using the pentatonic scale. Once you familiarize yourself with a local song or two it is not difficult to sit in and perform a song with a Thai band since musicians are friendly and eager to exchange ideas with foreigners (known as “farung”).

Musicians can inquire about delivering workshops at local high schools and music colleges. Teaching posts may be available at universities.

At approximately 1000 Baht per evening, session work is not lucrative but an invaluable experience. Bangkok is a great place to expand your musicality. n

Ville/Pays : Bangkok, Thaïlande Visa de travail : nécessaire seulement si vous planifiez un séjour de plus de 30 jours Problèmes rencontrés aux douanes : plutôt rares Récompense : une expérience enrichissante Monnaie : Baht Thaï Équipement : Location facile et abordable dans un des magasins de musique de Bangkok joueront au moins une reprise de Carabao, le groupe le plus politisé de la Thaïlande. Les rythmes complexes de la musique rock thaïlandaise sont uniques. Les guitaristes seront attirés par le trémolo à la thaïlandaise qui utilise le système pentatonique. Une fois que vous vous serez familiarisé avec une ou deux chansons locales, il vous sera facile de vous joindre aux musiciens locaux, surtout qu’ils sont souvent fort sympathiques et avides d’échanger des idées avec les étrangers (qu’ils appellent « farung »).

Les musiciens peuvent aussi s’informer pour donner des ateliers dans les écoles secondaires locales et dans les collèges de musique. Des postes en enseignement peuvent aussi être disponibles dans les universités.

Pour environ 1 000 par soir, les séances de travail ne sont pas très lucratives, mais peuvent s’avérer inestimables comme expériences. Bangkok est un endroit génial pour s’épanouir d’un point de vue musical. n

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CUBASE AI QUALIFYING PRODUCTS

Synthesizer: MOTIF XS6 MOTIF XS7 MOTIF XS8 S90XS S70XS MO6 MO8 MM6 MM8 Stage Piano: CP300 CP33 Tone Generator: MOTIF-RACK XS VL70M Audio Workstation: AW1600 Keyboard Controller: KX25 MX49 KX61 KX8 Control Surface: CC121

From September 2009 through January 2010, purchase any Yamaha or Steinberg product which includes Cubase AI , purchase the upgrade from Cubase AI to a full version of Cubase 5 or Cubase Studio 5, and you will qualify for a mailin rebate. For full details visit:

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© 2009 Yamaha Canada Music Ltd/Ltée. All Rights Reserved. www.yamaha.ca www.yamahsynth.com

Audio Interface: N8 N12 MR816X MR816CSX MW8CX MW10C MW12C MW12CX CI2 AUDIOGRAM 3 AUDIOGRAM 6 Digital Pocket Recorder: POCKETRAK 2G POCKETRAK CX

en couverture

cover story By / Par : T. Bruce Wittet Traduction : Jim Angelillo

Ric’key Pageot’s Righteous Ride Montreal, Madonna & Santa Monica

Photo : Nilaya Sabnis

La voie vertueuse de Ric’key Pageot Montréal, Madonna et Santa Monica

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he incident didn’t make People magazine. It might have but for the fact that it was a quiet event that took place when Madonna’s Sticky & Sweet tour visited Montreal, birthplace of her keyboard player, Ric’key Pageot, whose mother sat front and center.

Ric’key takes up the narrative. “Madonna heard that the song ‘Miles Away’ was my mother’s favorite on the current album. Madonna announced she was dedicating tonight’s performance of the song to my mother.”

The act of kindness preceded Rose Marie Pageot’s death by a scant half-year. When the glowing flame that had lit his way flickered, Ric’key grieved. He would have bottomed out were it not for his faith. And Madonna, hearing through her staff of the death, lightened the burden when she wrote a card of condolence and sent flowers.

Today Ric’key senses his mother’s presence stronger than ever. It seems right that the person who brought out his finest character traits—the ones that saw him to his new home in Los Angeles—should rejoin him on the journey. Ric’key dedicates this interview to his mom, who nurtured him to clarity, foresight, and musicality.

Whether Ric’key’s on stage with Madonna (in past with high profile gigs including Cirque du Soleil and Justin Timberlake), jamming with his band Night Crawlers, or producing his wife Dessy Di Lauro’s A Study of a Woman’s Soul, he’s one hundred percent committed. I was inspired and reminded of the adage We only have one life; go for it.

Call & Response: October, 2009 BW: What’s been your most satisfying, creative gig?

RP: The gig with my wife (Dessy Di Lauro). After we met, I arranged her music and together we wrote new stuff. It’s more in the soul side of music; the beauty is that although she isn’t a studied musician and I am, we’re on the same page when it comes to songs. I’ve learned from her and we have a consensus and a spiritual bond and it shows in the music. This is so different from the album she did in 2004 because my development in sounds is incredibly advanced.

BW: You studied at McGill University.

Was it a leap to getting out a playing street funk?

RP: I would call it a traumatic experience. I came into McGill already having a style; my dad (bass player) taught me all the Caribbean rhythms when I was a kid—everything from salsa to calypso to Haitian. He had me playing that stuff in high school.

At McGill they had expectations regarding jazz and maybe I didn’t conform to their definition of “good jazz musician”. When I left, playing jazz wasn’t traumatic; it was part of me already. It was difficult letting the jazz go. I play what comes naturally to me but at McGill, if you weren’t speaking jazz in relation to Oscar (Peterson) or Herbie (Hancock) or Bill Evans, you weren’t playing it properly. You had to adapt to a language, which is great as a learning

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e magazine People n’a pas parlé de l’incident. Il aurait pu, mais c’était un événement tranquille qui a eu lieu lors de l’escale montréalaise de la tournée Sticky & Sweet de Madonna. Vous voyez, ­Montréal est la ville natale de son claviériste, Ric’key Pageot, dont la mère était assise au centre, droit devant la scène.

Ric’key raconte : « Madonna a su que Miles Away était la chanson préférée de ma mère sur l’album et elle a annoncé qu’elle dédiait son interprétation à ma mère. » Ce geste a précédé de six mois le décès de Rose Marie Pageot. Quand la flamme qui avait éclairé son chemin s’est éteinte, Ric’key est tombé en deuil. C’est sa foi qui l’a empêché de sombrer.

Ayant été mise au courant du décès par son équipe, Madonna lui a écrit une carte et envoyé des fleurs, ce qui a allégé le fardeau.

Aujourd’hui, Ric’key sent la présence de sa mère plus que jamais. Il semble que ce soit logique que la personne qui a su faire sortir ses meilleurs traits de caractère, ceux qui l’ont mené à Los Angeles, le rejoigne dans son périple. Ric’key dédie cette entrevue à sa mère, celle qui lui a donné sa clarté, sa prévoyance et sa musicalité.

Que Ric’key soit sur scène, avec Madonna (ou, dans le passé, avec des artistes importants comme le Cirque du Soleil et Justin Timberlake), en train de jouer avec son groupe Night Crawlers ou en pleine production de l’album de sa conjointe Dessy Di Lauro, A Study of a Woman’s Soul, il est entièrement dévoué. Notre conversation m’a inspiré et m’a rappelé que nous n’avons qu’une vie à vivre… profitons-en !

Appel et réponse : octobre 2009 BW : Quel a été ton contrat le plus satisfaisant et le plus créatif ?

RP : C’est celui que j’ai fait avec ma conjointe (Dessy Di Lauro). Après l’avoir rencontrée, j’ai fait les arrangements pour sa musique et nous avons écrit de nouvelles pièces ensemble. Ça se situe plus du côté soul de la musique; même si elle n’a pas étudié la musique, nous avons la même approche quant à la création de chansons. J’ai appris en travaillant avec elle; notre consensus et notre lien spirituel transparaissent dans la musique. C’est très différent du disque qu’elle a fait en 2004, car mon développement quant aux sonorités est vraiment hyper avancé.

BW : Tu as étudié à l’Université McGill.

Est-ce que ç’a été difficile de passer de musicien de funk à une approche plus académique ?

RP : Ç’a été une expérience traumatisante. J’avais déjà un style quand je suis arrivé à McGill ; mon père (bassiste) m’a appris tous les rythmes des Caraïbes quand j’étais enfant, de la salsa au calypso aux rythmes haïtiens. Il m’a fait jouer tout ça au secondaire. À McGill, ils avaient des attentes relativement au jazz et je ne me conformais peut-être pas à leur définition de ce qu’est un

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process; that’s why you go to university. At the same time, though, I had to neglect my identity as a player. I felt I had to stop being myself when playing jazz. It took guys like (ace Montreal drummer) Tony Albino to “press the reset button” on me—to sit me down and tell me not to worry about what I’d just learned at school. People like him would tell me that less is more; play one note if you want to and get the crowd going.

BW: II teach several performance students at Carleton University. What should a university do to get it right? What should I do?

RP: Teachers should let students be who they are; don’t put them all in one box.

BW: On the other hand, students have to learn repertoire—historic roots....

RP: Right, and that’s what I wanted to learn: the jazz language. But I think they have to broaden the plethora of what they teach. When I started touring in the States, I saw musicians, especially black musicians, playing more out of their emotions and less within the narrow “jazz” definition.

I started feeling the way they were playing, whereas once I graduated I didn’t know who I was anymore or how I fit it musically.

BW: Who influenced you through the years?

RP: Herbie Hancock, by far, was my biggest influence. I respect his ability to push the envelope. He was always the leader, never the follower, and I was pleased to see him win a Grammy. He doesn’t drink or do drugs and he’s a good role model that way. I’m in touch with a few people in LA and I think it’s going to be a matter of months before I do something with him musically.

BW: I listened to the clip of you and your band Night Crawlers posted on myspace: http:// www.myspace.com/rickeypageot and it’s cool. The drummer is forceful but laid back, the bass player is, too. You’re laying back but nimble and I’m hearing distinctive sounds. Is that music “jazz”?

BW : J’enseigne auprès de quelques étudiants en performance musicale à l’Université ­Carleton. Quelle approche devrait adopter une université ? Que devrais-je faire?

RP : Les enseignants devraient laisser les étudiants être eux-mêmes. N’essayez pas de tous les mettre dans le même moule.

BW : Par contre, les étudiants doivent apprendre le répertoire, l’historique…

RP : C’est vrai et, en fait, je voulais apprendre le langage du jazz. Mais je crois qu’ils doivent élargir l’éventail de ce qu’ils enseignent. Quand j’ai commencé à faire des tournées aux États-Unis, j’ai vu des musiciens, surtout des musiciens noirs, qui jouaient beaucoup plus selon leurs émotions que selon une définition étroite du jazz. Je me suis alors mis à ressentir ce qu’ils jouaient, tandis que lorsque j’ai terminé mon programme, je ne savais plus qui j’étais ni où je me situais musicalement.

BW : Qui t’as le plus influencé au cours des années?

RP : Herbie Hancock a été de loin ma plus grande influence.

Je respecte sa capacité de repousser les limites. Il a toujours été le leader, jamaivs un suiveur, et j’étais heureux qu’il remporte un prix Grammy. Il ne boit pas et ne consomme pas de drogues; il est un bon exemple. Je suis en contact avec certaines personnes à Los Angeles et je crois que c’est une question de mois avant qu’on collabore sur un projet.

Photo : Nilaya Sabnis

RP: Thank you, that’s the band I founded in LA. Most of the stuff we play is original stuff that I arrange. I have the opportunity to push myself, to do new stuff. I think it’s jazz in the sense that we solo and express ourselves. There could be vamps, so be it. Let things happen as they will. That’s the whole thing about jazz: Expect the unexpected.

« bon musicien jazz ». Lorsque j’ai terminé mes études, jouer du jazz n’était plus traumatisant; ça faisait déjà partie de ce que j’étais. J’ai trouvé ça difficile de me départir du jazz. Je joue ce qui me vient naturellement, mais à McGill, si vous ne parlez pas le même jazz qu’Oscar (Peterson) ou Herbie (Hancock) ou Bill Evans, vous ne jouerez pas correctement. Il fallait s’adapter à un langage, ce qui est superbe en tant que processus d’apprentissage; c’est pour ça qu’on va à l’université. En même temps, il a fallu que je fasse abstraction de mon identité en tant que musicien.

Pour jouer du jazz, il a fallu que je cesse d’être moi-même.

Ce sont des gens comme Tony Albino (excellent batteur montréalais) qui ont appuyé sur mon « bouton de redémarrage » ; ils m’ont fait comprendre que je n’avais rien à craindre de ce que je venais d’apprendre à l’école. Ils m’ont rappelé que de jouer moins donne de meilleurs résultats. Il s’agit parfois de jouer seulement une note pour soulever une foule.

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Photo : Nilaya Sabnis

BW: Your keyboard sounds on the clip: they’re not stock sounds. When did you start getting deep into sound?

RP: After I graduated and got into the Montreal funk thing. The guys I worked with pushed me to develop my sound. I dedicated a lot of time, from 2004 onwards, to crafting and bettering my own sounds. Playing with Cirque du Soleil gig exposed me to a lot of sounds. Playing with that gig and practicing my chops and sounds at night helped ready me for getting the gig with Madonna.

I purchased a Juno (ie analog) keyboard and read the manual and researched how sounds come about. Constantly surrounding myself with sounds and reading manuals and keyboard magazines was important, as well as listening to all kinds of music.

I’ve learned the language of many of the genres and it tells me what sounds to go for.

BW : J’ai écouté le clip de ton groupe Night Crawlers sur ta page myspace, http://www.myspace.com/rickeypageot et c’est cool. Le batteur déploie une certaine force, mais demeure détendu, tout comme le bassiste. Ton jeu est très décontracté, mais agile, et j’entends des sonorités uniques. Estce que c’est du « jazz » ?

RP : Merci. C’est le groupe que j’ai fondé à Los Angeles. En général, nous jouons des pièces originales dont j’ai fait les arrangements. J’ai l’occasion de repousser mes limites, de faire de nouvelles choses. Je qualifierais ça de jazz parce que nous jouons des solos et nous nous exprimons. Il se peut qu’il y ait de l’improvisation. Il faut laisser les choses se produire comme elles le veulent.

C’est ça le jazz; il faut s’attendre à l’imprévisible.

muzik etc 11

Photo : Norm Edwards

BW : Tes sonorités sur le clip, ce ne sont pas les sonorités d’origine. Quand as-tu commencé à explorer le son ?

BW: And you’re now living in LA. You’re going to be hot on the session scene!

RP: Well, I’m on the road a lot, which you have to do, but I do get a lot of sessions. I just did Adam Lambert’s album, the guy on American Idol—that was a big project. Monty Pitman, Madonna’s guitarist called me for the sessions. The drummer was Brian Fraser Moore, Madonna’s drummer.

BW: You’re lucky but you’re a really measured guy; you really plan ahead. But aside from planning, I’d be interested in what people like about you. Like what did they see and hear that prompted them to hire you for Justin Timberlake? Did they mention your sounds?

RP: They knew I could play and, yes, it was sounds as you mentioned. But when they considered me for the band, they went and asked people about my demeanor—people I’d worked with. What was I like to work with? When I got the call, they knew about me. Justin Timberlake’s drummer, Fish, had worked for Cirque du Soleil. He told me I ought to connect with Kevin (bandleader, Justin Timberlake).

BW: This is going to sound strange maybe, but when you go for some phrase on the keyboards or some embellishment or comp, are you as aware of stopping the note as coming down on the key and starting it?

RP: That’s very important. The end of the note is as rhythmic as the beginning. If you drag the note too long, you’ve just lost the rhythmic potential of that note. The space you leave behind the note is as “loud” as the note you play.

My favorite keyboard to play with weighted keys is the Nord Stage. To me it’s the slap back, the release of the key. I grew up playing grand pianos where that was important. When I got into the R & B scene, I was known as “the Rhodes guy”.

The Fender Rhodes made me play my best and I loved the feel. I’ll say that the Nord Stage is the closest thing to the feel of the Rhodes and getting those sounds.

The Nord Stage is my main instrument. I also rely on the

12 muzik etc

RP : Après mes études, je me suis impliqué dans la scène funk montréalaise. Les gars avec qui je jouais m’ont poussé à développer mes propres sonorités. À partir de 2004, j’ai consacré beaucoup de temps à façonner et à améliorer mes sonorités. Jouer avec le Cirque du Soleil m’a exposé à beaucoup de sons. C’est ce contrat, en plus de répéter ma technique et de fignoler mes sonorités durant la nuit, qui m’a poussé à être prêt pour jouer avec Madonna.

Je me suis acheté un clavier Juno (analogique) et j’ai lu le guide et j’ai fait des recherches sur la création de sonorités. C’était important que je m’entoure de sons, de livres et de magazines de claviers, tout comme écouter toutes sortes de musique. J’ai appris le langage de beaucoup de styles et ça m’indique quels genres de sonorités je dois utiliser.

BW : Et tu vis maintenant à Los Angeles. Tu vas faire un malheur dans le monde des studios !

RP : Eh bien, je suis souvent sur la route, ce qu’il faut faire, mais je fais beaucoup de sessions d’enregistrement. Je viens de travailler sur le disque d’Adam Lambert, le gars d’American Idol; c’était un gros projet. C’est Monty Pitman, le guitariste de Madonna, qui m’a appelé pour m’offrir ce contrat. Le batteur était Brian Fraser Moore, qui joue aussi avec Madonna.

BW : Tu es chanceux, mais tu es un gars très posé; tu planifies tout à l’avance. Mais à part la planification, j’aimerais savoir ce que les gens aiment chez toi. Par exemple, qu’estce qu’ils ont vu et entendu qui les a plût assez pour t’engager pour jouer avec Justin ­Timberlake ? On-t-ils parlé de tes sonorités ?

RP : Ils savaient ce que j’étais en mesure de jouer et, oui, les sonorités ont joué leur part. Mais lorsqu’ils m’ont considéré pour l’orchestre, ils se sont informés à propos de mon comportement auprès de gens avec qui j’avais déjà travaillé.

Comment c’était de travailler avec moi ? Quand ils m’ont appelé, ils me connaissaient déjà. Le batteur de Justin Timberlake, Fish, avait travaillé pour le Cirque du Soleil. Il m’avait suggéré d’entrer en contact avec Kevin (chef d’orchestre, Justin Timberlake).

BW : C’est peut-être une question étrange, mais quand tu t’apprêtes à jouer une phrase sur un clavier ou une fioriture ou autre passe, es-tu aussi conscient de la note qui arrête que de l’action d’appuyer sur la touche pour la faire commencer ?

RP : C’est très important. La fin de la note a autant d’importance rythmique que son début. Si vous faites sonner une note trop longtemps, vous venez de perdre le potentiel ryth-

Change your game.

Introducing

guitar recording and signal processing will never be the same.

“This is gonna change everything.”

— James Michael | Mötley Crüe, Meatloaf, Scorpions

“Oh dude, this is gonna kill.”

— David Torn | David Bowie, John Legend, Tori Amos

“You’re going to see these everywhere.”

— Dann Huff | Michael Jackson, Faith Hill, Shania Twain

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© 2009 Avid Technology, Inc. All rights reserved. Avid, the Avid logo, Pro Tools, the Pro Tools logo, Pro Tools LE, Eleven and the Eleven logo are either trademarks or registered trademarks of Avid Technology, Inc. or its subsidiaries in the United States and/or other countries. All other trademarks are the property of their respective owners. All prices subject to change without notice.

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Access Virus TI Polar and the Miko from Open Labs: it’s basically a computer combined with a keyboard. It combines my sounds and my plug-ins. Soft synths are better at replicating sounds and if they’re non-analog sounds I’ll have them in my Nord Stage and Miko. On the Madonna gig, I had sleepless nights trying to copy sounds from the album. I don’t want to pass myself as “sound designer extraordinaire”....

BW: You’re playing with Madonna—you’ve got credibility with me!

RP: (laughs) Well, sometimes I can’t find sounds and I’ll have to make my own from scratch. Madonna is no joke.

She knows sounds and can detect sounds and changes in them. She’s picky but that’s a good thing because she knows what she’s doing.

Seriously, when it came down to her choosing between me and another keyboard player, it came down to me playing accordion! I get off my riser, go on the main stage and dance with her while playing accordion.

The whole thing has been a dream, especially since I grew up with sickle cell anemia. My cousin died of it when I was young. I had a few close calls myself but with the grace of God, my doctor, and my family, I’ve been able to fight it. I’d like to be a spokesperson the organization that speaks for kids who have the disease.

BW: This next bit is touchy but we hear that music fosters harmony. I talk to New York musicians or LA musicians and I hear the same old thing: white vs. black. Seems the music community is not so harmonious.

RP: I try to keep positive. I can tell you I’ve experienced as much discrimination in Montreal as anywhere in the States.

It’s not necessarily racist, though. Sometimes it’s like, “He plays different, not like us”. My dad warned me about all of this. And in Montreal it’s worse if you’re a black musician and only speak English. Thank God I’m bilingual and can integrate into both communities. But for me to say that discrimination hasn’t been a factor in my career would be lying. At the end of the day, I don’t use it as an excuse because it would be letting them win, you know? I create my own destiny. You create your own destiny. Just remember to know your music and be on time. n

mique de cette note. L’espace que vous laissez derrière une note est aussi « forte » que la note que vous jouez.

Le clavier à touches lestées que je préfère jouer est le Nord Stage. Ce que j’aime est le retour ou le relâchement de la touche. J’ai grandi en jouant sur des pianos à queue où c’est un aspect important. Quand je me suis impliqué dans la scène R & B, j’étais connu comme le « gars Rhodes ». Le Fender Rhodes me permettait de jouer pleinement et j’aimais carrément la sensation qu’il me procurait. Le Nord Stage est le clavier qui m’offre la sensation la plus proche du Rhodes, tout en me permettant d’obtenir ces sonorités.

Le Nord Stage est on instrument principal. Je joue aussi avec l’Access Virus TI Polar et le Miko d’Open Labs, qui est en fait un ordinateur muni d’un clavier. Il me permet d’utiliser mes sonorités et me plugiciels. Les synthés virtuels reproduisent mieux les sons, et pour les sonorités non analogiques, j’utilise le Nord Stage et le Miko. Pour le contrat avec Madonna, j’ai passé des nuits blanches à essayer de copier les sonorités du disque. Je ne dis surtout pas que je suis un as de la conception sonore…

BW : Tu joues avec Madonna… je pense que ça te donne pas mal de crédibilité !

RP : (riant) Eh bien, parfois je n’arrive pas à trouver certaines sonorités et je dois les fabriquer moi-même. Madonna, c’est du sérieux ! Elle connaît les sons et est en mesure de détecter les sonorités qui ne sonnent pas tout à fait comme elles doivent. Elle est difficile, mais c’est une bonne chose, car elle sait ce qu’elle fait.

Mais sérieusement, quand est venu le temps pour elle de choisir entre moi et un autre claviériste, elle m’a choisi parce que je joue de l’accordéon!

Parce que j’ai grandi avec la maladie d’Herrick, l’expérience est comme un rêve. Mon cousin est mort de cette maladie et j’ai eu moi-même quelques frousses, mais par la grâce de Dieu, de mon médecin et de ma famille, j’ai réussi à la combattre. J’aimerais être un porte-parole pour l’organisme qui représente les enfants atteints de cette maladie.

BW : Ma dernière question touche à un sujet quelque peu épineux. On entend toujours que la musique fait la promotion de l’harmonie. Mais en parlant avec des musiciens de ­New York et de Los Angeles, j’entends toujours la même rengaine, soit le gouffre qui existe entre les blancs et les noirs. Il semble que la communauté musicale n’est pas si harmonieuse.

RP : J’essaie de conserver une attitude positive. Je peux vous dire que j’ai subi autant de discrimination à Montréal qu’aux États-Unis.

Par contre, ce n’est pas nécessairement raciste, un peu comme : « il joue de façon différente, pas comme nous. » Mon père m’avait bien averti. Et à ­Montréal, c’est pire quand vous êtes un musicien noir qui parle seulement anglais.

Dieu merci, je suis bilingue et je peux m’intégrer aux deux communautés. Mais je mentirais si je disais que la discrimination n’a pas été un facteur dans ma carrière. Par contre, ce ne sera jamais une excuse pour moi, car ça équivaudrait à les laisser gagner, tu sais ? Je crée ma propre destinée. Vous créez votre propre destinée. Rappelez-vous simplement de connaître la musique que vous allez jouer et de toujours arriver à temps. n

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Series Series

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By / Par : Halley Southgate & Wendy Walker Traduction : Geneviève Hébert

Save Your Voice

T

reated right, your singing will ring through the ages. And perhaps the biggest secret to longevity is that it’s as simple as breathing in, breathing out. You are a professional. Just because you leave the stage you haven’t left your vocation. The same voice that brings a tear when uttering “nobody knows you when you’re down and out” is the voice that frantically hails a taxi.

This is not to say that vocalists ought to be problem-free over a career. Every musician develops problems, especially in Canada where, if the cold doesn’t turn your vocal chords to ice it will surely immobilize your automobile in some dark, cold parking lot after the gig.

Of course, then it would be the musician’s lot to slip on glassy ice while loading the trunk, adding a back injury to the mix. Truth is we are as liable on stage as off to get hurt. This makes diagnosis and treatment difficult. Seek out a good vocal coach. In the meantime, consider our advice.

Vocalists are especially vulnerable in a vast country comprised of diverse, often harsh weather scenarios.

Winter varies from Halifax to Whitehorse. The relative degrees of humidity can play havoc on our vocal chords, as can many other factors. You are, in a very real sense, what you breathe.

That alone mitigates against bothering with breathing exercises, especially in situations in which it’s so frigid that you can’t jog long distances and catch your breath lest your lungs seize up. But that’s outdoors.

Most musicians work indoors, with notable exceptions come winter festival time, and providing there’s an acclimatization period coming in from the storm, you’re good to go.

At any rate, you ought to concentrate on deep inhalation. This process begins a little below the belly button and aided by the diaphragm, which separates the lower, abdominal cavity from the one where the air really gathers strength, the thoracic cavity, before welling up at warp speed before departing by way of the mouth. You can learn this from self-help books, Internet articles, and, believe it or not, from self-hypnosis therapists for whom establishing deep breathing is bread and butter.

Shallow Begets Shallow

One of the manifestations of the opposite sort, shallow breathing—aside from, say, reduced oxygen intake—is shallow singing.

It’s all about the difference between full bodied Frank Sinatra and wheezing Jerry Lewis (with honorable mention to Keith Jarrett). No matter how you see it, the scenario wraps up much as it does for players of any instruments: maintain good posture and limb alignment; provide a healthy division of labor, meaning sing from the lower to higher portions of the torso, and your singing will be less fluttery and more rich in timbre. Don’t begin on stage; practice deep breathing off stage first,lest you faint.

You have a choice to make. You can go for Pavarotti power, Right Whale projection, or at least Richard Thompson

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Ménagez votre voix

S

i vous la traitez bien, votre voix traversera les âges.

Et le secret de sa longévité peut être aussi simple que d’inspirer et d’expirer. Vous êtes des professionnels : ce n’est pas parce que vous quittez la scène que vous laissez votre vocation derrière. La voix qui met la larme à l’œil lorsque vous chantez « nobody knows you when you’re down and out » est la même qui hèle le taxi à la fin de la soirée.

Mais cela ne veut pas dire que les chanteurs ne peuvent pas avoir de problème au cours de leur carrière. Tous les musiciens en ont à un moment donné ou un autre, surtout au Canada, où le froid peut transformer vos cordes vocales en glaçons ou encore empêcher votre auto de redémarrer dans la pénombre du stationnement derrière la salle de spectacle. Sans oublier la possibilité de glisser sur une plaque de glace noire en chargeant l’équipement dans le camion, vous infligeant ainsi d’une blessure au dos. La vérité est que nous sommes aussi susceptibles de nous blesser sur scène qu’hors scène, ce qui rend les diagnostiques et les traitements difficiles. Recherchez un bon entraîneur vocal, mais en attendant, considérez ces quelques conseils.

Les chanteurs sont surtout vulnérables dans les vastes pays qui sont souvent caractérisés par des températures extrêmes. Qu’on soit à Halifax ou à Whitehorse, les hivers ne sont pas les mêmes. Les degrés d’humidité relative peuvent endommager sérieusement vos cordes vocales, tout comme de nombreux autres facteurs. Nous sommes, littéralement, ce que nous respirons.

Sachant cela, c’est à se demander pourquoi on s’embête avec des exercices de respiration, surtout dans des situations où le froid est tellement saisissant que vous ne pouvez faire du jogging et rattraper votre souffle sans que vos poumons ne paralysent. Tout cela se déroule à l’extérieur, mais la plupart des musiciens travaillent à l’intérieur, avec quelques rares exceptions lors de festivals d’hiver, bien qu’ils aient alors une période d’acclimatation.

De toute façon, il faut vous concentrer sur les inhalations profondes. Ce procédé commence en bas du nombril et est aidé par le diaphragme qui sépare la cavité abdominale de la cavité thoracique où l’air prend vraiment toute sa force avant de remonter à une vitesse fulgurante pour sortir par la bouche. Vous pouvez apprendre cette technique dans des livres de croissance personnelle, dans des articles sur Internet et même, croyez-le ou non, par l’entremise de thérapeutes en autohypnose pour qui cette méthode de respiration profonde est la base de leur profession.

Une respiration peu ­profonde engendrera un manque de profondeur

À l’opposé, une respiration peu profonde résultera bien sûr, en un apport amoindri en oxygène, mais aussi en une voix qui manque de profondeur. C’est ce qui fait toute la différence entre une voix qui a

Photos : shutterstock

production

production

tenor, or you can settle for Yoko Ono sibilance, Bob Dylan rasp, or Leonard Cohen arid. At least the latter has never gone on record attempting to belt it out at stadium volumes. He works within his limitations. Lucky us.

One choice is diet. Many singers, in fact, guard their singing voices but abuse their everyday version by screaming at drivers on the freeway, gobbling caffeine, nicoteine, artificially sweetened confections, prescription drugs, and recreational substances. The singer would best remember that he or she is a professional both on stage and off. The net trauma is identical in both circumstances. Ingest eight glasses of water a day, try Gatorade type beverages spiked with hydrating ingredients, fruits containing potassium, and, in a pinch, certain lozenges and teas. Finally, it goes without saying that if there are any smoky clubs out there immune from bylaws, let’s all meet for break in the back stairwell. n

du coffre comme celle de Frank Sinatra et celle plus rauque de Jerry Lewis (avec une mention d’honneur pour Keith Jarrett). Quelle que soit la façon dont vous voyez les choses, le scénario est à peu près le même que pour n’importe quel musicien: vous devez garder une bonne posture et un bon équilibre des membres. Divisez bien le travail, c’est-à-dire, chantez en partant du bas du torse tout en montant vers le haut: vous obtiendrez ainsi une voix plus assurée et mieux timbrée. Ne le faites pas seulement une fois sur scène : pratiquez la respiration profonde avant de monter sur scène, au cas où vous perdriez connaissance.

Vous devez faire un choix. Vous pouvez opter pour la puissance de Pavarotti, de Right Whale projection, ou au moins du ténor Richard Thompson, ou vous contentez du sifflement de Yoko Ono, de la voix râpeuse de Bob Dylan, ou de l’aridité de Leonard Cohen. Au moins, ce dernier n’a jamais essayé de chanter à voix déployé. Heureusement pour nous, il respecte ses limites.

Vous pouvez aussi surveiller votre régime alimentaire. En fait, plusieurs chanteurs surveillent leur chant, mais abusent de leur voix au quotidien en criant des bêtises aux autres conducteurs sur l’autoroute, en consommant des tonnes de caféine, de nicotine, de confections sucrées artificiellement, de médicaments et d’autres substances euphorisantes. Les chanteurs devraient adopter une attitude professionnelle autant sur scène qu’en dehors de la scène. Dans les deux cas, le résultat est le même. Consommez plutôt vos huit verres d’eau par jour, ou des boissons comme le Gatorade qui contiennent des agents hydratants, des fruits contenant du potassium et en plus petites quantités, des pastilles ou des thés. Et finalement, s’il existe encore des boîtes de nuit où il n’est pas interdit de fumer, allez prendre votre pause derrière la bâtisse. n

synthés

synths By / Par : Graham Collins Traduction : Jim Angelillo

Make Mine Vanilla…

for Starters

I

n this column we’ve covered programming architecture of common synths but we’ve never looked at how to start the programming process.

For the newbie, the most common departure point is to find a patch that sounds close to what you are looking for, then alter a few parameters to customize it for your music. Today, however, we start from scratch. We begin with a blank canvas.

When I work with a new synth, the first thing I do is come up with a “vanilla” patch—what I feel is a neutral, white bread starting sound. What constitutes a vanilla sound? In fact, there can be many and varied vanilla patches depending on the type of synthesis involved and the way you go about thinking about sound.

For me, it comes down to two simple musical concepts: time and frequency.

Let’s deal first with time. We want a sound that responds in a simple manner when you play the keys, in short the way an organ responds: on when you touch a key and off when you let it go. The simplest way to do this is to set all envelopes (ADSR are the most common) to zero attack, zero decay, full sustain, and zero release. In addition, you could have set the sound to zero sustain, in which case when you play a key nothing happens. That’s too blank a canvas! The first step in programming is to produce some sort of sound. By setting a full sustain, you anticipate some manner of sound output and assign maximum control to the keyboard. Note that

Commençons avec la vanille

D

ans cette chronique, nous avons traité de l’architecture de la programmation de synthétiseurs populaires, mais nous n’avons jamais regardé comment amorcer le processus de programmation. Pour le débutant, le point de départ le plus commun est de trouver la sonorité qui se rapproche le plus de ce qu’il recherche et ensuite de modifier quelques paramètres pour l’adapter à votre musique. Aujourd’hui, toutefois, nous allons commencer avec la base, une page blanche.

Quand je travaille avec un nouveau synthétiseur, la première chose que je fais est de créer une page blanche, une sonorité que j’appelle « vanille ». Elle est ce que je perçois comme étant la sonorité la plus neutre possible. Mais que constitue une sonorité vanille ?

En fait, il peut y avoir beaucoup de types de

18 muzik etc

sonorités vanille, tout dépendant du genre de synthèse utilisé et de la manière que vous concevez le son.

Pour moi, ça se résume à deux concepts musicaux simples : le temps et la fréquence.

Parlons premièrement du temps. Nous sommes à la recherche d’une sonorité qui répond de façon simple lorsqu’on joue au clavier, comme un orgue : la sonorité retentit en appuyant sur une touche et s’arrête quand on la relâche. La façon la plus simple d’y arriver est d’ajuster tous les profils (les profils ACEE son les plus courants) à zéro pour l’attaque, à zéro pour la chute, à cent pour l’entretien et à zéro pour l’extinction. Vos pouvez ajuster l’entretien à zéro, mais il ne se passerait rien en appuyant sur les touches. Ça créerait une page un peu trop blanche ! La première étape dans la programmation est de créer

any type of effect that modulates the overall sound over time should also be turned off. For instance, any LFO depth or wave table modulation should be set to zero.

Frequency parameters are important to the vanilla patch. First, oscillators need to be set to one of a couple of different possibilities. For sample-based synthesizers you’ll probably want to set any oscillator to the first sample in the list of possibilities. With an analog synth you could set oscillators to a sawtooth wave or a triangle or a sine wave. All of these options are at your disposal, depending whether you want your vanilla patch to sound

Graham Collins is a Toronto based composer/ synthesist who can be reached via e-mail at graham@pongthrob.com

une sonorité ou une autre. En mettant l’entretien au maximum, vous anticipez la production d’un son et assignez tout le contrôle au clavier. Assurez-vous aussi que tout effet pouvant moduler la sonorité relativement au temps devrait être ôté. Par exemple, mettez à zéro toute modulation de la profondeur ou de la ­table d’onde d’un oscillateur sub-audio (LFO).

Les paramètres de fréquence sont importants pour la sonorité vanille. Premièrement, il faut régler les oscillateurs selon quelques possibilités. Pour les synthétiseurs fondés sur les échantillonnages, vous voudrez probablement régler un oscillateur sur le premier échantillonnage dans la liste de possibilités. Avec un synthé analogique, vous pourrez régler les oscillateurs sur une onde en dent-de-scie ou triangulaire ou sinusoïdale.

Toutes ces options s’offrent à vous ; vous pouvez faire en sorte que votre sonorité vanille sonne le plus simplement possible ou que les paramètres soient ajustés à leurs réglages les plus simples. Ça dépend de vous, de votre perception de ce qu’une sonorité neutre devrait être. Puisque la plupart des synthés offrent plusieurs oscillateurs par voix, vous avez un choix : vous pouvez en activer qu’un. Bien sûr, si d’autres qui sont actifs, vous devriez vous assurer qu’ils soient réglés à la même hauteur tonale.

La seconde étape consiste à s’assurer qu’aucun filtre ne colore la fréquence. Dans la plupart des cas, ça implique de mettre le filtre passe-bas à son plus haut réglage et de régler la résonance à zéro. Pour la synthèse FM, où il n’y a pas de filtre, vous voudrez peut-être mettre en place une paire de modulateurs-transporteurs de base réglés à zéro. Tous les effets internes de votre synthé, comme les délais, les échos ou les chorus, devraient être éteints, à moins, bien sûr, que vous vouliez voguer dans une mer de réverbération…

Voilà, en somme, ce que la création d’une sonorité vanille implique. Une fois que vous êtes certains que toute modulation possible, ou routage de la matrice, n’est pas en fonction, nommez votre sonorité « vanille » et enregistrez-la.

En fait, il n’y a pas de façon unique de définir une page blanche. Vous devriez donc songer aux différentes catégories de sonorités vous envisagez créer et ensuite façonner votre série de sonorités vanille, personnalisées par type. Par exemple, une sonorité vanille basse pourrait être composée de réglages d’enveloppe courants que vous désirez entendre dans une sonorité de basse.

Dans le synthé principal de ma station de travail, il y a une variété d’algorithmes de modélisation en plus de ce qui vient avec la synthèse à base d’échantillonnages. Je crée une sonorité pour chaque algorithme puisque les paramètres de chaque synthèse sont différents. À cause des nombreuses formes de synthèse disponibles aujourd’hui, il nous faudrait un mois pour énumérer tous les paramètres possibles, mais rappelez-vous toujours du concept de temps et de fréquence lorsque vous voulez créer une sonorité construite à partir d’un son simple.

Qu’importe si vous concevez la conception sonore en tant que sculpture ou assemblage, vous devez déterminer ce que sera votre point de départ conceptuel.

Une fois déterminé, je suggère que vous le nommiez « vanille » et que vous l’enregistriez. Lors de votre prochaine session de travail, vous aurez le loisir de choisir si vous voulez construire un sundae simple ou bien un banana split de luxe ! n

Graham Collins est un compositeur/synthésiste de Toronto. Vous pouvez communiquer avec lui à graham@pongthrob.com

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Photos : shutterstock

as simple as possible or you want to set the parameters to the simplest setting. This is all about you—your concept of what a blank patch ought to be. Since most synths feature multiple oscillators per voice, you have a choice: you can turn on only one of them. Of course, if you have others active, you should ensure they are set to the same pitch.

The second step is to make sure no filter is coloring the frequency in any way. In most instances, this means opening up the low-pass filter to its highest setting and setting resonance to zero. In FM synthesis where there is no filter, you may want to set up a basic modulator-carrier pair with zero modulation. Any internal effects on your synth such as delay, echo, or chorus should be shut down entirely—unless you want to be bathed in a sea of reverb.

In short, that is about all that’s involved in a vanilla patch. Once you’ve made sure you’ve turned off any extra modulation or matrix routings, you should title your patch “vanilla” and save it to memory. In reality, there is no single way of defining a blank canvas. Therefore, you should begin thinking about the different categories of sounds you envisage creating and then begin a series of vanilla patches by type.

For example, a bass vanilla patch might consist of the common envelope settings you prefer to hear in a bass sound.

On my main workstation synth, there are a variety of modeling algorhythms in addition to what’s provided in sample-based synthesis. I create a patch for each algorithm since the parameters of each synthesis are different. Due to the numerous forms of synthesis available today it would take a month to list every possible parameter; but remember the time and frequency concept when coming up with a simple sound from which you construct your patch.

Whether you conceive sound design as a sculpting or as a building blocks process, you need to establish what your conceptual starting point is. Once you get it, I suggest labelling it “vanilla” and saving it. The next time you set to work, you can decide whether you’re going to build a simple sundae or a deluxe banana split. n

YAMAHA ARRANGER WORKSTATIONS LEADING THE INDUSTRY WITH GROUNDBREAKING TECHNOLOGY

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By / Par : Gerry Griffin Traduction : Jim Angelillo

Producing

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Vocals

s a producer, I produce vocals. I can tell you that no matter the vocalist or the vocalist’s degree of expertise, there is always room for improvement.

It could be a tiny change in the melody or perhaps the phrasing of certain lyrics. It might be a change in the lyric itself, since some words sound more awkward and less musical.

I’m always on alert for a hard consonant sound in the wrong place or an over-emphasized b, p, or d. Excessive emphasis on t or s can necessitate moving the mic, changing mic/preamp, or using a pop filter. Sometimes it’s simply a matter of turning the mic capsule slightly off axis—troublesome sounds vanish. But that angled mic may sacrifice a little low and low-mid frequency content. The pop filter can take away sibilant richness. It’s kind of like throwing the baby out with the bath water. Fortunately, I can take care of things with a little EQ. Most of my work involves vocalists themselves, not the signal chain. As a producer, I have to keep in mind that the vocal performance can move the listener. And while I can repair tuning, adjust time problems, and tweak the phrasing, I can’t add emotion. That has to come from the singer.

Even seasoned singers have problems. For example, sometimes if the singer has performed a song countless times before the recording, the spontaneity is lacking. The vocals become lifeless, lacking in energy, and automatic.

The key here is for me to get the vocalist to revert back to the lyrics, to the message and emotion intended by the writer. The singer will pick up on this and will more emphatically address the crux of the song. If the new version, however, is more energetic, I may have other aspects to deal with. For example, the singer may need to control breath in a different manner to accommodate a more forceful and committed performance.

Harnessing those Voices…

I employ the term “head voice”, which refers to the falsetto range, the nasal quality, the higher pitched “whistle tones”, and variations of these. The “chest voice” represents the deeper tones. The diaphragm is the engine that pushes the voice outwards and upwards from the stomach. My job is dealing with these aspects. For example, if I capture a smattering of head voice and some nasality, I might create the next big R & B vocal sensation! I have to watch for the singer who is married to a one combination of these attributes. He or she gets dismissed as a one trick pony. In addition, many younger singers use their throat instead of their chest or diaphragm in an attempt to emulate the gravely blues tone.

They sound more like ducks quacking than Sam & Dave.

Fortunately, each of us has many useful singing voices.

Most decent singers incorporate a half a dozen or more in a single performance. By quietly manipulating these voices, I can help bring a song to life.

Stand tall: posture is relevant. The standing singer represents the vertical alignment of lips, throat, chest cavity, stomach, diaphragm—think of a straight pipe that allows a clear passage from which the voice emerges.

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Enregistrer

E

Des Voix

n tant que réalisateur, j’enregistre des voix. Peu importe le niveau d’expérience d’un chanteur, je peux vous dire qu’il y a toujours place à l’amélioration. Il s’agit peut-être d’une toute petite modification de la mélodie ou le phrasé de certaines paroles. Ou bien, ce sont les paroles elles-mêmes qui doivent être changées parce que certains mots sonnent maladroits et non musicaux.

Je suis toujours à l’affût d’une consonne dure mal placée ou un b, un p ou un d trop distrayant. Une insistance excessive sur un t ou un s peut mener à déplacer le microphone, changer le préamplificateur ou le micro, ou à utiliser un filtre anti-souffle. Il s’agit parfois tout simplement de mettre la pastille légèrement hors de l’axe pour éliminer les sons indésirables. Mais cet angle pourrait sacrifier une portion des fréquences graves à médianes/graves captées. Le filtre anti-souffle peut éliminer une certaine richesse. C’est comme jeter le bébé avec l’eau du bain. Heureusement, je peux utiliser un correcteur pour rétablir ces petits manquements.

En général, je travaille avec les chanteurs eux-mêmes, pas avec la chaîne de signaux. En tant que réalisateur, je dois toujours me rappeler que la performance vocale peut émouvoir l’auditeur.

Bien que je puisse réparer la justesse tonale, les problèmes rythmiques et améliorer le phrasé, je ne peux pas insuffler de l’émotion. Ça, c’est le chanteur qui doit la produire.

Même les chanteurs d’expérience éprouvent des problèmes.

Par exemple, si le chanteur a interprété une chanson très souvent avant de l’enregistrer, il se peut qu’il manque de spontanéité. Sa voix perd de sa vie, manque d’énergie et tombe dans des automatismes. Pour moi, la clé est de faire en sorte que le chanteur se remette à ressentir le texte, le message et l’émotion voulus par l’auteur. Le chanteur pourra donc transmettre avec plus d’énergie l’essentiel de la chanson. Par contre, si la nouvelle version est en effet plus énergique, il y aura peut-être d’autres problématiques à régler. Par exemple, le chanteur pourrait avoir besoin de contrôler son souffle d’une façon différente pour accommoder une interprétation plus puissante et engagée.

Exploiter ces voix…

J’utilise l’expression « voix de tête » pour désigner les faussets, la qualité nasillarde, les tonalités très aiguës de type sifflement et toutes leurs variations. La « voix de poitrine » représente les tonalités plus profondes. C’est le diaphragme qui propulse la voix vers l’extérieur à partir de l’estomac. Par exemple, si je capte un soupçon de voix de tête et un peu de nasalité, je serai peut-être en mesure de créer la prochaine sensation vocale R & B! Il faut que je reste à l’affût de ce genre de combinaison d’attributs. Il ou elle sera mis de côté comme saveur du jour. Il faut dire que beaucoup de jeunes chanteurs utilisent leurs gorges plutôt que leur poitrine ou leur diaphragme pour produire une sonorité râpeuse blues. Ils sonnent davantage comme des canards que Sam & Dave.

Heureusement, nous possédons tous plusieurs voix chantées pouvant être utiles. La plupart des chanteurs qui ont une once de talent incorporent une demi-douzaine de ces voix dans l’interprétation d’une chanson. C’est en manipulant subtilement ces voix que je peux aider à insuffler de la vie dans une chanson.

La posture est importante. Le chanteur qui se tient debout représente l’alignement vertical des lèvres, de la gorge, de la

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production

production

Press Record for Eternity

After vocal pre-production, the vocalist may take time out to become comfortable with any changes. Suitably prepared, they return to deliver a track. It’s always a good idea to have the mic set up for their first stab at it. Sometimes the magic lies in that first take.

Sometimes fear is the biggest barrier. But the sky won’t fall down due to a bad note. The internal questioning, such as what will others think of my performance? is ego-based. My advice to vocalists is this: If you’re doing your best job, accept the result. But fear can haunt even the most prepared, rehearsed vocalist. We all succumb to it to some degree because we recognize the importance of a good performance on a CD. The phrase “record a performance on CD” is so permanent and final. In some respects, digital piracy and sharing recordings render our results more permanent, more universal, more widely evaluated. Long after we’re dead, our work will roam the world wide web, waiting to be discovered by new generations of listeners. Perhaps in the far distant future, long forgotten artists will reemerge and enjoy notoriety and fame that eluded them in life. I have to wonder if someone will have figured out how to track down and pay the artists’ descendants.

So let’s strap on our best ears, face the fear, and, above all, have fun. n

poitrine, de l’estomac et du diaphragme; pensez à un tuyau bien droit qui laisse passer sans entrave la voix d’un bout à l’autre.

Appuyez sur Record pour l’éternité !

Après la préproduction vocale, le chanteur peut prendre du temps pour s’acclimater aux changements. Une fois confortable, il est prêt à enregistrer sa piste. C’est toujours une bonne idée d’assurer que le microphone est prêt pour le premier essai, car parfois, la première prise peut s’avérer magique.

Mais parfois la peur constitue la plus grosse entrave. Le ciel ne tombera pas sur nos têtes s’il y a une mauvaise note. Les questions du genre « qu’est-ce que les autres penseront de mon interprétation? » sont égoïstes. Ce que je dis aux chanteurs est de faire de leur mieux et d’accepter le résultat. Mais la peur peut hanter même les chanteurs les plus préparés et expérimentés. Nous y succombons tous à un moment ou un autre parce que nous connaissons l’importance d’une bonne performance sur CD. Le simple fait d’enregistrer une performance sur CD semble si permanent et final. À certains égards, le piratage et le partage de fichiers rendent le tout encore plus permanent, plus universel et soumis à une évaluation plus étendue. Bien après que nous serons morts, nos œuvres flotteront quelque part dans le Web, en attente d’être découvertes par une nouvelle génération d’auditeurs. Il est possible que, dans un futur lointain, certains artistes oubliés refassent surface et jouissent d’une popularité qu’ils n’auront jamais eue de leur vivant. Je me demande si quelqu’un aura trouvé un moyen de localiser et de payer leurs descendants!

Donc, tendez l’oreille, faites face à vos craintes et, surtout, amusez-vous! n

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conseils

tips By / Par : Jeff Gunn

Traduction : Geneviève Hébert

Learning How to Listen when Traveling

Le voyage: apprendre à écouter

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n a recent trip to Thailand, I attended several music concerts featuring musical styles from around the country. As a musician I was struck with the realization that I listened to, interpreted, and conceptualized Thai music according to western conventions.

Inevitably, first I listened to the melody; noted the number of times certain passages were repeated; deciphered the key/scale; focused on the pulse and recurring rhythmic patterns. As a result, I began to understand the form of any given song. The musical features of that song became listening tools I could apply to other songs in a particular concert.

While the act of listening is something musicians take for granted, being aware of the conceptual tools we use while listening can strengthen our musical foundation. Why? Because the basic building blocks of music can be applied across musical genres. While it is important to remember that the concepts of melody and rhythm

L

ors d’un récent voyage en Thaïlande, j’ai assisté à plusieurs concerts mettant en relief les différents styles musicaux de ce pays. En tant que musicien, j’ai été surpris de réaliser que mon écoute, mon interprétation et ma conceptualisation de la musique thaïlandaise étaient teintées de conventions occidentales.

Inévitablement, j’écoutais la mélodie de prime abord, en notant le nombre de fois que certains passages étaient répétés, puis je déchiffrais le ton et la gamme et me concentrais sur le battement et les motifs rythmiques périodiques. J’ai donc commencé à ­comprendre la forme de n’importe quelle chanson. Les caractéristiques musicales ainsi relevées devenaient ensuite des critères d’écoute que je pouvais appliquer à d’autres chansons lors d’un même spectacle.

L’art de l’écoute est quelque chose que les musiciens prennent pour acquis, mais être conscient de la façon dont on écoute peut renforcer nos fondations musicales. Pourquoi? Parce que les composantes essentielles de la musique peuvent s’appliquer à tous les genres musicaux. D’une culture à l’autre, même si les concepts de rythme et de mélodie peuvent varier, les points ­communs sont nombreux. En écoutant la musi-

may vary from culture to culture, we have much common ground. By listening to music of other cultures, we develop our listening tools—our ability to make sense of the unfamiliar. The process of turning the unfamiliar into the familiar enables us to enrich our music.

Go There and Listen

The next time you go on vacation, get a local newspaper, ask the hotel desk or locals where you can hear the best music. Go there.

They’re playing an appealing song. Allow your ears to absorb unfamiliar sounds and attune to the musical intricacies. Ask yourself: Which parts of the song are repeated? Is there an identifiable main melody? Subthemes? Is there an identifiable rhythm running through the song? Sub-rhythms? No identifiable rhythm? How

que issue d’autres cultures, nous développons des critères d’écoute afin de comprendre ce qui nous paraît étranger. Le processus de transformer l’étrangeté en quelque chose de familier nous permet d’enrichir notre musique.

Allez-y, tendez l’oreille

La prochaine fois que vous partez en vacances, procurez-vous un journal local, ou demandez à la réception de l’hôtel ou à quelqu’un du coin où se trouve le meilleur endroit pour entendre de la musique. Allez-y sans hésiter.

Lorsque les musiciens joueront une chanson qui vous plaît, laissez vos oreilles s’habituer aux sons nouveaux et aux subtilités musicales. Demandez-vous : quelles parties de la chanson sont répétées ? Y a-t-il une mélodie principale ou des thèmes sous-jacents ?

Est-ce que le même rythme se poursuit à travers la chanson ? Y a-t-il des rythmes secondaires ? Aucun rythme distinct ? Combien d’instruments entendezvous ? Écrivez vos découvertes en gardant en tête que

many instruments do you hear? Write down your findings, the goal being to develop a checklist you can put to the test each time you hear a new song.

Now let’s get more specific. Is the pulse on 2 and 4, the “and” of beats 1 and 3, or is it on beats 1, 3, and 4? Focus on one instrument and take note of rhythmic and melodic lines. Try this with other instruments. What emerges is a “musical map” that plots the interaction among several instruments. Finally, compare the form, rhythms, melodies, and instrumentation with that of familiar songs. This method allows you to appreciate the similarities and uniqueness of disparate musical expressions.

Return Home and Listen

As musicians, engaging non-western music is relevant. Hybrid musical expressions infuse American jazz fusion, Thai reggae, Cuban songo, Argentine tango, New Orleans funk, and Latin American reggaeton. By developing our listening tools, we find inspiration in the unknown. We incorporate diverse musical phrases into our musical performance.

The best thing is we don’t have to leave home to do this. We don’t have to visit a club in Havana or a music festival in Mali. We can go there in cyberspace, download an MP3 and study as described. n

SnapJack eliminates the obnoxious popping or screeching sound when normally plugging in or unplugging your guitar while the amplifier is on.

This feature, along with the additional tips, make the snapjack ideal for players who use multiple guitars. Simply keep the additional tips in your additional guitars and you can change silently and quickly, without hassle.

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le but est d’établir des repères que vous pourrez utiliser chaque fois que vous entendrez une nouvelle chanson.

Maintenant, soyons plus précis. Est-ce que le battement rythmique est sur la 2e et Subscribe to Muzik Etc la 4e mesure, les « et » sur la 1ère et la 3e ou plutôt sur la 1ère, la 3e et la 4e ? Concentrezand receive 6 issues per year! vous sur un instrument et prenez note des lignes mélodiques et rythmiques. Essayez-lesCoastMusic.indd 1 Abonnez-vous à Muzik Etc sur d’autres instruments. Une « carte musicale » se dégagera et déterminera l’interacet recevez 6 numéros par année ! tion parmi plusieurs instruments. Finalement, comparez les formes, les rythmes, les mélodies et l’instrumentation avec des chansons connues. Cette méthode vous permettra 1 year / 1 an d’apprécier les similitudes et le caractère unique de diverses expressions musicales.

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Retournez chez vous et tendez l’oreille

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En tant que musicien, il est très pertinent de s’intéresser à la musique non-occidentale. Les expressions musicales hybrides ont inspiré plusieurs styles : le jazz fusion américain, le reggae thaï, le songo cubain, le tango argentin, le funk de la NouvelleOrléans et le reggaeton latino-américain. En développant vos critères d’écoute, vous vous inspirerez de l’inconnu. Vous incorporerez de nouveaux phrasés musicaux dans vos performances musicales.

Le plus merveilleux est que vous n’avez même pas à quitter la maison pour faire cet exercice. Pas besoin d’aller dans une boîte de nuit à la Havane ou dans un festival de musique au Mali. Vous n’avez qu’à vous rendre dans le cyberspace, télécharger un MP3 et l’étudier comme je vous décrivais plus haut ! n

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conseils

tips By / Par : Ayman Ibrahim Traduction : Geneviève Hébert

Play Hard,

S

ome musicians make it big. Some stay on top. A few fall but rise up again. And some simply stay down.

Things are changing in the music industry. Companies no longer want to sink funds into high-maintenance, risk-laden artists. And companies now negotiate accordingly, meaning they negotiate hard. The onus is individual artists, who will be put to the test to prove their work ethic--willingness to tour relentlessly, donate enormous reserves of energy, and stay fixed on success. The legal and business aspects of the industry have become as important as the music. Only those musicians who can foresee what lies ahead, and plan wisely relative to a changing industry, and who show they can do what must be done will be left standing.

Maintaining stature is no easy task. Musical genres and market popularity mutate and shift. So how do you remain on top of an ever-changing schene? You change before it does. Think ahead of the pack. Know that four labels (Universal, Sony,Warner, and EMI) run the show and they target the current average consumer age as a pubescent fifteen. Be aware that record sales are down 37% since 2000. Forrester Research shows that the decline from nearly $15 billion in 1999 to $10 billion today could drop to as low as $9 billion before 2013. Legal download sites have helped stall the decline but they don’t come close to making up for the losses already suffered. Furthermore, as record sales

C

Jouez, mais travaillez

ertains musiciens deviennent célèbres : certains d’entre eux le restent, tandis que d’autres tombent dans l’oubli avant de revenir en force. D’autres encore ne refont jamais surface. Mais les choses changent dans l’industrie musicale. Les compagnies ne veulent plus investir dans des artistes « à risque » ou qui leur donnent du fil à retordre. Et elles négocient maintenant leur contrat en conséquence, ce qui veut dire qu’elles négocient durement. Il incombe donc maintenant aux artistes individuels de prouver qu’ils ont une éthique de travail, qu’ils sont prêts à partir constamment en tournée, à y mettre énormément d’énergie et à continuer d’avoir du succès. Les aspects légaux et commerciaux de l’industrie sont devenus aussi importants que la musique en elle-même. Les musiciens qui s’en tirent, sont ceux qui ont conscience de ce qui s’en vient, qui planifient leurs affaires en considérant les changements dans l’industrie et qui démontrent qu’ils sont à leur affaire.

Garder une certaine stature n’est pas simple. Les genres musicaux et le marché de la pop sont en constante mutation. Alors, comment rester en tête quand la scène est en changement constant? Il faut changer avant qu’elle ne change. Il faut anticiper.

Sachez qu’il existe quatre compagnies qui font la pluie et le beau temps (Universal, Sony,Warner et EMI) et que leur consommateurcible a autour de 15 ans. Sachez aussi que les ventes de disques ont diminué de 37 % depuis l’an 2000. Les recherches Forrester ont démontré que les ventes en argent qui tournaient autour de 15 milliards en 1999, sont aujourd’hui d’environ 10 milliards, mais que d’ici 2013, elles pourraient descendre jusqu’à 9 milliards. Les sites de téléchargements légaux ont beaucoup aidé à ralentir le déclin

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bottom out, touring and merchandising have become the main sources of revenue.

To stay on top, artists have to set the trends. Just ask Madonna, who, after seeing her revenues drop, pioneered what is now known in the industry as the “360 Deal”. Signed with Live Nation in 2007, it enabled her to regain ground by turning herself into a brand. The “Madonna brand” (as opposed to Madonna, artsy singer/entertainer) created more avenues of revenue and gave the label incentive to pursue them. Madonna, a musical chameleon, had foreseen her demise and acted accordingly. She’s not alone.

Think Metallica, Sting, Beyoncé, and Gwen Stefani. The Irish band U2 and the Rolling Stones placed first and second in total sales in 2006. In the mid 1980s Iron Maiden, one of the first metal bands to foresee dramatic shifts in recording, built their own studio. Today the band continues a step ahead of the rest. Recently it purchased a Boeing 757 to transport musicians, crew, and gear. Places that hitherto would have been judged inaccessible by commercial carriers and, thus, economically unfeasible, suddenly became profitable excursions. Who would have thought it possible: an aging pop band with no airplay that sells out 30,000 seat arenas around the world? Again, it goes back to marketing the entire entity, to Madonna’s branding. All of these artists share the common thread of staying ahead of the music—not simply at the top of the charts.

des ventes, mais ils ne compensent aucunement les pertes déjà encourues. De plus, depuis que les ventes de disques descendent en flèche, les tournées et le marchandisage sont devenus les principales sources de revenu.

Pour continuer à avoir du succès, les artistes doivent donner le ton. Vous n’avez qu’à demander à Madonna, qui, en voyant ses revenus tomber, fut une des premières à négocier ce qu’on appelle dans l’industrie, un « contrat à 360° ». En signant ce contrat avec Live Nation en 2007, celui-ci lui permettait de rattraper du terrain en faisant de son nom une marque de commerce. La marque « ­Madonna » (au lieu de la simple chanteuse et artiste ­Madonna) s’est créé davantage de sources de revenu et motive ainsi l’étiquette à les exploiter. Madonna, caméléon musical, avait anticipé sa chute et a donc agi en conséquence. Et elle n’est pas la seule. Pensez à Metallica, Sting, Beyoncé et Gwen Stefani. Le groupe irlandais U2 et les Rolling Stones sont arrivés en première et en deuxième place en matière de ventes en 2006. Dans le milieu des années 80, les membres d’Iron Maiden, un des premiers groupes de métal à voir venir les grands changements dans le milieu de l’enregistrement, ont construit leur propre studio. Aujourd’hui, ce groupe est toujours à l’avant-garde. Ils ont récemment acquis un Boeing 757 pour transporter leurs propres musiciens, équipe technique et équipement. Les endroits jugés jusqu’ici inaccessibles par les compagnies aériennes, donc financièrement hors de portée, sont soudainement devenus des excursions rentables. Qui l’aurait cru ? Un vieux groupe de musique sans aucun temps d’antenne qui remplit des arénas de 30 000 places autour du monde ! Encore une fois, il est ici question de commercialiser une entité en soi, comme

Work Harder Who stays and who goes? Montrealer, Dominic Cifarelli, formerly of Pulse Ultra, adds this to the mix: “It’s not just business sense, it’s about how strong your mind and passion for your craft is.” In 2002, Dom was on top of the world, touring with Ozzfest, splashed on magazine covers, and managed by Velvet Hammer. Then in 2004 the band broke up. It reformed as Rise Electric, which disbanded when singer Lukas Rossi won Rockstar Supernova.

“Our hearts were not in the right place,” Dom says. “We were all doing it for different reasons”. Underscoring our theme, he advises musicians to become family with their band mates and, additionally, to engage management that will continue supporting acts even when labels come and go. Above all, Dom counsels bands to get a legal team capable of negotiating a deal that leaves individual musicians debt free and flush with publishing rights. Dom’s perseverance, combined with a solid contract that left him in receipt of royalties from his intellectual property sales, put him in a good position when the band world fell apart. He is now completing his second album and has formed a band that has, thus far, refused two record deals. “I just want to play and write,” he says, “without worrying about all that. If a good deal comes along, we’ll see.”

Playing and writing is well and good. But those of us who work harder than we play return stronger and wiser. n

encore plus fort

planetwaves.com/beatles guitar straps and picks

Photos : shutterstock

la marque de Madonna. Tous ces artistes ont en commun de rester non seulement en haut des palmarès, mais aussi à l’avant-garde de l’industrie de la musique.

Qui restent et qui partent ? Le montréalais Dominic Cifarelli, anciennement du groupe Pulse Ultra, ajoute : « Il ne s’agit pas seulement d’avoir le sens des affaires, il faut avoir le cœur solide et être passionné par son métier. » En 2002, Dom était au sommet de sa carrière, faisant la couverture des magazines pendant une tournée avec Ozzfest, gérée par Velvet Hammer. Puis, en 2004, le groupe s’est séparé et a formé le groupe Rise Electric, qui s’est séparé à son tour lorsque le chanteur Lukas Rossi a gagné le Rockstar Supernova. « Nous n’avions pas le coeur à la bonne place, » dit Dom. « Nous faisions tous cela pour différentes raisons. » S’il avait un conseil à donner aux musiciens, il leur dirait de ne faire qu’un avec leurs collègues musiciens et d’embaucher un gérant qui continuerait à soutenir le groupe même si l’étiquette change. Par-dessus tout, Dom suggère aux groupes de trouver une équipe juridique capable de négocier un contrat qui ne laisse aucune dette individuelle aux musiciens tout en leur laissant leurs droits d’édition. La persévérance de Dom, ainsi qu’un solide contrat qui continue de lui verser des droits d’auteur sur les ventes de sa propriété intellectuelle l’ont bien servi une fois que le groupe s’est dissipé. Il termine aujourd’hui son deuxième album et a formé un groupe qui, jusqu’ici, a refusé deux contrats de disque. « Je désire seulement composer et jouer de la musique, » précise-t-il, « sans avoir à me soucier du reste. Si une offre intéressante se présente, je pourrais revoir ma position. » Jouer et composer, c’est déjà bien. Mais travailler davantage rend plus fort et plus sage. n

Planet Waves is a trademark of D’Addario & Company, Inc. or its affiliates in the US and/or other countries. © 2009 D’Addario & Company, Inc. All Rights Reserved. © 2009 Apple Corps Ltd. A Beatles™ Product. All Rights Reserved.

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PW Black logos are always used on light surfaces PW White logos are always used on dark surfaces To Avoid incorrectly scaling the PW white logo in a vector based program such as Illustrator, be sure to set your PREFERENCES for the units to scale How to: go to EDIT, then down to PREFERENCES, click on GENERAL, window pops up - check the box for “SCALE STROKES & EFFECTS”

Fabriqué au Canada

Made in Canada By / Par : Halley Southgate Traduction : Geneviève Hébert

Blueberry Guitars: Canadian Designs meet Old World Craftsmanship

T

his issue of Muzik Etc/Drums Etc is unique in that our usual Made in Canada section features two companies that design but do not manufacture strictly in Canada. Okay, so it’s true: everybody’s contracting out to Asians to keep down costs.

But that’s not what’s happening here.

The companies we describe in this issue are not working on the rock bottom price premise. We’re talking Canadian owned and run companies, populated by musicians who strive for the feel and sound of perfection. That’s basically the mandate of Blueberry Guitars.

The story of Blueberry dates back a few years. Montreal musician and businessman Danny Fonfeder caught a flight to Bali. No sooner had he set foot in paradise than he realized he’d made a big mistake: he’d forgotten his guitar. Ah well, he’d cleared bigger obstacles and he’d do the same in the current instance. Danny scoured the region and came up with a choice of stringed instruments in no time flat. “Flat” is the operative word. The guitars, made in various Asian locales, were without credible fretting/pitch, stability, and tone.

To put it mildly, they were pitiful excuses for guitars.

Danny couldn’t figure it out. Here he was in Bali, home of exotic cabinetmakers and wood carvers, artists, gong makers, indigenous instrument manufacturers, and artisans on an unparalleled scale. But there were no decent guitars to be had for love or money.

Danny’s mind began to race: What if I could bring together the best Balinese artists, wood carvers, and indigenous woods...and combine them with veteran luthiers in North America? I could create a line of fine guitars embodying old and new world craftsmanship. Each guitar would be hand made and each would ring like a guitar ought to.

That’s precisely what Danny has accomplished. First he enlisted Balinese wood master carver and artist Wayan Tuges and introduced him to reputed Vermont luthier George Morris, who knew guitar making so well he taught it in institutions of higher learning. The two seemed of like mind—they resonated in unison. A wise addition to the cadre was Mark Goldman, who was musical enough to understand the plan yet businesslike enough to steer it right. Blueberry Guitars was born.

We hear of Asian instruments born of mass production. Blueberry instruments are born of the human touch. Everything from internal bracing to fine, silky finishes are applied by hand to create instruments that ring free and exude a beautiful sheen. Furthermore, the raw materials consist of a variety of indigenous, exotic, and proven common woods (such as maple) to promote sonorous, long lasting guitars. The design of bodies, necks, tuners, and stabilizers is such that Blueberry guitars stay resonant and in tune. You really have to see them to appreciate the depth of intent and fine workmanship that underscores each instrument, from dreadnoughts to parlour, classical nylon to steel string, single neck to double-neck. For a taste, you want to check out the checkerboard Blueberry Groove Classical Nylon String Guitar, a model of multiple wood usage and crisp design.

Blueberry guitars sing of the pride of their creator and those who bring each model to life. Kudos to the global team at Blueberry: Danny, Wayan, George, and Mark. Visit: www.blueberryguitars.com n

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Les guitares Blueberry : design canadien et savoir-faire de l’Ancien Monde

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ette édition du Muzik Etc/Drums Etc est unique puisque notre traditionnelle section Fabriqué au Canada présente deux compagnies qui offrent des produits au design canadien, mais qui ne sont pas toujours fabriqués au Canada. Eh oui, aujourd’hui, tout le monde fait fabriquer leurs produits en Asie pour réduire les coûts de production. Mais ce n’est pas tout à fait ce qui se passe ici.

La promesse du prix le plus bas n’est pas ce que ces compagnies privilégient. Nous parlons ici de compagnies dont les propriétaires et les gestionnaires sont des musiciens canadiens qui recherchent la perfection du son et de l’instrument. Et c’est exactement le mandat que les guitares Blueberry se sont donné.

L’histoire des guitares Blueberry a commencé il y a quelques années alors que le musicien et homme d’affaires montréalais Danny Fonfeder s’envolait pour Bali. Du moment qu’il mit pied dans ce coin de paradis, il s’aperçut qu’il avait fait une grave erreur : il n’avait pas amené sa guitare. Mais Danny se dit qu’il en avait vu d’autres et qu’il arriverait bien à se débrouiller. Il fouilla donc la région à la recherche d’instruments à cordes.

Il en trouva dans plusieurs endroits, mais tous sonnaient plat. Ils n’avaient pas de sonorité, d’hauteur de son, de constance. À vrai dire, ce n’était que de lamentables imitations de guitares.

Danny n’en revenait pas : il était bel et bien à Bali, au pays des ébénistes, des sculpteurs sur bois, des artistes, des fabricants de gongs et d’instruments indigènes et de l’artisanat, mias pour rien au monde il ne pouvait trouver une guitare convenable.

Dans sa tête, les idées commençaient à se bousculer : « et si je réunissais les meilleurs artistes et sculpteurs balinais, des bois exotiques et les meilleurs luthiers de l’Amérique du Nord ? Je pourrais ainsi créer de superbes guitares qui témoigneraient de l’art à la fois du Vieux et du Nouveau Monde. Chaque guitare serait fabriquée à la main et sonnerait comme une guitare se doit de sonner. » Voilà exactement ce que Danny a accompli. En premier lieu, il engagea l’artiste et maître sculpteur sur bois balinais Wayan Tuges, puis il lui présenta le célèbre luthier vermontois George Morris, qui connaissait si bien l’art de la fabrication de guitares qu’il l’enseignait dans des institutions d’enseignement supérieur. Ces deux grands esprits se rencontrèrent et s’entendirent tout de suite. L’équipe fut enrichie par Mark Goldman, qui avait assez d’oreille pour comprendre le plan et assez de sens des affaires pour le mener à terme. Les guitares Blueberry étaient nées.

Nous entendons beaucoup parler des instruments asiatiques issus de productions de masse. Mais les instruments Blueberry sont empreints d’une touche humaine : tout, du barrage au superbe fini soyeux, est appliqué à la main, afin de créer des instruments qui retentissent avec éclat.

De plus, les matériaux bruts consistent en une variété de bois indigènes, exotiques ou de bois utilisé couramment dans la fabrication de guitare (comme l’érable), dans le but d’obtenir des guitares qui offrent sonorité et durabilité. Le design des caisses, des manches, des clefs et de la structure intérieure est tel que les guitares Blueberry restent sonores et accordées. Il faut les voir pour apprécier la qualité du travail que renferme chaque instrument, de la Dreadnought à la Classique, de la corde en nylon à celle en acier, du manche simple au manche double. Pour un essai, recherchez la guitare Classique Blueberry Groove aux cordes en nylon avec motif à damiers, un modèle au design impeccable, fait à partir de plusieurs essences de bois.

Les guitares Blueberry exsudent la fierté de leur créateur et de ceux qui donnent vie à chacun des modèles. Félicitations à toute l’équipe de Blueberry : Danny, Wayan, George et Mark. ­Visitez www.blueberryguitars.com n

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dossier

dossier Editorial by / Éditorial de T. Bruce Wittet

Hot Keyboards

of 2009

W

hat’s not to like? We’ve witnessed some pretty hot keyboards and related software in 2009.

Maybe the recession isn’t so hot but, thankfully, it hasn’t deterred manufacturers from devising intriguing, intuitive keyboards that feel good and play good.

There’s just one thing, a personal peeve, and not the opinion of Muzik Etc publishers. I’m finding it difficult to decipher the XYZ alphabet soup product designations. Whatever happened to Volkswagen Beetle and successor New Beetle—maybe a Mark II or convertible version ensuing? To be fair, I have to admit that this is high tech territory. And given the creativity inherent in the models listed below in our annual keyboard exposé, we’ve got it good. Very good. Enough to make this drummer yearn to get back into piano.

Les claviers de

l’heure de 2009

Q

u’y a-t-il à détester ? En 2009, nous avons vu passer des claviers et leurs logiciels qui sont plutôt intéressants. Malgré la récession qui est à nos trousses, heureusement, cela n’a pas dissuadé les fabricants de concevoir des claviers tant captivants qu’intuitifs, qui sonnent bien et qui jouent bien.

Je n’ai qu’une seule bête noire, qui ne représente pas l’opinion des éditeurs du magazine Muzik Etc. J’ai de la difficulté à déchiffrer les appellations XYZ des différents produits. Qu’est-il advenu de la Beetle de Volkswagen et de son modèle successeur New Beetle – peut-être une deuxième version ou encore des versions convertibles subséquentes ?

Pour être honnête, je dois admettre qu’il s’agit d’un territoire hautement technique. Et étant donné la créativité inhérente aux modèles énumérés cidessous dans notre exposé annuel sur les claviers, on l’a l’affaire. On l’a tellement qu’en tant que batteur, je peux aspirer revenir au piano.

Korg SV-1 Stage Vintage “SV” standards for “stage vintage”. IMO this collection of stunning replicas of vintage keyboards, triggered by weighted keys, ought to be named SVW, the “w” for wicked. I grew up in bands that explored the the list of ancient devices Korg refers to in its excellent press release. Hmmm, “tape driven analog”; could that refer to the Mellotron? And references to “string machines” and “cult fav’ organs” sent me off to www.korgcanada.com.

The buzz derives from (1) the retro look, with choice of deep copper-red or charcoal luminescent ends, (2) the wonderfully simple layout, (3) the manageable selection of iconic sounds, which the musician activates by grabbing a knob or punching a large numbered button, (4) the extras that enable the technically-minded musician to unite, say, a specific sampled cabinet resonance with a specific hammer click—and whatever else tickles the fancy, and (5) tube circuitry, modeling, etc. Can you tell I’m excited?

SV-1 Stage Vintage de Korg « SV » veut dire « Stage Vintage ». À mon avis, cette stupéfiante collection de reproductions de claviers vintages déclenchés par des touches lestées, aurait due être nommée SVW, « W » mis pour wicked qui veut dire géniale ! J’ai grandi dans des groupes qui ont épuisé la liste des anciens appareils dont Korg fait référence dans son excellent communiqué de presse. Hmmm, « ruban actionné de façon analogique » ; faisons-nous allusion au Mellotron ? Et les liens « machines à cordes » et « favoris des adeptes de l’orgue » me dirigent vers www.korgcanada.com. L’engouement provient de 1) l’allure rétro, avec un choix de bouts rouge foncé cuivré ou couleur charbon, 2) l’agencement merveilleusement simple, 3) la sélection de sons iconiques raisonnables, dont le musicien actionne en agrippant une poignée ou en appuyant sur un gros bouton numéroté, 4) tous les suppléments qui permettent aux musiciens technophiles d’unifier, disons, un échantillon précis de caisse de résonnance avec un clic rapide et précis – et peu importe ce qui lui plaît, et 5) système de circuits tubulaires, modelage, etc. Sentez-vous mon enthousiasme ?

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Yamaha S70XS and S90XS

Yamaha S70XS et S90XS

These two keyboards, with 76 and 88 keys, respectively, debuted at the Canadian trade extravaganza MIAC in August.

Both fared well since both address the crux of the keys, as it were: piano sounds. To that end, the units are replete with grands, concert grands, and, notably, the Yamaha S6. To add sparkle to that sheen, Yamaha has taken the basic voices, performances, and modeling effects that grace the patriarch Motif XS Music Production Synthesizer and has added fully 142 megs of piano waveforms to a total mega-tonnage of a whopping 456 MB. You may discover it’s here, the grand (or other keyboard timber) of your dreams, that which responds intimately to your touch. ­Visit: www.yamaha.ca.

Ces deux claviers, avec 76 et 88 touches respectivement, ont été présentés à l’exposition de l’Association canadienne de l’industrie de la musique (ACIM) en août dernier. Les deux claviers ont été bien reçus puisque ces derniers dirigent leur attention sur leur caractéristique essentielle : les sons de piano. À cette fin, les unités regorgent de sons semblables à ceux des pianos à queue, des pianos de concert et, notamment, du clavier S6 de Yamaha. Afin de faire scintiller cet attirail splendide, Yamaha a pris les voix de base, les performances et les effets de modelage qui rendent grâce au synthétiseur de production de musique de type XS patriarcal et y ont ajouté un total de 142 Mega­octets d’ondulations sonores de piano pour en arriver à un mégatonnage gigantesque de 456 Megaoctets. Vous pourriez constater qu’il existe enfin, le piano à queue de vos rêves (ou autre son de clavier), celui qui répond intimement à votre doigté. Visitez : www.yamaha.ca.

Roland Juno-Di

Juno-Di de Roland

The new Roland Juno-Di Mobile Synthesizer is an eminently portable synth bursting with sounds (over 1000) that will cooperate with Flash Drive and run on batteries should you decide to hit the streets and busk. In that case, you may want to plug the Juno-Di into another battery powered item, the Roland Cube Street Amplifier. Wherever you choose to do it, you can access presets; you can customize sounds; you can sing along by plugging your mic into the input provided. Visit www.roland.ca.

Le nouveau synthétiseur Mobile Juno-Di de ­Roland est un clavier éminemment portatif, truffé de sons (plus de 1000) qui coopérera avec la mémoire Flash et qui pourra fonctionner à piles si vous décidez de vous rendre sur la rue et d’y jouer. Dans ce cas, vous voudrez peut-être brancher le Juno-Di dans un autre article à piles : l’amplificateur Cube Street de Roland. Peu importe ce que vous choisissez de faire avec celui-ci, vous pouvez avoir accès aux présélections ; vous pouvez personnaliser les sons et vous pouvez chanter en branchant votre microphone dans l’entrée fournie. Visitez www.roland.ca.

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Tascam’s New Stuff: Not Keyboards but Notable The CD-200i is a rack-mountable CD player that connects to iPod that will handle many formats including MP3, CD, and .wav files. Outputs are unbalanced RCA, S-video, optical and coaxial digital.

Tascam has updated its popular CD player/cassette recorder system with the introduction of the CD-A550 and CD-A750, which handle MP3 and .wav file playback. Digital output and pitch control are welcome conveniences when tweaking both CDs and cassettes. Wired remote control and shock memory are among features shared by the 550 and 750 units.

Old faithful Dolby-B is onboard as well. For a full statement of intent and features, visit www.tascam.com and search products for “contractor”.

Nouveaux gadgets de Tascam : ce ne sont pas des claviers, mais ils valent le coup d’œil Le CD-200i est un lecteur CD empilable qui peut se brancher à un iPod et celui-ci peut traiter plusieurs formats audio tels que le MP3, les CDs et les fichiers .wav. Les sorties audio sont des sorties RCA asymétriques, S-Vidéo, optiques et numériques coaxiales.

La compagnie Tascam a mis à jour son populaire système d’enregistrement lecteur CD/cassette avec l’introduction du CD-A550 et du CDA750, qui peuvent lire des fichiers MP3 et .wav. La sortie numérique et le contrôle de la hauteur du ton sont des avantages plus qu’utiles quand on peaufine les CDs et les cassettes. Une télécommande avec fil et une mémoire pour résister aux accrochages sont des caractéristiques que se partagent les unités 550 et 750. Le bon vieux et fidèle ­Dolby-B fait aussi partie de l’aventure. Pour une description pratique et les caractéristiques, visitez www.tascam.com et recherchez les produits dans la catégorie « ­contractor ».

Accessoires pour les pianos numériques de la série P

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P-Series Digital Piano Additions Yamaha proclaims the debut of the P155, successor to the P-140, and available in three attractive finishes. Resting on optional L-140 stands they will blend into any home color scheme. But don’t assume this is strictly residential fare; it’s a worthy stage instrument that incorporates heightened sampling quality, twice the polyphony of its antecedent, a pedal and new damper effect, and connectivity to external amps, PA, etc. For home use, the internal power and headphone capability will meet, nay exceed, student requirements. The Web site reveals a little lore, namely that when preparing for the P155 the Yamaha R&D team tuned up their nine-foot flagship concert grand, the CFIIIS, then sampled mercilessly until they’d captured the frequencies, resonance, and string interaction that define a dictionary definition “acoustic piano”. Your soft touch elicits a recording/sampling of soft piano, your loud striking elicits...and so on. There are fully four of these dynamic, timbrel “layers” per key. This is what takes the prize for the P155, notwithstanding the unit’s many diverse voices lying in wait.

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Yamaha annonce le dévoilement du piano numérique modèle P155, successeur du P140, et disponible en trois finis très attrayants. Reposant sur les supports optionnels L-140, ils vont se fondre dans n’importe quelle palette de couleurs à la maison. Cependant, n’allez pas penser qu’il est destiné à un usage strictement résidentiel; c’est un instrument digne d’une scène qui s’y introduit hautement par sa qualité d’échantillonnage, ayant deux fois la polyphonie de ses prédécesseurs, une pédale et un nouveau registre d’effets sonores et une possibilité de se brancher à des amplificateurs externes, PA, etc. Pour un usage domestique, sa puissance interne et la possibilité de brancher un casque d’écoute répondent, voire même excèdent, à tous les besoins des étudiants. Le site Web révèle la rumeur qui disait qu’au moment où ils préparaient le P155, l’équipe de recherche et développement de Yamaha accordait leur piano à queue de trois mètres servant aux concerts, le CF111-S, ils ont échantillonné impitoyablement jusqu’à ce qu’ils reproduisent les fréquences, la résonance et l’interaction entre les cordes qui correspondent à la définition du dictionnaire de « piano acoustique ». Votre doigté délicat évoque un échantillonnage/enregistrement digne d’une douce mélodie jouée au piano, votre doigté franc évoque… et ainsi de suite. Il y a bien quatre de ces « couches » dynamiques de tambourin par touche. C’est ce qui donne la palme au P155, nonobstant les nombreuses voix différentes du groupe qui restent dans l’ombre.

NUMotion Keyboards NUMotion is a Quebec company that aims to change the look, feel, and sound of stage keyboards. Henceforth a 61-key instrument will be as portable as it is playable, the result of extensive research by veteran designers. “Ergonomic” would be one way of depicting NUMotion keyboards—for example, the REVO-1—and “futuristic” would be another. At any rate, the distinctive curved keyboards conform to the body and playing stance, while light weight, unique mounting, and a totally wireless communication are features that wowed the crowd at MIAC and will, no doubt, revolutionize the stage. For more info, visit: www.nu-motion.com.

Check out the video clips for the shape of keys to come.

Claviers NUMotion NUMotion est une compagnie québécoise qui vise à changer l’aspect physique, le toucher et le son du clavier de scène. Dorénavant, un instrument de 61 touches sera autant portatif que facile à jouer, résultat de recherches approfondies faites par des concepteurs chevronnés. « Ergonomique » serait un bon mot pour décrire les claviers NUMotion – par exemple, le REVO‑1 – et « futuriste » en serait un autre. De toute façon, les claviers se démarquent facilement par leurs courbes qui s’adaptent au corps et à la

posture du musicien, tout en étant léger et à support unique, ainsi qu’une communication entièrement sans fil sont des caractéristiques qui ont impressionné la foule à l’ACIM et révolutionneront la scène sans aucun doute. Pour plus d’informations, visitez : www.nu-motion.com. Visionnez les vidéoclips pour observer la forme des prochaines touches.

Roland GW Workstation Version 2

Novation SL Mk II This controller is designed to occupy a unique perch in the pecking order due to its quick and effortless mapping and controlling software. Novation stresses that all of its keyboard controllers are musical instruments, not nerdy computer adjuncts, and that the new SL Mk II provides optimum touch sensitivity, as in the integration of a DAW and plug-in control surface with semi-weighted fast-touch Fatar keys. In fact, each knob and fader is touch sensitive. You touch any one and instantaneously mapping info appears on the whopping LCD display. Also included: full transport control, expression pad, eight drum pads, and a “speed dial” encoder for zapping any parameter into service, just like clicking a cursor over a map but faster. Available in mini 25-key versions on up to 61 keys, and also including a key-less unit with an amazing complement of augmentations, managed by comprehensive, lightning fast Automap 3 Pro software that will engage and tame all music software in its path. Visit: www.eriksonaudio.com.

Good is better following the announcement of the Roland GW-8 Version 2 Workstation. Composers can edit styles and assemble original interactive backing tracks to complement their creations—compositions that owe to the workstations contemporary “western” sounds, new “world” sounds culled from diverse points on the map, all stored in the 128-voice engine waiting to be positioned via the onboard 16-track sequencer. The GW-8 combines multiple tracks of melodic/ harmonic content over complex drumset and percussion patterns— essential to ease the workload when negotiating syncopated world music rhythms. Preset styles are a Roland strong point; these can be customized by means of a Style Composer. Speaking of controllers, the Note to Arranger function will respond instantly to external MIDI devices such as the incredible Roland V-Accordion. You have your style; the GW V.2 workstation will conform. Visit www.roland.ca.

Novation SL Mk II

Clavier arrangeur GW 2e version de Roland

Ce contrôleur est conçu pour tisser un lien unique dans la hiérarchie grâce à son logiciel de contrôle de navigation simple à utiliser. Novation souligne que l’ensemble de ses contrôleurs de clavier sont de vrais instruments de musique, et non pas des compléments ringards d’ordinateurs, et que le nouveau SL Mk II offre une sensibilité tactile optimale, comme dans l’intégration d’une surface de contrôle DAW enfichable avec des touches Fatar semi-lestées. Au fait, chaque bouton et potentiomètre est actionné par le toucher.

Appuyez sur l’un d’entre eux et le menu navigable de l’information apparaît instantanément sur l’énorme écran ACL. Sont également inclus : le contrôle de transport complet, une tablette d’expression, huit caisses de batterie, et un encodeur disposé à accélérer la composition des numéros pour zapper un paramètre en service, comme cliquer un curseur au dessus d’une carte routière, mais plus rapidement. Il est aussi disponible en versions miniatures de 25 touches jusqu’à 61 touches, et comprend également une unité sans touche avec un incroyable complément d’augmentation géré par un logiciel Automap 3 Pro complètement détaillé qui s’engagera et domptera tous les logiciels de musique sur son passage. Visitez : www.eriksonaudio.com.

Tout va pour le mieux suite à l’annonce de la 2e version du clavier arrangeur GW-8 de Roland. Les compositeurs peuvent éditer les styles et assembler les pistes originales qui supportent l’interaction pour complémenter leurs créations – des compositions qui doivent leurs sons occidentaux contemporains aux claviers arrangeurs, de nouveaux sons du monde éliminés de divers endroits sur la carte, tous emmagasinés dans l’appareil aux 128 voix qui attendent d’être placées via le séquenceur de 16 pistes qui y est incorporé. Le GW-8 combine plusieurs pistes de contenu mélodique/harmonique par-dessus des motifs complexes de batterie et de percussion – essentiel pour faciliter la charge de travail lorsqu’on négocie la synchronisation des rythmes de musique du monde. Des styles préétablis sont le point fort de Roland; ceux-ci peuvent être personnalisés sous forme d’un Style Composer. En parlant des régulateurs, la fonction Note to Arranger peut réagir instantanément aux dispositifs externes MIDI comme l’incroyable V‑Accordion de Roland. Vous avez votre style ; le clavier arrangeur GW-8 V.2 s’y conformera. Visitez www.roland.ca.

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Yamaha Arius The piano tuner is not going to gain income from this one but, face it, pianos like the Yamaha Arius YDPS31 outnumber acoustic pianos in the home. One reason is just that: tuning stability. Aesthetics help, too: clean lines work well in a variety of home décor schemes. Weighted keys, credible onboard piano and keyboard sounds, song recorder, and built-in metronome appeal to students and piano enthusiasts alike. In addition, you can import MIDI songs from your computer, monitor them through powerful amp/speaker combination, practice silently after midnight with headphones, and put the unit to bed by lifting your weary feet from the pedals (3) and closing the key cover.

Arius de Yamaha Le syntonisateur ne gagnera aucun point suite à ceci mais, pensez-y, des pianos comme le Yamaha Arius YDPS31 se démarquent parmi les pianos acoustiques domestiques. Pour une seule raison : la stabilité des accords. L’esthétique aide aussi : la pureté des lignes se marie bien à une vaste gamme de décors de maison. Des sons crédibles incorporés de pianos et de claviers, un enregistreur de chansons, et un métronome intégré plaisent aux étudiants et aux pianistes amateurs. De plus, vous pouvez télécharger des chansons au format MIDI de votre ordinateur, les contrôler par l’entremise d’une combinaison ampli/haut-parleur puissante, pratiquer silencieusement à l’aide d’écouteurs jusqu’aux petites heures du matin, et ranger l’unité en retirant vos pieds épuisés des pédales (3) et recouvrir le clavier.

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Although the two new PSR-S series arranger workstations, the PSRS710 and PSRS910, vary somewhat in terms of features (eg. .wav recording on the 710; MP3 playback on the 910), they’re both considerable leaps ahead of their predecessors. Songwriters get all that’s required to sketch out, edit, and create a master fit for broadcast. Each unit includes a full complement of sounds, clear displays, sensitive keys, backing styles including convenient auto-accompaniment if time is of the essence. Both units are Internet-ready, thus allowing expansion of the already large library of sounds/ styles/MIDI files. For more info visit: www.yamaha.ca. n

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Clavier arrangeur PSRS de Yamaha Bien que les deux claviers arrangeurs Yamaha de la série PSR-S, le PSRS710 et le PSRS910, varient sensiblement en termes d’options (par exemple, le 710 enregistre le format .wav ; le 910 lit les MP3), les deux ont évolué de façon considérable comparativement à leurs prédécesseurs.

Les compositeurs obtiennent tout ce dont ils ont besoin pour ébaucher, éditer et créer une œuvre achevée pour une diffusion. Chacune des unités contient une multitude de compléments sonores, un affichage clair, des touches sensibles, des styles d’ambiances qui incluent des accompagnements conviviaux si le temps est compté. Les deux arrangeurs sont prêt-à-brancher pour Internet et ainsi permettre l’ajout de fichiers MIDI à un répertoire déjà très vaste. Pour plus d’informations, visitez www.yamaha.ca. n

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