Muzik Etc [v23-n1] January-February 2011 by Muzik Etc / Drums Etc

Prescott

FREE!

January • February 2011

Acoustic Guitars Guitares acoustiques

Vol 23, No 1

Janvier • Février 2011

GRATUIT !

Poste-Publication Convention No 40009235, Adresse de retour : 753, Ste-Hélène, Longueuil, QC J4K 3R5 Publication Mail Agreement No 40009235, Return Address : 753, Ste-Hélène, Longueuil, QC J4K 3R5

january-february janvier-février

2011

Cover / En couverture

ottneo scCa Prer Ale tta x

by/pa

4 Edito + Agenda 6 Did you know that…? / Saviez-vous que… ? by/par Ralph Angelillo

8 Buenos Aires

Dossier

Acoustic Guita / Guitares acoustrsique s

by/par T.Bruce Witte t

by/par Jeff Gunn

16 T alking Acoustic Guitars in Modern Times / 20 The Guitarist and the La guitare acoustique Luthier: Teamwork / des temps modernes Le guitariste et le luthier, by/par Ian Tamblyn un travail d’équipe 18 Virtual Synth Plugins 22 Books & DVDs / as Effects / Livres et DVDs Les synthés virtuels by/par Ralph Angelillo comme effets

by/par Graham Collins

23 M ade in Canada / Fabriqué au Canada Schatten Designs

Volume 23, No 1 January-February / janvier-février 2011

Distribution (866/450) 677-1364 / distribution@muziketc.ca

Editor in Chief / Rédactrice en chef Sofi Gamache (450) 674-1114 / sofi@muziketc.ca

Advertising / Publicité Ralph Angelillo (Founder/fondateur 1989) (888/450) 928-1726 / ralph@muziketc.ca

Editorial Assistant / Assistante à la rédaction Tara Wittet Manko

Publisher / Éditeur Serge Gamache (866) 834-4257 / (450) 651-4257 serge@muziketc.ca

Contributing Writers / Journalistes Ralph Angelillo, Alex Cattaneo, Graham Collins, Jeffrey Gunn, Ian Tamblyn, Denis Trudeau, T.Bruce Wittet Translation / Traduction Jim Angelillo, Nadine Brabant, Geneviève Hébert

Cover Photos/ Photos couvert Tracey Brown

www.muziketc.ca

by/par T. Bruce Wittet

Advertiser Information Request Form / Demande d’information des produits annoncés www.muziketc.ca/coupon_v23n1.aspx Muzik Etc / Drums Etc is published 6 times per year and distributed across Canada, in music retail stores, music schools, etc. This issue: 19 500 copies in 414 distribution points (circulation certified by Canada Post). Publication Mail Agreement No 40009235 / Poste-Publication Convention No 40009235 Return Address / Adresse de retour : MUZIK ETC / DRUMS ETC 753 rue Ste-Hélène, Longueuil (QC) J4K 3R5 Canada Fax : (450) 670-8683 Muzik Etc / Drums Etc est publié 6 fois l’an, et est distribué partout au Canada dans les écoles de musique, chez les détaillants de musique, etc. Ce numéro : 19 500 copies dans 414 points de distribution (circulation certifiée par Postes Canada).

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GUEST EDITORIAL

Free Music Isn’t Free

he proposed Bill C-32 on the modernization of the Copyright Act includes several problematic aspects, and is criticized by artists and jurists alike. Politicians are used to manipulating words and concepts to convince the public of the validity of their reasoning, and Stephen Harper’s Conservatives are no exception. To justify the elimination of the copyright royalties system, the government describes artists as spoiled children when, in fact, Canadian artists earn 30% less than the national average. Moreover, the Conservatives voluntarily confuse the terms “taxes” and “royalties”. But what seems the most infuriating to me, as an active member of the music industry, is that the government, far from protecting the intellectual rights of artists in an era where technology makes copying music so easy, is siding with digital music player manufacturers and Internet service providers. iPods and other gadgets exist only because of music, and Internet service providers are making loads of cash giving access to Web content. Let’s be serious, no one needs a high-speed Internet connection simply to send emails to grandma! Artists find themselves in an absurd position, giving content for free, while those who offer access to this content keep all the profits. The government’s position therefore follows the ever spreading belief or our times that music is free. This is a huge problem for artists, not because it threatens our ability to purchase a convertible BMW or a luxurious condo, but because if we have no revenue, it is impossible to cover production costs. Some seem to believe that a music album can be whipped up over a weekend with a cheap notebook, and an even cheaper microphone found at Radioshack. Yet, having successfully been through the process several times, I can say with certainty that a minimum of $12,000 is needed to produce a good instrumental album, and double that for an album with vocals. You must first rent a studio for recording, and again for mixing and mastering. You have to hire talented musicians and pay them accordingly. You need to hire a sound engineer since his knowhow is crucial in the process. And, ideally, you should hire a producer. And I haven’t even mentioned the huge investment in time and energy spent before production even begins: creating the musical works, and subsequent practice sessions. The public and the government think that music is free. It is about time we show them, numbers in hand, that it is not the case.

La musique gratuite n’est pas gratuite

e projet de loi C-32 sur la modernisation du droit d’auteur comporte plusieurs aspects problématiques et il est d’ailleurs critiqué tant par les artistes que les juristes. Les politiciens ont l’habitude de manipuler les mots et les concepts pour convaincre le public du bien-fondé de leur démarche, et les conservateurs de Stephen Harper ne font pas exception à la règle. Pour justifier l’abandon du régime de redevance de la copie privée, le gouvernement dépeint les artistes comme des enfants gâtés alors que dans les faits, le salaire moyen des artistes canadiens est de 30 % inférieur à la moyenne générale. De plus, les conservateurs confondent volontairement les termes « taxes » et « redevances ». Mais ce qui me semble le plus affligeant, en tant que membre actif de l’industrie de la musique, c’est que le gouvernement, loin de protéger les droits intellectuels des artistes à une époque où les technologies facilitent la copie de matériel musical, se rangent plutôt du côté des fabricants de baladeurs numériques et des fournisseurs d’accès internet. Pourtant, les iPods et autres gadgets existent uniquement à cause de la musique, et les fournisseurs d’accès internet se remplissent les poches pour donner accès à du contenu web. Soyons sérieux, personne n’a besoin d’une ligne internet à haut débit simplement pour envoyer des courriels à grand-maman. Les artistes se retrouvent donc dans la position intenable qui consiste à fournir gratuitement le contenu alors que ceux qui offrent l’accès à ce contenu conservent tous les profits. La position du gouvernement va donc dans le sens d’une croyance qui prévaut de plus en plus à notre époque: que la musique est gratuite. Il s’agit là d’un problème de taille pour les artistes, non pas parce que cette attitude menace notre capacité d’acheter une BMW décapotable ou un condo de luxe, mais parce que sans revenu, il est impossible de couvrir les coûts de la production. Certains semblent croire qu’un album de musique peut se concocter en une fin de semaine avec un portable bas de gamme et un micro acheté à vil prix chez Radioshack. Pourtant, pour avoir fait l’exercice à maintes reprises et avec succès, je peux affirmer sans crainte qu’un bon album nécessite au minimum un budget de 12 000 $ s’il s’agit de musique instrumentale et du double pour de la musique vocale. Il faut d’abord débourser pour la location du studio d’enregistrement, puis pour le mixage et enfin la masterisation. Il faut engager des musiciens talentueux et les payer convenablement. Il faut retenir les services d’un preneur de son puisque ses compétences sont cruciales dans le processus. Idéalement, on doit aussi engager un réalisateur. Et je n’ai pas encore soufflé mot au sujet de l’énorme investissement de temps et d’énergie relié aux étapes qui précèdent la production, soit la création d’une œuvre musicale et les répétitions subséquentes. Le public et le gouvernement croient que la musique est gratuite. Il est grand temps de leur démontrer, chiffres à l’appui, que ce n’est pas le cas.

Alex Cattaneo (alex@alexcattaneo.com)

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AGENDA muzik ETC

Photo : Julie Gauthier

ÉDITORIALISTE INVITÉ

MIDEM 2011 Cannes, France January 23-26 / 23 au 26 janvier 2011 www.midem.com

CANADIAN MUSIC WEEK 2011 Toronto, ON March 9-13 / 9 au 13 mars 2011 (905) 858-4747 www.cmw.net

LES PRIX JUNO AWARDS Toronto, ON March 21-27 / 21 au 27 mars 2011 (416) 485-3135 www.juno-awards.com

MUSIKMESSE 2011 Frankfurt, Germany/Allemagne April 6-9 / 6 au 9 avril 2011 www.messefrankfurt.com

MIAC 2011 Toronto, ON May 15-16 / 15 au 16 mai 2011 (416) 490-1871 www.miac.net

NXNE 2011 Toronto, ON June 13-19 / 13 au 19 juin 2011 (416) 863-6963 www.nxne.com

SUMMER NAMM 2011 Nashville, TN June 24-26 / 24 au 26 juin 2011 (760) 438-8001 www.namm.org

MONTRÉAL DRUM FEST 2011 19th year / 19e année Montréal, QC October 22-23 / 22-23 octobre 2011 1-888-928-1726 www.montrealdrumfest.com

Did you know? Saviez-vous queâ&#x20AC;Śâ&#x20AC;&#x2030;?

By / Parâ&#x20AC;&#x2030;: Ralph Angelillo Traductionâ&#x20AC;&#x2030;: Nadine Brabant

Richard Gendreau:

45 Years of Dedication to the Music Industry

Last August, over five hundred music industry insiders attended a tribute to Richard Gendreau at the Capital Theatre Cabaret in QuĂŠbec City to benefit the Canadian Cancer Society. Richard, who recently announced he is suffering from cancer, spoke of his forty-five years in the music industry, from his humble beginnings up to the point where he managed the major operation Musique Richard Gendreau, which now embraces his daughter Julie. Guests spoke of Richardâ&#x20AC;&#x2122;s devotion to his clients, his hard work, his honesty, and his sense of humor, all of which have made the Canadian music industry a better place.

45 annĂŠes dĂŠdiĂŠes Ă lâ&#x20AC;&#x2122;industrie de la musique

En aoĂťt dernier, plus de cinq cent initiĂŠs de lâ&#x20AC;&#x2122;industrie de la musique ont rendu hommage Ă Richard Gendreau au Cabaret du ThĂŠatre de la Capitale dans la ville de QuĂŠbec au profit de la SociĂŠtĂŠ canadienne du cancer. Richard, qui a rĂŠcemment annoncĂŠ quâ&#x20AC;&#x2122;il souffrait dâ&#x20AC;&#x2122;un cancer, a parlĂŠ de ses quarante-cinq annĂŠes dans lâ&#x20AC;&#x2122;industrie de la musique, de ses humbles dĂŠbuts jusquâ&#x20AC;&#x2122;au point oĂš il a gĂŠrĂŠ les opĂŠrations de Musique Richard Gendreau, qui implique maintenant sa fille Julie. Les invitĂŠs ont mentionnĂŠ le dĂŠvouement que Richard a pour ses clients, son travail acharnĂŠ, son honnĂŞtetĂŠ, et son sens de lâ&#x20AC;&#x2122;humour, qui ont tous fait de lâ&#x20AC;&#x2122;industrie de la musique un meilleur endroit.

6 â&#x20AC;&#x201C; 9. 4. 2011 NJTTJPO GPS NVTJD Musikmesse in Frankfurt am Main is definitely the place to be for anyone involved in the music and musical instrument business. Itâ&#x20AC;&#x2122;s the largest music show in the world and attracts exhibitors, visitors, stars and musicians from all corners of the globe. More than 30,000 musical instruments, innovations and product ideas will be on display here â&#x20AC;&#x201C; from electric guitars and digital music software to classical stringed instruments. Further information available at: XXX NVTJLNFTTF DPN info@canada.messefrankfurt.com Tel. 905-824-5017

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12/20/10 10:50:33 AM

Ticket to Ride: The Beatles Book Toronto jazz vocalist Pat Murray and producer, arranger and pianist Mark Kieswetter launched Ticket to Ride – The Beatles Book. This recording includes outstanding vocals and arrangements of some of the best Beatles songs with musicians George Koller, bass, Davide DiRenzo, drums, and the excellent Bruce Cassidy on trumpet. I highly recommend you pick up a copy today! La chanteuse de jazz Pat Murray de Toronto, ainsi que le producteur, arrangeur et pianiste Mark Kieswetter ont fait le lancement de Ticket to Ride—The Beatles Book. Cet enregistrement comprend des chants remarquables et des arrangements des meilleures chansons des Beatles avec les musiciens George Koller à la basse, Davide DiRenzo à la batterie, et l’excellent Bruce Cassidy à la trompette. Je vous recommande fortement d’aller en chercher une copie dès aujourd’hui!

Industry news / Nouvelles de l’industrie Korg Canada Announces Distribution Partnership with Warwick Warwick has awarded Korg Canada, a division of Jam Industries, the exclusive distribution of Warwick products in Canada commencing December 1st 2010. Korg Canada annonce un partenariat de distribution avec Warwick. Warwick a décerné à Korg Canada, une division de Jam Industries, la distribution exclusive des produits Warwick au Canada à compter du 1er décembre 2010. www.korgcanada.com / www.warwickbass.com

Martin Szpiro, Barry Ryan, Hans-Peter Wilfer (Warwick) Marty Golden, Florence Wilfer-Riboud, Gil Soucy

JAZZ EN RAFALE

Jupiter-Vandoren Contest for New Talent in Jazz

For the sixth year, Jupiter and Vandoren are presenting their talent contest Jazz en Rafale. The contest is open to jazz groups consisting of two-to-six musicians. Participants must be thirty years of age and under. Five finalists will play the Jazz en Rafale Festival at Montreals Astral jazz club in March 2011.The winning band will also get to record a CD with Effendi Records in Montreal. Registration is open until January 28, 2011. Check out www.jazzenrafale.com to register. n

Concours Jupiter-Vandoren pour le nouveau talent de jazz

Pour la sixième année, Jupiter et Vandoren présentent leur concours de talents Jazz en Rafale. Le concours est ouvert aux groupes composés de deux à six musiciens. Les participants doivent être âgés de trente ans et moins. Cinq finalistes joueront au Festival Jazz en Rafale au club Astral jazz de Montréal en mars 2011. Le groupe vainqueur pourra également enregistrer un album avec Effendi Records à Montréal. Il est possible de s’inscrire au concours jusqu’au 28 janvier 2011. Visitez www.jazzenrafale.com pour vous inscrire. n

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10/28/09 11:24:36 AM

By / Par : Jeff Gunn Photos : Dwayne Britton Traduction : Nadine Brabant

Buenos Aires: Musical Gem of South America City/Country: Buenos Aires, Argentina. Visa Required: Not necessary for tourists but for business; good for 90 days. Currency: Argentine Peso. Payoff: Poor pay, rich musical experience. Flight Expenses: $1050 - $1300 Equipment: Buy or rent from Guitar Center or Promusica.

uenos Aires can be summed up in one word: passionate. Wandering the streets of South America’s second-largest city you’d swear you were in Spain or Italy, countries that inspired the architectural wonders. The music, however, is uniquely Latin, much of it home-grown. Buenos Aires’s greatest musical export is no doubt the tango. You will want to venture to Club Del Vino in Palermo and Bar Sur in San Telmo to enjoy upscale tango performances. For more organic tango, check out Caminito Tango Bar and Café Tortoni. Buenos Aires offers a variety of music beyond traditional tango. Jazz enthusiasts should visit Notorious and also Thelonious Bar in the Palermo district. There you can also soak up Argentine folk

music at Lo de Pueyrredon. Reggae devotees should head to Niceto Club, pop lovers to Bourbon Rock Club. When not sitting-in, your free time can be spent walking one of the world’s largest avenues, Avenue 9 de Julio, which extends to the foot of the Obelisco, enjoying the 19th century ambience of La Boca district. For those interesting in investigating tango in depth, enquire about courses at the Academia National de Tango. The aesthetic beauty of Buenos Aires makes this city a must on every musician’s hit-list. This is the last page of Jeff Gunn’s travelog. We welcome articles outlining firm employment opportunities that enable working musicians to fund their travel & accommodations with the fruits of their labors. We thank Jeff for his enthusiastic diary of jamming opportunities across the seas. ■

Buenos Aires : Bijou musical de l’Amérique du Sud Ville/Pays : Buenos Aires, Argentine Visa requis : Il n’est pas obligatoire pour les touristes mais pour le travail : valide pour 90 jours. Unité monétaire : Peso argentin. Rétribution : Maigre salaire, riche expérience musicale. Coût du vol : Entre 1 050,00 $ et 1 300,00 $ Équipement : Acheter ou louer de l’équipement au Guitar Center ou Promusica.

a ville de Buenos Aires peut être résumée en un mot : passionnée. Lorsqu’on se promène dans les rues de la deuxième plus grande ville d’Amérique du Sud, on se croirait en Espagne ou en Italie, pays qui ont inspiré ces merveilles architecturales. La musique, par contre, est exclusivement latine, en majorité provenant du pays. La meilleure exportation musicale de Buenos Aires est sans aucun doute le tango. Vous voudrez vous aventurer au Club Del Vino à Palermo et au Bar Sur à San Telmo pour apprécier des performances de tango époustouflantes. Pour du tango plus organique, rendez vous au Caminito Tango Bar et au Café Tortoni. Buenos Aires offre une variété musicale bien au-delà du tango traditionnel. Les amoureux du jazz devraient visiter Notorious et aussi le Thelonious Bar dans le secteur de Palermo. À cet endroit vous pourrez également profiter de la musique folklorique de l’Argentine à Lo de Pueyrredon. Pour ceux et celles qui sont dévoués au reggae, ils devraient se rendre au Niceto Club, et les adeptes du pop pourront aller au Bourbon Rock Club.

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Si vous ne restez pas sur place, vous pouvez passer vos temps libres à marcher sur l’une des plus grandes avenues au monde, l’Avenue 9 de Julio, qui se rend au pied de l’Obélisque, en appréciant l’ambiance du 19ième siècle du district de La Boca. Pour ceux et celles qui désirent poursuivre l’art du tango plus en profondeur, vous pouvez demander des renseignements à propos des cours offerts à l’Académie National de Tango. La beauté esthétique de Buenos Aires fait de cette ville un bijou qui devrait se retrouver sur toutes les listes d’endroits branchés à visiter pour tous les musiciens. Ceci est la dernière page du récit de voyage de Jeff Gunn. Nous accueillons tous les articles qui soulignent des opportunités définitives d’emplois qui permettent aux musiciens autonomes de financer leurs déplacements et leur hébergement avec le fruit de leur travail. Nous désirons remercier Jeff pour l’enthousiasme de son journal de bord qui présente plusieurs opportunités incroyables partout à travers le monde. n

Diversity photo, Meeno

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Photo: Fred Carneau

Orianthi

Photo: Chad Thomas

Tom Johnston of the Doobie Brothers

Dustie Waring of Between the Buried and Me

ÂŠ 2010 PRS Guitars - photo of CU 24 by Marc Quigley

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en couverture

cover story By / Par : Alex Cattaneo Traduction : Geneviève Hébert

Kaylen & Kelly

Prescott Pushing to New Peaks

he first release from brother and sister duo Kaylen and Kelly Prescott is ripe with the best today’s country music has to offer: stellar musicianship, solid songwriting, inspired vocal performances, and luscious harmonies. How could these baby-faced kids in their mid-twenties come up with such a mature and balanced effort on their first attempt? We tried to shed some light on the production of the young Prescotts’ debut album Lakeside Sessions. The title alludes to the studio aside the family home in Clayton Lake, Ontario, where their parents Randall Prescott and Tracey Brown have recorded hits, backed by top local and Nashville musicians. Muzik Etc conversed with the duo recently and elicited these insightful responses from Kelly (KE) and Kaylen (KA).  Aside from the project, did you have any previous experience working together in the studio? Was it the first time that you recorded with your mom & dad? KE: Kaylen and I have been watching our dad produce project after project. Our parents let us hang around the studio, soaking up as much as we could. As long as I remember we’ve been singing on all sorts of projects. We were really lucky to experience that; it made us both confident and comfortable in the studio. KA: We were always surrounded by great musicians. I used to sneak over to the studio after bed time when I was young, and, if the playback was loud enough, no one would hear me come in. I’d find a little corner and just listen and watch. Our first album together was Snoopy Goes Country. I think I must have been around 12, Kelly around 9. There were always projects that we could do: vocals, harmonies, Christmas songs. Kelly used to do a weird cartoon voice for a crazy kids album we were working on. Watching folks recording all of their albums was a great way to learn.

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À la quête de nouveaux sommets

e premier album du frère et de la soeur Kaylen et Kelly Prescott en duo offre le meilleur de la musique country contemporaine : un brillant sens de la musique, des compositions solides, des performances vocales inspirées et de somptueuses harmonies. Comment ces deux jeunes dans la mi-vingtaine ont-ils pu réaliser un premier album aussi mature et équilibré ? Nous avons essayé de jeter un peu de lumière sur la production de l’album Lakeside Sessions des jeunes Prescott. Le titre fait d’ailleurs allusion au studio situé sur la propriété familiale à Clayton Lake, en Ontario, où les parents, Randall Prescott et Tracey Brown, ont enregistré de gros succès, entourés des meilleurs musiciens locaux et nashvillois. Muzik Etc s’est récemment entretenu avec le duo et a obtenu de Kelly (KE) et Kaylen (KA) des réponses perspicaces.

Photo: Tracey Brown

Avant de réaliser ce projet, aviez-vous déjà travaillé ensemble en studio ? Était-ce la première fois que vous travailliez en studio avec vos parents ? KE : Kaylen et moi avons toujours pu observer notre père travailler sur ses nombreux projets. Nos parents nous ont toujours laissés traîner au studio où nous nous sommes imprégnés de tout ce que nous pouvions. Du plus loin que je me souvienne, nous avons toujours chanté sur divers projets. Nous sommes très chanceux d’avoir vécu cette expérience ; ça nous a donné confiance et nous a aidés à être à l’aise en studio. KA : Nous avons toujours été entourés d’excellents musiciens. Quand j’étais jeune, j’avais l’habitude de me rendre au studio en cachette après l’heure du dodo et si l’enregistrement était assez fort, personne ne m’entendait entrer. Je me trouvais un petit coin où je pouvais juste écouter et observer la scène. Notre premier album ensemble s’intitulait Snoopy Goes Country. Je devais avoir autour de 12 ans et Kelly devait en avoir 9. Nous pouvions toujours participer à des projets : partitions vocales, harmonies, chansons de Noël. Je me souviens, entre autres, d’avoir travaillé sur un album pour enfants sur lequel Kelly avait dû faire une voix étrange de personnage de bande dessinée. Regarder des gens enregistrer leurs albums fut une merveilleuse façon d’apprendre le métier.  En tant que musiciens de troisième génération, est-ce qu’il vous arrive de penser à la façon dont votre musique s’inscrit dans la tradition de la musique country et dans la lignée de celle de vos parents et de vos grands-parents ? KE : Absolument. Nous avons grandi sur une musique country authentique, mais lorsque nous étions enfants, le country n’était pas très tendance. Pendant longtemps, nous avons essayé de nous couper de nos racines. Pendant des années, nous nous sommes juré que nous ne ferions jamais d’album country. Mais il est difficile de

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As third generation musicians, do you think of how your music relates to the tradition of country music or to the music of your parents and grandparents? KE: Absolutely. We were raised on real country music, but as a kid that wasn’t cool. So for a long time, we tried to suppress our roots. We spent years telling ourselves we would never do a country record but when it’s in your blood you can’t ignore it! I’m glad we finally came around. KA: We’ve been influenced by our family and all of the other country greats in the studio. We also grew up listening to The Neville Brothers, Little Feat, Little Walter, and Gladys Knight, so our influences go much farther than country. We are the third in a family tradition of brother-sister groups, which is pretty damn cool. I think that heritage is a great inspiration more than a set structure on how to do things…

nier ce que nous avons dans le sang ! Je suis heureuse de constater que nous avons aujourd’hui fait la paix avec ça. KA : Nous avons été influencés par notre famille et par tous les excellents musiciens country qui sont passés par le studio. Nous avons aussi grandi sur les airs des Neville Brothers, Little Feat, Little Walter et de Gladys Knight, alors nous avons également eu d’autres influences que le country. C’est assez génial d’être la troisième génération d’une tradition familiale de duos de frères et sœurs, mais je crois que cet héritage est plus inspirant qu’il n’est une structure à suivre quant à la façon de faire les choses…

The songs, on the album have a universal appeal. Where did you draw i nspiration for these lyrics? KE: When we first started writing, it was our uncle Barry Brown who really got the ball rolling. We would meet once a week, bring a few ideas to the table, and see what we could come up with. “Carryin’ Coal” was a result of one of those Sundays. I think there is something really magical that happens when two different generations get together to create music. It’s got this traditional feel with a modern twist. We owe Barry a lot for showing us how to write a strong song. KA: For this album, we never had a strict plan for the sound or the songs. These were some of our first songs and it shows. They’re simple yet honest. We sing and write about what we know, and many of the songs are inspired by family, friends, and the beautiful slice of Canada that we’re fortunate enough to call home: the Ottawa Valley. KE: After about a year of writing together, I headed down to Nashville to get out of my comfort zone of writing with Kaylen and Barry. I felt I had some catching up to do. I started writing with as many people as I could down there, like Colin Linden, Patricia Conroy, and Tim Taylor. When I came back I was a little more confident and we started putting together our strongest songs. We wrote “Getaway” in about an hour, which was probably the most fun for us.

Les chansons sur l’album ont un charme universel. Où avez-vous puisé votre inspiration pour les paroles ? KE : Lorsque nous avons commencé à écrire, notre oncle Barry Brown nous a donné tout un coup de main. Nous nous rencontrions à peu près une fois par semaine pour échanger des idées et Photo: Ian Carleton voir ce qui pourrait en sortir. La chanson « Carryin’ Coal » est le résultat d’un de ces dimanches. Je crois qu’il y a une magie qui se produit lorsque deux générations se rassemblent pour faire de la musique. Ça donne quelque chose de traditionnel, rehaussé d’une touche moderne. Barry y est pour beaucoup : c’est lui qui nous a montré comment écrire une chanson qui se tient. KA : Nous n’avons jamais eu de plan défini concernant le son ou les chansons de cet album. Certaines d’entre elles sont nos premières chansons et ça se sent. Elles sont simples, mais honnêtes. Nous chantons et nous écrivons sur des sujets familiers et plusieurs de nos chansons s’inspirent de notre famille, de nos amis et de cette magnifique région du Canada qui est notre pays : la vallée de l’Outaouais. KE : Après environ un an, je me suis rendue à Nashville pour sortir de la zone de confort dans laquelle je composais, avec Kaylen et Barry. Je sentais qu’il fallait que je me mette à jour. Je me suis mise à écrire avec autant de gens que possible, dont Colin Linden, Patricia Conroy et Tim Taylor. Lorsque je suis revenue, j’avais un peu plus confiance en moi et nous avons commencé à mettre ensemble nos meilleures chansons. Nous avons notamment écrit « Getaway » en environ une heure et ce fût vraiment une partie de plaisir.

The blend of your voices is impressive. In country and bluegrass, there is a long tradition of siblings singing together, from the Delmore brothers, Louvin brothers, and the Carter family to the Peasall sisters. Did you do a lot of singing in duet as kids? KE: We grew up listening to our Mom, Barry, and Lawanda sing together. The two of us didn’t sing together as kids a whole lot. Kaylen was incredibly shy, I was the little showboat. Mom and Dad would get me up on stage to sing old Hank Williams tunes. I learned how to sing harmonies from a really early age. It took Kaylen a lot longer to come out of his shell, but when he did we were all blown away. One day he came to me when we were older and said he wanted to play me a song he had been working on. It came out of nowhere; I hadn’t heard him sing since he was maybe 11. His songs were amazing. I like to think that I gave him that push to start singing, and, in turn, he gave me the push to start writing. We’ve really helped each other develop in the areas we were weakest. KA: Those bluegrass and country harmonies have really been a big part of our lives. To this day, hearing that style of vocals blended together

Le mélange de vos voix est impressionnant. Dans la musique country et bluegrass, il existe une longue tradition de frères et de soeurs qui chantent ensemble, notamment les frères Delmore, les frères Louvin, la famille Carter et les sœurs Peasall. Chantiez-vous souvent en duo, enfants ? KE : Nous avons grandi en écoutant notre mère chanter avec son frère Barry et sa soeur Lawanda. Enfants, mon frère et moi n’avons pas souvent chanté ensemble. Kaylen était très timide et moi, je prenais toute la place. Ma mère et mon père me faisaient souvent monter sur scène pour chanter de vieilles chansons de Hank Williams. J’ai appris très tôt à faire des harmonies. Kaylen a pris beaucoup plus de temps à sortir de sa coquille, mais lorsqu’il l’a fait, il nous a tous laissés bouche bée. Un jour, lorsque nous étions plus vieux, il est venu me voir pour me demander d’écouter des chansons sur lesquelles il avait travaillé. Ça sortait de nulle part ; je ne l’avais pas entendu chanter depuis qu’il avait environ 11 ans. Ses chansons étaient incroyables ! J’aime à penser que je l’ai un peu encouragé à chanter et qu’il m’a un peu poussée vers l’écriture. Nous nous sommes vraiment aidés l’un l’autre à grandir dans les domaines où nous étions les moins bons.

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www.boucherguitars.com

Jesse Siebenberg proudly plays Boucher Guitars.

Retailers We have 19 retailers in Canada. There is room for more. Contact us.

Photo: Andrea Fabricious-Boal

in such a unique way, the hairs on the back of my neck stand up. The sibling part of it is icing on the cake. We love the Everly Brothers and the Louvin brothers (Kelly and her husband just named their new dog Louvin!). We’ve always heard from people that there’s something special about hearing us sing together and it’s a really cool feeling. Judging by the number of musicians involved in the project, it seems like you had a ton of options as far as instrumentation goes. How do you go about choosing the instruments that will be used for the various songs? KE: Producing is a matter of hiring the best players—players who don’t have to be told what to do. First of all, we had one of Canada’s greatest rhythm sections: Jon Dymond and Gary Craig. They are rock solid. We had musicians playing on it who had worked with our parents years before. We also had our friends, who came and jammed on the stuff they felt like playing on. We called this album the “lakeside sessions” because we spent a year fooling around on this.

KA : Ces harmonies bluegrass et country ont meublé une grande partie de nos vies. Encore à ce jour, j’ai des frissons lorsque j’entends ce mélange si particulier de partitions vocales. Le fait que nous sommes issus de la même famille est la cerise sur le gâteau. Nous adorons les frères Everly et Louvin (Kelly et son mari viennent d’ailleurs tout juste d’appeler leur nouveau chien Louvin !). Il est agréable de se faire dire par toutes sortes de gens qu’il se produit quelque chose de spécial lorsque nous chantons ensemble. À en juger par le nombre de musiciens impliqués dans le projet, il semble que vous aviez une multitude d’options quant à l’instrumentation. Comment avezvous choisi les divers instruments pour chacune des chansons ? KE : La production d’un album consiste à engager les meilleurs musiciens, préférablement des musiciens qu’il n’est pas nécessaire de diriger. Nous étions assez chanceux pour avoir avec nous une des meilleures sections rythmiques au Canada, composée de Jon Dymond et Gary Craig. Ces musiciens sont solides comme le roc. Nous avions également avec nous des musiciens qui avaient travaillé avec nos parents il y a des années. Puis nous avions nos amis, qui se sont joints à nous et qui ont improvisé sur les pièces qui les inspiraient. Nous avons appelé cet album « lakeside sessions » parce que nous avons passé un an à fignoler le tout.

Do you let each song evolve in the studio and experiment with different options? KA: As I write, I sometimes jump ahead to hearing it fully produced in my head. We love the idea of creating something bigger than just the lyrics or the chords. We’re very involved in how the song will sound in the studio. There were a few songs where we knew that a specific player was going to bring it to life and that’s exciting. Other times though, we came to the studio with the skeleton of a song and just let it flesh itself out. We’re pretty chill people and enjoyed the whole process, never forcing anything.

Est-ce que vous avez laissé chaque chanson évoluer en studio et est-ce que vous avez expérimenté avec différentes options pour chacune d’entre elles ? KA : Quand je compose, je saute parfois les étapes en essayant d’entendre le produit final dans ma tête. Nous aimons l’idée de créer quelque chose de plus que seulement les paroles et les accords. Nous nous intéressons beaucoup à comment la chanson finira par sonner en studio. Pour certaines chansons, nous savions exactement qui allait pouvoir leur donner vie et ça, c’est magique. Pour d’autres, nous n’avions qu’un squelette qui finissait par s’incarner de lui-même en studio. Nous avons été assez relax pour apprécier tout le processus, sans jamais rien forcer.

There is a credit for “ass clap” in the album sleeve. Who’s got the best-sounding booty and why? KE: I think Sophie (Kaylen’s fiancé) and I take the cake for best booty. We have to give my husband Adam Puddington credit for showing us the “ass clap”: I think his ass has been on more records in Canada than anyone else’s. No joke, he takes a lot of pride in that! ■

Sur la pochette de l’album, il est question de « claquements de fesses » (« ass clap »). Qui est le meilleur musicien et à qui le meilleur instrument ? KE : Sophie, je crois (la fiancée de Kaylen) et je prends les honneurs pour le meilleur instrument. Il faut remercier mon mari Adam Puddington de nous avoir montré le « claquement de fesses ». Dans cette catégorie, je crois bien qu’il possède l’instrument le plus enregistré au Canada et il en est très fier ! ■

www.myspace.com/theprescottsound 14 muzik etc

â&#x20AC;&#x153;Ces micros sont magnifiques.â&#x20AC;? â&#x20AC;&#x153;Ces microsmars sont 2010 magnifiques.â&#x20AC;? DownBeat DownBeat mars 2010 â&#x20AC;&#x153;From the recording perspective, [the AT4080] may well be â&#x20AC;&#x153;From perspective, [theIf AT4080] well be one ofthe therecording top mics Iâ&#x20AC;&#x2122;ve ever heard. you needmay an amazing one the topmic mics ever heard. If you need an amazing largeofribbon forIâ&#x20AC;&#x2122;ve your studio, look no further than the large ribbon mic after for your studio, look nowill further the AT4080. If youâ&#x20AC;&#x2122;re a ribbon mic that makethan your AT4080. If youâ&#x20AC;&#x2122;re after a ribbon mic that will make your guitars scream onstage, get yourself an AT4081.â&#x20AC;? guitars scream June onstage, FOH Magazine 2010get yourself an AT4081.â&#x20AC;? FOH Magazine June 2010

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By / Par : Ian Tamblyn Traduction : Geneviève Hébert

Talking Acoustic Guitars in Modern Times

n the late sixties, as the story goes, the Irish folk icon Donal Lunney returned home from Greece with a bouzouki. It was a rough-hewn instrument, rude and difficult to play, but Lunney felt he could make it work within the context of Irish traditional tunes as rendered by the Chieftains, Planxty, and The Bothy Band. The bouzouki, though definitely not Irish, had a lower dusky tone in the baritone range, which Lunney thought could fit well with fiddle, guitar, whistles, pipes, harmoniums, and accordions. It worked and it became a defining tone in all of Lunneys’ bands heading up the renaissance of Celtic music emanating from Ireland. But the instrument was so bold sounding that studio engineers worked to remove the harsh, brutal overtone tones through judicious use of EQ and compression. Mandolin makers, like Sobel in Great Britain, heard this new sound and created a new bouzouki-like instrument called the long-neck mandolin. What they created was an instrument based on what they heard coming from the studio. It no longer had the brashness of the bouzouki but it worked in the same way Lunney had introduced it—well, almost. Soon traditional bands across England and Scotland were using the long-necked mandolin in their ensembles. As I play my old Gibson Hummingbird, I feel as if a similar process has happened with contemporary guitars and contemporary guitar builders. My Hummingbird has a great bottom end and a full-bodied lower mid-range as well—beautifully rich, warm, and well-rounded. It is not a bright guitar; it does not poke out in a mix; it is marred by minor intonation issues stemming from fret placement. It is the guitar I now leave at home. For years I toured with my Hummingbird. At every festival I played, however, sound engineers complained that the instrument had too much bottom end and would EQ it out, leaving my guitar sounding like a shadow of its former self. In the studio, the complaint was the same: my guitar was taking up too much space in the lower frequency spectrum. Consequently, the engineer would shave the lower-mids and bottom end from the instrument.

Leave Home… Without it

As this was happening to my beloved guitar, I noticed that a whole new generation of instruments were being built that were brighter and cleaner. They displayed a quick attack and were clinically clean in lows. Could it be, I wondered, that luthiers were building guitars based on the EQ-ed sounds they heard in concert and emanating from recording studios? There is some agreement that such a circular interpretation has taken place. I would like emphasize that I am not making a judgment here. My current guitar, a Taylor 315, is perfect for tours, concerts, and studio applications. Any EQ problems can be readily adjusted with a wonderful new generation of preamps. The neck is beautiful and takes to a capo without tuning problems. This Taylor and other contemporary guitars are part of a renaissance of great guitars currently being made by Larrivee, Eastman, Stonebridge, and Blueridge, to name a few. I have not included any of the individual high-end luthiers who are also building brilliant guitars—in part because they are so outside my price range! Conversely, I notice another renaissance. A new generation of players is seeking out old and new high-end Gibsons and Martins And when I ask musicians why they are going back to, say, old banged up Fifties J-45s, the answer is invariably, “It’s the bottomend, man. Just listen to it. Have you ever played one of these things!” Well, yes I have, and when I hug my old Hummingbird close to me, I hear and feel that bottom end, no doubt about it. It is a wonderful thing...but it stays at home now. n

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La guitare acoustique

des temps modernes

la fin des années soixante, on raconte que l’icône de folk irlandais, onal Lunney, est revenu de la Grèce avec un bouzouki. C’était un insD trument rudimentaire et difficile à jouer, mais Lunney sentait qu’il s’intégrerait bien dans le contexte de la musique traditionnelle irlandaise telle que jouée par les Chieftains, Planxty et The Bothy Band. Le bouzouki, même s’il n’était pas du tout irlandais, avait une tonalité plus basse et plus ténébreuse, dans le registre du baryton. Lunney croyait que ce son se mêlerait bien avec le violon, la guitare, le pipeau, la cornemuse, l’harmonium et l’accordéon. Ce fut un succès qui a redéfini le son de tous les groupes de Lunney, menant ultimement à une renaissance de la musique celtique irlandaise. Par contre, l’instrument avait un son si grossier que les techniciens en studio devaient se servir judicieusement d’égalisation et de compression pour enrayer ses harmoniques criardes et brutales. Lorsque des fabricants de mandolines tels que Sobell en Grande-Bretagne ont entendu ce nouveau son, ils ont créé un nouvel instrument qui ressemblait au bouzouki et qu’ils ont appelé la « mandoline à long manche » ou mandoline irlandaise. Ils avaient ainsi créé un instrument d’après un son enregistré en studio. Ce nouvel instrument n’avait donc plus l’aspect criard du bouzouki, mais il fonctionnait à peu près de la même façon que celui que Lunney avait introduit. Les groupes traditionnels en Angleterre et en Écosse ne tardèrent pas à utiliser la mandoline à long manche dans leurs ensembles. Lorsque je joue de ma vieille Gibson Hummingbird, je sens que la même chose s’est passée avec les guitares contemporaines et leurs fabricants. Ma guitare Hummingbird a une caisse assez large qui lui donne un son plus bas, merveilleusement riche, chaleureux et harmonieux. Mais ce n’est pas une guitare éclatante qui se démarque dans un mix; elle a de petits problèmes d’intonation dus au placement des frettes. Voilà pourquoi je laisse maintenant cette guitare à la maison. Pendant des années, j’ai emmené ma Hummingbird en tournée. À chaque festival, les techniciens de son se plaignaient que mon instrument avait trop de basses fréquences qu’ils devaient donc égaliser, rendant à ma Hummingbird un son qui n’était que l’ombre de son son original. En studio, c’était la même chose : ma guitare prenait trop de place dans le spectre des basses fréquences. Les techniciens devaient enlever une partie des moyennes et basses fréquences de mon instrument.

D’un autre côté, je suis témoin d’une autre renaissance : une nouvelle génération de guitaristes qui recherchent de vieilles et moins vieilles Gibsons et Martins. Lorsque je leur demande pourquoi ils optent pour une J-45 des années 50 par exemple, ils me répondent invariablement : « pour les basses fréquences. » Ils me disent : « Écoute : as-tu déjà joué avec une guitare comme ça ? » Eh bien, oui. Quand je serre ma vieille Hummingbird contre moi, il n’y a aucun doute : j’entends et je ressens les basses fréquences. C’est une guitare magnifique, mais je la laisse maintenant chez moi. n

Pub Roland 1/2 Ilot

Partir… sans elle

Pendant que je vivais ces péripéties avec ma guitare bien-aimée, est arrivée sur le marché toute une nouvelle génération d’instruments qui sonnaient plus clairs et plus nets. Ils avaient une bonne attaque et leurs basses fréquences passaient le test. Est-ce que les luthiers se sont basés sur le son égalisé qu’ils entendaient en concert et sur les enregistrements en studio pour fabriquer leurs guitares ? Certains affirment que ça s’est, en effet, passé comme ça. Je voudrais insister sur le fait que je ne porte pas de jugement ici. Ma guitare actuelle, une Taylor 315, est parfaite pour les tournées, les concerts et le studio. On peut facilement remédier aux problèmes d’égalisation en utilisant la nouvelle génération de préamplificateurs. Le manche de ma Taylor est superbe et fonctionne merveilleusement bien avec un capo, sans problèmes de réglage. Cet instrument, ainsi que d’autres guitares contemporaines font partie de la renaissance des guitares de choix, actuellement fabriquées par Larrivée, Eastman, Stonebridge et Blueridge, pour n’en nommer que quelques-uns. Je n’inclus pas ici les particuliers qui fabriquent aussi d’excellentes guitares haut de gamme, en grande partie parce que mon budget ne me permet pas d’en posséder une !

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By / Par : Graham Collins Traduction : Jim Angelillo

Virtual Synth Plugins

as Effects

his month I’m launching the first of a three-part series with the goal of taking a closer look at employing virtual synthesizer plugins as effect units in a DAW. In the series, I’ll focus on modular virtual synths since they offer amazing opportunities to create effects. Using a synth filter on an audio track is hardly a new idea. We’ll look at programs that let sweep a filter on your audio track. Note: they will do much more. We will look at three units over the next three articles: the Korg MS-20 plugin from the Legacy Collection, the Arturia ARP 2600-V, and the Moog Modular V . We will be discussing each instrument at three different levels of complexity (as applicable): 1. No Brainer, 2. A Bit of Work, and 3. Complex. As a bonus, you can download all patches and some gratis examples at: www.pongthrob.com/muziketc/ MEModPatch1.zip Let’s start with the Moog Modular V. Don’t worry if you’re working with another synth model; the info I offer will apply to yours.

Level: No-Brainer

Start a new project. Record or import a drum loop. Position the Moog Modular on the audio track as an insert effect, beginning with a blank patch. Within the Moog, connect a virtual cable from Ext Left to VCA In on VCA 1; pan the VCA hard-left. Similarly, make a connection from Ext Right to VCA In on VCA 2; pan the VCA hard right. You’ll need to trigger each VCA to start when the DAW starts. On each VCA input, under Connect/External Sequencer, select External Sequencer Start. Set each VCA envelope to zero attack, zero decay, and full sustain. Now start your DAW and hear, well, nothing terribly interesting. All we’ve done here is route the audio to pass straight through the Moog. There are three instantly-accessible effects built-in to the Moog, however: a Dual Delay (MIDI sync-able), a Chorus/12-Stage Phaser, and the famous Moog Filter Bank (a warm sounding semi-parametric EQ). They will turn on and off, following the lead taken by VCA1/2 rocker switches. Notice that if you turn up VCA levels, you will get a crunchy overdrive. That was easy and required minimal cabling. There’s A Bit of Work ahead but we’ll conclude on that level of complexity.

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Level: A Bit of Work

The Moog Modular contains numerous filters (low pass/high pass/coupler/multi-mode) including a formant filter, a ring modulator, and an emulation of the original Bode Frequency Shifter. Unlike pitch shifting, frequency shifting alters internal harmonic ratios, which can result in frequency-warped clangy tones. What we’ve done here is set up a patch that will detect the louder hits from the drum loop and use them to generate a throbbing bass line in sync. You may detect some latency from the Moog, depending on your DAW’s buffer settings, and the results may vary depending on whether your DAW features latency compensation. If you configure the Moog as an effectsend, instead of an insert, you will hear the drums and bass simultaneously. Next time we’ll look at the Korg MS-20 and see how it rates on our hierarchy of difficulty. n Graham Collins is a Toronto based composer/synthesist who can be reached via email at graham@pongthrob.com

Les synthés virtuels

comme effets

e mois-ci, j’entame la première partie d’une série de trois articles sur l’utilisation de synthétiseurs virtuels comme effets dans une station de travail audionumérique. Au fil des articles, je vais me concentrer sur les synthés virtuels modulaires puisqu’ils offrent d’incroyables possibilités de création d’effets. L’utilisation d’un filtre de synthé sur une piste audio n’est pas une nouvelle idée. Nous allons parler de programmes qui vous laissent appliquer un filtre sur une piste audio. Mais attention, ils peuvent faire beaucoup plus. Nous allons étudier trois synthés virtuels, soit le plugiciel Korg MS-20 issu de la Legacy Collection, l’Arturia ARP 2600-V et le Moog Modular V. Pour chacun, nous discuterons de trois niveaux de complexité (là où c’est possible) : 1. évident, 2. plus de travail et, 3. complexe. Comme bonus, vous pouvez télécharger toutes les sonorités et quelques exemples gratuits à www.pongthrob.com/muziketc/MEModPatch1.zip. Commençons avec le Moog Modular V. Si vous travaillez avec un autre modèle de synthétiseur, ne vous inquiétez pas, l’information que je vous donne s’y applique aussi.

Niveau : évident

Initiez un nouveau projet. Enregistrez ou importez une boucle de batterie. Appliquez le plugiciel Moog Modular sur la piste audio en tant qu’effet, en commençant avec une sonorité vierge. Dans le plugiciel Moog, branchez un câble virtuel de Ext Left to VCA In dans VCA 1 ; réglez le VCA complètement à gauche. Pareillement, liez Ext Right à VCA In dans VCA 2; réglez le VCA complètement à droite. Vous devrez démarrer chaque VGA chaque fois que vous ouvrez votre programme audionumérique. Sur chaque entrée VCA, sous Connect/External Sequencer, sélectionnez External Sequencer Start. Réglez chaque enveloppe VCA à zéro attack et zéro decay, avec sustain au maximum. Démarrez votre station audionumérique et vous allez entendre, euh, rien de bien spectaculaire. Tout ce que nous avons fait est de faire passer l’audio dans le plugiciel Moog. Nous avons maintenant instantanément accès à trois effets intégrés dans Moog, soit le Dual Delay (synchronisable MIDI), un Chorus/Phaser à 12 étapes et le célèbre Moog Filter Bank (un correcteur semi-paramétrique chaleureux). Ils s’allumeront et s’éteindront selon le réglage des interrupteurs à bascule VCA 1 et 2. Et si vous augmentez les volumes VCA, vous obtiendrez un effet de surcharge craquante. C’était facile et ça ne nécessitait pas beaucoup de branchements. Maintenant, travaillons un peu plus fort.

Niveau : plus de travail

Le plugiciel Moog Modular comporte de nombreux filtres (passe-bas, passe-haut, connecteur, multimode), y compris un filtre à formant, un modulateur en anneau et une simulation du Bode Frequency Shifter original. Contrairement au changement de tonalité, le glissement de fréquence altère les ratios harmoniques internes, ce qui peut produire des tons métalliques tordus par les fréquences. Ce que nous avons fait est de créer un effet qui détecte les coups les plus forts de la boucle de batterie et qui les utilisera pour générer une ligne de basse synchronisée. Il se peut que vous détectiez un peu de retard venant du plugiciel Moog, tout dépendant de vos réglages de mémoire tampon, et les résultats peuvent varier si votre programme audionumérique est muni d’un dispositif de compensation de latence. Si vous configurez le plugiciel Moog comme effect-send, plutôt qu’insert, vous entendrez la batterie et la basse simultanément. La prochaine fois, nous allons regarder le Korg MS-20 et nous verrons où il se situe sur notre échelle de difficulté. n Graham Collins est un compositeur et synthésiste de Toronto. Envoyez-lui vos questions à graham@pongthrob.com

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By / Par : Denis Trudeau

The Guitarist and the Luthier:

Teamwork

Translation : Jim Angelillo

ften, I compare the relationship between the musician and his luthier to that of the race driver and his mechanic. The driver gives his driving impressions to his mechanic who will then adjust and calibrate the vehicle to optimise its performance. For a musician, playing for hours can become uncomfortable, painful even, if his instrument is not well adjusted. Making sure your instrument’s fingerboard is comfortable is primordial. The professional guitarist usually has his own personal luthier, so, whenever he records or plays on stage, his instrument is pristine, because his luthier knows his preferences and adjusts the instrument accordingly. However, the great majority of guitars are sold to amateur musicians, who know less about their maintenance. But this service is also accessible to them. How many people have stopped learning how to play the guitar, believing they have no talent because it was too difficult when, in most cases, it was due to a poorly adjusted instrument, the strings too far off the fingerboard? Why do guitars need maintenance? Climactic variations affect the wood the instruments are made of (a very dry climate can make to tops of acoustic instruments crack). There is also the size of the strings and the type of tuning (there are many different possible tunings), which change the tension exerted on the neck. The frets get worn over time. And there are many other small adjustments: string height and harmonics, the truss rod, the nut, the saddle for acoustic guitars, and of course maintenance of the electronic components in amplified instruments. And there are many improvements a luthier can bring to your instrument, meaning he can replace some components for better ones. I’m talking about tuning keys, pickups, nuts and saddles, often made of plastic, which is a good reason to change them for a better material. The luthier can also install a pickup on your acoustic guitar. Even new guitars can benefit from a visit to a luthier. Transportation and storage conditions, or ineffective factory quality control can warrant some maintenance. These are good reasons for you to ask your retailer to adjust the instrument before you purchase it or bring it yourself to your preferred luthier. On another note, there is what I affectionately call closet or attic guitars. These are instruments that have practically been forgotten, sometimes for years, and that are rediscovered when a family member decides to try his hand at playing guitar. This is another good reason to visit your luthier to have it inspected and reconditioned, because, if you ask me, no instrument should be thrown away. They should be given to someone in the family or to a friend, if only to share the joy of music! A trusting relationship will develop between you and the luthier. He will know every nook and cranny of your instrument, and your playing style. I usually ask questions about musical style, the tuning used, and the preferred string height. I also like to watch the client play and see how he interacts with the instrument. There are as many different adjustments as there are guitarists, which points to the importance of dealing with a luthier that is able to understand your preferences and will be apt to adjust your instrument to your taste. The majority of instrument retailers offer instrument repair services, but they can vary substantially from one retailer to the next. Have a conversation with the retailer’s luthier to test his knowledge, and see how his past experience stacks up. A good luthier generally has good references. Should you choose an independent luthier or a retailer? The advantage of going with an independent workshop is that the luthier himself is usually more specialised. He can do anything, from simple adjustments to restorations and the fabrication of a complete instrument. The luthier is generally passionate about his craft and is guided by his sense of perfection. Don’t hesitate to ask him questions and elaborate some of the points I touched upon in this article. He will know what to recommend and how to adjust your instruments so you can have the most enjoyable playing experience possible. So, take your precious instruments or your relics from your youth and give them a new life. Music is transmitted from one generation to the other, and it is much more pleasant on a well-adjusted instrument. n www.denistrudeau.com

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un travail d’équipe

Le guitariste et le Luthier :

l m’arrive souvent de comparer la relation du musicien et de son luthier à celle du pilote automobile et de son mécano. Le pilote donnera ses impressions de conduite à son mécano et ce dernier devra ajuster et calibrer la voiture pour en optimiser les performances. Pour un musicien, avoir à jouer de longues heures peut s’avérer parfois inconfortable, voir douloureux si son instrument n’est pas au point. S’assurer du confort de la touche est primordial. Le guitariste professionnel a généralement son luthier personnel, donc quand il va en studio ou monte sur scène, son instrument est de qualité optimale, car son luthier connaît ses préférences par cœur et l’ajuste en conséquence. Par contre, la grande majorité des guitares sont vendues à une clientèle amateur, donc moins renseignée sur leur entretien, mais ce service leur est aussi accessible. Combien de fois des gens ont abandonné l’apprentissage de la guitare, se croyant sans talent parce qu’étant trop difficile à apprendre, et dans la majorité des cas, c’était simplement dû à un instrument mal ajusté, avec des cordes beaucoup trop hautes. Pourquoi les guitares ont besoin d’entretien? Les variations climatiques affecteront le bois des instruments (un climat trop sec peut faire craquer la table d’harmonie des instruments acoustiques). Il y a aussi la grosseur des cordes et le type d’accordage (il existe plusieurs accordages différents) qui changera la tension sur le manche, l’usure des frettes au fil du temps, et les divers ajustements requis : les ajustements de touche et d’harmoniques, la tige réglable du manche, le sillet de tête, le sillet de chevalet pour les guitares acoustiques, et bien entendu l’entretien de l’électronique des instruments amplifiés. Et il ne faut pas oublier les améliorations que le luthier peut apporter à votre instrument, c’est a dire remplacer certains composants par de meilleures. Je parle des clés, des pickups, les sillets de tête et de pont sur les guitares acoustiques sont souvent en plastique, bonne raison de les changer pour un meilleur matériau. Et bien entendu l’installation d’un pickup sur votre guitare acoustique. Même les guitares neuves bénéficient d’une visite chez le luthier et cela peut être à cause des conditions de transport et d’entreposage chez le commerçant, ou à un contrôle de qualité déficient du fabricant. Donc autant de raisons de demander au commerçant de vous l’ajuster avant l’achat ou d’aller vous-même chez votre luthier préféré. Il y a aussi ce que j’appelle affectueusement les guitares de garde-robe ou de grenier. Ce sont des instruments laissés pour compte pendant parfois des années et que l’on redécouvre quand un membre de la famille décide de se mettre à la guitare. Voilà donc une bonne occasion d’aller la faire inspecter et faire remettre en état, car à mon avis aucun instrument ne devrait être jeté, mais plutôt donné à des gens de la famille ou des amis, histoire de partager la musique. Une relation de confiance s’installe entre vous et le luthier. Il va connaître votre instrument sur le bout de ses doigts et votre façon de jouer. Pour ma part, je pose des questions sur le style de musique, la façon d’accorder l’instrument, et la préférence de touche. J’aime aussi observer la façon de jouer du client et son interaction avec son instrument. Il y a autant de guitaristes que de réglages différents, d’où l’importance de faire affaire avec un luthier apte à comprendre vos préférences et qui saura arranger l’instrument à votre goût. La majorité des commerçants d’instruments de musique offrent un service de lutherie, mais à vrai dire ces services peuvent varier grandement en qualité d’un endroit à l’autre. Une conversation avec le luthier de l’endroit testera ses connaissances et il pourra vous parler d’expériences passées. Un bon luthier a généralement de bonnes références. Choisir un luthier indépendant ou de magasin de musique? L’avantage de choisir un atelier de lutherie indépendant, c’est que l’artisan est souvent plus spécialisé, tout peut y être fait, d’un simple ajustement à la restauration et la construction complète d’instrument. Le luthier est généralement un passionné guidé par un souci de perfection, n’hésitez pas a lui poser des questions et élaborer plus en détail sur le sujet du présent article. Il saura vous conseiller et ajuster vos instruments pour en tirer le maximum de plaisir. Alors, sortez vos précieux instruments ou vos reliques de jeunesse et redonnez-leur une seconde vie, car la musique se transmet de génération en génération, et elle est plus agréable sur un instrument bien ajusté. n

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Livres et DVDs

books & DVDs

Books & DVDs / Livres et DVDs

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Format : Book & CD livre et CD

Acoustic Guitar Method Complete

By / Par Greg Horne Anyone interested in learning to play acoustic guitar should pick up this well-paced, comprehensive method and get started immediately. Things get underway with basic hand technique for acoustic guitar and progress through bar chording, voicing, tuning, picking, and skeletal arranging. Then things really get moving. Greg discusses alternate tuning, finger dexterity way up the neck , and what to play if you want to sound credible in various styles, including New Orleans, gypsy, swing, Celtic, bluegrass, reggae, bluegrass, funk, and norteño. The CD is the icing, an MP3 play-along. (Alfred) Quiconque souhaite apprendre comment jouer la guitare acoustique devrait se procurer cette méthode soutenue et complète. Elle commence avec les techniques de base du placement des mains sur la guitare et se dirige progressivement vers les accords, les harmonisations, l’accordement, le picking et les arrangements simples. Ensuite, ça se met vraiment à avancer. Greg traite des accordements alternatifs, de la dextérité partout sur le manche et de quoi jouer si vous voulez être crédible dans différents styles : Nouvelle-Orléans, gitan, swing, celtique, bluegrass, reggae, funk et norteño. Le CD est la cerise, rempli de MP3 d’accompagnement. (Alfred)

The Total Latin Guitarist

A Fun and Comprehensive Overview of Latin Guitar Playing

By / Par Doug Munro The Total Latin Guitarist is your key to understanding and playing the indigenous styles loosely lumped together under the category of “Latin”. Surprisingly, globalization has not meant the demise/leveling of folkloric peculiarities. Rather, it’s made it so that musicians must abandon copping a generic “Latin” approach in favor of rendering regional distinctiveness respectfully. If you’re an acoustic guitarist, you’re in the hot seat, given you handle melody, harmony, and rhythm. You won’t sit well on a Havana stage confidently strumming bossa nova while the bassist/percussionist are locking in-clavé . Ditto for batucada and partido alto, tango and tejano. Your ticket to each destination is The Total Latin Guitarist. It’ll guide you finger by finger. The gratis CD provides full-band you-are-there context so you won’t get lost on stage whether in Matanzas or Mexico City. (Alfred) Si vous désirez comprendre et jouer les styles indigènes librement regroupés dans la catégorie de « musique latine », The Total Latin Guitarist est pour vous. Étonnamment, la mondialisation n’a pas sonné la mort ni le nivellement des particularités folkloriques. Elle a plutôt poussé les musiciens à abandonner une approche latine standardisée en faveur d’un rendement respectueux du caractère distinctif de chaque région. Si vous jouez la guitare acoustique, vous vous trouvez en plein dans l’action puisque vous vous produisez à la fois la mélodie, l’harmonie et le rythme. Ce serait, disons, mal vu de jouer une bossa-nova sur une scène de La Havane, pendant que le bassiste et le percussionniste suivent la clave. Et c’est la même chose avec la batucada et le partido alto, le tango et le tejano. Tout se trouve dans The Total Latin Guitarist. Le CD gratuit vous procure un orchestre d’accompagnement pour que vous ne soyez plus jamais perdu, que vous vous trouviez à Matanzas ou à Mexico. (Alfred)

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Méthode de guitarE acoustique sur DVD

By / Par Steve Lessard Don’t let the French language text or DVD script dissuade you Anglophones from checking out this valuable instructional guide. Learn essential left/right hand techniques, variations in major and minor chords, voicings, alternative tunings, and stylistic quirks you must recall instantly to survive in today’s cross-cultural musical milieu. The book is a hit, the DVD a home run, exploring the essential live/studio performance variables for acoustic guitar within po p, funk, Latin, rock, and folkloric styles. Chords are spelled-out, sketched clearly for quick identification. Steve Lessard will set you straight, from your ears to your fingertips. (Les editions de la 10ième planète) Lessard.steve@videotron.ca n Cette méthode de Steve Lessard gagnerait à être connue d’un océan à l’autre, car c’est un guide précieux. Apprenez les techniques essentielles touchant les mains gauche et droite, les variations des accords majeurs et mineurs, les harmonisations, les accordements alternatifs et toutes sortes de particularités stylistiques qu’il faut connaître pour survivre dans le monde musical multiculturel d’aujourd’hui. Si le livre est excellent, le DVD est parfait, explorant les variables touchant le jeu en studio et sur scène avec une guitare acoustique dans les styles pop, funk, latin, rock et folk. Les accords sont clairement indiqués et faciles à identifier. Steve Lessard vous mettra sur le bon chemin, des oreilles au bout des doigts. (Les éditions de la 10ième planète) Lessard.steve@videotron.ca n

made in canada Traduction : Nadine Brabant

fabriqué au canada

By / Par : T Bruce Wittet

fullness of tone. We’ve had less than a 0.5% return rate. Most of our units can be installed by a musician in fifteen minutes.” Schatten catalogs pickup models that “know” each workaday and indigenous stringed instrument you can imagine. Schatten pickups trade in tones nobody, except you in your dreams, hears. Check out www.schattendesign.com or email rodrose@schattendesign.com. Phone (toll-free) 877633-0177. You might luck out and talk to Les, who will capture your resonant frequency! n

verything Schatten is made in Waterloo, Ontario, Canada. Any suspicions I harbored of China or India vanished during my chat with Les Schatten, who abandoned his guitar repair shop in 1992 to develop pickups that would render signature overtones of various stringed instruments without distortion, undue attack, or feedback. Working with piezo transducers in novel shapes and housings, he has created pickups that amplify desirable tones, previously silent to all but discriminating artists in the quiet of their practice rooms. Generic pickups don’t work equally well on upright basses, folk guitars, fiddles, ukeleles, autoharps, and hammer dulcimers. No small wonder: each instrument features a distinct architecture and complement of overtones. Thus, each gets a unique Schatten Design pickup. There are eighty of these, none interchangeable. Some ride in the saddle, some straddle the bridge, others plunge into the resonant chamber. Les Schatten swept me off my feet with the story behind his new/revamped acoustic guitar pickup, the Archtop AT04. It’s not just a device that you shove somewhere under the saddle, nor does it pick up a few central strings and abandon the outsiders. Schatten’s ATV04 rests in an optimal position to reproduce the entire spectrum—and it’s not just a matter of positioning. My lips are sealed, however, since we’re entering the realm of proprietary manifestations of the seemingly simple piezo.... Schatten marketing specialist Rod Rose says, “I have a much easier time selling Schatten pickups in Los Angeles than in Canada. Maybe Canadians are surprised to hear that something Canadian-built can be of this quality. Nobody makes an archtop unit like we do—one that captures the string balance and

out ce que Schatten fabrique provient de Waterloo, Ontario, Canada. Les doutes que j’avais à propos de la Chine ou de l’Inde se sont dissipés lors de ma conversation avec Les Schatten, qui a fermé sa boutique de réparation de guitares en 1992 afin de raffiner les micros de façon à ce qu’ils rendent les indicatifs d’harmoniques de divers instruments à cordes sans distortion, sans attaque excessive et sans rétroaction acoustique. En travaillant avec des transducteurs piézo à l’intérieur de boîtiers de formes singulières, il a conçu des micros qui amplifient les tonalités désirées, précédemment inaudibles à tous, sauf les artistes les plus avertis dans le confort de leurs chambres de pratique. Les micros génériques ne fonctionnent pas aussi bien sur les contrebasses, guitares folk, les violons, les ukulélés, les autoharpes, et les tympanons. Pas étonnant : chaque instrument possède une architecture distincte et complémentaire des harmoniques. Ainsi, chaque instrument obtient un micro de modèle unique signé Schatten. Il y en a quatre-vingt, et aucun d’entre eux n’est interchangeable. Certains sont montés sur le sillet de cheva-

let, certains sont sur le chevalet, tandis que d’autres plongent dans la chambre de résonance. Les Schatten m’a profondément impressionné avec l’histoire derrière son tout nouveau micro de guitare acoustique remodelé, le Archtop AT04. Ce n’est pas seulement un appareil que vous enfoncez quelque part sous le sillet de chevalet, ni un gadget qui capte quelques cordes centrales et qui ignorent les autres. Le modèle ATV04 de Schatten repose dans une position optimale pour reproduire la gamme complète—et ce n’est pas seulement une question de positionnement. Je ne dirai rien, cependant, puisque nous entrons dans le domaine des manifestations de propriétés de l’élément piézo apparemment simple… Rod Rose, le spécialiste du marketing de Schatten dit, « C’est plus facile pour moi de vendre des micros Schatten à Los Angeles qu’au Canada. Peut-être que les Canadiens sont surpris de voir à quel point quelque chose de cette qualité peut être fabriquée au Canada. Personne ne fabrique une unité archtop comme nous les faisons—une qui capte l’équilibre des cordes et la richesse des tonalités. Nous avons reçu moins que 0,5 % de retour de marchandise. La plupart de nos unités peuvent être installées par les musiciens en quinze minutes. » Schatten dénombre des modèles de micros qui « connaissent » chaque instrument à corde qui existe, qu’il soit courant ou de fabrication à la main. Les micros Schatten reproduisent les tonalités et les harmoniques que personne n’entend, sauf dans leurs rêves. Visitez www.schattendesign.com ou envoyez un courriel à rodrose@schattendesign.com. Appelez (sans frais) 877-633-0177. Vous pourriez être chanceux et parler à Les lui-même, qui captera votre fréquence de résonance ! n

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By / Par : Tara Wittet Manko Traduction : Jim Angelillo

e’re pleased to present popular and innovative choices in acoustic guitars and accessories. The designers have not been sleeping. They’ve been busy devising new and improved bodies, strings, power units, and straps for your guitar—and your banjo. And your mandolin. There’s more: read on…

Breedlove Cutaway CM Classical Guitars

The Cutaway CM Classic guitar exemplifies the Breedlove approach to the modern guitar. This visually and tonally stunning guitar is not surprisingly the winner of several design awards. The top is constructed from Western red cedar, the sides and back, walnut, and some premium material for the linear fusion inlay and deluxe hard shell case.

Guitares classiques Breedlove Cutaway CM

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ous sommes heureux de vous présenter notre sélection de nouveautés populaires et innovatrices touchant au monde des guitares acoustiques et de leurs accessoires. Les concepteurs n’ont pas chômé ! Ils ont créé des caisses, des cordes, des appareils électroniques et des courroies encore meilleurs qu’avant pour votre guitare… et votre banjo. Et votre mandoline. Et plus…

La guitare classique Cutaway CM reflète parfaitement la façon dont Breedlove conçoit la guitare moderne. Il n’est pas surprenant que cette guitare remarquable à la fois sur le plan visuel que sonore ait remporté plusieurs prix de design. La table d’harmonie est faite à partir de cèdre rouge de l’Ouest, les éclisses et le dos de noyer et les décorations de matériaux de première qualité. L’étui rigide de luxe est également de qualité supérieure.

British Invasion: Tanglewood Banjos, Mandolins and Ukeleles Arrive in North America!

www.tanglewoodguitars.com / www.sfm.ca

dossier

Tanglewood, the United Kingdom’s best selling acoustic guitar brand, has brought a selection of their banjos, mandolins, and ukuleles to North America. Thirteen popular models are available for US and Canadian consumers. Highlights of the North American line include the TBDLX-PRO banjo, TMX F-style mandolin, TMAS-NAT a-style mandolin, and TU-1-CE soprano ukulele. Prices range from $85 to $999.

Invasion britannique : les banjos, mandolines et ukulélés Tanglewood débarquent en Amérique!

Tanglewood, la marque de guitare acoustique qui se vend le plus au Royaume-Uni, propose une variété de banjos, de mandolines et d’ukulélés au marché nord-américain. Treize modèles populaires sont dorénavant offerts aux consommateurs des ÉtatsUnis et du Canada. Parmi les plus intéressants modèles, notons le banjo TBDLX-PRO, la mandoline de type F TMX, la mandoline de type A TMAS-NAT et l’ukulélé soprano TU-1-CE. Les prix varient de 85 $ à 999 $.

You don’t have to wait years to obtain that vintage guitar look, feel, and sound. Boucher guitars now offer the Gold Touch Option on a selection of the company’s instruments. An exclusive aging process gives the Adirondack Spruce soundboard an amber finish, which revives the vibe of the ‘70s Woodstock era.

Retour vers le futur : les guitares Boucher

Aucune raison d’attendre des années pour obtenir un look, une touche et un son vintage. Les guitares Boucher offrent maintenant l’option Gold Touch pour certains modèles. Il s’agit d’un procédé de vieillissement de la table d’harmonie en épinette des Adirondacks qui lui donne un fini ambré, faisant revivre l’époque de Woodstock et des années 70.

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www.boucherguitars.com

Back to the Future: Boucher Guitars

D’Addario and Ned Steinberger collaborate once again. Announcing the problemsolving NS Capo Tuner. A NS Dual Action Capo and a Planet Waves precision chromatic tuner are combined. The patented compound action of the Dual Action Capo reduces the force necessary to open and close the capo and also eliminates side pulling of strings out of tune. Simply adjust the micrometer tension knob just enough to eliminate string buzzing and enjoy in-tune performance from fret-to-fret. The Planet Waves Capo Tuner fits standard 6 and 12-string guitars.

Accordeur NS Capo

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D’Addario et Ned Steinberger unissent leurs forces une fois de plus. Ils proposent une solution à bien des problèmes avec l’accordeur NS Capo. C’est un capo muni d’un accordeur chromatique Planet Waves. Le système de fixation breveté diminue la force nécessaire pour poser et enlever le capo, ne tirant pas sur les cordes, évitant de désaccorder l’instrument. Il s’agit d’ajuster le bouton de réglage de la tension jusqu’à ce que les cordes ne grésillent plus et vous êtes prêt à jouer, sans raccorder les cordes. Le Capo Tuner de Planet Waves convient aux guitares à 6 et 12 cordes.

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Jay Turser Acoustic Guitar Line High Definition Series

Jay Turser’s High Definition Series of guitars is an example of high-end product features at affordable prices. The HDD-12 and HDD-18 launch the series. Both feature high-definition fingerboards and bridges that produce an organic sound with a consistent response, increased volume, high sustain, and liveliness across the board. Prices range from $414.99 for the HDD-12 to $749.99 for the HDD-18. Catch them at Winter NAMM 2011 in Anaheim, California.

www.jayturser.com

Problem Solving NS Capo Tuner

Série de guitares acoustiques Jay Turser High Definition

La série de guitares High Definition de Jay Turser est l’exemple parfait d’instruments aux caractéristiques haut de gamme offerts à un prix abordable. Les modèles HDD-12 et HDD-18 forment la base de la série. Les deux guitares sont munies de touches haute définition et de chevalets qui produisent une sonorité organique avec une réponse homogène, un volume accru, une bonne longueur de note et plus de vivacité à tous les niveaux. Les prix varient de 414,99 $ pour la HDD-12 à 749,99 $ pour la HDD-18. On pourra voir ça au salon d’hiver NAMM 2011 à Anaheim, en Californie.

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D’Addario has announced three additions to their popular string line: Nylon Tapewound Bass Strings, Flatwound Mandolin Strings, and Stainless Steel Banjo Strings. The Nylon Tapewound Bass Strings, wound using a flattened black nylon and polished to an ultra-smooth finish, are designed to deliver a vintage tone with sounds ranging from upright bass to traditional flat wood strings. The Flatwound Mandolin strings are designed to create a smooth, clear sound, while providing a comfortable feel for jazz, classical, and folk players playing closed-position fingerings up the fretboard. The Stainless Steel Banjo Strings were developed in conjunction with some of the world’s best banjo players. The result is a banjo string with the optimal core-to-wrap ratio for proper tension and pleasing tone.

D’Addario offre de nouvelles cordes de basse, de mandoline et de banjo

D’Addario annonce trois nouveautés : des cordes de basse Nylon Tapewound, des cordes de mandoline Flatwound et des cordes de banjo Stainless Steel. Les cordes de basse en nylon, composées d’un fil de nylon noir plat embobiné et poli jusqu’à l’obtention d’un fini ultra lisse, ont été conçues pour produire une tonalité vintage avec des sonorités s’approchant d’une contrebasse et de cordes plates traditionnelles. Les cordes de mandoline plates ont été conçues pour produire une sonorité douce et nette, tout en procurant un confort idéal pour les musiciens de jazz, de classique et de folk, particulièrement s’ils jouent en position serrée haut sur le manche. Les cordes de banjo en acier inoxydable ont été développées en collaboration avec quelques-uns des meilleurs joueurs de banjo au monde. Il en résulte une corde de banjo possédant un ratio centre-embobinage optimal procurant une tension idéale et une sonorité agréable.

www.eriksonmusic.com

www.daddario.com

New D’Addario Bass, Mandolin, and Banjo Strings

D Tar Load ‘N Lock

The Load ‘N Lock is a revolutionary battery access system that enables battery changes smoothly and quickly, at least for the acclaimed Wave-Length pickup. The patent-pending Load ‘N Lock system allows easy access battery swapping. Simply unscrew the endpin “collar”, remove the old batteries, and replace with new ones. A quick quarter-turn of the collar locks everything in place. The Wave-Length pick up, with Load ‘N Lock battery access, is exclusively available on all Guild acoustic/electric guitars.

D Tar Load ‘N Lock

Le Load ‘N Lock est un système révolutionnaire d’accès aux piles permettant de les changer facilement et rapidement, du moins pour le micro Wave-Length. Avec le système Load ‘N Lock, brevet en instance, il s’agit simplement de dévisser l’embout du collet, ôter les vieilles piles et les remplacer par des nouvelles. Revissez l’embout du collet un quart de tour et le tout est bien barré. Le micro Wave-Length avec système d’accès aux piles Load ‘N Lock est installé exclusivement sur toutes les guitares acoustiques et électriques Guild.

Inspiration on Your Shoulder Style and Fuction

Fusing style and function, Fusion Gig Bags come in four ranges with eye-catching colors and quality protection for your instrument. The high-end range features the “Fuse-on” concept—add on accessory bags that attach to the main instrument bag to carry everything a working musician needs. The entry level bag offers quality and style suitable for the on-the-go student. Fusion gig bags are now available in Canada from Counterpoint Musical Services.

Style et fonction

Fusionnant style et fonction, les étuis Fusion sont offerts en quatre gammes, juxtaposant couleurs vives et protection de qualité. La gamme supérieure comprend le concept « Fuse-on » ; il s’agit de sacs à accessoires qui se fixent à l’étui et qui permettent au musicien professionnel de transporter tout ce dont il a besoin. L’étui d’entrée de gamme quant à lui offre qualité et style pour l’étudiant bien occupé. Les étuis Fusion sont maintenant distribués au Canada par Counterpoint Musical Services. www.counterpointmusic.ca

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Your favorite song lyrics can provide a source of inspiration during a performance. Ever write them on your guitar strap? If you did, you’ll appreciate Levy’s Lyrics guitar straps, which feature excerpts from popular song lyrics front and back. rs.com www.levysleathe Instead of fumbling around to write your own words, you gaze down, or across, and inspirational lyrics are right there. You literally have inspiration on your shoulder. Pictured is model MPL2.

De l’inspiration sur votre épaule

Vos paroles de chanson préférées peuvent être une source d’inspiration pour vous durant une prestation. Les avez-vous déjà écrites sur votre courroie de guitare ? Si oui, vous aimerez les courroies de guitare Lyrics de Levy’s, décorées sur les deux faces d’extraits de chansons populaires. Donc, plutôt que de vous casser la tête à écrire vos propres paroles, posez votre regard sur la courroie et vous avez accès à des paroles très inspirantes. L’inspiration se trouve vraiment sur votre épaule ! Le modèle MPL2 est illustré.

Not All Strings Are Created Equal: Elixir Strings

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Your strings accumulate oils, tiny bits of skin, and sweat that ultimately get trapped between the windings. As gunk builds, the string is unable to vibrate as freely, resulting in lost tone and hampered performance. Elixir Strings have solved this with a protective coating over the windings. The result is an extended tone life that lasts 3-5 times longer than an uncoated string. And since the entire outer surface of the string is coated, all gaps are sealed. You get great tone that lasts longer than any conventional string. And really, who wants to deal with the cost and time consumed by changing strings all the time? Pick up some Elixir strings. Feel and hear the difference!

Toutes les cordes nâ&#x20AC;&#x2122;ont pas ĂŠtĂŠ crĂŠĂŠes ĂŠgalesâ&#x20AC;&#x2030;: les cordes Elixir

Vos cordes sâ&#x20AC;&#x2122;encrassent dâ&#x20AC;&#x2122;huiles, de minuscules parcelles de peau et de sueur. Plus elles accumulent dâ&#x20AC;&#x2122;impuretĂŠs, moins elles vibreront librement, provoquant lâ&#x20AC;&#x2122;attĂŠnuation de la tonalitĂŠ, entravant la performance. Les cordes Elixir ont rĂŠsout ce problĂ¨me en enduisant leurs cordes dâ&#x20AC;&#x2122;un revĂŞtement protecteur. Cela donne une tonalitĂŠ qui demeurera inchangĂŠe de 3 Ă 5 fois plus longtemps quâ&#x20AC;&#x2122;avec des cordes sans revĂŞtement. Et puisque la surface entiĂ¨re de la corde est enduite, tous les ĂŠcarts de lâ&#x20AC;&#x2122;embobinage sont scellĂŠs. Vous obtenez une superbe sonoritĂŠ qui dure plus longtemps que nâ&#x20AC;&#x2122;importe quelle autre corde conventionnelle. Qui veut passer son temps Ă payer et Ă changer des cordesâ&#x20AC;&#x2030;? Procurez-vous des cordes Elixir strings. Ressentez et entendez la diffĂŠrenceâ&#x20AC;&#x2030;!

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Le D Tar Equinox est un préamplificateur et correcteur paramétrique à trois bandes haut de gamme pour le studio et la scène. Le réglage du balayage de fréquence, de la bande passante et d’amplification/ atténuation permet aux musiciens de corriger ou d’améliorer des plages tonales très spécifiques. Pendant ce temps, deux filtres à bande étroite contrôlent ou éliminent toute rétroaction acoustique. Le D Tar Mama Bear fait usage d’une technologie spécialisée pour transporter votre guitare acoustique dans le monde numérique. Mais ne vous en faites pas, le son de votre guitare acoustique ne changera pas; il sera tout simplement plus fort. Et enfin, quelque chose de complètement différent, le D Tar Solstice est un mélangeur et préamplicateur à deux canaux qui mélange deux sources sonores en un tout intelligible. L’appareil s’utilise à la fois à la scène et au studio. n

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