toĂąo barreiro
6 mayo - 13 junio Madrid 2008
Dibujos infinitos (serie). 2007. InfografĂa/papel INKJET. 50 x 50 cm.
UNA CONVERSACIÓN, A PESAR DE LAS PALABRAS Una conversación, con Laura Dorada
Laura Dorada: Recientemente he leído que se establecía una relación entre tu trabajo y el concepto de diseño y, aunque a primera vista parecía una objeción, la idea se fue trasformando en algo muy atractivo, ya que abría la posibilidad de basarse en este campo procesual y metodológico para ampliar el territorio de las artes de manera desinhibida, tal y como en su día se hizo con la fotografía o el vídeo. Toño Barreiro: Sí, además el concepto de proyecto se ha manejado siempre en las artes. No olvidemos que la propia definición de boceto o incluso la de dibujo, nos remite igualmente a un sistema de visualización de las ideas plásticas, de proyección. La verbalización es también un tipo de proyección. La construcción empieza en la idea, y dependiendo de qué tipo de trabajo queremos realizar, adoptamos un proceso u otro. No sólo existe el modelo del artista demiurgo que se enfrenta al vacío del lienzo y crea a partir de la nada, absorto, enajenado o en trance. Son de ese tipo de arquetipos simpáticos que a menudo los biógrafos han llegado a inventar para hacer más épicos e interesantes los libros de arte, buscando lo sublime del ser humano genial, encontrando las trazas que lo hacen diferente del resto. Todas estas ideas se basan en la comparación del artista con el supremo creador, que a partir de la nada nos trae ante nosotros la maravilla de un orbe no preconcebido, intacto, sin referentes. En definitiva, un nuevo mundo inmaculado donde la libertad está a la vez incrustada en el proyecto y la gestación divina. Todo esto elude el tener que mirar a lo mundano, a nuestros avances o errores, a nuestras limitaciones, a nuestras ideas preconcebidas, a nuestras pasiones construidas en sociedad, a los aportes acumulativos de la historia. L: En toda manifestación artística existe un evidente vínculo con todo lo aprendido, con lo que nos ha conformado tal y como somos; sería muy simple decir que se puede crear de la nada o que la ausencia de proyecto o idea previa demuestra que no hay ideas preconcebidas e incluso prejuicios sobre el instante anterior al big bang creativo. También veo totalmente justificada la naturalización de las acciones artísticas, en todos los sentidos, para pragmatizarlas, para desdivinizarlas y para sumergirlas en el laberinto emocional propio también de nuestra naturaleza inestable e impredecible. El que no sepamos realmente quiénes somos no nos convierte en menos mortales. Quizás deberíamos pensar más en lo humano de todo lo artístico para poder entender más todo lo que sucede en la esfera de las artes. La distancia que el arte siempre ha pretendido mantener sobre el observador ha provocado rizos conceptuales que han llegado a transformar a muchas obras de arte en algo casi incorpóreo, aunque eso sí, como previo paso para materializar su esencia excepcional, irrepetible y llena de revelaciones encriptadas. Y así, una vez materializando su valor espiritual, podemos seguir con la particular dialéctica del mercado. T: Sí, nos esforzamos en mantener que nada existió antes del verbo, y la emoción queda siempre pospuesta para mañana, que será cuando lo cotidiano pueda volver a ser el verdadero referente del intelecto, en donde se puede transformar en algo escepcional. Nuestro problema es que mostramos desinterés por el instante, nuestro estar aquí y ahora, el fundirnos con la indefinible e inapresable realidad, lugar mental de donde emanan todas las constantes vitales de la estética y el arte. L: Lo que sientes te lo llevas puesto, aunque muchos pretendan deslegitimar la relación inmediata y muy cotidiana de lo artístico. Es inútil querer mantener la grandilocuencia del término Arte, pese a que la definición histórica del creador y sus productos sostenga un acercamiento hacia su altar a la vez que evita a toda costa la socialización de sus riquezas.
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Dibujos infinitos 24. 2007. InfografĂa/papel INKJET. 90 x 108 cm.
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T: El arte es otra forma de conversar, ni más ni menos compleja que el lenguaje verbal o escrito. Pintar o fotografiar o grabar imágenes en movimiento es tan humano y común como la contemplación, la conversación o la lectura. No pensemos que sólo unos pocos procedimientos constructivos pueden dar definición a las artes visuales. Además, existen muchas fórmulas más generosas con el espectador, fórmulas más integradoras, que cuentan con la aportación de los demás, y me refiero en esencia a que manifiestan ser conscientes de que cualquier comunicación depende tanto de la inteligencia del que habla como del que escucha. L: Es por eso que los procesos y los pasos previos a la obra permiten al espectador descender hasta el origen de las ideas, ayudando así a comprender lo común que hay en todos nosotros, desmitificando el papel de lo divino o lo excepcional a priori. T: Sí, en un contexto contemporáneo, lo divino debemos entenderlo como todo lo sorprendente que sucede fuera de nuestras expectativas, lo que se escapa a nuestras ciencias del conocimiento. Aunque no sabiendo qué es lo que se nos escapa, difícilmente podemos hablar de ello. Lo divino es una teoría más, creada con su particular tecnología y sus conocidos métodos. La historia del arte es un buen catálogo de metodologías de la creación del propio modelo de lo artístico, un buen reflejo también de las incapacidades intelectuales de cada época, como lo fue y sigue siendo, desde nuestra actual perspectiva, la inquisición, los genocidios de todo tipo de origen ideológico o la imparable destrucción del ecosistema. ¿Puede el arte aportar algo en este tipo de contextos? Es evidente que no más que otro tipo de saberes, ya que no ha evitado que las sociedades dirigidas por las personas más perversas y crueles del planeta se hayan rodeado de grandes artistas de todo tipo. Más bien podemos decir que por suerte el arte también sobrevive a esas épocas, precisamente porque se trata de algo humano, fruto de la convivencia, indicador de la necesidad de belleza, teniendo en cuenta que la justicia es un modelo de belleza y así en adelante. No debería ser extraño que se hable de la belleza de las teorías matemáticas o científicas en general. Campos del saber, o del preguntar si se prefiere, en los que nos podemos sumergir para comprender lo que nos rodea, haciendo del lugar mental, al que antes me refería, un lugar más bello, simplemente por concebirlo con una mayor extensión intelectual y poder dotarlo de una redimensión emocional. Todo esto creo que es la única verdadera herencia que podemos dejar a nuestros descendientes. L: Abrir los ojos para comprender todo lo que subyace bajo el gran proyecto que es el concepto de lo humano, que cada vez es más biológico, más cercano a la física y la química. Como tu dirías, la alquimia emocional rigiendo los sistemas de búsqueda de la razón. Así podríamos quizás entender más el mundo gracias a entendernos más nosotros mismos. En este sentido tu trabajo parece moverse entre la razón y la emoción y, tras esa aparente frialdad que se le presupone a la premeditación, brota una gran carga de sensualidad e incluso de erotismo, entendido este como una forma de apetencia y búsqueda del placer. T: Hay muchas cosas que se le escapan a la razón, por suerte. En muchos casos creo que las emociones nos permiten entender más en profundidad lo que verdaderamente somos, sin desestimar ninguna manifestación, por negativa o contradictoria que sea. La razón piensa de sí misma que es el resultado de una minuciosa elaboración y presentación de los impulsos sensoriales, que entre ella y el decir no hay nada que merezca la pena contemplar. Pero la razón sólo sabe de pasados y futuros, escapándosele el mientras tanto. En ese sentido una obra no es el final de nada, pero sí que puede ser un interlocutor válido que inspire confianza y nos haga conectar con el laberíntico mundo de lo personal profundo, donde las experiencias artísticas sólo son los guías de un camino aún no trazado pero que forma parte de nuestras premoniciones. El reto es crear obras que se rehagan constantemente en el instante, que todo lo que emana de ellas siempre esté a punto de revelarse, como si 7
perteneciera a otro mundo en el que las cosas permanecieran en estado latente sin llegar nunca a presentar sus respetos a la razón. Hay que dejar que el sueño de la razón lleve su curso, que se sobreimponga incluso a nuestra educación, a ese cúmulo de ideas preconcebidas, para poder regresar a ellas con la seguridad de poder aprender de toda las intuiciones que aparecen entreveradas en el fértil y también arrogante terreno de las ideas. L: ¿Cuánto hay de intuición en tu trabajo? ¿Qué intuyes en obras como las que consideras simbióticas, o qué aparece bajo las capas de esas pinturas deconstruidas, qué se revela en todo ello, qué hay de primigenio en los Embrionarios? Todo parece como si bajo su apariencia sólida, objetual y minuciosamente concebida y elaborada surgiera eso que llamas revelación. T: Es revelación para la razón, que ve en ello equivalencias, equilibrios, repartos equitativos, fórmulas visuales de lo orgánico dentro de lo geométrico y viceversa. Para lo que no es razón, es palpable que hay un antes del decir, un impacto inmediato que es previo a la evaluación consciente que, curiosamente, cuando habla, casi nunca puede reconstruir la emoción de la que parte. Siguiendo el argumento que algún amigo me ha dado, a veces el efecto es de aparición, como si se tratara de haber materializado algo imposible, hacer creíble algo inverosímil, que en muchos casos, como en las obras de la serie Simbióticos, así era. La lógica del color, por ejemplo, en esos casos se pervertía total y conscientemente. Ahora lo sigo haciendo con las deconstrucciones, las imágenes infográficas y los efectos volumétricos, que me atrapan incluso a mí mismo en una ensoñación difícil de trasmitir. En ciertas obras, como los embrionarios, me veo concentrado, motivado por crear algo que induzca a la meditación, que abra un camino en el mundo de las ideas usando fórmulas muy sintéticas, en cierto sentido más puras que las que abundan en el análisis o la deconstrucción. No obstante, creo que ambas direcciones del camino son igualmente válidas. Es un proceso de ósmosis, de retroalimentación, con el propio sistema y con la vida por extensión. Una idea materializada puede ser una gota destilada de un gran miasma de sensaciones pero también es maravilloso observar todo el proceso, retrotraerse al momento donde todo surge, al momento en el que la vida es tan sólo una emoción, ni tan siquiera una idea. Es como cuando paseando por el campo, siento que va a llover y entonces, durante un instante, respiro el aire húmedo y reconozco el olor de la tierra mojada que viene de lejos y entiendo el especial sonido de las hojas y me detengo frente al escenario iluminado por una luz agotada y veo los surcos por donde correrá el agua y toda la vida entrelazándose a cada paso, sin dejar de ser lo que es y a la vez sin poder detenerse… y sigo caminando, con algo más de emoción en el bolsillo. L: ¿Damos un paseo?
Valencia, abril de 2008
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Dibujos infinitos 13 y 10. 2007. InfografĂa/papel INKJET. 70 x 100 cm.
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Simbiótico XXVI. 2006. Acrílico sobre tela. 207 x 230 cm.
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Deconstrucción II. 2006. Acrílico sobre tela. 228 x 158 cm.
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Deconstrucción III. 2008. Acrílico sobre tela. 180 x 145 cm.
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Embrionario VII. 2008. AcrĂlico sobre tela. 180 x 182 cm.
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Embrionario VIII. 2008. AcrĂlico sobre tela. 147 x 129 cm.
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Celular I. 2008. AcrĂlico sobre tela. 123 x 108 cm.
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Dibujos Infinitos 2. 2005. InfografĂa/papel INKJET. 100 x 90 cm. Serie de 10
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Dibujos Infinitos 7. 2005. InfografĂa/papel INKJET. 100 x 90 cm. Serie de 10
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Dibujos Infinitos 12. 2007. InfografĂa/papel INKJET. 100 x 70 cm. Serie de 10
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Dibujos Infinitos 11. 2007. InfografĂa/papel INKJET. 100 x 70 cm. Serie de 10
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Dibujos Infinitos 20 y 23. 2007. InfografĂa/papel INKJET. 50 x 50 cm. Serie de 10.
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Dibujos Infinitos 22 y 21. 2007. InfografĂa/papel INKJET. 50 x 50 cm. Serie de 10.
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TOÑO BARREIRO Zamora, 1965
Toño Barreiro viene desarrollando, desde mediados de la década de los ochenta, un trabajo multidisciplinar que alterna la fotografía, la pintura, la escultura y los procesos digitales. El cuestionamiento de los límites del medio pictórico, a través del juego con elementos escultóricos y la ruptura del marco tradicional de la pintura, es una constante en el trabajo. En su trabajo se pueden observar toda una serie de nuevas metodologías y procesos creativos que dan lugar a pinturas sinuosas y sinestésicas, jugando con el concepto de la deconstrucción, lo simbiótico, o los procesos biológicos más elementales. ULTIMAS EXPOSICIONES INDIVIDUALES: 2003 2005 2007 2008
.Galería Luis Adelantado. Valencia. .Galería May Moré. Madrid. .Galería May Moré. Madrid. .Galería Casaborne. Antequera. Málaga. .Pabellón de Mixtos. Pamplona. .Galería May Moré. Madrid.
ULTIMAS EXPOSICIONES COLECTIVAS:
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2003
. Galería Luis Adelantado (Sala 1). Valencia. . FIAC. Stand Galería Luis Adelantado. París. . ARTISSIMA. Stand Galería Luis Adelantado. Turín.
2004
. Colección Testimonio de La Caixa. Centro de Arte Palacio Almudí. Murcia. . Galería Casaborne. Antequera. Málaga. . MIART. Stand Galería May Moré. Milán. . MACO. Stand Galería Casaborne. México DF. . FIAC. Stand Galería Luis Adelantado. París.
2005
. ARCO. Stand Galería Luis Adelantado. Parque ferial Juan Carlos I. Madrid. . “Other Optical Labyrinths”. White Box @ The Annex Gallery. Nueva Cork. . ARTESANTANDER 05. Stand Galería May Moré. Santander. . II BIENAL DE VALENCIA. Convento del Carmen. Valencia. . II Certamen Internacional de Pintura. EACC. Castellón. . ART COLOGNE. Galería May Moré. Colonia. Alemania.
2006
. ARTESANTANDER 06. Stand Galería May Moré. Santander. . ”DIVERSIDADES FORMALES”. CAB. Centro de Arte Caja Burgos. Burgos. . ”PINTURA MUTANTE”. MARCO. Museo de Arte Contemporáneo. Vigo.
2007
. “EXISTENCIAS”. MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo. León. . IV Certamen Internacional de Pintura. Museo de Bellas Artes. Castellón.
2008
. GRAFIC. Universidad Politécnica de Valencia. Valencia. . Hennigsen Contemporary Gallery. Copenhague. Dinamarca.
OBRA EN COLECCIONES: LA CAIXA. “Colección Testimoni”. CAM. Caja de Ahorros del Mediterráneo. AYUNTAMIENTO DE ZAMORA DIPUTACIÓN DE ZAMORA CAJA DUERO CAJA ESPAÑA JUNTA DE CASTILLA Y LEÓN CAB. Centro de Arte Caja Burgos. MUSAC. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León. INE. Instituto Nacional de Estadística. UNIVERSIDAD POLITÉCNICA
Dibujos Infinitos 14. 2007. Infografía/papel INKJET. 50 x 50 cm. Serie de 10.
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Catálogo editado con motivo de la exposición de Toño Barreiro en la Galería May Moré de Madrid. Se han impreso 700 ejemplares. Madrid Marzo 2008
Edita: Galería May Moré y Toño Barreiro. Diseño: Carrere&Mit /Galería May Moré. Maquetación: Juan Carlos Rovira. Texto: Laura Dorada y Toño Barreiro. Fotografía: Toño Barreiro. Impresión y encuadernación: Campillo Nevado. D. Legal:
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