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ssentiarts Nº1 / 2€ España
ARTE Y RECICLAJE -- Tom Deininger. El arte de reutilizar -- Nick Gentry. Pintura ciberpunk -- ESPACIO CREATIVOS -- Unas palabras con Gabriel Moreno -- De charlita con Laura Racero -- DISEÑO -- Packaging. Botellas de museo -- Interiorismo. Las paredes de Charlotte Mann -- Educación pública, recortes y diseño gráfico por David Ortiz. -- MODA -- Iguaneye. Un zapato de elastómero -- Running Cool. La nueva moda
ARTE Y RECICLAJE
ÍNDICE
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ARTE Y RECICLAJE
Tom Deininger. El arte de reutilizar................................................................................................... 4 Nick Gentry. Pintura ciberpunk......................................................................................................... 6
ESPACIO CREATIVOS
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Unas palabras con Gabriel Moreno.................................................................................................... 8 De charlita con Laura Racero........................................................................................................... 10
DISEÑO
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Packaging. Botellas de museo......................................................................................................... 12 Interiorismo. Las paredes de Charlotte Mann.................................................................................. 14 Educación pública, recortes y diseño gráfico por David Ortiz........................................................... 15
MODA
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Iguaneye. Un zapato de elastómero............................................................................................... 16 Running Cool. La nueva moda........................................................................................................ 18
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ARTE Y RECICLAJE
, r e g n i n i e D m o T
El arte de reutilizar
Criado en Norwell, Massachusetts, estudió en la universidad de Salve Regina graduándose con honores en arte. Recorre Europa estableciendo estudios y vendiendo su obra. En el 99 se muda a
Newport en Rhode Island, donde funda el estudio de arte de Fall River, Massachusetts, para poder hacer piezas cada vez más grandes utilizando materiales tan comunes como lo es nuestra ba-
sura. Su obras forman parte de colecciones tanto públicas como privadas ubicadas en todas partes del mundo.
En sus obras juega con las actuales nociones de orgullo (representada por la bandera americana) o belleza (simbolizado muchas veces por súpermodelos) El artista americano Tom Deininger usa el reciclaje como medio de expresión. Recoge miles de pequeños objetos encontrados para darles vida a través de sus impresionantes instalaciones, que están a medio camino entre el cuadro y la escultura. En su nave de Fall River en Massachusetts, Deininger acumula deshechos. Lejos de padecer el síndrome de Diógenes, el artista recoge plásticos, juguetes abandonados, cables, tapones y cualquier objeto desmontable que le puedan servir para llevar a cabo sus obras. Inmensas obras de artes tapizan las paredes, como un grafitti gigante. Hasta que uno se acerca y descubre que es en 3D , y que lo que parecían pupilas son en realidad carcasas de algún electrodoméstico. Su fiebre del reciclaje empezó en 1994, cuando regresó a Estados Unidos de un viaje por el mundo acompañado por su tabla en búsqueda de las mejores
olas. Después de haber visto cómo en muchos países la gente vivía felizmente de la forma más sencilla, empezaron a retumbar en su subconsciente los problemas vinculados al consumo y el medio ambiente. Para entonces, él ya se había tomado lo del arte muy en serio y empezó a desarrollar una relación de amor odio con los objetos que se iba encontrando y que uso como el catalizador de sus experimentos artísticos. Tom nunca vuelve con las manos vacías de un paseo. Ya no tiene pudor: Recoge colillas e incluso saca objeto de las basuras. En su casa no hay muñeca mutilada que se le resista y la familia lo ve como una buena forma de reciclar. El diálogo constante con los valores se percibe a través de sus obras; le gusta jugar con las nociones preconcebidas de orgullo (bandera americana), belleza (súpermodelos) o estética y valor (puente de Monnet en Giverny). Con su escultura de la bandera como telón de fondo, empezamos a hablar de
En los 90, tras un largo viaje por el mundo, se dió cuenta de que en muchos países se vivía felizmente de la forma más sencilla
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ARTE Y RECICLAJE la tendencia eco-friendly en EEUU. Un país que, a su juicio, «debería de mostrar el camino de salida del desastre ecológico en el que estamos metidos, pero que difícilmente puede hacerlo dada la cantidad de recursos consumidos sin conciencia alguna del impacto». Quizá porque es padre se obliga a ser optimista y a pensar que «podemos hacerlo mejor». Insiste en que «la gente tiene que percibir primero el problema» y que él, a través de su trabajo, «es sólo una pequeña voz más sonando en ciertos oídos». Cuando hablamos sobre su faceta de activista ironiza diciendo que a veces a quienes reivindican se les tacha de «progres», «hippies» o «abraza-árboles». Pero Tom Deininger nos demuestra desde hace años que su arte está por encima de los prejuicios y las etiquetas.
Las obras de arte Deininger se han convertido en un instrumento para concienciar sobre el reto de la sostenibilidad medioambiental y en una denuncia de los excesos de la sociedad de consumo.
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ARTE Y RECICLAJE
Nick Gentry,
Pintura ciberpunk
¿Te acuerdas de aquellos tiempos no lejanos que llevábamos los archivos en disquetes y debíamos crear nada de más de dos megas? ¿Cómo hicimos
para arreglamos con esos discos? Todavía tengo algunos, algo absolutamente del siglo pasado. Ojalá pudiera ver lo que quedó adentro de esas
cositas cuadradas de plástico, aunque sólo sea para quedarme tranquilo sabiendo que mis palabras evolucionaron de manera creativa...
El artista inglés Nick Gentry hace un buen uso de los disquetes integrándolos a sus pinturas. Es muy interesante su idea de utilizar los discos para representar a los seres humanos ya que todos nos vemos afectados de alguna manera por ser parte de la era digital. “Montañas de disquetes, cintas VHS, polaroids y casettes. Empeñaron un papel enorme en una generación que creció en los años 80 y 90. Se dependía de estos formatos físicos para almacenar cualquier cosa. Como los medios de comunicación se absorbieron rápidamente en la World Wide Web, a los formatos de medios físicos del pasado se los consideró obsoletos. Todo tiene un ciclo de vida y con la tecnología hay un impulso incesante hacia lo desconocido en busca de nuevos y más eficientes productos. Desde su introducción, miles de millones de discos han sido fabricados y 30 años más tarde están llegando a su fin. Estos objetos se convertirán en artefactos raros. El disco se mantiene firme y sigue viviendo como una metáfora de la aceleración de la vida moderna, la producción en serie y la cultura de usar y tirar de hoy. Reutilizar objetos crea menos residuos, adoptan una nueva función que a menudo tiene más encanto que el de la original. Se puede fomentar un enfoque más creativo para objetos cotidianos que se consideran obsoletos o inútiles. El concepto en la vida es esa mezcla nostálgica y familiar, junto con una nueva forma de expresión. Como la información se libera del formato físico permite que los datos personales y las identidades sean reveladas y permanentemente compartidos en línea hasta un grado infinito. Al mismo tiempo, la individualidad y la privacidad son ahora consideradas como más valiosas que nunca. A pesar de que esta cyber identidad puede ser exhaustiva en detalles, es una representación virtual en lugar de la cosa real y es, de alguna manera, creada por el individuo. Las pinturas replican este proceso de los discos, contienen una variedad de datos históricos, y juntos crean una nueva identidad. Cada pieza se inicia con algunos bocetos de una persona imaginaria, o buscando imágenes de rostros. Las características de la cara son entonces asignada a una red, con cada sección del tamaño de un disco. Los discos se colocan en zonas tonalmente adecuadas (casi como píxeles) para crear
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ARTE Y RECICLAJE un collage. Además de esto, el contorno de la cabeza y los detalles se dibujan con lápiz, con pintura de aceite para hacer hincapié en las características. Este proceso es bastante selectivo, sólo algunos sectores están totalmente terminados. El aspecto inacabado permite al espectador ver las capas, mostrando cómo el trabajo ha sido creado. La información personal que existe dentro de cada disco
es bloqueada para siempre debajo de la pintura. Sin embargo, se dejan ver algunas etiquetas escritas a mano dando una pista sobre lo que hay debajo. Es un reflejo de la cultura on-line donde la información se almacena de forma permanente con distintos niveles de acceso. El círculo metálico del reverso del disco se usa como una metáfora visual para el ojo humano: como los ojos de una persona pueden revelar su identidad y sentimientos internos. La humanidad se integra con la tecnología a un ritmo exponencial. Esta unión ha venido ocurriendo a lo largo de la existencia humana, lo que lleva hoy a un punto de inflexión crucial en el proceso. La mayoría de las personas que ahora tienen un teléfono móvil, habitualmente lo llevan a todos lados. Teléfonos móviles que además pasaron por una transición hasta convertirse en computadoras, con una infinidad de funciones que se pueden personalizar para cada individuo. En la actualidad toda esta funcionalidad se encuentra en un dispositivo que está cerca, pero fuera del cuerpo. Si esto pasa a ser interno plantearía una cuestión fundamental de la identidad: ¿puede un ser humano seguir siendo considerado completamente como un ser orgánico?”
Las pinturas buscan simplemente destacar este nuevo movimiento, a medida que se convierte, de manera cada vez más evidente, en una importante transición cultural y social de nuestro tiempo. ¿Serán los seres humanos para siempre compatibles con nuestra propia tecnología?
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ESPACIO CREATIVOS
Unas palabras con.... eno
r o M l e i r b a G
Cuéntanos un poco quién es Gabriel Moreno… cómo llegó al mundo de la ilustración…
Desde que en el colegio me echaban de clase por pintarrajear las mesas decidí estudiar algo donde me dejasen dibujar…al acabar bellas artes estuve dando vueltas por estudios de diseño y agencias de publicidad de media Andalucia.
Posteriormente por cuestiones personales (obviamente una mujer :D) me trasladé a Madrid. Fue aquí donde descubrí el mundo de la ilustración y en el 2007 preparé mi portfolio y empecé a moverme.
¿Cómo empezaste a dedicarte a esto? ¿Fue vocacional? ¿Algo inesperado?
Siempre me ha gustado la pintura y el dibujo pero siendo de un pueblo de Córdoba, lo más cerca que había estado de la ilustración eran los cuentos de niños. Al llegar a Madrid descubrí que había mucho más y decidí ponerme en marcha como ya he comentado.
¿Cuáles son tus fuentes de inspiración a la hora de crear algo?
La pura motivación, me gusta mirar a una mujer y me gusta pintarla. Puede parecer todo lo superficial o profundo que uno quiera y según las vueltas que se le quieran dar. Y es que hay dos cosas que me llegan al estómago, ver imágenes del tipo de las que abren los telediarios en las últimas semanas y ver el cuello de una mujer, una boca… no tengo capacidad para reflejar en mi trabajo la primera parte, pero si la segunda. Es así de sencillo :) Dicen que la creación plástica funciona como terapia, esa sensualidad, esa belleza, es algo que como he dicho me llega al estómago, casi hace daño… también es una forma de poseerla, de hacerla en cierta forma mía.
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ESPACIO CREATIVOS ¿Sigues más o menos un mismo procedimiento a la hora de realizar tus trabajos? ¿Podrías contárnoslo a grandes rasgos? Si. Me documento y busco referencias..una pose que me gusta, un elemento, una boca, una cara, y cuando me llega un encargo puedo recurrir a la fotografía o realizar una nueva (sobretodo por el tema de derechos). A veces incluyo a mi chica, a mis amigos, a mi gato… Lo que siempre hago es la composición previa en el ordenador. Luego toca la parte de dibujo.
De todos los trabajos que has hecho, ¿de cuál estás más orgulloso? Los últimos cuadros de mi última exposición que aunque son independientes pueden funcionar como un cuadríptico facilmente enlazables. Es una obra que aunque nace de mi trabajo como ilustrador y de elementos ya utilizados, ha llegado a ser un trabajo muy personal y nuevo.
Una pregunta con trampa: Habiendo tanta competencia como hay y tantos estudios que se dedican a esto, ¿qué te hace diferente al resto?
Si te obsesionas con ser diferente acabas condicionando tu trabajo. Yo hago lo que me gusta y cuando realizo una obra pienso en si yo estaría dispuesto a comprarlo o no…mi trabajo es puramente estético, no sé en qué me diferencio pero sí creo que el valor añadido de mi obra es poner en primer plano la importancia del acabado.
¿Tienes algún referente?
El primer trabajo que conocí en mi vida fue el de Berto Martínez. Ahora hay tanta gente buena española….Alex Trochut, Serial Cut, Eva Solano…
Y para terminar ¿Algún proyecto interesante en el futuro? ¿Dónde ves tu trabajo en un plazo de 5-10 años?
Aparte de los proyectos que estamos llevando actualmente en publicidad, estamos hablando la posibilidad de exponer en Sidney… Otro proyecto que tengo en mente hace tiempo, es crear una marca de ropa y complementos que ya está empezando a madurarse. Me veo trabajando con el mismo entusiasmo, investigando cosas nuevas y no durmiéndome nunca.
“Algunas palabritas para los que están empezando en esto del mundillo del diseño … Primero tienes que estar muy convencido de lo que haces, no ponerte límites y trabajar muy duro para mover tu portfolio. Llévatelo debajo del brazo … y a patearse las calles! :D ”
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ESPACIO CREATIVOS
De charlita con....
Laura Race
ro
Para quienes no te conozcan mucho, háblame un poco sobre quién es Laura Racero.
Soy una diseñadora gráfica con base en Madrid que durante los últimos años se ha especializado mucho en web. Mi mayor logro profesional hasta la fecha ha sido en este área, al integrarme en el departamento de nuevos medios de una conocida agencia como directora de arte. Sin embargo, la ilustración digital de tinte surrealista o fantástico es lo que más disfruto haciendo.
¿Cómo empezaste a dedicarte a esto? Fueron varios los factores que concurrieron, pero básicamente se reduce a la llegada de mi primer ordenador a casa.
Desde bien pequeña, con unos 3 años, el dibujo se convirtió en mi gran ‘hobby’. Más adelante, descubrí el mundo de la fotografía. Y estaba a punto de entrar en la universidad cuando mis padres compraron un PC. El curso siguiente empecé una ingeniería, pero terminé interesándome más por los misterios de la versión 5.0 de Photoshop que por la Ley de Ohm. Traté de seguir con los estudios técnicos durante un par de años más pero cada vez era más consciente de que, mientras disfrutaba de mis grandes aficiones ante el ordenador, estaba desarrollando nuevas aptitudes, y comprendí que quería pasar a un nivel profesional. Así que, dejé la universidad y me volqué en el diseño. Primero, empecé por mi cuenta, leyendo libros, comprando revistas especializadas… Después, asistí a un curso para profundizar en las aplicaciones… Y finalmente, conseguí mis primeros trabajos.
¿Fuentes de inspiración?
La mayoría de las veces todo empieza con un simple objeto, un objeto que representa un concepto o un hecho, una experiencia. En otras ocasiones… Escucho una canción, rescato sensaciones, recuerdo sucesos, encuentro ideas…, y todo eso me lleva al objeto, al protagonista o motivador de la composición. Cualquier cosa puede desencadenar extrañas imágenes en mi cabeza. No tengo ni me pongo límites en ese sentido.
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ESPACIO CREATIVOS ¿Tienes pautas a seguir a la hora de realizar un proyecto? Depende, pero creo que sí establezco una rutina.
Primero indago: qué quiere contar/vender/presentar el cliente, qué hizo en el pasado, ¿funcionó?, ¿por qué?, qué hace la competencia,… También busco información relacionada con el concepto o el producto, cualquier cosa que me ayude a darle forma al proyecto.
¿Cómo ves el mundo del diseño gráfico en 5-10 años? El diseño gráfico es comunicación, y la comunicación cambia constantemente, cada vez más rápido. Quizá tengamos que diseñar sitios web para dispositivos móviles ultrasofisticados y diminutos, o (como leí en un blog hace tiempo) nos pidan poner publicidad en los tejados y azoteas de las ciudades para que se vea en Google Earth.
Cuando ya tengo eso, continúo sentando las bases de la pieza: defino el estilo componiendo esquemas de color, eligiendo la tipografía, preparo una colección de imágenes que podrían integrarse en el diseño… Una vez que tengo esas cosas, ya puedo pasar a la acción.
Creo que el futuro del diseño no es una cuestión tanto de modas y tendencias como de en qué manera llegará a la gente. En ese sentido, veo muchos retos y posibilidades, y llegarán cosas que ni siquiera imaginamos. Pero lo que sí tengo claro es que las ideas, la originalidad y la usabilidad seguirán siendo la clave de un buen trabajo.
¿Tienes algún programa favorito de diseño?
¿Algún proyecto interesante en el futuro?
Adobe Photoshop está para mí por encima de todo.
¿2 ó 3 páginas de Internet que suelas visitar con frecuencia?
Ahora mismo la refundición de mi portfolio online, Starcatcher. La versión actualmente online lleva meses sin actualizarse y está limitada a trabajos personales. Quiero que todo eso cambie. La próxima puesta al día va a tener una nueva entidad, muy sencilla, sobria; y pretendo que dé cabida a una selección de trabajos profesionales y personales. Espero inaugurarlo en menos de un mes, si todo va bien.
Algún diseñador/ilustrador que te fascine.
Luego tengo varias cosas sobre la mesa… Unas cuantas ilustraciones que ya tienen forma en mi cabeza pero que tengo que traducir en pixels, el diseño y maquetación de un sitio web para una amiga fotógrafa, unos dibujos a lápiz que quiero convertir en camisetas… Y a parte, claro, los proyectos en la agencia que son siempre jugosos :-]
A parte de Criterion ;-] visito a diario Smashing Magazine [en], The FWA [en], y DeviantArt [en]. DesignFlavr [en], ComputerLove [en] y Phirebrush [en] también están entre mis favoritas.
Siento veneración total hacia Peter Jaworowski [entrevista en Criterion], Nik Ainley [en], Dave McKean [en], Frank Frazetta [en], Boris Vallejo, Alex Ross [en] y Linda Bergkvist [en]. Sus trabajos y habilidades son motivadores.
“Dos consejitos para aquellos que empiezan en este mundo..... Uno, practicar sin parar. Las horas de trabajo frente al ordenador son para un diseñador lo que las de horas de vuelo para un piloto. Y dos, ser original es la clave. No copiar el trabajo o el estilo de otros es fundamental. Cada uno tiene que andar su camino, probar cosas diferentes, explorar…”
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DISEÑO
, g n i g a Pack
Botellas de museo H2O del Montseny Una gama creada para introducir el producto en el mercado de las aguas de diseño. Un conjunto de envases en diferentes tamaños que transmite modernidad a través de sus formas innovadoras y una
etiqueta de detalles mínimos. Una apuesta por la simplicidad y la transparencia para resaltar la pureza del agua.
LASCALA Proyecto desarrollado para una tradicional bodega española de vinos que quería comercializar un tipo de vino destinado al mercado chino. Se concreta en un proyecto que armoniza ambas culturas en forma de tres botellas de vino cuyo diseño exhibe símbolos típicamente españoles para identificar cada variedad de vino: la peineta para el vino rosado, el abanico para el vino blanco, y la bailaora de flamenco para el tinto. La fusión se concreta en el propio nombre del producto, que
significa “teatro” en chino. Una cara totalmente pintada imitando una máscara de teatro con ojos orientales representa a China. Además, como a los productos que no están fabricados originalmente en China no les está permitido utilizar la escritura china en el frontal de un envase, la tipografía en este caso está pendiente de un eje vertical, como el antiguo alfabeto chino.
Ô Water El equipo de Axygene ha creado una botella de agua sin cuello ni curvas, extremadamente estilizada. La forma del tapón también ayuda a definir el diseño.
CECIOS Marca para colección de vinos, posicionados en un segmento medio entre los vinos de Rioja, con el objetivo de destacar tanto en el lineal como en el Canal Horeca, conjunto de establecimientos alimentarios cuya actividad fundamental abarca la elaboración y venta para el consumo directo de alimentos fuera del hogar. Se
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ha diseñado una etiqueta con un espíritu vintage muy personal y con un elemento gráfico de comunicación, un descorchador que marca el nexo de unión y la diferenciación de los diversos vinos de la familia Cecios. La etiqueta integra la marca con una tipografía moderna y de gran personalidad, la ‘League Gothic’.
DISEÑO
ODEOLIVA Se trata del proyecto de un contenedor para aceite joven jumillano destinado al mercado europeo y dirigido a un consumidor preocupado por el proceso de fabricación y la calidad del aceite, el cual entrará en la gama de productos con certificado ecológico y deberá reflejar fielmente su beneficio para la salud. Se diseña un envase inspirado en el sector farmacéutico, que conlleva una connotación de producto saludable. Se presenta con un tintado opaco para preservar la calidad del aceite.
Esta gama de aceites se compone de tres variedades. La primera de ellas, la monovarietal, cuenta con cinco aceites de las variedades de aceituna: Aberquina, Cuquillo, Hojiblanca, Picual y un aceite selección. La segunda de ellas es la gama aromática, en la que se pueden encontrar aceites con aroma al pimentón, vainilla, almendras tostadas y eneldo. En este caso, se ha diseñado una banda a modo de mosaico para indicar la variedad de ingredientes. En tercer lugar, se encuentra el aceite ecológico.
Spanish White Guerrilla Innovadora colección de vinos monovarietales elaborados con las variedades blancas de mayor prestigio mundial (Albariño, Gewürztraminer, Riesling, Sauvignon Blanc, Verdejo, Chardonnay y Viognier), que por primera vez han sido cultivadas en la Comunidad Autónoma de La Rioja.
proyecto se concretó en la guerrilla, como la mejor forma de defender los principios que están detrás de estos vinos.
Se quería relacionar la imagen de este vino con ideas de revolución, desobediencia y rebeldía, puesto que generalmente se asocia La Rioja con vinos tintos. El desarrollo de este
Ilustraciones de Brosmind Studio, cuyas imágenes combinan la fantasía y el humor, dos ingredientes que resultan básicos para este proyecto.
A cada una de las variedades se le atribuyó un formato de botella y una etiqueta de acuerdo con sus características y su procedencia.
Roberto Cavalli Vodka Es el primer vodka producido enteramente en Italia: inspirado y dedicado a la mujer sexy que es la musa icónica, eterna por el estilo Cavalli. Roberto Cavalli se ha trasladado a este delicioso vodka de primera cali-
dad a todo el optimismo y la “joie de vivre” de la que es reconocida en todo el mundo y que siempre han caracterizado a sus colecciones.
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DISEÑO
Interiorismo,
Las Paredes de Charlotte Mann
Charlotte Mann es una artista inglesa que llena los espacios vacíos de paredes, techos y suelos utilizando apenas una pluma. Con su técnica, ella crea increíbles dibujos extremadamente detallados que modifican la percepción del espacio. Es conocida por sus dibujos en muros e instalaciones de diseño. Estas últimas son detalladas densamente en escala 1:1 y son creadas invariablemente con pluma gruesa negra sobre un fondo blanco. Su trabajo se realiza principalmente según el pedido de los clientes. Charlotte estudió diseño de moda en la Central Saint Martins. Durante cuatro anos, ella trabajó para Russell Sage, con quien creó piezas excéntricas como un vestido hecho de dinero y otro con piel de animales para una exposición en el MET de Nueva York. Responsable por los dibujos de las paredes de las salas de aula de la School of Life. La artista ha colaborado varias veces con el estilista Peter Jensen, para crear las instalaciones escenográficas de sus shows y presentaciones. Además, ha tenido piezas exhibidas el el Museo de Diseño, en Copenhague. Es profesora asociada de la Universidad de Artes de Londres desde 2001, y actualmente da clases en la Central Saint Martins, Chelsea y Camberwell.
Con un simple método, como lo es el dibujo, Charlotte Mann cambia espacios vacíos por ambientes meticulosamente trazados.
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DISEÑO
z i t r O d vi
Educación pública,recortes y diseño gráfico, por... El proyecto, pretende crear un espacio de debate y reflexión donde el rol social de la educación se convierta en protagonista, donde reivindicar la autonomía de la universidad frente a la tiranía de los poderes económicos. Los recortes en educación no atañen exclusivamente a España, también en Holanda, nota el diseñador, se trata de una realidad al orden del día. No es por tanto la crisis causante de esta situación sino máscara tras la que se esconder un cambio de paradigma que amenaza con reducir la universidad a empresa y mercantilizar el conocimiento.
Da
¿Qué pasa cuando el único objetivo de la universidad no es el de contribuir al desarrollo del pensamiento crítico en cada individuo sino el de formar a las personas en habilidades prácticas que puedan ponerse al servicio del mercado? Es esta la pregunta a la que el proyecto se propone responder. Para ello, el diseñador ha desarrollado, como primera parte del trabajo un mapa conceptual en el que reunir en interacción dialogal las perspectivas de los diferentes agentes sociales. El interesante proyecto no se propone, por tanto, ofrecer respuestas definitivas al problema actual sino ofrecer más bien un mapa con el que orientarse, un espacio abierto a la discusión que, dando la palabra a los diferentes agentes sociales involucrados, suscite el diálogo y la búsqueda de soluciones. Se trata de un instrumento con el que cada uno de nosotros pueda elaborar su propio discurso a partir de herramientas con las que reflexionar de forma autónoma; máxima, por otra parte, que debería definir la naturaleza de una Universidad que, desgraciadamente, hoy en día se ve brutalmente amenazada.
En un momento como el actual en el que los ataques a nuestra universidad pública son cada día más violentos y más evidente el proceso consciente de desmantelamiento del que es víctima, el trabajo de fin de carrera del diseñador David Ortiz, estudiante en la ArtEZ School of the Arts and Design de la ciudad de Arnhem (Holanda), constituye una grito de alarma ante la desesperada situación de la institución.
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MODA
, e o h S e y e n a u Ig
Un zapato de elastómero Iguaneye es un nuevo concepto de calzado a medias entre unas manoletinas y unas chanclas.
El punto de partida para el desarrollo del proyecto es una tradicional técnica amazónica mediante la cual se obtenían diversos objetos de caucho. En la antigüedad, los indios del amazonas protegían sus pies con latex natural, creando así una especie de zapatilla que funcionaba como una segunda piel. La “huella” de látex que se consigue al sumergir el pie en este material constituye su fuente de insipiración principal. Tras dos largos años de trabajo, un equipo de especialistas y diseñadores de diversas nacionalidades, entre los que destaca el francés Oliver Iguaneye, ha conseguido crear Iguaneye, el “zapato libre”, realizado a partir de antiguas técnicas indígenas del Amazonas.
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MODA La idea inicial del proyecto es la de crear un zapato deportivo casi imperceptible que transmita la sensación de libertad propia del ir descalzo. Dulster Desing ha colaborado para este propósito en el diseño de una forma anatómica que se adapta perfectamente al pie, concediendo tanto comodidad como seguridad. Iguaneye, por tanto, constituye, según sus creadores, el zapato que más se acerca a la sensación de caminar descalzo sin sacrificar ni protección ni capacidad de movimiento. También resulta especialmente interesante el sistema de ventilación de Iguaneye. El pie se mantiene siempre oxigenado gracias a las seis aperturas del zapato y al sistema de absorción/expulsión del aire producido por el movimiento de las pisadas. El cuerpo principal de Iguaneye está fabricado en una sola pieza, con un diseño orgánico y sin usar ni pegamento ni costuras. Para la elaboración del zapato se han usado materiales altamente especializados. El cuerpo principal del zapato, por ejemplo, está realizado con un material elastómero ligero y muy flexible además de hipoalergénico y totalmente reciclable. Iguaneye cuenta también con una novedosa plantilla realizada en corcho (98%) y en latex (2%) que absorbe la humedad y los malos olores, concediendo así tanto higiene como confortabilidad. El aspecto formal y estético del zapato refleja a la perfección su concepción inicial: una aparencia efímera, ligera y fugaz que, al ajustarse tan bien a la forma del pie, parezca casi una segunda piel. Tanto el proyecto como la producción se han financiado mediante crowdfunding.
IGUANEYE es sin duda una revolución en el mundo del calzado, su precio recomendado es de 49€ incluyendo unas plantillas. Hay varias combinaciones de colores tanto en las zapatillas como en las plantillas que se pueden comprar independientes por 19€
http://en.iguaneye.com/ 17
MODA
Running cool,
La nueva moda
Las zapatillas de running salen del gimnasio para convertirse en la clave de los mejores looks de street style
La moda tiene la extraña virtud de alumbrar un fenómeno inexplicable y estirarlo hasta el infinito, tomando caminos inesperados, inexcrutables casi. Cuando aún no nos hemos recuperado del éxito de las Bekett de Isabel Marant, o de las sneakers metalizadas de Giuseppe Zanotti, la estética sport da un paso adelante, abriendo las puertas a modelos estrictamente deportivos. Para entendernos, las zapatillas de running triunfan en el street style. Basta con darse una vuelta por algunos de los blogs más conocidos –Song of Style, de Aimee Song; Style Bubble, de Susie Lau; o The Man Repeller, de Leandra Medine, por mencionar algunos– para darse cuenta de que cumple todos los requisitos para ser un hit: las sneakers se llevan con looks de calle, no necesariamente deportivos. Y ahí es donde reside el encanto de esta tendencia, en que se han incorporado en looks que, a priori, no encajan con ellas. Las interpretaciones son amplísimas: desde la editora de moda Julia Sarr-Jamois, que las lleva con una beisbolera –otra de las prendas clave de esta temporada–; hasta la estilista Viviana Volpicella, que mezcla sus Adidas con
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un abrigo clásico camel y accesorios vibrantes; pasando por la modelo Alba Galocha, que las conjuga con una perfecto de cuero o la más arriesgada de todas, la diseñadora Vika Gazinskaya, que alía las zapatillas de running con prendas de cóctel. Si hablamos de modelos, cualquier sneaker está aceptada, pero el efecto es directamente proporcional a lo arriesgado del modelo: mientras menos predecibles sean –y las de running no lo son en absoluto– mayor es el riesgo y mayor el poder del look. Las Free Run y Flyknits, de Nike, son las más populares entre las fashion insiders. Sin embargo, la tendencia de incluir deportivas en los looks de calle no es tan nueva como parece, en ciudades como Tokio es un outfit bastante fácil de ver. Las imágenes de street style lo confirman: las primeras invitadas a los desfiles en llevar zapatillas eran niponas. A partir de ahí, la globalización hizo el resto. Al final, se trata de una nueva vuelta de tuerca del streetwear, de un nuevo capítulo de la fructífera relación entre moda y cultura urbana, es la sublimación 2.0 del sport en clave lujosa.
MODA Aimee Song lleva unas Nike Free Run en negro.
Vika Gazinskaya lleva unas nike Air en blanco.
“Sí, estoy usando zapatillas en lugar de tacones y no, no son unas Marant o Zanotti, son unas Nike de hecho”, cuando una de las bloggers más conocidas (Aimee Song), presenta así uno de sus últimos looks, es bastante revelador de que algo está pasando en el reino del street style. Las deportivas –pero no valen cualquiera, tienen que ser de running– están ganando cada vez más puntos en los looks de calle. Es una opción arriesgada, sí, pero también muy interesante para explorar las fronteras de la estética sport y la urbana, al tiempo que se aprovechan sus sinergias, que las hay.
La diseñadora es otra de las precursoras de los looks con sneakers, pero la creadora rusa siempre va un paso más allá: suele mezclar las zapatillas de running con vestidos de cóctel, prendas de noche e incluso alguna pieza de Alta Costura. Ella practica con fervor el lujo extremo.
FotografÍa: © Song of Style
FotografÍa: © Cortesía de Style
En la foto, Gazinskaya con falda midi, jersey XXL y zapatillas en la fiesta que se celebró después del desfile de Kanye West el pasado mes de junio en París.
Alba Galocha escoge las Run Free de Nike.
Leandra Medine con unas Nike Run azules
Si hay algo que adore la modelo Alba Galocha (además de los sombreros, las camisas con aire masculino y Madrid) son las zapatillas. Las tiene de todas las formas y colores posibles: la edición de Kenzo para Vans, una sencillas de tela de Office London, las de Comme des Garçons para Converse... Pero las de running también han pasado a formar parte de su particular cohorte de habituales.
Es otra de las bloggers que más ha hecho por la mezcla como fin estético en general, y por la integración de las sneakers en los looks de street style en particular. La extravagancia controlada como leitmotiv.
FotografÍa: © Tea Time
En la imagen Leandra con chaqueta de Ermanno Scervino, blusa de Club Monaco, pantalones de Isabel Marant, zapatillas de Nike, bolso de Valentino y gafas de Rag & Bone. FotografÍa: © Naomi ShonTime
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