FEBRERO 2013 | N001
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ID
PRODUCT DESIGN MADR Primera feria internacional
de diseño de producto
CREATIVIDAD EN LA VIDA Creatividad en el diseño, en la arquitectura, en las personas, en la cocina. ¡TODOS CREAMOS!
EN SERIO, WE LOVE DESIGN
EDITORIAL Sería y creativa, así es la revista que tienes en tus manos, y que estás a punto de abrir y gozar. No es una revista cualquiera, es una revista que pretende incitar a abrir el ojo humano a las cosas bonitas que el mundo que nos rodea nos ofrece. Porque creemos que la creatividad y el diseño no está solo en las pantallas de ordenador y las hojas impresas. La creatividad surge de las partes más recónditas de nuestra vida, desde la manera de doblar una servilleta, a enlazar las palabras, cocinar, bailar, escuchar música... Vivir de una manera creativa hará que exprimas a fondo todo lo que te rodea. La vida sería creativa si todos pusieramos un poquito de nuestra parte, y aquí estamos, para tratar de dejar de verlo todo tan #000 y disfrutar de los colores de la experiencia. Hablaremos de tendencias y actualidad, de compañeros de profesión y de cosas inspiradoras, de herramientas para diseñadores y creativos de toda clase. Si te ha picado el mosquito del arte, ven con nostros. Tocamos todas las ramas que conquisten nustros sentidos con toques de originalidad y frescura. Esperamos que disfrutes leyendo al menos la mitad que nosotros haciendo Seria Creativa.
Naomi
INDICE
Seria Agenda y eventos
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Seria Gente
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Seria Opinicón
Pag.10
Seria Tecnología
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Seria Cocina Creativa
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Seria Cultura
Pag, 15
Seria Arquitectura
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Seria Entrevista
Pag.18
seria Agenda y Eventos
PRODUCT DESIGN MADRID Primera feria internacional de diseño de producto
DESIGN BRANDS FOR LIFE. A NEW FAIR´S BORN. Desde el 12 al 16 de febrero 2013, en Madrid, se celebrará la Primera Feria Internacional de Diseño de Producto en España. En ella se dará cabida a los diseñadores de producto más emprendedores e innovadores de diversa procedencia. Un espacio para diseñadores nacionales e internacionales para que puedan exponer sus mejores productos industriales. Por primera vez en España se dedica una feria exclusivamente al diseño de productos industriales. Los protagonistas serán los diseñadores y sus creaciones, las marcas consolidadas serán observadores conscientes y guías para estos creadores emergentes de nuevas realidades. Quien necesite una oportunidad para hacerse conocer y quien busca un trampolín hacia el mundo del diseño, encontrará en Product Design Madrid la plataforma que necesita. En el verdadero sentido de la palabra: los diseñadores interesados po-
drán exponer sus creaciones en una tarima a medida de sus productos, dentro de la nueva sede del COAM de Madrid. Un colegio de arquitectos que cede una parte de sus espacios a esos nuevos talentos. Para fomentar la creatividad la feria se transformará en un concurso de diseñadores en que el jurado seleccionará los diez mejores productos para luego darles visibilidad internacional presentándoles en los espacios del Fuori Salone de Milán de 2013. Y para que sus ideas se hagan realidad, los productos se venderán en una tienda en el centro de Madrid, gestionado directamente por la organización de la feria.
QUÉ Misión
Product Design Madrid tiene como principal objetivo ofrecer un espacio a diseñadores nacionales e internacionales en el que puedan exponer sus mejores productos industriales. Del mismo modo, quiere promocionar la ciudad y convertirla en un destino atractivo para la producción de diseño a nivel internacional.
Descripción
Por primera vez en España se crea una feria dedicada exclusivamente al diseño de producto industrial, en la que los protagonistas serán los diseñadores y sus creaciones. Y en la que las marcas patrocinadoras actuarán como observadoras y guías de los jóvenes creadores. Quien necesite una oportunidad para darse a conocer y busque un trampolín hacia el mundo del diseño encontrará en Product Design Madrid la plataforma que necesita. El COAM, el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, será quien ceda parte de sus espacios a estos nuevos talentos. Durante cinco días la feria generará gran afluencia de gente del sector cultural dando así visibilidad a las creaciones de los diseñadores. Además, con el fin de fomentar la creatividad, la feria incorpora un concurso de diseñadores en el que un jurado especializado seleccionará los diez mejores productos para posteriormente darles visi-
bilidad internacional presentándolos en los espacios de SuperEstudio en Fuori Salone de Milán de 2013. Los productos ganadores se pondrán a la venta en un establecimiento del centro de Madrid gestionado por la organización de la feria.
DÓNDE La sede elegida para la I Feria Internacional de Diseño Industrial de Madrid no podía ser cualquiera. Por ello, se ha elegido el COAM, el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid, no sólo por su prestigio, sus amplios espacios y su apoyo institucional, sino por contar con una ubicación privilegiada en la capital española. El COAM está emplazado en el centro de Madrid, en uno de los barrios más creativos y modernos de ciudad, lo que permite que esté abierta no sólo a profesionales del sector, sino a otro tipo de público más amplio. La visibilidad de la Feria es una de sus principales características, no nos dirigimos a un único sector, nos dirigimos al mundo.
QUIÉN Diseñadores Alberto Gorgojo (www.albertogorgojo.es)
(www.montijanoestudio.com)
Alessandra Scarfó Design & R3L0V (www.alessandrascarfodesign.com)
Mimetrica (www.mimetrica.com)
Alex Fernández Camps (www.alexfernandezcamps.com)
Muakbabi (www.muakbabi.com)
Alexis Amador for Neutra Ediciones (www.neutra.es)
Norman Bouzidi (www.sauces-design.com)
Almudena Pérez González (www.almudenaperez.es)
Noviembre Estudio (www.noviembreestudio.es)
Andrés Borqué (www.andresborque.tumblr.com)
Objects by Studio Carme Pinós (www.objects.es)
Andreu Carulla (www.andreucarulla.com)
Oficina 4Play (www.oficina4play)
Antonio Serrano Bulnes (www.mad-lab.com)
Patricia Santos (www.patriciasantos.info)
Arthur Analts & Rudolph Streils (www.analts.com)
Pilar de la Prada (www.datproject.com)
Bahi&Güell (www.bahiguell.com)
Raúl Lázaro (www.escueladecebras.com)
Berta Pascual (www.lacondesa131.com)
Ricardo Almendros (www.ricardoalmendros.com)
Betula Studio (www.betulastudio.com)
Schneider Colao (www.schneidercolao.com)
Carlos Maté Studio (www.carlosmate.com)
Valentín Sanz Sanz (www.liquenlav.com)
Cecilia Álvarez (www.projectedbycecilia.es)
Yuri Sviridov (www.yurisviridov.com)
Claudia Bueno Ros (www.estudionuba.com)
Escuelas
Controlmad (www.controlmad.com)
Universidad Politécnica de Madrid (www.upm.es/institucional/)
Diez+Diez Diseño (www.diezmasdiez.com)
Drvo Art, Technical School (Servia) (www.drvoart.edu.rs/)
Domingo Díaz-Perreño Molina (dodidiaz.blogspot.com.es)
Shih Chien University Taipei (Taiwán) (english.usc.edu.tw/)
Enrique Kahle (www.dvelas.com/web)
ELISAVA, Escuela Superior de Diseño e Ingeniería de Barcelona (www.elisava.net)
Fernando Pino & Manuel G. Paredes (www.redo-me.com) Íñigo González Haba (www.gonzalez-haba.com) Jorge Penadés (www.jorgepenades.com) José Garcia Puente (www.testaestudio.es) Lorenzo Patuzzo (www.lorenzopatuzzo.com) María José Gutierrez Encinas (www.lucesdeneon.com) María Navascués Abad (www.ventilacioncruzada.com) Mecedorama (www.mecedorama.com) Miguel Fernández Montijano
Gráfica y comunicación seria
Jacopo Rosati y su universo gráfico de fieltro. Fatigado por la creación digital, el ilustrador veneciano Jacopo Rosati ha buscado un soporte y una forma de expresión más artesanal para la elaboración de sus proyectos gráficos: el fieltro. A partir de este textil no tejido, ligero y moldeable ha desarrollado una colección de sorprendentes composiciones geométricas y tipográficas. Un universo gráfico espontáneo y naïf poblado de superhéroes, motivos navideños, infografías, referencias al arte pop y hasta representaciones de parejas enamoradas en la playa.
El diseñador, que proviene de la ciudad de los canales, ha elegido el fieltro porque es “un material que se ha exploarado muy poco en el mundo de la ilustración y además es un textil sólido en comparación con el papel”. Su nueva técnica le ha proporcionado un estilo único que no solo ha llamado la atención de los amantes del diseño, sino también de la prensa internacional. Este universo gráfico repleto de personajes, además de materializarse en numerosas colaboraciones editoriales, también se ha plasmado en camisetas, memorias USB y campañas promocionales de productos industriales. Sus clientes, entre ellos Alfa Romeo, Ducati o Wired Magazine, provienen de todas las partes del mundo: Italia, Francia, Alemania, Reino Unido y América del Norte. A pesar de ello, Rosati no se limita a diseñar solo por encargo, ya que su escena Public Beach por ejemplo ha surgido como proyecto personal. “Siempre hay aviones y helicópteros que vuelan a lo largo de la costa, así que pensé que esta perspectiva de la playa puede ser muy interesante”, describe.
Seria gente
Isak Andic “Fet en Barcelona” Isak Andic. (Estambul, 1953) Empresario español del sector de la moda, fundador y principal accionista del grupo Mango. Se inició pronto en el negocio de la moda, y desarrolló una fulgurante carrera que le llevaría a convertirse en uno de los hombres más ricos de España. Considerado el rival más directo del todopoderoso grupo Inditex de Amancio Ortega, en 2007 el grupo Mango (cuyo rumbo dirigía con su hermano Nahman) superaba el millar de tiendas y estaba presente en 89 países. Isak Andic nació en Estambul, en el seno de una familia de judíos sefardíes que a finales de la década de 1960, cuando él tenía dieciséis años, se estableció en tierras catalanas, concretamente en Barcelona. Comenzó su andadura en el negocio de la moda con tan sólo diecisiete años, cuando vendió unas camisas de estilo hippy a varias tiendas. Comenzó entonces a vender por encargo, para luego pasar a hacerlo en un mercadillo de la capital catalana. Cuando ganó su primer millón, decidió expandir sus actividades y empezó a importar ropa de abrigo bordada a mano desde Afganistán. Con dieciocho años se compró un coche; llenaba el maletero de
género y se iba a venderlo por toda España. Su éxito iba en aumento, y pronto ya no sólo vendía ropa sino también calzado. El género no le cabía en su tenderete del mercadillo y tuvo que alquilar su primer almacén. Finalmente dio un gran paso en 1984, año en que abrió su primera tienda en el Passeig de Gràcia de Barcelona. Fue entonces cuando decidió crear un concepto de marca bajo el nombre de Mango. Un año después de tener su primera tienda ya contaba con cinco locales en Barcelona y uno en Valencia. A partir de ahí, comenzó una etapa de rápida expansión a un ritmo vertiginoso: 100 tiendas en 10 años por toda España. Este crecimiento se basaba en una fórmula que a simple vista podría parecer sencilla: ofrecer un producto exclusivo que la masificación no banalice, primando el diseño y la calidad. Con esta filosofía, Mango rivalizaría con las grandes marcas del sector, y el éxito de la marca rebasaría las fronteras españolas. Buena muestra de ello fue la rápida expansión de la marca desde 1995. En estos doce años, más de mil tiendas en 89 países repartidos por Estados Unidos, Europa, China, América Latina o África.
Con dieciocho años se compró un coche; llenaba el maletero de género y se iba a venderlo por toda España. En 2006 abrieron sus puertas 130 establecimientos. En definitiva, consiguió doblar su tamaño en el último lustro. Andic supo impulsar a la marca un aire joven e innovador que sin duda constituyó una de las claves de su éxito. Los productos y la imagen conectaban con el público, lo que permitió que año tras año la empresa catalana aumentara sustancialmente sus cifras de facturación. Otra de las claves de esta rápida expansión era, sin duda, el sistema de franquicias aplicado en las tiendas. El objetivo de esta opción era conseguir que los puntos de venta dispusiesen en todo momento del género necesario en función del ritmo de ventas y de las renovaciones propias de los cambios de temporada. Una infraestructura logística muy moderna y eficaz permitía cubrir las necesidades de sus establecimientos repartidos por los cinco continentes. Asimismo, Isak Andic apostaba por tener sus tiendas en puntos céntricos en las principales ciudades del mundo, como Seúl, Pekín, San Francisco, Londres o Nueva York. Otra gran apuesta de la marca era la venta a través de Internet, que contribuyó a darla a conocer todavía más. En 2006, Mango facturó 3,8 millones en su tienda on-line, lo que implicaba un crecimiento del 53 % respecto al año anterior. Al igual que su competidor Amancio Ortega, Isak Andic ha sabido mantener celosamente su vida privada. Pese a tratarse de una de las mayores fortunas de España (se calcula que ronda los 3.400 millones de dólares), hasta hace muy poco no participaba en actos sociales. En los últimos años ha comenzado a romper este halo de misterio y se le ha podido ver en diversos actos públicos, especialmente en entregas de premios. En mayo de 2007 recibió el premio Esade a su trayectoria profesional. Este reconocimiento premia anualmente al profesional en activo con una trayectoria empresarial ejemplar, además de por su orientación al mercado de las empresas con un espíritu estratégico y de apoyo al marketing. En otro orden de cosas, Andic es el patrono de la Fundación Príncipe de Asturias, y ha formado parte del jurado en la categoría de concordia que en el año 2007 otorgó el galardón al Museo del Holocausto de Jerusalén. También han aumentado sus apariciones en actos celebrados por diversas universidades y escuelas de negocios, como la Escuela de Administración de Empresas (EAE), la Escuela Universitaria de Turismo (CETA) y la Universitat Politècnica de Catalunya. Estas apariciones en público desataron los rumores en el mundo empresarial sobre una posible salida de Mango a Bolsa. Pero desde la multinacional catala-
na se desmintió esta posibilidad. Andic tenía, sin embargo, ambiciosos planes para el futuro, y dio pistas muy claras de hacia dónde quiere que vaya su empresa. En 2007 nombró el primer consejo de administración de Mango, con él como presidente, su hermano Nahman de vicepresidente, Enric Casi como director general y cinco personas más de su confianza. El objetivo de esta nueva organización era acelerar la expansión de la empresa. Desde la propia Mango se aseguraba que se quería triplicar el número de establecimientos de la marca en Europa, Japón, China y Estados Unidos, hasta llegar a los 3.000. Esta cifra la acercaría a las grandes cadenas del sector, como H&M, GAP o Inditex. También, y siguiendo con la futura expansión de la empresa, Mango inauguró en marzo de 2007 el centro de diseño más grande de Europa, con más de 14.000 metros cuadrados. Más de 600 personas trabajaban en El Hangar, y entre las dos sedes (El Hangar y Palau Solità-Plegamans) ocupaban a un total de 1.600 personas, una plantilla de gente joven y entusiasta con un promedio de treinta años de edad y de más de 30 nacionalidades diferentes. Además, el 82 % de los trabajadores eran mujeres. Pero Andic no se centraba exclusivamente en el negocio textil. En 2007 se hizo con el control del 5 % de las acciones de Banc Sabadell, lo que afianzó su posición en el consejo de administración de la entidad financiera. El presidente de Mango también poseía diez sociedades de inversión, con activos valorados en unos 240 millones de euros. A pesar de tratarse de uno de los hombres más ricos de España y de liderar una de las empresas estatales más conocidas en el ámbito internacional, Isak Andic ha vivido con la mayor discreción posible.
Isak Andic ha vivido con la mayor discreción posible. Quienes mejor le conocen lo definen como una persona franca y directa, tanto en su vida privada como en los negocios. En alguna conferencia, el propio Isak Andic ha dicho que los secretos de su éxito son pasión, ilusión y disciplina.
Seria Opinión
Leyendo diferentes artículos sobre los recursos humanos, encontré uno que hacía referencia a si influye o no tener tatuajes o pircings a la hora de ser selecionado para un trabajo. Según este artículo, en una encuesta reciente de 468 empleados, 85 por ciento consideró que los tatuajes y los pircings perjudican las posibilidades de una persona de conseguir empleo. Eso contradice las respuestas del 2001, cuando la editorial de publicaciones de carreras Vault.com realizó la misma encuesta y halló que sólo 18 por ciento de los empleados creían que los tatuajes podían obstaculizarlos profesionalmente. Los empleados de hoy reciben de sus empresas el mensaje de que deben cubrirse, según la encuesta, y hay más compañías (16 por ciento) con normas sobre tatuajes que en el 2001, cuando sólo eran el 8 por ciento. Ya no es raro ver a personas respetables y conservadoras con tatuajes’’, dice Mark Oldman, presidente de Vault.com.’’Cada vez se aceptan más los tatuajes en general’’, señaló, ``aunque todavía persiste la costumbre de no mostrarlos mucho en los empleos. Ken Evans, director del campamento infantil Camp Live Oak, preguntan a los aspirantes en las entrevistas si tienen tatuajes y, de ser así, si son adecuados.Evans estableció hace cinco años normas sobre los pircings y después incluyó los tatuajes. Las piezas de metal hay que quitárselas y los tatuajes indebidos deben ocultarse. ‘’Creemos que son modelos para los niños’’, dice. ``No es que los tatuajes sean malos, pero influyen’’. Incluso así, añade Evans, la norma ``es difícil de hacer cumplir en estos tiempos. Alrededor de 10 de los 60 empleados de los recintos de Fort Lauderdale y North Miami tienen ``arte dérmico’’. Para los empleados, la mejor solución es no mostrar su arte personal, dijo John Heins, jefe de Recursos Humanos de Spherion, empresa de contratación de personal con sede en Fort Lauderdale.``La mayoría de la empresas sí les abren espacio. No les dicen que no les van a dar trabajo; les dicen a los empleados nuevos que echen mano a
su sentido común para mostrar un aspecto presentable en el trabajo, dice Heins, cuya empresa no tiene una norma oficial al respecto. Aunque ha habido empleados que han dicho que los tatuajes los han perjudicado a la hora de buscar empleo, no están tan preocupados por exhibirlos una vez que ocupan la plaza. En la encuesta del 2007 hubo menos empleados que dijeron que esconden sus tatuajes o pircings en los centros de trabajo. La cifra bajó de 67 por ciento en el 2001 a 53 por ciento ahora. En general muchos centros de trabajo han comenzado a hacer menos estrictos sus códigos de vestir después del auge de los punto com y hay algunas empresas con
códigos de vestir que bordean entre lo profesional y lo deportivo. Pero las entrevistas de trabajo todavía exigen un aspecto sobrio. La imagen es la carta de presentación de un candidato, y los tatuajes y pircings pueden jugar un papel a favor, nulo o en contra de la persona(sobre todo si se trata de tatuajes y pircings llamativos y de excesivo tamaño). Personalmente pienso que los tatuajes y los pircing no deberían de perjudicar a la hora de ser seleccionado, puesto que el talento de la persona es algo que no depende de su aspecto; podemos estar descartando previamente a una persona tatuada que tiene aquello que necesita la empresa. Tambien es cierto que a la hora de presentar tu candidatura a un puesto de trabajo en determinadas empresas, además de saber la función que vas a realizar debes de aceptar sus normas estéticas conllevando esto a ocultar los tatuajes o a quitarse los pircings para trabajar en dicha empresa.
La moda de los tatuajes es algo que ha llegado a muchas personas, de distintos ambitos sociales y que se dedican además a diversas y variadas profesiones, por lo que a veces dependiendo de a qué nos dediquemos puede resultar un problema en incluso un motivo de despido. Rocío Pérez 32 años Gipuzcoa
Para descubrir el tema de la próxima revista entra en www.seriacreativa.com y mándanos tu iopinion a opinionseria@ seriacreativa.com
Seria Tecnología
Las aplicaciones de diseño para ipad que no pueden faltarte. ¡Sácale todo el partido! Os traemos un top 10 de aplicaciones para iPad sobre diseño. Los diseñadores, ilustradores y creativos tendrán en el iPad un aliado
Desde que hace casi un año los de Cupertino anunciasen la salida del iPad, ya se vió el potencial que la tableta de Apple podía tener para diseñadores, creativos e ilustradores. Poder tener una pantalla táctil de casi 10 pulgadas, con un procesador potente, que muestra imágenes con una resolución más que decente, y que tiene en la portabilidad su máximo plus, son carácterísticas muy a tener en cuenta por cualquiera que trabaje en el sector del diseño.
También las compañías desarrolladoras de software para diseño enseguida lo vieron claro y empezaron a trabajar en aplicaciones para el iPad. Un año después aquí os traemos un resumen de las que a juicio de los usuarios son las apliaciones más utilizadas, descargadas, y con mejores valoraciones sobre, diseño, ilustración, retoque fotográfico y todo lo que tenga que ver con la creatividad.
1. Sketchbook pro Sketchbook Pro es una aplicación para iPad que se ha convertido en el estándar del sector para hacer bocetos digitales. Podréis elegir entre más de 70 pinceles, con niveles de transparencia, elegir los colores entre una inmensa paleta, permite utilizar diferentes capas, y un sinfín de opciones.
2. Adobe Ideas Adobe Ideas es otra aplicación para iPad que os permitirá hacer bocetos directamente en la tableta de Apple. La diferencia con otras aplicaciones de bocetos es que en Adobe Ideas las ilustraciones son vectoriales, es decir, que se basan en modelos matemáticos y por tanto cuando las amplias no se pixelan. Es un complemento perfecto para aportarle movilidad a Adobe Illustrator o Photoshop.
6. C64 Pain XL C64 Pain XL es una aplicación estilo retro, para dibujar imágenes de 200×200 pixeles máximo. Podréis elegir entre una paleta de 16 colores, y os permitirá crear imágenes al más puro estilo de la época de los ordenadores de 8-bits, como el Koala o el Atari. El resultado son unos iconos pixelados con los que podréis emular, aunque sólo sea un poco, a los grandes artistas de eboy. La aplicación C64 Paint XL para iPad ya está disponible en la App Store a un precio de 2,39 eur.
La aplicación Adobe Ideas para iPad ya está disponible en la App Store de manera totalmente gratuita.
3. Brushes Brushes es una aplicación de pintura para iPad. Os costará muy poco aprender a usarla, y cuando la dominéis la podréis utilizar como una herramienta de lo más profesional. Como muestra de su potencial, debemos decir que hasta 4 portadas de la prestigiosa revista The New Yorker han sido dibujadas con esta aplicación. Podéis ver ejemplos de trabajos de los usuarios en la siguiente dirección http:// flickr.com/groups/brushes/
4. Masque Masque es una aplicación para iPad de retoque fotográfico. Permite retocar fotografías de la biblioteca de imágenes del vuestros iPad, de facebook, o de flickr. Dispone de un montón de efectos que se pueden aplicar a las fotos, trabaja con capas, utiliza gradientes, os permitirá cambiar el tamaño de las imágenes, aumentar la transparencia de la zona que elijáis, y finalmente podréis compartir el resultado de los retoques con vuestros amigos, a través de facebook, flickr, twitter o correo electrónico.
Dibujo realizado con Brush app.
5. iDesign iDesign es otra gran aplicación de dibujo vectorial. Con ella podréis realizar ilustraciones a través de una interfaz muy visual e intuitiva. Con opciones como poder hacer un zoom de 1000x, exportación a formatos como JPG, PNG, PDF o SVG, inserción de textos, plantillas con múltiples formas, incluso permite la inserción de una imagen de fondo para poder usarla como plantilla para vuestras ilustraciones. La aplicación iDesign para iPad ya está disponible en la App Store a un precio de 3,99 eur.
Masque para iPad.
7. Freeform Freeform es la última aplicación de ilustración vectorial que os presentamos hoy. Al igual que las anteriores se trata de una aplicación que os permitirá crear ilustraciones vectoriales que podréis guardar en formato PNG, JPG, o PDF. Viene con una serie de plantillas predeterminadas, que os ayudarán a iniciar los diseños, posee efectos de gradiente lineal o radial, permite operaciones de inserción o sustracción de formas. Además se actualiza muy asiduamente con las sugerencias de los usuarios.
8. OnmiGraffle OmniGraffle es una aplicación para iPad que os permitirá crear diagramas de flujo de forma muy sencilla. Simplemente tendréis que arrastras y soltar las distintas cajas de los diagramas para expresar en un gráfico vuestras ideas, diagramas, diseños de páginas web, o plan de trabajo. Cualquier cosa que podáis expresar con cajas y flechas estará cubierto con está aplicación. Uno de los fuertes de esta aplicación es que permite exportar los gráficos creados en formato Visio. La aplicación OmniGraffle para iPad ya está disponible en la App Store a un precio de 39,99 eur.
9. Artstudio ArtStudio es una aplicación de dibujo profesional o pintura. Utiliza matemáticas avanzadas para alcanzar el máximo nivel de calidad y, a la vez, un increíble rendimiento que logra a través de numerosas optimizaciones de código. Todavía sigue siendo una herramienta fantástica para los principiantes – contiene lecciones de dibujo que muestran instrucciones paso a paso en la elaboración diversos tipos de imágenes. La aplicación ArtStudio para iPad ya está disponible en la App Store a un precio de 2,39 eur por tiempo limitado (precio normal 5,99 eur)
10. iMockups iMockups os permitirá crear a través de vuestro iPad diseños para las interfases de usuario de aplicaciones o de páginas web. Podréis elegir como distribuir el contenido en vuestro sitio web, dejar un espacio para un menú, colocar botones, elegir como se distribuiran los distintos componentes de la interfaz gráfica de una aplicación. El resultado se puede exportar a formato PNG o BMML. La aplicación iMockups para iPad ya está disponible en la App Store a un precio de 2,39 eur por tiempo limitado (precio normal 7,99 eur)
Captura de la app iDesign para ipad
seria cocina creativa
Bizcocho Blue Velvet ¡Está de moda el Terciopelo! Porque tropecé con su nombre de pura casualidad y porque el terciopelo del color que sea es lo mejor del mundo mundial, no podía dejar de probar y subirles esa delicia de Terciopelo Azul. Ya antes quería subirles la receta de Terciopelo Blanco, que encontré en un libro de recetas que me compré, pero cuando vi la foto de éste, no lo puede evitar y decidí adelantar a la tarta de Terciopelo Blanco. Llama muchísimo la atención su color azul y queda espectacular con una crema de queso Philadelphia o si lo prefieres de mantequilla, yo por ésta vez (y por no tener queso en crema y llovía) usé de relleno crema de mantequilla y luego adorné y forré con fondant. El contraste de éste bizcocho y el blanco de la crema es ideal.
Les dejo dos recetas del mismo, la fácil y la difícil que las encontré luego de tanto buscar y buscar, aunque, es un calco excepto por los colorantes del Red Velet, pero yo, por si había algo diferente. Hay poquísimas entradas en Internet sobre éste dulce y todas están en inglés, algo que ayuda a practicar el mío, lo de la traducción se me da cada vez mejor. Primero vamos a lo complicado para no relajarnos y luego a lo fácil. Realmente no es complicado sólo que aquí tienes todos los ingredientes y trabajas más. La otra os la aconsejo (he probado las dos) que si están liadas y necesitan hacer un postre súper chulo para una cena importantísima pues vayan a la manera fácil.
INGREDIENTES: - 2 ½ tazas de harina de repostería sin levadura
de dientes (yo siempre eché un poco más de un palillo)
- 2 tazas de azúcar
- 1 cucharadita de extracto de vainilla
- 115g de mantequilla temperatura ambiente - 2 huevos - 1 ½ cucharada bien colmada de cacao en polvo sin azúcar - 1 cucharada de colorante azul (yo usé uno de gel)
- ½ de bicarbonato de soda - 1 cucharada de vinagre blanco - 1 taza de suero de leche* - 1 cucharadita de las de té, de sal
- Colorante violeta + un palillo
PASO A PASO: Precalentar el horno a 170º y preparar el molde engrasar con mantequilla y empapelar con papel vegetal (papel de cocina). Batir el azúcar y la mantequilla en una batidora hasta que esta doble su tamaño y se convierta en una mezcla esponjosa. Añadir luego los huevos uno a uno batiendo 20 segundos luego de cada adición. En un tazón aparte mezcle, el cacao en polvo y los colorantes. Para el colorante violeta sólo se necesita introducir un palillo de
diente, esa es la cantidad que se necesita, introducirlo en la mezcla de cacao y colorante azul (sacad el palillo por favor, es sólo para pintar la mezcla). Es importante porque si no el azul es posible que varíe quedando un azul más celeste. Luego mezclar junto con el huevo el azúcar, batir hasta que todo quede integrado. Tamizar la harina y la sal y añadir a la mezcla de azúcar, alternando con el suero de leche. Poco de harina, algo de suero y así hasta terminar, ambos ingredientes sin dejar de batir luego de cada
adición. Luego echar el extracto de vainilla. En una taza mediana combinar el bicarbonato con el vinagre y cuando empiece a hacer burbujitas agréguelo a la mezcla anterior y batir a velocidad media alta 20 segundos. Rellenar el molde o los moldes, de 30 a 35 minutos o pinchando en el centro si sale limpio el palillo, sin rastros de migas, es que ya está.
seria cultura
la importancia de una buena imagen corporativa.
El manejo de la imagen corporativa es, hoy en día, un factor esencial para el éxito de una empresa. El proceso de globalización económica mundial obliga a las empresas modernas a ser conscientes, racionales y agresivas en la planeación, control y cambio de la percepción que los diferentes públicos tienen sobre ellas. El no considerar la importancia de este aspecto puede llevar a la organización no sólo a la pérdida de su reputación, sino a su desaparición misma. El manejo profesional de la imagen integral de una corporación, empresa u organización cualquiera (pública o privada), tiene una relevancia especial en nuestros días, debido a la nueva era que estamos iniciando: la era de la información El pensar en una estrategia empresarial determinada debe estar directamente relacionado con lo que la organización de-
sea alcanzar en su misión y estimular en la percepción de sus diferentes audiencias.
¿Qué es la Imagen Corporativa? La Imagen Corporativa es parte básica de la Comunicación Organizacional, disciplina de estudio que aborda a la organización como un ser que necesita comunicarse -tanto hacia el exterior como al interior del mismopara lograr no sólo su sobrevivencia, sino su mejor desarrollo. El área profesional de la Imagen Corporativa implica el manejo, consciente y racional, de diversos elementos que estimulan la percepción del individuo para crearle cierto significado, concepto o idea de la organización. Sin que llegue a verbalizar, de cualquier modo, la organización estará mandando mensajes continuamente; esto se da, simplemente, por la razón misma de existir. Para lograr la efectividad de estos mensajes en la
empresa, corporación o institución-, se deben establecer, esclarecer y perfeccionar ciertos códigos, los cuales contendrán los elementos básicos de la creación de nuestra Imagen Corporativa. A los elementos básicos de imagen se les llama signos identificadores, los cuales estarán presentes en todos los aspectos visuales de la corporación para permitir, así, la omnipresencia del ser organizacional. Estos elementos básicos tendrán su fundamento en la identidad de la institución o empresa. De esta manera, la organización estará comunicando constantemente su identidad y haciéndola presente, con coherencia y congruencia, en todas sus manifestaciones.¿En qué consiste la identidad organizacional? La Imagen Corporativa tiene como precepto básico la identidad de la organización. Todo
elemento de imagen deberá estar sustentado y justificado en la personalidad de la empresa, en lo que constituye su ser, su esencia, su cultura y su razón de existir. La guía de toda identidad la constituye la misión: el estado ideal a donde pretende llegar la organización. De ahí parte la referencia para determinar lo que es o no adecuado (tanto para construir la cultura organizacional, como para definir la imagen misma). De este modo, la identidad organizacional se conforma con la misión, la filosofía y los valores, los objetivos y las estrategias, la estructura organizacional, las políticas, las tradiciones, los ritos y los diversos procesos de institucionalización. Todo esto constituye el contenido, la sustancia, el espíritu, el fondo del ser organizacional, lo cual será simbolizado en la forma, en los artefactos materiales que estimularán la percepción para estimular una imagen determinada.
¿Cuáles son los elementos de la Imagen Corporativa? Al trabajar en el diseño profesional de una imagen para la organización, se considera la creación de diversos signos identificadores: el nombre, su versión gráfica (llamada ‘logotipo’), el ícono o símbolo principal asociado al logotipo (nombrado ‘imagotipo’), el slogan, los
colores y la tipografía institucionales, los soportes gráficos y los artefactos simbólicos. Estos signos identificadores tendrán diversas aplicaciones generales en los variados aspectos visuales de la organización, tales como la papelería, los artículos promocionales, los medios organizacionales de comunicación, los productos, los uniformes, los vehículos institucionales, el sistema de señalización, el paisajismo y la arquitectura misma. Tradicionalmente, todos los signos identificadores enumerados anteriormente han sido creados por los fundadores, dueños, empleados o, más profesionalmente, diseñadores -o por otras personas en las organizaciones mismas- de manera aislada, sin considerar un plan integral, unívoco, que abarque todos los aspectos comunicativos del ser organizacional. Este plan debe ser el de Imagen Corporativa, el que logre una coherencia comunicativa general. Las implicaciones para la empresa de hoy. Esto quiere decir que los comunicadores organizacionales deben participar conjuntamente en la creación del Plan de Imagen Corporativa, de tal forma que juntos elaboren ese código de elementos básicos que le permitan a la organización lograr una univocidad en sus diversas manifestaciones y una real omnipresencia. Sólo así se logrará un mayor ase-
guramiento de que la organización pueda cumplir mejor en la satisfacción de su necesidad de comunicación efectiva (tanto adentro como hacia afuera), lo cual repercutirá en un mejor desarrollo organizacional, una mejor percepción por parte de sus diversos públicos, en una gran reputación y en un reflejo en el incremento del valor de las acciones bursátiles mismas. Asegurará, pues, su sobrevivencia. No es del todo desconocido que el valor de la acción de una empresa no sólo está determinado por su desempeño económico y por factores exógenos diversos, sino también por la percepción que de ella tienen los potenciales inversionistas. Una empresa con una reputación cuestionada (sea por razones del manejo gerencial, de descuidos ecológicos, de su falta de responsabilidad social o cualquier otra) será una empresa con problemas de imagen corporativa y, por consiguiente, una empresa con altas posibilidades de ser despreciada por los personajes del mundo financiero. Estamos a poco tiempo de comenzar el siglo XXI, una época que nos empujará de lleno a la era de la información. El éxito de una institución, corporación o empresa cualquiera dependerá de su acertado manejo de la imagen corporativa.
seria arquitectura
Residencia y viviendas sociales en Sarriko, de ACXT Tras la demolición de la antigua Residencia Reina de la Paz en Sarriko (Bilbao), la entidad vasca BBK encargó al equipo de arquitectos ACXT la construcción de un edificio de nueva planta que fuera capaz de integrar tres usos diferenciados – una residencia de ancianos, apartamentos tutelados para personas mayores y viviendas transitorias para jóvenes en proceso de emancipación– además de la flexibiliad necesaria para introducir otros usos en el futuro. El nuevo complejo residencial se sitúa frente a una plaza de reciente construcción en Sarriko y supone la última fase del proyecto de regeneración de este área de la capital vizcaína, iniciada con la construcción de un conservatorio de Música y una estación de la red del metro de Bilbao, de cuyo proyecto se encargó el equipo del arquitecto británico Sir Norman Foster. Los arquitectos conciben un bloque unitario en forma de U que ocupa toda la parcela y deja en su interior un espacio libre, que en un futuro podrá acoger elementos de uso comunitario para
Residencial Sarriko bbk
los habitantes. La diferencia de alturas en cada uno de los lados permite la creación de espacios de uso en cubierta desde los cuales se puede contemplar la ciudad. La búsqueda de una imagen característica hacia la plaza lleva a la decisión de establecer un contraste claro entre la fachada de ese lado del edificio con respecto al resto. Dos grandes huecos en voladizo funcionan como miradores hacia la plaza Sarriko en contraposición con los pequeños huecos distribuidos mediante un patrón de rombos resultantes de la disposición de paneles metálicos horizontales. De esa forma, se es-
tablece un rasgo diferenciador con respecto al resto del bloque, cuya construcción y distribución de huecos se hace de acuerdo con la imagen tradicional de un edificio de uso residencial. De acuerdo con el objetivo de construir un edificio lo más sostenible posible, recurren a materiales reciclados para la construcción principal, elementos libres de materia orgánica volátil para los acabados interiores y madera procedente de fuentes sostenibles.
seria entrevista
Felipe Taborda:
Brasil y la necesidad de ser creativos Se define a sí mismo como un curioso sin remedio, y es precisamente este voraz apetito el que le impulsa a trabajar y disfrutar a partes iguales. El diseñador carioca aborda la riqueza y explosión creativa que vive Latinoamérica, así como la especial situación de crecimiento y energía de Brasil.
Gloria Inglis: Es el único representante latinoamericano incluido en la recopilación publicada por Taschen, Graphic Design for the 21st Century. 100 of the World’s Best Graphic Designers. ¿Es una responsabilidad muy pesada? Felipe Taborda: Sí, pero nunca la busqué, además porque no creo que América Latina pueda poseer un solo representante. Ni siquiera en política o diseño, no existe una única imagen; suman tantos países, tantas culturas y grupos distintos que se torna imposible simplificar. No resultaría justo para figuras como Alísio Magalhães, Dicken Castro, de Colombia, Vicente Rojo, de México o Vicente Larrea, en Chile; estamos precedidos por toda una generación de gente espectacular que ya se dedicaba al diseño y jamás es citada internacionalmente. Me sentía al mismo tiempo feliz y en desacuerdo; yo no soy el único. Se ha difundido la creencia de que los diseñadores latinoamericanos tienen la posibilidad de hacer lo que se les antoje, ¡y es verdad!
¿Fue éste el detonante que le llevó a editar Latin American Graphic Design? Graphic Design for the 21st Century fue un buen encuentro de ideas; a partir de este libro empecé a plantear que deberíamos hacer algo para corregir este error, y al editor de Taschen, Julius Wiedemann, también le rondaba esta idea...
Tras esta labor de investigación, ¿encontró una identidad reconocible del diseño latinoamericano? Especialmente en Europa se observa a América Latina con frescura por sus colores, formas y falta de rigidez. Además, se ha difundido la creencia de que los diseñadores latinoamericanos tienen la posibilidad de hacer lo que se les antoje, ¡y es verdad! En América Latina no existe la especialización, llevamos a cabo todo tipo de proyectos y esta libertad se demuestra en el estilo. Es un factor que coincide en todas las generaciones.
La supervivencia es otra de las características que define a Brasil… Sí, la supervivencia; en ella, en la influencia colonial y en el deseo de descolonizarnos se centra nuestra filosofía de vida. América Latina tiene una presencia cada vez mayor en el mundo y la mirada hacia
ella es radicalmente distinta a hace 20 años. Es una mirada mucho menos condescendiente. Una obra como Latin American Graphic Design supone una reflexión sobre nuestra propia autoestima. Un libro donde sólo se reseñan buenos trabajos es muy positivo para la nueva generación de diseñadores, y también para que nos conozcamos entre nosotros mismos.
La influencia de Europa y EE UU es inevitable, ¿puede ser perjudicial para un desarrollo independiente? No creo, cuando me preguntan sobre esta globalización, por ejemplo en México observo: ¿quién trabaja vestido de mariachi? Nadie. Todos llevan vaqueros, zapatillas deportivas Nike… Si fotografiamos a estudiantes en México, Argentina o Brasil, no se reconoce de dónde son. Todos van con los mismos piercings, ropa, miradas… es increíble.
¿Es necesario preservar lo local junto a lo global? Lo local es siempre preservado gracias al orgullo de pertenecer a una cultura. Además, la cultura local se mantiene muy fuerte, gracias por ejemplo a la gastronomía. Mc Donald’s se encuentra en todas partes pero no ha acabado con la comida de cada lugar. Esto se comprueba de forma clara en el diseño o en la música. Musicalmente la mezcla de sonido que se está produciendo ofrece obras espectaculares ante los cuales pueden decir: «esto no es latinoamericano». ¡Cómo no! Claro que sí, está hecho aquí.
En el caso concreto de Brasil, hay además una convivencia de razas, mezcla… En Brasil, no porque yo sea brasileño, somos distintos de toda América Latina. En primer lugar, por la colonización portuguesa, completamente distinta de la española, mucho menos rígida en términos de cultura religiosa y social. Un ejemplo lo aporta la
editorial Zenith de revistas con contenidos eróticos en los años sesenta (publicado en Experimenta 59). Resulta imposible encontrar piezas similares en toda América Latina. En las demás hallamos sugerencias de sexo pero no se muestra nada explícito, al igual que en España. En Brasil tenemos prejuicios y numerosos problemas, pero al mismo tiempo la relación con nuestra libertad sexual es mucho más amplia. Además, habitamos un país gigante, con miles de países distintos: el centro, litoral, nordeste… Ahora viviremos un cambio con la celebración de los Juegos Olímpicos y además, Brasil está de moda. Al contrario que el caso de Barcelona donde me parece que el Gobierno albergó el plan de convertir la ciudad en un centro de tendencias, en Brasil nunca se lo plantearon, sino que tuvieron mucha suerte. Una anécdota que sirve de ejemplo: con excepción de Argentina, en el fútbol todos los países eligen a su propio país como ganador y en segundo lugar, a Brasil.
¿Qué tiene Brasil? Se siente una simpatía natural hacia Brasil. El Gobierno brasileño también lo aprovecha, está de moda. Un ejemplo icónico son las havaianas con la banderita, que todo el mundo lleva en verano. Cada chica puede tener seis u ocho pares distintos de colores. Ha comisariado el número A imagen do Som do Samba donde diferentes artistas interpretan gráficamente piezas musicales. ¿Es posible captar visualmente la energía de la música? En este caso cada pieza es el resultado de la representación mental de un autor. Cada uno posee su propio repertorio de conocimiento, elementos que agregamos o borramos; y lo mismo sucede con la música, que no es más que sensaciones, una complejidad de reacciones que también se produce en el diseño. Si contactamos con diez diseñadores para que ilustren un mismo tema no existirán dos piezas iguales. Esto es lo que más nos aleja de los ratones de laboratorio porque los seres humanos somos cambiantes.