La visión fotográfica de Eduardo Momeñe; Segundo Capítulo.

EDITORIAL: AFTERPHOTO 2ª EDICIÓN DEL 2017, Nº I.S.B.N. 978-84- 613-2243-5, CONTIENE 160 PÁGINAS.

ESCUELA DE ARTES DE ALMERÍA, 1ºB DE FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA

EDUARDO MOMEÑE LA VISIÓN FOTOGRÁFICA; CAPITULO DOS

NICKY VAN DER ROEST 09/01/2018

NICKY VAN DER ROEST 1ºB FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA

1. TEMA PRINCIPAL DEL CAPÍTULO: En este capítulo nos habla generalmente sobre la perspectiva, el punto de vista y la temática. Momeñe nos va comentando que la perspectiva no siempre había existido, no hasta que llegó el Renacimiento, y que debemos tener una visión propia y reflejarla en nuestras fotografías.

Al final del capítulo ya nos va hablando sobre cómo organizarse para realizar un proyecto y nos va comentando la importancia que tiene la temática en esto que además si la sabemos de ante mano nos facilitará el proceso.

2. Ideas principales: (En el resumen (al final de este trabajo) encontrarás palabras subrayadas que son las ideas principales que nos aporta Momeñe en este capítulo) -

Reconocernos como fotógrafos.

La perspectiva.

Una visión propia.

Un temático.

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3. FOTOGRÁFOS MENCIONADOS POR MOMEÑE: Joseph Nicéphore Niépce (1765 – 1833, Francia) Fue un terrateniente francés, químico, litógrafo y científico aficionado. Tenía una hermana y dos hermanos, su padre era abogado y consejero del rey.

Niépce inventó, junto a su hermano, un motor para barcos y, junto a Daguerre, el primer proceso fotográfico exitoso que se conoce.

En 1795 nace su hijo Isidoro, y en 1807 Niépce y su hermano obtienen una patente por diez años, firmada por Napoleón, por el motor que nombran Pireolóforo. Se trata del primer motor en el mundo a combustión interna.

Niépce nunca fue un buen dibujante y en 1814, cuando perdió a su hijo con grandes cualidades artísticas tras su decisión de alistarse en el ejército, tuvo que aprovechar su experiencia como litógrafo y químico para buscar nuevas formas de producir. En 1818 fue fijada la primera imagen y en 1826 consiguió una toma sobre estaño no grabado (la que muestro aquí abajo). De hecho esta fotografía, la primera que existió se llegó a vender en 2002 por un millón de euros.

Al final en 1829 se asoció con Louis Daguerre para mejorar la luminosidad y la calidad de las imágenes en el interior de la cámara oscura.

Punto de vista desde la ventana de Gras

Su repentina muerte en 1833, no le permitió llegar a obtener beneficios nunca de su descubrimiento. Daguerre sería con el paso de los años el principal y primer difusor de la fotografía, y patentó el invento bajo su nombre en enero de 1839. Pocos meses después el gobierno francés, al ser consciente del alcance del inventó, declaró el invento como de libre acceso, quitando los derechos de patente a Daguerre, y beneficiándolo a él y al hijo de Niépce, Isodoro, con una pensión vitalicia.

ENLACES: https://recuerdosdepandora.com/historia/inventos/joseph-nicephore-niepce-elinventor-de-la-fotografia/ https://es.wikipedia.org/wiki/Joseph_Nic%C3%A9phore_Ni%C3%A9pce http://www.photo-museum.org/es/vida-nicephore-niepce/ 2

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Louis Daguerre (1787 – 1851, Francia) Fue un artista e inventor francés. Daguerre perfeccionó el procedimiento de fijación de imágenes de su compatriota Niépce, logrando reducir los tiempos de exposición y obteniendo instantáneas de gran nitidez. El inventor bautizó con su apellido su método y las imágenes obtenidas: daguerrotipia y daguerrotipo.

Había inventado el diorama, un juego óptico para dar sensación de profundidad a una escena a través de la distribución de los objetos en una maqueta, ligado a expositores o decorados teatrales. Cuando se dedicó a buscar un método para reproducir la realidad en imágenes sin necesidad de pintarlas, coincidió con Nicéphore Niépce, que desde 1820 venía experimentando con placas de betún de Judea dentro de una cámara oscura.

Daguerre se asoció con Niépce en 1830 y, tras su muerte en 1833, perfeccionó su método reduciendo el tiempo de exposición a unos pocos minutos, al sustituir el betún por yoduro de plata.

Así consiguió, en 1837, un primer procedimiento fotográfico conocido como daguerrotipo, cuyo uso no tardó en extenderse; fue premiado por el Gobierno francés y gozó de una gran popularidad.

Rápidamente en la ciudad de París en un año se hicieron 500 000 daguerrotipos. Daguerre, ayudado por su cuñado, consigue sacar al mercado la cámara llamada Daguerrotype, la cual era numerada y llevaba la firma de Daguerre.

En 1838 se tomó la que se cree es la primera fotografía de personas vivas. En la imagen sale un hombre y un niño limpiando sus botas, los dos permanecieron en la misma posición durante el tiempo que tardó la exposición del daguerrotipo. Se cree que son actores ubicados allí por Daguerre.

Boulevard du Temple de París, en el año 1838

ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/Louis_Daguerre https://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/daguerre.htm https://blogthinkbig.com/daguerre-robo-fotografia 3

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Lewis Carroll (1832 – 1898, Reino Unido) Charles Lutwidge Dogson fue un lógico, matemático, fotógrafo y novelista británico. Hijo de un pastor protestante, fue el mayor de 11 hijos: cuatro varones y siete niñas, todos ellos tartamudos.

Mientras cursó sus estudios en Oxford a los dos años su madre había fallecido de una inflamación cerebral. Cualesquiera que hayan sido los sentimientos que la muerte de su madre le produjo a Dodgson, no permitió que le apartaran del objetivo que le había llevado a Oxford. En 1857 obtuvo una plaza como profesor de matemáticas, y cuatro años después fue ordenado diácono, de la Iglesia Anglicana en 1861, siguió dando clases hasta el 1881.

En 1865 publicó un libro con el título de “Alicia en el país de las maravillas” la cual fue un éxito de ventas y recibió elogios de la crítica, factores que impulsaron a Carroll a escribir una continuación, titulada “A través del espejo y lo que Alicia encontró allí” (publicada en 1871). Lewis padeció insomnio durante toda su vida y pasaba noches despierto. Escribió diversos libros sobre la materia y el más interesante de ellos se titula: Euclides y sus modernos rivales.

Lewis Carroll escribió también poesía, campo en el que destaca en su producción el poema narrativo La caza del snark en 1876. Además de dedicarse a la escritura, tuvo una gran afición por la fotografía, primero por influencia de su tío Skeffington Lutwidge, y más tarde de su amigo de Oxford Reginald Southey.

A través de la fotografía, Carroll trató de combinar los ideales de libertad y belleza con la inocencia edénica, donde el cuerpo humano y el contacto humano podían ser disfrutados sin sentimiento de culpa. Más de la mitad de su obra conservada está dedicada a retratar a niñas. La niña que más veces le sirvió de modelo fue Alexandra Kitchin., esde que tenía 4 años hasta que cumplió 16.

También realizó retratos como los de la actriz Ellen Terry y los poetas lord Alfred Tennyson y Dante Gabriel Rossetti.

En 1880 intentó fotografiarla en traje de baño, pero no se le permitió. En 1880 dejó esta afición por numerosas críticas que recibió ya que fotografió a niñas desnudas.

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NICKY VAN DER ROEST 1ºB FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA ENLACES: https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/960/Lewis%20Carroll https://es.wikipedia.org/wiki/Lewis_Carroll https://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/carroll.htm

Julia Margaret Cameron (1815, India – 1879, Sri Lanka) Fue una fotógrafa inglesa considerada como una gran excéntrica de la fotografía. A los 21 años conoció a Sir John Herschel, el cual actuó a veces como el asesor fotográfico de Cameron. En la India conoce a su marido, Charles Hay Cameron, excelente jurista y dueño de una gran plantación de té, café y caucho en Ceilán. Tuvieron seis hijos y otros adoptados. Así en 1848 se mudan a Inglaterra y en 1860 se establecen en la Isla de Wight con los Tennysons como vecinos, a los que fotografiará infinidad de veces.

En 1863, cuando contaba ya con cuarenta y ocho años y a causa de un viaje de su marido, su hija la regaló una cámara para paliar la soledad por su ausencia.

Este hecho tuvo un fuerte impacto en Julia que la hizo dedicarse plenamente a la fotografía. Se dedicó a realizar fotografías, retratos en su inmensa mayoría, de sus familiares, amigos, criados, etc.

Tuvo una gran inspiración en pintores románticos de la época para realizar sus alegorías, muchas de ellas de ámbito religioso. En respecto a su técnica utilizada, se cree que por azar descubrió una combinación de elementos técnicos que le dieron como resultado la falta de nitidez, lo que se convierte en su sello artístico. Los fotógrafos la criticaban porque consideraban la calidad de sus fotografías mala, pero para ella primaba antes lo estético a lo técnico.

ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/Julia_Margaret_Ca meron http://www.fotonostra.com/biografias/margaretca meron.htm

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Nadar (1820 – 1910, Francia) Fue un fotógrafo, periodista, ilustrador y caricaturista francés considerado como el gran fotógrafo del siglo XIX. "Ahora bien en mi humilde opinión, comenzar a vivir de una forma y por las circunstancias cualesquiera, no define el futuro de nuestras vidas, quizá quedarse sin trabajo, es la clave para encontrar nuestro destino; la derrotas y los fracasos al final sólo son trampolines, a nuevos y mejores espacios en el planeta todo es cuestión de saber con qué y cómo nos sentimos bien, para poder así encontrar nuestra verdadera labor."

Estudió medicina en su ciudad natal. En 1842 debido a la quiebra de la empresa de impresión de su padre, se trasladó a París ganándose la vida como periodista y caricaturista.

Comenzó a fotografiar en 1849 y abrió en 1853 un estudio fotográfico en París.

En su estudio tuvo lugar en 1874 la primera exposición de los impresionistas. En 1891 fundó la revista “Paris Photograph”.

Sus retratos, a diferencia del estilo estático habitual de entonces, son de una naturalidad sorprendente. En las obras de Nadar lo importante es realmente el rostro del retratado.

A Nadar se deben las primeras fotografías aéreas de la historia en el año 1858,1 realizadas con una cámara fotográfica desde un globo aerostático. Esta innovación tuvo un gran interés militar. Por ello fue nombrado comandante de una compañía de globos aerostáticos en los años 1870, para tomar fotografías de las posiciones de los prusianos que cercaban el París de la Comuna.

ENLACES: http://cristinaphotography.com/biografia_fotografo_nadar/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/felix-nadar.html https://es.wikipedia.org/wiki/Nadar

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Edward Curtis (1868 – 1952, Estados Unidos) Fue un fotógrafo y etnólogo autodidacta estadounidense. Edward llego a fotografiar el oeste e indios americanos. Cuando cumplió los doce años compro su primera cámara, pero no fue hasta los diecisiete cuando empezó a estudiar fotografía. Realizaba retratos y paisajes y hasta llegó a ser propietario de un estudio fotográfico en Seattle.

En 1899 participó como fotógrafo en una expedición a Alaska. Un año después viajó a Montana para fotografiar la danza del sol en la Reserva de Piegan. Esta experiencia inspiró el proyecto de su vida: fotografiar todas las tribus existentes en el país, y recoger en una gran obra los testimonios de su cultura antes de que se perdiera para siempre. Edward se pasó más de 30 años documentando la vida, costumbres, mitos, hábitos, religiones y lenguas de decenas de tribus americanas.

En 1906 atrajo el interés del magnate John Pierpont Morgan, considerado uno de los hombres más ricos del mundo. Este quedó seducido por una de las fotos de Curtis, una joven mojave la cual había echado en 1903.

La obra constó de veinte volúmenes, se tituló The North American Indian, y el primer volumen, publicado en 1907, contó con un prólogo firmado por el Presidente Theodore Roosevelt. Sin embargo, el dinero que obtenía sólo le cubría el 35 % del coste de la obra, pero esto no le detuvo. En 1914 filmó la película Land of the Head-Hunters sobre la vida de los pueblos de la costa noroeste de los Estados Unidos. La película se estrenó en Seattle y Nueva York, con gran éxito de crítica, pero debido a un litigio con el distribuidor, el rollo de película fue embargado. Encima en 1913 se murió J. P. Morgan. Lo cual le hizo quedarse sin financiación, al final fue su hijo quien decidió seguir financiando el gran proyecto pero al precio de quedarse con los derechos.

En 1926 se divorció de su exmujer Clara y dejo Seattle, arruinado y depresivo. En 1929, justo antes de la Gran Depresión, Curtis logró terminar el último volumen, que se publicó el año siguiente.

ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/11/edwardcurtis.html https://es.wikipedia.org/wiki/Edward_Sheriff_Curtis 7

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Irving Penn (1917 – 2009, Estados Unidos) Fue un fotógrafo de modas y de retratos estadounidense. Licenciado en diseño industrial, pintor de vocación y neoyorquino de adopción, Penn comenzó a trabajar para Vogue USA en los años cuarenta.

En 1937Se hace con su primera cámara, una Rolleiflex. Comienza a trabajar por las tardes y durante los fines de semana.

A partir de 1951, realizó fotos por encargos provenientes de todo el mundo. Tal como Richard Avedon, Penn se hizó célebre especialmente por sus trabajos en fotografía de moda. Pero al contrario de su gran rival, Penn nunca se interesó por la fotografía de exteriores.

"Una buena fotografía es aquella que cuenta algo, toca el corazón, y cambia al espectador después de haberla visto"

Permaneció fiel durante toda su vida a las tomas en estudio y bajo determinadas condiciones de iluminación, de manera que los conocedores pueden distinguir las fotografías tomadas en París, por ejemplo, de aquellas realizadas en NY sobre los mismos temas. Pese a esas diferencias fundamentales a nivel de la concepción, el interés que siente por el ser humano también ocupa una posición central en la obra de Penn. La personalidad de la modelo tiene lugar importante en su fotografía de moda, y a menudo, las imágenes están muy próximas del retrato.

ENLACES: http://www.vogue.es/moda/modapedia/fotografos/irving-penn/88 http://cristinaphotography.com/biografia_fotografo_penn_irving/ https://es.wikipedia.org/wiki/Irving_Penn 8

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Richard Avedon (1923 – 2004, Estados Unidos) Fue el gran fotógrafo de la moda durante los años 1960 y 70. Se enamoró de las primeras fotos de moda en la tienda de ropa de su padre en la Quinta Avenida, donde recortaba las mejores imágenes de 'Vanity Fair' y 'Vogue'.

Algunas veces pienso que todas mis fotografías son fotografías de mí mismo. Mi preocupación es … la condición humana; sólo que considero que la condición humana puede ser, simplemente, la mía propia.

Todas las fotografías son exactas. Ninguna es verdadera.

Comenzó su carrera profesional en los años 1950, realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en jefe de fotografía.

En 'Vogue', donde trabajó fijo desde 1966, seguía con sus imágenes de moda tan peculiares, pero a la vez comenzó a interesarse por sujetos más periodísticos, fueran enfermos mentales, manifestantes contra la Guerra de Vietnam o negros víctimas de la discriminación. En el año 1979 comenzó el que habría de convertirse en uno de sus trabajos más importantes. Avedon dedicó cinco años a recorrer el oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. En esta obra, titulada In the american west, nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc. Son fotografías de gran formato tomadas con luz de día, y como siempre, ante un fondo blanco. Escogió 123 retratos que conformarían la serie In the american west (1979 – 1984), a pesar de haber fotografiado a 752 personas.

En el año 1991 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad.

Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros. Su método era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas.

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NICKY VAN DER ROEST 1ºB FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Avedon https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/511/Richard%20Avedon http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/03/richard-avedon.html

Robert Mapplethorpe (1946 – 1989, Estados Unidos) Fue un fotógrafo estadounidense, célebre por sus fotografías en blanco y negro de gran formato, especialmente flores y desnudos.

Era el tercero de seis hijos y creció en un entorno católico romano de herencia inglesa e irlandesa.

“Yo vengo de la América suburbana. Se trata de un entorno muy seguro, y es un buen lugar para haber venido de él, en el sentido de que era un buen lugar para salir de casa”.

Durante su adolescencia desarrollo un interés hacia el homoerotismo, lo que más adelante expresaría en distintas fotografías. Estudió dibujo, pintura y escultura en el Pratt Institute de Brooklyn entre 1963 y 1970. El sexo fue el elixir que alimentó su vida, su arte y su fama. Pero también su condena. Murió, debido a las complicaciones causadas por el sida, no sin antes haber sido capaz de diluir la frontera entre el arte y la pornografía.

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En 1970, adquirió una Polaroid con la cual realizo sus primeros trabajos: fueron autorretratos y una serie dedicada exclusivamente a Patti Smith, amiga de Mapplethorpe, para la que además realizó la portada de su álbum más importante “Horse”.

“Polaroids” fue su primera exposición individual la cual tuvo lugar en Nueva York en 1973. A mediados de la década de 1970 adquirió una cámara Hasselblad de formato medio y comenzó a tomar fotografías de un amplio círculo de amigos y conocidos, incluidos artistas, compositores y gente de la alta sociedad, así como actores pornográficos En E1978, publicó el X Portfolio y el Y Portfolio en ediciones limitadas. El X Portfolio gira en torno a las imágenes fotográficas de comportamiento sadomasoquista, mientras que él Y Portfolio se centra en las flores y bodegones.

En 1981, publicó el Z Portfolio, que se centra los hombres afroamericanos, también en una edición limitada.

ENLACES: https://elpais.com/cultura/2016/03/08/babelia/1457450794_272222.html http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/10/historia-de-la-fotografiabiografia.html https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Mapplethorpe

Garry Winnogrand (1928, Estados Unidos – 1984, México) Fue un fotógrafo americano practicante y pionero de la fotografía callejera.

El trabajo de Garry Winogrand estaba influido por los de Walker Evans y Robert Frank, y por las publicaciones: American Photographs y "The Americans".

Nunca buscaba una "foto bonita". Recorría las calles de Nueva York con su cámara Leica M4 y un objetivo gran angular preenfocado, tomando fotografías muy rápidamente. Con frecuencia su cámara estaba inclinada en el momento del encuadre lo que generaba unas fotografías con un horizonte no paralelo, lo que causaba la consiguiente extrañeza en el espectador.

Su trabajo aparece expuesto por primera vez en 1963 en el Museo de Arte Moderno (MOMA) de Nueva York, en una muestra colectiva.

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NICKY VAN DER ROEST 1ºB FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/Garry_Winogrand http://www.cadadiaunfotografo.com/2009/10/garry-winogrand.html

Robert Frank (1924, Suiza) Es un fotógrafo y cineasta americano cuyo trabajo más destacado es el libro de fotografía The Americans, publicado en 1958, que está fuertemente influenciado por el periodo de la post-guerra.

“Cuando la gente mira mis fotografías yo quisiera que se sintieran de la misma manera que cuando desean leer una línea de un poema por segunda vez.”

Frank emigró a los Estados Unidos en el 1947, y obtuvo un empleo en la Ciudad de Nueva York como fotógrafo de moda para Harper's Bazaar. Poco después comenzó a viajar por América del Sur y Europa. Aunque en un principio era optimista acerca de los Estados Unidos, su perspectiva cambió rápidamente cuando enfrentó el paso rápido de la vida estadounidense y a lo que el veía como un énfasis excesivo en el dinero. Desde entonces comenzó a ver los Estados Unidos como un lugar a menudo triste y solitario, una perspectiva que se volvió evidente en sus posteriores trabajos fotográficos. En 1953 retorno a Nueva York y continuó trabajando como periodista fotográfico independiente para revistas como McCall's, Vogue, y Fortune. En 1958, rueda su película más conocida Pull My Daisy, basada en la obra del autor estadounidense Jack Kerouac.

En 1971 Frank vuelve a dedicarse a la fotografía. En 1972 realiza un documental sobre los Rolling Stones con el título de Cocksucker Blues.

En 1996 fue galardonado con el Premio internacional de la fundación Hasselblad. También recibió el Premio PHotoEspaña Baume et Mercier 2009.

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NICKY VAN DER ROEST 1ºB FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA ENLACES: https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/42/Robert%20Frank http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/03/robert-frank.html https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Frank

Bill Owens (1938, Estados Unidos) Es un reportero gráfico, cervecero, editor y fotógrafo estadounidense. Conocido mayormente por sus fotografías de escenas domésticas suburbanas publicadas en 1973.

Se introdujo en la fotografía, mientras que trabajaba como voluntario en Jamaica. Se compró una Leica en mal estado por 10$ y con la gente del pueblo descubrió su verdadera pasión.

Bill Owens es uno de los pocos fotógrafos que han fotografiado a las personas en los suburbios de forma importante. Otros lo han hecho, pero Owens se asocia únicamente con los habitantes de los suburbios que viven en urbanizaciones que absorbieron 60 millones de estadounidenses en las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial. En 1983 fundó la cervecería de Buffalo Bill en Hayward, una de las primeras cervecerías para abrir en California desde la prohibición.

ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/03/bill-owens.html

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Edward Weston (1886 – 1958, Estados Unidos) Fue un fotógrafo estadounidense considerado uno de los más importantes del siglo XX y cofundador del Grupo f/64. Su obra es una continua búsqueda y esconde un ser inquieto y apasionado con su trabajo.

Con tal solo 16 años destacó por su trabajo artístico en fotografía en blanco y negro. Aunque sus inicios se habían enmarcado en el pictorialismo, coincidiendo con su estancia en México (1923-1926) sus ideas se clarificaron y se inició en el movimiento purista.

En 1927 regresó a California e instaló poco después un nuevo estudio con su hijo Brett. En sus fotografías empieza a emplear una gran profundidad de campo y un alto nivel de enfoque en las escenas de paisajes y en sus retratos y de modo especial en los primeros planos de formas naturales poco usuales, que fueron las que le hicieron famoso posteriormente.

En 1932 es miembro fundador del grupo f/64. En 1937 obtuvo una beca de la Fundación Solomon R. Guggenheim que fue la primera que se dio a un fotógrafo.

ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2009/11/edward-weston.html https://es.wikipedia.org/wiki/Edward_Weston

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Samuel Bourne (1834 – 1912, Reino Unido) Fue un fotógrafo inglés conocido por sus 7 prolíficos años fotografiando la India con cámara de placas. Su capacidad de crear excelentes fotografías mientras viajaba por las áreas más remotas del Himalaya lo coloca firmemente entre los fotógrafos de viajes más importantes del siglo XIX. Bourne se enfocó principalmente en la fotografía de paisaje, imágenes de glaciares, panoramas montañosos y detalles de vegetación. Sus imágenes muestran gran claridad y hay una variedad de tonos en sus impresiones en albúmina. También realizó retratos de nativos de los lugares a los que visitó.

ENLACES: http://fotografica.mx/fotografos/samuel-bourne/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2015/05/samuel-bourne.html

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Joel Meyerowitz (1938, Estados Unidos) Es un fotógrafo estadounidense que realiza fotografía de calle, paisaje y retrato y fue uno de los precursores en el uso del color en 1962, cuando no se consideraba serio el uso del color en la fotografía artística. Inspirado principalmente por Henri Cartier-Bresson y Robert Frank después de un tiempo de alternar color y blanco y negro, adoptó permanentemente el color en 1972. La pérdida de calidad al imprimir a partir de las diapositivas le hizo pasarse a cámaras de 8x10, que le permitieron conseguir textura, luz y color suficientes en su serie de retratos, paisajes y marinas.

Su estilo se caracteriza por su ambiente callejero, lejos de paisajes naturales, explotación de distintas gamas de colores, filtro lomo en determinadas fotografías, y para representaciones públicas, la firma con una cabeza blanca caricaturizada.

ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/Joel_Meyerowitz http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/01/joel-meyerowitz.html

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Stephen Shore (1947, Estados Unidos) Es un fotógrafo estadounidense también pionero en el uso de fotografías en color.

Una fotografía sucede cuando algo interior se conecta, una experiencia que cambia como lo hace el fotógrafo.

Shore se había interesado en la fotografía desde muy joven con tan solo seis años, pero empezó a usar una cámara de 35mm tres años más tarde para hacer sus primeras fotografías en color, y cuando tenía diez años le regalaron una copia del libro American Photographs de Walker Evans, el cual le influenció profundamente.

Su carrera profesional comenzó cuando tenía catorce años al presentar sus fotografías a Edward Steichen. Éste supo reconocer el talento de Shore y adquirió tres de sus trabajos. Cuando tenía diecisiete años conoció a Andy Warhol y empezó a frecuentar su estudio, para fotografiarle a él y al entorno creativo que le rodeaba. En 1971, con 24 años, Shore fue el segundo fotógrafo que expuso su obra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York.

En 1972 empezó a viajar a la América rural tomando fotografías de paisajes y esto despertó su interés por la fotografía en color. El revelado de las películas y las ampliaciones corrían a cargo de Kodak.

Fue en 1976 cuando expuso su trabajo en color en el MoMA. Finalmente es el director de fotografía del Bard College, en Massachusetts, desde 1982.

ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/01/stephen-shore.html https://es.wikipedia.org/wiki/Stephen_Shore

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Luis Baylón (1958, Madrid) Es un fotógrafo español, que realiza fotografía de calle, principalmente de Madrid.

“No he querido saber mucho de los demás.

Tú no puedes imitar a otro, sino que es mejor que tú andes tu camino.

El que no sale a la calle no se entera de nada.

La calle es la vida.”

En 1976 compro su primera cámara Canon, de 35mm, con 18 años.

Pronto se hizo con una ampliadora y empezó a realizar todo el proceso de revelado.

En 1984 adquiere su primera Rolleiflex (2.8F) de doble objetivo, formato medio, que se convierte en su cámara favorita. Después de dos años publica su primera foto. Y al año siguiente, en 1987, monta un estudio fotográfico, con dos amigos.

Desde ese momento todo viene rodado: Ajoblanco, El País Semanal, El Europeo, El Mundo Magazine, Tentaciones y la legendaria El Canto de la Tripulación.

En 1993 realiza su primera exposición individual en una galería comercial, de fotografías que realizó en su viaje a India. Su trabajo es principalmente con película y en blanco y negro, aunque también dispara en color.

ENLACES: http://www.luisbaylon.com/main/bio.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2013/06/luis-baylon.html

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Max Pam (1949, Australia) Es un fotógrafo australiano considerado uno de los fotógrafos contemporáneos más importantes de su país.

“La fotografía es un pasajero al servicio de memorizar el espíritu del viaje.

Si la fotografía se interpone entre el viaje y tú, guarda la cámara.”

Pam dejó Australia con 20 años, después de aceptar un trabajo como fotógrafo de ayuda a un astrofísico. Su primera exposición fue en la Art Gallery of Western Australia en 1986. También fue objeto de una importante exposición en el Comptoir de la Photographie de París en 1990, que abarcaba el trabajo de tres décadas.

En 2010 su Atlas Monographs ganó el premio al Mejor libro del año en PHotoEspaña.

Ha publicado sus trabajos en revistas y tiene obra en importantes colecciones públicas y privadas en Australia, Gran Bretaña, Francia y Japón. Actualmente enseña medio fotográfico en la Universidad Edith Cowan de Perth.

ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/07/max-pam.html

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Man Ray (1890, Estados Unidos – 1976, Francía) Fue el mayor de los tres hijos de unos inmigrantes judíos rusos. A principios de 1912, la familia Radnitzky cambió su apellido por el de Ray. La familia se mudó a Brooklyn cuando Ray era un niño pequeño. Después de terminar la escuela secundaria en 1908, siguió su pasión por el arte y empezó a estudiar dibujo.

Influenciado por las fotografías de Alfred Stieglitz empezó a dedicarse a la fotografía.

En 1915 realiza su primera exposición individual en la Daniel Gallery de Nueva York. Además junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, fundan el movimiento neoyorquino.

En 1921 empieza a experimentar con rayogramas, imágenes fotográficas sacadas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado.

En 1924 deja al dadaísmo, y empieza a trabajar con el surrealismo. Su primera exposición surrealista fue en la galería Pierre de París en 1925. Uno de sus obras famosas de entonces es el “violín d’Ingres”.

De regreso a París en 1951, Ray continuó explorando diferentes medios artísticos. Se centró sobre todo en la pintura y la escultura. Fue entonces cuando empezó a escribir sus memorias, una autobiografía llamada Autorretrato, la cual fue finalmente publicada en 1965.

ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/Man_Ray https://clubdefotografia.net/man-ray/ https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/4453/Man%20Ray

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Helmut Newton (1920, Alemania – 2004, Estados Unidos) Fue un fotógrafo alemán que se vio obligado a abandonar su país por culpa de la II Guerra Mundial.

En 1932 obtiene su primera cámara. Un año después comienza a competir con el club de natación de Berlín. En 1936 empieza a trabajar como aprendiz en el estudio fotográfico de Else Simón, una famosa. Trabajo ahí durante dos años, hasta 1938 cuando abandonó Alemania y se fue a Singapur, donde trabajó como fotógrafo en un diario. Y después de haber estado en Australia y Londres se fue a París para trabajar en revistas especializadas de moda como Vogue o Elle.

Newton tenía preferencia por las mujeres altas, delgadas y huesudas y las retrató tanto vestidas como desnudas. También centró muchos de sus trabajos en la imagen andrógina de algunas de ellas y las vistió como hombres.

Sus últimos años de vida las paso entre las ciudades de Nueva York y Montecarlo. Su trabajo tiene un estilo propio que hace reconocer su obra por donde se la observe. Fotos llenas de glamour, seducción y elegancia han sido portada de las más prestigiosas revistas.

ENLACES: http://www.vogue.es/moda/modapedia/fotografos/helmut-newton/213 https://es.wikipedia.org/wiki/Helmut_Newton http://www.fotonostra.com/biografias/helmutnewton.htm http://www.cadadiaunfotografo.com/2009/10/helmut-newton.html

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Shelby Lee (1950, Estados Unidos) Es el representante de la fotografía pura en el siglo XXI. Heredero de la tradición fotográfica americana, hoy en día sigue trabajando con cámaras de gran formato 4×5 en la zona de los Apalaches, en el estado de Kentucky, en los Estados Unidos. (Es una zona pobre de la América profunda que parece vivir como si el mundo no hubiera avanzado.)

Sus abuelos eran granjeros, pero su padre tenía una buena posición y viajaba mucho. Con 18 años salió para estudiar bellas artes y fotografía a Cleveland, aunque pasaba los largos veranos en el campo. Rodeado de artistas, el choque cultural fue muy fuerte y lee se avergonzaba de sus orígenes.

Lee decidió dedicarse a la fotografía cuando el presidente Lyndon B. Johnson llamó la atención sobre la degradada zona y los fotógrafos llegaron en masa para retratar la América profunda e irse rápido a sus oficinas.

Las noticias pasan de moda. Eso es lo único que no le gustó a Shelby de aquella historia, por lo que empezó a trabajar en la vertiente humana de la fotografía e hizo suyo un lugar que quedó vedado al resto de los mortales equipados con una cámara y un teleobjetivo.

Introdujo en sus fotografías la tranquilidad, reposo y confianza.

Para conseguir ese poso de tranquilidad y de implicación ilumina todas sus fotografías con flashes portátiles. Ese es el sello de su estilo y de su cultura visual. Es conocido allí, en Apalaches como picture man, pero para llegar a ser aceptado ha debido salvar barreras sociales muy difíciles de franquear. Hoy, más de 35 años después, sigue todavía visitando a esta gente, volviendo de año en año, visitando, estudiando y documentando sus vidas.

En sus últimos trabajos, Adams nos muestra a familias que han salido de sus remotas montañas y viven en caravanas.

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NICKY VAN DER ROEST 1ºB FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA ENLACES: http://www.ferfoto.es/ferfotoblog/naturaleza/entender-a-los-maestros-shelby-leeadams/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2011/10/shelby-lee-adams.html

Sebastião Salgado (1944, Brasil) Es un fotógrafo socio documental y fotorreportero brasileño.

Después casarse con Lélia Deluiz Wanick , ambos se mudaron a São Paulo para que Salgado pudiera cursar su maestría en Economía. En 1968 colaboró con el Ministerio de Finanzas de Brasil pero se opuso al régimen militar, y la pareja cambió su residencia a París.

“Descubrí la fotografía por casualidad. Mi esposa es arquitecta, cuando éramos jóvenes y vivíamos en París, se compró una cámara para tomar fotos de edificios. Por primera vez miré a través de una lente – y la fotografía de inmediato comenzó a invadir mi vida.”

Trabaja en proyectos propios de larga duración, algunos de los cuales han sido publicados en libros como Otras Américas o Éxodos. Sus fotografías más conocidas podrían ser las realizadas en las minas de oro de Serra Pelada en Brasil. Suele fotografiar en blanco y negro con Leica.

En el año 1989 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad En junio de 2007, tras recibir el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, hubo una gran exposición antológica sobre su trabajo en el festival internacional de PHotoEspaña, Madrid, donde ganó el Premio del Público.

ENLACES: https://oscarenfotos. com/2013/02/23/seb astiao-salgado/ https://es.wikipedia. org/wiki/Sebasti%C3 %A3o_Salgado

Fotografía de su proyecto “Migraciones”

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Lewis Hine (1874 – 1940, Estados Unidos) Fue un fotógrafo estadounidense conocido principalmente por sus imágenes de los inmigrantes que llegaban a la Isla de Ellis, Nueva York y por documentos fotográficos que reflejaban las condiciones laborales en los Estados Unidos de la época. Lo que le hizo servir para sacar a la luz y denunciar sus preocupaciones en una sociedad que mantenía unas duras condiciones laborales para muchos.

En 1902 comienza a estudiar Sociología en la Universidad de Chicago. Al finalizarlo comienza a trabajar como profesor en la Ethical Culture School, en Nueva York, donde animaba a sus estudiantes a utilizar la fotografía como un medio educativo.

Con una sencilla cámara de fuelle de 13 x 18 cm, montada en un trípode inestable y un flash, Hine viaja durante un año a Ellis Island para realizar retratos de inmigrantes recién llegados que sirvieran de inspiración a sus alumnos. Entre 1904 y 1909 se dio cuenta que su vocación era el fotoperiodismo. Pero Hine, conociendo el valor persuasivo de la fotografía, presionaba a las autoridades para mejorar las condiciones laborales de los trabajadores e inmigrantes y para mejorar leyes relacionadas con los trabajos de menores y la seguridad en el trabajo.

En 1908 se convirtió en fotógrafo del Comité Nacional del Trabajo Infantil. Este encargo profesional le llevó a dejar su trabajo como profesor y a viajar mucho durante la siguiente década, dejando constancia con su cámara de unas inolvidables estampas de niños trabajando en fábricas, calles o minas. Con esto consiguió alertar a la opinión pública que ejerció presión para endurecer las leyes sobre el trabajo infantil.

A finales de la Primera Guerra Mundial, la Cruz Roja americana contrató a Hine para documentar las consecuencias de la guerra en Europa. Estas fotografías, como todas las que había hecho, tienen el mismo y único principio: despertar una toma de conciencia y consiguió para la Cruz Roja la concesión de ayudas económicas. En los años 30, las condiciones habían cambiado y en 1932 publicó su colección Men at Work, documento fotográfico sobre la construcción del Empire State.

Su obra fue donada al Museo Internacional de Fotografía George Eastman House, en Rochester. En sus años finales, Lewis Hine, 24

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olvidado y sin patronazgo para sus obras, vivió en la misma pobreza que había fotografiado.

Niños trabajando en la USA (1908-12) ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/01/lewis-hine.html https://rebecapardo.wordpress.com/2014/05/02/lewis-hine-el-padre-de-la-fotografiasocial/ https://es.wikipedia.org/wiki/Lewis_Hine

Josef Koudelka (1938, República Checa) Es un fotógrafo checo considerado uno de los grandes en la fotografía en blanco y negro, socio de la agencia Magnum y conocido por sus fotografías documentando la vida de los gitanos.

“Muchas de mis fotografía las hago sin mirar el objetivo, es como si no existiera la cámara y solo mi cerebro y mis ojos quisieran plasmar la imagen que estoy apreciando, pero llega un momento en que sin darme cuenta mi dedo realiza el disparo. Un acto sumamente mecánico pero lleno de intensidad”

Se interesa por la fotografía a los doce años gracias al señor Dycka, panadero de oficio, fotógrafo aficionado y amigo de su padre. Sus primeras fotografías son de su entorno familiar y para realizarlas se vale de una cámara de baquelita 6 x 6.

En 1956 se traslada a Praga para comenzar la carrera de ingeniería aeronáutica.

Durante los años de estudios conoce al fotógrafo Jiri Jenicek, quien le anima a reunir una serie de fotografía para realizar su primera exposición en 1961 en el Teatro Semafor de Praga. Durante la inauguración conoce a Anna Fárová, amiga y colaboradora a lo largo de toda su vida.

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En 1967 decide abandonar su trabajo como ingeniero para dedicarse exclusivamente a la fotografía. En ese momento se inscribe en la Unión de Artistas Checoslovacos y recibe el premio anual de la asociación.

En 1970 abandona Checoslovaquia con un visado de tres meses para continuar fotografiando gitanos, en esta ocasión, en el oeste de Europa. Al caducar el visado decide no regresar a su país, convirtiéndose desde ese momento en apátrida. En 1980 abandona Inglaterra para instalarse en Francia, pero hasta el año 1987 no se nacionaliza francés.

En 1986 es invitado por la Mission Photografique de la DATAR a formar parte, junto a otros fotógrafos, de un proyecto cuyo objetivo es documentar la diversidad de paisajes, tanto urbanos como rurales, de Francia.

Imágenes de la invasión del año 1968 en Checoslovaquia

ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/Josef_Koudelka http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/01/joseph-koudelka.html 26

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Edward Steichen (1879, Luxemburgo - 1973, Estados Unidos) Fue un fotógrafo luxemburgués, nacionalizado americano, considerado el Iniciador de la fotografía de vanguardia y de la fotografía publicitaria.

La carrera fotográfica de Steichen, de quien se ha dicho que es "el mejor fotógrafo de todos los tiempos", puede dividirse en tres etapas diferenciadas: el periodo pictorialista hasta la Primera Guerra Mundial, con sus desnudos, retratos y paisajes profundamente simbólicos y atmosféricos; el periodo moderno de entreguerras, caracterizado por una imaginería de la era industrial, de gran fuerza, claridad y precisión; y el periodo expositivo tras la Segunda Guerra Mundial, durante el cual produce monumentales exposiciones.

En 1895 tomó su primera foto, más tarde se hizo miembro del Photo-Secession y uno de los mayores representantes del Pictorialismo. En 1900 se trasladó a París para estudiar pintura. Y durante la primera guerra mundial fue fotógrafo en el ejército americano, de hecho en la segunda guerra mundial también dirigió la sección de fotografía de los marines.

En 1923 empezó a trabajar para las revistas de moda Vanity Fair y Vogue. Y en 1947 fue nombrado director de la sección de fotografía del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).

En 1955, expone su obra maestra, la exposición de fotografía The Family of Man que realizó para el MoMA. En 2006 se subastó en Sotheby's, Nueva York, una de sus ampliaciones, titulada "The Pond-Moonlight" de 1904, cuyo valor ascendió a 2,46 millones de euros. Siendo hasta entonces el valor más alto ofrecido en subasta por una fotografía.

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Fotografía del proyecto “The Family Of Man” ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/edward-steichen.html http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/edward-steichen-epopeya-fotografica https://es.wikipedia.org/wiki/Edward_Steichen

Francesca Woodman (1958 -1981, Estados Unidos) Fue una fotógrafa estadounidense. Sus padres, George Woodman y Betty Woodman, eran artistas plásticos que ahora gestionan un archivo de más de 800 imágenes, 120 de las cuales han sido expuestas o publicadas.

Sus imágenes están impregnadas de un aura fantasmal cuyo protagonista es siempre el desnudo; el cuerpo y el desnudo. Lo abstracto y lo borroso se pierde y se difumina con los salones retratados donde la propia artista hace en ocasiones de modelo.

Con tan solo 13 años empezó con sus primeros trabajos, ya adoptando un estilo característico, casi siempre fotografiando en blanco y negro, con formato cuadrado, y dando prioridad a la iluminación para, a través de ella, conseguir centrar la atención sobre un sujeto principal.

Entre los años 1975 y 1979 fue estudiante de la Rhode Island School of Design en Providence, y fue 28

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aceptada en el Programa de Honores que le permitía vivir durante un año en las instalaciones de la escuela en Palazzo Cenci en Roma. Durante su estancia en la capital italiana (1977-1978), se identificó con el surrealismo y el futurismo. En 1979 se trasladó a Nueva York, donde quiso hacer carrera fotográfica. Envió portafolios a algunos fotógrafos de moda, pero sus esfuerzos no se vieron recompensados y sufrió una depresión lo que le llevo a la muerte.

ENLACES: https://elpais.com/elpais/2014/04/29/mujeres/1398744000_139874.html https://es.wikipedia.org/wiki/Francesca_Woodman

Jacob Riis (1849, Dinamarca-1914, Estados Unidos) Fue un fotoperiodista y reformador social danésestadounidense célebre porque utilizó su talento como fotógrafo y periodista para ayudar a los menos afortunados en la ciudad de Nueva York quienes fueron los principales sujetos de sus obras. Fue además uno de los primeros fotógrafos en utilizar el flash y por ello considerado uno de los pioneros de la fotografía. Riis viajó a los Estados Unidos en 1870 a los 21 años de edad en busca del sueño americano. Al desembarcar en Estados Unidos, Riis fue uno más de los emigrantes pobres que arribaban con la esperanza de prosperar. Como inmigrante sin techo, conoció de primera mano las condiciones de los asilos policiales, que más tarde denunciaría en sus obras. Riis trabajó en varios oficios antes de aceptar un trabajo como reportero policial en 1874 para el periódico de New York Evening Sun. Durante todo ese tiempo como reportero policial, Riis recorrió los bajos fondos de Nueva York y conoció muy bien la realidad de la gente más pobre, especialmente de los inmigrantes.

Fue el primer periodista estadounidense en utilizar el flash, lo que le permitió hacer toma fotográfica nocturna.

En 1890 creó su obra más meritoria, "Cómo vive la otra mitad". Dicho documental convenció al comisionado de la policía, Theodore Roosevelt, de cerrar las residencias para pobres controladas por la policía en las cuales Riis sufrió sus primeros años en Estados Unidos.

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ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/jacob-riis.html https://es.wikipedia.org/wiki/Jacob_Riis

Lee Friedlander (1934, Estados Unidos) Es un fotógrafo americano que publicó una amplia obra de investigación sobre el paisaje urbano y natural estadounidense.

“Me fascina que haya una variedad de sensaciones sobre lo que yo hago. No soy un fotógrafo premeditado. ‘Veo’ una una fotografía y la hago. Si tuviera la ocasión, estaría disparando a todas horas. No tienes que ir a buscar fotografías. El material es generoso.

Sales y las imágenes te buscan a cada paso.”

Estudió fotografía en California. En 1956, se trasladó a Nueva York donde fotografió a músicos del jazz para las portadas de discos. Su trabajo fue influenciado por Eugène Atget, Robert Frank y Walker Evans.

Algunas de sus fotografías más famosas aparecieron en Playboy de septiembre de 1985, fotografías en blanco y negro de desnudos de Madonna de los años 70.

Trabajó inicialmente con cámaras Leica de 35mm y película en blanco y negro.

Su primera exposición monográfica la realizó en la George Eastman House de Rochester en 1963 en la que ya empezaba a explorar el paisaje urbano y a proporcionar un nuevo sentido a la fotografía documental.

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Uno de sus trabajos más significativos fue el análisis del caos en la vida cotidiana de la generación de los años cincuenta, fruto de esta investigación fue el libro The American monument y la exposición en la Galería Corcoran titulada The nation's capital in photographs.

Al estar enfermo de artritis tuvo que ser operado de la rodilla y estar recluido en su casa, durante ese tiempo realizó una serie de fotografías que publicó en su libro Stems (Tallos) en 2003. En el año 2005 el MOMA realizó una exposición retrospectiva de su obra, recibiendo ese mismo año el premio internacional de la Fundación Hasselblad.

ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/Lee_Friedlander http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/lee-friedlander.html

4. RESUMEN DEL CAPÍTULO: Este capítulo nos empieza hablando sobre el hecho de que debemos reconocernos a nuestros mismos como fotógrafos a pesar de que esto nos resulte difícil. Debemos buscar información sobre otros fotógrafos para así obtener ideas para poder conseguir lo que nos interese.

Momeñe nos habla del Renacimiento, sobre la importancia en saber que antes de la fotografía la representación visual de las cosas se obtenía dibujando, pintando, o mediante esculturas. Y que antes se representaban las cosas en un espacio sin perspectiva, sin profundidad, de manera ficticio. Y el hecho de que luego se llegará a representarla de manera real, fue un logro aunque esto nos resulte obvio, no lo era. O como dice Momeñe “Se representaba más lo que se inventaba con la imaginación, que lo que se encontraba en el mundo.”

Fue Filippo Brunelleshi quien “inventó” esta manera de mirar, la perspectiva.

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Filippo Burnelleshi, en 1434 fue el primero que formula las leyes de la perspectiva cónica, un sistema de representación gráfico basado en la proyección de un volumen sobre un plano auxiliándose en rectas proyectantes.

Dibujo de una perspectiva para la Iglesia de Santo Spirito en Florencia, en 1428.

Experimento de Brunelleschi como prueba de la perspectiva.

Es de esta idea de dónde va a provenir la fotografía, de como dice Momeñe “esa manera de entender la mirada, de situar la cámara” Como algunos ejemplos que nos propone Momeñe, “Los lugares como los pintaba Ruysdael, o las personas que pintaba Rembrandt “Hogesluis Amstel” de Ruysdael

“Detalles de un hombre viejo en un traje militar” de Rembrandt.

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“El renacimiento nos ha enseñado a encuadrar el mundo, a poner un trozo de ella en un rectángulo” esto fue gracias a las lentes.

David Hockney descubre que el surgimiento del realismo se debió al uso de espejos y lentes para copiar con precisión casi fotográfica las imágenes reflejadas. Un descubrimiento que ha sorprendido a los académicos y que ofrece una nueva y asombrosa perspectiva de la historia del arte. En su libro El conocimiento secreto revela el uso de instrumentos ópticos (espejos y lentes, los dos elementos básicos de la cámara moderna) en las obras de artistas como Vermeer, Caravaggio, Leonardo, Velázquez, Rembrandt, Van Eyck, Holbein o Hals.

“El renacimiento no sólo muestra el mundo desde un punto de vista único, sino que hace consciente nuestro individualismo, nuestra intención de expresarnos como personas únicas, de mostrar el mundo según nuestra visión” Momeñe nos cuenta que un fotógrafo debe saber decir “yo estuve aquí” a través de sus fotografías como hico el pintor Jan van Eyck en su cuadro “El matrimonio Arnolfini”, quiere decir, que tratamos de llevar la apariencia del mundo a nuestro terreno. En resumen hay que tratar de tener una propia visión y demostrar esto en nuestras fotografías.

“Consideramos el Renacimiento como la primera gran revolución de la mirada, ahora para nosotros, fotógrafos, vendrá la segunda gran revolución, instantánea” Momeñe nos vuelve a hablar de George Eastman y su inventó, el Kodak y del éxito que tuvo. Fue ahí cuando nació las instantáneas, la fotografía que todos conocemos.

“El mundo puede ser mostrado en su fluir. No es necesario que se pare y pose para nosotros. Le dejamos andar y lo atrapamos sin pedirle permiso, sin que apenas se entere” Pero el hecho de que sea tan fácil echar fotos hoy en día como dice Momeñe “Nos tienta a que perdamos respeto al acto de fotografiar” Para entonces la fotografía ya puede saltarse las normas de la visión clásica como comenta el autor en el libro.

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Con una cámara réflex podemos “saltar a una velocidad de vértigo, y congelar la vida en una milésima de segundo” son estás cámaras las que representan a la instantaneidad en estado puro. Pero si se trata de una cámara de formato medio lo haremos probablemente con cuidado tomándonos nuestro tiempo.

Y si es una cámara de gran formato en ese caso nos hará falta un trípode según Momeñe, y habrá que cambiar de placa después de cada toma, esto hará que el proceso será lento. Nos pone como ejemplo de esta cámara las pinturas de Venecia de: Canaletto (Giovanni Antonio Canal) Es un pintor veneciano del siglo XVIII, (1697-1768), es sobre todo admirado por la precisión de perspectiva y realismo de sus visiones urbanas. Los cuadros, que dieron lugar al subgénero paisajístico del vedutismo (del italiano veduta, vista), fueron panorámicas concebidas como recuerdos y pasaron a la historia.

Según algunos utilizó una cámara oscura para definir sus pinturas.

Según como Momeñe nos cuenta la instantánea es la fotografía del fotoreportaje, de la foto-periodismo.

William Hogarth (*) es un buen ejemplo ya que llego a entender el concepto reportaje, antes de que existiera la fotografía. *William Hogarth Fue un pintor y grabador inglés (1697- 1764). A partir de 1720 comenzó a trabajar en Londres como grabador. En los inicios de su actividad como pintor trabajó como retratista, con obras que en algunos casos alcanzaron un éxito considerable.

Hogarth decidió poner su arte al servicio de la sátira y la crítica social. Comenzó así la realización de series de telas sobre un mismo tema, que asimiló con representaciones teatrales, de modo que estableció un paralelismo entre cuadro y escenario, figuras y actores. Entre sus numerosas secuencias de pinturas anecdóticas destacan La carrera de prostituta (seis escenas), La carrera de libertino (ocho escenas), Matrimonio a la moda (seis escenas) y Campaña electoral.

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Y como foto-periodismo Momeñe nos pone de ejemplo a Weegee a quien ya buscamos en el primer capítulo. Era un fotógrafo que se dedicaba a fotografiar el lado “malo” de Nueva York, asesinatos, etc.

“Los museos están repletos de fotografías hechas con cámaras normales, en situaciones normales. No hay nada especial, (…) que haga que las fotografías de los grandes sean mejores que las nuestras” Momeñe nos cuenta que lo único que tienen en común todas las imágenes de estos fotógrafos es la pasión por la fotografía, su dedicación a ella y el esfuerzo por poseer una gran memoria visual.

Debemos encontrar “nuestro lugar”, un espacio, un tema donde nos sentimos cómodos/as para que así nos sea más fácil que surjan fotografías.

“Cada fotógrafo sentirá su particular afectividad por un tema, y a ello debe aplicarse, (…) pero cualquier tema es fotográfico” Esto requiere esfuerzo tanto físico como mental…

Busquemos imágenes publicadas en revistas grandes como las de Time y Life para saber que fotografías aceptan, ¿Encajaría mi fotografía en la revista?

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Antes de comenzar un proyecto fotográfico deberíamos escoger un tema, así sabremos por lo menos donde empezar, otro aspecto importante es saber que visión fotográfica queremos aplicarle.

ENLACES (RESUMEN): https://es.wikipedia.org/wiki/Filippo_Brunelleschi https://elpais.com/diario/2001/11/04/cultura/1004828401_850215.html https://www.20minutos.es/noticia/3016014/0/canaletto-gran-canal-venecia-camaraoscura/

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/h/hogarth.htm

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