EDUARDO MOMEÑE ESCUELA DE ARTES DE ALMERÍA, 1ºB DE FOTOGRAFÍA. NOMBRE: NICKY VAN DER ROEST
LA VISIÓN FOTOGRÁFICA: CAPITULO TRES
Nicky Van Der Roest 1ºB de Fotografía Artística
1. Tema principal del capítulo: Al igual que los dos capítulos anteriores nos va hablando de cómo realizar una buena fotografía mientras nos manda a buscar información a ampliar nuestro conocimiento en respecto a las fotografías y fotógrafos. En este capítulo nos habla más bien desde el punto de vista de CartierBresson que solía decir que esperaba el tal llamado “momento decisivo” un elemento muy importante en la fotografía. Momeñe nos explica que detrás de una foto debe de haber más, algún concepto, algún gesto personal, etc.
2. Ideas principales: Nos habla de uno de los dos caminos que podemos elegir al realizar una fotografía: - Pictorialismo (Fotografía artística) - Surrealismo (Fotografía del mundo “real”) Otro elemento esencial es saber el momento decisivo, tener paciencia, el hecho de realizar una fotografía pensada, con algún concepto.
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3. FOTÓGRAFOS MENCIONADOS POR MOMEÑE: Henry Peach Robinson (1830-1901, Reino Unido) Fue un fotógrafo pictorialista, conocido principalmente por la utilización de múltiples negativos o impresiones para formar una sola imagen. Fue uno de los fotógrafos artísticos y comerciales de mayor éxito en el siglo XIX en Gran Bretaña. “Unos ojos humanos sanos nunca han visto ninguna parte de una escena fuera de foco. Así como la ciencia de la fotografía tiene sus fórmulas, también el arte de crear imágenes tiene, en lo material, sus propias reglas.”
En 1852 expuso una pintura al óleo en la Royal Academy y ese mismo año empezó a interesarse por la fotografía. Y en 1857 abrió un estudio, dejando su profesión como pintor para dedicarse plenamente a la fotografía. En 1858 publica su obra más conocida, Los Últimos Instantes, es considerado el primer fotomontaje de la historia. En su proyecto nos muestra a una joven moribunda en representación teatral, algo que salía de los aspectos documentales o testimoniales propios de la fotografía. Siguiendo las ideas de la fotografía academicista trata el tema de la muerte con el objetivo de pretender su control. Y como el fotógrafo Rejlander realiza un fotomontaje utilizando varios negativos. En 1864 Robinson se vio obligado a renunciar a su estudio debido a su mala salud por la exposición a productos químicos fotográficos tóxicos, pero en 1868 su salud había mejorado lo suficiente como para abrir un nuevo estudio junto con Nelson Rey Cherrill. En 1870 se convirtió en vicepresidente de la Royal Photographic Society. En 1891 renunció a Royal Photographic Society para convertirse en uno de los primeros miembros de la sociedad rival, Linked Ring, en la que estuvo hasta el año 1897. ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/Henry_Peach_Robins on http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/ 10/henry-peach-robinson.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/01/henr y-peach-robinson.html
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Oscar Rejlander (1813, Suecia -1875, Reino Unido) Fue un fotógrafo sueco, considerado uno de los pioneros de la fotografía artística en la época victoriana. Su fecha exacta de nacimiento es incierta, pero se estima que fue en el año 1813. Inicialmente se formó como pintor y litógrafo en su país natal. Después se fue a Roma a estudiar arte. En 1840 se traslada a Inglaterra. Y hacia 1853, influenciado por un asistente de Talbot abandonó su profesión de pintor para dedicarse a la fotografía. En 1855 se instala como fotógrafo profesional en un estudio de Wolverhampton. Rejlander se especializó en escenas de género de la vida doméstica, con sus amigos y vecinos como modelos. Creyendo que la fotografía haría a los pintores dibujantes más cuidadosos. Para la obtención de la obra final realiza previos bocetos y luego retoca los negativos con tal maestría que no se nota el retoque. Acometió diversos experimentos para mejorar sus fotografías, hasta llegó a inventar un procedimiento de impresión fotográfica. Fue amigo y maestro de Lewis Carroll, quien recopiló la obra inicial de Rejlander y colaboró en resolver los problemas técnicos de éste. En 1855 participó en la exposición de París, y dos años más tarde realiza su obra más conocida, el trabajo alegórico titulado Los dos caminos de la vida, realizado mediante la combinación de 32 negativos. Para la realización de la obra empleó fondos pintados y realizó fotografías de los personajes por separado, en parejas, en tríos, etc. Presenta una composición geométrica dividida ubica personificaciones del mal a la izquierda de la composición y las del el bien a la derecha. Sus imágenes provocaron un cierto escándalo social, por emplear a jóvenes prostitutas como modelos. El escándalo fue acallado cuando la propia Reina Victoria le encargó una copia para regalar al príncipe Alberto. Este hecho provocó su éxito comercial y su calificación como el “fotógrafo del poder”. Trasladó su estudio a Londres en 1862 donde más tarde experimentaría con la doble exposición. Llegó a ser un experto en técnica fotográfica, convirtiéndose en maestro de otros fotógrafos. Es considerado como uno de los padres de la fotografía artística. PD: Se cuenta que Rejlander calculaba la exposición mandando a su gato un rato a la calle y luego le llamaba y fijándose en el tamaño de la pupila de su mascota, decidía los valores a usar.
Nicky Van Der Roest 1ºB de Fotografía Artística ENLACES: http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/10/biografia-oscar-gustavrejlander.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/01/oscar-gustav-rejlander.html https://es.wikipedia.org/wiki/Oscar_Gustav_Rejlander
Robert Demachy (1859-1936, Francia) Fue un fotógrafo francés que destacó en el estilo pictorialista, siendo muy conocido por las manipulaciones de sus obras, proporcionándoles un acabado similar a las pinturas. Demachy nació en el seno de una adinerada familia financiera. Al poco de nacer su familia regresó a su residencia de París donde recibió una educación excelente en el colegio de los jesuitas. Salvo un breve periodo en el ejército al cumplir los dieciocho años su vida fue placentera. En 1870 descubrió la fotografía y se apasionó por ella. Pero a pesar de su pasión por ella nunca llegó a trabajar como fotógrafo profesional, pero sí fue la actividad a la que mayor tiempo dedicaba. En 1882 fue elegido miembro de la Sociedad Francesa de Fotografía lo que le permitió conocer a los principales fotógrafos europeos de la época. Demachy escribió más de mil artículos sobre la estética y las técnicas de manipulado de las impresiones. En 1895 escribió un libro junto a Alfred Masked titulado Photo Aquatint, or The Gum Bichromate Process. En 1911 perfeccionó el proceso del bromóleo. Lo que le permitió llegar a ser incluso más audaz en su estilo visual y en su obra atrayendo pronto a un amplio público internacional. En los dos años siguientes expuso en París, Viena, Nueva York y Londres. Su dedicación a la fotografía era tan grande que provocó su divorcio en 1909.
Nicky Van Der Roest 1ºB de Fotografía Artística En 1914, sin explicación, Demachy dejó de hacer fotografías y nunca más tocó una cámara. Su único esfuerzo artístico por el resto de su vida fue conducir su coche clásico a la playa donde realizaba bocetos. Incluso poco antes de su muerte destruyó sus bocetos y las fotografías que le quedaban de sus anteriores exposiciones. ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Demachy http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/04/robert-demachy.html http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/11/robert-demachy.html
George Rodger (1908-1995, Reino Unido) Fue un fotoperiodista inglés fue uno de los fundadores de la agencia Magnum y después de sus fotografías de la II Guerra Mundial documentó diversas culturas africanas. Su meta era fotografiar a personas comunes en situaciones extraordinarias con una dosis de humor. Fue África el lugar que más le apasionó y al que regresó más de 15 veces para hacer reportajes sobre diferentes tribus. Desde niño fue independiente, silencioso, discreto y aventurero. Educado en colegios privados ingleses, Rodger descubrió muy pronto su afición por viajar. A los 17 años su padre lo sacó de la escuela por su mala conducta y lo mandó a trabajar a una granja. Aburrido, a los pocos meses se enroló en la Marina Mercante tomando un barco rumbo al Medio Oriente. A partir de entonces no dejó de viajar. Aunque comenzó a tomar fotografías a los 15 años, su sueño era convertirse en escritor. Cuando cumplió 21 años, Rodger decidió buscar suerte en los Estados Unidos, pero 1929 no era precisamente un buen año para encontrar empleo, aun así, sobrevivió a la Gran Depresión trabajando en diversas fábricas y granjas. Su proximidad a la fotografía no era más que documental: no le interesaba la fotografía por sí misma, sino como un medio mecánico para expresar lo que sentía y veía. En 1935 regresa a Inglaterra derrotado moralmente y sin dinero. Casualmente leyó un anuncio en el Daily Telegraph de la BBC que le cambiaría la vida:
Nicky Van Der Roest 1ºB de Fotografía Artística requerían un fotógrafo. Con una carpeta en la que presentaba 6 fotos, Rodger obtuvo el trabajo. “No puede enseñarse algo que, en realidad, debe estar dentro de uno mismo”
Fue entonces, hacia 1937, cuando la fotografía empezó a parecerle interesante, fue también cuando cambió su cámara por la versátil Leica y una Rolleiflex para entrar de lleno en su profesión. Durante la Segunda Guerra Mundial, Rodger fue el único fotógrafo independiente británico que pudo tomar fotografías de la liberación de los campos de concentración, realizando una dura crónica de guerra. Fue el primer fotógrafo en entrar en el campo de concentración de Bergen-Belsen en 1945. Sus fotografías de los supervivientes y de las pilas de cuerpos muertos fueron publicadas en Life y en Time y sirvieron para mostrar la realidad de los campos de concentración, los campos de la muerte.
Sus fotografías del Blitz le dieron fama para tener un trabajo como corresponsal de guerra en Life. Él cubrió las guerras del Oeste de África y el fin de ella, siguiendo la independencia aliada de Francia, Bélgica y Holanda. Para Rodger, las guerras se convirtieron en una experiencia traumática no pudiendo volver a trabajar como corresponsal de guerra y dejó Life y viajó por África y Oriente Medio. En 1947, Rodger funda junto a Robert Capa y otros la Agencia Magnum, trabajando durante más de 30 años haciendo expediciones y fotografiando gente y paisajes de África. Gran parte de las fotografías de Rodger sobre África fueron publicadas en National Geographic. ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/George_Rodger https://maestrosdelafotografia.wordpress.com/2014/03/22/biografia-georgerodger/
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Ralph Gibson (1939, Estados Unidos) Es un fotógrafo estadounidense que desarrolla una idea teórica basada en que dos imágenes individuales, vistas una junto a otra, se combinan generando una tercera en la mente del espectador, produciendo bajo este concepto y hasta la fecha más de 25 libros fotográficos. Durante su juventud Ralph participó como figurante en películas de Nicholas Ray y Alfred Hitchcock, del cual era asistente su padre. Cuando en 1954 se divorciaron sus padres bajó su rendimiento escolar, y abandonó la escuela. Hasta que tuvo la edad para alistarse en la marina estuvo trabajando como mecánico y el día de su cumpleaños en 1956 se alistó como voluntario. Por azar ingresó en la Escuela Naval de Fotografía en Florida, donde adquirió una formación técnica muy completa. Su trabajo en la marina consistía en realizar retratos, fotografía aérea y fotografía documental. Terminado su servicio militar empezó a estudiar fotografía en el instituto de arte de San Francisco, pero enseguida paso a ser asistente de Dorothea Lange. Con ella estuvo trabajando durante un año y medio al mismo tiempo que desarrollaba su estilo personal. En 1961 se compró una cámara Leica de 35mm y al año siguiente decidió mudarse a Los Ángeles para trabajar como reportero gráfico. Publicó sus primeras fotos en 1963 en la revista Nexos de San Francisco. En 1965 uno de sus trabajos para la agencia Kennedy Graphics se convirtió en su primer libro titulado The Strip. A principios de 1967 conoció a Robert Frank, que lo contrató como asistente en la película “Yo y mi hermano”. En 1968 conoce a Larry Clark y Mary Ellen Mark que influyen en su concepción de la fotografía. A partir de ese momento se alejó del fotoperiodismo y expresó un rechazo hacía la fotografía comercial. En 1971 realizó un viaje por Europa, lo que le permite realizar gran cantidad de fotos en Francia e Inglaterra, que incluyó en su libro Déjà Vu que publicó en 1973. Finalmente en 1975 aparece el último libro de su trilogía Days at Sea. ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/ra lph-gibson.html https://es.wikipedia.org/wiki/Ralph_Gibson
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Clementina Hawarden (1822-1865, Reino Unido) Fue una fotógrafa escocesa que obtuvo un notable reconocimiento como fotógrafa en la Era Victoriana, a pesar de su prematura muerte. Es considerada una precursora de la fotografía de moda. Empezó con la fotografía alrededor de 1857 o 1858, mientras vivía en la propiedad de la familia de su marido en Dundrum. Se trasladó a Londres en 1859 donde instaló su estudio en una elegante casa en el sur de Kensington. Sus fotografías representan la vida de una familia victoriana de clase alta. Las posturas, muchas veces provocativas de sus hijas, fueron muy criticadas. La sociedad victoriana estaba molesta por la idea de la sexualidad en la adolescencia. Se le considera por algunos especialistas como la primera artista de la imagen fotográfica. A la fotógrafa le gustaba utilizar la luz natural para hacer sus fotografías. En su momento esto fue visto como algo “atrevido” y novedoso; colocaba espejos para reflejar la luz y los utilizaba para explorar la idea de “el doble”. Una colección de 775 retratos fue donada al Museo de Victoria y Alberto de Londres en 1939 por su nieta, Clementina Tottenham. Las fotografías fueron recortadas al sacarlas de los álbumes familiares por razones desconocidas. Estos recortes ahora son característicos del trabajo de Lady Hawarden.
ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/12/clementina-hawarden.html https://es.wikipedia.org/wiki/Lady_Clementina_Hawarden
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Claude Cahun (1894- 1954, Francia) Fue una fotógrafa y escritora francesa. Se consideraba a si misma de género no binario. Su nombre de nacimiento era Lucy Renée Mathilde Schwob pero en 1917 adoptó el nombre de Claude Cahun en honor de su tíoabuelo Léon Cahun y con el fin de aprovechar la ambigüedad de género del nombre "Claude". Su infancia fue triste, su madre estaba loca, y periódicamente la internaban en un manicomio. Claude estuvo a punto de sufrir la misma suerte a causa de su anorexia y tendencias suicidas, pues su padre temió que hubiera heredado la inestabilidad mental de su madre. Había conocido a Suzanne Malherbe a los 15 años en el Lycee. Suzanne había nacido en 1892 en Nantes, sus familias acabaron intimando, y cuando la madre de Claude murió, el viudo Maurice Schwod se casó con la madre de Suzanne. Las dos se convirtieron en hermanastras. En 1922 se instalaron en el barrio de Montparnasse, en París, Claude Cahún con su “Otro yo”, Suzanne Malherbe. Su compañera y su cómplice; firmaba su obra con el seudónimo de Marcel Moore, y muchas obras las firmaban conjuntamente. En sus autorretratos utilizaba disfraces, maquillajes, empleando juegos de espejos, distorsiones y superposiciones. Jugaba con la indefinición sexual, pretendía crear un tercer sexo. En 1925 publica Heroínas, prototipos femeninos. En 1929, la revista Bifour publica uno de sus retratos más perturbadores y provocativos. “Autorretrato Anamorfico”.
ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/Claude_Cahun http://lamentable.org/claude-cahun-la-fotografa-surrealista/
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Lee Miller (1907, Estados Unidos-1977, Reino Unido) Fue una modelo y fotógrafa americana, conocida principalmente por sus fotografías surrealistas, aunque también trabajó el retrato y la fotografía de moda, además de la documental sobre la Segunda Guerra Mundial y su postguerra. Su padre, de ascendencia alemana, era aficionado a la fotografía y con frecuencia utilizó a su hija como un modelo para sus fotografías, entre las que se encuentran bastantes desnudos realizados con la técnica estereoscópica; también enseñó a sus hijos a realizar fotografías desde pequeños. Con 19 años conoció a Condé Nast, fundador de la revista Vogue, con quién inició su carrera como modelo. En marzo de 1927 apareció en la portada de la revista En 1929 volvió a Paris dónde conoce a Man Ray. Al poco tiempo de conocerlo se convierte en su ayudante y amante con quien vivió durante tres años, a partir de esta relación con Man Ray hace amistades con Picasso y otras celebridades. Abrió su propio estudio en Paris y se estableció dentro de la escuela surrealista fotográfica de Paris. Y en 1932 tuvo su primera exposición en Nueva York. En 1933 vuelve a Nueva York donde instaló, junto a su hermano, un estudio para dedicarse al retrato, haciendo ella las tomas y su hermano el trabajo en el cuarto oscuro. A fines de este año tiene lugar su segunda muestra individual en Nueva York sobre retratos y moda. En 1934 se casa y se va a vivir a Egipto. Finalmente en 1939 vuelve a Inglaterra y cuando estalla la segunda guerra mundial consigue trabajar para la oficina de Vogue en Londres y comenzó a documentar los horrores de la guerra. En 1941 conoce al fotógrafo de la revista Life David Sherman, con el que viajaría y fotografiaría la segunda guerra mundial. En 1947 se funda la agencia Magnun y Lee Miller se convirtió en uno de sus primeros miembros. En 1947 se vuelve a casar con Roland Penrose y vivirá en su granja de Farley Farm House, que se convirtió en una meca donde acudían artistas como Picasso, Man Ray, Henry Moore, etc. Tras su muerte, su hijo Anthony Penrose, divulga su obra que había dejado archivada. ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/04/lee-miller.html https://es.wikipedia.org/wiki/Lee_Miller
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Aenne Biermann (1898 – 1933, Alemania) Fue una fotógrafa alemana que fue uno de los principales defensores de la tal llamada Nueva Objetividad, un importante movimiento de arte que se desarrolló en Alemania en la década de los años 20. Fue una fotógrafa autodidacta. Sus primeros temas fueron sus dos hijos, Helga y Gershon. En 1926, gracias a su colección de rocas conoció al geólogo Rudolf Hundt, quien le encargó fotografiar su colección al año siguiente para su trabajo científico. Sus fotografías de minerales transformaron su práctica fotográfica hasta de ella una figura central en la Nueva Objetividad fotográfica.
ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2015/05/aenne-biermann.html
Florence Henri (1893, Estados Unidos -1982, Francia) Fue una pintora y fotógrafa suiza, que experimentó la técnica del fotomontaje, la superposición de imágenes, el uso de espejos para distorsionar las perspectivas y muchas otras técnicas innovadoras. Sus temas, que van desde retratos de la naturaleza muerta a desnudos, respiraron siempre un aire original e innovador. “El encuadre se convierte en un elemento esencial del desarrollo y la originalidad del retrato. Pero la característica más llamativa sigue siendo la exaltación de la nitidez donde ningún detalle se escapa el objetivo.”
Henri empezó a estudiar música en París a los 9 años de edad, en 1908 tras trece años después de la muerte de su madre, también fallece su padre. Por eso fue a vivir a Roma con Gino Gori, un poeta que introdujo a Henri en los movimientos artísticos de vanguardia. En 1913 Henri se trasladó a Berlín para continuar sus estudios de música. Y tras visitar la Academia de las Artes de
Nicky Van Der Roest 1ºB de Fotografía Artística Berlín, Henri decidió seguir con la pintura, en lugar de la música. A lo largo de este período, Henri se centró en paisajes y estudios de figuras. Y para el año 1928 había abandonado la pintura e instaló su propio estudio como fotógrafo freelance profesional. La importancia de su obra fue reconocida por exposiciones en solitario y la publicacioón en varios periódicos, incluyendo N-Z Wochenschau. El último periodo de su vida lo dedicó a la publicación personal de sus antiguas fotografías y volvió de nuevo a trabajar el collage, en una serie de obras abstractas y geométricas.
ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/12/florence-henri.html https://es.wikipedia.org/wiki/Florence_Henri
Margaret Bourke-White (1904 - 1971, Estados Unidos)
Fue una fotógrafa americana pionera como mujer en muchos campos de la fotografía. “La fotografía es una cosa muy sutil. Debes dejar que la cámara te lleve de la mano y te guíe hacia tu objetivo. Las fotos pueden ser bellas. Pero también deben decir la verdad.”
Nicky Van Der Roest 1ºB de Fotografía Artística Fue la primera mujer a la que se le permitió trabajar en zonas de combate en la Segunda Guerra Mundial y la primera mujer fotógrafa que trabajó para la revista Life.
Hizo varios viajes a la antigua Unión soviética. En 1930 fue la primera fotógrafa occidental a la que se le permitió fotografiar la industria soviética. Nueve años después se casó con Erskine Caldwell y fueron los únicos periodistas extranjeros tras la invasión del ejército alemán en 1941. Tras la Segunda Guerra Mundial se interesó por la campaña de la no violencia impulsada por Gandhi. Y cuando la fotógrafa fue diagnosticada con Parkinson abandonó a la fuerza la fotografía y se dedicó a escribir su autobiografía "Portrait of Myself", que fue un bestseller.
ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/margaret-bourke-white.html https://es.wikipedia.org/wiki/Margaret_Bourke-White
Gordon Parks (1912 – 2006, Estados Unidos) Fue un fotógrafo, músico, escritor y director de cine estadounidense conocido por ser el primer fotoperiodista negro que trabajó para la revista Life, por ser el director de Las noches rojas de Harlem y ser uno de los encargados de documentar la "Gran Depresión. No tuvo una infancia, digamos, bonito, a los once años, tres chicos blancos lo arrojaron a un rio, sabiendo que no sabía nadar. Sin embargo, consiguió salir por sus medios. A los catorce años murió su madre y poco después lo enviaron a vivir con su hermana en Minneapolis, pero con 16 años su cuñado le hizo marcharse.
Nicky Van Der Roest 1ºB de Fotografía Artística Con 25 años se inició en la fotografía de un modo autodidacta y al ir a revelar su primer rollo los empleados del laboratorio le comentaron que eran unas fotografías muy buenas. A partir de ese momento decidió dedicarse a la fotografía. Se compró una cámara Voigtländer Brillant y con ella hizo después una serie de fotografías de modas para una tienda local en Minnesota. En 1942 Roy Stryker le contrató para trabajar en la Farm Security Administration, donde pudo poner en práctica la fotografía directa.Uno de los trabajos más conocidos fue el reportaje realizado a Ella Watson, limpiadora de la FSA. En 1949 fue contratado por la revista Life, siendo el primer fotógrafo negro que trabajó para la misma. Al estar concienciado con la situación de la población negra realizó reportajes sobre la misma, dando a conocer el barrio de Harlem y la vida en el mismo.
ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/Gordon _Parks
David Seymour (1911, Polonia- 1956, Egipto) Fue un fotógrafo polaco, miembro fundador de Magnum de fotografía. De 1929 a 1933 estudia arte y fotografía. En 1931 viaja a París donde conoce a Robert Capa y Henri Cartier-Bresson. En 1936 viaja a España y fotografía el horror de la guerra civil. En 1939 regresa a París y de allí viaja a México. En 1942 se nacionaliza como americano. Terminada la guerra viaja para la Unesco a Checoslovaquia, Polonia, Alemania, Grecia e Italia para documentar los efectos de la guerra en los niños. En 1947, junto con Capa, Cartier-Bresson y George Rodger, funda la agencia de fotografía Magnum. Dos años después publica el
Nicky Van Der Roest 1ºB de Fotografía Artística libro Children of Europe. Tras la muerte de Robert Capa en 1954 toma la presidencia de Magnum pero dos años después en 1956, fue ametrallada mientras conducía en Egipto.
ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/ 2010/05/david-seymour.html https://es.wikipedia.org/wiki/David_ Seymour
Robert Doisneau (1912 – 1994, Francia) Fue un fotógrafo francés. En 1929 comenzó aprendiendo de forma autodidacta a realizar sus primeras fotografías. En 1931, cuatro años después, comenzó a trabajar con el artista André Vigneau, este lo introdujo en el mundo de la fotografía como arte. El 25 de septiembre de 1932, L'Excelsior publicó su primera fotografía. La crisis de los años treinta le afectó, debiendo pasar una larga temporada sin encargos. Participó como soldado en la Resistencia Francesa durante la II Guerra Mundial hasta que fue desmovilizado en 1940. Terminada la guerra, fue contratado por la ADEP y trabajó junto con Henri Cartier-Bresson y Robert Capa, reflejando la alegría y la jovialidad de la ciudad de París tras la desgracia. “Mi foto es la del mundo tal y como deseo que sea”
En 1950, el fotógrafo buscaba material para cumplir con un encargo de la revista estadounidense America´s Life, interesada en los enamorados de París. De ahí saldrá la serie Besos y su obra más significativa, El beso. La fotografía muestra de forma misteriosa una pareja besándose frente al ayuntamiento de París. Es un beso que simbolizó una multitud de cosas: el amor, París como ciudad romántica y representó una época de exaltación del sentimiento. En 1953 abandonó Vogue. Ya para el año 1979 rehabilitado para el mundo del arte, en la década de 1980 recorrió Asia. En 1993 El beso fue llevado a juicio. Una pareja afirmaba haberse reconocido en la imagen y reclamaba su porción del dinero, pero el fotógrafo ganó el juicio al presentar como prueba la serie completa de fotos tomadas en distintos puntos de París con la misma pareja, además ese mismo año tomó su última fotografía.
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ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Doisneau
Bernard Plossu (1945, Vietnam) Es un fotógrafo francés, viajero por excelencia. Estudio en París desde el 1951 al 1962. Con nada más 13 años empezó con la fotografía. “Cuanto más lejos se va, se encuentran más lugares a donde ir aún más lejos. La única proeza sobre el viajar es tomar la decisión de partir. Viajar no es cruzar fronteras sino cambiar de olor. Caminar, o la mejor manera de ir de ningún sitio a alguna otra parte.”
Viajó al Sahara con su padre, con una Kodak Brownie Flash, y, en 1965, se marchó a México en compañía de una expedición inglesa para fotografiar la jungla de Chiapas. Recorrió todo el oeste americano, Nevada y el Medio Oeste. En 1970 realiza un trabajo sobre la India. Sigue viajando continuamente, realizando numerosos reportajes en color y, en 1975, viaja, por primera vez, al Níger. Desde entonces no hace más que fotografías en blanco y negro tomadas con una focal de 50 mm. para quedarse al margen de la fotografía comercial. En 1983 empieza a pintar y a trabajar con la agencia Fotowest. Y en 2006 expone su proyecto Los jardines de polvo.
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ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/bernard-plossu.html https://es.wikipedia.org/wiki/Bernard_Plossu
Raymond Depardon (1942, Francia) Es un fotógrafo y cineasta francés, fundador de la agencia Gamma y, actualmente, uno de los más prestigiosos directores de cine documental. Con 12 años realiza sus primeras fotografías con la cámara Lumière de 6x6 de su padre. En 1957 se apunta a un curso de fotografía por correspondencia y al año siguiente, en 1958, va a París para trabajar como asistente del fotógrafo Louis Foucherand. En 1969 realiza su primer corto documental en Checoslovaquia. Sus temas son muy variados. En 1974, Depardon hizo un film sobre la campaña de Valéry Giscard d'Estaing para lograr las elecciones presidenciales francesas de 1974. En 1980 realiza otro llamado Dix minutes de silence pour John Lennon, en la cual ofrece la memoria del cantante. En 1981 funda con Pascale Dauman su propia productora Double D copyright film. Además en 1985 su corto New York, NY obtiene el César al mejor cortometraje, en 1989 fotografía la caída del muro de Berlín, y en 1991 recibe el Grand Prix National de fotografía. Por ahora el autor ha realizado 18 largometrajes y 21 cortos.
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ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/raymond-depardon.html https://es.wikipedia.org/wiki/Raymond_Depardon
4. Resumen del capítulo: Tal y como nos dice Momeñe los fotógrafos quisieron reclamar para la fotografía la categoría de medio artístico, la de artistas. Además esta confusión se plasmó sobre todo en el siglo XIX y a la que finalmente se le denominó pictorialismo (El pictorialismo es un movimiento fotográfico de pretensiones artísticas que se desarrolla a nivel mundial (aunque principalmente en Europa, Estados Unidos y Japón) entre finales de los años 1880 y el final de la Primera guerra mundial). Momeñe los denomina “fotografías que parecían pinturas y que no eran ni fotografías ni pinturas”. Lo que hace que una fotografía sea algo artístico es el hecho de que al realizar una debemos hacer que no pareciese vulgar, sino algo más al arte. Aunque es difícil el explicar en qué consiste “un artista” por lo menos como dice Momeñe debemos saber que es alguien capaz de crear obras de arte. Como ejemplo Momeñe nos propone Bill Viola;
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Bill Viola (1951, Estados Unidos) Es un video artista contemporáneo. Está considerado como una de las figuras más influyentes en la generación de artistas que utilizan los nuevos medios electrónicos audiovisuales. Sus obras engloban videoinstalaciones, ambientes auditivos y performance y las temáticas giran alrededor de las experiencias y preocupaciones de la condición humana, tales como el nacimiento, la muerte y la consciencia.
Algunos proyectos suyos son: The Quintet Series (2000), Ocean without a shore (2007), Observance(2002), The Tristan Project (2004), The night Journey (2005), Bodies of light (2009). PD:(ENLACE DE VIDEO SOBRE EL MISMO) https://www.youtube.com/watch?v=JNQCEMvEWcg Pero también están aquellos fotógrafos que apostaron por fotografiar solo lo vital, la realidad del mundo, sin más (Ej: Jacob Riis y Lewis Hine). Pero estás a pesar de no poseer ese “arte” del que hablamos también pueden ser de gran poder de atracción, ya que en ellas vemos en bruto el mundo. A esto se le llama Surrealismo. Para poder realizar una buena fotografía hace falta poder “sentirse implicado en lo que se encuadra a través del visor”. También es “Retener la respiración cuando todas nuestras facultades convergen para captar la realidad que se escapa” y por último “Es poner en la misma línea de mira la cabeza, el ojo y el corazón. Es una manera de vivir”. Una frase que me gusta de hecho de Momeñe que trata sobre esto dice así: “El fin de las buenas fotografías es aportar nuestros significados a lo que vemos, mostrar un mundo significado por la visión, legible, no abstracto, un mundo con nuevos rostros, todo ello gracias al poder revelador, de conversación, de la fotografía.” Otro detalle importante para el fotógrafo según Momeñe es el sentido de la geometría, es el interés que ponemos en que las cosas produzcan una sensación de armonía. Cartier Bresson a esto le denomina “Momento decisivo”.
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Estás fotografías no surgen del azar sino que exigen un esfuerzo, curiosidad, conocimiento, etc. Es decir “La historia de la fotografía es una colección de instantáneas cultas, de instantáneas cada vez más y mejor trabajadas, mas pensadas, de miradas más reflexivas, menos casuales, (…) siempre jugando con de la potencia de la visión irreverente de la simplicidad (…) forzando hasta el límite el filón visual.” Para que nuestras fotografías estuvieran más trabajadas, Momeñe nos propone imaginar que cada foto nos costase dinero, como es el caso de la cámara analógica en la cual de hecho nos pensamos más las fotos antes de echarlas, debemos de intentar hacer lo mismo con la cámara digital. Momeñe nos pone como ejemplo Weegee el cual utilizaba una placa por imagen y una bombilla por disparo, y de hecho es conocido como el mejor fotoperiodismo. Nuestras fotos deberán tener un compromiso visual, un concepto, con algún gesto o alguna intención.
ENLACES DEL RESUMEN: https://es.wikipedia.org/wiki/Pictorialismo https://es.wikipedia.org/wiki/Bill_Viola