EDUARDO MOMEÑE LA VISIÓN FOTOGRÁFICA: Quinto capitulo

ESCUELA DE ARTES DE ALMERÍA

Eduardo Momeñe La visión fotográfica: Capítulo cinco Nicky Van Der Roest 27/03/2018

Tema principal del capítulo y las ideas principales dictadas en él. Además de un resumen del capítulo y realizaré una búsqueda de los autores mencionados.

Nicky Van Der Roest 1ºB de Fotografía Artística

1. TEMA PRINCIPAL DEL CAPITULO: Debemos saber cómo queremos mostrar el mundo, de forma teatral o no.

Para ello Momeñe nos va diferenciando a varios fotógrafos de diferentes ámbitos.

Algunos montan una escena otros crean una acontecimiento con la cámara al estar en un testimonio. Tenemos que tener nuestras ideas claras. Para ello también debemos saber leer las fotografías de otros, y leer las nuestras como si fueran las de otros de tal modo que seamos un espectador de nuestra propia fotografía. La fotografía es un lenguaje al que Momeñe denomina “mirada fotográfica”. Debemos conocerla y conocer la mirada de otros y diferenciarlos. Pero hay una cosa que todos tenemos en común fotografiamos la luz.

2. IDEAS PRINCIPALES DEL CAPITULO: Las ideas principales se encuentran subrayadas en el resumen, con un color amarillo.     

Saber “leer” otras fotografías.

Crear acontecimientos con nuestra cámara.

Controlar lo que fotografiamos, el fondo, el modelo, etc.

Conocernos a nuestros mismos y saber qué tipo de fotógrafos queremos ser o somos, de un mundo de ficción o “real”.

Hay que aprender a mirar, a tener una “mirada fotográfica”.

Nicky Van Der Roest 1ºB de Fotografía Artística

1. AUTORES MENCIONADOS EN EL CAPITULO. Ralph Eugene Meatyard (1925 – 1972, Estados Unidos) Fue un óptico y fotógrafo estadounidense, interesado en lo extraño y lo simbólico, con raros contenidos y una puesta en escena, respondiendo siempre a una sesuda reflexión intelectual.

“Trabajo en varios grupos diferentes de imágenes que actúan unas con otras, pasando por varias maneras abstractas a una forma de lo surreal. He sido llamado predicador, pero en realidad soy generalmente más filosófico. Nunca he realizado una fotografía abstracta sin contenido. Un educado fondo Zen influencia todas mis fotografías.”

A los 18 años se unió a la marina, durante la segunda guerra mundial. Luego de ser relevado, estudió brevemente Pre-Odontología y luego convirtió sus estudios en un óptico. Después de su matrimonio, él y Madelyn se mudaron a Lexington, Kentucky, para continuar su oficio como óptico, trabajando para Tinder-Krausse-Tinder, una compañía que también vendía equipos fotográficos. Compró su primera cámara en 1950 para fotografiar a su primer hijo recién nacido, y trabajó principalmente con una cámara de formato medio Rolleiflex. Eventualmente encontró su camino hacia el club de cámara Lexington en 1954, y al mismo tiempo se unió a la Photographic Society of America. En el club se encontró con Van Deren Coke que sería una gran influencia en sus trabajos y con el que realizó la exhibición Creative Photography en 1956.

La experiencia le gustó y a mediados de los 50 asistió como alumno para perfeccionar su técnica a algunos talleres de verano. Su acercamiento a la fotografía era improvisado e influenciado muy fuertemente por la música de jazz de su tiempo.

Aunque vivió durante toda su corta vida dentro de unos patrones bastante normales (entrenador del equipo de beisbol del colegio, directivo de la asociación de padres), cuando hacía fotos no era precisamente tradicional: reclutaba a sus hijos y amigos y los metía en bosques o edificios abandonados, enmascarándolos de tétricos animales humanoides, retrataba a muñecos mutilados, escenificaba escenas que, decía, nacían de sus sueños en vigilia.

ENLACES:

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https://en.wikipedia.org/wiki/Ralph_Eugene_Meatyard http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/02/ralph-eugene-meatyard.html

Guy Bourdin (1928 – 1991, Fruncía) Fue un dibujante y fotógrafo de moda y de publicidad francés, uno de los más destacados de la segunda mitad del Siglo XX, obsesionado y apasionado con su trabajo en el que construyó un mundo de imágenes surrealistas, extrañas, llenas de violencia y sexualidad. Adoptado por Maurice Desire Bourdin y su madre, Marguerite Legay.

Durante los años 1948 y 1949 asumió labores militares en la fuerza aérea de Francia.

Ese mismo año, recibió su primer entrenamiento en fotografía y fue destinado a vivir en Dakar, Senegal. Y en 1950, exhibe por primera vez su trabajo. Dos años después, ofrece una muestra fotográfica en la Galerie 29.

En 1955 se publicaron sus primeras fotografías de moda, en la portada de la revista Vogue francesa.

En 1961 se casó con Solange Louise Gèze, que le daría un hijo, Samuel, pero la mujer falleció después de 10 años de matrimonio. En 1985, el Ministerio de Cultura de Francia le otorgó el Gran Premio Nacional de Fotografía, pero Bourdin se negó a aceptarlo.

En 1988, el Centro Internacional de Fotografía, de Nueva York, le otorga el premio Infinity Award.

Tras su muerte en 1991, muchos fotógrafos contemporáneos han expresado su aprecio por el trabajo de Guy Bourdin, incluyendo Nick Knight, David LaChapelle y Jean-Baptiste Mondino. Este último fue acusado de plagio por Samuel Bourdin (hijo de Guy), ya que dirigió el video musical de la canción «Hollywood», de Madonna, donde se mostraban imágenes idénticas a las célebres fotografías de su fallecido padre.

Bourdin consideró que la obra audiovisual de Montino no era un homenaje a la obra de su padre, sino un robo y exigió US $600.000.

ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo. com/2010/03/guy-bourdin.html https://es.wikipedia.org/wiki/Guy _Bourdin

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Alfred Eisenstaedt (1898, Polonia – 1995, Estados Unidos) Fue fotógrafo de la revista “Life”, y es considerado el padre del fotoperiodismo moderno. Su familia era judía (su padre era comerciante) y se mudaron a Berlín en 1906. A los 14 años su tío le regalo una Kodak Eastman Nro 3. Fue entonces cuando se apasiono con la fotografía. Durante la Primera Guerra Mundial participó en el Ejército Alemán como artillero, siendo herido en 1918. Tras la Primera Guerra Mundial trabajó como vendedor de artículos para cocer (botones, etc.) y dedicaba su tiempo libre a aprender fotografía, teniendo gran interés por todos los aspectos, tanto técnicos como creativos. Tuvo el éxito suficiente para convertirse en un fotógrafo de tiempo completo en 1929, gracias a una foto suya de una tenista publicada en la revista Weltspiegel. Cuatro años más tarde fotografió una reunión entre Adolf Hitler y Benito Mussolini en Italia. Comenzó a trabajar como freelance para Pacific and Atlantic Photos. En este período utilizó una Leica 35 mm.

"Ellos no me tomaban seriamente con mi pequeña cámara. No vengo como un fotógrafo.

Vengo como un amigo".

ENLACES: https://oscarenfotos.com/2015/02/28/galer ia-alfred-eisenstaedt/ https://es.wikipedia.org/wiki/Alfred_Eisenst aedt https://clubdefotografia.net/grandesfotografos-alfred-eisenstaedt/

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John Cohen (1932, Estados Unidos) Es un musicólogo, cineasta y fotógrafo estadounidense que, a través de la fotografía, documentó una de las eras más transformadoras del arte estadounidense.

“Una idea temprana que tenía era ser pintor, pero entre la perspectiva de una vida frente a un caballete o fotografiar por todo el mundo, la fotografía ganó. La fotografía podría convertirse en personal, subjetiva y documental. La lente se convirtió en el centro de una ecuación con el mundo visible en un lado y el mundo interior en el otro.”

John Cohen ha estado haciendo fotografías desde 1954. Su visión fotográfica se formó antes de que hubiera galerías de fotografía. En ese momento el único trabajo de un fotógrafo se encontraba en el fotoperiodismo o en la publicidad, y no era esto lo que quería hacer. En su lugar, hizo sus propias fotografías personales, así como documentación de cosas que eran importantes para él: en su mayoría artistas y músicos. Sus investigaciones fotográficas lo llevaron a los Andes y a los Apalaches, donde fotografió músicos tradicionales en sus propios lugares de origen. Sus fotografías se han empleado en portadas de discos, y sirvieron como prueba preliminar para sus proyectos cinematográficos posteriores. Viajó mucho al Perú, fascinado por la vestimenta y el estilo de vida de la población indígena andina.

Algunas de sus mejores imágenes conocidas documentan se centran en el Cedar Bar de Nueva York; donde actuaban diversos artistas, como la llegada del joven Bob Dylan a Nueva York, los escritores de la Generación Beat durante el rodaje de la película de Robert Frank y Alfred Leslie Pull My Daisy y otros…

Actualmente Cohen reside en el bajo Hudson Valley de Nueva York. Frecuentemente se presenta con Down Hill Strugglers.

ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2015/06/john-cohen.html https://en.wikipedia.org/wiki/John_Cohen_(musician)

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Bill Brandt (1904, Alemania – 1983, Reino Unido) Fue un fotógrafo británico conocido por sus imágenes en blanco y negro sobre contrastes sociales en la sociedad británica y sus fotos distorsionadas de desnudos y paisajes.

Estudió pintura y fotografía.

En 1928 viajó a París, donde empezó a hacer retratos a personajes distinguidos del mundo de la cultura. Allí conoció al poeta estadounidense Ezra Pound, que lo introdujo en el círculo del también fotógrafo y artista Man Ray, con quien trabajó como asistente en 1929. Conoció entonces a Brassaï, y gracias a estos contactos pudo descubrir el mundo del arte.

En 1930 se puso a trabajar como fotógrafo independiente para la revista Paris Magazine y al año siguiente se trasladó a Londres y continuó trabajando como free-lance, iniciando su carrera de prensa con trabajos documentales sobre la vida de los ingleses hasta el año 1935. Un año más tarde publicó esta serie de fotografías con el título de Los ingleses en su casa.

En la década de los cuarenta trabajó para diferentes revistas y periódicos, entre los que se encuentran Lilliput, Picture Post, Harper's Bazaar o el News Chronicle. En esta época empezó a concentrarse más en los retratos, género que le hizo famoso por el tipo de personajes que fotografiaba. Entre 1945 y 1950 se consagró al paisaje inglés, pero también al desnudo femenino, al que se dedicó después de haber experimentado con un objetivo gran angular. Para este género, Bill Brandt creaba ambientes misteriosos y surrealistas por medio de perspectivas deformadas de un espacio que previamente había amueblado elegantemente para que posaran sus modelos, distorsionando los cuerpos hasta hacer de ellos formas abstractas. Algunos de sus álbumes de fotografías son Camera in London (1948), Literary Britain (1951), Perspective of Nudes (1961) y Shadow of Light (1966).

ENLACES: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/brandt_bill. htm https://es.wikipedia.org/wiki/Bill_Brandt

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Alfred Stieglitz (1864 – 1946, Estados Unidos) Fue un fotógrafo estadounidense que entendía la fotografía como una nueva forma de arte y dedicó su vida y su carrera a demostrarlo.

Se inició en la fotografía en Alemania y a los 17 años de edad comenzó a estudiar ingeniería mecánica. Mientras estudiaba adquirió una cámara y se inscribió en un curso de fotografía allí además de aprender la parte técnica, Stieglitz fue influenciado por la fotografía pictorialista.

Obtuvo un rápido reconocimiento, sobre todo en Inglaterra donde recibió su primer premio, una de sus primeras fotos relevantes fue “La Última Broma”.

En 1890 Alfred Stieglitz vuelve a Estados Unidos donde montó su primer estudio de fotografía con la ayuda familiar. Escribía regularmente para la revista "The American Amateur Photographer" con la que se ganaba la vida. En 1982 compra una cámara más manejable que la que tenía y realiza con ella algunas de sus instantáneas más famosas.

Fundó en 1896 el "Camera Club" que tuvo gran importancia en la vida cultural y artística de Nueva York. Stieglitz abandonó todas sus ocupaciones para dedicarse únicamente y en exclusiva a la asociación fotográfica. La publicación del club llegó a considerarse la mejor revista de fotografía del mundo. Su nombre era "Camera work", que se llegó a publicar hasta el año 1917. Y del año 1902, aproximadamente, hasta el 1917 creó el grupo llamado Photo-Secession. A él sólo se podía acceder a través de invitación y contaba con miembros muy importantes del mundo de la imagen. Entre ellos se encontraban Alvin Langdon Coburn o Edward Steichen. El club tuvo su propia galería de arte llamada 291 que era el número de la quinta avenida de Nueva York donde estaba. Los miembros del grupo se revelaban contra la fotografía pictórica que había imperado hasta el momento. En la galería se expusieron trabajos de Picasso, de Matisse o Cezzane.

Cuando le presentan El entrepuente en 1914, Picasso comenta que Stieglitz "ha comprendido lo que es la fotografía". De ahí en adelante, Stieglitz se dedica a una fotografía "pura" (straight photography).

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Antes de dejar definitivamente la fotografía en 1937 debido a su deteriorada salud, Stieglitz firma lo que constituye, junto con los Equivalents, un verdadero legado espiritual. Sus últimas imágenes son las de los árboles de Lake George, como celebración de la primavera. Después de la Primera Guerra Mundial, la difusión de los trabajos de Stieglitz es bastante limitada. Aunque expone con regularidad, prefiere limitar las publicaciones en las revistas.

ENLACES: http://www.fotonostra.com/biografias/stieglitz.htm http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/10/biografia-alfred-stieglitz.html https://es.wikipedia.org/wiki/Alfred_Stieglitz

Martin Parr (1952, Reino Unido) Es un fotógrafo británico miembro de la Agencia Magnum desde 1994, reconocido por su particular acercamiento a la fotografía de documentación social. Su obra se caracteriza por el sentido del humor y la ironía de su mirada sobre el estilo de vida de la gente corriente en Gran Bretaña.

“Creo en la expresión de la ambigüedad a través de la fotografía, la capacidad de expresarla en una sola imagen. En cierto sentido es lo que intento con mi trabajo.”

Es nieto de George Parr, un fotógrafo aficionado, y el que le influencio a estudiar fotografía. Fue a la Escuela Politécnica de Mánchester entre los años 1970 a 1973. Su trabajo reflejaba el estilo de vida de la gente corriente en Gran Bretaña, reflejando el deterioro social y los problemas de la clase trabajadora. Inicialmente trabajó en blanco y negro, pero en 1984 se pasó al color. También ha trabajado en el cine documental.

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Su primer contacto con este medio fue su colaboración con Nick Barker en 1990-1992, realizando fotografías de la película Signs of the Times. Pero no fue hasta 1997 que comenzó a producir sus propios documentales de televisión con Mosaic Film.

En 2004 fue nombrado profesor de fotografía en la Universidad de Gales y director artístico invitado de los Rencontres D'Arles. Y en 2008 recibe el premio PHotoEspaña Baume et Mercier entre otros. El sentido del humor es muy importante en la obra de Matin Parr. Para él, es el modo de salvarse del ridículo y la decadencia en nuestra vida diaria. La banalidad, el aburrimiento y la falta de sentido de la vida moderna, que plasmó en trabajos como "Parejas aburridas" y "Sentido Común".

ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/06/martin-parr.html https://es.wikipedia.org/wiki/Martin_Parr

Clarence John Laughlin (1905 – 1985, Estados Unidos) Fue un fotógrafo americano considerado el primer fotógrafo surrealista de los Estados Unidos.

“No empecé como fotógrafo, sino como escritor… este hecho ha inspirado y dado color a algunos de mis conceptos”

Tras arruinarse en una empresa de cultivo de arroz en 1910, su familia se trasladó a New Orleans donde el padre de Laughlin encontró el trabajo en una fábrica. Laughlin era un niño introvertido con pocos amigos y una relación muy cercana con su padre, que le alentó su amor por la literatura y cuya muerte en 1918 le destrozó a Clarence.

A pesar de que no llego a terminar era un hombre educado y muy culto. Quería ser escritor y escribió inicialmente muchos poemas e historias en el estilo del simbolismo

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francés. Descubrió la fotografía cuando tenía 25 años y aprendió de forma autodidacta con su cámara de 2 ½ x 21/4. Comenzó a trabajar como fotógrafo de arquitectura de forma independiente y fue empleado posteriormente por agencias tan variadas como Vogue Magazine y el gobierno de los E.E.U.U. Muchos acreditan a Laughlin como el primer fotógrafo surrealista verdadero de los Estados Unidos. Sus imágenes son a menudo nostálgicas, influenciado por Eugene Atget y otros fotógrafos que intentaron capturar paisajes urbanos en fase de desaparición. El libro más conocido de Laughlin, “Ghosts Along the Mississippi”, fue publicado en 1948.

ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/clarence-j-laughlin.html

Lisette Model (1901, Viena – 1983, Estados Unidos) Fue una fotógrafa austriaca nacionalizada americana figura clave de la historia de la fotografía, tanto por su personal y característica forma de fotografiar como por la labor docente que desempeñó. Era hermana de la también fotógrafa Olga Seybert.

“Lo que me interesa es la superficie. Porque la superficie es el interior. La gente siempre dice que hay que investigar dentro.

Olvídalo. Todo está por fuera.”

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Su padre, un hombre rico y cultivado, la introduce en el mundo de la música, recibiendo clases de piano con aproximadamente 19 años, en los años 1920-21.

Durante la Primera Guerra Mundial a la familia le empiezan a ir mal los negocios y a la muerte de su padre marcha a París con su madre (que era francesa) y su hermana Olga. En 1933 se empieza a interesar por la fotografía por razones puramente económicas. Su amiga Rogo André, fotógrafa y primera mujer de André Kertész, le enseña a manejar una Rolleiflex.

En 1934 inicia su serie Promenade des Anglais, un estudio crítico de la burguesía. Dicho estudio es publicado al año siguiente en el periódico Regards.

En 1937 se casa con con el pintor Evsa Model y al año siguiente se trasladan a Estados Unidos.

Se relaciona con el grupo Photo League así como con Paul Strand, Edward Weston, Berenice Abbot, con quienes expuso en el MOMA de Nueva York. En 1941, una de sus más conocidas imágenes, Coney Island Bather, es usada para ilustrar un artículo en Harper's Bazaar. En 1950 cambia la Rolleiflex por una Leica de 35 mmm.

Y al año siguiente se inicia como profesora en el New School for Social Reseach, donde daría clases años más tarde a Diane Arbus entre otros. En 1953 vuelve a Europa e inicia una serie con monumentos de la ciudad de Roma. En 1965 obtuvo una beca de la Fundación Guggenheim, para el proyecto Glamour: The Image of Our Image.

En 1968 se le concede el título de miembro honorario de la Asociación Americana de Fotógrafos de Prensa. Sus últimas muestras fueron en la Galería Sander de Washington DC (1976) y una retrospectiva en el Museo de Arte de Nueva Orleans (1982).

ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/lisettemodel.html https://es.wikipedia.org/wiki/Lisette_Model

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Paul Outerbridge (1896 – 1958, Estados Unidos) Fue un fotógrafo americano de educación multidisciplinar, sus primeras fotografías se centraron en abstracciones de estilos de vida, con objetos comunes como tazas, bombillas, etc. Trabajó como fotógrafo comercial, principalmente de moda, siendo conocido por la alta calidad de sus ilustraciones en color, realizadas por medio del proceso tricolor carbro, que era extremadamente complejo.

“Una diferencia muy importante entre la fotografía de color y la monocromática es que, en blanco y negro sugieres, en color expones, muestras. Mucho puede ser implicado por la sugerencia, pero la exposición pide certeza… absoluta certeza.”

En su adolescencia trabajó como ilustrador y diseñador de teatro. Después de que un accidente causara su salida del Royal Canadian Naval Air Service, en 1917 se alistó en el ejército americano donde empezó con la fotografía. En 1921 asistió a la escuela de fotografía Clarence H. White en la Universidad de Colombia. Al año siguiente su trabajo empezó a aparecer en revistas como Vanity Fair y Vogue.

Además en 1925, la Royal Photographic Society de Londres invitó al fotógrafo a que expusiera. Después viajó a París donde entabló amistad con fotógrafos y artistas como Man Ray y donde produjo la versión francesa de Vogue, y construyó el estudio fotográfico para publicidad más grande y mejor equipada de todos los tiempos.

En 1943 se trasladó a Hollywood tras retirarse como fotógrafo comercial tras los escándalos por sus fotografías eróticas. Y en 1945, se casó con la diseñadora de moda Lois Weir y trabajaron juntos en su compañía de moda Lois-Paul Originals.

ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/paul-outerbridge.html https://en.wikipedia.org/wiki/Paul_Outerbridge

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Aleksandr Rodchenko (1891 - 1956, Rusia) Fue un artista ruso, escultor, fotógrafo y también diseñador gráfico. Fue uno de los fundadores del Constructivismo Ruso y uno de sus representantes más versátiles. Inicialmente, se dedica a la pintura y al diseño gráfico antes de dedicarse a la fotografía y al fotomontaje. Ródchenko hizo sus primeros dibujos abstractos, influido por el Suprematismo de Kazimir Malévich, en 1915. Al siguiente año, participó en "The Store", exhibición organizada por Vladímir Tatlin, quien ejerció una gran influencia en su desarrollo como artista.

Fue nombrado como Director de la Oficina del Museo y del Fondo de Compras en el año 1920, siendo responsable de la reorganización de las escuelas de arte y de los museos. Junto a Vladimir Mayanovsky, crea entre 1923 y 1925 una agencia de publicidad llamada “Mayakovski-Ródchenko Advertising-Constructor”, mediante la cual crearon más de 150 piezas publicitarias, diseños, entre otros. Rodchenko estaba a cargo del diseño gráfico, y Mayanovsky de los eslóganes y frases publicitarias. A finales de 1930, Rodchenko vuelve a la pintura, y deja de fotografiar en el año 1942, pintando cuadros expresionistas abstractos en los años ’40.

ENLACES: http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/11/alexander-rodchenko-18911956-ninci.html https://es.wikipedia.org/wiki/Aleksandr_R%C3%B3dchenko

Nicky Van Der Roest 1ºB de Fotografía Artística

Tina Barney (1945, Estados Unidos) Es una fotógrafa estadounidense es más conocido por crear fotografías coloridas de gran formato de su rica familia de la Costa Este.

“Cuando me dicen que en mis fotografías existe un distanciamiento, una frialdad, que la gente siente que no conecta con lo que está viendo, pienso que eso es lo mejor que he podido hacer. Esa incapacidad para mostrar un afecto físico forma parte de nuestra herencia.”

Su bisabuelo fue Emanuel Lehman, co-fundador de Lehman Brothers. Ella fue presentada a la fotografía por su abuelo cuando era niña. Y cuando era adolescente, estudió Historia del Arte en la Escuela Spence en Manhattan, y a la edad de 19 años, vivió en Italia durante un tiempo donde pudo estudiar más arte.

Se involucró con la fotografía, cuando se le solicitó ser voluntaria para el Consejo Junior del Museo de Arte Moderno en Nueva York, alrededor de 1971, trabajando en el departamento de fotografía y catalogando el trabajo para un espectáculo. Ella comenzó a recolectar fotografías y a ir a diferentes galerías, para educarse en el medio. Después de mudarse a Sun Valley en 1973, comenzó a tomar clases de fotografía como hobby.

ENLACES: https://en.wikipedia.org/wiki/ Tina_Barney http://www.cadadiaunfotogra fo.com/2014/12/tinabarney.html

Nicky Van Der Roest 1ºB de Fotografía Artística

Erich Salomon (1886, Alemania – 1944, Polonia) Fue un fotógrafo alemán que fue pionero del periodismo fotográfico moderno y uno de los primeros en usar máquinas de pequeño formato y en fotografiar interiores sin flash ni lámparas. Llegó a ser llamado “el rey de los indiscretos”.

"Un domingo, estando yo sentado en la terraza de un restaurante a orillas del Spree, estalló una furiosa tormenta. Minutos después llegó un vendedor de periódicos y contó que el ciclón había derribado árboles y que una mujer había muerto. Entonces cogí un taxi y avisé a un fotógrafo. Luego ofrecí estos documentos exclusivos a la casa Ullstein. Me dieron 100 francos a cambio. Entregué 90 francos al fotógrafo y pensé que mejor hubiera sido que yo mismo hiciera las fotografías. Al día siguiente me compré una cámara."

El 9 de febrero de 1928 el Berliner Ilustrierte publica la primera fotografía de Salomon, que muestra la imagen de un acusado en un juicio, obtenida a pesar de la prohibición de realizar fotos en los tribunales en Alemania, y de las dificultades técnicas para trabajar en interiores sin iluminación extra, para lo que Salomon empleó su cámara oculta en un maletín. A partir de ese momento estuvo trabajando como reportero gráfico hasta 1933. Su trabajo se desarrolló en sólo 5 años, en diversas publicaciones como Berliner Illustrierte, Life o Daily Telegraph. Los principales temas que abordaba eran reuniones oficiales de las autoridades y también del mundo cultural y artístico.

Salomon realizó un importante cambio en la concepción del reportaje gráfico al emplear una cámara de pequeño formato: comenzó con una de la marca Ermanox, que tenía un objetivo muy luminoso de f/2 y el uso de placas fotográficas ultra rápidas que le permitió «fotografiar todo cuanto se pone al alcance de los ojos».5 Era un modo de romper con la forma tradicional de hacer retratos de personas y grupos en los que se reflejaba una actitud estática, posada y fuertemente controlada por el retratado. Además defendió la iluminación natural para no interferir en las escenas. Por el valor de su obra y por su influencia sobre las siguientes generaciones de fotoperiodistas, se considera a Erich Salomon como uno de los padres del fotoperiodismo. Al alcanzar el poder Hitler, en 1934 Salomon emigró a los Países Bajos pero tras la invasión de estos en 1940 fue detenido en Ámsterdam. En 1944 fue asesinado en el campo de concentración de Auschwitz junto a su esposa y su hijo.

ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/Erich_Salomon http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/06/erich-salomon.html

Nicky Van Der Roest 1ºB de Fotografía Artística

Martin Chambi (1891- 1973, Perú) Fue un fotógrafo peruano que es considerado una de las grandes figuras de la fotografía americana, siendo reconocido por sus fotos de profundo testimonio social, histórico y étnico, donde retrató profundamente a la sociedad agraria y urbana de los Andes peruanos.

“Siento que soy un representativo de mi raza; mi gente habla a través de mis fotografías.”

Martín Chambi tiene origen campesino, proviene de los Andes Peruanos, de un pueblo llamado Coaza. Luego de su primer contacto con la fotografía en la mina de oro donde trabajaba su padre, viaja a Arequipa y tras el aprendizaje y práctica en los talleres del Portal de Flores de la Plaza de Armas, finaliza su periodo en Arequipa exponiendo, gracias a la ayuda de su maestro, en el Centro Artístico de aquella ciudad en el año 1917. En los siguientes meses viaja a la ciudad de Sicuani donde instala su propio y primer Estudio y taller. Durante su permanencia allí nace su única hija fotógrafa Julia Chambi. En 1920 se establece en la ciudad de Cuzco, donde su estudio llega a ser el más importante de la ciudad. En 1927 inicia su etapa madura en la fotografía. Chambi fue uno de los protagonistas de la denominada Escuela de Fotografía Cusqueña. En 1950 se produce el terremoto de Cuzco y Martín abandona gradualmente la fotografía.

Expuso en vida por lo menos diez veces, tanto en Perú como fuera de él. Dividió su trabajo en dos grupos:  

El de índole comercial, que incluía los retratos por encargo, en estudio y exteriores, los grandes retratos grupales.

El de carácter personal, que incluía: o Su registro antropológico, (retratos de la etnia andina y registro de tradicionales locales). o Sus numerosas vistas urbanas de Cuzco. o Sus vistas de restos arqueológicos.

En 1977 se realizan los primeros trabajos de catalogación de su obra y se inicia su reconocimiento internacional.

ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/ 2010/05/martin-chambi.html http://martinchambi.org/es/biografia/ https://es.wikipedia.org/wiki/Mart%C 3%ADn_Chambi_Jim%C3%A9nez

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Cindy Sherman (1954, Estados Unidos) Es una artista, fotógrafa y directora de cine estadounidense. Creció como la más joven de cinco hermanos en la ciudad de Huntington, Long Island, donde su familia se mudó poco después de su nacimiento. Su padre se ganaba la vida como ingeniero y su madre trabajaba como maestra de lectura.

Sherman no estaba particularmente involucrada en las artes cuando era joven, durante su infancia y adolescencia no estuvo inmersa en un entorno en el que tuviese contacto con las manifestaciones artísticas. Se empezó a interesar por las Artes Visuales en la Universidad de Buffalo, entre 1972 y 1976. Empezó a trabajar la pintura hasta que se dio cuenta de que no era suficiente. Frustrada por las limitaciones de la pintura, se dio por vencida. Después de su graduación, en 1976, decidió mudarse a Nueva York para embarcarse de lleno en su carrera artística, en un loft en Manhattan. Fue entonces cuando comenzó a tomar fotografías de sí misma. Estas fotografías, autorretratos conceptuales, vendrían a ser conocidas como “Complete Untitled Film Stills (1977-1980)”, en los que escenifica situaciones con vestuario y utilería para dar a las fotografías la apariencia de un fotograma cinematográfico, usando estética, estilo, apariencia, narrativas y planos propios del cine blanco y negro de las décadas de 1940 y 1950, particularmente al de directores de Hollywood como Alfred Hitchcock (18991980). En cada una de estas fotografías, ella juega un roll, no una persona real, sino una ficción auto - fabricada. Una serie de gran importancia para su obra fue “Centerfolds” que en 1981, hizo por encargo de la revista de arte neoyorquina “Artforum”. En estas imágenes muchos vieron una connotación de abuso sexual adjudicando a esta razón la molestia o preocupación que mostraba Sherman en estos retratos.

En otra conocida serie "History Portraits, (1988-1990)", donde personifica protagonistas masculinos de pinturas clásicas de la historia del arte de Occidente, tales como "Baco enfermo" de Caravaggio, entre otros. A pesar de que ella aparece en las fotografías, no las considera propiamente autorretratos. Sus autorretratos fueron mutando y avanzando hasta obtener resultados más oscuros como los de su serie “Sex Pictures” (1992). En sus trabajos más recientes, vemos a una artista entrada en años que continúa agitando el arquetipo de la mujer en sociedad. La idea de vulnerabilidad en muchas de sus fotografías llega a ser repugnante. Por ejemplo en Sin título#465 (2008), Sherman se presenta como una gran dama en las afueras de Central Park; Sherman se muestra de forma desagradable e enfadada.

ENLACES: http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/11/cindysherman.html https://es.wikipedia.org/wiki/Cindy_Sherman

Nicky Van Der Roest 1ºB de Fotografía Artística

Herbert List (1903 – 1975, Alemania) Fue un fotógrafo alemán, conocido por sus colaboraciones en las revistas Vogue, Harper's Bazaar y Life y por sus trabajos sobre desnudos masculinos.

Herbert estudió historia de la literatura en la Universidad de Heidelberg y tras finalizarlos regresó a su ciudad natal, Hamburgo en 1924. Estuvo realizando viajes comerciales hasta el 1929, y al regresar a Alemania se convirtió en asociado de List & Heineken que era el nombre del negocio de su padre.

Empezó a interesarse por la fotografía por Andreas Feininger, en 1930, tras conocer el trabajo visual de otros fotógrafos como René Magritte y Man Ray, por ello su trabajo se inició bajo el prisma del surrealismo. Después de cinco años dejó el trabajo en su empresa y se trasladó a París y al año siguiente a Londres, donde montó un estudio fotográfico en 1938 y comenzó a vender sus fotos para revistas como Vogue, Harper's Bazaar y Life. En 1945 regresó a Múnich y en 1948 se convirtió en editor de arte de la revista Heute. En los años siguientes, hasta 1962, estuvo viajando y visitando países como Grecia, España, Italia, México, etc… y publicando en diversas revistas.

A pesar de ser un asociado de la Agencia Magnum no realizó muchos encargos para ella.

ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/Herbert_List

Nicky Van Der Roest 1ºB de Fotografía Artística

2. RESUMEN DEL CAPÍTULO: Momeñe nos comenta que ya vamos aprendiendo a reflexionar y manejar la cámara.

Como dice el mismo; “Nuestra autobiografía en imágenes” es decir, nuestra opinión fotográfica del mundo. Ya que de echo iremos aprendiendo a tener una mirada propia, e iremos dejando nuestra huella en cada uno de nuestras imágenes. También debemos saber “leer” otras fotografías, el saber decir que nos están contando. A pesar de que en ocasiones como dicta Momeñe, hay imágenes que no tienen como expresarlas en palabras pero si la entiendes.

De hecho la fotografía es un lenguaje, una buena fotografía nos habla, nos atrapa, nos mira. Debemos verlo como una hoja en blanco al que vamos cubriendo con luces y sombras. Para entender esto Momeñe nos lleva a que investiguemos sobre el libro de William Henry Fox Talbot, “The Pencil of Nature”; El primer libro fotográfico e ilustrado de la historia, publicado en seis entregas entre 1844 y 1846 por Talbot. El libro detalla el desarrollo del calotipo e incluye 24 impresiones hechas por medio de este proceso. Las fotos que en él se recogen se pegaban a mano, método que años después le traería problemas pues las imágenes terminaron dañadas y tuvo que devolver el dinero a todas las personas que lo habían comprado. (“Artículos de China” 1844)

“Una de las claves de la fotografía es estar allí, no solo donde creemos que existe un testimonio, sino donde creemos que podemos crear un acontecimiento con nuestra cámara.” Y para esto Momeñe nos pone de ejemplo a Margaret Bourke-White, en 1945 cuando ella fue a fotografiar a la liberación de los campos de concentración nazi.

(“Prisioneros de Buchenwald”, 1945, de Margaret Bourke-white)

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(“El doctor Kurt Lisso tesorero de la cuidad de Liepzig su mujer y su hija después de haber tomado veneno para evitar rendirse a las tropas americanas” 1945, de Margaret Bourke-white)

(Fotografía de Bill Brandt, 1847)

A la hora que decidamos hacer fotografías con una lente gran angular, debamos tener cuidado en que no de una estilización gratuita. Como en el caso de Bill Brandt que de hecho como indica Momeñe ha ido utilizando blancos y negros profundos para recrear un sueño, tal y como lo hacía el cine.

(Eleanor, Nueva York, 1945 de Harry Callahan) Todo lo que podemos ver en esta imagen se había planeado, es decir, nada es casual.

“En muy poco tiempo hay que controlar muchas cosas para que todo funcione bien” Porque no es la expresión del rostro, ni la luz, sino todo, “la fotografía lo es todo” como dice Momeñe.

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(Le Baiser de l'Hotel de Ville, Paris, 1950 de Robert Doisneau) Tal y como nos indica Momeñe se rumorea que esta fotografía no es “cierta” que la pareja poso.

Pero como dice Momeñe debemos preguntarnos “¿Qué quiere decir que no fue cierta?” Es cierto que esto ya no sería un reportaje fotográfico, ya no tiene el moral de él, ya no se pertenece a lo que hacía Cartier Bresson. ¿Nos ha manipulado Doisneau?, la imagen existe, y a pesar de no pertenecer al género reportaje si es una obra maestra. Y como dice Ralph Gibson “La única verdad de interés es la de la fotografía, no los testimonios, no los hecho generados de la imagen, no la verdad del mundo”. Si en el caso de Margaret el testimonio hubiera sido falso, sería otra historia, quizás este caso no hubiera sido admisibles ya que el contexto es demasiado explícito.

Al igual que para ella, para Walker Evans, la fotografía es un simple registro del mundo, “directas e incompatibles con cualquier tentación de maquillar la realidad”, como indica Momeñe.

(Mae Bourroghs 1936, Fotografía de Walker Evans, del libro “Let Us Now Praise Famous Men”, escrito por James Agee en 1941) El libro “Let Us Now Praise Famous Men” documenta las vidas de los arrendatarios empobrecidos durante la Gran Depresión .

Aunque está en consonancia con el trabajo de Evans con la Administración de Seguridad Agrícola , el proyecto fue iniciado por la revista Fortune . El título deriva de un pasaje en la Sabiduría del Eclesiástico. En el libro Agee discute con las tradiciones literarias, políticas y morales que podrían no significar nada para sus súbditos, pero que son importantes para el público en general y el contexto más amplio de examinar las vidas de los demás. Además a lo largo del libro, Agee y Evans usan seudónimos para ocultar la identidad de las tres familias arrendatarias

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Dos planteamientos, dos figuras de fotógrafos diferentes, un buen ejemplo para mostrar que debemos saber cuál es nuestro propósito, y trabajo. Saber esto nos ayudará mucho para saber cómo definir nuestra mirada. Es o no es un escenario.

Averigüemos como nos indica Momeñe a investigar qué tipo de fotógrafos somos.

Una idea que debe de saber cualquier fotógrafo es que fotografiamos a la luz, no tiene que ser bella pero si comprometida, que nos diga algo, como dicta Momeñe.

Conociendo a fotógrafos a través de una investigación, sabremos diferenciarlos, lo cual es bastante importante según Momeñe.

(Primavera Praga, 1968 de Jousef Koudelka)

(“Americus”, 1937, La gran depresión por Dorothea Lange)

(“Possesed by the past”, 1939 de Clarence John Laughlin) En este caso la fotografía depende en parte del texto para llegar a comprender este retrato que en sí ya está resuelto pero se condiciona por el título.

(Robert Mapplethorpe y Patti Smith, 1969) Imagen simple, realizada en un estudio.

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(“Untitled”, 1960 de Ralph Eugene Meatyard) Momeñe le pone como ejemplo del mejor aficionado, un curioso de una belleza extraña.

Siempre a la luz natural. ______________________________________ (Retrao frontal de Vladimir mayakovsky, 1924, de Aleksander Rodchenko) Momeñe pone como ejemplo esta fotografía de que la persona retratada forma parte de la fotografía. “La misma mirada que desafía a nuestra cámara es la misma que desafiara a quien vea nuestra fotografía”.

“Si entendemos bien (…) las imágenes de los clásicos, estaremos más discapacitados a entender nuestras propias imágenes” Un truco sería ver nuestras fotografías como si fueran las de otro y de este modo será más fácil criticarlas desde el punto de vista de un espectador. Hay que aprender a mirar, a ver.

“Lo que proyectamos en nuestra fotografía es nuestra visión total del mundo” Se tratá de cambiar viejos hábitos por otros nuevos tal y como nos indica Momeñe. A esto Momeñe lo denomina “mirada fotográfica” y que en el momento que empecemos a comprenderla, ya estamos subiendo de nivel.

ENLACES (RESUMEN): https://en.wikipedia.org/wiki/The_Pencil_of_Nature https://es.wikipedia.org/wiki/El_l%C3%A1piz_de_la_naturaleza https://en.wikipedia.org/wiki/Let_Us_Now_Praise_Famous_Men https://es.wikipedia.org/wiki/Le_baiser_de_l%27h%C3%B4tel_de_ville https://gittermangallery.com/exhibition/5/exhibition_works/989