EDUARDO MOMEÑE LA VISIÓN FOTOGRÁFICA: Sexto Capitulo

ESCUELA DE ARTES DE ALMERÍA, 1ºB DE FOTOGRAFÍA ARTÍSTICA

EDUARDO MOMEÑE LA VISIÓN FOTOGRÁFICA; CAPITULO SEIS

Nicky Van Der Roest 16/05/2018

Nicky Van Der Roest 1ºB FOTO

1. TEMA PRINCIPAL DEL CAPÍTULO: El tema principal de esté capitulo es la de conocernos como fotógrafos y también parte de la técnica básica que haría falta saber en correspondencia con lo que nosotros pretendamos aportar. ¿Somos de fotografías en color o blanco y negro? ¿Qué formato?, ¿Reflex o analógico? ¿Cuál sería nuestro proyecto?

2. IDEAS PRINCIPALES:     

Saber crear imágenes que sorprendan visualmente y seduzcan.

Conocernos como fotógrafos.

Percibir el color como luz.

Criticar nuestras fotografías.

Plantearnos un proyecto.

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3. FOTOGRÁFOS MENCIONADOS POR MOMEÑE: Larry Burrows (1926, Inglaterra - 1971, Laos) Fue un fotoperiodista conocido por sus fotografías de la guerra del Vietnam. A los dieciséis años dejó la escuela y comenzó su carrera periodística en el Daily Expres.

Empezó a trabajar para la revista Life en 1942 imprimiendo fotografías entre ellas algunas de Robert Capa, se llegó hasta a pensar que fue Burrows, quien estropeara los negativos de Robert Capa del día-D, pero parece ser que fue otro técnico quien lo hizo. En 1945 comenzó a realizar retratos, entre los que destacan los de Ernest Hemingway o Winston Churchill. Burrows llegó a ser fotógrafo y cubrió la guerra de Vietnam desde 1962 hasta su muerte en 1971, cuando su helicóptero, que acompañaba a las fuerzas de Vietnam del Sur invadiendo Laos, cayó, muriendo junto a él algunos periodistas. Más tarde su libro póstumo Vietnam ganó el premio Nadar.

ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/Larry_Burrows http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/03/larry-burrows.html

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Sally Mann (1951, Estados Unidos) Es una fotógrafa estadounidense cuyo trabajo ha llamado la atención por algunas controversias, al final de la década de 1990, de cristianos conservadores de su país los cuales protestaron contra la fotógrafa, y otros acusándoles de crear pornografía.

“Nuestra historia de derrota y de pérdida nos mantuvo aparte de los otros americanos y debido a ella, abrazamos el concepto de Proust de que el único paraíso verdadero es un paraíso perdido. Pero sabemos que el amor emerge de esta pérdida, que se convierte en memoria y que la memoria se convierte en arte.”

Muchas de las obras de Sally Mann son realizadas en espacios muy íntimos, y puede verse reflejado en sus fotos, como por ejemplo en ‘’Proud Flesh’ o en "Immediate Family", todas ellas reflejan un cándido entorno de familia, en ocasiones desconcertantes. Más tarde comenzó a transformarse para terminar mostrando un mundo mucho más interior y en ocasiones, provocador.

Estudio fotografía 1971 hasta los cuatro años próximos, graduándose en en 1974 en el Bennington College. Empezo a trabajar como fotógrafo en Washington y en la Lee University. En 1977 consiguió su primera exposición en solitario en la Corcoran Gallery of Art de Washington, con imágenes surrealistas que fueron incluidas posteriormente como parte de su primer libro Second Sight publicado en 1984. Su segunda colección At Twelve: Portraits of Young Women, publicada en 1988, fueron las que empezaron a crear controversia. No fue hasta los años 90 que comenzó a fotografiar paisajes en negativos de placas de colodión húmedo, con la misma vieja cámara fotográfica de 8x10 que había utilizado para sus anteriores retratos.

En 2001 recibió de la revista Time el premio a la Mejor fotógrafa norteamericana. Ella siempre dijo que se inspiraba en un principio en ‘’lo que había a su alrededor’’ (su familia, hijos, etc) y luego en mostrar sus ideas más profundas, pero nunca manifestó inspirarse en ningún otro referente artístico más que sus propias vivencias, su papel como madre, y como mujer.

ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/Sally_Mann http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/03/sally-man.html

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Rineke Dijkstra (1959, Holanda) Es una fotógrafa holandesa que desde principios de los noventa, se ha dedicado a fotografiar a jóvenes pasando por la pubertad, mientras viven en su transformación de su identidad.

No hago fotos de gente que se cree guapa. No pueden sorprenderme.

Rineke estudió en la Rietveld Academie de Ámsterdam entre los años 1981 y 1986. Su primera exposición individual tuvo lugar en la Galería De Moor en Ámsterdam en 1984. Estuvo trabajando como retratista formal hasta principios de los 90 en los que comenzó a desarrollar su propio estilo. Fue en 1991, cuando realizó un autorretrato en una piscina, una imagen clave de su carrera como fotógrafa artística. Entre 1992 y 1996 lleva a cabo una serie de retratos realizados en las playas de Estados Unidos, Polonia, Inglaterra, Ucrania y Croacia y por la cual consigue un reconocimiento por parte de la crítica internacional. Realizadas con una simple cámara técnica de formato 4×5 pulgadas, sus obras no son nada complejas en cuanto a los aspectos técnicos, pero sí en su contenido, al buscar respuestas sobre la identidad y sobre las relaciones familiares y culturales en la sociedad contemporánea.

Su trabajo ha sido expuesto en numerosos museos, en 2012 se realizó una muestra retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de San Francisco, y el Guggenheim de Nueva York.

También participó en 2004 en PHotoEspaña con una muestra de su obra.

ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2009/07/rinek e-dijkstra.html https://es.wikipedia.org/wiki/Rineke_Dijkstra

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Nick Waplington (1979, Estados Unidos) Es un artista y fotógrafo inglés. Comenzó a fotografiar hacia 1984, mientras visitaba regularmente a su abuelo en Broxtowe Estate en Nottingham. Amigos y vecinos de su familia se convirtieron en su tema principal. Continuó con este trabajo de manera intermitente durante los siguientes 15 años y produjo con él dos libros y numerosas exposiciones.

Si, como sospecho, Internet ha roto el dominio absoluto de los gobiernos y las grandes corporaciones en los medios de comunicación de masas, entonces podríamos estar en un período muy interesante de desarrollo en una serie de diferentes niveles. ¿Un cambio de los modelos actuales de cohesión social, moral y política es demasiado pedir?

Su libro Other Edens publicada en 1994, se centró en preocupaciones medioambientales y, a pesar de que se concibió y trabajó al mismo tiempo que su otro proyecto; Living Room, fue visto como un cambio importante en su estilo y contenido.

En 2005, publico una autobiográfica, You Love Life la cual utilizaba imágenes tomadas en un período de 20 años. Además durante los años 2008 y 2009 trabajó en un importante proyecto con el diseñador de moda Alexander McQueen, denominado Working Process.

ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/08/nickwapplington.html

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Eugene Atget (1875 – 1927, Francia) Fue un fotógrafo considerado como un maestro de la fotografía. Estudió arte dramático en París, pero no consigue terminarlo. Sin embargo, con esa experiencia trabaja durante más de 10 años como actor de provincias, sin conseguir obtener más que papeles secundarios. Y tras trabajar en diversos oficios como marino, camarero o actor de provincias, se establece en París donde se convierte en fotógrafo ambulante y suministra material a los pintores de estudio de la época, los cuales incorporan a sus cuadros los detalles, flores, objetos y árboles que registra con su cámara. Él considera sus fotografías como documentos para artistas.

Además de los "Documentos para artistas", Atget se dedica a sacar retratos de personas en plena calle y empieza a crear lo que sería su obra más conocida: una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX. Monumentos, parques, vendedores, prostitutas o escaparates son algunos de sus temas más recurrentes de una colección que alcanzó más de 4000 imágenes. Tras su muerte, la fotógrafa americana Berenice Abbott, asistenta de Man Ray, adquirió sus negativos.

ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki /Eug%C3%A8ne_Atget http://www.cadadiaunfotogr afo.com/2010/01/eugeneatget.html

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Robert capa (1913, Hungría – 1954, Vietnam) Es considerado el más famoso corresponsal gráfico de guerra del siglo XX. “Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es que no estabas lo suficientemente cerca.”

Condenado en su adolescencia a vivir vagando por la ciudad por la instauración del taller de sus padres en la casa, después de que éstos perdieran el local a raíz de la depresión económica de 1929. Fue entonces cuando conoció a una de las mujeres que más influyó en su vida, Eva Besnyo, quien desde muy joven tuvo un gran interés por la fotografía. Eva era una de esas personas a las que le parecía más productivo tomar fotografías que hacer sus deberes escolares. En su juventud ya tomaba fotografías con su cámara Kodak Brownie. Ella y su especial gusto por este arte motivaron el primer contacto de Capa con la fotografía. Era muy solicitado por sus amigos, ya que se caracterizaba por ser un joven generoso y leal.

Ya hacia los diecisiete años y esperando terminar su vida escolar, Capa conoce a una de esas personas que moldearían su vida, Lajos Kassák, quien, con tendencias socialistas, se decidió a ayudar a cualquier artista con corrientes constructivistas. En 1929 la situación política iba de mal en peor con la imposición de un gobierno fascista en Hungría, lo que obligó a salir del país junto a la gran masa de jóvenes que se sentían presionados por la falta de un gobierno democrático y garantías económicas. A los 18 años abandona Hungría, entonces ya bajo un gobierno fascista. Tras su paso por Alemania, viaja a París, donde conoce al fotógrafo David Seymour quien le consigue un trabajo como reportero gráfico en la revista Regards para cubrir las movilizaciones del Frente Popular. Al estallar la Guerra Civil Española en julio de 1936, Capa se traslada a España con su pareja Gerda Taro para cubrir los principales acontecimientos de la contienda española. Implicado en la lucha antifascista y con la causa de la República, estuvo presente, desde ese lado, en los principales frentes de combate, desde los inicios en el frente de Madrid hasta la retirada final en Cataluña. Durante la Segunda Guerra Mundial está presente en los principales escenarios bélicos. Del desembarco aliado en Normandía, el 6 de junio de 1944, el famoso día D, son clásicas sus fotografías tomadas. De las 134 fotos que tomo del desembarco, sólo once sobrevivieron al revelado. Que se conocen como Las Magníficas Once. Él fue el único fotógrafo en la primera ola del desembarco, la que recibiría todo el fuego enemigo y tendría más bajas. En 1947 creó, junto con

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los fotógrafos Henri Cartier-Bresson, Rodger, Vandiver y David Seymour, la agencia Magnum Photos.

ENLACES: https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Capa www.cadadiaunfotografo.com/2010/03/robert-capa.html

William Christenberry (1936- 2016, Estados Unidos) Es considerado como uno de los pioneros de la fotografía en color. Pero Christenberry es también un creador versátil que ha utilizado otros medios para fijar la memoria de un paisaje transitado y vivido por él a lo largo de su vida.

En una visión apresurada de su trabajo, sus fotografías podrían considerarse un estudio sobre la arquitectura vernácula del Sur; podría parecer también que Christenberry quiere dejarnos un testimonio sobre algunas situaciones vividas por él en la Alabama racista de los años sesenta, como los encuentros de los clanes o sus rallyes secretos de Tennessee; pudiera parecer que pretende capturar el paisaje del Sur americano o el rastro dejado por los anuncios publicitarios de la época. Pero lo cierto es que sus fotos van más allá de esa función meramente documental, que parece inherente a la fotografía, para establecer relaciones con cuestiones más complejas: memoria, identidad, autobiografía, decadencia, pérdida, envejecimiento, muerte y transmutación.

La rica trayectoria de Christenberry ha sido objeto de numerosas exposiciones en los más destacados museos americanos, pero apenas ha podido ser vista en Europa.

ENLACES: https://en.wikipedia.org/wiki/William_Christenberry http://www.centroguerrero.es/expos/william-christenberry-no-son-fotografiasson-historias/

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William Eggleston (1939, Estados Unidos) Las fotografías de William Eggleston parecen simples pero son extrañamente atrayentes. Y por supuesto que es fácil quedar desconcertado al saber que este artista provocó un giro espectacular en la fotografía a mediados de la década de 1970. Eggleston es hijo de un ingeniero y nieto de un importante jurista.

William creció al amparo de un aristocrático hogar sureño. Su padre murió durante la II Guerra Mundial. La educación del pequeño quedó en manos del abuelo materno, Joseph Albert May, juez connotado con afición a la fotografía.

El pequeño William contaba 10 años cuando llegó a sus manos la primera cámara: una Kodak Brownie Hawkeye. Desafortunadamente se decepcionó rápidamente de sus propios resultados: “Todo lo que fotografiaba estaba borroso, lucía horrible.” Eggleston asistió a tres universidades durante un período de 6 años sin obtener grado alguno. La prosperidad económica familiar fue un factor para que nunca se graduara: ni siquiera se molestaba en realizar exámenes. En sus primeros trabajos fotográficos estuvo influido por Robert Frank y por el libro El momento decisivo escrito por Henri Cartier-Bresson.1 Aunque comenzó trabajando en blanco y negro, en 1965 empezó a experimentar con la fotografía en color; su trabajo parece haberse desarrollado con cierto aislamiento de los ambientes fotográficos, cuando en 1969 conoció a John Szarkowski a éste le llamo tanto la atención su trabajo que llegó a proponer la compra de alguna de sus fotos al comité fotográfico del museo de Arte Moderno de Nueva York. Entre 1973 y 1974 estuvo enseñando en Harvard y descubrió el proceso conocido como Dye-transfer a través de un anuncio de laboratorios fotográficos, al llamar su atención se dirigió al laboratorio con el fin de averiguar cómo era el procedimiento y quedó impresionado por la saturación de colores y las calidades de las tintas.

Una de sus obras más conocidas realizadas por este procedimiento se titula The Red Ceiling.

ENLACES: https://oscarenfotos.com/2013/10/19/will iam-eggleston-y-su-mundo-de-color/

https://es.wikipedia.org/wiki/Willia m_Eggleston

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Adam Bartos (1953, Estados Unidos) Es un fotógrafo estadounidense que comenzó a utilizar la fotografía en color para documentar el paisaje urbano contemporáneo, a través de imágenes perfectas y tranquilas, buscando la composición adecuada, incluso en los rincones más inesperados. Se ha centrado mucho en su Nueva York natal y ha publicado una serie de fotografías monumentales de arquitectura moderna de Estados Unidos. Adam Bartos ha estado fotografiando desde que era un adolescente. A principios de los 70 asistió a la escuela de cine de la Universidad de Nueva York y comenzó a trabajar con fotografía en color.

Influenciado por William Eggleston y los anteriores Timoty O'Sullivan y Carleton Watkins, Bartos se centra en el paisaje contemporáneo con unas imágenes en las que el tiempo parece haberse detenido, prestándoles un aura de dislocación temporal. Adam Bartos es conocido por sus imágenes de colores intensos y saturados que representan escenas ordinarias que exudan una calma tranquila y con frecuencia un tinte de melancolía.

ENLACES:

http://www.cadadiaunfotografo.com/2015/02/adam-bartos.html

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4. RESUMEN DEL CAPÍTULO:

Según Eduardo Momeñe “el mundo se asemeja a una partitura de orquesta” y que nosotros como músicos-fotógrafos debemos saber interpretarlos. Para ello lo primero es aprender a leerla, entenderla y comprenderla en su totalidad. Tal y como nos indica Momeñe está plagado de diferentes sonidos. Nuestra labor será ordenarlas y obtener música de ellos. Nuestra fotografía también debería obtener esos “nuevos sonidos del mundo”, y con el privilegio añadido de no tener que dedicar demasiadas horas al instrumento. Tendríamos que aprender un poco más de técnica, ya que en realidad no solo somos pianistas o intérpretes, sino compositores. Nos propone como ejemplo de buenas fotografías a Robert Capa, que es capaz de crear una imagen que nos sorprenda visualmente y nos seduce. “La visión fotográfica no es otra cosa que esa búsqueda visual”. Por ejemplo en la fotografía de Diane Arbus, “Hombre en una parada en la Quinta Avenida”, de Nueva York del 1969, debemos comprender que no estamos tan sólo ante una fotografía de un hombre, sino que el “hombre”, su presenciaapariencia, es una parte muy importante de la imagen, pero tan solo parte de un todo.

Deberíamos de preguntarnos; ¿Qué tipo de fotógrafo soy, de trípode y mentalidad de gran formato? ¿Cómo Diane Arbus con una cámara de 6x6, como Sally Man o Richard Misrach con cámara de gran formato? ¿O somos fotógrafos de cámara agil de 35mm o de digital réflex, como Bernard Plossu? ¿Color o blanco y negro? ¿Con o sin flash?

Momeñe nos recomienda leer el libro de Sally Eauclaire, “The New Color Photography” que según él es imprescindible si queremos saber más de esa revolución de la visión que se dio en los 70.

Deberíamos de percibir el color como luz y no pigmentos, ya que los que saben fotografiar en color solamente ven luz, pero en color. Pero al igual que uno que realice fotos en blanco y negro, esperará a que la luz sea la adecuada para él o ella. “No existe un color bonito en fotografía, sino una bella luz en color”.

El color de hecho expresa nuevas cosas que trascienden lo cromático y se integran en los dominios del lenguaje. Como ejemplo está Joel Sternfelf quien utilizando una cámara de gran formato con trípode y una expresión del color (luz en color), que al mirar sus fotografías las comprendemos y sabemos mirarla, y con esto estaríamos ya hablando seriamente de la fotografía. O Shelby Lee Adams también con cámara de gran formato pero en blanco y negro, y con flash.

Nicky Van Der Roest 1ºB FOTO Fotografías de Joel Sternfeld:

Fotografías de Shelby Lee Adams:

Lo que ocurre con una fotografía es que un flash (intruso), el color (y su luz), el objetivo (y su distancia focal), el negativo (y su formato), son todas partes esenciales de nuestra visión fotográfica como lo es el lenguaje de los rostros, cuerpos, perspectivas de los paisajes, nuestras intenciones, etc…Debemos ser críticos con nuestras fotografías.

Uno de los privilegios de ser fotógrafos es que podemos ver nuestras fotografías antes de realizarlas. Pero hay que saber cuál es nuestro proyecto, sin proyecto no hay meta, y sin meta no hay nada. Algunos proyectos nos llevarán toda la vida, como la de Robert Frank “The Americans” la cual fue el resultado de un año viajando y de todos los años anteriores que miró el mundo con un pensamiento que pensaba en imágenes. El tema que aborda no es simplemente América, sino su imagen de América.