EDUARDO MOMEÑE LA VISIÓN FOTOGRÁFICA: Octavo capitulo

2018 ESCUELA DE ARTES DE ALMERÍA Nicky Van Der Roest

[EDUARDO MOMEÑE; LA VISIÓN FOTOGRÁFICA] OCTAVO Y ÚLTIMO CAPITULO

Nicky Van Der Roest 1ºB de FOTO

1. TEMA PRINCIPAL: Momeñe en este capítulo nos va hablando sobre como buscar el arte antes de la buena fotografía, el hecho de tener algo que decir y saber decirlo bien, lo cual no es una tarea sencilla, también nos vuelve a hablar del lenguaje fotográfico.

2. IDEAS PRINCIPALES DEL CAPÍTULO:  

Tener algo que decir y decirlo bien.

Utilizar la imagen como un mensaje.

 Ver el color como un gesto más.  El lenguaje fotográfico. 

Las artes van primero, luego la fotografía.

Nicky Van Der Roest 1ºB de FOTO

3. AUTORES MENCIONADOS: Annie Leibovitz (1949, Estados Unidos) Es una fotógrafa estadounidense, que fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C., y la última en retratar al músico John Lennon, horas antes de que éste fuera asesinado en 1980. Es la fotógrafa mejor pagada del mundo y ha trabajado para revistas como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue.

“Me doy por satisfecha si hago cinco fotos buenas en un año. Conozco la diferencia entre una buena foto y otras de circunstancias... Pero el verdadero trabajo personal es la edición del material.”

En la secundaria, Annie se interesó en diversas ramas artísticas. Comenzó a escribir y a tocar música e ingresó en el Instituto de Arte de San Francisco en 1967 porque deseaba ser profesora de arte, pero empezó a interesarse por la fotografía en una base aérea de Filipinas y continuó desarrollando sus habilidades fotográficas mientras trabajaba en diferentes lugares. De vuelta a Estados Unidos en 1971, Leibovitz obtuvo una licenciatura en Bellas Artes en el Instituto de Arte de San Francisco.

Posteriormente, trabajó junto al fotógrafo Ralph Gibson. El editor Jann Wenner, de la entonces emergente revista Rolling Stone, quedó impresionado con su portafolio y le aceptó en la revista, en la que dos años después llegó a fotógrafa jefe, cargo que mantuvo 10 años y en el que realizó 142 portadas. En 1975 documentó la gira musical Rolling Stones Tour of the Americas '75 que el grupo realizó en Estados Unidos y Canadá. Como dos años más tarde la revista se trasladó a Nueva York, Leibovitz también lo hizo, con diversos problemas, entre ellos, su adicción a las drogas, especialmente a la cocaína.

Nicky Van Der Roest 1ºB de FOTO

En 1980, Annie acudió al departamento del músico John Lennon para fotografiarlo para Rolling Stone. Horas después de la sesión fotográfica, John fue asesinado por un admirador. Desde 1983, ha trabajado como retratista de la revista estadounidense Vanity Fair, llegando a recibir hasta 2 millones de dólares anuales por ello. En 1988, Leibovitz retrató a diversas celebridades para una campaña publicitaria de la tarjeta de crédito American Express, por la cual ganó el premio Clio. Dos años más tarde fundó el Estudio Annie Leibovitz en Nueva York. En 1991 se convirtió en el segundo fotógrafo vivo y la primera mujer en exhibir su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C. ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/annie-leibovitz.html https://es.wikipedia.org/wiki/Annie_Leibovitz

Carleton Watkins (1829 – 1916, Estados Unidos) Fue un fotógrafo estadounidense muy conocido en la California del siglo XIX. Es conocido por su serie de fotografías del valle de Yosemite que consiguieron del Congreso de los EEUU convertir el valle en Parque Nacional y por sus fotografías estereográficas. Su contacto con la fotografía comenzó trabajando como asistente de Robert Vance, en su estudio de retrato de San Francisco, y comenzó a hacer fotografías propias en 1861. Se interesó en la fotografía del paisaje y pronto comenzó a hacer las fotografías de las explotaciones mineras de California y del valle de Yosemite.

Experimentó con varias nuevas técnicas fotográficas, y creó su “cámara mamut” de 18x22, donde utilizaba grandes negativos de placa de cristal. También usó cámaras estereográficas. Watkins ganó muchos premios durante su carrera, comenzando en 1865 con un premio por “Mountain Views” en la Exposición del Instituto de Mecánicos de San Francisco. En 1867 ganó una medalla por fotografías de paisaje en la Exposición Internacional de París. Watkins tuvo problemas porque sus fotografías eran reimpresas sin su permiso por las compañías del este y porque otros fotógrafos repetían las escenas exactas que él había fotografiado. Watkins recomenzó de nuevo a crear un archivo propio con sus “New Series” en las que incluía una variedad de temas y de formatos, relacionada sobre todo con California.

Sin embargo, seguía siendo pobre y con su familia vivió una temporada en un furgón abandonado del ferrocarril. Su vista comenzó a fallar.

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ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/05/carleton-watkins.html

Rafael Goldchain (1889, Canada - 1953, Chile) Es un artista y fotógrafo chileno de origen judío y ancestros polacos, que en vísperas del nacimiento de su primogénito, decidió reconstruir un álbum familiar desde cero para poder proveer a su hijo con gajos de su propia historia y de la cultura judía, ya que se concientizó de que parte de su historia familiar y material había sido destruida junto con los genocidios que se dieron antes de 1945 con la Segunda Guerra Mundial.

Percatándose de su propia historia, y de que junto con la salida de Polonia y la fatalidad del Holocausto la identidad familiar había entrado en crisis, comenzó un trabajo y búsqueda exhaustiva por reconstruir y recrear su historia familiar. Encontró en su búsqueda desde documentos, retazos y algunas fotografías que, complementados con una mezcla entre realidad, leyenda y ficción hicieron posible que Goldchain fuera llenando los huecos con la imaginación. John Berger, en Modos de ver, dice que las imágenes se hicieron al principio para evocar la apariencia de algo ausente; en el caso de Goldchain vemos que se recrea lo ausente para aparentar realidad. Sus autorretratos de familia hacen posible que el objeto sobreviva al sujeto, y aunque a manera de ficción, se permite recrear un diálogo con el pasado.

Su obra consiste en la realización de autorretratos en los que utiliza como recurso el disfraz y la manipulación digital. Son fotos de estudio, de perfil o de frente con fondo abstracto que nos recuerdan al género retratístico. Estos, están inspirados en un cierto número de personas que pertenecieron a su familia. En sus fotografías, adopta la postura e indumentaria tanto de hombres como mujeres que pertenecieron a generaciones pasadas.

ENLACES: https://culturacolectiva.com/arte/realidades-inventadas-rafael-goldchain/

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Yasumasa Monimura (1951, Japón) Es un artista plástico japonés conocido por ser un representante de la fotografía escenificada, así como de la corriente artística conocida como Apropiacionismo, procedimiento mediante el cual el artista se apropia de imágenes clásicas del arte occidental para reinterpretarlas y recrearlas dándoles una nueva significación.

“Sigo haciéndome autorretratos fotográficos por mi fascinación por ser visto.”

Desde sus primeras creaciones se observa la base dualista de su obra, así como el eje determinante de toda ella: el concepto de identidad. A mediados de los ochenta incorporó la fotografía a su obra. A través de la cámara, Morimura analiza los complejos intercambios culturales entre Oriente y Occidente y denuncia la imposición cultural y económica de Occidente sobre Japón. En 1985, Morimura exhibió un gran retrato en color de Van Gogh insertándose él mismo en ella. En 1988, fue seleccionado como artista de Aperto of Venice Biennale y fue catapultado a la fama.

Sus series incluyen obras basadas en pinturas seminales de artistas como Frida Kahlo, Velázquez o Goya y sobre las fuentes pictóricas de la historia y los medios de comunicación. Su habilidad para satirizar y al mismo tiempo crear un homenaje de su material de origen es lo que hace la obra de Morimura especialmente contundente y eficaz.

A pesar de que su obra generalmente la desarrolla en fotografías en color sobre lienzos u otros soportes, también realiza audio/vídeoinstalaciones, e incluso colabora en giras teatrales desde el año 2000. Sin embargo su trabajo siempre ha gozado de aspecto teatral: el propio Morimura es el actor de su obra.

ENLACES: http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/09/yasumasa-morimura.html https://es.wikipedia.org/wiki/Yasumasa_Morimura

Nicky Van Der Roest 1ºB de FOTO

4. RESUMEN: Momeñe nos explica que la contención es una rara virtud que consiste en no quererlo todos, en no querer verlo todo. Si queremos verlo todo, acabamos viendo nada. Todos los fotógrafos saben visualizar, crear la imagen. “Fotografiar es visualizar”.

“Nuevos pensamientos para viejos objetos, nuevos pensamientos para viejas imágenes, viejos lugares para nuevas miradas.” – Marcel Duchamp.

Momeñe nos pone como ejemplo a varios fotógrafos, tales como, Ralph Gibson, Robert Frank y Lee Friedlander, que son fotógrafos que hicieron saltar por los aires la idea que muchos tenían de cómo se mostraba el mundo en fotografías. Un punto de vista sería: primero parece necesario ser un buen fotógrafo y ya después buscar ese arte contemporáneo que tanto nos subyuga, porque pronunciarse sin saber hablar es lo opuesto a emitir un mensaje claro y lúcido. No existen las buenas ideas, ni discursos solidos si no se plasman. “Las ideas solo son ideas siendo ideas plasmadas” y esta es una de las grandes dificultades de la fotografía; tener algo que decir y decirlo bien. La fotografía es un medio visual como indica Momeñe, la fuerza visual es la fotografía. Una fotografía tan solo debe aspirar a que un público exigente quede atrapado por su potencia visual. De ahí que el mensaje es la imagen.

Momeñe nos aconseja reinterpretar a Marcel Duchamp por sus nuevos gestos para antiguas formas, imágenes claras con nuevas ideas; nuevos conceptos sobre viejos soportes, nuevas caras en viejos marcos, nuevos marcos para viejas caras, etc. Fotografiar es presentar delante de la cámara objetos, personas y lugares en el cual el espacio que los envuelve se confunde con ellos, y trasportarlos a otro tiempo. Deberíamos de utilizar la cámara como modem que transforma la señal testimonial, informativa, en experiencia, conocimiento y vernos a nosotros como fotógrafos que somos, como médium que transforma las voces y los ecos confusos en imágenes nítidas e inteligentes. Son fotografías escenificadas y teatralizadas.

A pesar de que podamos pensar “el mundo ya es extraño por sí mismo” Cambiando ya de tema, el uso del color según como nos indica Momeñe no es una simple preferencia o actitud, sino un gesto que contrapone un elemento de sólida y cálida belleza, con escenarios de hielo, distante y extraño, reacio a toda complicidad. Podríamos decir que el color, es una nueva visualización del blanco y negro, como en su día pudo ser la instantánea, o el descubrimiento del texto y el contexto para las imágenes fotográficas. Momeñe al igual que en el capítulo anterior nos vuelve a recomendar “The New Color Photography”.

Otra característica sería lo que nos va diciendo Momeñe al final del capítulo, de que la fotografía dispone de un “idioma” con el que no es fácil de hablar, que es una comunicación diferente de la que conocemos. Hay que buscar el arte antes de las buenas fotografías y raramente coincide con la capacidad de hacer obras artísticas.