febrero/marzo 2014
Bosquejo autografiado por Sir David Chipperfield
GT 96 quetzales / ES $ 12 / HN 230 lempiras NIC 274 c贸rdobas / CR 6200 colones / PN $ 12 / RD RD$ 465
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NEWS
I NEWS
sumario
I
Rescate Integral de La Merced Concurso de anteproyecto para La Merced en la Ciudad de México
I
Ministerio de Cultura y Juventud Costa Rica e Italia fortalecen lazos culturales
II
OMA AMO, Fundación Prada Ocho obras maestras en hormigón armado
II
Festival Internacional de las Artes FIA 2014
II
Trienal de Milán La industria como lugar de arte
III
Fundación Jumex Un lugar en dos dimensiones
MARTE III Titi & David. La artista y el poeta Museo Stedelijk III El diseño gráfico antes y después de la computadora III
Galería Cívica de Modena Máquinas para vivir
Museo de las Artes de la Universidad IV de Guadalajara Resumen del fuego IV
CCA El urbanismo moderno hoy
IV
Antiguo Colegio de San Ildefonso La maleta mexicana
IV
MAXXI Arquitectos italianos en el exterior
V
Foto cortesía José Muñoz Villers y Carlos Marín.
Concurso de anteproyecto La Merced
El proyecto coordinado por Carlos Marín y José Muñoz Villers, y en el que además participaron los urbanistas Víctor Hugo Hofmann y Emma Morales, el diseñador industrial Ariel Rojo, el paisajista Hugo Sánchez y los arquitectos Juan José Zárate y Edith Gutiérrez, fue elegido ganador del “Concurso del Anteproyecto Conceptual para el Plan Maestro de La Merced” convocado por el Gobierno del Distrito Federal y el Consejo Consultivo para el Rescate Integral de La Merced, a través de la Secretaría de Desarrollo Económico con el apoyo técnico del Colegio de
Arquitectos de la Ciudad de México A.C. y la Sociedad de Arquitectos Mexicanos A.C. El proyecto seleccionado entre las más de 100 propuestas busca revitalizar el barrio histórico ubicado al oriente del Centro Histórico de la Ciudad de México, mediante una propuesta que revalore el espacio público como elemento articulador de la actividad social, comercial y cultural, y reconecte la zona con los barrios vecinos.
www.rescateintegraldelamerced.mx Foto cortesía José Muñoz Villers y Carlos Marín.
Centro Municipal del Arte Nueva galería de arte en el Centro Histórico
V
Festival Internacional de Poesía Nicaragua respiró poesía
V
Casa del Soldado Inaugurado Centro Cultural de España
V
Nala’kalú Concurso diseño de mobiliario
VI
CADES Arquitectos que crean identidad
VI
Sol y Río Arte Contemporáneo Möbius en Guatemala
Gaeta - Springall VII Pabellón de México en la 14° Bienal de Arquitectura de Venecia
Costa Rica e Italia fortalecen lazos culturales
CCC VIII Premio Construcción Sostenible 2013
Como parte del esfuerzo que se realiza para abrir el diálogo y avanzar en una agenda conjunta de trabajo, entre los objetivos de dicho congreso que girará en torno a las culturas vivas comunitarias, Manuel Obregón, ministro costarricense de Cultura y Juventud, sostuvo una reunión bilateral con su homólogo italiano, Massimo Bray, en el marco de la “VI Cumbre Mundial de las Artes y la Cultura” realizada en Santiago de Chile a mediados de enero.
Klimahouse Trend VIII Vida sostenible
www.mcj.go.cr
MIN VII Fragmentos de Urbe y Vida Paseo de los Museos de VII Casa Santo Domingo Cuando el río suena... VIII New Museum NY Medidas extremas
Alcántara, MAXXI VIII El juego del diseño
Italia tendrá presencia en el “VI Congreso Iberoamericano de Cultura” que se llevará a cabo del 10 al 13 de abril en Costa Rica; en el cual se planea reunir a naciones de América Latina, España y Portugal. Foto Embajada de CR en Chile y Prensa MCJ.
Izquierda: Ministro de cultura de Costa Rica, Manuel Obregón. Derecha: Ministro de cultura de Italia, Massimo Bray.
IV NEWS
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Resumen del fuego
La columna dislocada. Japón,1989
Fernando González Gortázar (1942) presentó recientemente el libro Resumen del fuego, que acompañado de una exposición del mismo nombre, se convierte en una recopilación indispensable para el entendimiento de la obra del arquitecto, escultor y teórico, uno de los artistas más prolíficos que ha dado México en su historia reciente. La exposición exhibida en el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara –la ciudad que le vio crecer-, está conformada por 361 piezas sin una presentación cronológica particular. Las obras se agrupan en 6 núcleos conforme a la visión creativa de su autor: proyectos fundamentales para el autor, monumentos penetrablestransitables, arquitectura pública y privada, prehistoria de una indagación geométrica y experimentos con objetos, derivaciones formales, y anomalías azarosas. La muestra estuvo en exhibición hasta febrero de 2014.
Plaza Fuente. Guadalajara, 1973
La maleta mexicana
www.musa.udg.mx
El urbanismo moderno hoy
Arquitectos italianos en el exterior Abajo: Cannatà & Fernandes arquitectos, Centro de estudios Combatentes, Ovar, Portugal, 2008-2009
¿Cuál es el legado del planeamiento urbano moderno? La muestra del CCA de Montreal invita (hasta el 20.4.2014) a reflexionar sobre este tema, releyendo dos experimentos ejemplares: Chandigarh, proyecto de Le Corbusier, y Casablanca, plano regional de Michel Écochard. A través de fotografías nuevas de Yto Barrada y Takashi Homma, imágenes de archivo, dibujos y objetos, los curadores Maristella Casciato y Tom Avermaete muestran cómo estos planos se adaptaron a las transformaciones de los últimos sesenta años.
www.cca.qc.ca
Foto SÉcochard Collection/Aga Khan Trust for Culture
Abajo: Michel Écochard en calidad de piloto experto durante uno de sus reconocimientos aéreos en 1949.
NEWS Desaparecida a finales de los años treinta en medio del caos del final de la Guerra Civil Española, la maleta que contenía los negativos de las imágenes tomadas por los fotógrafos Roberto Capa (seudónimo de Endre Ernö Friedmann), Chim (seudónimo de David Szymin) y Gerda Tardo (seudónimo de Gerta Pohorylle) sobre el conflicto bélico, fue pasada de mano en mano hasta desaparecer y reaparecer en la Ciudad de México en 2007. Los más de 4,500 negativos encontrados ofrecen una visión exhaustiva sobre la Guerra Civil Española al tiempo que conforman uno de los documentos históricos sobre fotografía de guerra más vastos de la era moderna. La exposición “El pasado revelado, la maleta mexicana”, será exhibida hasta febrero de 2014 en el Antiguo Colegio de San Ildefonso en la Ciudad de México. www.musa.udg.mx
Los estudiantes de arquitectura italianos que hoy cruzan la frontera para pasar un año en el exterior con el programa Erasmus no son una novedad. Entre los ilustres predecesores de este flujo migratorio están, por ejemplo, Giacomo Quarenghi en San Petersburgo y Lina Bo Bardi en Brasil. La muestra “Erasmus Effect”, curada por Pippo Ciorra en el MAXXI de Roma (5.12.2013– 6.6.2014) con montaje de Lot-Ek, va más allá de los lugares
comunes y se concentra, en cambio, en la aceleración que el fenómeno tuvo en las últimas décadas. Y, examinando el trabajo de profesionales ya afirmados en la escena internacional junto a las historias de jóvenes estudiantes italianos en el exterior, termina por subrayar algunos de los efectos que esta tendencia produjo, como la creación de una densa red de colaboraciones transnacionales. www.fondazionemaxxi.it/
Foto Museo de San Ildefonso © Robert Capa.
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VI NEWS
NEWS
Arquitectos que crean identidad
Arriba: Centro de Estilo de Vida La Gran Vía, arquitecto Leonel Avilés. Izquierda: Edificio SICA, Ciudad Merliot, arquitecto Luis R. Alas.
En las instalaciones del Auditorio del Museo Nacional de Antropología Dr. David J. Guzmán, el Colegio de Arquitectos de El Salvador (CADES) desarrolló el 25 de enero la charla “Arquitectos que crean identidad: historias de éxito”, que incluyó la presentación del trabajo de los arquitectos Luis R. Alas, Leonel Avilés y Eva Hinds. El Arq. Luis R. Alas participó en el diseño del nuevo edificio del Sistema de la Integración Centroamericana (SICA) (2011). Por su parte el Arq. Leonel Avilés colaboró con la supervisión del Centro de Estilo de Vida La Gran Vía
(2004) y en la supervisión de Hospital Amatepec del ISSS (1999), además su portafolio profesional incluye obras de turismo, oficinas público - privadas, planeamiento urbano - regional, entre otros. Asimismo, la Arq. Eva Hinds, con 12 años de experiencia laboral en arquitectura residencial, ha diseñado proyectos institucionales, turísticos y comerciales como la Torre World Trade Center San Salvador (2005). En la jornada se hicieron presentes profesionales en arquitectura, invitados especiales y medios de comunicación.
El fotógrafo Luis González Palma expuso una colección que busca conciliar de manera simbólica dos vertientes artísticas opuestas: la visión de los conflictos sociales a través del realismo mágico y la modernización a través de la geometría y ciencia.
Fotos cortesía de Sol del Río Arte Contemporáneo
Möbius en Guatemala
Palma visitó Guatemala el pasado 23 de enero para inaugurar su exposición Möbius, en la galería de arte Sol del Río Arte Contemporáneo. El artista vive actualmente en Argentina. www.gonzalezpalma.com
Los fusibles fosforescentes
La Secretaría de la Cultura de la Presidencia, a través de la Dirección de Publicaciones e Impresos (DPI), presentó el 18 de diciembre pasado en el Centro Cultural de España de la Colonia San Benito, el libro de poesías Los fusibles fosforescentes del escritor salvadoreño Alfonso Fajardo, cuyo tema principal es la locura como forma de redención.
Libro Los fusibles fosforescentes Foto cortesía: Centro Cultural de España.
Los confines de la arquitectura
Un intenso programa bienal de conferencias, muestras de estudio y presentaciones es lo que la British School at Rome propone con la serie “Meeting Architecture”, curada por Marina Engel y lanzada el 29 de octubre con Adam Caruso y Thomas Demand. El primer encuentro se concentró en uno de los raros casos en que arquitectos y artistas visuales conciben y diseñan juntos su trabajo. En diciembre será el turno de Reinier de Graaf, y a continuación, citas con Amos Gitai, David y Peter Adjaye, y Cecil Balmond, entre otros. www.bsr.ac.uk
Pabellón de México en la 14ª Bienal de Arquitectura de Venecia Foto cortesía GAETA-SPRINGALL Arquitectos.
Condenados a ser modernos. Propuesta para el pabellón de México en la 14º Bienal de Arquitectura de Venecia. Arriba: corte transversal Abajo: fachada interior
NEWS
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VII NEWS
Nueva Cátedra
El proyecto del pabellón de los arquitectos Julio Gaeta y Luby Springall, junto con la asesoría de Catherine Ettinger, Gustavo Avilés y Salvador Quiroz, fue seleccionado para representar a México en la 14ª Bienal de Arquitectura de Venecia. La propuesta denominada “Condenados a ser modernos” (que hace alusión a las palabras de Octavio Paz en “Prólogo”, de Poesía en movimiento, 1915-1966) se dispone
Urbe y Vida
El Museo para la Identidad Nacional (MIN) de Honduras, fue el escenario ideal para la exhibición “Fragmentos de Urbe y Vida” del artista venezolano Ramón Chirinos, un exponente del arte contemporáneo, conocido por sus incomparables y versátiles trazos cargados de tonalidades grisáceas y añiles. Esta muestra estará expuesta desde mediados de enero hasta la segunda semana de marzo. www.min.hn
en un espacio rectangular en el que se narran ocho puertas de análisis y temáticas desde las que se leen distintos proyectos emblemáticos de la modernidad mexicana; y una elipse luminosa al centro del espacio donde proyectan imágenes y videos de 50 proyectos, así como cápsulas audiovisuales de eventos históricosociales que han sido parte de la modernidad mexicana.
El proyecto fue seleccionado por unanimidad a criterio del jurado integrado por Francisco Serrano, Aurelio Nuño, Miquel Ángel Fernández, Ariel Rodríguez Kuri y María Cristina García Cepeda, tras la convocatoria lanzada en el 2013 por el INBA y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta). www.gaeta-springall.com
Cuando el río suena...
El grupo de escultores Primeros Cinceles presenta la V edición de su exposición artística de 40 esculturas temáticas, llamada “Si el río suena, es porque piedras lleva”, inspirada en los dichos y adagios populares guatemaltecos. Inaugurada el 8 de febrero en el Paseo de los Museos de Casa Santo Domingo, en La Antigua Guatemala, Sacatepéquez. Esta muestra tuvo el apoyo del Instituto Guatemalteco de Turismo (Inguat), la Fundación G&T Continental, Café Barista y el Hotel Museo Casa Santo Domingo.
www.primeroscinceles.com
“A caballo regalado no se le mira el diente” - Ingrid Meléndez Cortesía de Primeros Cinceles
La Universidad VERITAS y la empresa cementera Holcim Costa Rica firmaron el 22 de enero un convenio de cooperación con el cual dan por inaugurada la Cátedra Holcim para la Construcción Sostenible, como parte del reto de ambas instituciones por promover este tipo de construcción y un diseño más amigable con el ambiente, adaptándolo al ámbito nacional. Esta cátedra beneficiará a los estudiantes de las carreras de Diseño del Espacio Interno, Arquitectura y Diseño de Producto de VERITAS y cumple con los cinco criterios de sostenibilidad definidos por la Fundación Holcim para la Construcción Sostenible: cambio cuántico y transferencia de conocimientos, principios éticos y equidad social, calidad ecológica y conservación de energía, rendimiento económico y compatibilidad, y contexto e impacto estético. Como parte de las actividades a desarrollar dentro de este convenio están: ciclos de conferencias, un “Taller de Diseño en Construcción Sostenible” y algunas visitas de estudiantes a las instalaciones de Holcim y/o proyectos constructivos de esta compañía. La actividad contó con la participación del ministro de Ambiente y Energía, René Castro; el gerente general de Holcim Costa Rica, Manrique Arrea; y el director comercial de Holcim Costa Rica, Héctor Garciacésar. Junto a ellos estuvieron también Ronald Sasso, presidente de la Universidad VERITAS y Oscar Pamio, decano académico. www.holcim.cr
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DE LA CUCHARA A LA CIUDAD El encuentro de las polifacéticas características inherentes a los diversos campos de diseño especializados que existen en la actualidad. Leira Vera
La frase “de la cuchara a la ciudad” se atribuye al arquitecto y crítico italiano Ernesto Nathan Rogers (1909 – 1969), en su momento, una de las voces más relevantes en torno al racionalismo de la posguerra. La afamada expresión se refiere al amplio quehacer diario del arquitecto milanés de la época, en la que simultáneamente podría estar trabajando en el diseño de una cuchara, una pieza de mobiliario y un edificio. Al término de la Segunda Guerra Mundial, Rogers se convirtió en el primer editor de la revista Domus después de la interrupción de su publicación debido al conflicto bélico, y durante los dos años posteriores, la frase “de la cuchara a la ciudad” cobró un uso más regular al referirse a la diversidad de contenido que podía tener cabida
en la publicación impresa, desde un objeto utilitario de uso común hasta un proyecto de elevada importancia urbana; el filtro ha sido el de la calidad y no el de la escala. El uso de esta frase continuó popularizándose al ser utilizada para ilustrar la magnitud del espectro que abarca el mundo del diseño a través de sus diferentes áreas de especialización. Con ello en mente, la revista Domus en su edición México, América Central y el Caribe, organizó en el marco del Abierto Mexicano de Diseño (un festival de arquitectura y diseño abierto llevado a cabo en otoño de 2013 en la Ciudad de México) una reflexión en torno a este tema, tratando de indagar más profundamente sobre las similitudes y diferencias entre los diferentes “tipos” de diseño que existen hoy en
Desde un objeto utilitario de uso común hasta un proyecto de elevada importancia urbana; el filtro ha sido el de la calidad y no el de la escala.
día, conjuntando para ello un panel de cuatro reconocidos personajes que pudieran representar de algún modo, diferentes escalas en el espectro del diseño contemporáneo: la arquitecta Fernanda Canales, el artista plástico Jan Hendrix y los diseñadores Ariel Rojo y Héctor Esrawe.
Izquierda: CEDIM (Centro de Estudios Superiores de Diseño de Monterrey) de Fernanda Canales junto con Arquitectura 911sc, Monterrey, México, 2008. Derecha y página siguiente: “Lamento” de Jan Hendrix, un inmenso cubo suspendido dentro del Museo de Memoria y Tolerancia, Ciudad de México, 2010.
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En primera instancia, encontrar las semejanzas y divergencias entre los procesos creativos del arte, el diseño industrial y la arquitectura parece referirse a un problema de escala y de complejidad funcional. Tomemos como punto de partida el trabajo de Jan Handrix, cuya propuesta plástica se ha centrado en el registro y la posterior reinterpretación de elementos presentes en el entorno natural desde que recibió apoyo del Ministerio de Cultura de Holanda para estudiar el paisaje mexicano en 1975 y que lo ha hecho radicar en este país desde entonces. El proceso creativo comienza por la observación y el análisis, que en su querer entender su objeto de estudio, intenta copiarlo, o mejor dicho trasladarlo (literalmente) a otro medio. El creador se apropia de su objeto de estudio al rehacerlo en otro contexto, a través de otros medios. Dibujos y esculturas se vuelven un acto divino, crean y reinventan el objeto infinidad de veces, le dan vida de diversas maneras, un acto creativo que a cada paso aprende y evoluciona acercándose más a la perfección. Las diferentes maneras de dibujar y representar el mismo objeto en diferentes materiales, superficies de trabajo, y escalas, van ampliando el entendimiento del mismo, proceso que es común no solamente en las artes plásticas, sino también en otras prácticas de diseño. El redibujar desde diferentes puntos
de vista el mismo objeto (tanto en arte, diseño o arquitectura) nos plantea nuevas interrogantes que nos acercan a un resultado final más completo. En el caso de Jan Hendrix, el proceso no se limita al papel, sino se diversifica hasta convertirse en un monumento o hasta conformar la fachada de un edificio; deja de volverse contemplativo y se vuelve un limitante del espacio, casi una pieza arquitectónica (como se evidencia en sus intervenciones en el Museo de Memoria y Toleranca así como en el Centro Estudiantil UHBK). Si bien podría carecer del sentido práctico y utilitario necesario para considerarse una arquitectura propiamente, los bordes entre las disciplinas se difuminan cuando entre ellas se trata la misma materia: el espacio y los medios para alterar la percepción del mismo.
Diversidad en la obra de Jan Hendrix. Izquierda arriba: "R.18", esmalte sobre metal, 2008; izquierda centro: "E", metal recortado con pátina, 2006. Abajo: fachada Student Center Education City, Qatar, 2008
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Arriba: patio central Student Center Education City, Qatar 2008. Abajo: “L II”, aluminio recortado y laqueado en blanco, 2008.
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Tomemos ahora como referencia el trabajo de Ariel Rojo, cuyos antecedentes en arquitectura y diseño de circuitos eléctricos dan un aire fresco a sus propuestas, plagadas también de una reinterpretación de la identidad mexicana.
Todo lo que vemos, vivimos, leemos y experimentamos, ejerce una influencia sobre este filtro personal. Las metodologías presentes en su proceso creativo son de algún modo similares a los procesos de otras áreas del diseño. Se parte de la observación de los elementos y circunstancias que rodean un determinado diseño y se reinterpretan pasando por un filtro personal que hace que el resultado sea único y diferente. Absolutamente todo lo que vemos, vivimos, leemos y experimentamos, ejerce una influencia sobre este filtro personal antes mencionado, afectando constantemente nuestros conceptos sobre estética, funcionalidad, eficiencia y belleza. Esta individualidad inherente a nuestra personalidad se extiende a los diseños que potencialmente somos capaces de crear. Como el mismo Ariel ha expresado, muchas veces su trabajo parece reducirse al de tomar las piezas que ya están ahí, y reacomodarlas y reestructurarlas en un diseño “nuevo”, reinterpretando desde su punto de vista los elementos que existían de manera previa. Si bien el diseño de objetos acarrea una funcionalidad determinada -como por ejemplo su diseño de un aparato de radio para el proyecto Radio Vecina-, y esta funcionalidad reduce algunas opciones de diseño (deberá ser transportable, con una bocina, un sintonizador, etc.), hay cabida aún para una serie de decisiones más “arbitrarias” que pueden girar en torno al color, al uso de materiales o texturas determinados, o cualquier otra búsqueda personal, tal y como sucede con la temática recurrente en la obra de Jan Hendrix.
Algunas muestras del trabajo de Ariel Rojo. Izquierda arriba: campana extractora "Arquímedes", 2013; izquierda centro: resultado de la iniciativa "Radio Vecina", 2013; izquierda abajo: tapete "Milpa Alta", 2012; derecha: "Rack Bici", 2010.
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Cuando se habla de diseñar objetos utilitarios para uso y consumo masivo, parecería irresponsable considerar decisiones que nacen de intereses particulares, pero además de ser inherentes a nuestra condición humana, son precisamente éstos los que hacen la diferencia entre un diseño y otro, una característica presente en todos los diseños que nos rodean sin importar de que campo de especialización provengan, incluso si hablamos del diseño de objetos que interactúan directamente con nuestro cuerpo, como en el caso del trabajo de Héctor Esrawe, quien ha proliferado en el diseño de mobiliario, un campo donde conceptos como ergonomía y confort son esenciales para un buen diseño. Aún en este caso, no se niega la posibilidad de generar un proceso creativo a partir de influencias personales, como encontrar una cualidad estética en el apilamiento de objetos cotidianos (que resultó en el diseño de la serie del mobiliario Stack) o querer imitar un elemento del contexto natural como un
ciempiés, para generar una banca (idea detrás del diseño de la banca centipede). Estas influencias personales son justamente las que sazonan los diseños, y encuentran su mejor expresión en el adecuado balance con los aspectos funcionales y técnicos necesarios para su correcto funcionamiento.
Las decisiones en torno al diseño basadas en búsquedas personales, no sólo son inherentes a la condición humana, además marcan la verdadera diferencia entre un diseño y otro. La inspiración en el trabajo de Héctor Esrawe proviene de lugares sorprendentes. En esta página: el "Trinchador Stack" hace alusión a la cualidad estética de maderas apiladas; página opuesta: la línea de bancas "Centípede" imita un elemento del contexto natural, como el ciempiés.
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Como diseñadores (de lo que sea) estamos partiendo del trabajo con ideas, con conceptos, sin importar si éstos derivarán en un objeto que se colgará en la pared o en el cuál uno puede sentarse o en el cual uno pueda vivir. La arquitectura se ha vuelto la escala máxima de esa idea, misma que podemos explorar a través del trabajo de Fernanda Canales. Obras como la casa Maruma o el Centro de Estudios Superiores de Diseño de Monterrey han solucionado de manera eficiente las necesidades programáticas y funcionales de sus usuarios sin dejar de contar con un contundente juego de proporciones y volúmenes que le dan un carácter cerca de lo escultórico, casi lúdico. En cierto sentido, la obra construida es solamente un objeto de diseño más, pero capaz de contener no solamente otros objetos más pequeños sino también otras experiencias, que a su vez influenciarán a sus habitantes en sus propios procesos creativos. La arquitectura parece contener más responsabilidad técnica que los ejemplos de diseño anteriormente mencionados, a tal grado que no suele ejecutarse por una sola persona, sino que el asesoramiento por parte de especialistas técnicos es un máxima común y necesaria, pero más allá de la toma de decisiones particulares a cada proyecto
El trabajo de Fernanda Canales engloba el concepto "de la cuchara a la ciudad". Arriba y centro: diagramas conceptuales de diversas obras; abajo: proceso de diseño y fabricación silla de concreto, 2013.
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arquitectónico que responde a un programa de funciones determinado, existe como en los procesos mencionados en este artículo, un área creativa “libre”, que no por responder a una función determinada carece de una personalidad única inyectada por las circunstancias particulares de su autor, y esa es precisamente la razón por la cual no hay solamente un diseño de casa, sino millones.
Como diseñadores (de lo que sea) estamos partiendo del trabajo con ideas y conceptos, sin importar si el resultado final será un objeto que se colgará en la pared o en el cual uno pueda sentarse o en el cual uno pueda vivir. Como en ejercicios de diseño similares, la toma de decisiones racionales también es embestida por nuestra parte más humana y además tiene su origen en el acto de plasmar una idea sobre el papel mediante unos cuantos trazos, como se puede apreciar en los diagramas de desarrollo de proyectos de la arquitecta Fernanda Canales, donde la riqueza espacial y la complejidad de sus propuestas tectónicas es capaz de abstraerse a diagramas claros y contundentes. La pieza escultórica se habita, la casa se vuelve una pieza escultórica que adorna su contexto, los límites se funden y caben todos dentro de un mismo ejercicio de diseño creativo. La capacidad de difuminar estos bordes entre diferentes especializaciones enriquecerán por demás nuestro ejercicio de diseño, que puede aprender de las soluciones aplicadas a otras artes y áreas de diseño, ofreciéndonos mejores soluciones para afrontar nuestro próximo objeto a diseñar, desde una cuchara hasta una ciudad.
"Casa Maruma", por Fernanda Canales, Ciudad de México, 2011.
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Mario Bellini Architects UN MUSEO DE LAS MARAVILLAS Texto Elisa Poli Fotos Luca Fregoso, Francesco Radino, Delfino Sisto Legnani
En la capital de la región de Emilia-Romaña, Mario Bellini, con la colaboración de Italo Lupi para el diseño gráfico, firma la recuperación del Palazzo Pepoli Vecchio, destinado a albergar el Museo della Storia di Bologna y corazón del gran recorrido expositivo a cielo abierto que involucra a toda la ciudad.
La sala temática dedicada a la “Ciudad de las aguas” y un detalle de la iluminación, que utiliza tecnología LED miniaturizada. El Museo della Storia di Bologna es parte del proyecto Genus Bononiae. Musei nella Città, concebido y realizado
por Fabio Roversi Monaco. Derecha: Los protagonistas del nuevo interior son grandes contenedores, objetos metafísicos enormes dispuestos aquí y allá en las salas. En los 72 paneles, sobre un recorrido de 870 metros, los títulos de
las secciones están en Didot de altura variada, las citas en Bodoni Book Italic, los textos en Helvetica Neue Medio y las leyendas en Helvetica Bold.
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PROYECTOS 97
Foto Francesco Radino
Bolonia desde ocho ángulos Hay una habitación enigmática en el piano nobile del Palazzo Pepoli Vecchio, inaugurado en ocasión del ArteFiera en el corazón medieval de la “ciudad roja”, justo en frente de su alter ego del siglo XVII, el Palazzo Pepoli Campogrande. Quizás menos grandilocuente que los otros ambientes, está desprovista de las tecnologías fantásticas que tanto gustarán a los visitantes más jóvenes del museo. Un espacio diminuto —bisagra entre otras maravillas— en el que hay una biblioteca blanca que contiene volúmenes anónimos, hipótesis de textos jamás realizados como si fueran cuentos de un Borges local, referencias etéreas a la cultura que, desde siempre, caracteriza a Bolonia, indicios de todo lo que se escribió y se escribirá entre las doce puertas de esta “ciudad docta”, que es, a su vez, portal geográfica entre norte y sur. Cada libro está contenido en una vitrina transparente e invitante. Un ejemplo minimalista del sabio diseño que anima la eficaz intervención
Foto Luca Fregoso
arquitectónica en todo el edificio, la vitrina está delicadamente velada por elegantes citas que recuerdan al visitante actual las muchas aventuras de los turistas del pasado, viajeros en un gran tour que se adentraban en el corazón de la cuidad, en esa Via dei Libri hoy desaparecida. Pero también es una referencia a los observadores contemporáneos —músicos, literatos, pintores, cineastas y estudiantes— que encuentran inspiración en la maraña de las viejas calles del centro. Así, la mirada puede tropezar con palabras de Goethe, Dickens, Burckhardt y Pasolini, y hasta más recientes de Carlo Lucarelli, que tan bien describen a la Vecchia Signora: “Si la miras así, caminando en su interior, Bolonia parece toda pórticos y plazas; pero si la sobrevuelas con un helicóptero es verde como un bosque por los patios internos de las casas, que desde afuera no se ven. Y si pasas por debajo en una embarcación está tan llena de agua y canales, que parece Venecia”. Esta imagen evocadora funciona como mapa conceptual para todo el recorrido expositivo
que se desanuda entre las salas del museo, pero también entre las calles, corredores a cielo abierto de una casa de la cultura tan grande como la ciudad misma. El Palazzo Pepoli Vecchio —sede del Museo della Storia di Bologna y centro de este artificio sintáctico, que superpone escala arquitectónica y planeamiento urbano en un juego de descubrimientos progresivo y refinado— se renovó a través de un largo y delicado proceso de recuperación a cargo de Mario Bellini, que se valió de Italo Lupi como curador de la parte gráfica. Edificio medieval que atravesó numerosas alteraciones en el pasado y colección científicamente compuesta se suceden y apoyan en un recorrido expresamente preparado. Las exigencias didácticas se combinan con citas cultas, como los titulares de neón que dominan cada sala — memoria pop en la contemporaneidad del relato histórico— o los pequeños teatros del piano nobile que, respetando la distancia lingüística entre cuerpo arquitectónico y su vestidura
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expositiva, ponen en escena, entre los estucos de las muchas salas, nuevas perspectivas que rompen la monotonía de los pasajes obligados. Todo está descompaginado, empezando por la manera en que se vive la muestra, en la que el diseño gráfico se usa como un potente vehículo óptico para reconectar las infinitas estratificaciones y referencias ofrecidas por cada objeto, cada palabra. Los visitantes se ven hábilmente atraídos a un edificio que es, al mismo tiempo, casa privada y plaza pública, para ser inmediatamente catapultados al país de las maravillas: alegoría del reino pasado y metáfora del diseño futuro. Ya desde el ingreso, Mario Bellini educa en este cuidado perceptivo. Las imponentes columnas medievales, símbolo de la ciudad, están enmarcadas dentro de vidrios transparentes
y sutiles que subrayan, sin pesar, el rol preeminente del edificio y su capacidad para “comunicar directamente al abrirse, no como un libro, sino como una ventana”, como escribiera Roberto Longhi en referencia al famoso ciclo de los Carracci en el Palazzo Fava (una de las ocho sedes de este sugestivo viaje urbano que lleva a los visitantes hasta el corazón del Palazzo Pepoli). Aquí la mechané elaborada por Bellini en el interior del patio —ahora cubierta y reinventada a través del artificio de una Torre del Tiempo que, junto a los tres grandes tótems angulares diseñados por Italo Lupi, amplifica la verticalidad del espacio— divide la visita en tres etapas distintas. Desde la planta baja, inicio del recorrido, van creciendo hasta la Sala della Cultura, en el piano nobile, donde doce bustos de terracota cuentan con elocuencia
visual los rostros de figuras protagonistas de la escena intelectual boloñesa. Esta gran sala reservada para encuentros y ceremonias cierra solo un capítulo del relato urbano; es más, anticipa el que el visitante encontrará dejando las estimulantes instalaciones del museo. Inesperado instrumento de un renacimiento cultural que encuentra en los lugares de la ciudad su propia marca distintiva a partir de los pórticos, “las venas de Bolonia”, reconstruidos en su disposición medieval dentro del Palazzo Pepoli, como para declarar que aquí la perspectiva deviene engaño mágico, ruptura de la división entre interior y exterior: lo que las columnas ocultan y lo que rechazan. Por más de 38 km solo en el centro histórico, dan reparo y guía, y conducen líquidamente también a las restantes siete sedes del Genus
Foto Francesco Radino
En el centro del patio, se creó una torre de alrededor de 13 metros de lado y una altura de 15 metros que, además de ser la estructura principal de distribución vertical, también tiene la función de sostener un techo transparente que transforma el espacio en el lugar público más importante del nuevo museo.
Página opuesta: Vista telescópica de un estrecho espacio expositivo particularmente denso de documentación gráfica. Las vitrinas a la derecha podrán albergar objetos históricos privados que los ciudadanos deseen donar al museo. Desde el punto de vista de la distribución, en la planta baja se organizan los espacios dedicados a recibir a los visitantes que, a través del patio cubierto, pueden adentrarse en el circuito de las distintas islas temáticas.
Bononiae, la red de museos difundidos a lo largo del territorio que constituye la verdadera innovación de este imponente proyecto cultural. La ruta lleva desde la Biblioteca de San Giorgio in Poggiale —recientemente renovada por Michele De Lucchi, en la que se pueden apreciar obras de Claudio Parmiggiani—, pasando por San Michele in Bosco —gran mirador que asoma sobre Bolonia— y el complejo eclesiástico de San Colombano que alberga la preciosa colección de instrumentos musicales de Luigi Tagliavini, hasta Casa Saraceni —sede de la fundación y valiosa vitrina de la colección de la Cassa di Risparmio— y de ahí al complejo monumental de Santa Maria della Vita, cuya cúpula fue diseñada por Bibiena, refinado cofre barroco que cobija el expresionista Compianto de Niccolò dell’Arca. Además de estos ocho
puntos que embellecen la ciudad, debemos mencionar el Museo Civico Medievale, la Casa Morandi, el MamBo y el Museo d’Arte Industriale, que completa el relato de las aguas y del trabajo de la seda que hicieron de Bolonia un polo económico de gran relieve. Tenía entonces razón el cantautor Guccini cuando recitaba en la canción que todos conocen como un mantra: “Pero qué vida bohemia y confortable entre casa y las tabernas cuando en cada vaso rebalsan las filosofías. Oh, qué poetas que éramos, pero sin pudor y sin miedo, y los viejos borrachines parecían literatura. Oh, qué artistas que éramos, pero sin pudor ni vergüenza mecidos entre los pórticos muslos de mamá Bolonia”.
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Foto Luca Fregoso
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B
DISEÑO DE LA EXPOSICIÓN NAPOLEONE A BOLOGNA/ ELEVACIÓN
DISEÑO DE LA EXPOSICIÓN NAPOLEONE A BOLOGNA/ SECCIÓN TRANSVERSAL
2 ELEVACIÓN DE TORRE
3
SECCIÓN SOBRE LOS ESPACIOS EXPOSITIVOS
Arquitectos proyectuales Mario Bellini Architects SRL
5M
Equipo del proyecto Mario Bellini con Giorgio Origlia (arquitectura y renovación); Mario Bellini con Giovanni Cappelletti (diseño de la exposición); Francesca Calda, Egle De Luca, Alessia
Nori (colaboradores); Luca Bosetti, Alessandro Zufferli (rendering y modelos 3D) Diseño gráfico Italo Lupi with Alessandro Farina, Blandine Minot
Supervisión museológica Massimo Negri Ingeniería estructural Massimo Majowiecki con Marcello Giovagnoni, Nicola Casentino Ingeniería eléctrica y mecánica Sandro Salvigni, Sante Mazzacane