Alice Slyngstad: Flare demure by Niederösterreich Kulturwirtschaft GesmbH

Alice Slyngstad

Introduction

Frederike Sperling

In nocturnal darkness, our sense of direction is challenged in many ways. What may be clear and familiar during the day blurs in the diffuse shadows of night. Logic inevitably relents to instinct. Our body increasingly resorts to sensory perceptions such as sounds and smells in an attempt to steer us through this thicket of uncertainty. This experience of destabilization is the departure point for Alice Slyngstad’s latest work Flare demure. Commissioned by Kunstraum Niederoesterreich, Flare demure is the artist’s first solo exhibition in Austria.

Scattered in the Kunstraum, luminous bodies rise into the air like oversized flowers, bidding us orientation, only to expose themselves as fickle wayposts with their nervous flickering. And the sound emanating from them, perhaps a confidential voice, does little to aid our navigation, but rather hints that we are unsuspecting actors in a theatrical staging. A mise-en-scène that seems to have a script, but one that we have not been let in on. Who can we trust here? Who can we entrust ourselves and our bodies to?

Questions that Slyngstad does not resolve. On the contrary. Flare demure centers on how we experience and cope with ambiguity, how we surrender to the uncertain and mys-

terious. What can be exciting and enticing, but undoubtedly also harbors dangers, Slyngstad anticipates in the symbolism of the light sculptures: with bent steel necks and blossom-like lights, they resemble lilies of the valley in their devout reticence. In Christian iconography, lilies of the valley stand for chaste love and innocence. However, botany clearly states that this outward appearance is deceptive: all parts of these plants are highly poisonous and can lead to heart failure.

This subliminal threat lurks in the background, as it were, when Slyngstad subjects us to a dynamic of seeing and being seen, as if we have arrived in a secret cruising1 location. When cruising at night, it is important to be seen (by the “right people”), but without arousing attention, and then to disappear into the dark once again to avert potential dangers.

When and where encounters between bodies actually occur in Flare demure, and whether we get to see each other and how much, depends largely on an algorithm developed especially for the exhibition. The digital infrastructure of the show, which materializes in an interplay of light and sound, is built upon a pre-programmed sequence that steers the visitors in the space.

In this sense, Slyngstad imitates the mechanisms of dating apps such as Grindr, OK Cupid, or Tinder, which have an ever growing influence on (intimate) encounters in the physical realm.2 However, the artist thwarts this logic by constantly disrupting a full sense of orientation in space: the light of the sculptures glows erratically, the sound piece reproduces mere fragments of conversations, personal stories, and dating profiles, while the voice remains anonymous due to the absence of Slyngstad’s body. The exhibition Flare demure represents a hacked, more perme-

1 Cruising refers to the (historically prevalent, especially in queer subcultures) wandering in search of an (anonymous) sex partner.

2 Feeding on our behavior patterns on these platforms –likes and other online interactions – their repetition-based algorithms flush dating profiles onto our screens. In this way, the apps increasingly determine who we interact with in the analog world.

able version of digital control: we are continually thrown back to our own sensory apparatus, prompting us to search for personal forms of navigation.

Flare demure is ultimately an invitation to face up to our losses of orientation and to try to navigate in new ways. As such, Slyngstad’s exhibition constructs a heterotopia, a counterworld of sorts to our everyday reality, where it seems to be increasingly difficult for both individuals and society as a whole to fathom the uncertainties our multiple crises engender.

Interview with Alice Slyngstad

Frederike Sperling: In your artistic practice, you engage with language, queerness, and the body, whereby you navigate a range of different media including text, performance, sound, and installation. Would you mind sharing some insights into your creative process and how you approached Flare demure in this regard?

Alice Slyngstad: I’m working a lot with fictions, my own and other ones, potential gazes and readings in relation to societal norms or expectations. I keep returning to characters who feel pressured to respond to several norms at the same time – a feeling of having to “arpeggiate” between embodying different views in order to get along with people, or even to mirror people, as a coping mechanism.

By the way, as I’m answering this question in my Notes app, I’m working in two documents with automatically generated titles that reflect the first few words I typed in: “rubbing” and “I listen with the whole surface of my body”. This auto-titling irritates me because, in a sense, these two perceptions become categories themselves, like baskets for sorting fruit. So, through an on-the-go-workflow trying to jot down experiences and thoughts around existing in binarisms, I’m creating new ones myself. I guess this illustrates the normative structures that we depend on but also reproduce with our digital devices. It’s this ambivalence that I’m interested in.

My writing takes place over long periods of time and is a collection of everyday thoughts, interactions, fictions, and stories. As I’m writing with an audio score in mind, the editing process happens by navigating and interacting with the data itself. That is, with the performative preconditions of digital devices, with affects and fictions that occur in the moment of translating the words into a voice, a character, that is to be recorded by a digital agent. When recording my material, I work with high-precision microphones that

emphasize the visceral, guttural aspects of the voice – it’s a continuous research into how they create and change affects and relations.

FS Your interest in the “physicality” of the voice – as you mention, the visceral and guttural aspects – and the simultaneous absence of your physical body within the exhibition Flare demure speak a lot about strategies of being visible and/or invisible. Especially in light of your recently premiered performance piece Dørken with Jennie Bergsli in which you perform yourself. Could you elaborate on the role in/visibility play in your practice and when it becomes necessary for you to be visible?

AS In Flare demure, voice is embodied by space, by light. It changes its shape through characters, through responses and effects in the written material itself. The technical infrastructure – the transmissions between light and sound and space – becomes a sort of prosthetic or proxy for the voice’s absent body.

In Dørken, voice is more of a raw matter; it is unstable and distributed by a body. In a live performance, I have a feeling of holding time and space, and this alone influences the voice as well. My body sets the voice in dialogue with a technical infrastructure that in turn distributes it in space and creates links with the audience.

The focus on voice in Flare demure is a result of the show’s pursuit of ambiguity. Not being able to see someone’s body language, their gestures and facial expressions, enhances the perception of uncertainty in many people that I wanted to accentuate.

FS In Flare demure you scrutinize the meaning of navigation and the experience of ambiguity. What was your incentive for this?

AS A recurring theme in my writing is the interplay between feelings, fictions, attention, and data mining. Transactions, translations, interactions, voids, or synergies between visceral and technical bodies. Just as much as the question of what potential digitality holds in terms of intangibility and queer liminal spaces.

There are some examples that illustrate the entanglements of these themes. For instance, when I resort to Google Maps, with its small blue triangle that functions like a compass, to find out which direction to point my actual hand or to get a feeling of a physical distance. Another example are communicational agents like WhatsApp or Grindr and the way we mine data that “represent” personal attributes to build fictions of other people’s identities. I explore to what degree these interfaces choreograph our movements through physical space, and simultaneously how they feed on our data, optimize a service, and adjust ads according to where we walk at what time.

Within micronarratives like these – quick interactions, quick decisions – reside myriad fictions, dreams, and emotions that, when unpacked, really become ambiguous matter. And vice versa: How we act in ambiguous situations or deal with ambiguity often puts to the fore our internal algorithmic ways of deciphering information: we reach for bits and pieces to construct a narrative. When navigating, deciphering, and extrapolating data, we train both ourselves and our servers to better understand our interests, our patterns of thinking. Data, numbers, timespans, that look dry on paper but in our everyday lives represent transactions of body and mind – intimate transmissions – that turn into capital for Google in my pocket. I’m drawn to the intimacies and dreams that lie in the crevices of these infrastructures.

Alice Slyngstad, Flare demure (2024)

bent steel pipes, 3D-printed epoxy sculptures, microcontrollers, cabling and lights, computer, audio interface, score, 20:00 min

Performance & Voice: Alice Slyngstad

Technical design: Colin Eccleston

Commissioned and produced by Kunstraum Niederoesterreich

Publisher: Kunstraum Niederoesterreich, A-1010 Vienna

Media Owner: NÖ Festival und Kino GmbH, Minoritenplatz 4, A-3500 Krems

Texts: Alice Slyngstad, Frederike Sperling

Sensitivity Reading (Ger./Engl.): Daphne Nechyba

Copyediting (Ger.): Else Rieger

Copyediting (Engl.), Translation (Ger./Engl.): Peter Blakeney & Christine Schöffler

Graphic Design: Wolfgang Gosch

involuntary restarts of life

humming a series of beeps notifying the neighborhood of the explosion

reacting to that fast approaching car with the flip-up sign pedestrians be extra careful: driving education in progress

keeping perfect track of matter distributed like a communal recycling station

extrapolating thoughts patterns, movements eternal seeking subtle winks in yawns that spread intuitively the ability to dissolve other substances

how many I don’t bite, unless you want me to can you handle all of this

forced fiction of intimacy through intervals

synchronized speeds

sit on your face: please please let me

intuition and infrastructures as containers for collecting people with no picture shifting the dynamics

dried up petals getting nearer and nearer turn into cling film darlings

peeling off the intimate skins in search of a less bitter taste

(Excerpt from the score Flare demure)

Einführung

Frederike Sperling

In der nächtlichen Dunkelheit wird unser Orientierungssinn in vielerlei Hinsicht herausgefordert. Was tagsüber eindeutig und zuordenbar erscheinen mag, verschwimmt des Nachts in diffusen Schatten. Logik weicht notgedrungen dem Instinkt. Unser Körper beginnt, verstärkt auf Sinneswahrnehmungen wie Geräusche und Gerüche zu setzen, in dem Versuch, uns durch das Dickicht des Ungewissen zu steuern. Diese Erfahrung der Destabilisierung bildet den Ausgangspunkt von Alice Slyngstads neuester, vom Kunstraum Niederoesterreich in Auftrag gegebenen Arbeit Flare demure („flackernde Zurückhaltung“ oder „verhaltenes Aufflackern“). Flare demure ist zugleich die erste Einzelausstellung der*des Künstlerin*Künstlers in Österreich.

An einigen Stellen des Kunstraums ragen Lichtkörper wie überdimensionale Blumen in die Höhe, biedern sich uns als Orientierung an, entlarven sich jedoch mit ihrem nervösen Flackern als unbeständige Wegweiser. Und auch der Sound, der aus ihnen dringt, eine vertraulich wirkende Stimme, vermag uns weniger zu navigieren als uns vielmehr vor Augen zu führen, dass wir ahnungslose Akteur*innen in einer theatralen Inszenierung sind. Einer Inszenierung, für die es ein Skript zu geben scheint, in das wir aber nicht eingeweiht wurden. Wem können wir hier trauen? Wem können wir uns und unseren Körper an vertrauen?

Fragen, die Slyngstad nicht auflöst. Im Gegenteil. Im Zentrum von Flare demure steht vielmehr das Erleben und der Umgang mit Ambiguität, das Sich-Hingeben an das Ungewisse und Geheimnisvolle. Dass dies aufregend und verheißungsvoll sein kann, zweifelsohne aber auch Gefahren birgt, schickt Slyngstad mit der Symbolik der Lichtskulpturen voraus: Diese geben sich mit ihren aus Stahl gebogenen Hälsen und blütenähnlichen Lichtquellen wie Maiglöckchen in devoter Schüchternheit. Maiglöckchen stehen in der christlichen Ikonografie sinnbildlich für keusche Liebe und Unschuld. Die Botanik stellt allerdings klar, dass dieser äußere Schein trügt: Alle Teile dieser Pflanzen sind hochgiftig und können zum Herzstillstand führen.

Die potenzielle Bedrohung schwingt also gewissermaßen mit, wenn Slyngstad uns, wie an einem geheimen Cruising1-Ort, einer Dynamik aus Sehen und Gesehen-Werden aussetzt. Auch beim nächtlichen Cruisen gilt es, (von den „Richtigen“) gesehen zu werden – ohne jedoch Aufsehen zu erregen – und gleich wieder im Dunkeln zu verschwinden, um potenziellen Gefahren vorzubeugen.

Wann und wo sich Körper in Flare demure allerdings begegnen, ob und wie viel wir voneinander zu sehen bekommen, hängt zu einem großen Teil von einem eigens für die Ausstellung entwickelten Algorithmus ab. Die digitale Infrastruktur der Schau, die sich im Zusammenspiel aus Licht und Sound materialisiert, gründet in Wahrheit auf einem vorprogrammierten Ablauf und steuert so Besuchende im Raum.

Insofern imitiert Slyngstad die Funktionsweisen von Dating-Apps wie Grindr, OK Cupid oder Tinder, die (intime) Begegnungen im Physischen bekanntlich immer stärker beeinflussen.2 Slyngstad durchbricht diese Logik jedoch, indem dey die vollständige Orientierung im Raum immer

1 Cruising bezeichnet das bewusste (historisch vor allem in queeren Subkulturen verbreitete) Herumschweifen auf der Suche nach (anonymen) Sexpartner*innen.

2 Auf Grundlage unserer Verhaltensmuster auf diesen Plattformen – Likes und anderen OnlineInteraktionen – spülen uns ihre auf Wiederholung programmierten Algorithmen Dating-Profile auf das Display. So bestimmen die Apps zunehmend, mit wem wir in der analogen Welt interagieren.

wieder scheitern lässt: Das Licht der Skulpturen leuchtet nur unregelmäßig, das Soundstück bildet lediglich Fragmente aus Gesprächen, persönlichen Geschichten und Dating-Profilen ab und die Stimme bleibt durch die völlige Abwesenheit von Slyngstads Körper anonym. Flare demure stellt eine gehackte, durchlässigere Version der digitalen Steuerung dar: Die Ausstellung wirft uns immer wieder auf unsere eigenen Sinneswahrnehmungen zurück und evoziert die Suche nach individuellen Formen der Navigation.

Flare demure formuliert schließlich die Einladung, sich Orientierungsverlusten zu stellen und auf neue Arten und Weisen zu versuchen zu navigieren. Insofern konstruiert Slyngstad mit der Ausstellung eine Heterotopie, d. h. eine Art Gegenwelt zu unserer taghellen Realität, in der es immer schwieriger zu werden scheint, den Unsicherheiten, die unsere multiplen Krisen bewirken, individuell wie gesellschaftlich zu begegnen.

Interview mit Alice Slyngstad

Frederike Sperling: In deiner künstlerischen Praxis setzt du dich immer wieder mit Sprache, Queerness und dem Körper auseinander, wobei du zwischen verschiedenen Medien wie Text, Performance, Sound und Installation navigierst. Könntest du uns ein paar Einblicke in deine kreativen Prozesse geben und in die Entstehung von Flare demure im Speziellen?

Alice Slyngstad: Ich arbeite viel mit Fiktionen, meinen eigenen und anderen, mit potenziellen Blickregimen und Lesarten in Bezug auf gesellschaftliche Normen oder Erwartungshaltungen. Dabei komme ich immer wieder auf Figuren zurück, die sich gezwungen sehen, auf mehrere Normen gleichzeitig zu reagieren – ein Gefühl, zwischen ihren Verkörperungen verschiedener Sichtweisen „arpeggieren“ zu müssen, um mit Menschen auszukommen, oder sie gar spiegeln zu müssen, als Bewältigungsmechanismus.

Übrigens, während ich diese Frage in meiner Notizen-App beantworte, arbeite ich in zwei Dokumenten mit automatisch generierten Titeln, bestehend aus den ersten Worten, die ich eingetippt habe: „rubbing“ [Reiben] und „I listen with the whole surface of my body“ [Ich höre mit der ganzen Oberfläche meines Körpers zu]. Diese automatische Betitelung irritiert mich, denn in gewisser Weise sind diese beiden Wahrnehmungen nun selbst zu Kategorien geworden, wie Körbe zum Sortieren von Obst. Während ich also meine Erfahrungen und Gedanken zu einer Existenz in Binarismen festzuhalten versuche, schaffe ich ganz nebenbei neue. Ich denke, das illustriert ganz gut die normativen Strukturen, von denen wir abhängig sind, die wir aber auch mit unseren digitalen Geräten reproduzieren. Genau diese Ambivalenz interessiert mich.

Mein Schreibprozess erstreckt sich über lange Zeiträume und ist eine Sammlung von Alltagsgedanken, Interaktionen, Fiktionen und Geschichten. Weil ich schon beim Schreiben

ein Audio im Kopf habe, findet die Bearbeitung des Materials in der Navigation und Interaktion mit den Daten selbst statt. D. h. unter den performativen Voraussetzungen digitaler Geräte, also Affekten und Fiktionen, die in dem Moment der Übersetzung der Worte in eine Stimme, in einen Charakter, auftreten, der wiederum von einem digitalen Instrument aufgezeichnet werden soll. Für die Aufnahme meines Materials verwende ich hochpräzise Mikrofone, die die viszeralen, gutturalen Aspekte der Stimme hervortreten lassen – es ist ein ständiges Erforschen, wie sie Affekte und Beziehungen erzeugen und verändern.

FS Dein Interesse an der „Körperlichkeit“ der Stimme – diese viszeralen und gutturalen Elemente, wie du sagst – und die gleichzeitige Abwesenheit deines physischen Körpers in der Ausstellung Flare demure deuten auf Strategien im Umgang mit dem Sichtbar- und/oder Unsichtbarsein. Vor allem in Anbetracht deiner kürzlich uraufgeführten Performance-Arbeit Dørken mit Jennie Bergsli, in der du selbst auftrittst. Kannst du näher darauf eingehen, welche Rolle das Un-/Sichtbare in deiner Praxis einnimmt und wann es für dich notwendig wird, sichtbar zu sein?

AS In Flare demure wird die Stimme durch den Raum, durch das Licht verkörpert. Sie verändert ihre Gestalt durch die Figuren, über die Reaktionen und Effekte im geschriebenen Material selbst. Die technische Infrastruktur – die Übertragungen zwischen Licht und Ton und dem Raum –wird zu einer Art Prothese oder Stellvertreterin für den abwesenden Körper der Stimme.

Bei Dørken ist die Stimme eher ein Rohmaterial; sie ist instabil und verbreitet sich über einen Körper. In einer Live-Performance habe ich das Gefühl, Zeit und Raum zu tragen, und das allein beeinflusst auch die Stimme. Mein Körper versetzt die Stimme in einen Dialog mit einer technischen Infrastruktur, die sie wiederum im Raum verbreitet und Verbindungen zum Publikum herstellt.

Der Fokus auf die Stimme in Flare demure resultiert aus

dem Versuch, mit der Ausstellung eine gewisse Ambiguität zu vermitteln. Wenn wir die Körpersprache, die Gestik und die Mimik einer Person nicht sehen können, intensiviert sich in vielen von uns eine Unsicherheit, die ich betonen will.

FS In Flare demure beschäftigst du dich mit der Bedeutung des Navigierens und mit der Erfahrung des Ambigen. Was war der Anstoß dafür?

AS Ein wiederkehrendes Thema in meinem Schreiben ist das Zusammenspiel von Gefühlen, Fiktionen, Aufmerksamkeit und Data-Mining. Transaktionen, Übersetzungen, Interaktionen, Leerstellen oder Synergien zwischen viszeralen und technischen Körpern. Und damit auch die Frage, welches Potenzial das Digitale in Hinblick auf das Nicht-Greifbare sowie auf queere Schwellenräume birgt.

Wie verflochten diese Themen miteinander sind, zeigen einige Beispiele. Wenn ich etwa auf Google Maps mit seinem kleinen blauen Dreieck, das wie ein Kompass funktioniert, zurückgreife, um herauszufinden, in welche Richtung ich meine Hand ausrichten muss, oder um ein Gefühl für eine physische Entfernung zu bekommen. Ein weiteres Beispiel sind Kommunikationsmittel wie WhatsApp oder Grindr und wie wir Daten, die individuelle Charakterzüge „repräsentieren“, sammeln und damit Identitäten anderer Personen fiktionalisieren. Ich untersuche, inwieweit diese Interfaces unsere Bewegungen durch den physischen Raum choreografieren und zugleich von unseren Daten Gebrauch machen, um einen Dienst zu optimieren oder um Werbeinhalte darauf auszulegen, wohin wir zu welcher Zeit gehen.

In solchen Mikronarrativen – diesen schnellen Interaktionen, schnellen Entscheidungen – stecken unzählige Fiktionen, Träume und Emotionen, die sich genauer betrachtet als äußerst mehrdeutig herausstellen. Und umgekehrt: Wie wir in solchen diffusen Situationen handeln oder mit Ambiguität umgehen, offenbart unsere innere algorithmi-

sche Art, Informationen zu entschlüsseln: Wir greifen nach jedem kleinsten Bruchstück, um ein Narrativ zu konstruieren. Beim Navigieren, Entschlüsseln und Interpretieren von Daten trainieren wir sowohl uns selbst als auch unsere Server darin, unsere Interessen und Denkmuster besser zu verstehen. Daten, Zahlen, Zeitspannen, scheinbar trockene Fakten auf Papier, die aber in unserem täglichen Leben Transaktionen von Körper und Geist darstellen –intime Übermittlungen, die in meiner Tasche zu Kapital für Google werden. Mich interessieren die Intimitäten und Träume, die in den Ritzen und Spalten dieser Infrastrukturgebilde schlummern.

Alice Slyngstad, Flare demure (2024)

gebogene Stahlrohre, 3D-gedruckte Epoxid-Skulpturen, Mikrocontroller, Verkabelung und Beleuchtung, Computer, Audio-Interface, Score, 20:00 Min.

Performance & Stimme: Alice Slyngstad

Technisches Design: Colin Eccleston

In Auftrag gegeben und produziert vom Kunstraum Niederoesterreich

Herausgeber: Kunstraum Niederoesterreich, Wien

Medieninhaber: NÖ Festival und Kino GmbH, Minoritenplatz 4, A-3500 Krems

Texte: Alice Slyngstad, Frederike Sperling

Sensitivity Reading (dt./en.): Daphne Nechyba

Lektorat (dt.): Else Rieger

Lektorat (en.), Übersetzung (dt./en.): Peter Blakeney & Christine Schöffler

Grafische Gestaltung: Wolfgang Gosch

Mit Unterstützung von: