Faith Form Field
Faith Form Field ION MACARENO · MARTA LÓPEZ OROSA · EDUARDO HURTADO FAITH, FORM AND FIELD es un ciclo expositivo compuesto por tres muestras individuales en las
que tres artistas se han propuesto amortiguar sus autorías a través de un ejercicio de interferencia. En
estrecha colaboración, han trabajado con el objetivo de encontrar una tensión grupal capaz de incorporar la intuición, el error provocado por el deseo inconsciente y la contradicción. Lo inesperado en el proceso de creación ha sido asumido como herramienta a partir de un compromiso con la forma.
En cada una de los proyectos individuales, han sido presentadas piezas "trampa" ejecutadas desde una
serie de estrictas instrucciones que cada artista imponía a los demás. El autor de cada propuesta quedaba de esta manera interrogado y se planteaban, además de los conceptos sobre los que de forma individual
trabajan, una serie de preguntas en torno a la forma como espacio compartido, las políticas de la amistad o la autoría colectiva como proyecto ideológico. Aprovechando el propósito de eludir el recurrente
mecanismo de racionalización, la emoción ha sido el motor que ha activado la praxis. El revestimiento
explicativo no se colocó jamás en el tránsito de las fracturas, las grietas y el encontronazo; con la clara intención de construir un campo de entrenamiento, una forma y una creencia.
FAITH, FORM AND FIELD is an exhibition cycle composed of three solo shows in which the three artists has set out to tone down their authorships through an interference exercise. In close collaboration, they’ve been working with the objective to find a group tension, capable of including intuition, contradiction and error provoked by unconscious desire. During the creative process, the unexpected has been assumed as a tool starting from the commitment with form. In each of these individual projects, a “trap” piece, executed from certain strict instructions that each artist imposed on the rest, has been presented. In this way, the author of each proposal was questioned and besides the concepts that each artist worked on individually, several questions arose around form as a shared space, the politics of friendship or the collective authorship as an ideological project. Taking advantage of the proposal to avoid the recurrent rationalisation mechanism, emotion has been the motor that has activated praxis. The explanatory covering was never placed in the transit between the fractures, cracks and rows; with the clear intention to build a training field, a form and a faith.
Éramos unos cuantos, sentados en torno a una mesa y hablando de diferentes temas.
Algunos nos conocíamos, otros eran amigos de amigos. Oí cómo alguien decía que lo interesante del arte es que no sigue reglas. Enseguida se me frunció el ceño. No sé de
dónde habría sacado esa idea, desde luego no me pareció el comentario de alguien que vea mucho arte contemporáneo. Precisamente, ante el arte me da la impresión de que
quien no conoce sus reglas no entra en el juego, o por lo menos no con todas las fichas.
La falta de reglas del arte no es sino un tópico inculcado, que por supuesto lleva a creer que los únicos verdaderos genios y artistas fueron aquellos mitológicos vanguardistas, bohemios e infravalorados hasta su muerte. Y con ellos se acaba todo. Así que se lo dije. Le dije que eso no
tenía sentido, que el arte es un sistema
Lo que no me dejaron añadir, tan concentrados en proezas
tiene nada de casual, y que el mito del
refieren a estas reglas como tales. Principalmente, porque no son
de reglas, signos y convenciones que no genio inspirado por la musa se superó
hace mucho tiempo. Él me respondió,
un poco gallito (creo que quería ligarse a mi amiga) que, según su opinión, los
mejores artistas fueron los que rompie-
ron con las reglas de su tiempo. A lo que yo le contesté que dudaba que eso fuera cierto (empezando por la dificultad de asegurar qué es “lo mejor”, siguiendo por que consideraba su aseveración
deportivas inigualables, fue que los y las artistas rara vez se
universales: cada artista investiga cuáles le resultan más con-
venientes en relación con su comprensión formal y conceptual.
Cada quien establece las suyas, y va adaptando su trabajo a esa serie de principios que, después, al ser analizados desde la historia del arte, llamamos “características particulares”. Pero en realidad no son sino contundentes reglas que dan coherencia y
continuidad a la obra. Las acatan hasta que empiezan a sentirse
limitados por ellas, y entonces las transforman para que vuelvan a indicar un camino que les interese.
demasiado generalizadora y sin ningún
Así que no nos engañemos: a los artistas les encantan las reglas.
incluso si así fuera, rompieron con unas
que además disfrutan poniéndoselas a sí mismos y poniéndose-
fundamento estadístico real), pero
reglas para establecer otras. Entonces
alguien empezó a hablar de fútbol y se acabó la discusión.
No sólo son necesarias para la articulación de su trabajo, sino
las a los demás, estableciendo juegos y competiciones; y cuando les empiezan a aburrir, no tienen problemas para despacharlas y buscarse otras nuevas. Un ejemplo perfecto es Faith, Form
and Field, la estrategia impuesta por Eduardo Hurtado para la
Galería Nuble y a la que Ion Macareno y Marta López Orosa se han sumado con entusiasmo.
(ir)regular
HAIZEA BARCENILLA GARCÍA
Consiste, precisamente, en exposiciones individuales en las que los otros dos cómpli-
ces insertan una pieza propia. Eso sí, la pieza debe estar realizada siguiendo una serie de reglas, más o menos precisas, que impone el o la protagonista de la individual.
Esta estructura puede recordar vagamente a los sistemas experimentales que los
grandes nombres del comisariado de los 90 introdujeron al campo contemporáneo, y
que imbricaban lo dinámico, lo lúdico y el
espíritu de laboratorio en el espacio expositivo. En este caso, en cambio, la exposición no aparece como un campo de pruebas a
punto de explotar: es estática y se mantiene inalterada mientras se muestra. Sin embar-
go, juega solapadamente con las percepciones de individualidad, puesto que el pobre público piensa estar viendo la exposición
de una sola persona. No es de extrañar, por lo tanto, que queden algo asombrados por
las diferentes identidades que pueden darse conjuntamente en algunos momentos.
Para visitantes que conocen las reglas del juego o asiduos al
ciclo, por otra parte, aparece la cuestión de qué será de quién,
ese impulso aún sin superar de juzgar las obras según su autoría. Este mismo sistema, en realidad, remite a las reglas: hace buscar cuáles son las piezas en la exposición que pueden res-
ponder a las lógicas de unos y otras. Aunque, una se pregunta, si el artista principal ha impuesto ciertas reglas, ¿será porque
son las mismas que aplica a su trabajo? En ese caso, ¿por qué se aprecian claras diferencias entre las interpretaciones de
cada cual? ¿Podemos hablar de un trabajo de colaboración, o más bien de un juego de identidades embarcadas en una
aventura colectiva? Y una pregunta clave para la relevancia de este proyecto: ¿por qué molesta tanto no saber a quién
corresponden las obras que vemos? En la era del supuesto fin de la autoría, ¿acaso no seguimos asiéndonos a la necesidad de delimitar el espacio individual?
El momento culminante llega cuando las obras resultantes del proceso individual/colaborativo del proyecto se presentan conjuntamente en una exposición que asume su identidad de híbrida. Porque lo que aparece en esta ocasión es el rizo del rizo: una serie de obras realizadas intentando aunar las reglas propias y las del otro, y
que al mismo tiempo sean propias y se integren en la estrategia establecida. Una exposición lógica y coherente, pero que responde a diferentes direcciones, interpretaciones y subjetividades. Una muestra a tres bandas
unidas que asume que cada proceso construya sus propias reglas sobre la marcha, y vaya derribando los pisos bajos mientras los altos siguen flotando en el aire, subiendo y subiendo.
Form ION MACARENO
“Mis canciones no tienen doble sentido, sino triple. Yo no le canto al
consciente de la gente sino al subconsciente, para que cada uno lo tra-
duzca. Siempre será verdad. El que sabe del Betis llegara hasta el Betis, el que sabe de Europa llegará hasta Europa, el que sabe de El Rocío llegará hasta El Rocío”
(Silvio Fernández, cantante de Rock)
He abordado el trabajo para esta exposición desde los parámetros que siempre me mueven a la hora de
crear, estos vienen expresados en la intención o propósito de dar forma a lo desconocido, a lo irrepresentable.
Me gusta definir a mis piezas como
cachos de mi propia carne. Trato de
poner a merced de la representación
aquellos resortes que funcionan a espal-
A veces la vertiente irracional de nuestra naturaleza es la
por encontrar la forma que exprese el
gible/concreto, es por ello que creo en el estado REM, en la
das de nuestra conciencia en un empeño misterio que la palabra nunca alcanza a desvelar del todo.
que nos salva y nos mantiene a salvo de la tiranía de lo tanintuición, en los actos fallidos, en las horas malgastadas en
mi taller, en las preguntas sin respuesta y en la dilatación de las aletas nasales de José Tomas tras el rebufo del toro.
Instrucciones a las que se han sometido Marta y Edu para este primer evento de FFF: -No deberás concebir las piezas para ser expuestas sobre peana. -No puedes utilizar materiales encontrados. -Deberás utilizar al menos una técnica que jamás hallas empleado en tu proceso artístico. -Le tiene que gustar a tu madre.
Faith MARTA LÓPEZ OROSA
Dónde situar una práctica que deja de serlo si no se tiene en cuenta el
imaginario del que proviene. Cómo
comprender, o acercarse, a un entorno hostil, segmentado, sin comprender
que la forma de situarse en él deter-
mina las acciones que se llevan a cabo en su seno.
Un encuentro relacionado con la falta colectiva, con la
pérdida referencial de la masa en la que el sujeto desaparece, se esfuma. Esa masa sobrevenida por el ritual y la
fiesta como éxodo dentro de un mundo de celebraciones y colectividades ficticias, frágiles.
No existe un tema pero si un motivo. El trabajo parte,
fundamentalmente, de una comprensión y aprehensión de la forma y de su tensión. Mis piezas son superposiciones,
estratigrafías, en las que la representación desaparece para dejar paso a aquello que estaba en un comienzo.
Me gusta bailar, danzar con el otro, fundirme con los otros. Alcanzar la catarsis mientras la bola gira sin parar, mientras el dj impone la velocidad, el ritmo. Desde ahí construyo, me construyo.
Es necesario comprender que lo importante ya no está, es aquello que ha dejado de tener presencia. Esa ausencia, ese intento por decodificar las filias, es lo que hace aparecer el sentido. Una ocultación en la que no existe un imperativo, ni
una imposición. Un espacio de utopías donde la fe, en el sentido de promesa última y solemne, aparece fundando un lugar íntimo, mínimo, a punto de desaparecer. Todo es lo que ya no está.
Instrucciones a las que se han sometido Edu y Ion para este segundo evento de FFF: - “(...) no te harás escultura ni imagen alguna ni de lo que hay arriba en los cielos, ni de lo que hay abajo en la tierra, ni de lo que hay en las aguas debajo de la tierra. no te postrarás ante ellas ni les darás culto (...)” - “(...) recuerda el día del sábado para santificarlo. seis días trabajarás, y harás toda tu obra; mas el séptimo día es reposo (...) el sábado ha sido instituido para el hombre y no el hombre para el sábado (...)” - “(...) honra a tu padre y a tu madre (...)” - “(...) el hombre... debe considerar las cosas externas que posee legítimamente no sólo como suyas, sino también como comunes, en el sentido de que han de aprovechar no sólo a él, sino también a los demás (...)”
Field EDUARDO HURTADO
El entrenamiento es fundamental. Lo más importante es el trabajo previo.
Esa es la parte en la que los elementos
La rapidez de ejecución, el impulso, la incorporación
sitivos de acción. El resultado suele
elementos, materiales e imágenes capaces de enunciar
muestra y lo que se oculta.
batalla. La colección con el fin de estrechar procesos discur-
de referencia se convierten en dispo-
del error y la entrega a lo imprevisto. La acumulación de
ser forma. Es un juego entre lo que se
términos como tribu, masculinidad, ritual, entrenamiento o sivos. Analizar y trabajar con la selección y el descarte
imprevisto; asociar inoportunamente. Aislar los diferentes motivos para un trabajo formal, en relación al espacio en
el que serán situados. Usar el espacio expositivo como un
como un terreno de juego, como una cancha en la que loca-
lizar, situar y proyectar el trabajo del taller. La sala como
un lugar de entrenamiento, una máquina de musculación o una pista de patinaje.
Notas preliminares sobre el terreno de juego para Ion y Marta: - (…) El terreno de juego se marcará con líneas. Dichas líneas pertenecerán a las zonas que demarcan. Todas las líneas tendrán una anchura máxima. El terreno de juego estará dividido en dos mitades por una línea media. El centro del campo estará marcado con un punto en la mitad de la línea media, alrededor del cual se trazará un círculo (...) - (…) Si el travesaño se rompe o se sale de su sitio, se interrumpirá el juego hasta que haya sido reparado o colocado en su lugar. Si el travesaño no se puede reparar, se suspenderá el partido. No se permitirá el empleo de una cuerda como reemplazo del travesaño; si se puede reparar, el partido se reanudará con un balón a tierra en el lugar donde se encontraba cuando se interrumpió el juego. (...) - (…) Los postes y los travesaños deberán ser de madera, metal u otro material aprobado. Pueden tener forma cuadrada, rectangular, redonda o elíptica y no deberán constituir ningún peligro para los jugadores (...) - (…) Se prohíbe todo tipo de publicidad comercial – ya sea real o virtual – en el terreno de juego y en sus instalaciones desde el momento en que los equipos entran en el terreno de juego hasta el momento en que salen en el medio tiempo y desde el momento en que vuelven a entrar al terreno hasta el término del partido. En particular, se prohíbe el uso de cualquier tipo de publicidad en las metas, redes, postes de banderín y en los banderines mismos. No se colocarán equipos ajenos en estos utensilios (…)
(Ir)regular We were quite a few gathered around a table discussing different topics. Some of us already knew each other, others were friends of friends. I heard somebody say that the interesting thing about art is that it doesn’t follow any rules. My brows immediately wrinkled. I don’t know where he could have got that idea from, but to me the comment didn’t seem to come from someone too familiar with contemporary art. Precisely, facing art, I’m under the impression that he who doesn’t know its rules doesn’t enter the game, or at least not with the same possibilities. The lack of rules in art is nothing but an instilled cliché that obviously leads one to believe that the only true geniuses were those mythical avant-garde artists, bohemian and underestimated until their death. And that was it. So I said it. I said that it made no sense, that art is a system made out of rules, signs and conventions that are not accidental at all, and that we’ve overcome the myth of the genius inspired by the muse a long time ago. He answered me, a bit cocky (I think he wanted to hit on my friend), that in his opinion the greatest artists are those who broke the rules of their time. To which I responded that I doubted this was true (starting with the difficulty to assure what is “the greatest”, following by considering his aversion too generalizing and without any statistic grounds), but even if that would have been the case, they broke certain rules in order to establish others. In that moment someone started talking about football and that was the end of the discussion. What they didn’t let me add, so concentrated in outstanding sports achievements as they were, was that artists seldom refer to these rules as such. Basically, because they’re not universal: each artist look for the rules that will feel more convenient to him/her in relation to his/her formal and conceptual comprehension. Everyone establish their own rules and adapt their work to this set of principles that later, when analysed from the history of art, are called “specific characteristics”. But actually they are but firm rules that bring consistency and continuity to the work of art. Artists obey these until they start to feel limited by them, and this is when they transform their rules so that they can point out new interesting directions.
So let’s not fool ourselves: artists love rules. They are necessary not only for the organisation of their work, but they also enjoy setting rules for themselves and others, establishing games and competitions; and when they start to bore them, they have no problem throwing them away and looking for new ones. A perfect example of this is Faith, Form and Field, the strategy imposed by Edu Hurtado for the Galería Nuble and that Ion Macareno and Marta López Orosa enthusiastically joined. It consists, precisely, of solo exhibitions in which the other two accomplices insert a piece of their own. This piece has to be executed according to certain rules, more or less precise, that the principal artist of the show imposes. This structure might vaguely remind us of the experimental systems that the major curatorial figures of the 90s introduced in the contemporary scene, which overlapped the dynamic, the recreational and the lab spirit in the exhibition space. In this case though, the exhibition is not like an experiment field about to explode: it remains static and unaltered while being showed. Nevertheless, it plays stealthily with the perception of individuality, as the poor public believes it’s seeing a one man’s show. So it’s only natural that people might get quite surprised by the different identities that appear jointly at times. On the other hand, to the visitors who are familiar with the rules or to the steady visitors of the cycle, there is the question of who’s behind what, that impulse yet to overcome of judging the works by their authorship. This very system, actually, refers to rules: it makes us look for pieces in the show that could respond to the logic of one and another. Although, one wonders, if the principal artist has imposed certain rules, could it be because these are the same applied in his/her own work? In that case, why is it one appreciates clear differences between the different interpretations? Can we see this as a collaboration, or rather a game of identities undertaking a collective adventure? And a key question regarding the relevance of this project: why is it so bothering not knowing who’s responsible for the work we’re seeing? In this age of the supposed end of authorship, perhaps we’re still holding on to the need to delimit individual space? The culminating moment occurs when the resulting work of the individual/collaborative process of the project are presented in an exhibition that assumes its hybrid identity. Because what appears in this occasion is the loop of the loop: a group of works that’s been executed trying to combine one’s own rules and the rules of the others, and being at the same time one’s own and integrated in the established strategy. The exhibition is logic and coherent, but it reflects different directions, interpretations and subjectivities. A united three-way show that assumes that each process constructs its own rules as it goes along, knocking down the lower floors while the upper floors keep floating in the air, going up and up.
Psychology and Fine Arts graduate from the University of the Basque Country, he has participated in several group shows, such as "Praxis" Sala Araba 2008 and "Zeitgest" Galería Windsor Bilbao 2009. He has been present in Fairs such as Getxoarte, Ikasart and Forosur 2011 with the Galería Nuble from Santander. In 2008 he did the solo show "Deseo con D de duda" at the Cultural Centre Montehermoso in Vitoria. During 2011 he participates in Faith, form and field and he also enjoys a Bilboarte Foundation grant. He is currently working on the production of a project that received a grant by the Provincial Council of Bizkaia, and he is also preparing his doctoral thesis within the doctoral programme linked to the Master in art production of the University of the Basque Country.
Fine Arts graduate from the University of Basque Country specialized in design and sculpture, she has participated in group projects such as Ikasart (Bilbao Exhibition Centre), Prospekt (Galería Windsor Kulturgintza), or “Oscuro y Salvaje” (La Casa Encendida). In 2010 her work was selected in Ertibil (Sala Rekalde, Provincial Council of Biscay) and she has recently participated in the BAwards (International Conceptual Design Competition of Bilbao, La Alhóndiga). She has shown her work in solo shows at the Galería Nuble in Santander (FFF) and at the Cultural Centre Montehormoso in Vitoria (Together, apart). She is currently an active member of the Espacio Abisal y she develops her practice between the experimental design, contemporary ceramics and sculpture.
Fine Arts graduate and Contemporary History postgraduate from the University of the Basque Country, he has participated in collective projects at the Instituto Cervantes in Berlin, Galería Windsor or Sala Amárika, presenting his work individually within the NEXT programme and at the Galería Arteko in San Sebastián. Since 2008 he coordinates the exhibition activity of the Espacio Abisal and he has received the Centro Cultural Montehermoso investigation grant and the Fundación Santander 2016 grant. He received the Inéditos 2010 award, and among his projects the following stand out: Super-Pop, the exhibition cycle “Breve” or Todo cuanto hicimos fue insuficiente. He regulary writes cultural analysis as well as texts for other artist’s catalogues. He is currently working on the production of "Correspondencia desde Eyjafjallajökull", he is a member of the action group in the public space CAMBIAELORDEN and he is preparing his doctoral thesis around the construction of modern masculinities through sports.
ION MACARENO
Bilbao, 1980
www.ionmacareno.com
Licenciado en Psicología y en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, ha participado en varias exposiciones colectivas destacando entre ellas "Praxis" Sala Araba 2008 y "Zeitgest" Galería Windsor Bilbao 2009. Ha estado presente en Ferias como Getxoarte, Ikasart y en Forosur 2011 con la Galería Nuble de Santander. En 2008 realizó la exposición individual "Deseo con D de duda" en el Centro Cultural Montehermoso de
Vitoria. Durante el 2011 participa en el proyecto Faith, form and field y disfruta de una beca en la Fundación Bilbaoarte. Actualmente trabaja en la producción de un proyecto becado por la diputación foral de Bizkaia y
se encuentra preparando su proyecto de tesis doctoral dentro del programa de doctorado vinculado al máster de producción en arte de la UPV-EHU.
MARTA LÓPEZ OROSA
Barakaldo, 1988
www.martalopezorosa.com
Licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco en la especialidad de diseño y escultura. Ha
participado en proyectos expositivos colectivos como Ikasart (Bilbao Exhibition Centre), Prospekt (Galería
Windsor Kulturgintza), u “Oscuro y Salvaje” (La Casa Encendida). En 2010 fue seleccionada en Ertibil (Sala
Rekalde, Diputación Foral de Bizkaia) y recientemente ha participado en los B-Awards (Certamen Internacional de Diseño Conceptual de Bilbao, La Alhóndiga). Ha expuesto su trabajo de forma individual en la Galería Nuble de Santander (FFF) y en el Centro Cultural Montehermoso de Vitoria (Together, apart.). Actualmente es miembro activo de Espacio Abisal y desarrolla su práctica a caballo entre el diseño experimental, la cerámica contemporánea y la escultura.
EDUARDO HURTADO
Valladolid, 1986
www.eduardohurtado.com
Es Licenciado en Bellas Artes y posgraduado en Historia Contemporánea por la Universidad del País Vasco. Ha participado en proyectos colectivos en el Instituto Cervantes de Berlín, Galería Windsor o Sala Amárika
y presentado su trabajo de forma individual dentro del programa NEXT y en la Galería Arteko de San Sebas-
tián. Desde 2008 coordina la actividad expositiva de Espacio Abisal y ha recibido la beca de investigación del Centro Cultural Montehermoso y la beca Fundación Santander 2016. Fue premio Inéditos en 2010 y entre sus
proyectos destacan Super-Pop, el ciclo expositivo “Breve” o Todo cuanto hicimos fue insuficiente. Escribe con asiduidad análisis cultural y textos de catálogo para otros artistas. En estos momentos trabaja en la produc-
ción de "Correspondencia desde Eyjafjallajökull", es miembro del colectivo de acciones en el espacio público CAMBIAELORDEN y prepara su tesis doctoral en relación a la construcción de las masculinidades en la modernidad a través del deporte.
FFF 24feb · 5mar 11may · 17may
Faith · Form · Field
Form. Ion Macareno
Faith. Marta López Orosa
15sep · 24sep
Field. Eduardo Hurtado
23sep · 26sep
Pensar la interferencia
23sep · 30sep
Presentación, Publicación, Resultados
Edita
Galería Nuble. Santander
Texto Principal
Haizea Barcenilla
Reseñas
Eduardo Hurtado
Traducción
Victoria Kylander
Maquetación
Marta López Orosa
Impresión
Génesis Impresión Digital. Santander
Agradecimientos
Haizea Barcenilla · Juan Canela · Blanca de la Torre ·
Eduardo García Nieto · Marta Mantecón
Direlia Lazo · Mónica Álvarez Careaga · Tevi de la Torre ·
*La imagen utilizada como portada y contraportada para esta publicación es el primer resultado al googlear los términos “faitth”, “form” y “field” durante el proceso de elaboración del proyecto FFF.
© La autora para su texto © Los artistas para sus obras Depósito legal: SA-681-2011
Daoiz y Velarde, 26 390003 路 Santander Cantabria 路 Espa帽a Tel. +34 942.31.37.45 www.galer铆anuble.com