OFFmag_issue_11_Tricky

_nยบ 11_february_2001 OFFmag

Tricky

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José Manuel Bejarano_

Director_ Isidre Estévez_

Editor Gráfico y Maquetación_ Óscar Ferrer_

Jefe de Redacción_ Rubén Romero._

Edición_

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Colaboradores_ Adrián de Alfonso_ Albert Duat_

Àlex Montoya_

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Jaime Casas_ Jesús Barrero_ Jordi C. Corchs _

Jordi Muro_ José Duran_ José Sánchez_

Juan Pablo Beas_

Quim Pérez_ Ramón Vendrell_ Rosanna Martí_

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Xavier Bergman_ Xes DeVilallonga_ Xevi Muntané_

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David Fernández_ Bernat Lliteras_ Berto Martínez_

César Caballud_

J. Carrasco_ Jordi Ferrera_ Juanjo Sáez_

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sumario_OFFmag .012 News .016 Portada_Tricky .030 música_The Stranglers .039 música_Najwa .044 música_Óscar Mulero

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.048 música_Anjali .052 música_Nicole Willis

.057 música_Plastilina Mosh .060 cine_Malas de película .064 moda_Xavier Bergman .076 música_The Magnetic Fields .080 música_A Reminiscent Drive .086 música_Tortoise .092 .098 .102 .107 .110 .114 .118 .122 .126 .130 .135 .138 .142 .146 .150

música_Postrock

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¿Dónde está Absolut?

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Absolut Vodka presenta un regalo para los amigos de la marca sueca: un exclusivo calendario diseñado, como no podía ser menos, rompiendo esquemas y poniendo a prueba al espectador con otra vuelta de tuerca al continuo coqueteo de Absolut con las apariencias: se ha de encontrar la silueta de la botella, lo que no siempre es fácil, en una sucesión de fotos donde la moda es la que manda. Los diseñadores que se pusieron al servicio de Louis Decamps, fotógrafo, fueron escogidos por su originalidad, atrevimiento y por la forma en que su estilo construye un camuflaje sutil. Entre los creadores que han participado en este divertimento se encuentra el búlgaro Marjan Pejoski, quien ha diseñado un vestido rosa que parece un extravagante miriñaque y que es el mismo que llevó la cantante islandesa Björk en Cannes 2000. Los otros miembros de este selecto grupo son Bernhard Wilhem, Xavier Fenouil, Icarius, Keite Maruyama, Aalexandra & Matthieu, Ann Sofie Back, Julie Skarland, Sharon Wauchob y Martin Grant, cuyos trabajos han sido reclamados en las pasarelas más exigentes del planeta. Brindemos, pues, con vodka.

Abraham del Moral.

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Las fotos de moda, sirven para vender ropa, vender cánones de belleza y en casos extremos, para rituales onanistas.

La frivolidad de la moda puede herir la sensibilidad de más de uno, pero también es indudable que la fuerza de sus imágenes no deja a nadie indiferente. Basándose en la máxima del si no puedes con tu enemigo únete a él, el colectivo Atlético (hacemos ejercicio y luego descansamos), un grupo de artistas residentes en México, ha lanzado su campaña “PIG: campaña publicitaria absurdista”, que ellos definen como “fotos con tratamiento fashion”. De nuevo, como en la obra de tantos artistas de nuestro tiempo, los códigos, canales y mensajes de la sociedad de consumo son el medio utilizado para criticarla. Lo curioso del caso es que, si realmente quisieran vender algo, vista la atracción que uno siente hacía sus imágenes, seguramente lo conseguirían. www.atletico.com.mx. R. M..

Publicidad subliminal

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texto .Albert Duat

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Tricky

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ckyAre you talkin’ to me?

Tric Tuvimos el honor de ser la única revista española a la que Tricky ha concedido una entrevista para promocionar su EP “Mission Accomplished”. Lo de que el músico más influyente de los 90 tiene mala leche es algo de sobra conocido, pero desde luego, nunca pensamos que pudiera tener tanta y tan mala. Lo siento Albert, querías una misión y por tus pecados te la dimos.

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ky

No sé si realmente es, como dicen, un demonio o qué, pero Tricky es de esos tipos que de tanta actitud que rezuman, no sabes si está actuando o de veras es tan genuino como Raphael. Incluso un niño da miedo si se esconde tras la máscara adecuada. Y eso que sólo hablé con él vía telefónica. Pero me entró un pánico infundado al escuchar ese timbre tan característico en su voz, y descubrir que realmente es poseedor de esos armónicos que, normalmente, sólo aparecen un día de resaca, cuando tienes el cuello destrozado de tanto fumar.

Vale que mi perfecto inglés provinciano no es tan rico en matices como el slang de un b-boy criado en una ciudad portuaria como Bristol, pero tampoco lo es el de Tomás Fernando Flores, y él ¡tiene un programa en Radio 3! Que quizás tengo parte de culpa al perder el timón de la entrevista también lo acepto, pero es que Tricky corta las palabras tan bruscamente que te llegan al cerebro afiladas como esos cuchillos japoneses que cortan metal en la teletienda a las cinco de la madrugada.

Las líneas telefónicas también tuvieron algo de culpa en mi estado anímico. Me explico. Cuando llamamos a la ciudad que nunca duerme, sus comunicaciones si lo hacían: en realidad estaban echando la siesta. La operadora sugirió que volviéramos a probar… ¡en unas horas!. Que debido a una tormenta (sería como las de Dune), surgieron problemas técnicos al otro lado del charco. Y claro, me relajé. .Empezamos bien Así que al ratito, cuando sonó el teléfono, descolgué, y el entrevistado me pilló con la guardia baja. ¡Tenía a uno de los músicos más influyentes de la década al aparato! Y enfrentarme a alguien que escribe y produce un disco de debut que llega a lo más alto de las listas inglesas sin apenas radiarse y llevando el nombre de su madre en portada (ésta se suicidó cuando él tenía 4 años), que con el tiempo acaba renegando de su ópera prima, y que acuñó junto a Massive Attack y Portishead una de las etiquetas más sobadas de estos tiempos, el trip-hop, pues… con lo fetichista que soy, impresiona un rato. Al menos a mí me dio un poco de corte. .Tricky: truquillo, tramposo, astuto Tricky («Me gusta ser alguien en quien no puedes confiar, y no ser quien se supone que debo ser, al menos en determinados momentos») nació en Bristol y nació sin su apodo. Le pusieron de nombre Adrian A. Thawes Quaye. Y de este último apellido viene todo el embrollo amarillento de que si Finley Quaye y Tricky son parientes. Incluso Tricky grabó un tema ‘Can’t Freestyle’, en el que le deja claro a Finley que no quiere saber nada de él.

Vino al mundo un 27 de enero del 68, lo que le convierte en un acuario. y no es que yo crea mucho en el zodiaco y la influencia de los planetas, pero dicen que los nacidos bajo este signo, gozan desafiando a la opinión pública y escandalizando con conductas excéntricas. Nada más parecido a su comportamiento, así que ya es hora de empezar a creer. Esperaba que me llevara allí donde yo quería ir, que me enseñara lo que yo quería saber, pero resultó ser una entrevista un poco desafortunada. .Misión Unaccomplished “Misión Accomplished”. Así se titula el EP que publica estos días el alma más oscura del no mucho más brillante Bristol. Cuatro temas que nos sirven como adelanto de su próximo álbum, que no llegará hasta el próximo verano.

El tema que más me flipa del disco, se titula simplemente ‘Tricky Versus Lynx’. ¿Quién es Lynx? «Él produjo a los primeros MCs de jungle, un tío que hace garage music, ghetto music, real music, u know what I mean». Pues… la verdad es que no, pero bueno. Está grabado en directo, y realmente tiene un feeling muy guapo. ¿Es un modus operandi habitual para ti grabar en vivo? «Bueno, a veces sí y a veces no». ¿Veis a lo que me refería cuando dije lo de su actitud?.

Los temas que he oído son más enérgicos, más basados en las guitarras y la distorsión. A veces parecen una especie de mantra, por su ausencia de estructura de canción estándar, y sus repeticiones cíclicas que te dejan en un estado de semi-catarsis. ¿Estás volviendo a la época de “Angels with dirty faces”? «¡No tío! No miro atrás ni adelante, sólo hago música”, ¿Vas allí donde te lleve la música? «¡Sí, eso es, tío!, donde ella me lleve».

Acostumbrabas a hacer bastantes remezclas, ¿es algo que has dejado apartado? «Todo depende del dinero que ellos tengan». Creía que era del color del cristal con que se mire, pero si tú lo dices… Has colaborado con mucha gente importante (léase: Björk, Alison Moyet, PJ Harvey, Wu-Tang Clan, Porno For Pyros, Elvis Costello… Incluso se dice que Bono le encargó la producción de “Pop” y dijo que no se sentía preparado para producir un disco de tales dimensiones… «Mira, somos de mundos distintos. Es como un intercambio» ¿Me estás diciendo que es una manera de aprender de los otros, así como ellos de ti? ¿Que es algo recíproco? «No sé si alguien esta aprendiendo de mi, pero… para ser honesto te diré que lo veo más como un negocio».

Hablando de colaboraciones. Una de las cosas más sorprendentes que he oído últimamente es ‘Bombing bastards’, con Terranova, ¿Cómo surgió esta colaboración? «Los conocí en Alemania en un concierto, y grabamos el tema en Londres». Ya veis que lo que no se le puede negar al tipo es que va directo al grano.

Trick

ky .Divina comedia Industria discográfica. Una mafia como otra. ¿Existirán las vendettas también en este mundillo? ¿Qué pasó con Island Records? «Me fui». Vale. Lo pillo.

Suficientemente conciso. ¿Apología del resumen? ¿Paradigma de la síntesis?. Empiezo a sentirme como un dentista arrancando dientes sanos. (y se preguntarán: ¿cómo cojones se siente un dentista arrancando dientes sanos?

Pues no tengo ni idea, pero el símil me pareció adecuado). ¿Pero hay alguna

razón especial por la cuál te fueras? «Mira, no conocía a nadie allí…». ¿Buscabas algo más familiar? «Sí, eso es, más familiar, era todo muy impersonal». Pues no sé yo a quien creer, porque dicen las malas lenguas que lo expulsaron. Y no es la primera vez que lo expulsan de algún sitio, ya lo hicieron en el colegio cuando era adolescente.

Además, en este EP aparece reeditado un tema en el cual Tricky castiga sin pudor a otro sello discográfico. Fue grabado hace un par de años como

Tri

‘White Label’, cuando un directivo de Polygram hizo unas declaraciones no muy afortunadas sobre sus trabajadores de color. No sé que le pasará a este chico con la industria, pero está empeñado en mantenerse bajo tierra.

Y sin cambiar de tema, y ya que fue colega de Daddy G, Mushroom y 3D. A ver si consigo aclarar algo que me tiene realmente intrigado. ¿No sabrás quién está realmente detrás del sello Melankolic? «No tengo ni idea». Es que corre el rumor de que pertenece al señor Robbie Williams, pero supuestamente los dueños son Massive Attack ¿Qué tal te llevas con ellos? «Ya no veo a esos chicos». .Background but no feedback ¿Y a parte de hip-hop que otros estilos escuchas? «Yo no escucho hip-hop». ( ¿...¡!...? ) ¿Eiing? ¿Pues qué escuchas? «Sólo artistas clásicos. Public Enemy, John Lennon, Bob Marley…» ¿Me puedes contar algo del trabajo de Martina en solitario? «No lo he oído». ¿Todavía estáis casados? «No». Hay quien siempre los vio como los Ike & Tina en los noventas, o sea que no me extraña nada que se hayan separado.

Nada, que ni atacando por lo sentimental deja algo jugoso en la grabadora. Pues ya que esta borde… ¿Por qué te gustan los vestidos de chica? «Me gusta la ropa». ¿Qué piensas de las entrevistas telefónicas? «Nada». ¿Es difícil para ti hacer una entrevista? «No. Yo estoy en mi casa viendo la televisión. Oye, ¿no tienes más preguntas preparadas, o qué?».

Ya ven que ni con un brainstorming desesperado pude ir más allá de lo que van las revistas del corazón. Y lo jodido es que realmente me quedaron muchas cosas en el tintero. Que si Finley Quaye… que si Durban Poison… que como está tu chico... que si realmente fueron Smith & Mighty el caldo de cultivo que dio vida al trip-hop… que si en ‘Brand New You’re Retro’ está despedazando a Zack de la Rocha de Rage Against The Machine sin piedad. Pero bueno, total, para recibir monosílabos a cambio…

Que no, que no hay nada inventado, Machín ya hablaba de angelitos negros y no se andaba con elipsis de última hora tipo: “Angels with dirty faces”.

Ciao, que lo pasen ustedes lindo.

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“Mission Accomplished” está editado por Epitaph / Mastertrax.

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texto .Jordi C. Corchs

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Black is back

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The Stranglers

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En un mundo tan sujeto a veleidades y caprichos como es el de la música, una banda que ya ha celebrado sus bodas de plata con el oficio merece un respeto. Y si encima demuestra en directo que sigue rebosando energía merece, además, tú atención.

Stranglers

El regreso de los hombres de negro es un hecho. Los leprosos del rock, The Stranglers, están de vuelta y, sobreponiéndose a su estado de edad avanzada, presentan un nuevo disco en directo, “5 Live 1” en el que podrán revivir todos y cada uno de sus –menospreciados por algunos– clásicos.

Conversamos con J.J. Burnel, bajo y voz, que junto a Jet Black, batería, y Dave Greenfield, teclados, ha sobrevivido a The Stranglers durante sus más de veinticinco años de historia. Sus primeros trabajos, “Rattus Norvegicus” y “No More Heroes”, los convirtieron en predecesores del punk y afianzaron su carrera durante la New Wave con “The Gospel According To The Men In black” y “Dreamtime”, entre otros; pero estarán de acuerdo conmigo que actualmente carece de razón seguir relacionándolos con esos movimientos. «Tiene poco sentido hablar de punk cuando en la actualidad el principal objetivo de la música es básicamente el comercial, se trata de vender el máximo número de discos a cualquier precio, eso es todo.»

Canciones como ‘Always The Sun’, ‘Get A Grip (On Yourself)’ o ‘Princess Of The Streets’ han conseguido crear un nuevo grupo de culto, sus fans siguen todas sus apariciones; son a la vez considerados por varios artistas de la escena británica como una de sus grandes influencias… pero parece ser que tal admiración no es del todo recíproca. «Los grupos de hoy en día sólo parecen mirar hacia atrás, su música en muchos casos está bien, pero nació en otra época. ¿Techno? Nosotros ya utilizábamos tecnología en nuestros discos durante los años ochenta.» No sabría, por el equilibrado tono de voz de J.J. Burnel, si atribuir esas declaraciones al resentimiento o a una admirable dosis de autoconfianza. A lo largo de toda su carrera, The Stranglers han sufrido cierto desprecio por parte de la prensa, fueron incluso censurados por la BBC, pero parecen recibir ahora mejor trato por parte de las nuevas generaciones. «Sí, es cierto, nos tratan mejor, cuando pasan algunos años empiezan a perdonarte todo la anterior, pasas a ser para ellos un recuerdo del pasado. Esta Navidad, de manera sorprendente, la BBC emitió un reportaje sobre nosotros.» .Las variaciones Strangler La formación actual del grupo presenta muchos cambios con respecto a la original. Hugh Cornwell, cantante, abandonó en los noventa siendo sustituido por el actual frontman, Paul Roberts, dotado de un espectacular registro (juzguen ustedes mismos tras escuchar ‘Sinister’ en este último compacto) que nada tiene que envidiar al de su antecesor, «Paul es un excelente cantante, pero Hugh también lo era, son diferentes, no podría elegir entre ninguno de los dos». Por otra parte, John Ellis, guitarra durante los diez últimos años, dejó su puesto el pasado mes de marzo en favor de Baz Warne. Este sinfín de variaciones parece no afectar en absoluto a su esencia y “5 Live 01” supone la firme consolidación de su orden actual. Cuentan en su dilatado currículo, además de sus catorce discos de estudio, con casi una decena de grabaciones en directo. «No es habitual que un grupo tenga tantos conciertos en su discografía, pero a nosotros nos gusta hacerlo de manera regular, aunque es verdad que normalmente sirven para abrir o cerrar las diferentes etapas de nuestra música o de nuestra formación.» A su favor decir que han conseguido convertir ese tipo de grabaciones en algo nada monótono, “Friday The Thirteenth”, último concierto editado en 1997, por ejemplo, presentaba a The Stranglers acompañados por una orquesta en el Royal Albert Hall mientras que “5 Live 1” es una recopilación de las actuaciones del pasado año, incluyendo las realizadas en Bosnia en el transcurso de varios festivales. Al contrario de lo que podría pensarse, no tienen en mente realizar ningún tipo de gira extensa. «Tenemos algunas fechas previstas, aunque preferimos dosificar nuestras apariciones, sino se convertirían en algo demasiado programado, repetitivo, nos gustaría actuar en España, por supuesto.» De momento, habrá que resignarse, busquen alguna camiseta negra en el armario y hagan detonar el estéreo con este antológico doble compacto, a la espera de esa improbable visita o hasta su próximo lanzamiento, previsto para septiembre del presente año.

“5 Live 1” está editado por SPV / Mastertrax.

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The Stranglers

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Najwa ■

EL CICLÓN

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texto .Rubén Romero

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La música de Najwa es como los personajes que acostumbra a encarnar en la gran pantalla: turbadora. Con “Carefully”, su segundo trabajo y el primero en solitario, debería confirmarse como una de las voces más personales de la música española.

En el paupérrimo panorama musical español, en el que cualquiera que se aventure más allá de los estándares de la comercialidad se lleva jarabe de palo por respuesta, la presencia de una personalidad como la de Najwa Nimri provocó cierta inquietud. Una actriz habitual de las películas de autor patrias que se decidía a coger un micrófono y que encima tenía la desfachatez de aparecer como compositora en los créditos de “No Blood”, un disco con la etiqueta de “independiente”, hizo que la proverbial maledicencia de la prensa la calificara de “producto prefabricado”. Con su segundo elepé, en solitario y sin Carlos Jean, Najwa demuestra que lo suyo con la música va en serio. Y sobre su supuesta autoría, valga su descripción de la génesis de “Carefully”. «Un amigo, Daiquiri, me ayudó a insonorizar una de las salas de mi casa, me compré un G4 y grabé seis gigas de voz. Me di cuenta de que sola no iba a poder hacer nada y tuve la suerte de que Raúl (SupercineXene), el anterior batería de Los Planetas, fuera vecino mío. Así que juntamos fuerzas y sus aparatos con los míos y hemos estado trabajando seis horas diarias durante un año hasta hacer los 40 minutos de este disco.» Visto el peculiar método de trabajo de Najwa y, dicho sea de paso, la endiablada rapidez con la que habla, uno empieza a comprender porque el primer sencillo de “Carefully” se titula ‘That Cyclone’. Su ansiedad musical acabó por pagarla el pobre ordenador. «Acabé por petarlo. Me puse a grabar y a grabar y como no sabía borrar lo que no me interesaba lo destrocé.»

Requiescat In Pace. .Najwa sin Jean Debido a la tendencia natural de cualquier periodista a buscar dobles sentidos y malas interpretaciones, resulta inevitable preguntar por el tema de su separación (profesional) de Carlos Jean. «Carlos tenía pocas horas y ya casi no coincidíamos.

Además, sus necesidades y las mías siempre han sido diferentes, y en cualquier cosa que hayamos hecho juntos el marcaba una conducta y yo otra. Nunca nos tuvimos que poner de acuerdo para nada así que el ha seguido su línea y yo la mía y chapó para los dos. Ahora los caminos se han separado pero de una forma cordial. De hecho, seguramente haga alguna remezcla de algún tema.» Vale, mensaje captado, todo de puta madre, pero uno no se rinde tan fácilmente, seguro que hay diferencias en la forma de trabajar. «Raúl es un perfeccionista, se puede quedar tres horas con un sonido hasta pulirlo y dejarlo como a él le gusta. Carlos va más a tiro hecho, con loops, Raúl es más artesano, más orgánico.» Ajá, lo sabía. .Una chica leída y oída Para seguir buscando titulares, lanzamos una pregunta de crítico musical “auténtico” (aunque, para qué nos vamos a engañar, nadie que pertenezca a este selecto club lee esta revista), esto es, ¿cuáles han sido tus influencias? «Nos fijamos mucho en Howie B. Era donde coincidíamos Raúl y yo para decir a dónde queríamos ir. Cuando no sabes nada, nada, nada como en el primer disco es más fácil: te lanzas al loop y tarareas encima de cualquier cosa.» No sólo tenía muy clarito a quien quería parecerse sino que también sabía por qué. «Howie B es capaz de hacer cualquier cosa, no conozco a ningún músico más permisivo, pero siempre saca hasta el final el sonido. No nos interesaba tanto el estilo como el tratamiento del sonido, que el final fuera limpio, nítido, que sonara como de puñalito, cli-clic, súper agudo.» A mí, lo que su servicio de promoción me ha permitido escuchar me recordaba bastante a los trabajos de Leila Arab. «Oí el anterior de Leila, y me gustaba, pero ella es poppie dulzona cantando. Nosotros queríamos mezclar tres elementos: la nana, que es lo que me sale a mí cantando, con-

trastada con la dureza de la máquinas y la electrónica, y, por último, que el sonido se completara con la tensión de los violines.» Tal vez esa tensión de los violines, tan del hitchckoniano Bernad Herrmann, sea lo que ha llevado a muchos a emplear el adjetivo “cinematográfico” para definir la música de Najwa. Eso y su “otra” profesión, claro. «Te lo juro, tío. El otro día me lo dijeron cuatro personas diferentes, que si mi música parecía de la película de tal y cual, sobre todo a Tim Burton ¿Por qué? ¿No es un tío que escribe libros con unos muñecos? La música de sus películas es cojonuda pero… De todos modos, bienvenido sea el símil, aunque yo no le encuentre referencia alguna.» Más sobre influencias, ¿Massive Attack quizás? ¿Te gusta el trip hop? “Me encanta Tricky y toda esa historia, pero creo que el elegir un ritmo tranqui y down tempo se debe más a mi estado anímico. Aunque también es cierto que alguna canción salió house y la hemos pasado a lo que es ahora, para darle unidad al disco. En el futuro me encantaría hacer algo más bailable, porque con “Carefully” mueves un poco la caderilla y los hombros y en una de estas igual te levantas del asiento pero lo justo, ya sabes.» Apuntado queda tu propósito musical para el nuevo milenio, ¿alguna cosa más? «Tengo que conseguir que en mis canciones haya cuanta menos letra mejor, como en la música árabe, en la que con una “a” puedes hacer una modulación gigante.» .In English please Su fobia a la letra quizá tenga que ver con sus problemas con el inglés, lengua en la que compone habitualmente. «Nunca aprobé un examen de inglés del todo (¿?), así que… Las canciones las traduzco yo con un diccionario. Pero vamos, es lo que me suena bien de momento, cualquier día canto en otro idioma, como canté la chica de Ipanema en brasileiro. «Ya que estamos, para todos aquellos que tampoco acaban de dominar la lengua de Tony Blaaaaiir, ¿de qué van las letras de “Carefully”? «Son como una gran contradicción porque en las canciones es todo bueno-todo bueno y algo muy malo-malo o todo malo-todo malo y algo muy bueno-bueno… Es como yo soñando, como la maravilla, y detrás el hombre del saco…» Genial. Najwa es toda una políglota: lo mismo te canta en inglés que te habla en chino.

“Carefully” está editado por Subterfuge y se pondrá a la venta el próximo 20 de febrero.

.LOS HOMBRES DE NAJWA

Al preguntarle sobre si en su faceta de actriz, Najwa se considera una musa para Julio Medem, respondió con vehemencia: «no me considero una chica Medem, ni una chica de nadie, en todo caso tendríamos que hablar de los chicos Najwa». Hablemos pues. «Mi trabajo con Raúl (SupercineXene, en la foto bajo estas líneas) no ha sido algo que haya sido impuesto, sino que ha surgido de la necesidad de ambos de hacer música.» Aunque en ningún momento Najwa hable mal de Carlos Jean, desde luego, se nota un mayor aprecio por su actual productor, y más aún por quien le acompaña en las remezclas de “Carefully”, Eduardo Molinero. «Este se repite en los dos discos y es el que está puliendo todo el material. Es absolutamente imprescindible. Se enrolla de puta madre, porque sino no nos llegaría el presupuesto para pagarle. Él es el responsable de lo poco o mucho de calidad que haya en “No Blood” y de lo poco o mucho de calidad que haya en “Carefully”… Y eso que en el primer disco no lo pusieron ni en los créditos, que fue una cagada increíble.»

foto .Mario Martín

fotografía: Steffen Schrägle, Maquillaje: Pablo Morillas (Talents, para Clinique) Estilismo: Covadonga García.

Localización: Larios Café, C/Silva, 4, Madrid. Nuestro agradecimiento a Clara y Chelo de TvisT.

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Ósca

044 texto .Lluís Ceprián

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ar Mulero ■

mismo l É

mecanismo y su

Un año más ha sido escogido para formar parte del limitadísimo grupo de mejores djs de la temporada. Y es que hay cosas que parece que no vayan a cambiar en nuestro país: llevamos unos años en que los nombres que encabezan las listas de reyes de los platos permanecen inamovibles.

Que Mulero está en forma es algo que, a día de hoy, nadie pondría en duda. Pero por si acaso él ha orientado todo su empeño en dejar constancia de ello, materializándolo en forma de sesión. Dos años después desde aquel primer “Mixto” para So Dens, vuelve con “Rxxistance Vol. I”, una nueva reverberación sónica que aglutina a gran parte de sus iconos del dancefloor. Con una trayectoria tan dilatada y efervescente como la suya resultaría ridículo reiterar los agasajos. Así que trataremos de distender lo indistendible o, lo que es lo mismo, amenizar todo lo posible la penúltima de una interminable serie de entrevistas. .El llanero solitario El nombre de Mulero ha pasado a formar parte de la escasamente nutrida lista de djs patrios que son solicitados fuera de nuestras fronteras. Ésta, según él, es una barrera que poco a poco se va superando. Sin ir más lejos, la última vez que pinchó en Budapest se encontró con la grata e inesperada sorpresa de que, al finalizar la sesión, se le acercaran fans con su CD en las manos para que los firmara. Pero habrá alguna fórmula secreta para conseguirlo, ¿no? «Básicamente veo que, hoy día, está todo muy basado en el házlo tú mismo, y con esto quiero decir que primero has de crear tu sello y, a partir de aquí, tratar de darte a conocer en el extranjero. Sólo pinchando es muy difícil que te conozcan fuera. Puedes hacer sesiones esporádicas como he estado haciendo yo hasta ahora, pero la continuidad y el hueco fuera de España se consigue a base de editar discos.» Y ésta es más o menos la estrategia que él está llevando a cabo. De momento ya ha editado cuatro maxis (uno de ellos compartido con Groof), de los cuales se han vendido prácticamente todas las copias. Actualmente cuenta también con su propia web, pero a la hora de hablar de las inabarcables ventajas que la red ofrece, Óscar se muestra algo reticente. «Creo que todo lo que está pasando con Napster y el poder bajarte MP3 puede resultar muy perjudicial para las discográficas y los artistas, y no me refiero exclusivamente a los artistas consagrados. El daño también se puede producir a nivel underground.» .Dos hombres y un destino Resulta del todo inevitable hacer un recordatorio de uno de los acontecimientos más relevantes de la historia más reciente de nuestra música electrónica. La gira que, por partida doble, le hizo compartir cancha con otro de los Grandes de España, como es Ángel Molina. Lo cierto es que no se muestra excesivamente cómodo cuando le preguntamos por uno de los hitos de su carrera. Las alusiones a Molina quedaron en esto. «No, aún no he escuchado su disco de sesión para la serie Mixto… Cuando vengo a Barcelona coincidimos de vez en cuando en alguna fiesta.» Y sobre el tour... «Fue una experiencia agradable el poder hacer algo distinto, como fue el set a cuatro platos. Para mí, el concebir cosas diferentes me aporta información. Trato de hacer algo que se salga un poco de lo normal, para poder así aprender más cosas.» Sí, muy bien, pero resulta un poco triste que iniciativas de este tipo sólo se lleven a cabo cuando detrás hay un sponsor de gran envergadura económica, ¿no? «Por una parte veo bien que haya marcas grandes que quieran involucrarse, como en este caso Levi´s, pero por otro lado veo que todo esto puede orientar nuestra música más hacia el lado del business, que hace que se pierda aquella autenticidad y aquel primer romanticismo de cuando pertenecía exclusivamente a minorías. Ahora estamos atravesando una fase de popularización de toda la música techno y de club en general, que por otro lado, también nos ha llevado a obtener una parte positiva, como puede ser la consideración que se tiene del trabajo del discjockey; hoy día ya no es una cosa tan rara.»

Pues nada, Óscar, esperemos, por el bien de nuestra anémica escena electrónica, que tus nuevos proyectos fructifiquen. De momento, su propio sello, Warm Up, se encuentra en pleno despegue, su nuevo maxi está casi listo para ser prensando y su segundo disco de sesión ya está en la calle.

“Rxxistance Vol. I”está editado por Rxxistance / House D’arret.

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texto .Rubén Romero

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Anjali Hace siete años, Anjali tenía un grupo de punk (Voodoo Queens) tan punko tan punko que era capaz de tirarse en plan “bomba” al Ganges. Hoy es una apacible cantante de pop dotada de una explosiva sonrisa de matrona siciliana. Oxidados los imperdibles de su chupa de riot grrrl, sustituido el integrismo feminista por el fundamentalismo romántico, de su revolucionaria juventud sólo quedan posos en forma de diatribas contra el eurocentrismo. En “Anjali”, la ídem se ha reinventado como cantante melódica-electrónica-hindú, algo así como una Björk de las indias orientales. Un poco cogido por los pelos de Buda, la cantante defiende el contenido político de su última transformación. «Cuando empecé a experimentar con la electrónica me di cuenta de que el verdadero grrrl power se encontraba en nuestra capacidad para dominar la tecnología». Bueno, es una manera de verlo, aunque Anjali parece hablar de política casi por compromiso y más tarde se le escapara la confesión de que «en el fondo, lo que me pasó con Voodoo Queens fue que acabé por aburrirme del formato rock».

Buscando consuelo, rebuscó en su discoteca familiar viejos mimbres para sonoridades nuevas. Y se le ocurrió aderezar su repertorio con curry de su tierra natal y la salsa negra de algunos grandes del jazz. .Anjali al curry «Estoy mucho más influenciada por la cultura hindú que por la británica, debido a su amor por lo espiritual… Y por el peso de la tradición en mi familia.» Eso está muy bien, aunque no sé cómo se habrá tomado tu familia el que hayas titulado a una canción de tu último disco ‘Arabian Queen’. ¿Te saltaste alguna lección de papá de historia y geografía? «No, qué va. Debes saber que los árabes invadieron la India, así que probablemente corre algo de sangre árabe por mis venas. De todos modos, es más un cuento que un relato autobiográfico.» No, si yo ya suponía que hija del Sha de Persia no debías ser, pero gracias por la aclaración. .Salsa negra «Me encantan las bandas sonoras de los sesenta y ese sonido big horn de gente como Miles Davis o John Coltrane… ¡Es un sonido de lo más sexy! Es una vergüenza que ya no se haga música así, pero a mí me ha venido muy bien porque así mi música parece más original.» Mmmm… Ante lo expuesto, y pese al mucho respeto y cariño que Anjali me merece, debo hacer tres consideraciones.

Consideración nº1: el hecho de que ya no se haga música como la de Davis, ¿tiene que ver con que los genios no pueden componer después de muertos? Consideración nº2: ¿crees que tu música es más original por reutilizar clásicos de los 60? Y si eso es así, (y vamos por la consideración nº3): ¿podemos afirmar que Luis Cobos es el compositor más original del siglo XX? .Está libre Nada, que no quiero que el que lea esto se lleve la impresión de que Anjali es una petarda arribista. Lo cierto es que en su disco sabe conjugar la música hindú, el comentado sonido big horn y la electrónica con una anchura de miras que convierte sus composiciones en pura delicatessen pop. Por cierto, se me olvidaba comentar que lo que acaba de ligar la mezcla es la delicadeza de la voz de la artista, todo susurros y suspiros, en melodías de nana que te calan hasta lo más hondo. «¿Nana? Gracias por el piropo, pero ni siquiera tengo un hombre en mi vida, así que mucho menos un hijo.» ¡Anjali, cielo, que estamos en el siglo XXI, y lo uno no está relacionado con lo otro! «Para mí, sí. Soy un poco tradicional y para ser madre necesito tener a mi lado a un hombre responsable y comprometido.»

Bueno, pues lo tienes claro. Con esas exigencias te quedas para vestir santos, te lo digo yo.

“Anjali” está editado por Wiiija / Everlasting.

1967: The Beatles se forran incluyendo sitares en sus composiciones.

1998: Madonna se forra uniendo sitares y electrónica en su ‘Beautiful Stranger’. Por Visnú que Oriente da para mucho. 2001: Anjali lo intenta con sitares, electrónica y jazz. A ver si tiene suerte.

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oriente es oriente

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texto .Boko

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cole Willis AL LADO DE UN GRAN HOMBRE …

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… ES POSIBLE QUE HAYA UNA GRAN MUJER

Hasta la publicación de “Soul Makeover” es difícil que alguien haya reparado en ella (aparte de Jimi Tenor, claro). Asistida por su maridísimo finlandés y por el productor de house neoyorquino Maurice Fulton, la cantante ‘no de soul’ Nicole Willis se presenta de una vez por todas como solista.

1. De “Soul Makeover” puede decirse que es un disco contenido teniendo en cuenta que está detrás alguien tan excesivo como el Sr. Tenor. Se supone que él ha sido el responsable del toque funky mientras que Maurice Fulton habría alisado los desvaríos del finlandés hacia terrenos más sedosos propios del deep house.

Aún así, a pesar de que esta acertada combinación tenga resultados tan brillantes como ‘All The Time’ o el single ‘Heed The Sign’, no han podido evitar que resulte en algunos momentos pelín desangelada y con poco brío. ¿Cuán responsable eres de tu disco? «Hasta cierto punto me hubiera gustado contribuir más en la música. Pero Jimi y Maurice son muy buenos productores y confío plenamente en ellos.» Tampoco ha sido ningún problema para ella el hecho de grabar para un sello de electrónica experimental como es Sähkö. «Considero mi álbum tanto soul como electrónico. Es un híbrido que intenta ampliar miras más allá de la electrónica.»

Aparte de que ya hace algún tiempo que, al lado de la nevera (de la que sacan los platos fríos de minimalismo y ruidos de Pansonic o Philus), en Sähkö tienen montado un hornillo (en forma de subsello llamado PUU) para cocinar platos más calientes y sabrosones, como los del propio Jimi o Freestyle Man. 2. Según me apunta Omar, de Red Musical (gracias por su inestimable ayuda), Nicole ha decidido vivir en Cataluña junto a su marido. Le advierto que España es un país lleno de verduleras al acecho. «Bueno, supongo que como en todas partes. Siempre buscan problemas y ocasiones jodidas para poder hablar de algo.» Afortunadamente, no podrá hacerse de Nicole Willis, algo así como una moderna Jackie Kennedy. Su marido Jimi Tenor es un personaje excepcional, carismático y todo lo que tú quieras. Vive en Barcelona y los barceloneses lo han adoptado cariñosamente como el hijo excéntrico de la familia, pero el mundillo underground aún no da para marujear (aunque sí que hay un amarillismo a pequeña escala que a veces es desesperante). Nicole nos explica cómo es su relación. «Jimi tiene una gran personalidad además de ser muy divertido, es todo un personaje. Pero somos diferentes en el escenario. Él es un artista completo, un entertainer. Es normal que la gente lo vea extraño, no sabes nunca como va a reaccionar. Por lo demás tenemos una relación privada que nos satisface.»

3. De The The a Dee Lite, al frente de Repercussions o colaborando con Leftfield (escúchala en ‘Swords’ de su último álbum), Nicole ha coqueteado con todo tipo de personajes (o mejor dicho, ellos lo han intentado con ella). Sobra decir que su Jimi también la ha incluido en alguna de sus canciones. Y es que su voz es de una elegancia y precisión que sólo tienen explicación viendo su amplio currículum. Como toda buena cantante crecida con el soul, está influenciada por las grandes clásicas del género, cómo no, pero las chispas saltan, ay, cuando le pregunto si se siente influenciada por alguna de sus coetáneas, ahora que el R&B está tan en auge. «Pues no, no las tengo ni como influencia ni como referencia. No pienso hacer lo mismo que ellas porque yo no hago música para estar en la onda o ser fashion.» Las cosas también van mal dadas cuando le pregunto, por curiosidad, qué le parece el giro sucio-experimental que le da Leila al soul. «No le he prestado mucha atención, no puedo opinar. Pero un día leí una entrevista suya y me cayó bastante mal. Parecía como si después de arrimarse a Aphex Twin y haberle sacado partido pasara a criticarlo a sus espaldas cuando ya no está en Rephlex. Me pareció muy arrogante.» Bueno, no he dicho nada. Otra cosa es cuando comparo algunas de sus canciones con un grupo por el que compartimos afición. «Me halaga que me compares con Electribe 101. Era música sencilla y bella. A finales de los 80 las cosas parecían más inocentes que ahora, y por eso mismo sonaban bien; porque no pretendían ser perfectas. No eran tan postizas y artificiales como mucho del R&B de ahora.»

4. Nicole deja claro que estaba harta de tanto purismo soul y tanta impostura adult oriented jazz (en lo que terminó degenerando el acid jazz) de mediados de los 90, y por eso no quiere calificarse de cantante de soul al uso. «Sí, de alguna manera soy una cantante de soul, pero reivindico mi libertad para cantar cómo y lo que me dé la gana. Es más importante poder cantar cosas diferentes antes que estar depurando la técnica». Es lógico, no necesita depurar una técnica perfecta. Así pues, su álbum sería… «No te lo sabría decir. Tiene una base soul pero también elementos pop. Sobre todo no es un estilo cerrado. Me gusta experimentar con la voz y con arreglos diferentes, intentando que cada disco suene diferente.»

“Soul Makeover” está editado por Sähkö / Red Musical.

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Purito prejuicio es lo que tenemos. La idea que tenemos de México está basada en un estándar cercano a Cantinflas o, como mucho, a la tópica visión yanqui de coeficiente intelectual infranormal y grado de comprensión cultural cero. Es normal que al oír “mexicano” nos venga a la mente inmediatamente la visión del páramo y los mariachis, los espaldas mojadas o el caos urbano de un México DF deshecho y anárquico. Pues bien, no se trata de negar ciertos aspectos de una realidad cultural extrema como es la mexicana, pero simplemente señalar que ese punto de partida es cuando menos peligroso. Peligroso para ellos porque perpetúa su condición de víctimas de la historia por parte de occidente. No en vano han sufrido la colonización mentecata y cristiana de la españolidad del siglo XVI, y la de las organizaciones criminales del comercio estadounidenses en el XX. Y peligroso también para nosotros, la modernidad europea, fascinada con lo anglosajón (sobre todo musicalmente). Por suerte ahí están artistas como Guillermo Gómez Peña o Coco Cusco y periodistas como el argentino Eduardo Galeano, que con buenas dosis de ironía, sarcasmo y mala leche nos recuerdan ferozmente nuestra hipócrita ignorancia y nuestro zafio centralismo cultural.

Y ahí están también Plastilina Mosh, que tampoco es que sea un grupo político (como los inofensivos Molotov) pero sirva como ejemplo para derribar un poco esos prejuicios. Jonaz (el 50% punk de Plastilina Mosh) nos explica cómo, tras el éxito que consiguieron con “Aquamosh”, después de que la MTV les pegara el ojo, llegan a grabar este segundo álbum, “Juan Manuel”, junto a Money Mark y Craig Allison de The Beta Band. «Ha sido muy divertido trabajar con Money Mark. Más que producirnos éramos un trío componiendo y tocando. Hacíamos jams con los instrumentos y grabábamos pedazos y así íbamos estructurando las canciones. Con Craig Allison contactamos a través de la disquera y también fue muy divertido. Cuando lo llamamos se vino corriendo a Monterrey. Aunque claro, el tío es un poco más frío. Es inglés y se le nota. Pero nos lo pasamos bien cool con los dos.» Se puede decir que en “Juan Manuel” hay diferencias respecto al primer disco. «Sí, ahora somos más huevudos. No, es broma. Hemos cambiado porque también ha cambiado la música que escuchamos. La verdad es que las nuevas canciones están bastante más elaboradas. Y creo que nos han quedado del ojete.»

Plastilina Mosh empezaron un poco por probar. «Antes, yo estuve en Cuervos de Malta, un grupo de trash, durante 5 años. Nadie nos hizo puto caso. En cuanto a Alejandro, tenía una formación clásica y siempre ha sido un apasionado de la electrónica. Un día nos juntamos a ver qué salía.» Supongo que con estas referencias os debían ver en vuestra ciudad como unos personajes bastante freakies. «Sí, al principio nadie nos comprendía pero a base de conciertos nos seguía mucha gente. Habíamos girado mucho con Molotov aunque su público era un poco cerrado. Sólo aceptaban el hip hop y a nosotros no nos miraban demasiado bien…» El fenómeno Plastilina explotó ya con su primer single ‘Niño bomba’, al que siguió ‘Mr. P-Mosh’ y el asalto a las listas. Parece como si, en un entorno como Monterrey, la combinación de punk gamberrete y algo de electrónica refinada tuviera que desembocar necesariamente en esto. Y esto es lo que confiere carácter al grupo y se plasma, a día de hoy, en un disco ante todo fresco y muy heterogéneo que tiene en el punto de mira a Beck, Beastie Boys y Money Mark, o lo que es lo mismo: profusión de estilos y de géneros entremezclados. Tan es así que las canciones se alternan entre la calma y la pista de baile indistintamente.

«No ha sido deliberado, simplemente nos ha salido así. Unas canciones son más para ir manejando el carro para el ambiente y en otras queríamos hacer bailar a la gente. Pero nos gusta esa manera de estar en ambos sitios a la vez.» Y para finalizar no me resisto a preguntarle por esas fotos que aparecen en el interior de la caja del CD y que podrían calificarse de gore doméstico. «¿La foto de las cicatrices en la frente? Eso fue un botellazo que le pegaron unos putos del carajo a Alejandro en un concierto, y bueno… le pusieron 27 puntos.» Vaya, pues sí que es peligroso esto de ser peculiar. Hicisteis bien en dejar constancia. «Ah, y el que está al lado cagando soy yo.» ¿Qué era, un domingo de resaca? «Pues sí, tú lo has dicho.» Lo típico.

“Juan Manuel” está editado por Chewaka / Virgin.

Desde su querida Monterrey natal, este par de mexicanos alocados vuelven a hacer gala de su buen humor urdiendo un segundo álbum apto para sesiones de aerobic con ‘rollerball’ y chill outs ligeramente desmadrados. “Juan Manuel”, título del álbum: el nombre de un ‘man’ amigo suyo que corre por su barrio.

Viva el ‘trashmestizaje’.

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texto .Marc B.

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Plastilina Mosh

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disco–trash–metal–funky–del–ojete

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Malas de película

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texto .Toni Garcia

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Glenn Close vuelve a las pieles de Cruella de Vil, Liz Hurley ejerce de señor(a) de las tinieblas y pronto tendremos a Sharon Stone dando rienda suelta a sus pequeños vicios en “Instinto Básico 2”. Señores, admitámoslo, la maldad está de moda.¿ Y hay algo mejor que una mujer mala?

La femme fatale existe desde el principio de los tiempos, y han sido (y son) un pilar del cine. Así que no pretendemos hacer un repaso cronológico ni desde luego exhaustivo, es más bien un intento de resaltar a esas féminas que hacen del sufrimiento del macho todo un arte. ¿Qué pasa? A mí me gusta. .Las feas Las malas no tienen porque ser bellas y eso es un punto que las aleja del prototipo de malvada impulsada primordialmente por el cine hollywoodiense, pero a mí eso, lejos de condicionarme, me parece aún más exquisito ¿O es que solo pueden ser malas las guapas?.

Aún puedo ver la cara del pobre James Caan, postrado en la cama, mientras la grandísima (no busquen juegos de palabras) Kathy Bates le machaca los pies con un gigantesco martillo. La gran Kathy seguía la línea marcada por Bette Davis, la misma que sigue (con una vertiente paródica) la maravillosa Cruella de

Vil, el único dibujo animado al que invitaría a cenar. Ellas forman, sin duda, un elenco de ensueño para cualquier freak que se precie de serlo. .Las tías buenas Necesitaría toda la revista para el tema, pero ahí va mi ranking: la Demi Moore de “Acoso”, menuda voluntad tiene Michael Douglas (sólo en las películas), o la Sharon Stone de “Instinto Básico”: si llego a estar en ese interrogatorio me disculpo para ir al lavabo, lo juro. Y qué me dicen de la primera escena, con el punzón. Si hasta parece guay que te asesinen de esa manera (jodiendo con la Stone, me refiero).

Ambas son seguidas muy de cerca por la Catwoman de la Pfeiffer (quién fuera Batman para recibir esos lengüetazos en la jeta), y por la Lucy Liu de “Payback”, lo siento, pero verla con el látigo y repartiendo guantazos es más de lo que puedo soportar. Y si tengo que escoger una última (y pueden llamarme sadomasoquista) me quedaría con Famke Janssen en “Goldeneye”, ese traje negro… Uff

El felpudo maldito de Sharon Stone acabó con el refrán que afirma que “siempre va Dios a darle culo a la que no tiene bragas”.

Michelle Pfeiffer como Catwoman, ejemplo de lo inútiles que son los hombres para las cosas de casa. Nada habría pasado si Batman se hubiera acordado de echarle las pastillas anticelo en el Whiskas.

las semillas del diablo A la derecha y en la página siguiente, Glenn Close en “102 dálmatas”, con un preocupante estilismo propio de Montserrat Caballé. Bajo estas líneas, Marlene Dietrich que, de estar viva hoy, a buen seguro haría caldo para su amante con el espinazo de una ternera inglesa de más de 40 meses.

.Las sofisticadas Otro de mis vicios, las mujeres con clase, que resultan doblemente atractivas si son malas (exceptuando a mi ex suegra, por supuesto). Me chifla la Sarah McGellar de “Crueles intenciones” (y ese insuperable beso lésbico), y la Glenn Close de “Las amistades peligrosas”, quizás porque la primera es un reflejo de la segunda. Por no hablar de Marlene Dietrich, que da miedo solo mirarla. Pero la reina es Lana Turner, especialmente en “El cartero siempre llama dos veces” y en “Los tres mosqueteros” donde construye la Milady de Winter más hijaputa de todos los tiempos, y luce unos lunares y unos modelitos que ni mi amada (y anteriormente debidamente homenajeada) Cruella de Vil. Y por último, Linda Fiorentino en “La última seducción”, porque sólo una mujer con clase podría sobarle el apéndice a Peter Berg y quedarse tan ancha.

Seguramente, la cabrona con más estilo de los 90. .Debilidades personales Ahora vienen aquellas que me han hecho perder el sueño, por una u otra razón.

Empezando por Denise Richards y Neve Campbell, malas, jovenes y bisexuales, un cóctel que por razones obvias resulta irrechazable y que hace de “Juegos salvajes” el filme de culto que es hoy en día. Tampoco me parece mal Rebecca de Mornay (otra que ha sido Milady cinematográfica) en “La mano que mece la cuna”, donde la muy golfa se dedica a sembrar la discordia, llevándose por delante a todo quisqui, incluido un negro retrasado (léase afroamericano disminuido psíquico), y eso amigos, es decir mucho en la era de lo “políticamente correcto”.

Y si antes hablaba de Sharon Stone, ahora vuelve a salir, porque su despreciable

esposa de “Desafío total” que (como en todos los filmes de Paul Verhoeven) mata a diestro y siniestro, demuestra que el asesinato a sangre fría no está reñido con la feminidad. Ya somos un poco más iguales. .Cosecha nacional Las malas del cine español son menos evidentes (que no menos eficaces) y aunque Sara Montiel, Lola Gaos y Victoria Abril (entre otras) han ejercido el rol con bastante fortuna, mi favorita por partida doble es Terelu Pávez, un pedazo de actriz que ha dado lo mejor de sí misma en dos filmes de Álex de la Iglesia, “El día de la bestia” con su inolvidable muerte en la escalera, después de haberse llevado por delante el pabellón auditivo de Álex Angulo, y el salto en batín a lo “Matrix” de “La comunidad”, una escena ya mítica de nuestro cine, en pos de Carmen Maura y el dinero de una de quince. .Malas por naturaleza «Su perfección estructural es solo comparable a su hostilidad», una sentencia perfecta para definir a la mala no-humana más famosa de todos los tiempos, la reina Alien de “Aliens”, un bicho tremendo con continuas ganas de juerga a la que no le gustaba demasiado el género humano. Y last but not least, otra que también llegaba del espacio exterior con ánimo belicoso, Mathilda May en “Lifeforce”, donde Tobe Hooper dejaba que la francesita de las tetas perfectas arrasara el planeta buscando un poquito de energia que llevarse al cuerpo. Y vista la manera de conseguirla, no me importaría ser donante.

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Les aboues

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Les aboues

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Les aboues

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Les diaboliques

Fotografía: Xavier Bergman

shootme@xbergman.com

Peluquería y Maquillaje: Raquel Costales (Servimatge) para Givenchy Modelos: Melissa Johannsen (La Agencia), Lina Sundén (Group), Valeria (Group) y Marilia (La Agencia).

Estilismo: Mabel para MC. Todas las prendas son de Coco (New York)

Les diaboliques

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texto .Lluís Ceprián

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3 x 23 = 69, la aritmÉtica del amor

The Magnetic Fields AMOR. m. Sentimiento, inclinación o afecto vivo experimentado hacia una persona o cosa. // Pasión que atrae a una persona hacia otra. // Conjunto de actitudes y actividades que estimulan el apareamiento. // Persona o cosa amada. // Esmero con que se ejecuta una cosa.

Sin embargo, la palabra amor expande su significación mucho más allá de la mera definición que se puede hallar en cualquier diccionario. Para Stephin Merritt, “amor” adquiere una serie de acepciones que para muchos podrían resultar contradictorias o, incluso, aberrantes. “69 Love Songs” es un caldo de cultivo surtido con una serie de ingredientes que van de la desesperanza al anhelo, de la acaricia al desgarro, del miedo a la estupidez. Son, como el propio título indica, sesenta y nueve canciones repartidas en tres compactos, que por fin ha sido editado (con un año de retraso) en nuestro país.

Stephin se encuentra en estos momentos a punto de lanzar un nuevo EP de otro de sus incontables proyectos, The Future Bible Heroes. «Aún no lo hemos sacado a la calle, pero ya estamos haciendo algunos conciertos.» .Ámame de sesenta y nueve maneras Stephin Merritt afirmó una vez que él siempre escribía sobre la manera en que quería a alguien. ¿Pero se puede querer de sesenta y nueve maneras distintas? «Se puede querer de cientos de maneras, todo depende de a quién quieras y en qué momento lo hagas.» Stephin es un hombre calmado y se toma su tiempo para procesar sus respuestas. Esto, unido al apático y anodino tono de su voz, contribuyó a obtener una de las entrevistas más gélidas que jamás haya realizado. Pero basta de preámbulos y encaremos su último disco, una de las cimas recientes del pop melodramático. «Con este disco quise expulsar mis canciones fuera de mí, ponerlas en el mundo. También es un tributo hacia todos esos discos que siempre me han gustado y hacia los que me gustan en la actualidad. No sé, la gente ahora monta los espectáculos con el fin de entretener al público, a la hora de grabar tienen suficiente con hacer un trabajo correcto y unitario de cincuenta y cinco minutos. A mí eso no me gusta, creo que la música es capaz de captar la atención durante horas.» Pero, ¿un disco que dura casi tres horas y que gira exclusivamente en torno al amor no puede resultar un auténtico peñazo para las nuevas generaciones? «Las relaciones entre los humanos no han variado tanto de mi generación a la actual. La gente sigue relacionándose y por lo tanto continúa queriendose.» .Portrait of an American family De pronto fuimos interrumpidos por los ladridos de un inesperado invitado, aunque él insistiera en que se encontraba solo en su apartamento y que seguramente venían de la calle. Actualmente, Stephin vive en Nueva York, ¿Cómo van las cosas por la capital del Imperio? «Por lo que parece estamos atravesando un gran momento económico y todo eso; así que sólo te digo una cosa, si puedes ofrecernos algo que sea emprendedor, aquí hay muchísima gente dispuesta a hacerte millonario. América continúa siendo el país de las oportunidades, sobre todo para la gente que sea honesta.» Desgraciadamente, si de algo se ha de sentir huérfana la América actual es de honestidad. En Europa, nos regocijamos con el filme “American Beauty”, que nos mostró con nitidez la ponzoña moral que esconde el sueño americano. «A mí no me gustó “American Beauty”. Creo que el mejor retrato de la sociedad americana de ahora es la serie infantil de televisión de los Teletubbies.»

Bueno, al menos comprobamos que su sarcástico sentido del humor permanece tan ácido como siempre (lo que es de agradecer). .Independientes… ¿de qué?

El camino recorrido por The Magnetic Fields a lo largo de la década pasada ha sido un tanto errático. Comenzaron en 1990 con “Distant Plastic Trees”, un compendio de sugestivos sonidos electrónicos combinados con la tradición del rock americano. Aún se percibían rastros sonoros pertenecientes a Roxy Music o Kraftwerk. Pero poco a poco fueron los instrumentos acústicos los que se encargaron de poblar el universo sonoro de Merritt, que personalizó aún más el talante del grupo con la incorporación de su voz a gran parte de las composiciones. Y así se han ganado un puesto de honor en la escena americana de bandas de pop independiente. «Yo no hablaría de escena de pop independiente. No creo que haya existido realmente en Estados Unidos. La gran mayoría de los denominados sellos indies en el fondo pertenecen a las grandes discográficas. Nosotros mismos somos un ejemplo; casi todos nuestros discos han sido editados por Merge, un sello distribuido por Touch And Go, que a su vez está distribuido por ADA, que pertenece a Warner. Así que técnicamente pertenecemos a un sello grande. La categoría indie es tan minúscula que casi no se puede decir nada de ella.»

“69 Love Songs” está editado por Circus / Pias.

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080 texto .Rubén Romero

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A Reminiscent Drive ANTE TODO, MUCHO KARMA

No contentos con abarrotar las estanterías de las librerías con los libros de Paulo Coelho y de autoayuda, los nuevos espiritualistas amenazan con hacer lo propio con los estantes de música electrónica. Como si no tuviéramos bastante con el misticismo sintético de Jeff Mills.

A Reminiscent

Paso 1: inspirar. Siéntese en la posición del loto y abra los ojos porque de otro modo le resultará imposible continuar leyendo esta entrevista. Prepárese para adentrarse en el fabuloso mundo de Jay Alanski, el hombre detrás de A Reminiscent Drive.

“Ambrosia” es un disco de esos que se dicen relajantes, mezcla de New Age y electrónica de lo más resultona que podría sonar perfectamente en el mítico “Café del Mar” o en un salón minimal de esos amigos que acaban de volver de pasar quince días en la India y de la noche a la mañana han abrazado el integrismo verdulero vegetariano. Perfecto para ágapes tántricos y búsquedas, pérdidas y reencuentros interiores. «Sí y no. Mi música se puede escuchar en el lavabo, en la cocina, pero no es como la música hindú, no son rezos.

Aunque me gustaría que a la gente le ayudara a meditar, también puede escucharse mientras te emborrachas.» A eso se le llama polivalencia, sí señor.

Paso 2: espirar. Conecte sus pulmones con el mundo exterior, siéntase parte de un todo. Si es hombre repita el ejercicio. Si es mujer obséquienos con su mejor sonrisa. Con suerte Jay le hará un retrato para la posteridad.

Además de músico, Jay es fotógrafo, pintor y artista multimedia. Vamos, que el chico vale lo mismo para un roto que para un descosido. «Intento hacerlo lo mejor que puedo en todos los campos. Empecé con la música y sólo después he empezado a trabajar en fotografía, pintura, collage y vídeos. Me considero un artista, no quiero parecer pretencioso, sólo intento hacer arte.» Siguen siendo unos pensamientos muy elevados, aunque un vistazo a su web (www.alanski.com) revela una obsesión de Jay por lo carnal bastante mundana. Incluso se permite una dirección de contacto para todas las féminas que deseen pasar por su objetivo. Profesionalmente, claro. «Siempre estoy buscando nuevas modelos y pensé que sería una buena manera de conocer nueva gente que quisiera posar, no era para ligar, lo juro (risas).»

Paso 3: suspirar. Deje de hacer el capullo y olvide todo lo anterior. Concéntrese en lo que viene a continuación y decida si Jay, Paco Rabanne y el Dr. Jiménez del Oso son unos colgados o la gente más cuerda del planeta.

Aparte de chicas ligeras de ropa, en la página de Alanski también podréis encontrar una biografía en la que el músico afirma haber sido, entre otras cosas, alquimista, lobo estepario, íntimo de krishna y concubina china. Profesiones imaginarias, supongo. «No, qué va, en mis anteriores vidas lo he sido, no es broma. Creo en la vida después de la muerte, en la reencarnación. Hace 100 años fui judío en Nueva York, y esquimal en Groenlandia y dandy finisecular…». Sobrepasado por los acontecimientos y ante mi silencioso pasmo, Jay prosigue. «Creo en los ángeles, creo en el mundo espiritual y en el mundo invisible. Estamos rodeados por personas, fuerzas y vibraciones invisibles. No sé qué es real y qué no lo es». Debo confesar que, a estas alturas, suscribo esto último.

“Ambrosia” está editado por F Communications / Masterdance.

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texto .Boko

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Tortoise

madres del cordero

Los estilos musicales nacen, se perfeccionan, se imitan, se desvirtúan y desaparecen. La salida del nuevo elepé de Tortoise, “Standards”, es una magnífica ocasión para discutir si a día de hoy tiene mucho sentido seguir hablando de postrock.

una etiqueta menos

Tortoise y el postrock Lo que se inició como un divertimento para músicos inquietos acabó siendo el emblema de un nuevo género. Tortoise, tal como lo conocemos hoy, ha visto pasar por sus filas a la crême del underground de Chicago. Si no fuera por la realmente espeluznante influencia que han conseguido y la lista de grupos que han requerido sus favores como colaboradores o productores, su aportación musical no iría más allá de la anécdota. Con una formación nunca definitiva, los que han quedado (John McEntire, Douglas McCombs, Jim O’Rourke, Don Bitney y Jeff Parker) publican en febrero su cuarto álbum oficial, “Standards” (descontando el “Rhythm, Resolutions & Clusters” del 95 y otros álbumes de remezclas), pero ahora con Warp (cosa imprevisible pero no extraña). Con Jeff Parker tuvimos que habérnoslas para desentrañar algo del oscuro modus operandi de Tortoise. Puedo prometer y prometo que lo que leeréis a continuación fue todo el jugo que pude sacarle a un espeso Jeff Parker. Tengo que decir en mi contra que el poder hablar con uno de los responsables de Tortoise, Isotope 217 y Tricolor quizá me llevó a formular unas preguntas demasiado complejas, pero todo me hace suponer que Jeff no debía estar muy acertado ese día. Porque una de dos: o estamos ante un genio excéntrico cuya lucidez es difícil de descifrar, o al menos llevaba ya siete porros esa tarde. A un ritmo de dos palabras por minuto se descolgaba con declaraciones tan rabiosamente audaces como: «Tortoise es... básicamente… un grupo de gente… haciendo música.» Pues vale, tío.

Cada disco de Tortoise parece marcar una evolución respecto al anterior. De la abstracción de “Tortoise” (94) se ha llegado a la concreción de “TNT” (98). ¿Hacia dónde va “Standards”?

A un lugar distinto, ja ja. En el nuevo álbum tratamos de explorar con sonidos más potentes, tonos más distorsionados, más guitarras, un volumen más alto, más rápido, canciones más cortas. Algo más cercano al rock de lo que habíamos hecho hasta ahora, pero tratando de mantener el sonido Tortoise. ¿Cómo logra el grupo mantener su sonido característico con tantas idas y venidas de músicos? ¿Hay alguien que indique el camino a seguir?

Las canciones son una mezcla de lo que aportamos todos por separado. Cada personalidad tiene el sonido Tortoise. La música no es ninguna persona por encima de otra. El sonido peculiar viene de la personalidad de cada uno. Usamos la música para encauzar nuestras ideas. Es así de simple para mí.

Y en cuanto a la composición, ¿cuál es vuestro método de trabajo?

Las canciones surgen de... la improvisación. «¡Eh, tío!, esto es algo bueno, vamos a hacer una canción con esto». O puede ser que alguien tenga una idea, la traiga al grupo y la desarrollemos. A veces partimos no de un punto A, sino de un punto B que alguien sugiere y que se desarrolla en el estudio. ¿Tiene algún tipo de influencia cinematográfica vuestra música?

Nuestra música no tiene nada de visual, no hacemos scores para películas imaginarias. Las influencias del cine están muy presentes en Tortoise, claro, pero no necesariamente. No consideramos ningún aspecto visual cuando componemos. ¿Dirías de vuestra música que es racional o, por el contrario, queréis expresar algún sentimiento?

No pretendemos inducir estados emocionales en la audiencia. Sólo amamos lo que hacemos. Somos humanos, no podemos decidir que vamos a emocionar a la gente.

Nuestra música refleja únicamente nuestras vivencias.

“Standards” está editado por Warp / Satélite.

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texto .Boko

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Del postrock a balance de una década

Slint.

al plasta rock

Flying Saucer Attack

Appliance

Del postrock El hecho de que la música de un genio tan difícil como Tricky haya calado realmente en la mente de tantos autoproclamados seguidores, podría haber tenido como consecuencia el florecimiento de una marea de músicos componiendo “a la manera de...” y, por esa misma razón, el llevarnos a hablar de post-hip-hop. Afortunadamente, no ha sido así, pero es que el hip hop no es un género aún tan explotado y manoseado, ni se presta tanto a clasificaciones quisquillosas y a veces retorcidas como es el caso del rock. Haces hip hop o no haces hip hop. Pero cuando lo que cuenta es echar a la basura de una vez por todas el estigma del rock para gárrulos basado en el “sexo, drogas y rock & roll”, cualquier solución será recibida como agua bendita. Porque últimamente el rock ya no era ni rock; si tenía pretensiones de modernidad se veía obligado a adoptar apodos algo más sutiles tipo indie, noise, grunge… y cuando, yendo más allá, lo que interesaba era darle un tono más intelectual, sin por eso tener que caer en el purismo baboso del adult oriented rock, el término vanguardia quedaba aún demasiado ambiguo.

Visto así, el advenimiento del post-rock parecía algo a todas luces inevitable. De subestilo pasa a ser todo un género que conforma pronto toda una serie de lugares comunes harto recurridos y recurrentes; que si el origen está en el “Spiderland” de Slint, que si el krautrock (Can, Neu!, Faus….), que si la experimentación, etc. Y a poco que rasquemos nos asalta, indefectiblemente, un nombre por encima de los demás: Tortoise. El combo de Chicago ha extendido sus redes ad infinitum propagando así la franquicia del postrock, prestando soluciones a grupos necesitados y no tan necesitados. Aunque ya son ellos mismos los primeros en rechazar una etiqueta adjudicada según todos los indicios desde la revista inglesa “The Wire”, por ahora el postrock nos sigue sacando de más de un apuro porque su carácter espongiforme absorbe con facilidad desviaciones, fusiones y nuevos derroteros hasta ahora imprevistos. Una suerte de cajón de sastre para definir a bote pronto a nuevos grupos.

Pero claro, como todo estilo que se precie, también tiene sus cagadas, sus arribistas, sus oportunistas y sus parásitos. Ondeando la bandera de la libertad creativa muchos han aprovechado la coyuntura para colarnos más de un pastiche modernete que sólo el tiempo relegará al abismo de donde proceden. Álbumes que pueden considerarse, tras ser escuchados dos veces (algunos no merecen siquiera una segunda escucha), como abiertamente inútiles. Porque al postrock le nació un hermano bastardo llamado plasta rock que ha tenido insignes exponentes. Partiendo de la base de que lo de Can tiene solvencia sobre el papel, pero que sobre el terreno engendra más de un tema peñazo como pocos, asimismo, en el post-rock nadie está libre de pecado; Labradford, Flying Saucer Attack, Cul de Sac, Appliance, Sonic Boom, Main, los laureados Mogwai o los mismísimos Tortoise han corrido a veces peligrosamente al otro lado de la valla y han conseguido, con mayor o menor fortuna, camelarse la situación a golpe de supuesta credibilidad.

En todo caso, la extensa nómina de grupos que cobija el postrock (que por falta de espacio y por evitar el enciclopedismo no vamos a consignar aquí) tiene asegurado el pedestal presente y pasado de música genuinamente aventurera y pies de página indiscutibles en la historia de la música popular de todos los tiempos. Pero como absolutamente todas las etiquetas, el post-rock fenecerá cuando empiece a ser reiterativo, y parece ser que su momento acaba… ¡ahora! Diez años después de su nacimiento y cuando empieza a ser sustituido por el término más abierto de avant-rock.

3 fotos del grupo Slint

una portada de Cul de Sac

al plasta rock en esta pรกgina fotos de Mogwai

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texto .Tex and Avery

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Se acerca el 14 de febrero, y en la cartelera coinciden títulos como “Family Man”u “Otoño en Nueva York”. Un buen momento para revisitar el imperio fílmico de la baba, donde la reluciente lágrima y la inefable mucosidad se erigen en protagonistas. Si has sentido vergüenza ajena, rojez en las mejillas y temblor en las manos contemplando alguna de estas abominaciones, entonces éste es tu ránking. un espacio esponsorizado por Kleenex

“Ghost”: auténtica cumbre de la ñoñería, “Ghost” es al cine blando lo que “Guerra y paz” a la literatura rusa. La película era de lo más tramposa: cuando todos suspirábamos aliviados pensando que Patrick Swayze había estirado la pata y no tendríamos que seguir soportando su presencia, va el tío y resucita en plan ectoplasma o, ejem, ectoplasta. Lo más curioso del caso es que todas querían ser la alfarera Demi Moore en una escena final con un rollito lésbicoétnico que tiraba para atrás: ¿qué mente retorcida podría querer hacérselo con la simiesca Whoopi?

“Pretty Woman”: y un huevo nos creemos que iba a ir el ricachón sacando medio cuerpo de la limusina con su ramito de flores silvestres para ir a buscar a la pobre (pero agradable y bien presentada) furcia de Hollywood Boulevard. Richard Gere y Julia Roberts en una peli de la Disney. ¿Vais atando cabos?

“Tienes un e-mail”: reíos del sexo cibernético; la auténtica bomba de la red es la pequeña Meg y su pequeña librería, mientras a miles de webs de distancia el malvado magnate del libro con cubierta de plástico (o descuento equivalente) intenta quedarse con su establecimiento. Y no sólo se la queda sino que acaba con ella lamiéndole la mano (en USA no se pueden lamer otras cosas). Bonito mensaje para tan insigne filme.

“Oficial y caballero”: típico producto de la época Reagan. Richard Gere demuestra lo que se liga con uniforme y lo honrada que es la marina yanqui, y de paso se cuelga la medalla de hacérselo con Debra Winger.

“Corazón indomable”: entre churretones de grasa y ketchup, Marisa Tomei cae rendida ante un moribundo Christian Slater con el corazón hecho papilla, demostrando que el amor puede surgir hasta en locales que cerraría cualquier inspector de sanidad. No apta para taquicárdicos.

“Mientras dormías”: Sandra Bullock en una clásica disyuntiva de telefilme: elegir entre el hombre que ofrece dinero (ergo seguridad) y el que sólo tiene amor (y pan duro). Como era de esperar, opta por el primero (porque está en coma y seguro que pilla antes la herencia) para después arrepentirse y enamorarse del hermano pobre.

“Hijos de un dios menor”: largometraje de lo más didáctico, contiene una de las citas más celebres de la historia del cine: «Todos querían follar con la puta mudita», que aprendimos a decir sin palabras, lo que nos valió más de un guantazo en la discoteca.

“Elegir un amor”: en la vida real Julia Roberts iba de cama en cama, y en la película es una enfermera (una manera como otra cualquiera de visitar catres) enamorada de un enfermo terminal. Sus llantos finales nos recuerdan la popular sentencia: «Donde tengas la olla no metas la polla», o en su caso, lo que sea.

“La mujer del predicador”: o cómo hacer el ridículo en clave afroamericana, con Denzel Washington de ángel tipo “Forrest Gump” con problemas de adolescente histérica, Whitney Houston cantando no una sino varias canciones y un tipo haciendo de cura que no desmerece para nada el (?) nivel interpretativo. Para adictos al delirio esquizofrénico con gotitas pseudoreligiosas, seguidores de la semidiva y sectarios varios. Si su iglesia tiene problemas, ésta es su película.

“Conoces a Joe Black”: la única razón para querer ser inmortal es evitar la muerte más lamentable jamás vista, Brad Pitt y su facha de ario autista llevan a la vieja señora de la guadaña a sus horas más bajas. La muerte es virgen y Claire Forlani ni siquiera sale en pelotas. Por favor, quemen los negativos.

“Mil ramos de rosas”: auténtica apología de la estupidez con floristero propietario de ático (con jardín y vistas) enamorado de yuppie huérfana.

Subproducto al servicio de la pobreza interpretativa (y humana) de Christian Slater. Abstenerse diabéticos y alérgicos al polen.

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texto .Juan Sardá

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Julián Vallejo es uno de aquellos seres estrambóticos y alocados que forman parte del día a día de lo que podríamos llamar “mundo artístico”: un ser excesivo y casi paródico cuyos peregrinos proyectos no pueden sino despertar simpatía. El talento, ¡ay!, es otra cosa, pero si alguna lección nos ha dado la postmodernidad es que a la hora de hablar de arte, todo vale, hasta que nadie diga lo contrario.

Vallejo acaba de autoeditar un libro, de título “Comunión”, una surrealista subversión en clave petardo festivalera del policíaco americano convencional. Ambientada en el Bilbao de hoy mismo, donde vive y trabaja, su trabajo le ha costado llevar a buen puerto sus inquietudes literarias, «había escrito dos novelas, pero la literatura no es mi dedicación principal –me explica–. Han pasado diez años desde la última porque me cuesta un gran esfuerzo escribir. No es como pintar, que es algo más inmediato». .Maldoror se pasea por la ría “Comunión” no sólo es el título de la novela, es también una droga malísima y ultra adictiva cuya receta requiere de un siniestro ingrediente: riñones humanos. El negocio, sin embargo, es una bicoca para los malos del asunto, un ex jugador del Athletic (equipo al que Vallejo odia con toda su alma), sus guardaespaldas y varios secuaces. Todo, naturalmente en un tono trash muy del gusto del autor.

«Es una historia divertida sin más pretensiones –explica Vallejo–; no me gustan los escritores académicos que se están en casa escribiendo sin parar obsesionados con crear una obra maestra. Luego sacan el libro, lo anuncian por la tele y nadie se lo lee. Yo quiero que me lean y me disfruten.»

Sus referentes, después de leer la novela, son obvios. «Boris Vian, Lovecraft o Philip K. Dick. Me gusta la literatura un poco fuerte, en la que pasan cosas que no ocurren en la vida cotidiana y los acontecimientos no obedecen a una lógica convencional.» Pero la clave del asunto está en otra parte: «el humor es básico en mi vida y en mi obra, hay que reírse de todo y de todos, de la literatura también, ¿por qué no?, aquí si estamos como estamos es por culpa de que la gente tiene mucha mala hostia y muy poco sentido del humor». Pues vaya.

Artist .Dame pop y yo te doy gore La carrera de Vallejo ha dado más tumbos que un seiscientos llegando a Cadaqués. Este hombre ha hecho prácticamente de todo y a sus 45 años está feliz de vivir de lo que le gusta. Y es que la farándula, ya se lo decía su mamá, es muy dura. «Me enrolla estar en mil historias a la vez, desarrollar mi creatividad en campos muy distintos. Quizá el problema es que, como tengo que ganarme la vida, no me queda más remedio que diversificarme. O quizá es que no puedo parar quieto en una sola cosa.»

La cuestión está en que la particular concepción de la vida del bilbaíno ha encontrado los más diversos medios de expresión y, de hecho, hace sólo unos meses su obra estuvo expuesta en Barcelona. «Soy, básicamente, un artista pop de segunda generación –se autodefine–, es decir, estoy emparentado con Basquiat o Haring, pero en mi obra es muy importante el aspecto crítico y ácido, me gusta la subversión.» Nadie le quita, desde luego, el mérito de ser el artista más genuinamente trash de la temporada.

La cuestión es que Vallejo es vasco y uno no puede dejar de preguntar. Pero Vallejo, como con todo, se sigue partiendo de risa y proponiendo que todo el mundo se lo tome todo menos a la tremenda. Tiene suerte de que “Comunión” no vaya a ser un best seller (y no lo será aunque bien pudiera, no es mucho peor que otros y por lo menos lo debe de haber escrito él), la cuestión es que tiene suerte porque realmente no tiene ningún problema con decir lo que piensa: «aquí el 90% de la gente cree que es mejor que el resto del mundo y la mayoría no ven más allá de un palmo de narices. Los nacionalistas son patéticos, de verdad, mucho peor de lo que parecen vistos desde fuera. El problema es que tampoco los otros son mucho mejores, la situación da pena». Ante tanta miseria, qué queda, «tratar de ser feliz». En el fondo es muy sencillo.

ta total Alguien que firma sus cuadros con la fecha de su nacimiento y defunción, por lo menos, trata de ser original. Pintor de “pop crudo”, diseñador gráfico y agitador cultural, el bilbaíno Julián Vallejo se desmarca como el escritor más delirante del momento.

la novela dogma nace en bilbao

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actriz sin talento se ofrece para fingir orgasmos

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Meg Ryan

Aunque la mayoría la conocieron a través de un orgasmo de sobremesa en un restaurante de Nueva York, su fuerte nunca ha sido el erotismo, sino más bien las comedias, y los dramas, pero siempre románticos.

Antes de fingir ante Billy Cristal en "Cuando Harry encontró a Sally" los placeres del sexo rápido, fue la esposa entregada y llorona del colega de Tom Cruise en "Top Gun" y encontró en "El chip prodigioso" a su esposo Dennis Quaid (ahora el chip que le gusta es el de Russell Crowe, de quién se enamoró rodando "Prueba de vida", el filme que estrena este mes). La película de Rob Reiner, con su exaltación de su sonrisa ingenua y su cuerpecito respingón (¿verdad Russell?), le abrió el género que marca su trayectoria. Es la mirada dulzona perfecta que soporta las gamberras peripecias del amor, la payasita ideal para sortear las flechas envenenadas de Cupido, la comprensiva, la encantadora. Al menos hasta que decidió cambiar su imagen angelical de película por un buen par de cuernos al pobre Dennis.

En los dramas, ni "City of Angels", "Courage Under Fire" o el espeluznante, por malo, retrato con botella que hizo Luis Mandoki en "Cuando un hombre ama a una mujer", han conseguido situar a la Ryan en cierto nivel interpretativo digno de admiración. Le faltan mejores películas y le sobra romanticismo sobado en gran parte de su filmografía (le puso hasta la voz a la "Anastasia" de animación).

Ahora que es productora (ya ha pagado "French Kiss" y "Poseídos"), tiene una buena oportunidad para despegar como actriz, con papeles de peso y mayor diversidad de registros. Que lo aproveche. Si es que hay donde apoJuan Pablo Beas yarse, claro.

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Meg Ryan

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meg Ryan PRUEBA DE VIDA

Dir: Taylor Hackford

El director de “Oficial y caballero” lleva a las pantallas una noticia aparecida en la muy comprometida con los problemas del mundo revista “Vanity Fair”. La historia versa de una mujer que debe recorrer medio mundo (Meg Ryan), en un viaje para intentar recuperar a su marido secuestrado. Como el viaje se presume largo y no le gusta hacer crucigramas se agencia un acompañante de excepción (Russell Crowe), para que le amenice el trayecto… Y lo que tenía que pasar pasó, Ryan se enamora de Crowe y deja a su marido Dennis Quaid, con una cornamenta que ni el papá de Bambi, buscando consuelo en los privados de los bares de Madrid. La película puede que no esté bien, pero sólo por el morbo de todo el affaire merece la pena verla.

russell Crowe

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julianne Moore texto .Rubén Romero

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HANNIBAL

Dir: Ridley Scott

En plena crisis de las vacas locas, va y regresa Hannibal el caníbal para ofrecer soluciones de choque a la ministra Villalobos. La secuela de la oscarizada “El silencio de los corderos” es, sin duda, una de las películas más esperadas del año pese a las deserciones de Jonathan Demme y Jodie Foster. Especialmente comentada ha sido la elección de Ridley Scott como director, un hombre que no pasa por su mejor momento profesional, aunque tal y como están las cosas, con David Mamet como guionista, Gary Oldman buscando venganza, Julianne Moore como la nueva agente Starling y Ray Liotta y Francesca Neri de secundarios de lujo, muy mal tiene que hacerlo para no repetir el éxito de su predecesor. Todos ellos más, claro está, Sir Anthony Hopkins que repite como degustador de chuletillas humanas crudas, al ajillo o en pepitoria.

anthony Hopkins

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haley Joel

CADENA DE FAVORES

Dir: Mimi Leder

La capacidad de adaptación al medio de algunos directores de cine es envidiable. Ahora que el recién llegado Bush empezará a cargar tintas contra Hollywood, que no contra los fabricantes de armas, ya hay quién tiene lista una película de corte sensiblero “a lo Capra”, para hacerse con los favores del nuevo Mr. President. Es el caso de Mimi Leder, que tras regalarnos dos bodrios de acción como “El pacificador” y “Deep Impact” se pasa a hacer cine con mensaje en “Cadena de favores”. Para ello, ha conseguido que Kevin Spacey, Helen Hunt y Haley Joel Osment (el mocoso buen actor que veía a los muertos y que ahora le dice a Spielberg cómo tiene que filmar “A.I.”) se sumen a su proyecto. La cosa va de un niño que descubre que la manera de solucionar los problemas del mundo es ir haciendo favores sin esperar nada a cambio, un argumento que no creemos utilice Bush para resolver sus problemas políticos.

helen Hunt

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kevin Spacey

disco–trash–metal–funky–del–ojete

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FACE / “Tigre

.Face

Vale, no hay mucho que decir. Esta película es una obra maestra, punto. No sólo por su manera (aparentemente sencilla) de mezclar conceptos opuestos, sino por la manera en que trasciende el mundo de la fábula para hacer creíble esta historia de fantasmas, desamores y venganzas. Y ha tenido que ser otra vez el Sr. Ang Lee el que nos demuestre que aún quedan creadores (cómo me gusta esta palabra) capaces de sorprender, de arriesgar, de ir más allá.

No voy a hablar aquí de datos o influencias y mucho menos de trasfondos históricos, dejo eso para otros con obligación de llenar páginas de información inútil. Sólo un consejo: vayan al cine, uno pequeño si es posible, desconecten los móviles, aléjense de los comedores compulsivos de palomitas, olviden que viven en este mundo y prepárense para disfrutar del sueño de un hombre que lleva la poesía (y el cine) en las venas. Toni Garcia

/ OFF y dragón” de Ang Lee

.OFF Respeto enormemente a mi colega Garcia, incluso lo aprecio. Pero que no intente dármelas con queso. Ni él ni Ang Lee, quien, junto a un completo equipo de guionistas –tres, sí, tres tíos para escribir una historieta de lo más simple–, recupera las tradicionales historias chinas de fantasmas. Puestos a hacerlo bonito, le añaden una colección de escenas de lucha de espadas que se presumen excelentemente coreografiadas.

No estaría mal que el cineasta, que estudió el oficio y ha trabajado a menudo en Estados Unidos, hubiera aprovechado para empaparse de los clásicos y aprender algo de Gene Kelly y de Stewart Granger, de “Los tres mosqueteros” y de “Scaramouche”. En definitiva… que no cuela.

Ang Lee no ha hecho más que una de chinos que saltan, caminan por las paredes (Raimi, toma nota para tu “Spiderman”), hacen aspavientos con manos y pies, gritan y se dan patadas. O sea, como una de Bruce Lee pero sin caspa, o sea sin gracia. Y lo que es peor… con pretensiones de artista. ¿Qué nos queda por ver? ¿Un remake de “Kárate a muerte en Bangkok” dirigido por Víctor Erice? Àlex Montoya

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bruce Willis

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texto .Marta Ma単anes

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samuel l. jackson

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EL PROTEGIDO El monstruo que puede reinar

Dir: M. Night Shyamalan

No fue una casualidad. M. Night Shyamalan no tuvo una visión, ni “El sexto sentido” fue fruto de un mal “tripi”. Ese pedazo de peliculón surgió de la imaginación de un genio que es toda una realidad. Y lo ha vuelto a demostrar con otra cinta que sí, vuelve a estar protagonizada por Bruce Willis, con un niño que, además, es un buen actor, y con elementos sobrenaturales. Pero que nadie vaya a pensar que estamos ante una repetición del filme anterior. Nada más lejos de la realidad. Shyamalan es lo suficientemente inteligente como para no repetirse, aunque como cualquier otro autor –sí, no han leído mal, es un autor–, utiliza una serie de constantes que marcan un estilo propio, tanto argumental como visualmente: todo contención, frialdad, donde nada es lo que parece, ni lo que es. Aquí los muertos dejan paso a los vivos, pero de nuevo son pocos los personajes. El más digno sucesor de Steven Spielberg –sí, ha habido muchos hasta ahora, pero pocos como él, capaz de unir comercialidad con calidad, dos términos que no acostumbran a ir de la mano en el Hollywood actual– sabe utilizar los recursos de que dispone a su antojo, a sabiendas que llevará al público a su terreno. Como buen equilibrista, se mueve a la perfección por la cuerda floja de este guión lleno de aristas, fino como el papel de fumar, que, aunque no está a la altura de “El sexto sentido”, tiene un punto de partida mucho más interesante. A él no le hace falta un circo de tres pistas como a otro joven con talento, Paul Thomas Anderson; este tipo de 30 años de origen indio se conforma con una sola, donde no hay parafernalia. Ayudado por unos actores en estado de gracia, nos ofrece una de esas experiencias difíciles de olvidar. Porque todos querríamos ser unbreakable. Y un último aviso para navegantes: a quien os explique algo de la historia, le podéis dar una buena hostia. Se la tiene bien merecida. Y es que de gilipollas está el mundo lleno.

Blai Morell

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PATCHWORK [5] Diorama

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spirit zone / dock

Jens Paulsen, cabeza pensante de Patchwork, es uno de los muchos alquimistas electrónicos alemanes que se sustentan al amparo de la herencia lisérgica del trance, que muy a su pesar les resulta imposible dejar atrás.

“Diorama” es un viaje virtual a través de los armoniosos

SVEN VÄTH

Retrospective 1990–1997

sonidos del ambient alternativo y una suerte de electrónica melancólica, que deja mucho que desear. Sin caer en la burda repetición de los tópicos clichés del genero, es

■ ■ ■ ■ ■

club culture / warner

Nadie duda de que Sven Väth ha sido uno de los personajes más relevantes dentro de la electrónica de los 90 y con un

decir crescendos psicodélicos y atmósferas extenuantes,

poco de suerte puede también serlo de la década presente, aunque su último trabajo en estudio, “Contact”, deje mucho que

Paulsen hace un alarde de eclecticismo y se sale por la

desear. En gran parte, por su alejamiento de la figura de Ralf Hildenbeutel, productor de sus anteriores discos en solitario y

tangente dejando ir resquicios de house y de grooves per-

compinche de Väth en Barbarella. En “Retrospective 1990-97” encontramos una acertada selección de las mejores remez-

cusivos. Como si Madelman se hubiera impregnado (mal,

clas de Sven (Zyon y Vernon) y de la producción propia –amplia por cierto– editadas a través de su propia discográfica, Eye

eso si) de los sonidos de Murr Music, o como si Thomas

Q. Sven y Matthia Heinz Roth crearon Eye Q en 1991 y decidieron cerrar la empresa en 1997 a causa de una quiebra econó-

Brikmann quisiera adentrarse en la garrulez del trance

mica. Esta retrospectiva de Sven empieza con incursiones al techno menos trallero, más melódico, rico en matices e imper-

espiritual. “Diorama” se entiende a partir de la compara-

meable a asimilar influencias externas y del cual Sven se erige como un aventajado representante. ‘L’Esperanza’, la relectura

ción con el resto de la obra de Patchwork, pero ni mucho

de ‘No Fate’ de Zyon y el ‘My Name Is Barbarella’ de Barbarella sirven para dar fe de ello. Mientras que en la mayoría de sus

menos esto es imprescindible para disfrutar comedida-

proyectos compartidos o remezclas realizadas por otros artistas la contundencia rítmica es la nota dominante. Así, por ejem-

mente de un sonido como mínimo relajante. Ambientes de

plo, ‘Electro Acupunture’ de Astral Pilot discurre por las coordenadas del trance más alocado y agreste, ‘Spectrum’ de Metal

downtempo pero de alta intensidad.

Master es una excitante muestra de hard techno tribal, y el remix de ‘Harlequim’ a cargo de Underworld nos lleva a las sono-

Jaime Casas

ridades progresivas –siempre en la acepción positiva de la palabra– tan características de los creadores de ‘Born Slippy’. En IAN SIMMONDS

[6]

Return To X

fin, una recopilación sobresaliente, en la cual predominan las versiones extended, y que sirve para difundir a los cuatros vien-

■■■■

tos el material anterior al aclamado “Fusion” (98).

k7 / satélite-k

Como reza en la hoja promocional, este “X” es un punto

FRANÇOIZ BREUT [7]

vago e impreciso, a partir del cual Ian Simmonds, excom-

Vingt à trente mille jours

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labels / The green ufo’s

ponente del grupo de acid-jazz The Sandals y quien ante-

Carles Riu

Stereoparty 2001

subterfuge

Nueva cita con Stereoparty, recopilatorio que el sello Subterfuge aprovecha hábilmente

riormente editó material bajo el pseudónimo de Juryman,

Es una máxima harto comprobada: quien a buen árbol se

intenta –y lo logra– romper fronteras entre el jazz, el dub,

arrima, buena sombra le cobija. Y si no, que se lo pregunten

arena. Si la versión de ‘Rumore’ recupera la vena más petarda de Alaska y Canut, ‘Same

las bandas sonoras y la electrónica. La amalgama entre

a la pizpireta Françoiz Breut. Si en su primer disco le facilitó

Old Scene’ es masacrada sin rubor por Spunky. Inéditas: Mastretta, Selenitas y

las percusiones jazzísticas –incluso latinas en ‘Ocean Hill’–

las tareas compositivas su pareja de cama, Dominique A,

Electrobikinis dan lo que se podía esperar, sin margen para la sorpresa. Avances: Aston y

, los efectos espectrales con ordenadores y el sonido de

en “Vingt à trente mille jours”, esta cantante e ilustradora se

TCR, pop Clearasil; Ellos, ¿Astrud+Madrid+Hombres G+Los Secretos?; Alcohol Jazz, a

la espineta –especie de clavicordio de pequeño tamaño–

ha dejado arropar por multitud de nombres. En los créditos

todos nos gustan Shaft e Isaac Hayes. Innecesarios por oidísimos: ‘La chatunga’, de Dr

consiguen conferir al producto resultante una fascinante

de su nuevo trabajo figuran, aparte del autor de “Remué”,

Explosión y el ‘Syrocase’ de Deviot. Imprescindibles: Milinko, con mucho lo mejor del disco,

sonoridad, seductora y amenazante a la vez, como la de

Katerine, Jérôme Minière y gente de The Little Rabbits y

electrónica de aquí que parece de allí.

las últimas aventuras orquestadas de Jimi Tenor o de las

Autour de Lucie, entre otros. Un séquito de colaboradores

ya más lejanas en el tiempo del vienés Peter Kruder al

que ayudan a que el álbum respire versatilidad de la cabe-

frente de la Peace Orchestra. Muchos denominan a la

za a los pies. La inspiración no responde a una única deno-

música de Ian Simmonds future jazz, no sé si acertada-

minación de origen. Así, el folk nocturno y abatido ha dejado

mente o no, lo que sí sé es que quiero perderme por este

espacio a otras formas de reinterpretar la esencia de la

punto X durante una temporada antes de regresar a la

chanson. El hecho de que Breut aún necesite muletas para

dura realidad cotidiana.

circular por el mundo de la composición pierde toda su

C. R.

notoriedad cuando alguien es capaz de ponerse en la piel de otros (incluye una versión de Peggy Lee) con la misma fragilidad emocional que si se tratase de canciones escritas con su puño y letra. Un disco estremecedor y poético que combate el aparente aire gélido con placidas y sutiles cuerdas.

VV. AA. [8]

Rubén Mayoral

■■■

para promocionar a buen precio su catálago. Regalos: Fangoria da la de cal y Spunky la de

J.M.

_OFFmag

[2]

[4]

[3]

[1]

sound system La tierra de la libertad VV. AA. [1]

Club H

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statra / new records

THE EXPERIMENTAL POP BAND [3] The Tracksuit Trilogy

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city slang / virgin

Pues no, no es la banda sonora de la redacción de esta revista, aunque ya le habría gustado a nuestro editor José

¿Qué pasaría si Stephin Merritt tuviera alguna vez ganas de

Manuel Bejarano. Y es que en esta compilación realizada por

divertirse? ¿Y si Marc Almond se deprimiera? ¿Y si Lou Reed se

el neoyorquino Harry Russell (Harry The Bastard, por

dedicara al spoken word más irónico y chulesco? No mucho, porque

sobrenombre artístico) hay sobrados argumentos para

el resultado sería algo parecido a este nuevo álbum de “The

contentar a su exigente paladar. Empezando por la selección

Experimental Pop Band”, el grupo de título más explícitamente

de sellos que participan (desde el F Communications de

equívoco del momento. Y es que, de hecho, los de Bristol nos

Laurent Garnier a el Go Beat de David Holmes) hasta artistas

proponen en su tercer trabajo una serie de cortes que apenas se

de relumbrón como St. Germain, reunidos bajo la premisa de

mueven del pop rock más convencional y trillado en un álbum que da

aunar la electrónica más house (en todas sus vertientes,

cabida a unos (pocos) temas interesantes y unos (muchos) temas

jazzy, deep y latina) y bailarina del mercado. Club H es a tu

bastante mediocres, para qué nos vamos a engañar. Empiezan bien

fiesta lo que los Ferrero Rocher a las recepciones del

con ‘Bang, Bang You’re Dead’ una canción que recuerda mucho a

embajador: el secreto para que se conviertan en un éxito.

sus paisanos Day One por su adscripción al hip hop menos macarra y auto irónico, el hilo se mantiene con ‘Emotion’ (techno pop al uso de

Joaquín Molés

buena factura) y el resto (menos ‘I Like It’) es fácilmente olvidable.

ORGASMICAL Orgonebox

[2]

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Justito.

Juan Sardá

por Oriol Rossell

Buenas. Soy Rossell. Un día de lo más Guillem Martínez. Ya saben: frases cortas y tono coloquial pero menos. Tipo voy-de-enrollao-pero-a-la-mínima-te-sacudo-con-el-diploma-en-toda-la-frente. Es

lo que hay. Y ahora al grano. Ayer fui a ver “Cradle Will Rock”.

Traducción literal: “La Cuna se Tambaleará”. Traducción cañí:

“Abajo El Telón”. Es la tercera peli que dirige Tim Robbins, un tío con tanta cara de buen tío que a ratos parece tonto. Eso sí, tiene arte. Y un par bien puestos, cabe añadir. Porque de considerable tamaño y aleación doble hay que tenerlos para juntar a tanta estrella bajo la bandera colorada y lograr que encima te aplaudan.

Bueno, que te aplaudan aquí, porque en la tierra de la libertad (¿por qué me da la risa tonta cada vez que escribo esto?) no le han hecho ni caso. Aunque salgan John Turturro, Vanessa Redgrave, John y Joan Cusack, Bill Murray, Rubén Blades, Emily Watson y Susan Sarandon. No me extraña. “Cradle Will Rock” es una crítica feroz a la intrusión del poder en el arte. Y al arte. Y a los

la pequeña jamaica / chrysalis

fachas. Y a los sindicatos. Y a Orson Welles. Y a casi todo lo

Su provocador nombre y su provocador single ‘Exceso’,

ELECTROCUGAT

aparecido en el proyecto “Los siete pecados capitales y los

Visconti con hielo

[4]

■■■

donna lee / so dens

demás. Y es más roja que el libro ídem del señor Tse Tzung. O sea, que se entiende que de Tijuana para arriba no estén mucho por la labor. Pero a lo que importa: lo mejor de la película es una

siete pecados capitalinos” nos habían hecho augurar que Orgasmical podía convertirse en todo un fenómeno en un

El sofisticado amaneramiento de la lounge music ha tardado un poco

país en el que la lujuria musical no ve más allá de los

en calar en estas latitudes, y lo ha hecho sobre todo en Madrid, de la

arrebatos pélvicos de Chayane o Carlos Baute. Sin ser un

mano del subsello de Subterfuge Música para un guateque sideral

mal trabajo, uno esperaba más de este Orgonebox, cajón de

(con Mastretta, Carlo y Penélope, Carlo en solitario, etc.) Ahora, con

sastre en el que cabe el drum’n’bass (‘Refresh Your Mind’), el

retraso pero también con desparpajo, aparecen en Barcelona

“santanismo” (‘Házmelo suave’), sin olvidar los paisajes

Electrocugat, un casual trío formado por una actriz y cantante

sonoros de ‘Montecarlo Bahía’ y ‘Moroccan Love’. ¿Y el tan

amateur (Paula) y dos músicos rebotados de la escena noise y

cacareado orgasmo? –se pregunta uno tras escuchar

techno-pop. El resultado es “Visconti con hielo”, una desigual

“Orgonebox”– pues, como siempre, los sábados por la

colección de temas que homenajea a partes iguales a Xavier Cugat,

noche en el plus.

al cha-cha-chá o el mambo y evoca los ambientes de banda sonora

Coque Palencia

cinematográfica, todo ello levemente aderezado con toques de programación electrónica. La actitud y la sonoridad del grupo evocan de inmediato a Pink Martini, ese grupo de virtuosos de Oregón que pasean por el mundo una mezcla de nostalgia y clasicismo acústico innegablemente seductora. Electrocugat resultan simpáticos, hedonistas, casi glamourosos (a un paso están de convencernos del

secuencia protagonizada por esos tres formidables humoristas que fueron Nelson Rockefeller, William Randolph Hearst y Gray Mathers. Rockefeller está sofocado porque Diego Rivera ha tenido la osadía de pintar la cabeza de Lenin en el mural que el millonario le ha encargado. Hearst se queja de que todos esos «artistillas» no son más que un hatajo de «comunistas». Y Mathers alaba el arte abstracto porque «no es político ni nada. Sólo formas geométricas y colores». Silencio. Caras de estamos-pensando-lo-mismo¿a-que-sí? Júbilo colectivo. «¡Claro!», grita Rockefeller. «¡Pondremos de moda el arte abstracto!», celebra Mathers. «¡Y todos mis periódicos lo bendecirán!», promete Hearst. Y expresionismo abstracto al canto. Y Jackson Pollock, unánimemente considerado «el primer pintor genuinamente moderno de Estados Unidos». Y los grandes sarcófagos, digo museos, de arte contemporáneo. Y la crítica de arte. Y las camisetas de recuerdo del Guggen. Y las entradas con descuento para los parados. Y todo el

todo) y, sin embargo, poco originales. Al final, se nos antoja un grupo

mundo supermoderno y supercontento. Y ahí arriba, en la planta

de lujo para un hotel con pretensiones, y una música de fondo ideal

donde ninguno de nosotros llegará jamás, las risas que no cesan.

para limpiar la casa el sábado por la tarde y prepararse un cóctel

Y ya está. ¿Colorín? Colorado.

divino justo después.

Boris Rimbau

132

Sacrifice. Shiny/Virgin Interactive. Plataforma: PC. Info: 91 789 35 50 Giants Citizen Kabuto. Interplay/Virgin Interactive. Plataforma: PC. Info: 91 789 35 50 Virgin Interactive ha puesto en circulación dos juegos, “Sacrifice” y “Giants Citizen Kabuto” que vienen a coincidir en varios aspectos, el primero y bien evidente es en el apartado gráfico: inmensos escenarios repletos de detalles donde docenas de elementos y personajes pugnan por llamar nuestra atención y vienen a demostrar que las consolas, por muchas evoluciones a las que se vean sometidas, están lejos de conseguir este festín hoy únicamente accesible para el que disponga de una buena tarjeta gráfica y un PC decente. “Sacrifice” y “Giants” coinciden también en la mezcla de géneros: estrategia, acción y rol, sin hacer uso de esa visión cenital tan aburrida o los interminables preparativos, comunes en los juegos de estrategias. “Giants” es el que más se aproxima a la acción, incluso permitiéndonos elegir la perspectiva en primera persona o dejando ver, en el colmo de la subjetividad, la vida desde el interior de las fauces del descomunal Kabuto, y todo ello sin dejar a un lado el humor, porque al fin y al cabo los creadores de “Giants” son autores también del hilarante “MDK”. En “Sacrifice”, a falta de humor hay más misterio y ese toque extraño que tienen las producciones Shiny, los creadores de “Messiah”, que tienen como máxima dejar a la peña boquiabierta a base de ir más allá en el uso de la tecnología y en contar con los diseñadores de producción más majaretas del ya de por sí desquiciado mundo de los videojuegos.

No sabríamos recomendarte uno en especial, en “Sacrifice” hay más oportunidades para la meditación y anuncia una segunda vida en internet apasionante; pero en “Giants” la acción en primera persona fluye que da gusto.

Cualquiera de los dos son una muestra de que la industria ya está preparada para los microprocesadores por encima del gigaherzio.

Konami. Plataforma: PS One. Tel. 91 377 71 00 Ya hay fecha para la nueva versión del juego más terrorífico de la historia: “Silent Hill 2” llegará a España en otoño.

Cuando hace dos años pudimos echar mano a esta aventura repleta de atmósferas densas, niebla y oscuridad, sonidos intrigantes, gritos; nos hicimos esta pregunta: ¿Qué superará a “Silent Hill”? Hoy seguimos sin encontrar una respuesta plenamente satisfactoria, tal vez los últimos 3 minutos de “The Blair Witch Project”, porque en las nuevas versiones de “Resident Evil”, otro gran juego incuestionable, más que miedo te aguardan sustos. “Silent Hill” da miedo y angustia sin tregua ni cartón, obligándonos a fumar un cigarrito cada vez que se cubre un trozo del incierto camino. Échale un vistazo a la intro de “Silent Hill 2” (para PS2) en www.dailyradar.co.uk/news/game_news_1244.html y vete preparando. Mientras tanto, la primera versión acaba de aparecer a mitad de precio. Sé valiente, ya no hay excusa.

Sony. Plataforma: PS One. Info: 91 377 71 00 Ok, el fanático de los juegos deportivos dirá que este “Grind Session” ya tiene ¡cuatro meses de vida o quizás cinco!, vale chaval, “Tony Hawk´s Pro Skater 2” es más reciente e incluso mejor; pero sólo es apto para expertos e intrépidos conocedores de lo que la half pipe y una tabla con ruedas pueden dar de sí en la Play. “Grind Session” no es que sea pan comido, se han eliminado florituras y se mantienen las patadas, los flips, mano al suelo, parada sobre el eje, figuras sobre barandilla o la frenada en seco. A ritmo de una banda sonora que incluye temas de Nofx, Sonic Youth, Zen Guerrilla o Black Flag entre otros, pegarse unos cuantos batacazos virtuales se hace más llevadero. Un montón de estrellas del skate aportan unos rasgos personales que a duras penas logramos reconocer: Willy Santos, Cara-Beth Burnside, Pigpen, Daewon Song, Ed Templeton y John Cardiel, cualquiera de ellos se reiría de nosotros; pero al menos nosotros no tenemos la cara pixelada.

texto _ J.M. Bejarano

L

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LA ESTRATEG

B

www.banja.com Con la promesa de llevarte a una nueva era de entretenimiento, ha empezado a funcionar hace unos meses Banja (www.banja.com), un juego de rol online en el que, en vez de conquistar un territorio o defenderte de bestias corrupias, tu misión consiste en adaptarte al entorno de una isla poblada por diferentes personajes y en la que suceden nuevas historias cada mes. En la mayoría de situaciones, el jugador asume la personalidad de Banja, un rastafari que debe explorar la isla y establecer relaciones con el resto de sus habitantes. El juego, diseñado en Flash y completamente gratuito, permite que cada jugador influya en los acontecimientos y pueda aliarse con otros participantes para modificarlos. Un mundo virtual de sorprendente complejidad que rompe esquemas en el alambicado universo del ocio electrónico y que te permite interactuar con el resto de jugadores enviándoles correos-e, dejándoles mensajes en distintos puntos o incluso cooperando para editar el diario de la isla.

Capcom. Plataforma: PS One. Info: 91 789 35 50 Cuando Capcom, la compañía responsable de los “Resident Evil” se puso manos a la obra para perpetuar el éxito comercial del recién inventado género survival horror variando unos cuantos elementos formales, acertó de pleno. En “Dino Crisis” no había zombies y sí el acecho de unos dinosaurios tremebundos. Otra novedad eran los polígonos, aquello era el primer survival en completo 3D de la historia. Dos años después resultaba tentador repetir la fórmula para volver a dar en la diana; pero desde Capcom se ha optado por darle un giro completo a la forma de jugar, dejando en el camino los puzzles difíciles y el toque de aventura gráfica de terror. Ahora lo que toca es matar y matar y matar dinosaurios, mucha acción y unos gráficos soberbios que consiguen llevar la primera PlayStation a sus límites. “Dino Crisis 2” es un juego que supera en diversión a su precedente, lástima que sea tan sencillo llegar a leer la palabra fin.

Zona de juegos ¿Qué gran juego de PC carece hoy de las posibilidades multijugador?, ninguno. Internet y los videojuegos hacen muy buenas migas, es fácil comprobarlo dándote un garbeo por la Red, encuentras cualquier truco o guía de vital importancia y servidores donde medirte con otros como tú. Por ejemplo, el acuerdo de Sega con Telefónica: ahora es posible acceder a Terra con la Dreamcast y jugar a Quake III sin importar que los demás te ataquen desde la versión PC. Otra noticia que viene a tranquilizar a los que echaban en falta sitios donde se hablara español es el nacimiento del portal www.hastajuego.com, donde no hay el fondo de armario de, por ejemplo www.zonejeux.com , su equivalente francés; pero si que ofrece un estupendo interfaz sencillo y colorista, zona de chat configurable, novedades, descargas gratuitas, jugar en red sin tener que echar mano del Babylon 3.1 y un merecido homenaje a los Simpsons. Pues qué bien, a jugaaaaaar.

Games_OFFmag

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GIA SE PONE LAS PILAS

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silent hill BANJA, ADICTIVO

S G

COMO LA GANJA

GRIND SESSION www.hastajuego.com DINO CRISIS 2

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Juanjo Sรกez

Tira_OFFmag

por Juanjo “el niño salvaje”

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Tras convertirse en un fenómeno de ventas en toda Europa, llega a nuestras librerías “Armad!llo”, la última novela de William Boyd, que relata con ironía y eso que se llama humor inglés las tribulaciones de un londinense en la ardua tarea de aceptarse a sí mismo.

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london made me

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texto .Rubén Romero ilustración .César Caballud

Libros_OFFmag

Es lo que tiene Londres: su aroma a especias hindúes, a moquetas rebozadas en ‘coolers’ flotando en una humedad más reconcentrada que la del retrete de Mr. Bean resulta irresistible para la nariz de cualquiera que se haya criado tomando té a las cinco en el campus de Oxford. La fascinación por la ciudad del Támesis llevó al caballerete Boyd a escribir este relato sobre el “God’s Lonely Man” moderno. Eso, las novelas de detectives y el sádico placer de contar cómo la vida de Lorimer Black, un “don perfecto” con una existencia más equilibrada que la dieta de un gimnasta, se tambalea y se derrumba.

Armad!llo

El protagonista de “Armad!llo” es Lorimer Black, un ajustador de pérdidas (esos hombrecillos detestables que nos racanean con las indemnizaciones de los seguros). Tu personaje recuerda a los detectives de Chandler o Ellroy, en el sentido de que son usados como cicerones a través de una ciudad…

Puede que haya aprovechado la trama y diversos elementos de la pulp fiction en mi novela, pero mi intención era ir más allá del género. Es cierto que Lorimer tiene algo de detective privado, porque debe resolver un enigma y su profesión le permite acceder a todos los niveles de la sociedad. Sin embargo, por su trabajo debe disfrazarse constantemente, algo que no hace un detective, lo que me permite plantear cuestiones sobre nuestra identidad.

El rasgo fundamental de la personalidad de Lorimer lo encontramos en su profesión: gracias a ella sabe que hasta las cosas en las que más confiamos (como los seguros) están sujetas a la inexorable ley del azar. ¿Compartes esta idea de la precariedad de la existencia humana?

Absolutamente. Nada es seguro, nada es cierto. Por eso un ajustador de pérdidas es una perfecta metáfora del siglo XXI. Nuestra vida cambia en milésimas de segundo. Nuestra felicidad y la felicidad de la gente a la que amamos es algo increíblemente frágil. A mí, por ejemplo, estuvo a punto de atropellarme un coche ayer.

Me alegro de que vivieras para contarlo, aunque es una visión de la vida muy pesimista…

Para nada. Ver la vida de esta manera es extrañamente consolador y en el fondo te fortalece, porque te hace aprender rápidamente qué es lo realmente importante y cuáles deben ser tus prioridades. De algún modo todas mis novelas versan sobre este particular.

En la novela se muestra a los hijos de la Gran Bretaña tremendamente obsesionados con el concepto de “clase social”, la manera de vestir y de hablar…

Desgraciadamente, así ocurre en la sociedad británica y el mejor ejemplo de ello es nuestra patética obsesión con la familia real. Necesitaremos tres generaciones más para eliminar los viejos valores, porque la burguesía británica es de lo más tenaz.

Londres es el otro gran protagonista de la novela, y a este respecto, tu conocimiento del callejero londinense es sorprendente, especialmente si tenemos en cuenta que ni siquiera tienes permiso de conducir para recorrer tan vasta metrópoli…

No tengo permiso, pero llevo 17 años utilizando la misma compañía de taxis, con lo que he trabado amistad con muchos de los conductores. Debo admitir que son una gran fuente de información.

Lo habrás tenido más fácil con los pubs, que parecen interesarte especialmente…

Desde luego que sí. Los pubs londinenses han cambiado de un modo increíble durante los últimos años, y reflejan a la perfección lo diversa y multicultural que puede ser Londres.

Y para acabar, ¿compartes el desprecio de Lorimer Black hacia los futbolistas extranjeros?

Para nada. Yo vivo en Chelsea, y en nuestro equipo sólo tenemos un jugador inglés en el once inicial, así que…

“Armad!llo” está editada por Alfaguara.

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10:00 h. El radio-despertador se pone en marcha automáticamente. Empieza a sonar la ‘Manic Melody’ de Howie B. Alison Goldfrapp quiere acurrucar su ‘Lovely Head’ en mi regazo, la cantante de Hooverphonic me declara con persistencia al oído «(I’m) mad about you», Mala Rodríguez me suelta eso de «tengo un trato (lo mío pa’ mi saco)» y asisto atónito al ‘Cambio de forma’ de Genís de Astrud. El Primal Scream de un energúmeno con ‘Svastika Eyes’ en un contestador me despierta sobresaltadamente. A partir de aquí las cosas se tuercen y todo parece un calvario, Thievery Corporation me informan de la existencia de ‘The Mirror Conspiracy’ y Le Hammond Inferno me confirman lo que me temía hacía tiempo, que no estoy ‘In The Guestlist’. En fin, un día más “Siglo XXI” vuelve a formar parte de mi existencia, como de la de muchos otros, ya sea en formato radiofónico (Radio 3) o discográfico (Versión 3.0), mientras la voz de Tomás Fernando Flores, teórico de “la nueva sensibilidad”, retumba entre las cuatro paredes de mi habitación y en el altavoz de mi grabadora.

Que conste que me siento un poco ridículo en esta situación. ¿Por qué, Tomás?

Porque habitualmente soy yo quien hace las preguntas. ¿No te has planteado titular tu programa de otra forma con la llegada del siglo XXI? La verdad es que no. Ahora es cuando tenemos que aprovechar más el nombre. ¿Y nunca te ha pasado por la cabeza cambiarlo?

No, creo que el nombre del programa refleja muy bien el espíritu que tiene.

Creo que Antonio Vega no encaja muy bien con ese espíritu. ¡Sólo he puesto Antonio Vega una vez y me lo está echando en cara media humanidad!¡Antonio, me temo que tendrás que buscarte otro medio para promocionar tu inminente nuevo disco!

Existe una máxima que dice: «la música electrónica se escucha y se baila en España, pero no se vende». ¿Estás de acuerdo con ella?

Estoy un poco de acuerdo, sí. Más que la música electrónica, la música que se baila. ¿Llegará algún momento en que “Siglo XXI” pueda escucharse a través de internet?

Sí, cuando se solventen los problemas legislativos que hay respecto a los derechos de autor. El único problema que hay para emitir un programa como éste por internet.

En el buzón de voz se escuchan comentarios muy heavies, desquiciados ¿No crees?

Sí, pero no olvides que ni es mi línea editorial ni la del programa.

Algunas declaraciones han traído cola. ¿Por qué las emitís?

Son ciertamente hirientes y las ponemos como parte de un juego de provocación, para que luego haya respuesta a eso.

La gente se queja de que acortáis los mensajes que os dejan en el contestador.

Sí, claro. Si los emitiéramos todos y sin cortar, el programa duraría media hora y la otra hora y media se dedicaría a las llamadas.

Pero así puedes llegar a tergiversar las palabras…

Sí, exactamente igual que en las cartas de cualquier periódico o revista. ¿No te molesta el hecho de que te hayan quitado los últimos diez minutos de programa para emitir el serial “Cuando Juan y Tula fueron a Siritinga”? ¡Tú qué crees! (Se pone a reír.) Eso no quita para que reconozca que se trata de un producto brillante. Es sólo que a mí me gustaría que lo pusieran a otra hora.

En tu espacio radiofónico la palabra resta paulatinamente más tiempo a la música…

No, no es verdad. Va por épocas. Ahora mismo, no. Ha habido épocas de muchísima densidad de información. Han desaparecido muchas secciones con respecto al año

ilustración .César Caballud

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texto .Carles Riu

Radio_OFFmag

pasado. ¿A qué se debe este recorte de secciones?

Porque se van agotando, no tienen el éxito que uno esperaba en un principio o, simplemente, no acaban de funcionar. ¿Como por ejemplo ‘Los sonidos de la calle’?

Sí, llegó un momento en que no teníamos más sonidos. ¿No aumenta tu ego el hecho de que los lectores de Rockdelux y representantes de otros medios, año tras año, declaren “Siglo XXI” como mejor programa de radio?

Cualquier premio para mí es una satisfacción, sin que acreciente mi vanidad. Procuro ser un chico muy humilde en un mundo tan pretencioso como es el de la música. Por lo menos, intento serlo. ¿Cómo ves el panorama radiofónico español? ¿Tal vez demasiado anacrónico?

Más que anacrónico, demasiado uniforme. ¿Existe algún programa de la competencia que te convenza?

Me gusta mucho Radio 5/Todo Noticias.

Pero en Radio 5 me parece que la música tiene un papel meramente anecdótico…

La vida de cualquier persona, incluida la mía, se compone de muchas cosas, no sólo de es escuchar discos y ponerlos en la radio. Pero incluso formalmente, me parece muy brillante.

“Siglo XXI 3.0” está editado por Virgin.

NOTA DEL AUTOR: En mi próxima introducción procuraré no discriminar a los lectores que cursaron francés en el Bachillerato.

Tomás Fdo. Flores ■

ASÍ SE SIGUE BAILANDO EN PLENO SIGLO XXI

Un año más, “Siglo XXI” se mantiene como el programa musical más influyente del panorama radiofónico español. Y eso a pesar de que Tomas Fdo. Flores, director y factótum del asunto, sigue sin mejorar su inglés.

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Libros_OFFmag

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HORROR EN EL HIPERMERCADO

La última mujer pánico, Sara Araque.

gatoverde

Más que pánico: puro pavor es lo que produce el debut de Sara Araque, que coincide, además, con el de la editorial que ha tenido las agallas de publicar “esto”. El libro desgrana las vivencias de una mujer ávida de amor y sexo con la noche madrileña como telón de fondo. Lo que pretende ser una reflexión inteligente sobre la llamada “movida”, sus figurantes y su posterior parálisis se convierte en un bodrio lleno de diálogos del palo «pues yo llevo seis meses sin echar un kiki y me va a dar un yuyu». Todo ello sazonado además con una metafísica que pretende ser budista o algo así y se queda en Nacho Cano y gurús tipo Maharashi, el vividor aquel que timó a los Beatles con su curso de meditación trascendental. Puro orientalismo de mercadillo, vamos. No contentos con ello, y para acabarlo de rematar, le pidieron el prólogo a Jimmy Jiménez Arnau. En definitiva, Federico Navarro una verdadera síntesis de psicodelia y tamarismo.

LA INFANCIA RECUPERADA

Igor Mortis, Jali

under cómic

No hace falta cruzar el océano Atlántico, como muchos quieren hacernos creer, para encontrar buenos autores de cómic independiente, tan de moda últimamente. Por estos lares también surgen sugestivas propuestas como la que nos ocupa, un buen álbum que inaugura la nueva política de la editorial Under Cómic (su colección Flor de un Día, plataforma de jóvenes talentos emergentes, ha sufrido un notable cambio, dando paso a un nuevo formato más llevadero: tomos con lomo encolado en lugar de comic-books de feo grapado). Bajo el título “Igor Mortis”, que juguetea hábilmente con la palabra, se esconden viñetas de expresivo trazo cuya imaginería bebe de las fuentes del mundo del cineasta de culto Tim Burton. El debutante Jali, máximo responsable de este soplo de aire fresco a nuestra historieta más alternativa, se defiende con inusual destreza narrativamente hablando y nos adentra, mediante sugerentes ilustraciones, en un mundo personal que nos hace pensar en la infancia recuperada. Un cuento siniestro, de lectura ágil, donde diversas historias protagonizadas por un atajo de estrambóticos personajes se entrecruBorja Crespo zan mientras la muerte acecha en la sombra.

CONFABULACIÓN DE INTRIGANTES Los dos Luises, Luis Magrinyà. anagrama

LIBRO DE NIEVES, LIBRO DE BIENES La nieve está vacía, Benjamín Prado espasa

Al premiar una obra como ésta, la cortesía del Premio Herralde para con los lectores es digna de agradecimiento. Aunque no sea, ni mucho menos, una novela redonda, nos reconcilia con la literatura más exigente entre tanto galardón vergonzosamente comercial. Uno de los ejes que vertebra la primera novela de Luis Magrinyà (Palma de Mallorca, 1960) es la denuncia ácida del mercadeo y los tejemanejes más pestilentes de la gloria artística, ambientada en el mundillo teatral. Un crédito que se da y se quita según la real gana de una serie de conspiradores situados en las bambalinas de la creación. El otro eje lo forman, por un lado, una defensa encendida de la actitud de renuncia ante los compromisos que la vida nos va exigiendo y, por otro, un desprecio tajante de todos los valores que (se supone) el trabajo alienta. Añádanle a todo ello una escritura clásica e intensa a rabiar y un humor sarcástico que aligera la lectura. Esperen a que este novelista afine la máquina de las fabulaciones un poco más porque su apuesta es Quim Pérez original y sabrosamente arriesgada. Esperen y ya verán.

Quizás la nieve esté vacía, pero la última novela de Benjamín Prado no lo está en absoluto. Se trata de un libro repleto de buena prosa, ambientación, estilo y, lo que es más importante aún, de una excelente historia. Partiendo de tres personajes aparentemente planos y poco atractivos, el poeta y novelista madrileño construye una trama fácilmente adjudicable a Alfred Hitchcock. Nadie es lo que parece en una obra en la que un médico y un empleado de una compañía de seguros ayudan a un joven escritor a tejer los hilos de su ópera prima mediante sus propias ideas y experiencias. Además, Prado añade más interés al argumento proponiendo un juego al lector: uno de los tres protagonistas es el autor del libro que ahora estoy reseñando y, como es obvio, la solución siempre se vislumbra en las últimas páginas junto a un final tan Federico Navarro sorprendente como desconcertante.

DE MONSTRUOS Y MARCIANOS

Almanaque Invierno 2000. Invasores de Marte, VV.AA.

mondadori

Jesús Llorente, Roberto Bolaño, Lázaro Covadlo o Guillem Martínez firman algunos de los relatos que encontramos en este almanaque de la colección Reservoir Books, dedicado a la ciencia ficción y realizado por un grupo de diez autores en lengua española. Con un prólogo a cargo de Javier Calvo (papá de la criatura) y epilogado por Eloy Fernández Porta, el libro se estructura en dos partes: ‘Historias con monstruos’ e ‘Invasores de Marte’.

A diferencia de la que la precede y da nombre al compendio y en la cual se recrean diferentes relaciones con mundos y seres extraterrestres, en la primera deambulan freaks terrícolas de distinta índole, con la intención soterrada de que el lector se reconozca en los monstruos como lo haría en el reflejo amorfo que nos devuelven los espejos cóncavos y convexos de las ferias, y le hace percatarse de cuán próximos a nosotros se encuentran. Las desviaciones varias que los hacen diferentes y amenazadores ocultan todo aquello que deseamos ser Auria Munté o lo que tememos.

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