Michelangelo Buonarroti
Introducción En este libro se recoge la vida y la obra de uno de los artistas más polivalentes e importantes de la historia del arte: Miguel Angel Buonarroti A través de una breve biografía y una selección cronológica de sus obras más importantes trataremos de conocer mejor a este gran artista.
Alejandro Olmedo Salazar 2ºB Diseño Gráfico EASD Vitoria
IN DI CE
Escultura
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Arquitectura
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Pintura
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Dibujos
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Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni 1475-1564
Nació el 6 de marzo de 1475, en Caprese, una villa de la Toscana cerca de Arezzo. Fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simone y de Francesca di Neri del Miniato di Siena.8 Su madre murió en 1481, cuando Miguel Ángel contaba seis años. La familia Buonarroti Simone vivía en Florencia desde hacía más de trescientos años y habían pertenecido al partido de los güelfos; muchos de ellos habían ocupado cargos públicos. La decadencia económica empezó con el abuelo del artista, y su padre, que había fracasado en el intento de mantener la posición social de la familia, vivía de trabajos gubernamentales ocasionales, como el de corregidor de Caprese en la época en que nació Miguel Ángel. Regresaron a Florencia, donde vivían de unas pequeñas rentas procedentes de una cantera de mármol y una pequeña finca que tenían en Settignano, pueblo donde Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y muerte de su madre; allí quedó al cuidado de la familia de un picapedrero. El padre le hizo estudiar gramática en Florencia con el maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di Leonardo consideraba que aquel trabajo no era digno del prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión, y a pesar de su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística. Mantuvo buenas relaciones familiares a lo largo de toda su vida. Cuando su hermano mayor, Leonardo, se hizo monje dominico en Pisa, asumió la responsabilidad en la dirección de la familia. Tuvo a su cargo el cuidado del patrimonio de los Buonarroti y lo amplió con la compra de casas y terrenos, así como también concertó el matrimonio de sus sobrinos Francesca y Leonardo con buenas familias de Florencia. En cuanto a la formacíon académica se refiere, Miguel Angel, Desde muy joven manifestó sus dotes artísticas para la escultura, disciplina en la cual empezó a sobresalir. En abril de 1488, con doce años de edad y gracias al consejo de Francesco Granacci, otro joven que se dedicaba a la pintura, entró en el taller de los famosos Ghirlandaio (Domenico y Davide). Allí permaneció como aprendiz durante un año, pasado el cual, bajo la tutela de Bertoldo di Giovanni, empezó a frecuentar el jardín de San Marcos de los Médicis, donde estudió las esculturas antiguas que había allí reunidas. Sus primeras obras artísticas despertaron la admiración de Lorenzo el Magnífico, que lo acogió en su Palacio de la Via Longa, donde Miguel Ángel se habría de encontrar con Angelo Poliziano y otros humanistas del círculo de los Médicis, como Giovanni Pico della Mirandola y Marsilio Ficino.Estas
relaciones lo pusieron en contacto con las teorías idealistas de Platón, ideas que acabaron convirtiéndose en uno de los pilares fundamentales de su vida y que plasmó tanto en sus obras plásticas como en su producción poética. Durante los cerca de setenta años que duró su carrera, Miguel Ángel cultivó por igual la pintura, la escultura y la arquitectura, con resultados extraordinarios en cada una de estas facetas artísticas. Sus coetáneos veían en las realizaciones de Miguel Ángel una cualidad, denominada terribilità, a la que puede atribuirse la grandeza de su genio; dicho término se refiere a aspectos como el vigor físico, la intensidad emocional y el entusiasmo creativo, verdaderas constantes en las obras de este creador que les confieren su grandeza y su personalidad inimitables. Finalmente Miguel Angel murió el año 1564 en Roma, a la edad de ochenta y ocho años, acompañado por su secretario Daniele da Volterra y por su fiel amigo Tommaso Cavalieri; había dejado escrito que deseaba ser enterrado en Florencia. Hizo testamento en presencia de su médico Federigo Donati, «dejando su alma en manos de Dios, su cuerpo a la tierra y sus bienes a los familiares más próximos». Su sobrino Leonardo fue el encargado de cumplir con esta última voluntad del gran artista, y el 10 de marzo de 1564 recibió sepultura en la sacristía de la iglesia de la Santa Croce; el monumento funerario fue diseñado por Giorgio Vasari el año 1570. El 14 de julio se celebró un funeral solemne; fue Vasari quien describió estos funerales, donde participaron, además de él mismo, Benvenuto Cellini, Bartolomeo Ammannati y Bronzino.
ES CUL TU RA
Es en esta rama donde Miguel Angel desarrollará la mayor parte de su producción artística. A través de esta selección de sus obras más representativas intentaremos conocer su estilo, su técnica y su evolución. Con cada obra encontramos un breve comentario para entender mejor la pieza. Las obras que estan recogidas son:
Una de las primeras obras escultóricas de Miguel Angel. se encuentra en la sacristía de la Basílica del Santo Spirito en Florencia. Está realizada en madera policromada y refleja a un Cristo carente de musculatura, reflejando de esta manera la etapa de juventud en la que realizó la obra. Sin embargo el rostro se asemeja al de un adulto con una medida en desproporción con el resto del cuerpo. El tratamiento del color está resuelto con colores muy cálidos y unos finos de hilos rojos, representando la sangre.
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Crucifijo del Santo Espíritu
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Es una obra realizada en mĂĄrmol de Carrara, donado por Lorenzo el MagnĂfico. La obra representa la batalla entre los griegos y los centauros concretamente el momento en el que la princesa Hipodamia es raptada por un centrauro. La princesa aparece de espaldas y el resto de personajes que completan la obra de frente. A simple vista parece una composiciĂłn unicamente realizada con torsos masculinos, ya que los centauros estan situados en la parte inferior solamente de cintura hacia arriba.
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La Batalla de los Centauros
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Baco
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Escultura de 203 cm de altura realizada en mármol, actualmente se encuentra expuesta en el Museo Nazionale del Bargello en Florencia. Está considera como la primera obra maestra del artista donde donde se muestra la característica constante de la sexualidad en su escultura, simbolo del espíritu del hedonismo clásico. de una forma andrógina, como la misma naturaleza del dios en la antigüedad, ambigua y misteriosa. En cuanto a la composición, el Baco aparece de pie con la cabeza coronada de uvas y alza una copa a modo de brindis. Tiene la cabeza ladeada y la boca abierta. La postura inestable, refuerza la idea de que Baco esta ebrio.
La pierna parcialmente levantada y el cuerpo inclinado hacia atrás hace que parezca inestable e inseguro de sus pasos, tambalenadose por la embriaguez que lo invade. Completa la obra la figura del sátiro que se esconde detrás de la figura de Baco, y mordisquea las uvas que ha tomado de la piel de leopardo que el dios sostiene en lo alto.
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La Pietá
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Escultura de mármol situada en la Basílica de San Pedro en la Ciudad del Vaticano. Posee unas medidas de 174x195 cm. Encargada por el cardenal de San Dionisio Jean Bilhères de Lagraulas, esta obra presenta a la Virgen María, joven y bella. Sus vestiduras se expanden con numerosos pliegues, perfectamente detallados. Sobre su regazo sostiene a Cristo muerto, el cual aparenta tener mayor edad que la Virgen, un efecto completamente intencionado por parte de miguel Angel. Ambas figuras forman una composición triangular calmada y llena de ternura y bondad. La juventud de la Virgen María es claro ejemplo del idealismo renacentista, en el que se trata de representar el ideal de belleza y juventud, en este caso en una madre eternamente joven y bella.
Es la primera obra sobre este tema iconográfico, y la cual será la antesala de diversas representaciones de la Virgen a lo largo de su carrera. Tambien nos encontramos ante la única obra firmada por el artista. Tuvo que hacerlo debido a las dudas generadas en torno a su autoría, por la protna edad que tenía en el momento de realizarla, veinticuatro años. Miguel Angel busca el ideal de belleza renacentista apoyandose en tres contrastes de armonía. El primero de ellos reside en os ejes del cuerpo de Jesús se contraponen a los pliegues de los vestidos de la Virgen María. La segunda en el brazo inerte de Cristo en contraposición al de la Virgen lleno de vida. Y por último la tercera, en los pliegues de la Virgen plegados en contra de la superficie lisa del cuerpo de Jesús, en “sfumato”.
«es una obra a la que ningún artífice excelente podrá añadir nada en dibujo, ni en gracia, ni, por mucho que se fatiguen, ni en fortaleza, en poder de finura, tersura y cincelado del mármol» Vasari
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Tondo Pitti
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Relieve circular de diametro horizontal 82 cm y vertical de 85,5 cm realizado en mármol. Actualmente conservado en el Museo Nazionale del Bargello de Florencia. Lo forman tres personajes, la Virgen María, el niño Jesús y San Juan Bautista. Es una escultura de gran dinamismo gracias a la Virgen. Ella aparece sentada sore dos puntos estáticos y su mirada se dirige al frente, saliendose a su vez de la moldura del círculo. La composición es piramidal llena de lineas horizontales y oblicuas que dotan al conjunto de gran plasticidad.
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Madonna de Brujas
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Escultura de 1,23 metros de altura realizada en mármol y conservada en la Iglesia de Nuestra Señora de Brujas, en la ciudad que da nombre a la iglesia. La obra esta formada por la Virgen y el Niño Jesús. El movimiento ondulado y fluido de las vestiduras se asemejan a los de la Pietá, con la diferencia que en esta obra el conjunto adquiere una solemnidad plástica, debido a su verticalidad, parecida a la de una arquitectura. El rostro de la Virgen, enmarcado por las ondulaciones del velo, es ovalado, de gran belleza clásica, Se encuentra como si estuviera en un momento de pensamiento profundo, mostrándo una gran serenidad y concentración. El Niño, por el contrario, aparece de pie, recostado entre las piernas de su madre y junta su mano con la de ella, dando la sensación con este gesto de que es el Niño el que sostiene a su madre.
Representa a este rey bíblico, de manera clásica, completamente desnudo y atlético. En una de sus manos porta una honda y en la otra una piedra, los elementos con los que David vence a Goliat según relatan los escritos. Es con este relato con lo que se entiende el aspecto de la obra. Miguel Angel nos muestra un David contenido, expectante y concentrado, listo para entrar en combate. Todo ello traducido en una mirada penetrante y expresiva, que se translada al resto del cuerpo donde podemos apreciar esta tensión en los músculos, tendones y venas del cuerpo. Una puesta en escena llena de tensión corporal. Miguel Angel quiere dejar clara la fortaleza y el poder de la figura, por lo que aumenta algunas partes del cuerpo como la cabeza y la mano que sostiene la piedra Todos estos elementos convierten esta figura en un símbolo de libertad y reflejo de los ideales de belleza renacentista.
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Escultura de mármol florentino de 4,34 metro de altura. Sin duda una de las obras más importantes y características de toda la carrera de Miguel Angel.
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David
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Tondo Taddei
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Relieve redondo de 109 cm de diámetro realizado en mármol. Se encuentra en la Royal Academy of Arts de Londres.
Juega con la parte acabada e inacabada de la obra para conseguir el efecto de claroscuro y dar mayor contraste a la composición.
En la obra podemos ver a la Virgen, el Niño Jesús y San Juan Bautista también niño, sosteniendo un pájaro en sus manos, simbolizando la Pasión de Cristo.
La composición vertical de la obra la rompe la figura de jesús al aparecer formando una línea horizontal, con lo que consigue aportar un gran dinamismo a la obra.
Se trata de dos figuras de mármol de unos 2,20 cm de altura., diseñados para ser colocados uno enfrente del otro, de tal manera que el expectador forme parte de la obra e imagine las ligaduras que unen a ambos esclavos. Se trata de figuras inacabadas. Este hecho dramatiza aún más la tesitura bajo la cual se encuentran ambas figuras. Una yaciendo a punto de morir, y el otro luchando por librarse de un final del cual no tiene escapatoria.
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Esclavos rebelde y moribundo
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Moisés
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Escultura de mármol blanco que representa la figura bíblica de Moisés, conservada en la iglesia de San Pedro in Víncoli, en la ciudad de Roma. La figura posee un naturalismo asombroso, los brazos del profeta exhiben la fortaleza y tensión de un atleta, a pesar de la edad. El mármol deja resbalar la luz. Las ropas caen en pliegues de gran naturalismo, donde los contrastes de luces y sombras que provocan las profundas oquedades en el mármol, otorgan a la figura un imponente volumen. Es una composición clásica en la que se puede ver a Moisés sentado, con las tablas de la Ley bajo su brazo. Su postura deja intuir que está a punto de levantarse, dato que completa su mirada llena de furia y enfado. Está lleno de una expresividad acentuada y dramática. Moisés está lleno de vida interior que refleja con su rostro. En cuanto a su simbología existen diferente teorías; algunos ven en el Moisés un retrato idealizado del propio escultor o del Papa Julio II, temible guerrero y líder espiritual, al igual que el profeta bíblico. Otros piensan que puede ser un símbolo de los elementos que componen la Naturaleza; así, la barba representaría el agua y el cabello, las llamas del fuego. Para Miguel Angel podría simbolizar la fusión de la vida activa y la contemplativa, según el ideal neoplatónico.
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Tumba de los Medici
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Esta conjunto de figuras de mármol se encuentran situadas en la capilla de los Medici, diseñada por Miguel Angel. En ella aparecen dos sepulcros custodiados por diversas figuras, el sepulcro de Giuliano y el sepulcro de Lorenzo. El sepulcro de Giuliano constituye una alegoría de la vida activa, se representa como un guerrero, un gobernante con un bastón de mando en el eje central y superior de la composición. La estatua situada a la derecha representa el día, esculpido como un hombre corpulento, desperezándose. A la izquierda está la noche; representada como una mujer madura, la lechuza enfatiza la simbología nocturna. En el sepulcro de Lorenzo se representa la vida contemplativa e intelectual. En la parte central superior encontramos a un Lorenzo meditabundo y silencioso. La aurora representa una mujer joven y la vida valiente. El crepúsculo es representado por un anciano con un rotro sin pulir.
Situada en el lado izquierdo del altar mayor de la iglesia de Santa Maria sopra Minerva de Roma, encontramos esta escultura de mármol que representa a Cristo redentor, desnudo y abrazado a la cruz, unicamente vestido con un paño que cubre sus genitales. Si bien comenzo su tallado en 1514 tuvo que detenerlo debido a un beta negra que aparecio cruzando la cara de la figura. Con lo que miguel Angel tuvo que volver a realizarla años más tarde partiendo de nuevo de cero.
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Cristo de la Minerva
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El genio de la victoria
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Conservada en el Salón del Cinquecento del Palazzo Vecchio de la Plaza de la Signoria, esta escultura de mármol blanco forma parte del proyecto en el que se encuentra tambien la escultura de Moisés. Posee una altura de 2,65 metros, y nos muestra a dos figuras en lucha, de las cuales una es vencedora. Este tipo de composiciones existian pero no tratadas como Miguel Angel. La figura recuerda a la forma de una serpiente o de una llama de fuego. Presenta un movimiento continuo y ascendente que obliga al espectador a moverse alrededor de la obra para poder ver todas sus partes y apreciar todos lo detalles. Es la obra más cercana al manierismo y de mayor inspiración para la generación que prosigue a Miguel Angel.
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Brutus
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Es un busto de mรกrmol que se encuentra en el Museo Nazionale del Bargello en Florencia. Mide 74 cm de altura sin contar la peana. La obra posee una gran solemnidad y potencia, el ligero inacabado del rostro contrasta mรกs fuertemente con los grandes pliegues de la toga completamente termianados y pulidos. La expresiรณn del rostroes tensa y seria, potenciada por el giro de cabeza.
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Piedad florentina
Conservada en el Museo dell’Opera del Duomo en Florencia, esta obra de mármol tiene más de dos metros de altura. Representa el cuerpo de Cristo sostenido por Nicodemo, abrazado por la Virgen María y a la izquierda del grupo, María Magdalena. De nuevo Miguel Angel refleja la vida y la muerte a mabos lados de la obra. Los cuerpos individuales se funden uno en otro, compenetrándose íntimamente como los sentimientos de los personajes. Esta nueva concepción de la Piedad demuestra la reconciliación con la muerte y su papel como liberadora del alma.
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Piedad rondanini
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Esta obra situada en el museo del Castillo Sforzesco de Milán es considerada como la última obra de Miguel Angel ya que trabajó en ella hasta pocos días antes de su muerte. Realizada en mármol y con una altura de 195 cm la obra se encuentra sin acabar, y el trabajo se ve claramente que fue realizado en diversas etapas. Tiene partes completamente acabadas y otras aún en proceso, como el rostro de la Virgen. La Virgen, extrañamente erguida sujeta el cuerpo de Cristo muerto entre sus brazos, con sus cuerpos alargados deslizantes uno sobre el otro, sin apoyo, en equilibrio inestable. No está muy claro si la Virgen sostiene y soporta el cuerpo de Cristo o si se aprieta a Él, si se desliza con Él. Las cabezas están dobladas y el abrazo de la madre no tiene punto de comparación con la calma de otras piedades. La composición es desequilibrada, ya que las figuras están escurriéndose. Es una culminación del manierismo, con el alargamiento extremo de las figuras, que parecen prácticamente flotar.
Vi el ﾃ］gel en el mﾃ｡rmol y tallﾃｩ hasta que lo puse en libertad
AR QUI TEC TU RA
Quizá sea la rama artística menos conocida de Miguel Angel pero no por ello la menos importante. Si bien no tiene muchos trabajos realizados en este ámbito, los que hay son obras majestuosas y de gran complejidad técnica y artística, grandes infraestructuras que nos dejan ver la capacidad creativa y técnica del artista. Las obras que estan recogidas son:
Cúpula Basílica de San Pedro
Encargada por el Papa Pablo III, Miguel Angel, retoma la construcción de la básilica, iniciada por Bramante. Para ello tomará como referencia los planos utilizados por Bruneleschi en Florencia. Sin embargo para poder sostener la enorme cúpula de 42,5 metros de diámetro, Miguel Angel, se vio obligado a reforzar los cuatro pilares dispuestos sobre el crucero diseñado por Bramante. Sitúa la cúpula sobre el altar mayor y sobre la tumba del apóstol Pedro. El tambor sobre el que se levanta la cúpula está decorado con columnas pareadas entre las ventanas. La alternancia de frontones triangulares y semicirculares sobre las ventanas y las gruesas guirnaldas decoran el exterior de la cúpula. La cúpula, apuntada para darla mayor prestancia, está atada por unos nervios que, además de la función técnica, sirven para embellecer la Cúpula que será rematada con una linterna. Miguel Angel no pudo ver terminada su obra, ya que murió antes y la finalizaran Giacomo della Porta y Domenico Fontana sin variar los plano del maestro.
1506-1626
Biblioteca Laurenziana
Construida en el claustro de la basílica de San Lorenzo, patrocinada por el papa Clemente VII, Miguel Ángel diseñó la sala de lectura y vestíbulo con la escalinata de acceso a la basílica que la alberga. Miguel Ángel tomó como referencia el tipo de articulación de muros desarrollado por sus predecesores florentinos, pero utilizando las columnas, frontones, ménsulas… de manera más personal y expresiva. En el vestíbulo se aprecia el manierismo en la obra del artista, cambia por completo el concepto de arquitectura alejandose del clasicismo del Cinquecento. En él encontramos una arquitectura desproporcionada más propia de una fachada exterior con frontoness, columnas,etc. Ventanas sin salida exterior, dobles columnas que nada sujetan y que, en vez de reforzar la pared, se embuten en ella, de nuevo creando un sentimiento de opresión.
1520
La escalera se convierte en una idea abstracta, un puro amasijo de volúmenes y formas, casi como si fuera una escultura o arquitectura contemporánea. De tres entradas que convergen en una final a través de dos volutas, sus peldaños curvilíneos crean una enorme movilidad que termina rompiéndose por completo en los tres inferiores, generándose una nueva sensación de constante crecimiento que muy pronto llenará la estancia. Finalmente escaleras arriba, la sala de lectura es con reiterada contraposición de vanos ciegos rectangulares y cuadrados, una individualizada y recoleta insistencia al estudio, la meditación y la reflexión.
Plaza del Capitolio
1536
Miguel Angel diseña un nuevo concepto de espacio urbano, la plaza que será imitada en épocas posteriores, sobre todo en la época del barroco.
desde aquí se gobernó el imperio romano. Por ello en una estrella central colocó la estatua de Marco Aurelio. Para dar grandiosidad a la plaza,
Diseña una gran escalinata monumental de acceso a la plaza, presidida por enormes estatuas de Castor y Poulet que cubren con una balaustrada el lado corto de la plaza, que aplana y tiene forma trapezoidal regular, con un lado corto, otro largo y dos similares enfrentados entre sí.
La fachada de los edificios situados en tres de los cuatro lados los modifica para que guardasen una armonía con el conjunto, así los tres palacios, el del senado romano, el palacio del Capitolio y el palacio de los Conservadores parecen ser parte del mismo conjunto arquitectónico.
En el interior de la plaza sitúa un gran ovoide con figuras geométricas que han querido ver el centro cosmológico del universo,
Porta Pía 1561-1565
Fue diseñada para sustituir la Porta Nomentana que estaba situada varios cientos de metros al sur y se trata de una puerta de la antigua Muralla Aureliana de Roma. No se puede apreciar a simple vista una sensación de armonía o equilibrio. En esta obra se mezclan diferentes técnicas, texturas, elementos y detalles que Miguel Angel consigue juntar y dar un resultado distinto y bello.
1562
Basílica de Santa Maria de los Angeles y los Mártires Diseñada sobre la base del aula central de las Termas, Miguel Angel se dedicó a recubrir algunos muros y a restaurar un aula del tepidarium, creando así un edificio eclesiástico distinto y particular: dilatado de modo lateral en vez de longitudinal. El ingreso a la iglesia se hace a través de un vestíbulo circular, también de origen romano, y termina en un profundo presbiterio, dónde se encuentra el coro de los cartujos, a quienes se confió esta iglesia una vez terminada.
La arquitectura no es m谩s que el orden, la disposici贸n, el aspecto hermoso, la proporci贸n de las partes entre ellas, la comodidad y la distribuci贸n.
pin tu ra
En palabras del propio Miguel Angel, la pintura es el ábito que menos le gustaba al maestro, en la que menos cómodo se sentía. No obstante, la calidad de las obras y la técnica utilizada son soberbias. Miguel Angel deja patente la habilidad artística que poseía y la capacidad de adaptación al soporte, tenemos obras tanto pequeñas como de tamaño colosal, todas resueltas de manera magnífica. Las obras que estan recogidas son:
Madonna de Manchester 1497 Temple sobre madera de 105 cm × 76 cm. Actualmente esta conservado en el National Gallery de Londres. En la escena se pueden observar a la Virgen con el Niño junto con san Juan Bautista también niño y dos ángeles a cada lado, en la parte trasera se encuentran dos ángeles solo esbozados ya que la pintura quedó inacabada. La Virgen está representada con un pecho descubierto, como si hubiera estado amamantando a su hijo recién nacido, lo que recuerda el tema de la lactancia materna de la Virgen, un tema muy común en las pinturas medievales. En sus manos hay un libro que intenta mantener lejos de su hijo, ya que probablemente su contenido prediga su futuro sacrificio. A su vez, mira por encima de su hombro izquierdo un pergamino que leen dos ángeles.
Santo Entierro
Se trata de un cuadro inacabado realizado con temple y ólea de 162 centímetros de alto y 150 cm. de ancho, conservado en el National Gallery de Londres. En la imagen podemos ver en el centro del cuadro representa a Jesucristo llevado al sepulcro. El hombre con barba que está tras él es José de Arimatea, el hombre que dio su tumba para la sepultura de Cristo. La figura de la izquierda es probablemente san Juan, con una larga túnica roja, mientras que arrodillada a sus pies estaría María Magdalena.
1500
Tondo Doni Óleo y temple sobre madera de 120 cm de diámetro conservado en la Galería de los Uffizi de Florencia. La composición la forman la Virgen con el Niño y detrás, san José, de grandiosas proporciones y dinámicamente articulado. María y José presentan al Niño al espectador. Detrás de estas figuras principales, separados por una balaustrada, se distingue a san Juan y un grupo de ignudi. El punto de vista que Miguel Ángel escoge para representar los desnudos es frontal, a diferencia del que adopta para el grupo central, que está visto desde abajo. Esta forma de representación está ligada a la voluntad, por parte del autor, de conferir monumentalidad a la Sagrada Familia.
1497
El mureto representado entre los dos grupos tiene múltiples funciones: cierra el efecto perceptivo de rotación creado por la postura de los personajes principales, separa a la Sagrada Familia de los desnudos, explicita la diferencia entre las perspectivas y los significados. La articulación del espacio y de los volúmenes, la tensión y el movimiento son fuertes elementos anticlásicos. Las figuras monumentales parecen estar esculpidas con pintura en lugar de mármol, su medio preferido, y de este modo parece que tienen un auténtico peso. Los drapeados están finamente modelados con colores brillantes.
Capilla Sixtina 1508
1512
Se trata quizá de la obra más conocida de Miguel Angels y consta de un conjunto de pinturas al fresco realizadas para decorar la bóveda de la Capilla Sixtina, en la Ciudad del Vaticano. Para realizar esta obra majestuosa y enorme Miguel Angel trabajó sólo, sin ninguna colaboración de ayudantes, sin permitir ningún acceso a la capilla durante su labor. Parece ser que Julio II había pensado en una serie de doce Apóstoles como temática de la bóveda pero fue cambiada para representar diversos asuntos del Antiguo Testamento junto a una serie de sibilas y profetas que hablaron de la llegada de Cristo. En los lunetos sobre las ventanas y en los triángulos por encima de éstos se situarían los antepasados de Cristo mientras en las pechinas de la bóveda se narrarían cuatro historias de la salvación del pueblo de Israel. La bóveda fue dividida en nueve compartimentos que narrando una escena bíblica cada uno, alternando grandes espacios con otros más menudos que se acompañan de ignudis, jóvenes desnudos en sintonía con la estatuaria clásica.
La Creación de la Luz, la Creación de las plantas y los astros, la Creación del mundo, la Creación de Adán, la Creación de Eva, el Pecado Original y la Expulsión del Paraíso, el Sacrificio de Noé, el Diluvio Universal y la Embriaguez de Noé son las diferentes escenas que van de pared a pared de la bóveda, distribuidos en una decoración arquitectónica de pilastras y entablamentos fingida. Los trabajos se iniciaron desde el muro situado frente al altar mayor que más tarde sería decorado con el Juicio, apreciándose en el sentido inverso al que aparecen en el Génesis. Esto ha sido interpretado por algunos especialistas como el retorno del alma hacia Dios, relacionándose con la filosofía neoplatónica que Buonarroti conoció en el palacio de los Medici. El programa iconográfico que observamos en la decoración no surgió del pintor ya que debió ser consensuado con el pontífice y asesorado por alguna autoridad teológica, sometiéndose de nuevo a la aprobación definitiva del papa. El resultado es una de las obras maestras de la pintura, recientemente restaurada y limpiada para ofrecer a los espectadores la maravilla y la fuerza del color en la obra de Miguel Ángel, sin olvidar su admiración por la anatomía humana desnuda presente en todo el proyecto.
La crucifixión de San Pedro
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Esta obra es un fresco de gran tamaño, 6,25 metros de alto y 6,62 metros de ancho, realizado en la Capilla Paulina del Palacio Apostólico, en la Ciudad del Vaticano. Aparece situado a la par que La conversión de san Pablo y es el último fresco ejecutado por Miguel Ángel. En la obra podemos ver a San Pedro en el momento en que, colocado al revés en la cruz, esta era alzada por los soldados romanos. De esta manera se concentra la atención en la descripción del dolor y del sufrimiento. Las caras de la gente presente están contraídas en una mueca de horror, y varios de los espectadores parece que van a morir.
1550
La verdad arte no una s perfec
dera obra de es m谩s que sombra de la cci贸n divina
DI BU JOS
En este apartado encontramos los dibujos realizados por Miguel Angel. Estos dibujos servían al artista como práctica y estudio de las proporciones del cuerpo humano, de referencias técnicas para aplicar en la arquitectura y de bocetos para las obras. La temática dominante es la figura del cuerpo humano, en su mayoría masculina, pero tambien encontramos arquitecturas y dibujos fantásticos. Se recogen una muestra bastante amplia de estos dibujos para entender un poco mejor al artista.
No hay da単o tan grande
como el del tiempo perdido.
Alejandro Olmedo 2º B D.G. Filosofía y estética