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Las sinfonías y conciertos están conformados por varios segmentos musicales dentro de una misma obra, llamados movimientos que, generalmente, se indican en el programa de mano. Lo adecuado es aplaudir únicamente al finalizar la obra completa y no entre los movimientos.
En sala Para mayor información y recibir la programación de la OFB inscríbase en nuestro sitio web
www.filarmonicabogota.gov.co
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• Programación sujeta a cambios •
LARS VOGT Director y solista invitado Alemania
VIE
14 • 7:30 p.m. sáb
15 • 4 p.m.
leonardo marulanda
Director • Colombia
Betty Garcés Bedoya Soprano • Colombia
Auditorio Fabio Lozano Universidad Jorge Tadeo Lozano Boleteria en taquilla o en www.tuboleta.com
RÉQUIEM DE g.VERDI sáb
22 • 4 p.m.
Auditorio León de Greiff Universidad Nacional de Colombia
Boletería en taquilla o en www.tuboleta.com
Cristina Faus
Mezzosoprano • España
Aquiles Machado Tenor • Venezuela
dom
23 • 3 p.m.
Teatro Jorge Eliécer Gaitán
Boletería en taquilla o en www.tuboleta.com
José antonio lópez Barítono • España
gustavo dudamel
Director invitado • Venezuela
concierto binacional
vie
28 • 8 p.m.
Teatro Mayor Julio Mario Santo Domingo Boletería en taquilla o en www.primerafila.com
Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela y Orquesta Filarmónica de Bogotá
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Orquesta Filarmónica de Bogotá 50 años acercando la música a los bogotanos
S
ímbolo y orgullo para los bogotanos, así es la Orquesta Filarmónica de Bogotá, que a través de sus 50 años de historia ha logrado cumplir los objetivos con los que nació en agosto de 1967: democratizar y diversificar la música sinfónica, propósitos que ha desarrollado mediante la difusión del repertorio sinfónico universal y nacional en todas las localidades de la capital, en diferentes escenarios convencionales y no convencionales, como centros educativos y espacios públicos, lo que le ha permitido llegar a múltiples audiencias y convertirse en epicentro cultural de la ciudad. Desde su primer concierto en el Teatro Colón, bajo la dirección de Melvin Strauss, la OFB, entidad adscrita a la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte, se empezó a posicionar en la escena cultural nacional por su fuerza interpretativa, calidad artística, repertorios e invitados internacionales. De hecho, con tan solo un año de creación, la Filarmónica fue elegida para rendir un homenaje al Papa Pablo VI, durante su visita a Colombia en 1968. Desde entonces, la Orquesta ha interpretado las grandes obras del repertorio musical universal y ha sido una de las de América Latina que ha ejecutado casi en su totalidad los ciclos de compositores como Mahler, Bruckner y Bartók. Entre sus directores titulares ha tenido a Dimitar Manolov, Francisco Rettig y otros, en calidad de invitados, como Kent Nagano y Krzysztof Penderecki. En 2008 la OFB se ratifica como una de las mejores de la región luego de ganar el Premio Grammy Latino, en la categoría Mejor Álbum Instrumental, lo que le permitió tener mayor posicionamiento internacional, logro que sostuvo con las giras que hizo en Ecuador, Perú, Estados Unidos, Rusia, Italia y China, a donde llegó con obras del repertorio universal y de música colombiana.
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Ahora, siendo fiel al precepto de que la música es para todos, la Orquesta ha involucrado en su repertorio propuestas diversas que abarcan todos los tipos de público, como en efecto lo hizo cuando realizó una colaboración con la banda de heavy metal Kraken y en 2016, en el marco del cumpleaños 478 de Bogotá, con el grupo de rock Los Petit Fellas, con el que se presentó en el Parque Simón Bolívar, ante más de 10.000 personas. La Filarmónica ha asumido una nueva tarea que es la formación de niños y jóvenes, lo cual realiza mediante el programa: Proyecto de Formación, que se desarrolla en 31 colegios distritales y en los Centros Orquestales, con el objetivo de brindar procesos de formación musical por medio de una metodología de desarrollo psicológico, físico y musical.
Fotografía OFB: Kike Barona
Actualmente, la Orquesta Filarmónica de Bogotá busca tener una mayor circulación de su repertorio, en aras de lograr que la música sinfónica construya ciudadanos más felices.
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LARS VOGT
Director y solista invitado • Alemania
VIE
14 • 7:30 p.m. sáb
15 • 4 p.m. Auditorio Fabio Lozano Universidad Jorge Tadeo Lozano PULEP HFR124
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PROGRAMA Tannhäuser, obertura Richard Wagner (1813 - 1883 Alemania)
Concierto para piano No. 5 en mi bemol mayor “Emperador” Ludwig van Beethoven (1770 - 1827 Alemania) I. Allegro II. Adagio un poco mosso III. Rondo - Allegro ma non troppo
INTERMEDIO
Sinfonía No. 3 en la menor, Op. 56 Felix Mendelssohn (1809 - 1847 Alemania) I. Andante con moto. Allegro un poco agitato II. Vivace non troppo III. Adagio IV. Allegro vivacissimo. Allegro maestoso Assai 7
Notas al programa Jaime Ramírez Castilla, DMA 1 Richard Wagner, Obertura de la ópera “Tannhäuser” Fecha de composición: 1845 • Fecha de estreno: Richard Wagner dirigió el estreno de la ópera en Dresde el 19 de octubre de 1845 en el Königliche Hoftheater. Duración aproximada: 16 minutos. Richard Wagner (1813 – 1883) fue una figura determinante para la consolidación de la estética romántica en Alemania. Entre sus aportes más importantes se encuentra la expansión del lenguaje tonal hasta los límites de la funcionalidad, la asociación dramática del empleo motívico (conocido como la técnica del leitmovir) y la consumación del género operático; Wagner desarrolló de manera integral la ópera alemana hasta el punto de generar una nueva estructura musical conocida como el drama musical, caracterizado por una asociación directa entre el libreto como elemento generador de la música y su estructura dramatúrgica fluida donde los actos no deberían dividirse en “números de concierto”. Wagner fue una figura reconocida públicamente tanto por sus propuestas estéticas como por sus lamentablemente controversiales posturas sociales y culturales; debido a su marcada inclinación antisemita el legado de Wagner fue fundamental para alimentar los estragos asociados con la supremacía racial y cultural vinculados al nazismo de inicios del siglo XX. Para Wagner, un elemento fundamental en su propuesta estética fue el asentamiento de un legado germánico amarrado a una tradición con orígenes ancestrales; para esta exacerbación cultural, el drama se convertiría en el vehículo germinal de las decisiones musicales con el objetivo de desarrollar una obra de superioridad estética. Por esta razón su producción musical corresponde casi de manera exclusiva a óperas (o dramas musicales); consciente de la relevancia del drama para la música, Wagner fue uno de los pocos compositores que escribió tanto el libreto como la música para sus obras, al tiempo que determinó muchos otros componentes de sus producciones artísticas.
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La primera ópera importante de Wagner fue Rienzi, una obra de cinco actos estrenada en Dresde en 1842; el año siguiente Wagner produjo El holandés errante también con marcada aceptación. El éxito de estas óperas permitieron que Wagner fuera nombrado director del Teatro de la Ópera en Dresde; convirtiéndose en su primera contratación estable. Tannhäuser, estrenada en 1845 en Dresde, fue su siguiente ópera. En su historia se mezclan dos leyendas medievales; la competencia de trovadores germánicos (minnesinger) en Wartburgo y el drama del Tannhäuser quien era un trovador y caballero de las cruzadas. Tannhäuser se debatía entre los lujuriosos encantos de la diosa Venus y el amor puro de la devota Elisabeth quien muere a la espera de su amado quien debe peregrinar hasta Roma para lograr la absolución papal. La obertura para la ópera fue la última parte compuesta por Wagner y en ella se anticipan materiales muy relevantes para la obra como son el “Coro de los peregrinos” y el “Himno a la diosa Venus” los cuales tendrán continuas apariciones a lo largo de la obertura contrastando atmósferas de profunda devoción y apasionados debates entre lo terrenal y lo divino. Ludwig van Beethoven, Concierto para piano n. º 5 en mi bemol mayor, Op. 73 “Emperador” Fecha de composición: Entre los meses de febrero y octubre de 1809. Fecha de estreno: 28 de noviembre de 1811 en Leipzig bajo la dirección de Johann Phillipp Christian Schulz; el solista fue Friedrich Schneider. Para el estreno en Viena, el 12 de febrero de 1812, el solista fue Carl Czerny. Duración aproximada: 40 minutos. Es absolutamente indudable la importancia que Ludwig van Beethoven (1770 – 1827) ha tenido para el desarrollo de la cultura musical desde finales del Siglo XVIII hasta nuestros días. Su incursión en los géneros instrumentales del Clasicismo definió los rumbos estéticos y formales que tomaron sus contemporáneos y sucesores; asimismo sentó a través de su obra las posibilidades armónicas y contrapuntísticas que cristalizaron el cambio de estética hacia el Romanticismo. El Emperador marca la culminación de un ciclo en la obra de Beethoven, no solamente es el último concierto para piano, sino también es el último concierto escrito por Beethoven; el Concierto para violín y orquesta fue compuesto 9y
estrenado en 1806 y el Triple concierto para violín, violonchelo, piano y orquesta fue compuesto en 1803 para ser estrenado en 1808. El lenguaje compositivo de Beethoven se inclinaba más hacia la construcción conjunta de un discurso que crecía atmosféricamente entretejiéndose con los diversos instrumentos; de hecho, algo particular en la manera que está construido su último concierto es el tipo de lenguaje sinfónico caracterizado por su majestuosidad instrumental enriquecida por la interacción camerística entre el solista y diversas combinaciones tímbricas de la orquesta. Muy posiblemente la confrontación de sonoridades entre el solista y la orquesta, característica principal del concierto de esa época, no resonaba con tanto interés para las innovaciones que Beethoven plasmaría en la estética musical vienesa. Por otro lado, El Emperador fue el único concierto para piano que Beethoven no pudo estrenar como solista; su sordera ya habría avanzado al punto de no permitirle interactuar con los músicos en el escenario. Ésta puede ser una razón adicional por la cual el compositor sintió un creciente desinterés por este género; aunque sí hubo intentos de escribir otro concierto para piano, Beethoven no finalizó ningún otro concierto para instrumento solista y orquesta. Igualmente icónico, pero paradójico, es el título atribuido a su último concierto. Si bien es cierto que de acuerdo a las intenciones asociadas para ciertas tonalidades, la tonalidad de Mi bemol mayor corresponde a una sonoridad heroica y majestuosa (otro ejemplo de esta relación se presenta con la Sinfonía no. 3 de Beethoven y la Sinfonía no. 39 de Mozart, ambas obras en la tonalidad de Mi bemol mayor que también comparten el carácter grandioso del Emperador) es bastante improbable que Beethoven hubiera querido rendir homenaje a Napoleón cuya autoproclamación como emperador inspiró a Beethoven retractarse la dedicatoria que inicialmente habría decidido para su Sinfonía no. 3 “La Heroica”. En 1809, año en que Beethoven se encontraba componiendo este concierto, la inestabilidad política de Viena alcanzaba un punto crítico debido a las incursiones armadas de las tropas napoleónicas para tomarse la ciudad; la casa de Beethoven se encontraba literalmente en medio del campo de batalla y se vio obligado a buscar refugio en la casa de su hermano. La toma armada de la ciudad por parte del Napoleón obligó a varios aristócratas a abandonar Viena y el número de mecenas que apoyaban la labor del compositor disminuyó sensiblemente; si bien Beethoven gozaba de varias comisiones aún en tiempos de guerra, la moneda austríaca no dejaba de devaluarse y tanto Beethoven
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como sus mecenas eran cada vez más pobres. Es claro que Beethoven en 1809 no podría tener ningún motivo para homenajear a Napoleón y aunque finalizó la composición del concierto en octubre del mismo año, su estreno tuvo que esperar hasta 1811 cuando el clima político fuera menos incierto; de hecho, el concierto fue estrenado en Leipzig y solo hasta 1812 se estrenó en Viena. Aunque es bastante incierto el origen del título de este concierto, ha sobrevivido un rumor según el cual al finalizar el estreno de la obra en Viena, un oficial francés que se encontraba en la audiencia gritó entre los aplausos del público “¡Es el Emperador!”. Indistintamente a la veracidad de este relato, hay algo innegable respecto a la obra de Beethoven que resuena con particular fuerza en este concierto: Beethoven expresa profunda y visceralmente cómo la voluntad humana triunfa con un espíritu inquebrantable frente a la adversidad. Al estar rodeado por las ruinas de una ciudad subyugada e invadida, Beethoven encontró la manera de catalizar a través de la música una voz de aliento para su audiencia; el Concierto no. 5 tiene una sonoridad claramente triunfal y heroica en donde desde sus primero compases el solista se impone frente a sonoridad avasallante de los acordes iniciales de la orquesta. El concierto está organizado en el esquema tradicional de tres movimientos. El primer movimiento se caracteriza por el debate entre la orquesta y las anticipadas cadencias del solista; este debate desemboca rápidamente en un dialogo continuo donde la filigrana orquestal evoluciona de manera etérea al tiempo que el piano se sobrepone con virtuosismo brillante para conducir la masa orquestal a puntos exuberantemente climáticos. La grandiosidad y triunfalismo del primer movimiento contrastan con el movimiento central del concierto; caracterizado por una melodía sublimemente sencilla el piano expone la voz introvertida del compositor que resuena ampliamente a través de una paleta de colores orquestales con magistral profundidad. A medida que el segundo movimiento termina, se disuelve en una transición hacia el movimiento final; el piano presenta el tema principal de un rondó con un triunfalismo sarcástico e irreverente.
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Felix Mendelssohn, Sinfonía n. º 3 en la menor, Op. 56 “Escocesa” Fecha de composición: Entre 1829 y 1842. Fecha de estreno: Felix Mendelssohn dirigió el estreno de la sinfonía con la orquesta del Gewandhaus de Leipzig el 3 de marzo de 1842. Duración aproximada: 40 minutos. Felix Mendelssohn (1809 – 1847) fue uno de los músicos más favorecidos por el destino en el Siglo XIX. Siendo un niño prodigio en una familia acomodada tuvo acceso a la mejor educación tanto humanística como artística de su época. En una posición completamente privilegiada, el joven Mendelssohn logró desarrollar sus capacidades lúdicas impresionantemente rápido y consolidarse como uno de los mejores, y más completos, músicos del momento. El talento musical de Mendelssohn se nutría por un contacto intenso con las otras artes, sentía una fuerte afinidad por la literatura y también era un diestro paisajista; en corto tiempo, sus mejores pinturas se plasmaron en sonidos. El conocimiento de otras culturas y los viajes fueron fuentes de inspiración tan fuertes como su contacto con las otras artes. A la edad de veinte años, siguiendo el consejo de su profesor de composición, Carl Friedrich Zelter, Mendelssohn decidió salir de Berlín para conocer el mundo por sí mismo (sin la compañía de su familia); en abril de 1829 Mendelssohn viajó a Londres para encontrarse con su amigo Carl Klingermann. En Londres, el joven compositor alemán logró presentar algunas de sus obras, entre ella su primera sinfonía, recibiendo una cálida bienvenida por parte de las audiencias; con el tiempo, Inglaterra fue un destino frecuente de Mendelssohn quien visitó las Islas Británicas ocho ocasiones. En el verano de 1829, junto a Klingermann, Mendelssohn también visitó Escocia donde conoció a sir Walter Scott, uno de los novelistas predilectos del compositor; en Escocia también visitó la capilla donde fue coronada María Estuardo como Reina de Escocia y el Palacio de Holyrood, donde la misma reina presenció la muerte de su supuesto amante David Rizzio a manos de su celoso esposo Lord Darnley. En una carta a su familia, Mendelssohn narró sus diversas experiencias en Escocia, sus impresiones por el brumoso y agreste clima, el desarrollo de un concurso de gaiteros, la visita a la capilla y palacio reales; al final
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de esta carta Mendelssohn confiesa haber encontrado en esta visita el inicio de su Sinfonía Escocesa. Esta sinfonía tomó más de diez años en ser terminada, de hecho su obertura Las Hébridas sería la primera obra de Mendelssohn en delatar la influencia de su primer viaje a las Islas Británicas; esta obertura fue terminada en Roma, cuando el compositor también se encontraba finalizando su Sinfonía Italiana. Es importante tener en cuenta que si bien la Sinfonía Italiana es conocida como la “Sinfonía nº 4” y la Sinfonía Escocesa es la “Sinfonía nº 3”, este orden se refiere a sus fechas de publicación, no de composición; la Sinfonía Escocesa fue la última sinfonía escrita por Mendelssohn. En la Sinfonía Escocesa no hay referencias textuales a melodías tradicionales, el mismo compositor expresó en varias ocasiones su desdén por lecturas nacionalistas de su obra. En cambio se puede percibir como desde sus primeros compases, el compositor refleja el clima escocés con una espesa bruma representada por la orquestación densa y algo oscura; a medida que la sinfonía avanza, los movimientos se conectan casi disolviéndose cada uno en el siguiente, aparecen rápidos temas caprichosos con un color engañosamente pentatónico y folclórico para el segundo movimiento. Asimismo el Adagio del tercer movimiento con su cautivadora línea melódica, típicamente mendelssohniana, desemboca en un Finale originalmente catalogado por el compositor Allegro guerriero en donde se pueden respirar la determinación y la victoria que en el campo de batalla esgrimirían los héroes de las tierras altas escocesas.
1. Jaime Ramírez Castilla se encuentra vinculado actualmente a las Facultades de Artes de la Universidad Javeriana y la Universidad Nacional de Colombia. Se desempeña activamente en las áreas de interpretación (contrabajo), música de cámara y teoría musical.
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Lars Vogt
Director y solista invitado • Alemania Nació en la ciudad alemana de Düren en 1970 y se ha establecido como uno de los principales músicos de su generación. Obtuvo la atención del público cuando consiguió el segundo premio en el Concurso Internacional de Piano Leeds de 1990. Desde entonces ha disfrutado de una carrera variada durante casi veinticinco años. Su versatilidad como artista abarca desde el repertorio clásico de Mozart, Beethoven, Schumann y Brahms hasta los románticos Grieg, Tchaikovsky y Rachmaninov hasta el deslumbrante concierto de Lutoslawski. Durante su prestigiosa carrera, Lars se ha presentado con grandes orquestas del mundo, incluyendo el Concertgebouworkest, el Berliner Philharmoniker, el Deutsches Symphonie-Orchester de Berlín, el Staatskapelle Dresden, el Wiener Philharmoniker, la London Philharmonic Orchestra, la London Symphony Orchestra, la City of Birmingham Symphony Orchestra, New York Philharmonic, Boston Symphony, NHK Symphony y la Orquesta de París. Ha colaborado con algunos de los directores más renombrados del mundo, como Claudio Abbado, Daniel Harding, Mariss Jansons, Paavo Järvi, Andris Nelsons, Sir Simon Rattle y Robin Ticciati. Su relación especial con la Berliner Philharmoniker ha continuado con colaboraciones regulares después de su nombramiento como su primer “pianista residente” en 2003 y 2004. Actualmente, su trabajo se ha centrado en la dirección de orquesta, razón por la que en septiembre de 2015 asumió el puesto de director musical de la Royal Northern Sinfonía, en la Sage Gateshead.
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Leonardo Marulanda
Director Asistente • Colombia
Betty Garcés Bedoya Soprano • Colombia
Cristina Faus
Mezzosoprano • España
Aquiles Machado Tenor • Venezuela
José antonio lópez Barítono • España
Coro Filarmónico Juvenil
Directora: Diana Carolina Cifuentes
Coro de la Ópera de Colombia Director: Luis Díaz Hérodier
Coro Filarmónico de Bogotá Director: Óscar Vargas
sáb
22 • 4 p.m.
Auditorio León de Greiff Universidad Nacional de Colombia PULEP DFH400
dom
23 • 3 p.m.
Teatro Jorge Eliécer Gaitán PULEP DFH400
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PROGRAMA
Réquiem
Giuseppe Verdi (1813- 1901 Italia)
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Notas al programa Jaime Ramírez Castilla, DMA Giuseppe Verdi
Réquiem Fecha de composición: 1873 – 1874 • Fecha de estreno: 22 de mayo de 1874 Duración aproximada: 1 hora y 30 minutos El concierto de hoy nos presenta una de las obras más impactantes del romanticismo italiano, debido a su exuberante riqueza melódica y orquestal en conjunción a la puesta en escena de un intenso fervor religioso y humanístico. El Réquiem de Giuseppe Verdi (1813 – 1901) es considerado una obra maestra que, retomando la primera impresión de Johannes Brahms, “solamente un genio podría haber escrito”. La maestría con que Verdi maneja las fuerzas sonoras, el dominio de la técnica compositiva, el contrapunto y la orquestación, sumados a un control excepcional del melodrama musical, generan un impacto avasallante en la audiencia, dejándola inmersa en una experiencia profundamente resonante con sus fibras sensibles más íntimas. Esta obra produce el tipo de éxtasis estético que solo las grandes obras maestras generan trascendiendo a lo largo de la historia. La obra de Giuseppe Verdi está ligada, casi en su totalidad, al desarrollo de la cultura operística de la segunda mitad del siglo XIX. Luego de absorber el legado de Rossini, Donizetti y Bellini, la obra de Verdi se constituye como un punto culminante para el género de la ópera italiana. A diferencia de la aproximación alemana en la ópera, donde se mantenía una fuerte tendencia hacia los simbolismos mitológicos y la mistificación de la naturaleza, en la ópera italiana el drama del ser humano en diversas situaciones sociales e históricas se convertía en el punto central de la trama. La obra de Verdi tanto por su cantidad como
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por su calidad se considera el paradigma de la ópera de inclinación humanística que caracterizaría la música italiana después de Donizetti hasta los inicios del siglo XX. Verdi compuso más de 25 óperas. Oberto, conte di San Bonifacio fue su primera ópera, cuya producción se estrenó en el Teatro de la Scala de Milán en 1839 (Verdi solo tenía 26 años). Esta obra inició un listado de éxitos que con marcada habitualidad encontrarían gran aceptación tanto por la crítica como por las audiencias en general. Si bien sus primeras óperas fueron bien recibidas, su tercera ópera, Nabucco (estrenada en 1842, también en La Scala de Milán) fue considerada su primer gran éxito, que junto con Rigoletto (1851), Il Trovatore (1853) y La Traviata (1853) aseguraron un amplio reconocimiento para el compositor, el cual estuvo acompañado tanto por la estabilidad económica como por una autoridad icónica en su medio cultural. Para entonces Verdi ya se habría podido desprender de la influencia estilística de Rossini y Bellini para consolidar perfiles psicológicos más refinados para sus personajes mediante una caracterización musical para cada uno acompañándolos con elocuente creatividad melódica inmersa en una cohesión dramática más estable. Óperas como La Forza del Destino (1869), Aida (1871), Otello (1871) y Fasltaff (su última ópera, estrenada en La Scala de Milán en 1893) han mantenido vigente el nombre de Giuseppe Verdi con continuo éxito como la definición misma de la ópera italiana. El Réquiem constituye una de las pocas obras compuestas por Verdi en un género diferente a la ópera. Aunque en el catálogo del compositor reposan algunas otras obras de carácter sacro, El Réquiem sobresale con amplia supremacía, debido a sus proporciones en cuanto duración y despliegue orquestal y vocal, pero también sobresale por su poder expresivo e intensidad dramática. Por muchos conocedores y críticos, El Réquiem iguala la magnitud de las óperas más reconocidas y espectaculares de Verdi; de hecho, el director Hans von Bülow, ferviente seguidor de los ideales Wagnerianos, en tono sarcástico calificó El Réquiem, poco después de su estreno, como “la última ópera de Verdi, aunque disfrazada en atavíos eclesiásticos”. Si bien la idea de Bülow no fue
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inicialmente amigable hacia Verdi, con el pasar del tiempo el éxito de la obra debido a su magistral calidad y gran aceptación permitió que el director años después se disculpara con Verdi por sus desatinadas intenciones; sin embargo es innegable que en el Réquiem hay un lenguaje operístico intenso que sencillamente resuena con fuerza y fervor renovados. La historia del Réquiem tiene sus inicios en una idea que Verdi propuso a varios de sus colegas para honrar a Rossini después de su muerte. Gioachino Rossini murió el 13 de noviembre de 1868 en París. Verdi tuvo la idea de convocar a varios compositores para crear de manera conjunta un réquiem que honrara a su predecesor. La idea consistía en presentar en Bolonia, donde Rossini creció y obtuvo sus primeros éxitos como compositor, un réquiem conjunto para un solo concierto sin intenciones comerciales en el que se estipulaba que la música no se volvería a repetir en presentaciones posteriores. Si bien varios compositores aceptaron la tarea, esta obra nunca fue finalizada debido a malos entendidos económicos y logísticos. Para esta iniciativa a Verdi le correspondía el movimiento Libera me y aunque terminó su comisión, la obra conjunta no se cristalizó y la composición quedó archivada. Desde entonces Verdi pensó no continuar con la idea de escribir otro réquiem y aunque recibió sugerencias para integrar el Libera me a otras obras o readaptar su música para otras partes de algunas óperas la decisión del compositor fue renuente hasta 1873. El 22 de mayo de 1873 murió Alessandro Manzoni, quien fue uno de los poetas novelistas italianos más importantes de su época. Su obra maestra de 1827 Promessi Sposi (Los Prometidos) marcó una fuerte postura humanística y alimentó ideológicamente el resurgimiento nacionalista italiano. Para Verdi, Manzoni fue un símbolo de maestría ideológica y artística por el cual sintió una admiración supremamente profunda; al enterarse de la muerte de Manzoni, Verdi quedó fuertemente afligido y decidió rescatar la idea de componer un réquiem para conmemorar el primer aniversario de su muerte, Verdi se puso en la tarea de finalizar el réquiem que en principio habría destinado para Rossini. Teniendo listo el Libera me, compuesto en 1868, Verdi contactó inmediatamente a su editor Giulio Riccordi para comentarle la iniciativa de componer un réquiem para un héroe nacional.
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Verdi se dispuso a terminar la composición así como también ser ofreció responsabilizarse por los costos de producción de la música, los ensayos y la dirección del montaje. Terminó la composición de todos los movimientos el 10 de abril de 1874 e inició los ensayos a principio de mayo disponiendo de élite musical de Milán para cumplir con su cometido de honrar a Manzoni en el primer aniversario de su muerte el 22 de mayo de 1874. El Réquiem es una obra ambiciosa y sus proporciones reflejan la sinergia entre la profunda devoción del compositor con la capacidad de las grandes producciones de la vanguardia operística. Organizado en siete grandes movimientos, cada uno con diferentes secciones. El Libera me se ubica como último movimiento y aunque fue compuesto con bastante anterioridad, al ser presentado como cierre de la obra logra recapitular diversas materiales que habrían sido empleados en movimientos precedentes; a manera de ciclo, este movimiento concluye tanto musical como dramáticamente toda la composición. A continuación hay un pequeño mapa de la obra que le permitirá al oyente ubicarse a lo largo de la presentación, la cual, pese a su longitud, se concibe como una obra ininterrumpida cuya fluidez dramática y musical continúa por más de 90 minutos (ie. se recomienda no aplaudir entre los movimientos para no alterar el discurso de la composición): I. Réquiem y Kyrie, para coro y solistas II. Dies irae para coro
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Tuba mirum para coro y bajo Mors stupebit para bajo Liber scriptus para mezzo soprano y coro Quid sum miser para mezzosoprano, soprano y tenor Rex tremendae para coro y solistas Recordare para soprano y mezzo soprano
Ingemisco para tenor Confutatis para bajo y coro Lacrymosa para solistas y coro III. Ofertorio Domine Jesu para solistas Hostias et preces tibi para solistas IV. Sanctus para coro doble V. Agnus Dei para soprano, mezzo soprano y coro VI. Lux Aeterna para mezzo soprano, bajo y tenor VII. Libera me para soprano Dies irae para soprano y coro Requiem aeternam para soprano y coro Libera me para soprano y coro
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Leonardo Marulanda Director asistente • Colombia
Licenciado en Música de la Universidad de Caldas. Su formación como trombonista lo llevó a integrar la Orquesta Sinfónica del Café, la Banda Municipal de Manizales, el ensamble Walking Jazz Big Band, la Banda Sinfónica de la Universidad de Caldas y la Orquesta Sinfónica de Caldas, entre otras. Se desempeñó por varios años como profesor de la cátedra de trombón de la Universidad de Caldas y, luego de incursionar en el campo de la dirección, trabajó como titular de agrupaciones como la Banda Sinfónica de la Universidad de Caldas, la fase preparatoria del Taller de Ópera, la Banda Filarmónica de Manizales, asistente de la Orquesta Sinfónica de Caldas, integrante y arreglista de los grupos: Ensamble de Bronces de Manizales, Cuarteto de Trombones de Manizales y Kanna-Jazz Brass. En su formación como director, participó activamente en charlas, clases y talleres en varios países con maestros como: Nelson Monroy, Gustavo Dudamel, Francesco Belli, Eduardo Carrizosa, entre otros. Ha colaborado con orquestas en México, Venezuela, Austria, España y Colombia. En 2007 viajó a Viena (Austria) para tomar la clase de dirección de orquesta y ópera con los maestros Huw Rhys James, David Aronson, Georg Mark, Maksimiljan Cencic, Josef Stolz, Stefan Zikoudis y Ulf-Dieter Soyka, entre otros. En 2012 realizó su concierto de grado con mención de Director de Orquesta con especialidad en Ópera. En 2013 asumió la dirección titular de la Orquesta Sinfónica de Caldas y el 20 de agosto de ese año fue nombrado director asistente de la Orquesta Filarmónica de Bogotá.
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Betty Garcés Bedoya Soprano • Colombia Nacida en el puerto de Buenaventura a orillas de la Costa Pacífica colombiana, la Soprano Betty Garcés Bedoya recibió con honores el título en Música y Canto Lírico del Conservatorio Antonio María Valencia de Cali. Posteriormente, viajó a Alemania con el fin de continuar sus estudios de perfeccionamiento en Colonia, donde en 2012 obtuvo el título de Master en Artes, de la Escuela Superior de Música de Colonia, con especialización en Ópera y Lied. En 2013 formó parte del programa Solo Klasse - Konzertexamen de la Escuela Superior de Música, Teatro y Medios de la ciudad de Hannover, donde se especializó en Oratorio y Concierto. Ha participado como solista en numerosos recitales, galas y conciertos, así como en producciones de ópera en diferentes escenarios de Alemania, Colombia, Ecuador, Inglaterra, Austria, Argelia, Estados Unidos, Australia, Italia, Bélgica y Portugal, interpretando repertorios de Mozart, Beethoven, Verdi, Puccini, Brahms, Debussy, Strauss, Korngold, Schönberg, Rachmaninov y Wagner entre otros. En 2011 interpretó la Segunda Dama de La Flauta Mágica de Mozart en el Gerling Quartier en la ciudad de Colonia y el rol de Madam Euterpova en la ópera Hilfe, Hilfe die Globolinks” de Menotti en el Teatro estatal de la ciudad de Münster. En 2012 interpretó el papel de Mimi de la ópera La Bohéme en Hannover y fue miembro del Junges Ensamble (Ensamble Joven) de la Ópera de Gelsenkirchen en la temporada 2013/2014. En 2014 hizo su debut en la Ópera de Colombia, con la que interpretó el papel de Liú en la ópera Turandot y en 2016 fue solista en el estreno de la Ópera Multimedia 3 Mil Ríos del compositor Víctor Gama, acom-
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pañada por la Orquesta Gulbenkian. Betty Garcés interpretó el rol de soprano en la N.9 Sinfonía de Beethoven, acompañada por la Orquesta Simón Bolívar de Venezuela. En 2014 junto a la Orquesta Filarmónica de Bogotá, interpretó las Cuatro últimas canciones de Richard Strauss.
Cristina Faus
Mezzosoprano • España Ganadora del Primer Premio en el Concurso Internacional de Canto Toti dal Monte en Treviso (Italia), la mezzosoprano Cristina Faus ha sido destacada por la crítica especializada por su personalísimo color de voz y fraseo musical. Nacida en Benissanó (Valencia), estudió canto con Ana Luisa Chova, licenciándose con matrícula de Honor en el Conservatorio Superior “Joaquín Rodrigo” de Valencia. Completa su formación con Elena Obratzowa, Renata Scotto, Montserrat Caballé y Bruno de Simone, entre otros. Cristina Faus centra su actividad operística en el repertorio clásico mozartiano, el romanticismo francés y especialmente el belcanto italiano. Entre sus actuaciones, cabe destacar su presencia junto a importantes orquestas como la Boston Symphony Orchestra, Los Angeles Philharmonic, Toronto Philharmonic, y Orchestra del Teatro La Fenice, entre otras, bajo la batuta de importantes directores como Rafael Frühbeck de Burgos, Alberto Zedda, Lorin Maazel, Zubin Mehta, y Jesús López Cobos. Es especialmente relevante su participación en diversas ediciones del Festival Rossini de Pesaro (Italia), así como en el 75 aniversario del Festival de Tanglewood (EE.UU.), además de sus giras por Japón y sus actuaciones en el Teatro della Fenice (Italia), Ópera de Colombia, Royal Opera House de Muscat (Omán) y Covent Garden de Londres (Reino Unido), entre otros.
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Aquiles Machado Tenor • España
El tenor Aquiles Machado nació en Barquisimeto, Venezuela y estudió en el conservatorio de música Simón Bolívar con William Alvarado, luego se mudó a Madrid a estudiar en la Escuela Superior de Música “Reina Sofía”, bajo la batuta de Afredo Kraus, Suso Marjátegui y Edelmiro Arnaltes. Es ganador de varias competencias internacionales e hizo su debut con Elixir de Amor en Caracas y con Macbeth en Las Palmas. Su exitosa carrera incluye apariciones en las más importantes compañías operísticas y teatros, como el Metropolitan Opera de Nueva York, Madrid, la Arena de Verona, el Teatro San Carlo en Nápoles, Wiener Staatsoper, Terme Di Caracalla en Roma, el Teatro Regio en Turin, el Festival de Ópera de Sferisterio, entre otros. Aquiles Machado personificó el Réquiem de Verdi en Boloña; luego en un tour por Moscú en el Festival Rostropovich bajo la dirección de Michele Mariotti, en Cincinnati y San Lois bajo la dirección de Raphael Frühbeck de Burgos, en el Gewandhaus de Leipzig bajo la dirección de Anthony Bramall y más recientemente en Trento y Bolzano con la Orquesta de Haydn.
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José Antonio López Barítono • España
Sus recientes éxitos cantando la Matthäus-Passion en la Musikverein de Viena, Novena Sinfonía en Hofburg, Ein Deutsches Requiem en el Bozar de Bruselas y en el Festival Casals de Puerto Rico, acredita el gran momento de José Antonio López. Su carrera incluye, además, actuaciones en salas como el Prinzregententheater de Munich, Berwaldhallen de Estocolmo, Filarmónica de Varsovia, Theater an der Wien, además de en las principales salas españolas. En ellas ha interpretado un repertorio que va de Bach a Brahms, además de las obras de Mahler y Britten, Sinfonía Lírica de Zemlinsky y Gurrelieder de Schönberg, esta última grabada por el sello Deutsche Gramophon. Entre sus próximos compromisos destacan su regreso a la Musikverein para interpretar la Johannes-Passion o el debut en el Barbican junto a la BBC Symphony. Su creciente actividad operística incluye la interpretación del rol principal de El Público de Mauricio Sotelo en el Teatro Real, los recientes debuts como Germont en La Traviata (Córdoba, Oviedo, Pamplona y Gijón), Jokanaan (Salomé en el Festival de Mérida) o Amonasro en Aida y Iago en Otello, además de su presentación en el Teatro Bellas Artes de México con Radamisto de Händel. José Antonio López también ha cantado, entre otros, Figaro, Escamillo, Don Giovanni y Malatesta, además de múltiples zarzuelas. De la presente temporada destacan su debut en el rol principal de El Holandés Errante de Wagner en Valencia, su debut en concierto en el Gran Teatro del Liceo o Rodelinda de Händel en el Teatro Real.
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Coro Filarmónico Juvenil Directora: Diana Carolina Cifuentes Sánchez
Creado en 2014, bajo la dirección de Diana Cifuentes, el Coro Filarmónico Juvenil está conformado por 40 jóvenes comprometidos y apasionados por la interpretación y virtuosismo de la música coral. Este equipo artístico y humano de gran calidad, interpreta obras de distintos periodos, géneros y estilos, que van desde la polifonía antigua hasta compositores de nuestro siglo. Bajo una intensa labor artística, han logrado fortalecer la apreciación y tradición de la música coral en Bogotá y en el país.
Diana Carolina Cifuentes Sánchez Maestra en música de la Universidad Autónoma de Bucaramanga con énfasis en dirección coral. Magister en Música de la Universidad Simón Bolívar de Venezuela donde estudió con los maestros María Guinand, Alberto Grau, Sara Catarine. Su carrera inició como integrante del Coro de la Universidad Autónoma de Bucaramanga y más adelante fue miembro activo de la Schola Cantorum de Venezuela y la Cantoría Alberto Grau, con las cuales realizó giras internacionales. Actualmente se desempeña como directora titular del Coro Infantil y Juvenil de UniMúsica, con el cual ha participado en diferentes eventos de carácter nacional e internacional.
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Coro de la Ópera de Colombia Director: Luis Díaz Hérodier
El Coro de la Ópera de Colombia inició sus labores en 1992, conjuntamente con la Nueva Ópera De Colombia, con la función específica de consolidarse como intérprete del género lírico y ser parte fundamental en cada uno de los títulos de la temporada de ópera de la Fundación Camarín Del Carmen. En 2013 estrenó en Colombia Tannhäuser de Wagner bajo la dirección de G. Dudamel con gran éxito. Grabó el Réquiem de Verdi, con la Orquesta Filarmónica de Bogotá. Durante estos 23 años el Coro de la Ópera ha tenido como directores a Gustavo Yépez, Juan Carlos Rivas, Alejandro Zuleta y Luis Díaz Hérodier quien es su director desde 2002.
Luis Díaz Hérodier Director
Inició sus estudios con profesores particulares en el Departamento de Música del Centro Nacional de Artes de El Salvador. Estudió Dirección Coral con el Maestro Igor Agafónnikov en la Escuela de Música del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú y tiene una Maestría en Música de la Universidad de Londres. Ha sido director asistente del Coro Nacional de El Salvador, director titular del Coro Nacional de Nicaragua; fundador y director del Coro de Cámara del Departamento de Música de El Salvador y del Coro de la Universidad Autónoma de Nicaragua. Desde enero de 2007 está a cargo del Énfasis en Dirección Coral del Departamento de Estudios Musicales de la Universidad Central. En 2004 funda y desde entonces dirige el Ensamble Vocal de dicha universidad. En 2002 es nombrado Director del Coro de la Ópera de Colombia. Ha preparado, además, el Coro Lírico para los Festivales de Ópera al Parque 2003 a 2009.
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Coro Filarmónico de Bogotá Director: Óscar Vargas
Fundado en 1990 por la maestra Carmiña Gallo, el Coro Filarmónico de Bogotá es una agrupación de carácter profesional, que constituye la base de la mayoría de las actividades musicales y artísticas de la Corporación Carmiña Gallo. Bajo la dirección de Óscar Vargas, el Coro Filarmónico está compuesto por 16 integrantes que cuentan con importantes bases académicas musicales, algunos de ellos formados por la propia maestra Carmiña. Continuamente es ampliado a 30 y hasta 50 integrantes con antiguos y nuevos miembros asociados. A través de la actividad musical del Coro Filarmónico, la Corporación Carmiña Gallo cumple una labor de divulgación así como de formación a nivel vocal, musical y artístico, tanto de manera individual como coral, formando cantantes profesionales con la capacidad de interpretar todo tipo de música.
Óscar Vargas Director
Graduado del Conservatorio de la Universidad Nacional de Colombia, desempeña una importante carrera como cantante y director. Actualmente adelanta sus estudios de maestría en Dirección Sinfónica, bajo la batuta del maestro ruso Guerassim Voronkov. Desde 2005 participa como solista y director musical adjunto del espectáculo Clásicas del Amor. En 2008 asume la dirección del Coro Filarmónico de Bogotá, de la Corporación Artística y Cultural Carmiña Gallo, agrupación profesional fundada por la maestra Carmiña Gallo y por Alberto Upegui, con la cual cumple una importante labor de conciertos interpretando gran variedad de géneros en distintos escenarios del país. Desde 2009 es director del Coro del Teatro Cafam de Bellas Artes de Bogotá.
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Réquiem Giuseppe Verdi (1901 -1813 Italia) I. Réquiem y Kyrie, (Coro y solistas) Dales el descanso eterno, oh Señor; y brille para ellos la luz perpetua. Un himno se eleva a ti, oh Señor, y un tributo se paga a ti en Jerusalem. Escucha mi oración: todo cuerpo terrenal irá a ti. (Cuarteto y coros) Señor ten piedad. Cristo ten piedad. Señor ten piedad. II. Dies Irae (Coros) El día de la ira, aquel tenebroso día, el mundo se disolverá en cenizas, como David y la sibila profetizaron. ¡Cuán grande será el terror, cuando el juez llegue atendiendo todo estrictamente! La trompeta proyectando maravillosos sonidos a través de los sepulcros de la tierra llevará a todos ante el trono.
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(Bajo) La muerte y la naturaleza permanecerán estupefactos, cuando la creación se levante nuevamente para encontrarse con su creador. (Mezzosoprano y coros) El libro se presentará, donde todo está consignado, por el cual el mundo será juzgado. Cuando el juez se pose en su trono, Lo que permanezca oculto será revelado: nada quedará sin indultado El día de la ira, aquel tenebroso día, el mundo se disolverá en cenizas, como David y la sibila profetizaron. (Soprano, mezzosoprano y tenor) ¿Qué puede decir un desgraciado como yo? ¿A quién puedo pedir intercesión, cuando ni siquiera los justos están seguros? (Cuarteto solista y coros) Rey de tremenda majestuosidad, quien da salvación a los redimidos sálvame, fuente de piedad. (Soprano y mezzosoprano) Recuerda, Jesús piadoso, que yo fui la razón de tu vida no me destruyas en ese día.
Buscándome, tu viviste agotado; sufriendo en la cruz, me redimiste: no dejes que estas penas sean en vano. Justo juez del castigo: bríndame el obsequio de la redención antes del día del juicio. (Tenor) Yo gimo como un culpable, y mi rostro se ruboriza con culpa; perdona al suplicante, oh Dios. Tu que absolviste a María Magdalena, y escuchaste las oraciones del ladrón, tu me has dado también esperanza. Mis oraciones no son dignas, pero muestra piedad, oh benevolente, que yo no arda en el fuego eterno. Dame un lugar entre tus ovejas Y sepárame de las cabras, Colócame a tu diestra. (Bajo y coros) Cuando los maldecidos sean silenciados, entregados a la furia de las llamas, llámame entre los bendecidos. Te ruego, hincado y suplicante, con el corazón hecho cenizas; cuídame en mi ocaso.
(Coros) El día de la ira, aquel tenebroso día, el mundo se disolverá en cenizas, como David y la sibila profetizaron. (Cuarteto solista y coros) El día de lágrimas, cuando se levante de las cenizas el hombre culpable para ser juzgado. Entonces, perdónalo, oh Dios. Jesús misericordioso: Concédeles el descanso. Amén. III. Ofertorio (Cuarteto solista) Oh Señor Jesucristo, Rey de la Gloria: Libera las almas de los fieles difuntos de los dolores infernales y del abismo profundo; libéralos de las fauces del león; que no los trague el infierno, que nocaigan en la obscuridad. Que San Miguel, santo heraldo, les muestre la santa luz, la cual prometiste a Abraham y su descendencia. Te ofrecemos, oh Señor, sacrificios y oraciones. Recíbelos en el nombre de las almas que conmemoramos hoy. Concédeles, oh Señor, que pasen de la muerte a la vida que prometiste a Abraham y su descendencia.
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Libera las almas de los fieles difuntos de los dolores infernales; concédeles que pasen de la muerte a la vida. IV. Sanctus (Coro doble) Santo, santo, santo Señor Celestial. El cielo y la tierra se llenan con tu gloria. ¡Hosanna en las alturas! Bendito el que viene en el nombre del Señor. ¡Hosanna en las alturas! V. Agnus Dei (Soprano, mezzosoprano y coros) Cordero de Dios, que quita el pecado del mundo, concédeles el descanso. Cordero de Dios, que quita el pecado del mundo, concédeles el descanso eterno. VI. Lux Aeterna (Mezzosoprano, tenor y bajo) Que brille para ellos la luz perpetua, oh Señor, con todos tus santos por siempre; porque eres misericordioso. Concédeles el descanso eterno, y que brille para ellos la luz perpetua, oh Señor,
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con todos tus santos por siempre; porque eres misericordioso. VII. Libera me (Soprano y coros) Libérame, oh Señor, de la muerte eterna en aquel día tenebroso; cuando los cielos y la tierra se muevan: cuando vengas a juzgar al mundo con fuego. Tiemblo atemorizado de la ira venidera, cuando los cielos y la tierra se muevan. El día de la ira, aquel día de calamidad y miseria; un día tenebroso y amargo. Concédeles el descanso eterno, oh Señor, y brille para ellos la luz perpetua. Libérame, oh Señor, de la muerte eterna en aquel día tenebroso. Libérame, oh Señor, de la muerte eterna en aquel día tenebroso; cuando los cielos y la tierra se muevan: cuando vengas a juzgar al mundo con fuego. Libérame, oh Señor, de la muerte eterna en aquel día tenebroso. Libérame.
concierto binacional Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela y orquesta filarmónica de bogotá
DIRECTOR INVITADO: GUSTAVO DUDAMEL • VENEZUELA
viernes 28 DE JULIO • 8 p.m. teatro mayor julio mario santo domingo
Exposición
50 años tocando para ti Del 27 de julio al 10 de septiembre Lugar: Museo de Bogotá, sede Casa Sámano, Cra. 4 # 10 -18 Horario: martes a viernes de 9:00 a.m. a 6:00 p.m. Sábados, domingos y festivos de 10 a.m. a 5 p.m. Apoyan
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Orquesta Filarmónica de Bogotá Director musical asistente: Leonardo Marulanda
Violines I Luis Martín Niño Rodríguez (Concertino principal) Mauricio González Velásquez (Concertino alterno) Todor Ivanov Harizanov (Concertino alterno) Marilyn Louise Prasil Blanca Viviana Niño Rodríguez Luz Stella Rojas Robayo Martha Romero Sánchez Jorge A. Valencia Casasbuenas Rodrigo Cottier Arce Liliana Parra Puerto Ángela A. Sierra Ramírez Giuseppe Tejeiro Castiblanco Pablo Hurtado Taborda Luisa Elena Barroso Cabeza Violines II Tzanko Vesselinov Dotchev Olga C. Medina Vergara Mari Luz Monsalve Ospina Lenin L. Lozano Oviedo Víctor M. González Calcetero Julio César Guevara Díaz Daniel Luciano Herrera G. Beatriz Arroyo Sanabria Óscar F. Avendaño Ramírez Carlos A. Benavides Salcedo Juliana María Bello Bautista Luis Antonio Rojas Granada Herminson García
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Violas Aníbal Dos Santos Pestana Esperanza Mosquera Escobar Sandra Arango Johanna Gutiérrez Páez Guillermo Isaza Fisco Ricardo Hernández Mayorga Robinson J. Ávila Cardona Ligeia Ospina Linero Julián D. Linares Chaves Luz Helena Salazar Amézquita Olga Lucía Hernández Violonchelos Camilo Benavides Rey Juan G. Monsalve Ospina Victoria E. Delgado Montoya Olga L. Ospina Serrano Andrea Fajardo Moreno Petar Hristov Ivanov Cecilia Palma Román José Marco Giraldo Mesa Ana Isabel Zorro Leyva Juan Pablo Martínez Sierra Contrabajos Alexandr Sanko Julio C. Rojas Cubillos Mónica Suárez Quiceno Juan Miguel Celis Fajardo Jorge S. Cadena Díaz Julián Gil Cuartas Andrés A. Sánchez Angarita Mauricio Daza Castillo
Flautas Cristian M. Guerrero R. Fabio Londoño Ramírez Martha J. Rodas Blanco Luis Pulido Hurtado
Trompetas Georgi Nikolaev Penchev Guillermo Samper Salazar Leonardo Parra Ríos
Oboes Orlín Petrov Amílkar Villanueva Romero Edna Barreto Soler
Trombones Néstor Gueorguiev Slavov Luz A. Mosquera Varón Nelson A. Rubio Herrer Virgilio González Barinas
Oboe/Corno inglés Luz del Pilar Salazar Echeverry
Tuba Fredy Romero Nieto
Clarinetes Guillermo Marín Alcides Jauregui Edwin Rodriguez
Percusión William León Rodríguez Diana Alexandra Melo Reyes Rossitza Serafimova Petrova Víctor Hugo López Aguirre Santiago Esteban Suárez
Clarinete/Clarinete bajo Ricardo Cañón García Fagotes Pedro A. Salcedo Rodríguez Eber J. Barbosa Castro Rossemarie Mosquera Escobar
Arpa Martha Liliana Bonilla Zabala Piano Olga Nikolaevna Trouchina
Fagot/Contrafagot Sandra Duque Cornos Jorge A. Mejía Fernández Jhon Kevin López Gerney Díaz Gómez Miguel Á. Enríquez Burbano Carlos F. Rubio Rodríguez
Jefe de grupo Asistente jefe de grupo
Musicos invitados Violines I Melissa Ordoñez María Camila Florez
JUNTA DIRECTIVA Enrique Peñalosa Londoño
Alcalde Mayor de Bogotá D.C.
Violines II Tatiana Bohórquez Osiris Rodriguez
María Claudia López Sorzano
Violas Carolina Sánchez Estéban Hernández
María Consuelo Araújo Castro
Violonchelos Edwin García Contrabajos Esaú Mendivelso
Secretaria de Cultura, Recreación y Deporte
Secretaria de Integración Social
Darío Montenegro Trujillo Gerente Canal Capital
Bruce Mac Master Presidente ANDI
Leo Katz
Fagotes Faber Cardozo
Empresario
Cornos Jonathan Pérez
Directora General
Trompetas Juan Felipe Lince Trombones Sebastián Carreño
Sandra Meluk
Diseño Gráfico Nadia Campos-Ávila Impresión Subdirección Imprenta Distrital DDDI
Arpa Emmanuel Rivera
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