Revista el paisaje perfecto #2 by Pablo Sánchez Sánchez

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2014. El Paisaje Perfecto Todos los textos e imágenes que se muestran en esta publicación tienen todos los derechos reservados de los autores. Las fotografías han sido cedidas no en exclusiva por sus autores para ilustrar los artículos de www.elpaisajeperfecto.com Cualquier copia, distribución o reproducción de fotografías o texto sin permiso expreso del responsable de esta publicación o de sus autores se entiende que vulnera los derechos de propiedad intelectual. Responsable de esta publicación: Pablo Sánchez Sánchez elpaisajeperfecto@post.com +34 665986850

AVISO IMPORTANTE: Todos los espacios publicitarios que aparecen en la revista han sido cedidos gratuitamente a empresas, instituciones, fundaciones o asociaciones que tienen relación con la fotografía de paisaje y la conservación. La única finalidad de que aparezca publicidad es la de dar a conocer servicios a los lectores, y que voluntariamente, los anunciantes compartan en sus redes sociales esta publicación.

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Foto de portada: Realicé esta fotografía en el hayedo de La Pedrosa a principios de Octubre. Visité este lugar con la intención de recopilar información e imágenes para redactar el artículo que se incluye en esta revista. Desde mediados del verano me daba vueltas a la cabeza la idea sobre qué imagen utilizar como portada de la revista, mi primera idea era utilizar alguna de las que hiciera en un viaje de costa que tenía programado para cuando terminaran los colores del otoño, pero al capturar una primera toma horizontal de este lugar, me gustó tanto el impacto que provocaban los helechos y las ramas retorcidas de las hayas que decidí dejar un hueco abajo con la idea de utilizarla como portada, nada más lejos de la realidad, al final no realicé el viaje a la costa y esta ha sido la imagen que he capturado a lo largo del año que mejor se adaptaba como portada.

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PRÓLOGO .................................................................................. 8 PRESENTACIÓN ......................................................................... 10 CONTENIDOS GENERALES 10 LIBROS QUE TE AYUDARÁN A MEJORAR TUS FOTOGRAFÍAS DE PAISAJE ..................................................................................................... 12 LOS PAISAJES DE ROSA I. VÁZQUEZ ..................................................... 20 LOS PAISAJES DE RAFA IRUSTA .............................................................. 30

TÉCNICA EXPLORAR PARA FOTOGRAFIAR PAISAJE ........................................... 42 4 CLAVES PARA LOGRAR EXPOSICIONES PERFECTAS ...................... 52 ACCESORIOS IMPRESCINDIBLES EN LA MOCHILA DE 4 FOTÓGRAFOS DE PAISAJE ............................................................................................... 67 LENS FLARE: DOMINIO Y ASPECTOS CREATIVOS DE LOS REFLEJOS ÓPTICOS .................................................................................................... 78 FOTOGRAFIAR DUNAS DE ARENA ........................................................ 88

COMPOSICIÓN FIGURA HUMANA EN EL PAISAJE .......................................................... 98 MINIMALISMO Y FOTOGRAFÍA DE PAISAJE ....................................... 114 CAPTURANDO PAISAJES MINIMALISTAS ............................................ 122 LA NIEBLA, MUSA DEL PAISAJE MINIMALISTA .................................... 134

LOCALIZACIONES LOS 10 PAISAJES MÁS FOTOGÉNICOS DE EE.UU. ............................. 140 LOS 10 CAÑONES MÁS FOTOGÉNICOS DE LA PENÍNSULA IBÉRICA . 154 EN BUSCA DEL GRAN URRIELLU: LA VICTORIA DE LA MONTAÑA .. 162 EN PRIMAVERA VAMOS A… SIERRA DE GREDOS ............................ 172 EN OTOÑO VAMOS A… EL HAYEDO DE LA PEDROSA ................... 186

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MOMENTO CAPTURAR EL MOMENTO CON FOTOGRAFÍAS DE PAISAJE ............................................................................................. 198 LAS VENTAJAS DEL AMANECER Y DEL ATARDECER PARA FOTOGRAFIAR PAISAJE ........................................................................ 208 5 CONCEPTOS ÚTILES DE ASTRONOMÍA PARA EL FOTÓGRAFO DE PAISAJE ................................................................................................... 216

CONSERVACIÓN 7 CONSEJOS PARA AYUDAR CON TUS FOTOGRAFÍAS A LA CONSERVACIÓN ................................................................................... 228 INCENDIOS FORESTALES EN EL 2014 ................................................... 236 JORNADAS WOLF & BIO ...................................................................... 246

PROCESADO Y SOFTWARE FLUJO DE TRABAJO AL PROCESAR .................................................... 260 TUTORIAL: RECORTAR UNA IMAGEN PARA DARLE FORMATO PANORÁMICO ....................................................................................... 268 TUTORIAL: AÑADIR Y MEJORAR EFECTO VELO ................................. 272 TUTORIAL: CREAR UNA CAPA DE MAPA PERSONALIZADA EN GOOGLE-EARTH .................................................................................... 278 AGRADECIMIENTOS .............................................................................. 286 PRÓXIMAMENTE EN EL PAISAJE PERFECTO ....................................... 287

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Es un placer que alguien como Pablo Sánchez, fotógrafo brillante y de un enorme potencial por su compromiso y juventud, me pida que prologue una iniciativa como esta, una revista digital que va a ser un referente para muchos en cuanto a pensamientos, divulgación, formación y conservación. La fotografía es, en si misma una herramienta idónea para la conservación, especialmente en aquellos autores de trayectoria purista que hace que sus imágenes tengan toda la credibilidad necesaria para ilustrar los problemas y posibles acciones en pro de la conservación de la naturaleza. Son muchos los autores que tienen ahora mismo un gran nivel en fotografía de naturaleza en nuestro país, lo difícil es encontrar en ellos tanto compromiso a nivel asociativo, aportando a los demás inspiración, conocimientos, compartiendo experiencias y ánimos, así como a nivel de conservación. El fotógrafo que decide dedicar esfuerzos a la conservación de aquello que amamos tiene un perfil doblemente altruista, tanto por dedicar su tiempo a aquello a lo que a nadie nos gusta hacer, fotografiar impactos, buscar soluciones, como por la privación del disfrute de lo que a todos nos gusta hacer, viajes, fauna, disfrutar de esta nuestra pasión. Me gusta prologar esta revista porque supone un ejemplo honesto para nuestros fotógrafos de naturaleza, tanto de AEFONA, la Asociación Española de Fotógrafos de Naturaleza, donde Pablo desempeña labores en la comisión de conservación, como para aquellos jóvenes autores que están empezando y que pueden encontrar aquí un ejemplo a seguir. Desde nuestra asociación tratamos de fomentar la fotografía de conservación mediante diversas iniciativas, este año solicitando subvenciones a proyectos que refuercen la custodia del territorio o la divulgación en centros escolares. Además, nuestro código ético es utilizado como referente por entidades de carácter científico o divulgativo, como SEO y por un gran número

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de certámenes de fotografía de naturaleza, como Montphoto, o empresas del sector, caso de Photologistics. Nuestra colaboración con la Fundación Naturaleza y Hombre ha comenzado recientemente, pero va a ser una gran iniciativa para colaborar en la conservación de hábitats y especies con el desarrollo de nuestra actividad. Sin duda son las actitudes personales las que provocan cambios en nuestra sociedad, en nuestro entorno. Os animo a seguir esta publicación con gran atención, porque es única y necesaria, porque nos dará las claves para que nuestra fotografía cumpla una de las funciones más elevadas que podría alcanzar, que sirva para que un lugar sea protegido, para que una especie sea más apreciada, para que la Naturaleza sea respetada un poco más.

José B. Ruiz Naturalista, fotógrafo y escritor

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Segundo año de aventuras y cada vez me gusta más. Redactar el blog, del que se extraen los artículos para crear esta revista, es un trabajo tedioso al que tengo que dedicarle muchas horas: desde que una idea comienza a darme vueltas en la cabeza, hasta que finalmente publico el artículo puede pasar mucho tiempo, pero ¿para qué todo este trabajo? Desde que comencé con el blog me planteé lo que quería conseguir con él: con la práctica de la fotografía de paisaje he observado lo difícil que resulta encontrar lugares a los que la mano del hombre no les haya eliminado su esencia de paisaje natural. La mayoría de los paisajes de nuestro entorno, y de los países que comparten las mismas características sociales, demográficas e históricas que nuestro país, están gravemente alterados. De ese modo nació en mí la necesidad de encontrar y buscar medios para tratar de que sigan existiendo ese tipo de paisajes: vírgenes, salvajes, a los que nadie llega, en los que perderse. Esta fue la inspiración para crear el blog, con la práctica de la fotografía de paisaje es posible que muchas personas se acabaran empapando de la necesidad de recorrer espacios vírgenes, del mismo modo en que la fotografía despertó en mí ese sentimiento. Es la fotografía la herramienta perfecta, no sólo para documentar desastres ecológicos o transmitir la belleza de un lugar y promover su conservación, también, la práctica de la fotografía de paisaje natural nos lleva a la conservación. Encontrarnos en medio de un bosque, en unos prados de montaña, al pie de un acantilado,… en cualquiera de los lugares que recorro a lo largo del año, en soledad, tratando de buscar la belleza y la esencia del lugar me ha llevado a enamorarme de los espacios naturales vírgenes, a tener la sensación de que estoy en mi hogar cuándo estoy en la naturaleza, por eso la práctica de la fotografía de naturaleza es en sí misma una herramienta de conservación. Esta edición comienza con el prólogo de José B. Ruiz, es todo un honor para mí que un fotógrafo con su relevancia aporte su granito de arena para abrir esta edición. Si avanzamos nos vamos a encontrar con casi una treintena de artículos ordenandos (en la medida de lo posible) por temas: contenidos

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generales, autores, técnica, composición, conservación y procesado/software.

localizaciones,

momento,

Para la edición de la revista se han modificado ligeramente algunos contenidos y se han aportado nuevas imágenes, la idea es tan sólo recopilar todos los artículos en una publicación, al final, al maquetar se acaba dando un aspecto mucho más atractivo y la revista acaba adquiriendo su propia personalidad. Espero que todo lo que hay en esta revista sea de vuestro interés, que disfrutéis de todos los contenidos, y sobre todo espero poder transmitiros mi pasión por recorrer los espacios naturales en compañía de mi cámara.

Pablo Sánchez Sánchez

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Sobre fotografía hay mucho escrito, a diario se publican decenas de artículos en blogs y revistas digitales como esta. Pero, aunque en este tipo de publicaciones online puedas encontrar una fuente de información infinita y gratuita, es en los libros (e incluso ebooks) dónde se concentran los contenidos de manera estructurada y con el más alto nivel de calidad. La lectura de un libro, principalmente en papel, solemos tomárnosla con mucha más calma que un artículo en un blog, la digerimos más concienzudamente, por eso creo que es bueno tener siempre a mano uno de los libros que te recomiendo a continuación ¿cuál escoger? En este artículo se os describen 10 libros, son de los mejores manuales relacionados con fotografía de naturaleza y paisaje. Temáticas variadas: composición, procesado, técnica... que directa o indirectamente te ayudarán a mejorar tus fotografías de paisaje. Algunos de estos libros son obras básicas, para iniciarse, otros son manuales de consulta. Sea como sea, si tienes en mente leer algún libro que tenga relación con la fotografía de paisaje, estoy seguro de que aquí puedes encontrar alguno que te guste.

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1. Consigue paisajes espectaculares de la mano de grandes fotógrafos. Varios Autores. ¿No tienes ningún libro de fotografía? ¿ya tienes tu pequeña biblioteca fotográfica? sea como sea, si te gusta la práctica de la fotografía de paisaje este es un libro que no te puede faltar. Cinco de los mejores fotógrafos de paisaje de nuestro país se encargarán de enseñarte cómo consiguen ellos sus "paisajes espectaculares". Además, es un libro ideal para iniciarse en la fotografía, pues en las primeras páginas explica de manera rápida y sencilla la mecánica fotográfica para que te hagas rápidamente con conceptos clave, como por ejemplo, obturación, diafragma, focal,... y a un precio muy asequible, como indica la portada por 6,90€.

2-3. El fotógrafo en la naturaleza y Composición en fotografía. José B. Ruiz. Son los dos manuales de referencia sobre fotografía de naturaleza, dos libros que no pueden faltar en nuestra estantería. Escritos por el fotógrafo de naturaleza más relevante de nuestro país, podemos alcanzar todos los conocimientos sobre técnica, en el libro "El fotógrafo en la naturaleza" o sobre composición y lenguaje visualen "Composición en fotografía". Son libros para leérselos con detenimiento, para asimilarlos poco a poco ya que son el camino para conseguir fotografías del más alto nivel. Puedes comprarlos directamente en la tienda de la web del autor al precio de 55€ cada uno con el envío incluído.

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4. El ojo del fotógrafo. Michael Freeman. Este libro se ha convertido ya en un clásico de la fotografía. Aborda la composición y nuestro modo de apreciar las imágenes de una manera muy personal, al estilo del autor. Nos muestra los recursos compositivos, cómo aplicarlos, cómo nuestro celebro interpreta los interpreta,... todo lo que el fotógrafo necesita saber para componer imágenes coherentes. El enfoque didáctico y las ilustraciones a modo de ejemplo nos van a permitir interiorizar los conocimientos más efectivamente. En definitiva, es el libro básico para iniciarse en el lenguaje de la fotografía y adquirir unos conocimientos consistentes que van a ayudarte a encontrar tu forma de componer y tu estilo. Disponible en cualquier librería por 24,90€.

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5. Fotografía de Alta Calidad. José María Mellado. Para completar conocimientos, en este caso sobre edición digital, este otro de los que no pueden faltar en nuestra pequeña biblioteca. Hay muchos fotógrafos que han trabajado durante su carrera en analógico y este libro les ha permitido conocer en profundidad cómo funciona la fotografía digital, otros han "nacido" en digital y este libro les ha permitido comprender el proceso de captura digital con el que ya estaban familiarizados. Apto para todos los niveles, el autor nos desvela el funcionamiento y tratamiento de la imagen digital. Tienes disponibles varias versiones (las anteriores difíciles de encontrar), cada una de ellas desarrolla los conceptos en el marco de diferentes versiones de Photoshop, en este volúmen es el CS6. Disponible en librerías por 51€.

6. Fotografía digital en la naturaleza. James Martin. Aunque es una obra publicada hace ya unos años, es muy eficaz para adquirir los conocimientos necesarios para fotografiar en la naturaleza. Lo tiene todo, composición, equipo, técnica, procesado, flujo de trabajo, técnicas avanzadas y enfoque de temáticas. Este libro es un "todo en uno" esencial para construir una base sólida para nuestros conocimientos sobre fotografía de naturaleza. Puedes adquirirlo en cualquier librería, el precio en la web de la editorial es de 17,29€.

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7. Digital Landscape photography. In the footsteps of Ansel Adams and the great masters. Michael Frye. Lamentablemente sólo podemos encontrar este libro en inglés. Pero su relevancia es tal, que si cuentas con los conocimientos suficientes del idioma no puedes perdértelo. Es una de las biblias de la fotografía de paisaje, pues en él, el gran fotógrafo Michael Frye nos muestra cómo las técnicas de los grandes maestros del paisaje como Adams, Porter y Weston son aplicables a nuestros días y nos van a ayudar a conseguir grandes fotografías de paisaje. Puedes conseguirlo en Amazon por 18,06€ más 3€ de gastos de envío.

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8-9. Landscape phtography & Panoramic Photography. Lee Frost. Continuamos en inglés, pero son dos obras maestras de Lee Frost en lo que a bibliografía para la fotografía de paisaje se refiere. El primero de ellos "Landscape photogaphy" no llega a ser una obra de referencia pero tan poco se queda en un manual de introducción; lo que le caracteriza es que aborda toda la temática en cuanto a conocimientos sobre fotografía de paisaje se refiere, en la primera mitad del libro desarrolla la técnica, mientras que en la segunda nos muestra las particularidades de cada tipo de fotografía de paisaje: desiertos, marinas, paisaje clásico, cañones y valles,... este libro es toda una experiencia para quienes disfruten de la práctica de la fotografía de paisaje. También del mismo autor, gran libro que nos puede ayudar en este caso las panorámicas, desvela todas las técnicas y fotografías panorámicas.

y también sólo disponible en inglés, un a mejorar nuestras fotografías de paisaje, pues en esta publicación el autor nos recursos para conseguir las mejores

Aunque el autor cuenta con varias publicaciones en nuestro idioma ninguna de estas dos obras se han publicado en castellano, para adquirirlos tendremos que recurrir al mercado de segunda mano, precio variable dependiendo del estado del ejemplar.

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10 .The professional photographer's guide to shooting & selling nature & wildlife photos. Jim Zuckerman. En lugar de este libro, puede que haya muchos otros que tuvieran lugar en este artículo, pero sin duda alguna, este manual de Jim Zuckermann es uno de los grandes clásicos de la bibliografía de fotografía de naturaleza. Es un libro antiguo y desactualizado del que podemos aprovechar apenas la mitad de los conocimientos que se nos ofrecen, pero para los que profesan el culto al libro como objeto de valor y para los que quieren entender el mercado fotográfico antes de la expansión del digital, la versión en papel de esta obra maestra no puede faltar en sus estanterías. Libro únicamente disponible en mercado de segunda mano, precio variable dependiendo del estado del ejemplar.

Nota sobre este artículo: a pesar de que se haga referencia a métodos de compra online en esta publicación, en elpaisajeperfecto.com recomendamos la compra de libros en librerías físicas de nuestro entorno, de no ser posible conseguirlos de este modo aconsejamos la compra en la propia web del autor.

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Fotógrafa especializada en paisaje, su labor actual se centra en la creación de proyectos fotográficos de ámbito artístico y la formación. Sus fotografías han sido galardonadas en algunos de los más prestigiosos certámenes en todo el mundo, decenas de exposiciones tanto individuales como colectivas, publicaciones y obra editorial,... pero ¿cuál es el secreto de Rosa I. Vázquez para triunfar en el mundo de la fotografía de paisaje? En este artículo conoceremos su evolución, cuáles fueron sus comienzos, sus proyectos, su forma de trabajar y mucho más. En El Paisaje Perfecto nos hemos entrevistado con Rosa para poder ofrecer un contenido que refleje no sólo lo que el público conoce sobre ella, sino también su propio punto de vista y su visión sobre su labor fotográfica.

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Antes de que la fotografía llegara a su vida es importante conocer el hecho que lo motivó: comenzó a realizar senderismo autónomo de largo recorrido, una práctica en la que se camina durante varios días por parajes naturales, apartados de la civilización, llevando tú mismo lo necesario para sobrevivir. Esto le permitió alcanzar lugares bastante inaccesibles, a los que sólo se puede llegar después de varias jornadas de viaje a pie. La belleza de estos parajes despertaron en ella la

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necesidad de fotografiarlos para llevarse consigo un recuerdo que perdurara en el tiempo. De este modo se despertó en ella la necesidad de mejorar sus imágenes, por eso decidió matricularse en una escuela de fotografía y al final se enamoró de ella de tal manera que cambió la mochila de senderismo por la del equipo fotográfico. Con el tiempo, esta pasión fue creciendo y terminó por dedicarse a la fotografía por completo.

Sea Planet. Rojo Sache 2010.

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Fruto de su actividad en la naturaleza, en un primer momento, concibió el paisaje y la fotografía como el simple hecho de documentar un lugar natural y hermoso. Sus expectativas no se extendían mucho más allá de reproducir en fotografías lo que veían sus ojos.

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en la bella irrealidad que conseguía conferirle a sus fotografías. Con el tiempo se produjo un giro en su modo de entender el paisaje, buscando su sutileza, la emoción latente que escondía y convertía a la luz en la verdadera protagonista de sus imágenes. De este modo

The Trip, Rosa I. Vázquez 2010.

Su evolución comienza en lo que podríamos definir como una segunda etapa, en ese momento Rosa buscaba su propia versión del paisaje natural. Fuera como fuera, poniendo en práctica sus conocimientos, siempre lo hacía aparecer hermoso y se recreaba

comienza a sumergirse en el espacio anónimo, dejando a un lado el carácter natural. A medida que este modo de entender el paisaje madura en ella, sus paisajes se van volviendo más abstractos y sus fragmentos

comenzaron a universo particular.

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construir

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construir historias con personalidad concreta.

una

En este momento forma pareja artística con su compañero Jose Antonio Fernández, nace así el colectivo Rojo Sache. Ahora el espacio les interesaba desde un punto de vista más conceptual y evolucionaron hacia su versión más simple y geométrica, llevando la síntesis al extremo. Actualmente, se encuentran trabajando en un proyecto aún no han publicado en el que el paisaje les permite

Aunque su concepción y uso del paisaje se haya ido transformado en estos años, casi todas estas etapas comparten la necesidad de recoger espacios existentes en instantes precisos y verdaderos y, a la vez, el reinterpretarlos bajo una mirada que va cambiando a lo largo del tiempo, siempre moviéndose en las aguas de lo emocional.

No cuentan con un momento concreto para fotografiar. Nos referimos a Rosa en tercera persona del plural pues trabaja en equipo junto a su compañero, Jose Antonio Fernández, como ya hemos mencionado, formando la pareja artística Rojo Sache.

evidentemente fundamental. Cuando salen a tomar la foto que necesitan, tienen perfectamente definido hasta el último detalle de la toma. Antes había más improvisación en su trabajo e iban predispuestos a dejarse inspirar por el lugar que visitaban. Ahora, sólo salen en busca de una imagen muy concreta. Dejan a la improvisación el pequeño espacio que queda entre sus expectativas y lo que las características inherentes le pueda ofrecer el lugar en el que fotografían.

Enfocan su trabajo hacia los proyectos y dedican mucho tiempo a recopilar información, centrar ideas y definir muy bien aquello que van a abordar. Para ellos, la toma fotográfica sólo es una pequeña parte de todo el proceso, pero

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Ahora mismo, se encuentra centrada en la creación de un nuevo centro formativo, La Máquina, del que hablamos más adelante. En relación a su labor docente, durante este año continuará impartiendo sus cursos intensivos de Lenguaje fotográfico y El paisaje como proyecto personal. Para el próximo año cuenta con dos retos, por un lado, será una de las dos coordinadoras del curso anual "Desarrollo del proyecto fotográfico", una de las propuestas estrellas de La Máquina. Por otro lado, impartirá clase en el Máster Universitario en Fotografía, Técnica y Expresión de la Universidad Católica de San Antonio de Murcia (UCAM). También participaré como docente en el curso anual Profesional de La Máquina, que dispone de un programa generalista muy completo e interesante.

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compartir resultados, por lo que prefiere reservar esta información para dentro de algunos meses, que incluso podrían convertirse en años, tal como nos indica: "Si algo he aprendido en todo este tiempo es que las prisas son las peores consejeras. Cada iniciativa necesita hacer su recorrido; cada proyecto precisa de un tiempo de gestación, maduración y no finaliza hasta que haya culminado de manera natural. Anunciarlo antes de que esté finalizado puede, incluso, condicionar su desarrollo."

Respecto a proyectos y libros, Rosa nos indica que prefiere

En cuanto a exposiciones, este año Rojo Sache ha sido invitado a exponer en el evento internacional “Padova Photographia”, en Padua (Italia), lo cual ha sido una gran experiencia para ellos, además, esperan participar en varias exhibiciones colectivas durante el 2014.

Ahora mismo, Rosa se encuentra centrada en la creación de un nuevo centro formativo, La Máquina, Escuela de Especialización Fotográfica, junto a Jose A. Fernández. Después de 8 años de trabajo docente en Aula Imagenat, decidió que debía dar un gran paso hacia adelante y salvar las

limitaciones que este proyecto tenía, conservando todo lo positivo que había atesorado durante este tiempo. La Máquina ha sido una gran apuesta por su parte pero tienen la firme creencia de que es necesario el desarrollo de una escuela enfocada al aprendizaje del alumno, con planes

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de estudios coherentes en los que los cursos de larga duración estén basados en unidades didácticas, coordinados por un responsable de área que garantiza la cohesión de los contenidos. El cambio respecto a Aula Imagenat es muy importante, principalmente por la oferta formativa, mucho más extensa en formatos y contenidos, pero también por el profesorado (más de 20 profesionales y artistas de primera

Para los que seguimos el trabajo de Rosa I. Vázquez advertimos de una manera muy marcada un cambio muy significativo en su obra a partir del año 2010. Estos cambios se hacen patente en lo que a las características formales se refiere, y por lo tanto, las emociones que despiertan en el espectador, ineludiblemente, cambian de forma (casi) drástica. Como ya hemos visto en su evolución y modo de entender el paisaje, en estas últimas etapas de su creación fotográfica, Rosa evoluciona desde una búsqueda de emoción latente y sutileza en los paisajes que fotografía, hasta que este paisaje comienza a derivar en abstracción para crear el universo particular que po-

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línea) y por las instalaciones (más de 350m2 dedicados a la formación). Conservan el fantástico plató profesional de 120 m2 para los cursos de iluminación, pero ahora cuentan con un nuevo espacio en el barrio de Prosperidad. El 29 de mayo inauguran la nueva escuela que dispone de zona de recepción, zona de trabajo, varias aulas, sala de tutorías, biblioteca, zona WIFI y administración y dirección.

demos encontrar en las últimas producciones de Rojo Sache. La liberación de las ataduras que le confieren a la fotografía la formalidad de la composición y de la perfección técnica, provoca en las imágenes de Rosa su encuentro con unas emociones mucho más profundas y verdaderas para/con el espectador. Deja a un lado el color, las reglas clásicas de la composición, la definición extrema,... todas estas características comunes de la abrumadora cantidad de fotografías que a diario ven la luz a través de internet, y así, crear algo único, novedoso y relevante dentro del panorama internacional de la fotografía de paisaje.

Soft. Rosa I. Vázquez. 2010

Crรกter. Rosa I. Vรกzquez. 2010

Soft. Rosa I. Vรกzquez. 2010

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One in the middle. Rojo Sache. 2011

Smigta. Rosa I. Vรกzquez. 2011

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Rosa I. Vรกzquez. Plants in motion. 2011.

Texla. Rojo Sache. 2012

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Ha sido y continúa siendo fuente de inspiración para muchos fotógrafos, los paisajes de sus primeras etapas han sido valorados, no sólo por el gran público, sino también por los más rigurosos jueces de certámenes internacionales, como ya hemos mencionado: en su haber cuenta con más de 80 premios. Personalmente creo que podría haber seguido produciendo el mismo tipo de fotografías, y haber seguido creando el mismo tipo de imágenes que pueden ser definidas como "comerciales"; pero lo que muchos no podemos llegar a comprender es el hecho de que al alcanzar la perfección técnica, el éxito, el llegar a lo más alto,... nos lleve a querer ir un paso más allá, a renacer como fotógrafo y artista. Tal vez sea su gran talento el que ha conseguido guiar su producción fotográfica por la vía que satisfaga sus inquietudes artísticas, lo que si es cierto es que Rosa se encuentra en un camino al que sólo los más grandes de cada disciplina consiguen llegar.

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Rosa I. Vázquez en concreto, Rojo Sache en general, viven un momento de cambio, de búsqueda, y, lo que es más importante, de producción. Tal como nos indican: "este año y el próximo van a ser para nosotros, sin duda, tiempo de crear, no de mostrar." Esperamos impacientes la llegada de sus nuevos trabajos, desde El Paisaje Perfecto, les enviamos nuestro más sincero agradecimiento por su colaboración y deseamos que continúen haciéndonos sentir la fotografía de paisaje con la misma pasión y entusiasmo con el que ellos la entienden.

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Fotógrafo profesional que destaca por su especial dedicación al paisaje. Desarrolla su actividad trabajando para varias agencias internacionales, sus imágenes han sido licenciadas y publicadas por todo el mundo. Miembro del importante colectivo Coloratti X-rite, del que también forman parte prestigiosos fotógrafos reconocidos internacionalmente como Art Wolfe, Joshua Holko o Jonh Paul Caponigro. Además, recientemente, se ha convertido en miembro colaborador el CPS (Canon Profesional Service) de Canon España. sobre él, su trayectoria, su Seguro que muchos os modo de trabajar y sobre preguntaréis cuál es el todo, sus fotografías, que camino para llegar tan con toda seguridad serán lejos como fotógrafo de una inspiración para ti. paisaje, tal vez, conociendo la evolución y el modo de entender el paisaje de un gran fotógrafo como Rafa Irusta puedas hacerte una idea. En El Paisaje Perfecto nos hemos entrevistado a fondo con Rafa para conocer un poco más

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Rafa nació en Trucíos, un pequeño pueblo de Bizkaia, tal vez parezca que vamos a contar todos los detalles de su vida, pero el hecho de crecer en un pueblo inmerso entre las montañas, bosques y valles ha sembrado en él una evidente predisposición a dedicar su labor fotográfica al paisaje natural. Aunque su interés por la fotografía llegó más tarde, casi por casualidad, en el año 2001. Entonces las cámaras digitales comenzaban a invadir el mercado y trataban de hacerle sombra a las grandes réflex analógicas; su interés por la tecnología le llevó a comprar su primera compacta, el

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poder visualizar las imágenes en pantalla, asociado a la facilidad de uso de una cámara digital compacta le llevó profundizar en la práctica de la fotografía. A partir de ahí, el aspecto tecnológico pasó a un segundo plano y cada día aumentaba más su interés por la parte artística de la fotografía. Poco a poco, lo que empezó siendo un hobby que ocupaba su tiempo libre, pasó a ser también su profesión y su pasión. Rafa nos cuenta que en aquellos años, hubo dos fotógrafos que marcaron sus inicios en el mundo de la fotografía: Michael Reichmann (http://www.luminous-

Valle de Angulo, Burgos

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landscape.com) y Steve Kossack (http://www.stevekossack.com). Michael Reichmann publicaba unos DVDs (Luminous Landscape Video Journal) donde describía sus viajes por diferentes localizaciones, explicando técnicas y comentando algunas de sus fotos junto a Steve Kossack y otros fotógrafos. Con estos vídeos aprendió a valorar los detalles que antes pasaban

desapercibidos, a encontrar una fotografía dónde antes había un paisaje, y le sirvieron de guía para perfeccionar su técnica y desarrollar su propia visión del paisaje. Actualmente sigue el trabajo de muchos fotógrafos de Naturaleza como Art Wolfe, Charles Glatzer, David Noton, Florian Schulz y Marc Adamus, por citar algunos, pero su lista es mucho más amplia.

No suele preparar demasiado las sesiones, prefiere llegar a las localizaciones con la cabeza fría y sin ideas preconcebidas, es el sacrificio que está dispuesto a hacer para dejarse llevar por las sensaciones del momento e intentar transmitir una visión sincera e interiorizada del paisaje.

al atardecer observar.

Para fotografiar paisajes muestra una clara preferencia por las primeras y últimas horas del día, intentando buscar las mejores condiciones lumínicas que el entorno pueda proporcionarle. Reconoce decantarse por los amaneceres, ya que, según nos cuenta, la atmósfera está más limpia y puede fotografiar situaciones que

serían

difíciles

Pero cree que no siempre puede esperar encontrar la situación que más le satisfaga sólo al amanecer o al atardecer. Nos dice que hay ocasiones en las que la luz nos puede sorprender: después de una tormenta, cuando algunos rayos de sol se cuelan entre los nubarrones que aún cubren el cielo, cuando aparece un arco iris... no desaprovecha ninguna ocasión, aunque tenga sus preferencias reconoce que las oportunidades fotográficas pueden llegar en cualquier momento. Rafa destaca por haber aportado su visión de algunos de los lugares más

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emblemáticos para la fotografía de paisaje, demuestra una clara predisposición por los paisajes norteamericanos, aunque nos cuenta que actualmente la idea de fotografiar en localizaciones tan especiales como la Antártida está cobrando fuerza. En relación a las

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En esa lista de preferencias estaba otra de las localizaciones míticas para él. Uno de esos lugares emblemáticos que siempre le había fascinado, desde mucho antes que se sintiera atraído por la fotografía, prácticamente desde que era un

Rafa fotografiando en Goblin valley state park, EE.UU.

localizaciones nos cuenta que hay algunas que se le quedaron grabadas desde la primera vez que las vio en libros, revistas o por televisión y que ejercen un magnetismo especial sobre él. Es consciente de la dificultad que entraña fotografiar en algunos de estos lugares, la distancia es un hándicap, pero Rafa tiene una amplia lista de favoritas que espera ir visitando.

niño. Recientemente tuvo la oportunidad de visitarlo y me resulta muy difícil explicar las sensaciones que experimentó ante semejante lugar. Visitar el Gran Cañón del Colorado ha sido para Rafa un sueño hecho realidad, y nos cuenta que podría encadenar una serie de adjetivos como impresionante, majestuoso, espectacular, etc., pero todos se quedarían cortos y cree que ninguna imagen es capaz de

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transmitir lo que se siente al estar frente a un lugar como este. Es difícil describir las sensaciones que te invaden ante lugares como el Gran Cañón, pero creo que es más difícil encontrarte al autor que fue una inspiración para ti en tus comienzos, fotografiando un paisaje a miles de kilómetros de tu casa. Rafa tuvo la oportunidad de conocer personalmente a Steve

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Kossack mientras fotografiaban el otoño en Grand Teton, Wyoming; por si eso no fuera poco, volvió a coincidir de nuevo en Yosemite, California. Siendo EE.UU. un país tan grande y con tantas localizaciones interesantes para fotografiar, es una gran casualidad que se hayan encontrado en sus dos viajes a este país. Para Rafa fue muy gratificante poder saludarle y charlar con él, recordando aquellos viejos DVDs.

Mather Point, Grand Canyon National Park, Arizona, EE.UU.

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El paisaje de Rafa Irusta destaca por ser una escena creada a partir de la interiorización, intenta transmitir al espectador lo que ve y lo que siente frente a una escena, aunque afirma que este hecho puede llegar a convertirse en un reto. Sin embargo, al observar la mayoría de sus imágenes, se aprecia evidentemente un fondo que va más allá del puro compositivismo, una imagen trabajada que es el reflejo de su visión y de su dedicación.

En su modo de trabajar nos cuenta que prefiere no planificar demasiado las sesiones, sin duda alguna, darle mayor importancia a la intuición que a la premeditación es el mejor modo de dejar fluir las propias emociones a través de una imagen. En la escena no encontramos elementos que distraigan ni recursos compositivos que atrapen el ojo como un imán, sus imágenes son limpias; escenas que muestran un perfecto

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equilibrio entre momento y lugar para trasladar al espectador al paisaje. Y es que pocos autores lo consiguen con la efectividad con la que lo hace él: aunque no hayamos viajado a los lugares que ha fotografiado Rafa Irusta, con sus imágenes tendremos la sensación de haber estado allí. La predisposición a mostrar la idea, su propia percepción del paisaje, nos podría llevar a etiquetar su obra de conceptualista, la impronta de sus emociones tiene un papel muy importante en la creación de sus escenas. La fotografía de Rafa Irusta camina por el borde que separa la idea de la representación formal. Su preocupación por la calidad visual de la imagen se puede apreciar en todas y cada una de sus fotografías. Una búsqueda de un paisaje que con-siga emocionar y una representación cuidada hasta el extremo son las características principales de la obra de Rafa Irusta. Observar sus paisajes es trasladarlos a un encuentro con espectáculos naturales que consiguen arrancarnos una emoción, estas imágenes son el resultado de su incansable búsqueda, el mismo lo define a la perfección en una sola frase: "Siempre lo mismo, buscar y buscar. Y cuando creo que tengo esa foto soñada… de nuevo a seguir buscando".

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Herbert Lake, Icefields parkway, Banff national park, Alberta, Canada.

Two Jack Lake, Banff national park, Alberta, Canada.

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Faro de Mouro, Santander.

Patricia lake & Pyramid mountain, Jasper National park, Alberta, Canada.

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Inmerso en la preparación de su próximo viaje, mientras tanto, fotografía esos rincones cercanos, unos más conocidos y otros no tanto y que suelen pasar desapercibidos precisamente por el hecho de tenerlos cerca. A nivel profesional, el año 2015 se presenta apasionante ya que comienza su nueva etapa como colaborador del CPS (Canon Professional Services) de Canon España realizando diferentes actividades. Para Rafa supone un reto personal y profesional del que estamos seguros que estará a la altura.

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Respecto a su labor formativa, continúa impartiendo FotoTalleres individuales, totalmente personalizados y planificados a la medida del alumno. También ofrece clases online de Lightroom para poder desarrollar de manera eficiente un flujo de trabajo que se ajuste a las necesidades personales de cada uno y como novedad, ha ampliado la oferta de FotoTalleres a grupos reducidos, de manera que pueda seguir manteniendo la esencia de ofrecer una atención personalizada.

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Rafa Irusta es la representación del concepto tradicional de fotógrafo de paisaje en nuestro país. Un profesional de la imagen que a través de su trabajo se ha ganado la popularidad y ha creado para muchos una línea de trabajo en la que basar sus propios proyectos. Sus fotografías son un modelo a seguir, cuidadas y trabajadas hasta plasmar un paisaje que puede servir de inspiración a los que practicamos la fotografía de paisaje. Que una obra

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fotográfica adquiera el nivel de la de Rafa supone esfuerzo, sacrificio, profesionalidad y una gran dosis de vocación. Aunque hayáis visto en este artículo o en sus galerías sus imágenes, os recomiendo una observación meditada, tranquila y en la que te dejes calar por la escena, ese es el modo en el que se puede captar la verdadera esencia y la maestría de los paisajes de Rafa Irusta.

Grand Teton National Park, Wyoming, USA

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Al plantearme el significado de explorar, lo primero que me viene a la mente son los grandes exploradores del siglo pasado, veo escenas de arriesgadas expediciones que atraviesan llanuras blancas de la Antártida o que encuentran todo tipo obstáculos al introducirse en lo más profundo de la selva. Tal vez sea eso lo que visualicemos al pensar qué es explorar, pero literalmente es algo mucho más sencillo: es recorrer minuciosamente un lugar, una persona o una cosa con la finalidad de descubrir algo. Explorando las formaciones graníticas de La Pedriza al amanecer. Fotografía de Miguel Ángel Ruiz.

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Desde el punto de vista de la fotografía de paisaje esta definición tiene mucho que ver con algo que todos hacemos cuando salimos a fotografiar, por eso, este artículo está destinado a desarrollar este concepto. Explorar para la fotografía de paisaje podría definirse como la búsqueda activa de elementos, texturas, fuerzas de expresión y fondos que completen el encuadre; recorrer una localización para que nuestra ubicación nos permita hacer que los elementos de la escena encajen teniendo en cuenta tanto el mensaje como la composición. Esta definición parece un poco rebuscada (o técnica), pero, para que nos entendamos, vamos a poner un ejemplo muy sencillo: vas paseando por el monte tranquilamente, a lo lejos aparecen unos riscos que te llaman la atención, te acercas hasta el lugar para fotografiarlo, al llegar allí

buscas elementos para el primer plano o la ubicación en la que consideras que los riscos muestran mejor su majestuosidad. Esto es explorar, cuando llegas al valle que hay frente a los riscos y tratas de encontrar el lugar exacto en el que colocas el trípode para que todo encaje en la escena.

El término localizar es algo muy frecuente en fotografía, y sobre todo cuando hablamos de fotografía de paisaje. Seguro que la mayoría lo tenéis presente porque consciente o inconscientemente habéis tratado de encontrar un lugar que os ha llamado la atención,

lo habéis visto en alguna fotografía o publicación, o simplemente habéis estado buscando un paisaje con las características que se adaptaran a vuestras necesidades. Sea como sea, localizar no es lo mismo que explorar.

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Aunque hayáis pensado que la búsqueda de elementos para una fotografía de paisaje sea localizar, creo que el hecho de que a esto lo distingamos como explorar supone un avance. En este sentido diríamos que la diferencia entre localizar y explorar consiste en que localizar es buscar una zona en la que fotografiar, un lugar con unas características concretas, posibilidades y la gestión de estos lugares (almacenamiento y cómo llegar); mientras que explorar es la búsqueda de encuadres en esas localizaciones. Sobre localizar hablaremos más extensamente dentro de un tiempo, pero mientras tanto hay que matizar

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que este trabajo, el de localización, conlleva un estudio minucioso del terrero e implica el apoyo de la geografía, astronomía, botánica, climatología,... para evitar sorpresas cuando llegamos a un determinado lugar; por el contrario, la tarea de explorar es algo mucho más intuitivo y personal: en un grupo de fotógrafos de paisaje que recorren una localización, habrá algunos que se paren en un determinado lugar mientras que el resto pasa de largo, hay algo que llama la atención de ese fotógrafo(s) que se ha parado y no al resto, y eso sólo ha sido porque su subconsciente ha recibido un estímulo que le ha llevado a creer ahí puede encontrar un buen encuadre.

Mientras recorres una localizacón puedes encontrar algo que te llame la atención. Juan José Sánchez.

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En fotografía de paisaje es posible que haya más fotógrafos que disparan con la mente que con el corazón, por eso muchos siguen un protocolo muy específico durante la sesiones. Ese protocolo, con el tiempo se interioriza, y durante la sesión se desarrolla de una manera autómata. Pero si tu experiencia aún no te ha permitido hacer tuyo un protocolo, es muy recomendable que tengas presente la exploración de una localzación durante tus sesiones de paisaje. Pero puede que cuando menos te lo esperas es el encuadre quién te encuentra a ti. Ya hemos mencionado, en un grupo de fotógrafos hay algunos que se detienen en un determinado lugar mientras que el resto pasan de largo. Por eso hay que diferenciar entre la exploración consciente y la emocional. La exploración consciente supone introducir esta labor en nuestro proceso de captura con la finalidad de mejorar nuestros resultados, en el sentido de tratar de controlar uno de los tantos aspectos aleatorios que hay en la fotografía de paisaje (clima, estaciones, geología,...). Por el contrario la exploración emocional supone que mientras recorremos un lugar, estando simplemente de paso, un estímulo despierta en nuestro interior la visión fotográfica y nos empuja a creer que ahí hay una buena fotografía de paisaje.

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Aunque parezca que en este artículo nos estamos alejando de la práctica fotográfica, tengo que hacer referencia un artículo publicado el 7 de Marzo de 2014 en El Huffinton post digital. En este artículo hacen referencia a las 18 cosas que las personas altamente creativas no hacen igual que el resto. La segunda de estas 18 cosas es que estas personas altamente creativas "Lo observan todo". Hablaremos de esto más detenidamente en otro artículo, pero hay mucha gente que fotografía y que lleva continuamente activado el "ojo fotográfico" suelen ser las personas más creativas, tal y como indica este artículo. Desde el punto de vista de la exploración involuntaria influye mucho el tiempo que llevamos activado este "radar fotográfico", la exploración involuntaria se alimenta de que nuestro subconsciente esté predispuesto a descubrir las posibilidades fotográficas del lugar en que nos encontramos.

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Este fotógrafo explora conscientemente el bosque en busca de un en un encuadre. Fotografía de Iván Cajigas.

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Cuando hablamos de una labor mucho más controlable, como puede ser el localizar, es mucho más fácil elaborar una lista de consejos útiles. Sin embargo, ya hemos mencionado que explorar es algo que, aunque lo hagamos voluntariamente, es nuestro interior, nuestras capacidades como fotógrafos las que van a determinar nuestro grado de éxito en este sentido. A pesar de ello, estos pueden ser unos consejos que pueden ayudarte a mejorar tus capacidades exploratorias: - Llegar con mucho tiempo: la exploración de una localización requiere un estudio, buscar los diferentes encuadres y el modo de abordar fotográficamente un enclave requiere un conocimiento del terreno. Disponer del tiempo suficiente para recorrer y buscar encuadres es básico a la hora de explorar. - Tomas de prueba: mientras exploras guarda el trípode, y no le des tanta importancia a la técnica como a la composición, por eso busca el encuadre y realiza a mano alzada una captura de prueba sin tener en cuenta ni la luz ni la definición. Has llegado con tiempo por lo tanto puedes repasar los diferentes encuadres en la tarjeta para elegir el más adecuado en el instante decisivo.

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- Abre la mirilla: mientras recorres un lugar lleva la cámara de la mano, y desactiva la opción live view de la pantalla para visualizar la escena por la mirilla. Con la cámara apagada puedes ir haciéndote una idea de lo que será la imagen si cuando te llama algo la atención lo observas a través de la cámara. - Revisitar lugares: aunque a la hora de explorar no premien tanto aspectos como la luz o el momento sobre la composición o el lenguaje visual, explorar una localización en diferentes épocas del año o hacerlo varias veces implica que nuestros conocimientos del lugar maduran y por lo tanto los resultados van a estar mucho más depurados. - Explorar con un fotógrafo local: tal vez esta sea la regla de oro de la exploración para obtener buenos resultados. El hecho de hacerlo con una persona que ya conoce el lugar te ayuda a ir a los encuadres que funcionan, y a partir de ahí tú decides, ¿quieres lo que funciona o prefieres innovar? También, en este sentido, la persona que nos ayude a explorar no tiene porqué ser fotógrafo, hablando con las personas de la zona que conocen muy bien el terreno y todos los detalles te pueden indicar en qué lugar de la costa se forman hoyas de mareas o qué parte de la garganta el agua baja más

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"encabritada". - Visualizar otros porfolios: la observación de otras fotografías nos alimenta, pero no sólo para entrenarnos a explorar, sino también para cualquier otro aspecto de la

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fotografía. Especialmente cuando se trata de procesos creativos, consumir fotografías es alimentar nuestras capacidades como fotógrafos.

Los paisajes de montaña cambian drásticamente de una estación a otra, revisitarlos nos aporta nuevos e interesantes puntos de vista.

A la hora de explorar en la mayoría de las ocasiones lo que hacemos es buscar un buen primer término, completar un centro de atención o hacer que los elementos de la escena encajen. Desde un punto de vista muy realista podemos decir que manejamos visualmente una serie de elementos para hacer que cobren sentido, seleccionamos los más adecuados y decidimos que

esa es nuestra fotografía. Para comprender esto de un modo mucho más visual pongamos un ejemplo. Imaginemos un teatro, pero debe tener telón de fondo, el patio de butacas está lleno de personas, los palcos,... todo, no queda ni un asiento libre. Sobre el escenario, una decena de actores, cada uno con sus

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características personales: altos, bajos, guapos, de diferentes razas, feos, sonrientes, tristes,... todos diferentes entre sí. Y entre el escenario y el patio de butacas te encuentras tú, como director de la escena. Pero ¿qué tiene que ver todo esto con explorar? vamos allá, Imaginemos que el telón de fondo es un valle, un paisaje de costa, una montaña, o sea, el fondo de nuestro paisaje, los actores sobre el escenario son los elementos que nos vamos encontrando: una roca,

Juan José Arasa

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un árbol, una rama, una textura,... tú no como director de la obra debes seleccionar a uno de esos actores, el será quién en ese escenario, y ante un teatro abarrotado, interprete tu escena. Has seleccionado un elemento de una localización para que las personas que observan tu fotografía (el público) les llegue el mensaje que has querido transmitir en el momento de la captura. Buscar la persona adecuada entre las que se encuentran en el escenario es explorar.

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Como todos los procesos creativos, la fotografía de paisaje requiere de la expresión artística del sujeto para que pueda existir. Por eso, podemos tomar como referencia los consejos y contenidos de este artículo, pero en última instancia va a ser la inspiración o la creatividad las que decidan el lugar en el que te detienes cuando exploras una localización. Lo que quiero decir es que van a ser tus sentimientos y tu subconsciente quienes te ayuden a encontrar un encuadre.

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Por eso este artículo te orienta para que visualices muchas fotografías y entrenes tu "ojo fotográfico", puedes tomarte la molestia de madrugar, puedes ir durante veinte semanas seguidas a una misma localización,... pero si tu instinto fotográfico no es una fiera hambrienta de la belleza que esconden los paisajes que fotografías, no encontrarás buenas imágenes. Explora y deja que el paisaje te muestre su mejor cara, su lado más amable y crea con él la imagen perfecta que has ido a buscar.

Miguel Ángel Ruiz

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¿Cuántas veces has leído que la luz es la materia prima de la fotografía? si esta es la primera vez que lo lees, enhorabuena, en este artículo vas a descubrir unas bases sólidas sobre las que construir imágenes de la más alta calidad. No importa el equipo, no importa la composición, ni la localización,... en este artículo vamos a hablar sobre cómo el fotógrafo toma conciencia sobre la luz que lo envuelve y la modela para crear con ella fotografías.

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La luz es la responsable de nuestras fotografías, es captada por el sensor de nuestra cámara, sin luz no hay fotografía, es obvio ¿verdad? Pero antes de que llegue hasta las profundidades de nuestra máquina ha tenido que atravesar el objetivo, tal vez algún filtro, se ha estrechado al atravesar el diafragma y se ha topado con el obturador, que tan sólo le ha permitido pasar al sensor durante una fracción de segundo: esta es la aventura de la luz en el interior de nuestra cámara. Hacer una fotografía sin tener en cuenta los factores que influyen en la exposición, como pueden ser la medición, el obturador, diafragma, gama dinámica,... implica condenar a nuestra imagen a un severo procesado para obtener unos resultados aceptables. Pero estos resultados no van a ser los óptimos, la manipulación de la imagen, o lo que es lo mismo, corregir los errores que hemos podido cometer durante la captura con un exceso de procesado, implica una degradación en la calidad de la imagen. Una pérdida que queda patente al comparar nuestra imagen con una que se haya expuesto correctamente en el momento de la captura.

Exponer, por lo tanto, es ajustar los valores de diafragma, obturador e ISO para que penetre una determinada cantidad de luz al sensor, esta luz llega a los fotocaptores o fotositos y es procesada por la cámara para crear la imagen. Sobre exposición está todo escrito en decenas de

webs y blogs, tan sólo vamos a dar una pincelada sobre los conceptos básicos de la exposición. Si controlas muy bien los ajustes de la cámara este punto puede resultar muy obvio, en cualquier caso siempre es interesante repasarlos, seguro que refrescas algo:

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Diafragma: es una compuerta de forma circular ubicada en el objetivo, determina la cantidad de luz que atraviesa el objetivo. Cuando nos referimos a él, en términos de ajuste, lo denominamos abertura. La abertura del diafragma puede variar desde que está muy cerrado, creándose en el centro un agujero de apenas un milímetro (f/22) hasta el diámetro total del objetivo (f/4). Obturador: es una cortinilla ubicada inmediatamente delante del sensor, que "destapa" el sensor durante el tiempo que hayamos ajustado. Se representa en fracciones de segundo, que es el tiempo de exposición, por ejemplo: 1/1000 (una milésima parte de un segundo) o 1/4 (un cuarto de segundo). ISO: hace referencia a la sensibilidad a la luz de los fotositos ubicados en el sensor. Cuanto mayor es su valor, mayor es la sensibilidad a la luz.

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Ajustando los valores de estas tres variables conseguiremos controlar tanto la luz que llega al sensor como la sensibilidad de éste. ¿Porqué no sería suficiente ajustar tan sólo uno de ellos? porque tanto diafragma, como obturador e ISO afectan a la imagen no sólo en términos de exposición, sino también en profundidad de campo (diafragma), trepidación (obturador) y ruido (ISO). En función de las necesidades de cada escena ajustaremos estos valores, pongamos un ejemplo: nos encontramos ante una pequeña cascada en medio del bosque y queremos que el agua aparezca difuminada ¿qué hacemos? aumentamos el tiempo de exposición y cómo va a estar más tiempo entrando luz al sensor esto lo vamos a compensar cerrando el diafragma y reduciendo la sensibilidad del sensor. Otro ejemplo sería que nos encontremos ante un prado lleno de flores y al fondo una

Cada vez que modificamos uno de los valores de la tabla anterior en nuestra cámara estamos aumentando o disminuyendo un paso de luz. Al doblar el ISO aumentamos un paso de luz, al reducir a la mitad de tiempo la

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gran montaña, queremos que tanto las flores como la montaña aparezcan enfocadas ¿qué hacemos? pues cerramos el diafragma para aumentar la profundidad de campo y que todo aparezca nítido, pero ahora pasa menos luz al sensor, con lo que tenemos que aumentar el tiempo de exposición o subir la sensibilidad del sensor. Como hemos visto en los ejemplos podemos dejar que pase una misma cantidad de luz con distintos ajustes, a esto se le denomina ley de reciprocidad. Es lo mismo exponer a f/4 durante 1/4 de segundo a ISO 100, que a f/5,4 durante 1/2 de segundo a ISO 100 o que a f/5,4 durante 1/4 de segundo a ISO 200. En la siguiente tabla se observa a la izquierda los valores de mayor exposición de las tres variables, y a la derecha los de menor, no es una tabla de reciprocidad, pero puede servirnos para calcular:

exposición reducimos un paso ¿y si quisiéramos aumentar un paso con la abertura del diafragma? ahora no hablamos de dobles y mitades, para subir un paso de luz si estamos en f/8 debemos subir a f/11.

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En este artículo nos hemos propuesto aprender los conceptos clave sobre exposición, y para la fotografía de paisaje, aparte de conocer los ajustes que hemos visto en el apartado anterior, también debemos de saber identificar las cualidades de la luz que aparece en la escena que vamos a fotografiar. La gama dinámica es la variedad, en lo que a intensidad se refiere, de las luces del paisaje que tenemos ante nosotros. Cuando estamos contemplando un atardecer nuestro ojo es capaz de distinguir una gran cantidad de detalles, hay una

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gran diferencia de intensidad de brillo entre el sol y las zonas que quedan a la sombra, pero, sin embargo, nuestro ojo es capaz de distinguir con mucha precisión una gran cantidad de detalles en toda la escena. Si comparamos el sensor de nuestra cámara con nuestro ojo, la cámara sale muy perjudicada: dónde nuestro ojo puede ver a la perfección, la cámara captaría zonas en negro si queremos distinguir el disco solar o la zona circundante al sol aparecería blanca si queremos observar los detalles de las sombras.

Hablando en términos fotográficos, nuestro ojo tiene la capacidad de poder visualizar un rango dinámico de diez diafragmas. El sensor de nuestra cámara se queda muy lejos: en este atardecer a contraluz, para poder captar la texura del agua y de las nubes ha habido que renunciar a un disco solar definido.

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Para exponer correctamente debemos ser consciente de la gama dinámica que tenemos ante nosotros y actuar en consecuencia. Siguiendo un protocolo muy efectivo podemos clasificar la situación, en lo que a gama dinámica se refiere, de dos modos: en el que la gama encaja o en el que no.

La gama encaja: en esta situación la exposición no tiene ninguna complicación, fijándonos en los valores de medición de la cámara ajustamos los valores que consideremos más adecuados. La gama no encaja: cuando la diferencia de intensidad de los brillos de la escena excede la capacidad de captura de nuestro sensor. En esta situación podemos tomar dos caminos: el primero es tratar de equilibrar esa diferencia de luces aplicando filtros degradados o con multiexposiciones; o podemos aprovechar esta situación para dar rienda suelta a nuestra creatividad con una clave alta (exponiendo para las sombras y dejando luces quemadas) o con una clave baja (exponiendo para las luces dejando zonas en negro).

Analizando situaciones que nos podemos encontrar al fotografiar paisaje diremos que es común que la gama no encaje, y que aun haciéndolo es frecuente aplicar filtros para tratar de equilibrar la exposición o de multiexponer para conseguir efectos visuales concretos. En el momento que aparezca nieve en la escena lo más probable es que la gama no

encaje, si estamos en un bosque en un día soleado la gama no encaja, si fotografiamos el atardecer y el sol o zonas cercanas a él entran en el encuadre, la gama no encaja,... si hay un concepto verdaderamente importante en la exposición ese es el de la gama dinámica, analizarla y saber actuar en consecuencia es una de las claves para conseguir exposiciones perfectas.

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Hemos hablado de la gama dinámica en la escena, y como hemos podido comprobar, son muchas las situaciones en las que cabe la posibilidad de que sobrepase la capacidad de nuestro sensor. Además, el brillo de la escena nunca suele ser el adecuado, y en pocas ocasiones podemos ajustarlo para que el brillo esté escrupulosamente ajustado a cada uno de los tonos que aparecen representados. Por eso tenemos que hablar de los tonos clave. Los tonos clave suelen contenerlos el sujeto de la escena, ¿cuál es el sujeto de la escena? pues en un atardecer en el que aparece el sol ocultándose en el mar, como hemos visto en el ejemplo anterior, el sujeto es el sol, por lo tanto el tono clave es el sol. Es ahora cuando se hace patente la imposibilidad de que nuestra cámara capture el rango dinámico de una escena como esta, por eso, en las escenas en las que no encaje la gama dinámica, identificamos el sujeto y exponemos en función de su tono, el tono clave. En la fotografía de la siguiente página, de Juan Antonio Quilés se puede apreciar claramente cuan es el tono clave de la escena. Si bien es cierto que el primer término, la planta en el agua, la textura de la

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hierba y, sobre todo, las montañas del fondo tienen mucho interés, el tono clave sin duda es el claro que se abre entre las nubes. En la imagen inferior se marca con un círculo dónde está el tono clave. Aunque, a modo de ejemplo, en la imagen inferior se haya reducido la luz y el color en la imagen inferior el tono clave se mantiene intacto, la imagen en conjunto cambia mucho, pero al mantener el tono clave no parece que lo haga tanto. El tono clave debe condicionar nuestra exposición, pero hay que ser muy cuidadosos en este sentido, pues en fotografía de paisaje, como norma general suele haber más de un sujeto en la escena, de ahí la importancia del control sobre la exposición en paisaje. En una composición clásica de paisaje, de primer término, sujeto y fondo, lo más correcto es que todo esté correctamente expuesto ¿cuál sería en este caso el tono clave? Sin embargo, si nuestra composición es un poco más arriesgada e innovadora no tiene porqué obedecer tan estrictamente a las leyes de la exposición. También es posible que el tono clave no sea el sujeto, sino una textura, un fondo o un elemento que ocupe la mayor parte del encuadre. En definitiva, el tono clave sobre el que se tiene que basar la

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exposición de la escena es el que contenga el sujeto principal. Si nos vemos obligados a descartar información por exceso o falta de brillo, o simplemente a no capturar

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esa información de la forma más adecuada, no es tan importante como que el sujeto principal, o en su defecto, en tono clave, tenga una exposición acorde a su tono.

"tono clave sobre el que se tiene que basar la exposición"

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Desconocido por muchos, imprescindible para otros. Es un gran aliado durante la exposición porque nos permite identificar el brillo de todos los píxeles que hay en la fotografía que muestra la cámara. Para describir qué es el histograma en una frase diremos que es un gráfico en el que horizontalmente se representa el brillo de los píxeles y verticalmente la frecuencia con la que se repiten en la fotografía, es muy sencillo, echa un vistazo a la imagen de la siguiente página y continúa leyendo. En la siguiente página vemos dos tomas de un mismo paisaje nevado, cada una con su correspondiente histograma. Los brillos de la escena se distribuyen en el gráfico, por eso se ha elegido, a modo de ejemplo, una escena que contenga uno dominante, como es el caso de la nieve. En la imagen superior, la nieve corresponde a la curva que sobresale en el centro del histograma. En la imagen inferior, al aclarar la escena, vemos como esa curva se desplaza a la derecha del histograma, lugar que corresponde a los tonos claros, como este caso, el de la nieve. Podemos configurar nuestra cámara para que el histograma aparezca en la pantalla. Tanto en la previsualización de la pantalla LCD como al visualizar las imágenes

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que ya hemos capturado tenemos la posibilidad de tener delante el histograma, de este modo ya sabes qué hay oscuro y claro en la imagen y qué cantidad, y lo que es más importante: si has perdido luces por sobreexposición si la curva del histograma toca la pared derecha, o si has perdido sombras por subexposición si toca la izquierda. Las condiciones lumínicas en las que se fotografía paisaje son muy variables, podemos pasar de la oscuridad de una nocturna al sol intenso de la montaña, esto va a condicionar nuestra percepción sobre el brillo de la imagen que

Histograma de imagen capturada.

aparece en la pantalla de la cámara: si hay mucha luz la vemos oscura y aumentamos los valores de exposición, pero cuando llegamos al ordenador encontramos con que está sobreexpuesta, para evitar esto, podemos fijarnos en el histograma, él será quién, con cierta precisión, cómo hemos expuesto la imagen.

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Vista del histograma durante la captura. Esta imagen pertenece a la pantalla LCD de la cámara, la pre-visualización de la toma, vemos como aparece el histograma abajo a la izquierda de cada una de las imágenes. Los histogramas cambian en la misma escena ¿por qué? en la imagen de la izquierda hay calado un filtro degradado de densidad neutra, observa cómo cambia la curva equilibrando la exposición.

Pero ahora viene el momento en el que se complica todo, ya que no podemos confiar la exposición únicamente al histograma. El motivo es que el histograma que aparece en la pantalla es una interpretación del JPG que hemos capturado, no se corresponde con los valores del RAW. Es evidente que podemos confiar en el histograma, de hecho es un gran aliado para conseguir una buena exposición, pero debemos de saber que no se

corresponde con la información que contiene el archivo RAW.

Todas las cámaras digitales cuentan con un fotómetro o al menos un sistema que permite analizar el brillo de la escena. Por si no lo sabías, el fotómetro es una fotocélula que hay en nuestra cámara capaz de medir los valores

de exposición (EV). Aunque no hayamos reparado en ello, se trata de un mecanismo muy simple y a la vez muy complejo, nos está haciendo "el trabajo sucio" de la fotografía. En fotografía analógica se habla de sol a f/16, si tu "yo

Para corroborar esto puedes hacer un ejercicio: manteniendo los mismos valores de exposición, haz una prueba y varía los ajustes de contraste en el menú de tu cámara, haz dos tomas, una al mínimo contraste y otra al máximo y comprobarás como el histograma cambia, sin embargo el archivo RAW que descarguemos en el ordenador será el mismo.

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fotógrafo" ha nacido en la era digital es posible que esta expresión no te suene de nada, pero antes de que las cámaras digitales o analógicas incluyeran fotómetro, había dos opciones: o utilizar uno de mano o recurrir a reglas y trucos como el famoso sol a f/16. El fotómetro analiza el brillo de la escena y nos indica cómo será nuestra exposición en función de los ajustes de exposición que tenemos seleccionados en la cámara. Esta representación aparece en nuestra pantalla o en el visor en una escala que varía entre ± 3 ó ±2 dependiendo del modelo y marca de la cámara. En esta escala, nuestra cámara entiende que el 0, o sea que si el cursor se sitúa el centro de la escala sería una exposición perfecta, mientras que si está en el +1, la escena resultante estaría sobreexpuesta en un paso de luz. Cuando sabes que tu cámara puede medir el brillo de la escena es importante que pases al siguiente nivel y sepas que no te puedes fiar del todo. El fotómetro no analiza el brillo de cada color independiente, sino que lo hace a partir del gris neutro, de tal modo que un color

Cámara réflex analógica con fotómetro incormporado. muy claro (nieve) lo subexpone para que se parezca al gris neutro, mientras que un color muy oscuro (tierra) lo sobreexpone. Ajustar a 0 la exposición suele ser sinónimo de que vas a exponer correctamente cuando dispares a colores con un brillo equivalente al gris neutro, sin embargo lo más frecuente es que no estés disparando a gris neutro y tengas que ajustar los valores de exposición en función del color que estás fotografiando, en la mayoría de las ocasiones ese color va a ser el tono clave.

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Volviendo a la escena del paisaje nevado se observa que la cámara ha subexpuesto la toma para que la nieve se parezca al gris neutro. Si se repara en el histograma puede apreciarse como el montículo central, el que corresponde a la nieve está situado en el centro (gris), la cámara ha intentado que la nieve que en realidad es blanca sea gris neutro, con lo que la escena en general aparece claramente subexpuesta, llegando incluso a tener sombras perdidas. Independientemente de la fiabilidad que pueda aportarnos el fotómetro, tenemos que tener en cuenta que podemos ajustar el modo en el que analiza el brillo. En el menú de la cámara podemos acceder a Modos de medición, aquí encontraremos tres opciones: Matricial: (multisegmento) Mide el balance de luz de toda la pantalla analizando múltiples puntos y realiza una media del brillo de estos puntos. Cuando la gama encaja puede ser útil, sin embargo los resultados son poco fiables, a pesar de que suele ser el valor por defecto cuando compramos la cámara. Ponderada: (promediada) Mide el promedio de luz de toda la pantalla haciendo hincapié en la zona central. Aunque tiene en cuenta la luz de toda la pantalla es la zona central la que influye realmente en los valores de exposición que nos da la cámara.

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Puntual: Mide la luz en el área central de la escena, por lo general suele coincidir con el indicador de enfoque central de la pantalla. Es el modo de medición que nos permite un mayor control sobre el brillo, pero hay que tener cuidado, pues si no tenemos en cuenta que tenemos seleccionado este modo, la lectura que aparecerá en la escala no se corresponderá con la realidad.

Todos estos concepto sobre técnica son muy útiles, pero la técnica no alimenta la creatividad, es tan sólo el modo en que utilizamos las herramientas para expresarnos, es cómo el arquitecto que conoce a la perfección cómo deben distribuirse los pesos en un edificio para que se mantenga en pie: en este sentido podemos decir que una vivienda cuadrada, bien construida se mantiene en pie, pero también lo hace una gran catedral ¿cuál es visualmente más atractiva? Lo mismo ocurre con la fotografía, podemos conocer a la perfección cómo exponer, y tener presentes estas 4 claves durante el momento de la captura es vital para lograrlo, pero el hecho de que una fotografía esté correctamente expuesta es sólo uno de los 4 factores clave para

conseguir fotografías de paisaje perfectas, junto al momento, la composición y la localización. ¿En qué sentido nos puede ayudar el analizar el rango dinámico de la escena, el identificar el tono clave, el conocer la medición de nuestra cámara y analizar el histograma durante la captura? por decirlo de algún modo, conocer los secretos de la exposición fotográfica nos convierte en una especie de videntes de la imagen. Sí, has leído bien, vamos a ser videntes, vamos a conocer el futuro: observando un paisaje vamos a prever cómo queda plasmado en una fotografía. Imagina lo valioso que sería en tu vida cotidiana saber lo que va a ocurrir, en fotografía tienes la oportunidad de conocer el futuro.

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En este artículo nos van a hablar sobre accesorios para fotografía de paisaje, pero quién mejor para hacerlo que cuatro fantásticos fotógrafos, ellos son Alberto Tormo, Darío Sastre, Javier Camacho y Jónathan Gascó. Cada uno destaca en una sección del paisaje (viajes, marinas, montañas e inviernales) y cada uno de ellos sabe desenvolverse a la perfección en su territorio, no tendría sentido que una sola persona nos hable de accesorios, mejor que cuatro hagan hincapié en su campo de trabajo, por eso en este artículo encontramos accesorios que van desde una aplicación móvil a un termo. Es posible que alguno de los 14 accesorios te sorprenda por lo práctico que puede llegar a ser, de lo que estoy seguro es de que te sorprenderá la diversidad de situaciones en las que nos podemos encontrar fotografiando paisaje, y cómo unos pequeños (o no tan pequeños) accesorios pueden ser la pieza clave para conseguir fotografías de paisaje perfectas.

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En su galería encontramos imágenes de varios países, fotografías cuidadas y de una extraordinaria calidad, Alberto Tormo ha fotografiado lugares icónicos en EE.UU., Islandia, Noruega,.. aportando su visión y consiguiendo imágenes que muchos soñamos con captar.

Plato de fijación L-Plate El trípode es imprescindible para cualquier paisajista, y el L-plate (L-bracket o plato en L) es el complemento perfecto. Permite cambiar el encuadre de horizontal a vertical sin alterar la altura ni el punto de vista, de una forma rápida y práctica, aportando mayor estabilidad a todo el conjunto ya que no desplaza el centro de gravedad. Los L-plates son compatibles arcaswiss, haciendo posible su uso con todas las rótulas compatibles con dicho sistema. Actualmente utilizo una rótula RRS BH-40 LR II junto con el L-plate, ambos de la marca Really Right Stuff.

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Sistema de filtros Lee 100mm + polarizador El polarizador es un filtro imprescindible en el paisaje, y los degradados neutros son una gran ayuda a la hora de compensar las diferencias lumínicas. Antes era muy engorroso poder usar un polarizador y el portafiltros al quedar el polarizador tapado por la arandela. Con el portafiltros Lee montando la arandela para polarizador de 105mm, nos permite usar 1 o 2 filtros degradados y el polarizador al mismo tiempo, al quedar el polarizador por la parte exterior del portafiltros.

Think Tank Photo Airport Antidote V2 Cansado de los problemas en los aeropuertos debido a las diferencias en medidas y pesos del equipaje de mano que tiene cada aerolínea, encontré en esta mochila la solución. Con unas medidas muy comedidas, permite transportar todo el equipo (incluyendo un segundo cuerpo) sin exceder los límites de ninguna de ellas. Su configuración interior permite colocar los objetivos verticalmente ahorrando espacio, pero sin descuidar un buen acolchado. Además trae consigo una bolsa para portátiles de hasta 15,6" que queda alojada en el bolsillo exterior, pudiendo meter o sacar la bolsa de la mochila para no tener problemas tampoco con el número de bultos permitidos en cabina.

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The Photographer's Ephemeris Una aplicación esencial para programar salidas. Nos permite de forma intuitiva conocer los horarios de la salida y puesta del sol y la luna, así como su fase, y ver la dirección de cada una de ellas en los mapas de google. Tiene versiones para PC/Mac (gratuita) y iOS/Andriod (de pago), lo que me permite planificar para cada lugar las mejores horas, ya sea desde casa, un hotel o in-situ con la aplicación móvil.

Destaca por sus fotografías marinas, y es en su costa asturiana dónde Darío Sastre se siente como pez en el agua, cuenta con varias exposiciones y la belleza de sus imágenes son su mejor carta de presentación.

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Botas con clavos y vadeado de calcetín Tanto para fotografía marina, como cuando nos metemos en un río para fotografiar el efecto seda del agua, la seguridad que aportan las botas de suela de fieltro con clavos frente a los típicos vadeadores con bota de goma pueden evitarte muchos disgustos. El agarre a las piedras es infinitamente mayor evitando así muchas caídas. Todos sabemos lo que resbalan las piedras de los pedreros en el mar o del rio, lo cual puede ser suficiente justificación para lo que te propongo a continuación.

Cinturón de seguridad para el vadeador. Puede parecer que sea un accesorio prescindible, pero nuestra seguridad es lo primero a la hora de fotografiar. Si tienes un accidente y caes al agua en alguna zona complicada que te pueda cubrir, siempre te va a dar unos segundos extras antes de que el vadeado se te llene entero de agua y puedas tener un verdadero problema.

Mi Canon 17-40L USM F4 Estoy enamorado de este objetivo, fundamentalmente por su definición y por la ausencia de aberraciones cromáticas a la hora de fotografiar con una luz complicada. Su construcción también me parece algo destacable. Es probable que en cámaras "Full Frame" no obtenga el rendimiento que me da en mi 7D, pero hasta entonces, este es el mejor objetivo que he tenido para fotografiar paisaje. Y lo mejor de todo es que tiene un precio bastante asequible, unos 700€.

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Especializado paisaje de montaña, Javier Camacho ha realizado expediciones fotográficas a las cadenas montañosas más extremas del planeta: Himalayas, Karakorum, Andes, Urales,.. su pasión y su experiencia en la montaña queda reflejada en los accesorios de los que nos habla.

Portafiltros Lucroit para Nikon 14-24 y degradado suave Para mi resulta imprescindible en fotografía de paisaje de montaña el uso de un gran angular extremo, especialmente en el campo base y sobre todo la utilización del portafiltros de Lucroit para el Nikon 14-24 2.8 G, así como un filtro degradado de transición suave para compensar la diferencia de luces que suele haber entre las cumbres nevadas y la parte baja de los valles, fundamentalmente en atardeceres/amaneceres.

Trípode de carbono rótula tipo joystick

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con

Siempre llevo un trípode que guarde buena relación entre peso y estabilidad para la cámara, imprescindible para buscar las mejores luces de montaña (amanecer/atardecer) con velocidades lentas. En mi caso un Manfrotto de carbono, concretam ente el 055CXPRO4 Carbon Fiber Tripod. Al trípode le añado una rótula tipo joystick para poder mover la cámara fácilmente y lo más rápido posible, el modelo que utilizo es la Manfrotto 322RC2.

Mando a distancia En muchas de mis fotografías de montaña suelo colocar estratégicamente a algún alpinista para que dimensione la grandiosidad del ambiente. En algunas ocasiones tengo que ser yo mismo el que salga en las composiciones, por lo que me resulta indispensable el uso de un mando a distancia para poder colocarme en el lugar elegido y hacer la foto desde la distancia. Yo utilizo un Yongnuo MC-36R, y se puede comprar en diversas de las tiendas de eBay.

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Con una trayectoria y un potencial excepcional, el reciente ganador de la categoría paisaje (AEFONA) en la última edición de Montphoto, Jónathan Gascó, hace lo que puede para combatir el frío en Eslovaquia, dónde reside y dónde ha conseguido algunas imágenes tan extraordinarias que te dejarán helado.

Raquetas y crampones para la nieve Las raquetas son cada vez más pequeñas, ligeras y prácticas. Las raquetas se hacen indispensables si buscamos adentrarnos en paisajes donde el grosor de la nieve es considerable y queremos recorrer largas distancias para desplazarnos en busca de fotografías únicas. La oferta de marcas y precios es amplísima y las podemos encontrar desde apenas 40 € para bolsillos ajustados hasta por más de 300 €, en mi caso el bolsillo manda y el modelo que uso no llega a los 50 € QUECHUA inuit 400 compradas en Decathlon, este establecimiento vende también por internet.

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Los crampones suelo llevarlos cuando he previsto una ruta en la que la inclinación es importante y evitar sorpresas desagradables en cuanto a caídas e incluso tener que darme la vuelta por la imposibilidad de llegar al lugar deseado por acumulación de hielo. Hay infinidad de modelos, pero los que yo utilizo para salir a la montaña son unos antiguos en cuanto al modelo (años 60) pero con menos de dos años de antigüedad. Me costaron 20 € y se los compré a un compañero eslovaco.

Papel vegetal Suelo llevar un trozo de papel vegetal de cocina (el que se utiliza, por ejemplo, para hacer repostería en el horno). Me es muy útil a nivel creativo, por ejemplo: si mi intención es crear nieblas y desenfoques en invierno cuando las temperaturas bajan por debajo de los cero grados. Podría utilizar vaho para crear este mismo efecto, pero es inviable en condiciones de temperaturas negativas, ya que el vapor se congela al tocar el cristal helado provocando problemas a la hora de limpiarlo. Así es que lo más práctico es un trocito de papel vegetal en la mochila cuando fotografiamos en climas fríos.

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Sotoguantes Mis estaciones preferidas para fotografiar son el otoño y el invierno. Es en invierno, cuando no salgo nunca sin un par de guantes finos. Sí, sí, finos, muy prácticos, ya que se ajustan perfectamente a la forma de la mano por su composición (88% de poliester, 12% de elastano). Además llevo otro par de guantes gruesos que utilizo cuando me desplazo de un lugar a otro. Cuando llego a la localización y me dispongo a fotografiar, sólo tengo que quitarme los gruesos, los sotoguantes evitan que mis manos queden expuestas al frío y su ligereza me permite tener tacto en todo momento con los botones y ruedas de la cámara para hacer los ajustes pertinentes.

Termo “Ande yo caliente ríase la gente” Es realmente revitalizante disponer de algo caliente cuando la temperatura roza o cae por debajo de los 0ºC. Según en qué latitud te encuentres -hemos de tener en cuenta que en octubre (Europa) las temperaturas ya bajan considerablemente y el frío no nos deja hasta bien entrada la primavera o, como en mi caso, hasta mayo- el frío se puede llevar mucho mejor si lo acompañamos de un buen termo. Yo acostumbro a llenarlo de jengibre, miel y té, pero eso va a gustos. Como consejo diría que, a la hora de adquirir uno, sea de los que llevan apertura en el tapón de rosca interior, así se evitarán sorpresas en forma de pérdidas de líquido.

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La estrella solar es muy interesante en fotografía de paisaje, conseguirla con la calidad de esta imagen requiere conocer los conceptos que desarrollamos en este artículo. Fotografía de Lars Øverbø.

Este término esta muy de moda en la fotografía actual. El Flare (/flɛəʳ/) es una palabra procedente del inglés que hace referencia a lo que en castellano podríamos denominar reflejos ópticos o destellos en la óptica fotográfica.

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En este artículo descubriremos qué procesos se producen en el objetivo para que aparezcan estos destellos, las diferentes manifestaciones en las que se nos pueden presentar, las situaciones más favorables, cómo provocarlo y sus implicaciones en el lenguaje visual. Con este artículo adquirirás un control total sobre el Flare y podrás usarlo (o evitarlo) para mejorar tu fotografía de paisaje ¿te atreves?

Los reflejos ópticos no han sido algo muy apreciado en la fotografía tradicional, de hecho hay artículos en la web que afirman que en época analógica, cualquier destello era considerado un error. La sensibilidad de la película es distinta a la de los sensores digitales y una fuente de luz tan agresiva como este tipo de destellos podía provocar resul-tados mucho más impredecibles que los que se producen en cá-maras digitales. A esto debemos añadirle dos aspectos: por una parte la imposibilidad de previsualizar el destello que se había producido y por otra la evolución en tratamientos antirreflejantes que se ha experimentado en los últimos años.

La dedicación y meticulosidad que muchos empleaban al foto-grafiar con película deja de tener sentido en el momento que entra en juego un aspecto tan difícil de prever como los destellos ópticos; si a esto le sumamos que la óptica media de hoy en día cuente con tratamientos antireflejantes, lo que permite cierto control sobre este efecto, nos damos cuenta porqué está de moda el Flare. La posibilidad de previsualizar el disparo y la imagen en el momento, los avances técnicos y un cambio en la concepción estética y la aceptación técnica provocan que hoy en día encontremos cientos de fotografías que incluyen destellos y reflejos ópticos.

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TIPOS DE REFLEJOS EN LA ÓPTICA Velo: es una neblina que se crea en gran parte del encuadre. Formada por la reflexión crea una capa de color claro que provoca la reducción del contraste y de la saturación e intensidad del color. Estrella: efecto que se crea alrededor de fuentes de luz intensas y pequeñas. Destellos: aquí encuadramos cualquier manifestación producida por la lente que no es ninguna de las vistas anteriormente. Hexágonos de color, círculos, haces de luz,... son algunas de los fenómenos creados por la refracción y dispersión. Otros: la suciedad o imperfecciones pueden crear objetos de forma, tamaño o color impredecibles. En estas imágenes podemos encontrar la mayoría de los reflejos ópticos que suelen producirse. 1. Estrella solar. 2. Círculo magenta, objeto verde, haz y velo. 3. Haz. 4. Hexágonos de colores. 5. Manchas por suciedad en la lente. 6. Velo y objeto verde.

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A la hora de concretar qué produce los reflejos ópticos podemos hacerlo de dos modos: por una parte podemos empezar a hablar de términos de óptica como la dispersión o la

refracción (que son las principales causas), o tal vez podamos decir que para que se produzca flare tiene que haber una fuente de luz intensa iluminando tu objetivo en un ángulo extremo.

Si te conformas con saber que se produce cuando tienes una fuente de luz fuerte, o incluso, incluyendo el sol en la escena y forzando su posición cerca de los extremos del encuadre, no te interesará aprender unos pequeños conceptos que te van a ayudar a prever mejor cómo y cuándo se

producen los reflejos ópticos más comunes. Los fabricantes de objetivos se afanan en refinar los tratamientos a los que someten las lentes para evitar la refracción, reflexión y dispersión de la luz, que por otra parte, son los causantes del flare.

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La luz que refleja lo que tenemos delante de nuestra cámara es lo que genera la imagen en el sensor. No vamos a explicar cómo se forma una fotografía, pero hay que tener en cuenta que, aparte de la luz que entra en el objetivo procedente de la escena, para que se produzcan los reflejos ópticos, tenemos que contar con una fuente de luz adicional y de intensidad elevada. Así se crean efectos tan populares como el sol estrellado y algunos tipos de velo. Pero lo interesante llega cuando desplazamos esa fuente de luz hacia el borde del encuadre, es entonces cuando comienzan a aparecer otros tipos de reflejos ópticos. Al ser una fuente de luz muy intensa y directa, e incidir lateralmente sobre un objeto trasparente (las lentes del objetivo) se produce la refracción. La refracción es el cambio en la dirección que experimenta la luz al cambiar la densidad del medio que atraviesan. O sea, que la luz, al entrar en el cristal que tiene una densidad mayor a la del aire, experimenta una variación en su trayectoria, y evidentemente, esa variación será mayor cuanto más lateralmente incida la fuente de luz. Lo que ocurre cuando los rayos de luz se desvían es que "se pierden" entre las lentes y es lo que provoca que aparezcan algunos objetos ópticos y velos.

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Pero a la refracción hay que sumar la dispersión que se produce en este tipo de situaciones. La dispersión es la separación de las ondas de distinta frecuencia (colores) al atravesar el vidrio en determinados ángulos. Es la situación en la que nos encontramos, el sol incidiendo lateralmente va a provocar que algunos colores se desvíen de su trayectoria, ocasionando así que no sólo tengamos rayos de luz desviados por la refracción, sino que también algunos de esos rayos van a contener unos colores u otros. Por último, nos queda la reflexión. Para no liarnos con los conceptos diremos que la reflexión son los reflejos. Las lentes del objetivo, aunque sean trasparentes, cuentan con cierto grado de reflexión; cuando fotografiamos, los rayos de luz transversales, procedentes de la escena, atraviesan las lentes, pero al incidir oblicuamente comienza a producirse reflexión y así se generan el velo y objetos ópticos. Cuando estamos junto a una laguna, si miramos a lo lejos, en la superficie del agua se refleja el paisaje circundante, pero en la orilla, junto a nuestros pies, al mirar transversalmente el agua, es trasparente; algo similar ocurre con las lentes.

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El incluir el sol en el encuadre ha provocado la aparición de haces en torno al sol y algunos objetos verdes a la derecha de la imagen, ganando realismo. Fotografía de Jesús Portal.

Para terminar diremos que además, esta luz lateral, pondrá de manifiesto cualquier imperfección que haya en nuestra óptica, ya sea suciedad o ralladuras. Por ejemplo,

un polarizador rayado provocará que aparezcan ciertos objetos, en la mayoría de situaciones poco deseados para el fotógrafo.

Los reflejos ópticos están de moda, pero, como es evidente, en la fotografía de paisaje no se acepta el "vale todo". Ahora que conocemos las diferentes formas en que se nos puede manifestar

podemos hacer un ejercicio de selección e incluir en nuestra escena aquellos que resulten más beneficiosos, ya sea compositiva o estéticamente.

Las ralladuras en el filtro polarizador será una causa muy probable de que se produzcan algunos reflejos ópticos poco deseables.

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Dejando a un lado manchas y ralladuras, los reflejos ópticos tienen mucha acogida en nuestros días por una simple cuestión de credibilidad: vivimos una época en la que es muy fácil escuchar a alguien que ve una fotografía cosas como "está retocadísima", "fotosofaázo", "eso no es fotografía, es diseño gráfico",... o cosas por el estilo. Los programas de edición digital nos permiten, con los cono-cimientos adecuados,

conseguir casi cualquier ambiente con retoque: añadir o eliminar elementos, cambiar colores, texturas o formas,... en esta época de incredulidad que vivimos los reflejos ópticos son un mazazo de realismo, aparte de añadir drama, le transmiten al espectador: "esto es una imagen real, captada directamente con una cámara". Pero puede que no quieras estos reflejos en tu escena, la decisión es tuya. Haciendo una primera discriminación, la mayoría damos por sentado que no queremos en nuestra escena manchas borrosas producidas por la suciedad en el filtro, o algunas imperfecciones provocadas por las ralladuras en el objetivo

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o en alguno de los filtros que coloquemos. Tal vez, algunos objetos ópticos, como hexanos o rayos, son discriminados por muchos fotógrafos, e incluso el velo. Pero muy pocos fotógrafos de paisaje pueden resistirse a un sol estrellado sobre el horizonte. Evitar los reflejos ópticos puede ser relativamente fácil, limpiando la lente evitaremos que se hagan perceptibles las manchas al incidirles el sol lateralmente. Un parasol es la solución más efectiva para descartar las mayoría de reflejos ópticos, si el sol no le da a la lente frontal del objetivo podemos olvidarnos de la mayoría de

ellos. Pero, ¿qué ocurre cuando el sol está dentro del encuadre y no puede evitarse con el parasol? hay muchos tutoriales en la web que hablan de ello. Lo más efectivo es la multiexposición hacer una primera toma en la que aparecen los reflejos ópticos, a continuación realizamos una segunda toma cubriendo el sol con el dedo u algún objeto; podrás ver como en esta segunda imagen desaparecen todos los reflejos ópticos, finalmente, durante el procesado clonaremos ambas imágenes para obtener una sin reflejos.

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6 CLAVES PARA CONTROLAR LOS REFLEJOS ÓPTICOS 1. Las lentes del objetivo: hay objetivos que tienen una mayor predisposición a generar reflejos ópticos que otras. Como norma general, los objetivos zoom contienen muchas más lentes que los fijos. A mayor número de lentes mayor será la posibilidad de que se produzcan refracciones y reflexiones entre ellas. 2. La posición del sol: ya hemos hablado de la importancia de la posición del sol con respecto a nosotros. El sol debe colarse en el objetivo lateralmente, pero ¿cómo lo incluimos en el paisaje? si fotografiamos al amanecer o atardecer tenemos más posibilidades de que esté en el encuadre sin forzar la composición. 3. Control de la exposición: el velo puede ser controlado con la exposición, hemos visto que crea una capa de iluminación que reduce la intensidad y saturación del color, además de reducir el contraste. Si a esto le añadimos una clave alta podemos obtener resultados realmente atractivos. 4. Estrella por apertura: ¿cómo se crea una estrella solar? Podríamos dedicar un artículo completo a este tema, pero tan sólo hacer referencia a que este tipo de reflejos ópticos se crean cerrando el diafragma: a mayor número f más definida será la estrella. Las aspas del diafragma también afectan a la estrella, pues si son pares tendrá un número de puntas igual al de aspas y si son impares tendrá el doble de puntas que de aspas, por eso es más recomendable un objetivo con número de aspas impar en el diafragma para conseguir una estrella mucho más espectacular. 5. Ponerle la zancadilla al sol: no es suficiente con retirar el parasol y colocarnos en una posición que facilite la entrada de luz lateral. Si colocamos polarizador, degradado, UV,... vamos a allanar el terreno para que se produzca flare. Hay que tener en cuenta que un velo creado directamente sobre el objetivo, sin filtros, es mucho más limpio y atractivo que la variedad creada al añadir filtros. 6. Los experimentos, con flare: no tengas miedo a realizar decenas de tomas de prueba si crees realmente que a una escena le puede beneficiar el flare. Moverte unos milímetros para variar la posición del sol y cómo este incide en la óptica puede crear efectos muy diversos.

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Una estrela solar es un elemento con mucho interés en una fotografía de paisaje. La abertura es la responsable en buena medida de este efecto. Fotografía de Mattieu Roubinet.

Sobreexponer una escena es el mejor aliado para potenciar el efecto velo. Fotografía de Antonio López Carrillo.

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Hemos dejado constancia al comenzar el artículo que los reflejos ópticos han pasado por una primera etapa de rechazo, para acabar siendo aceptados y finalmente intencionados hoy en día. No hablo en este sentido exclusivamente de fotografía, durante la documentación para este artículo me he encontrado con uno en el que se afirma que el director de cine J. J. Abrams ha pedido disculpas públicamente por abusar de este efecto en sus películas, llegando incluso a reconocer que ha sometido algunas escenas a post-procesado digital para eliminarlo. En este sentido cabe afirmar que tras las fases anteriores de rechazo, aceptación e intencionalidad estamos entrando en lo que

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suele ser la fase final de este tipo de modas: tal vez una fase de saturación, de falta de novedad; pero a pesar de ello, considero que las fotografías con reflejos ópticos continúan funcionando muy bien y, con toda seguridad, con un refinamiento técnico, su uso se estabilizará para ser utilizados como un recurso fotográfico más. Aquí no terminan los reflejos ópticos en la página 279 tienes otro artículo relacionado con este tema. Hoy hemos hecho una aproximación a cómo se forman, los tipos, cómo evitarlo y conseguirlo,... y para terminar, en el artículo que publicaremos próximamente hablaremos sobre el procesado en relación a los reflejos ópticos.

Imagen de Nicolas Le Dilhuit

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Hay una serie de fen贸menos en la tierra que pueden ser sobrecogedores para el ser humano, sin lugar a dudas, uno de ellos es contemplar un desierto de arena. La sensaci贸n que pueda sentir un muchacho que visita por primera vez el mar puede ser muy parecida a la que sentimos cuando vemos por primera vez una aurora, un glaciar gigantesco, o el propio desierto. Imagen de David Thompson

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Tal vez sea un sentimiento sublime el que nos lleva a contemplar estos lugares de un modo especial, o tal vez sea simple asombro, pero ¿recuerdas la primera vez que viste el mar? ¿has tenido la suerte de ver una vasta extensión de dunas? ¿qué sentiste? El gran espectáculo que puede suponer un desierto de arena para nuestros sentidos, puede serlo también algo magnífico para nuestra cámara. El tacto de la arena, sus sinuosas formas, sucesiones de colinas que se extienden hasta fusionarse con el infinito,... van a despertar nuestro ojo fotográfico y experimentaremos aquello que sentimos sólo cuando estamos ante un paisaje que nos desborda. ¿te atreves a fotografiar las dunas de arena del desierto?

Las dunas de arena son uno los elementos visuales más

potentes a la hora de componer, la inspiración llega por sí sola, y cómo hemos dicho, nuestro ojo fotográfico despierta instantáneamente. Pero hay algo que no debemos pasar por alto, las dunas de arena más espectaculares suelen encontrarse en el desierto. Este no es un lugar sencillo, ni para estar en él y mucho menos para fotografiar; por eso es importante, que si tienes en mente fotografiar, o algún día te gustaría hacerlo tengas en cuenta estos consejos que te ofrecemos en El Paisaje Perfecto.

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Muchas de las personas que fotografían paisaje tienen cierta predilección por el crepúsculo, cuando el sol está bajo el horizonte. Sin embargo, los paisajes de dunas cuentan con un espacio de tiempo en el que su belleza es mayor: la hora dorada. Es el espacio de tiempo, aproximadamente de una hora y media después de que el sol levante sobre el horizonte, y otra hora y media antes de que vuelva a

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esconderse al atardecer. Durante el atardecer o el amanecer, la luz lateral del sol crea volumen a través de las sombras y nos revela texturas casi irreales creadas por el viento. A medida que el atardecer o el amanecer avanza, el espacio fotográfico va cambiando drásticamente debes estar atento a nuevos detalles y texturas que aparecen en la superficie de las dunas.

El consejo: no te pierdas las dos horas anteriores o posteriores a la salida o puesta del sol. Procura llegar con antelación al lugar seleccionado.

La luz lateral revela la verdadera belleza de un paisaje de dunas. Fotografía de Ivan Sohrakoff su web isophotographic.com.

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Como es lógico, cuando comienza nuestra sesión fotográfica en las dunas, lo más sensato es comenzar a explorar, hemos vistos algunos consejos al respecto en el artículo Explorar para fotografiar paisaje. Pero en los desiertos de arena debemos de tomar una serie de precauciones a la hora de explorar. Hay que tener en cuenta, que en la mayoría de las ocasiones, el lugar por el que hemos pasado es

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inservible para encuadrar: el hecho de que nuestras huellas dispersas, la marca del trípode o de la mochila aparezcan en la fotografía va a romper la textura natural de las dunas. Unas huellas solitarias que se pierden en el infinito pueden ser evocadoras, pero, seguramente, nosotros dejemos atrás un rastro de destrucción con la moquila, el trípode y nuestras huellas que dan vueltas sin sentido.

El consejo: piensa antes de caminar desde dónde quieres fotografiar. Desplázate sólo en una dirección, de ese modo no tendrás huella ni delante ni hacia los lados. No avances sin sentido, en exceso o si no es necesario. Caminar por las zonas interdunales o por la parte baja de la falda cuando están en la sombra hará que tus huellas puedan pasar desapercibidas.

Nuestro rastro de pisadas, trípode y mochila puede arruinarnos un encuadre perfecto, sin embargo unas pisadas solitarias son muy evocadoras. Fotografía de Dave Greenwood.

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El polvo es uno de los principales enemigos del equipo fotográfico. Objetivos que "rascan" cuando hacemos zoom, molestas motas en el sensor, los cierres del trípode que no ajustan,... estas son las consecuencias del polvo. Pues bien, en el desierto vamos a fotografiar sobre montañas de

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polvo, hay polvo por todas partes, granos de arena que parece que cobran vida propia y llegan a sitios inesperados; y por si todo esto fuera poco, es muy común que en los paisajes dunares sople el viento. No nos gusta el polvo, pues nos vamos fotografiar dónde más abunda.

El consejo: Procura tener colocado un objetivo que te sirva para toda la sesión, evita cambiar de objetivo en las dunas. Abre la sección inferior del trípode de tal modo que ninguno de los cierres quede sumergido en la arena cuando lo hundimos. Utiliza gafas, al menos cuando haga viento. Limpia todo el equipo con un cepillo y sacude la mochila y todos los enseres cuando termine la sesión.

Si nos fijamos en el filo de la duna observamos claramente el polvo en suspensión provocado por el viento.

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Conseguir plasmar la grandeza de un desierto de arena no es una tarea sencilla. Para hacerlo es muy importante que seleccionemos intencionadamente nuestra ubicación para obtener los mejores resultados. Al contrario de lo que se pueda pensar, colocarse en la duna más grande no va a aportarnos los mejores resultados, colocarnos en la cima no hará ver todo desde un punto de vista

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demasiado elevado, y desde la base no conseguiremos captar ni la dimensión ni la esencia del lugar.

El consejo: colócate en el centro vertical de la duna, a medio camino de la cima para captar no sólo las líneas de la duna en la que te encuentras, sino te encontrarás en el punto ideal para encuadrar el resto del paisaje.

Un punto de vista a media altura sobre la duna es uno de las mejores ubicaciones. Fotografía de Patrick Wuske.

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El desierto suele caracterizarse por ser fruto de un clima extremo en el que la vida no suele ser muy abundante. Unos ecosistemas muy frágiles que soportan unas condiciones de vida extremadamente duras. Las oscilaciones térmicas entre el día y la noche, la

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ausencia de agua o comida y la temible fuerza de una tormenta de arena forman parte de la cara más hostil de un desierto de arena, de ahí que sea muy importante estar preparado no sólo para fotografiar, sino también para que nuestra vida no corra peligro.

El Consejo: lleva ropa adecuada para protegerte tanto del sol como del calor, fíjate en los tuareg (los habitantes nómadas del sahara), sus vestimentas son las idóneas. Mantente continuamente hidratado y no te expongas demasiado al sol. Utiliza un localizador GPS para no desorientarte, si no dispones de uno, evita a toda costa alejarte de tu refugio pues en un paisaje homogéneo de dunas, si el viento borra tus huellas y no tienes referencias, volver al punto de partida puede ser mucho más complicado de lo que parece.

Una tormenta de arena aproximándose. Fotografía de Peter Vruggink.

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No podemos afirmar que el desierto cuente con sus propias reglas de composición, pero su singularidad hace que tengamos que prestar atención a ciertos aspectos que puedan resultar muy básicos. Por ejemplo, el horizonte, todo lo que hayamos aprendido sobre el horizonte nos va a resultar muy útil, pero seguir al pie de la letra la regla de los tercios nos va a

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encasillar demasiado en las composiciones. Lo más atractivo de un paisaje dunar son las texturas en la arena, con lo cual la composición va a responder a la regla clásica de primer término, elemento principal y fondo creada con un angular; la superposición de planos que se crea es otro elemento de gran atractivo, comprimida con un teleobjetivo es como mejor se realza la belleza.

El consejo: busca incansablemente la mejor textura en la arena pero no dejes a un lado la superposición de capas que crean las propias dunas e incluso la que se crea entre las dunas y las cadenas montañosas que suelen rodear estos paisajes en muchos lugares del mundo.

El viento provoca que en la superficie de arena se formen pequeñas ondas. Estas ondas, recortadas con un teleobjetivo medio crean una textura muy atractiva. Fotografía de Patrick Wuske.

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Recuerdas que hablamos sobre que debíamos ser cuidadosos a la hora de caminar por el desierto, pues imagina que llega un tropel de turistas al lugar en el que tenías pensado fotografiar. O que simplemente hay una docena de fotógrafos de paisaje que han elegido el mismo día y lugar

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que tu para fotografiar: esto puede resultar increíble desde el punto de vista de los grandes arenales del Sahara, pero en el Parque Nacional Great Sand Dunes de Colorado, EE.UU. esto puede ser una situación muy frecuente; la popularidad y belleza de este lugar lo hace posible.

El consejo: busca un lugar que no esté demasiado machacado por el turismo, o si lo haces trata de encontrar un punto de vista en el que no puedas ser molestado por la presencia o pisadas de otras personas. En los desiertos de arena de Marruecos hay una gran masificación de turismo, aunque esto no evita que podamos encontrar un buen lugar para fotografiar, sin embargo, podemos conseguir capturar la esencia del lugar incluyendo en nuestro encuadre una caravana de camellos que se aleja entre las dunas, procura que esta caravana esté lo suficientemente cerca como para que se distinga fácilmente la silueta del camello, pero alejada para que no se vea que sobre ellos viajan turistas.

Great Sand Dunes National Park, Colorado, EE.UU. Fotografía de Bertrand Perron.

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La mayoría de las personas que leáis este artículo es muy probable que no viváis demasiado cerca de un paisaje dunar, o al menos de un desierto de arena. Personalmente creo que fotografiar en un entorno como este es una experiencia que todos los que disfrutamos con la fotografía de paisaje deberíamos experimentar al menos una vez. Considero que fotografiar en el desierto es algo realmente satisfactorio, es inevitable pensar una y otra vez que estás logrando encuadres perfectos con relativamente poco esfuerzo. Pero hay que tener en cuenta que, como he dicho, el desierto, la mayoría no lo tenemos demasiado cerca, y aunque parezca mentira, no es tan fácil conseguir las circunstancias idóneas como pueda parecer. Además, es muy fácil caer en el cliché, y la originalidad es algo que va a brillar por su ausencia. De hecho, a la hora de maquetar este artículo se han tenido que hacer variaciones en cuanto a la selección y ubicación de las imágenes para evitar que todas las que se muestran

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Patrick Wuske

son demasiado parecidas. Sin embargo, puede que sea nuestro espíritu aventurero, o que hayamos visto muchas películas en las que se idealiza este lugar, que el desierto nos hace sentir la necesidad de contemplarlo, de estar allí, no deja de llamarme. Aún sabiendo que podría conseguir imágenes mucho más originales y de mayor calidad en otros lugares, algo en mi interior me dice que tengo que fotografiar el desierto una y otra vez; dejarme empapar por su magia salvaje, por un paisaje que se pierde en el tiempo.

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Estamos fotografiando una puesta de sol fantástica, llevamos tiempo planeando una fotografía y estamos ajustando, encuadrando, colocando trípode,... totalmente absortos en nuestra actividad, disparando varias fotografías, modificamos el punto de vista, nos movemos un poquito para evitar la rama que se nos cuela,... cuando hemos terminado revisamos las fotografías en la cámara, y ¡vaya! justo ha pasado una persona en el momento en que disparaste, y además es una de las que más te gusta. Te marchas a casa un poco disgustado porque no te diste cuenta que se te coló una persona mientras fotografiabas, pero al llegar a casa y repasar la sesión en el ordenador llega la sorpresa. Parece que la mayoría de las fotos no te causan tanto impacto ni te En esta escena se ha simulado la intromisión de la persona en el en-cuadre a través del movimiento, podría haber sido fortuito: estamos fotografiando y alguien pasa por el camino, pero no fue así. En este artículo veremos, más adelante, cómo trabajar con personas en el encuadre de un paisaje.

transmiten tantas emociones como aquella en la que se te coló una persona. La creías perdida pero has descubierto que el hecho de que aparezcan personas en tus fotografías de paisaje puede ser mucho más interesante de lo que parece.

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Pero no es nada nuevo, la vinculación de la figura humana al paisaje es tan remota que podríamos buscar las primeras representaciones paisajísiticas y ya encontraríamos personas en muchos cuadros; sí, estamos hablando de pintura, mucho antes de que se inventara la fotografía. Antes de que los fotógrafos colocaran a sus modelos o esperaran el momento

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decisivo para que una persona pasara por delante de su escena, los pintores paisajistas, especialmente en época romanticista, recurrían tan frecuentemente a la figura humana. Repasando las obras más importantes de este periodo descubrimos que este recurso es una continuidad en la mayoría de los autores.

A View of the Two Lakes and Mountain House, Catskill Mountains - Thomas Cole. En este cuadro de 1844 ya observamos el recurso de la figura humana en paisaje.

La figura humana en el paisaje es casi una imagen cliché, es un recurso explotado, pero tan efectivo que a través de los siglos de imágenes paisajistas sigue constituyendo, compositivamente hablando, uno de los recursos más importantes en la imagen de paisaje. Y esta importancia es

aportada en gran medida porque la presencia de una persona en ciertas escenas de paisaje es la responsable de que se cree la imagen, ya que le aporta dimensión, escala y sentido,... tres atributos sin los cuales muchas imágenes no habrían sido realizadas.

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Como he dicho anteriormente, hay multitud de fotógrafos que utilizan este recurso, pero en nuestro país hay uno que lo maneja con la maestría y naturalidad que sólo un gran fotógrafo de paisaje puede hacerlo, es Saúl Santos. fotógrafo profesional afincado en Canarias, su tierra natal, aunque ha recorrido, en su trayectoria, una gran cantidad de países lo que, unido a su talento le ha permitido publicar sus fotografías en revistas y diarios de primer nivel.

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Su galería fotográfica tiene dos claros dominantes, por una parte está inundada por una luz y un color deslumbrante, que te transmiten inmediatamente la esencia del clima benigno de su tierra natal; pero por otra parte, repasando sus fotografías, muy de vez en cuando, se cuela una figura humana. Son los dos aspectos fundamentales que desde un primer momento me llamaron la atención de la fotografía de Saúl Santos. Las personas aparecen en sus fotografías de forma natural, como un "deben estar ahí".

Luz, figura humana, color y los increíbles paisajes de Canarias son la magistral Enmezcla este cuadro de En estecon cuadro deSaúl Santos crea sus fotografías de paisaje en de ingredientes la que las que aparecen personas.

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Como decíamos al principio del artículo, hay muchas imágenes que no podrían existir sin los valores que le aporta el factor humano, pero la forma en que Saúl utiliza este recurso, en cierto modo, puede

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llegar a transmitirnos la sensación de que ni tan si quiera el paisaje existiría, como si la persona le aportara el equilibrio necesario a ese paisaje. Veamos unas muestras de su galería.

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A nivel internacional podríamos destacar al fotógrafo alemán afincado en Amsterdam, Marcel Van Oostel. En su haber cuenta con numerosos premios IPA y un European Wildlife Photographer of the year, pero por lo que aquí hacemos referencia a este fotógrafo es por su trabajo fotográfico, más concretamente su serie "Dwarfed", o lo que traducido al castellano sería "Enanos". Se trata de una serie para la que Marcel ha aprovechado sus viajes alrededor del mundo para insertar pequeñas figuras humanas en algunos de los monumentos naturales más importantes del mundo.

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aparece autoretratado en la noche invernal, unas veces entre circumpolares otras entre auroras boreales, con la luz de su frontal como si de un espectro se tratase. Esta en la esencia de su trabajo, pues es fotógrafo de montaña en la rocosas canadienses y en este panorama frío y montañosos es dónde se incluye en sus imágenes consiguiendo transmitir sensaciones extraordinarias gracias a la presencia humana en un lugar tan poco "acogedor".

Para terminar con las referencias, hablemos de Paul Zizka. Recientemente he descubierto a este fotógrafo canadiense gracias a un artículo publicado en SLR Lounge titulado "Lanscapes from earth may be better than from space". En este artículo pueden observarse una serie de fotografías en la que Zizka

Cuando percibimos una escena con nuestros propios ojos, somos conscientes del espacio que nos rodea, de las dimensiones del paisaje que estamos apreciando y de las sensaciones que nos invaden. En cierto modo, la fotografía encuentra

una barrera difícil de evadir con estos tres aspectos. Aunque interpretemos la imagen como la representación en dos dimensiones de un espacio tridimensional, nuestra percepción no llega a ser consciente del espacio, la dimensión y la sensación de lugar.

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Introducir una figura humana en un paisaje puede ayudarnos a salvar una serie de obstáculos muy eficientemente. Si nunca hemos visitado un lugar, difícilmente nos podemos hacernos una idea de sus proporciones, ¿qué tamaño tiene un determinado risco? ¿la

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altura de una cascada? ¿la inmensidad de un valle glaciar? son espacios muy fotografiados en paisaje y que a menudo se quedan huérfanos de interés al no conseguir transmitir al espectador la grandeza y el tamaño del lugar.

El fotógrafo ubicado sobre el acantilado ayuda a hacernos una idea de las dimensiones del lugar, aunque estas, están modificadas al haber utilizado una focal demasiado corta.

Aportar la presencia humana a un paisaje natural puede ayudar a enriquecer una imagen no sólo estética o compositivamente hablando, sino también desde un punto de vista metafísico. El hecho de que una persona se encuentre en el lugar nos hace patente el espacio en el que se encuentra, lo hace real, transmitiéndonos una sensación de lugar, en definitiva, transmitiéndonos la esencia de ese lugar.

Las emociones son otro de los puntos fuertes, tal vez sea por eso por lo que muchos de los pintores romanticistas que perseguían el concepto de belleza sublime incluyeron personas en sus cuadros. Buscando la belleza extrema, el transmitir la grandeza, el tratar de llevar al espectador más allá de lo racional,... no se les ocurrió otra cosa más efectiva que recurrir a incluir la figura humana en sus cuadros,

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¿porqué? muy sencillo: tendemos a ver, a sentir y a experimentar lo que la persona que aparece en la imagen experimenta, como norma general, vemos a la persona y a continuación vamos a ver el paisaje, pero con toda seguridad, la persona actuará como filtro y, a partir de ahí, contemplamos el paisaje desde su punto de vista, haciéndonos participes de sus emociones. En este sentido, el hecho de que una persona aparezca sola en espacios salvajes, inabarcables e incluso, a veces, peligrosos, puede ser un recurso para aportar sorpresa. Este factor puede ser transmitido por el fotógrafo a través de dos caminos, uno es el citado: el hecho de que nos preguntemos qué hace una persona sola en ese lugar, el otro camino, y tal vez el más interesante, sea el hecho de que el sujeto de la fotografía no sea la figura humana en sí, sino el paisaje, y el factor figura humana aparezca al explorar la imagen. Es entonces

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cuando entra en juego otro recurso compositivo, el retardo. Pero la relación de estos dos elementos: figura y paisaje se basa principalmente en dos preguntas ¿la figura se encuentra ahí para dar sentido al paisaje? ¿el paisaje tiene sentido porque las personas se encuentran ahí? Una figura humana junto a un acantilado en el que impactan olas de dimensiones inabarcables por nuestro conocimiento sirve para dar sentido al paisaje; sin embargo una fotografía de paisaje que tendría un mensaje y que podría ser eficiente por sí misma, adquiere un nuevo significado. Por ejemplo: una playa solitaria en la que introducimos la

La función de la figura en esta imagen de Miquel Oly es dimensionar el acantilado presencia de una persona. y la ola.

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La persona en esta escena de Victor Peña le da un nuevo significado al mensaje.

Otro de los aspectos fundamentales de que aparezcan personas en las fotografías de paisaje es que nos va a hacer partícipes de la actividad que está desarrollando. Hay muchas posibilidades, pero lo más frecuente es que la persona que apare-ce simplemente aparezca de espaldas contemplando el paisaje. Podemos encontrarnos multitud de situaciones diferentes en las que la persona nos va a introducir en otro tipo de actividades. Puede que nos encontremos ante un campo inmenso de trigo que esta siendo examinado por el agricultor, este

camina pacientemente entre las plan-tas deteniéndose de ven en cuando para comprobar el estado de maduración de las semillas: si realizamos una fotografía, la persona que apare-ce aquí nos va a hacer partícipe de su actividad. Otro ejemplo puede ser una foto de escalada, alpinismo o senderismo en el que aparecen personas realizando la citada actividad; además de dimensionar, transmitir sensación de lugar y ayudar a comunicar emociones las personas en el paisaje pueden hacernos partícipes de la actividad que desarrollen.

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Para finalizar con el mensaje tengo que hacer referencia a lo que ya se ha convertido en un tópico y que es posible que obviemos como figura humana en paisaje: el cazador cazado. ¿Cuántas veces te has encontrado con fotografías en

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las que aparecen otros fotógrafos detrás del trípode? ¿has realizado alguna vez alguna? es posible que nunca lo hayas hecho, pero me costaría creer que nunca has visto ninguna imagen de este tipo.

Al observar los montañeros en esta escena nos sentimos formar parte de su actividad, si ellos no hubieran aparecido la imagen tendría un sentido totalmente distinto.

Un fotógrafo fotografiando nos hace partícipes de la actividad que realiza la persona que aparece en la escena de una manera mucho más empática. Personalmente creo que una imagen bien ejecutada de fotógrafo fotografiando paisaje puede llegar a alterar la lógica de nuestros procesos cognitivos porque

es posible que de alguna manera nos haga olvidar que estamos ante una fotografía y que la fotografía del paisaje que estamos contemplando es la que está captando el fotógrafo en el mismo momento en que ha sido fotografiado.

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Espontáneo o modelo La persona que aparece en la escena puede estar ahí por dos razones: o bien la hemos colocado nosotros, con lo que estaríamos ante un modelo, o bien hemos aprovechado una oportunidad y hemos fotografiado a una persona que "pasaba por ahí". En el primer caso, un modelo nos aporta la

libertad de poder colocarlo en el lugar más conveniente de la escena, el estudio previo de su ubicación puede aportarnos el resultado óptimo de impacto sobre el espectador. Un espontáneo en nuestra escena puede ayudarnos a conseguir naturalidad, creando así una fotografía más fresca e intuitiva.

Un gesto inconsciente, como puede ser el agacharse o encogerse ante la magnitud de la ola que se aproxima sólo se consigue fotografiando espontáneos. Esta fotografía de Antonio Ruiz es una muestra clara de la naturalidad que aportan estos sujetos.

Estudia el punto de interés Es importante que tengas muy claro cual va a ser el punto de interés de la fotografía. Si la figura humana es más o menos reconocible al ojo humano, va a ser muy difícil que no

se lleve todo el protagonismo. Encontrar el equilibrio para que la persona atraiga nuestra atención sin robar todo el protagonismo del paisaje va a ser uno de los puntos

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más complicados a trabajar, por ejemplo, si aparece la cara de la persona es muy probable que el

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espectador ya no preste mucha atención al resto de la escena.

Fotografía de Javier Martínez en la que está perfectamente equilibrado el punto de interés, las personas aportan dimensión sin robar un ápice de protagonismo a la mole rocosa. Si la actividad que están realizando fuera identificable por el espectador, es posible que el centro de atención fluctuara entre la dimensión de la roca y la actividad.

Trabajando con la persona Lo tienes todo listo para realizar una fotografía en un escenario típico, por ejemplo, junto a una gran cascada, ¿te habías planteado el estruendo que provocan toneladas de agua desplomándose desde varios metros de altura? es imposible comunicarte

con tu figura en una situación como esa, por eso, un recurso muy eficiente es que utilices siempre walkies para colocar a tu modelo, de ese modo siempre estará en el lugar y en la posición más adecuada para tu fotografía.

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En la anterior imagen se le indica a la persona la ubicación idónea en el encuadre: cómo y dónde debe colocarse, cuántos disparos se van a realizar, cualquier indicación necesaria, todo ello a través de un walkie. Fotografía de Roberto García.

Resultado de la imagen anterior.

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Lenguaje corporal Aunque las opciones no son muchas, la posición de los brazos, las piernas y la cabeza de la figura van a determinar el estado de ánimo. Ten en cuenta que la figura actúa como filtro ante las emociones que el espectador sienta al contemplar el paisaje, por eso, no es lo mismo

que ante un gran valle nevado la figura aparezca con los brazos en alto, triunfante (transmitiendo libertad) o aparezca sentada con las piernas entrecruzadas (transmitiendo serenidad). Trabaja el lenguaje corporal de la figura para obtener el resultado que desees.

Un lenguaje corporal que denota actividad es el que apreciamos en esta fotografía de Miguel Ángel Ruiz, este mismo sujeto, sentado, nos hubiera transmitido sensaciones completamente diferentes.

David o Goliath Prevé el tamaño de visualización de la imagen al componer. Si vas a revelar una copia a gran tamaño la persona puede ser mucho más pequeña dentro del encuadre que si la imagen se va a ver en una galería

online a 800 píxeles de lado mayor. Una figura demasiado pequeña puede pasar desapercibida, una demasiado grande puede robar todo el protagonismo, colócala para encontrar el equilibro dentro de la escena.

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Luz y color Hay varios factores que van a tener un papel muy importante en la capacidad de atención de la figura. No importa sólo su tamaño o actitud, su presencia va a ser más o menos notable en función del color de la ropa o de la iluminación . Un recurso muy efectivo es beneficiarnos de la dirección de la

luz para dar el punto adecuado de énfasis a la figura: por ejemplo, una luz lateral rasante ayudará a crear silueta en el contorno de la persona e incluso crear una sombra identificable, ambos elementos, silueta y sombra, son muy apreciados por el observador desde un punto de vista estético.

En esta fotografía de Saúl Santos, los colores vivos de la ropa de la persona destacan con el resto de la escena.

Crear desconcierto Ahora que sabemos que con la figura podemos dar dimensión a una escena, vamos a hacer lo contrario. Podemos manipular la escala colocando a la persona en un punto que no deje identificar o que cree una sensación errónea de las dimensiones.

Por ejemplo: una persona se encuentra sobre una roca a unos veinte metros, pero nos colocamos de tal forma que parece que está subida en una que está a un par de metros, una pequeña ola que choca contra esta ola nos dará la sensación de que es gigantesca.

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En esta imagen se ha jugado con la ubicación de los elementos para crear desconcierto en cuanto al tamaño de la secuoya ubicada en primer término.

Romper el ritmo La escena puede ser un caos ordenado de valles, rocas, árboles y nubes; o puede que sea una imagen con ritmo: una repetición de dunas que se extiende hasta el infinito, por ejemplo. El punto en el que ubiquemos la figura, dentro del conjunto de la composición, principalmente en una imagen que no tenga ritmo, va a tener que estar

motivado por la existencia de una línea, un recorrido visual o un acento en el paisaje; sin embargo en una imagen con ritmo, la ubicación es una cuestión mucho más personal en cuanto a énfasis, ya que la figura va a tener el mismo independientemente de dónde la ubiquemos.

La importancia de la focal Si partimos de la base de que la focal que utilicemos cambia la imagen, irremediablemente va a cambiar la forma en que la figura deba ser colocada. Personalmente opino que las focales demasiado

cortas de entre 15 y 20mm (35mm) requieren mucha más planificación, aunque bien estudiadas puede llegar a ofrecer escenas muy eficientes; sin embargo, un angular moderado o una focal media son el

encuadre perfecto para el equilibrio. En cuanto largas, son las que, al planos, la figura nos va

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encontrar a focales comprimir a ofrecer

sensaciones mucho más poderosas; también con focales medias-largas se crea ritmo, como ya hemos visto en el párrafo anterior.

Puede que nunca te hayas planteado incluir figuras humanas en tus paisajes, o si los has hecho, lo más seguro es que hayas dejado fluir la composición de una forma muy natural. Aunque aquí se haya hecho una pequeña introducción al tema, estas líneas no deben condicionarte mucho más allá de lo práctico: piensa en la focal, utiliza el walkie y coloca a la persona. Lo más importante es que dejes que tu creatividad fluya y así, aportes tu seña de identidad a las fotografías.

pero no olvides que se trata de un cliché.

La baza más fuerte de este recurso es que nos ayuda a canalizar las emociones desde el paisaje al espectador y viceversa empatizando con la persona que aparece en la escena. Es un recurso potente y eficaz que puede ser utilizado, pero con cautela, porque a no ser que lo manejes con la maestría de Saúl Santos, van Oostel o Zizka, y lo conviertas en tu seña de identidad, puedes caer en la repetición y encasillarte. Es efectivo,

Para finalizar, sólo decir que opino que no hay que cerrarse creando plantillas compositivas, fotografías calcadas de un lugar a otro. Optamos a conocer el significado y alcance de las emociones que transmite una persona en un paisaje, pero creo que no hay que buscarlo concienzudamente. Personalmente, las veces que lo he hecho no me han convencido los resultados ¿me falta práctica? ¿o es cuestión de expresarnos subconscientemente a través de la persona que aparece en el paisaje?

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Este artículo abre la puerta a un mundo de creatividad: el Minimalismo. He perdido la cuenta de las veces que he escuchado o leído relatos de fotógrafos de paisajes en los que hablan de limpiar la escena, mostrar composiciones claras, mensajes directos,... pues el Minimalismo puede sacar lo peor de nosotros si tratamos de simplificar un paisaje caótico, o puede sacar lo mejor de nosotros si sabemos qué es el Minimalismo, la técnica para crear este tipo de escenas, patrones de composición y sobre todo tener claros los conceptos.

Este es el primero de una serie de tres artículos dedicados al minimalismo, como hemos dicho, aquí abrimos la puerta presentando este estilo, pero en el próximo aprenderemos a capturarlo con

técnica, composición, conceptos,.. y terminaremos encontrando la inspiración con la musa del paisaje minimalista. No te pierdas este ciclo minimalista en El Paisaje Perfecto, prometo que no te defraudará.

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Es difícil contar qué es el minimalismo de una forma entretenida, ya que hablamos de teoría pura y dura, pero aún así lo intentaremos: el concepto de minimalismo nació en 1929, pero no fue hasta después de la segunda guerra mundial cuando comenzó a desarrollarse como movimiento artístico. Aunque su principal fuerte es la arquitectura, la escultura y el

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diseño, en artes visuales tiene también un gran campo de influencia. En lo que a las artes visuales se refiere, en la década de los 60 alcanzó su momento cumbre con pintores como Barnett Newman, Frank Stella, Ad Reinhart, Kenneth Noland y Robert Motherwell, de momento sólo pintores, ya queda poco para que hablemos de fotografía.

La obra Cathedra de Barnett Newman expuesta en un museo. Imagen bajo licencia CC.

El minimalismo puede ser abordado desde el punto de vista del diseño, pero son los principios de las artes visuales los que nos interesan desde el punto de vista de la fotografía. Para comprender los

principios desde el punto de vista de las artes visuales debemos comenzar por la máxima de un arquitecto, irónico ¿verdad? El célebre Mies van der Rohe con su frase "menos es más" redujo a tres palabras todos los

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conceptos que engloba el minimalismo, haciendo un ejercicio de reduccionismo al más puro estilo minimalista. . Estas tres palabras representan la esencia de este movimiento y nunca han sido cuestionadas, pues son el reflejo de la economía de medios que lo caracteriza. El reduccionismo es el alma de la estética minimalista, una economía de medios que se entiende desde el hecho de que se reduce el resultado a lo esencial. Se excluye lo pictórico y lo ilusionista para crear una obra conceptual, una obra en la que la idea tiene un mayor peso que lo representado para provocar una respuesta emocional en el

Académicamente el minimalismo no ha logrado el alcance que ha tenido en arquitectura, escultura o pintura, pero eso no le resta importancia; partimos de la base de que la fotografía minimalista está muy aceptada en nuestros días: el hecho de que se muestre un concepto de una manera tan clara en una imagen hace que el espectador no se sienta abrumado por la información, de tal modo que disfrute de la sencillez de

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espectador a través experiencia visual.

una

Las geometrías abstractas, las líneas marcadas y el contraste de colores son los tres elementos a destacar dentro de la estética visual minimalista, como hemos dicho, el pictoricismo no tiene cabida en este movimiento para, de ese modo, convertir la obra en algo más objetivo que subjetivo. Otro elemento fundamental a tener en cuenta son los espacios vacíos dentro de un encuadre, ocupando un espacio negativo en contraposición a lo representado en la escena.

una imagen minimalista tanto o incluso más de lo que lo haría con una pictorialista. Salvando las distancias, la principal diferencia entre los pintores minimalistas de los 60 y la fotografía minimalista de hoy en día es que aquellos pintores no aceptaban esta etiqueta, y actualmente, cualquiera que fotografía un paisaje con la línea del horizonte dividiendo el

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encuadre en dos, incluye en el título la palabra minimalista. Hemos citado que el término minimalista nació a finales de los años 30 y el movimiento artístico se desarrolló en los 60, pero ¿quién no ha oído hablar de minimalismo en nuestros días? este estilo continúa desarrollándose actualmente y parece que en los últimos tiempos ha experimentado un nuevo resurgir tanto en arquitectura como en diseño. Pero en fotografía es posible que ese resurgir haya sido mucho más excepcional: con la entrada en digital del mundo de la fotografía su práctica se ha popularizado, coincidiendo así con este resurgir del mi-nimalismo. Este es el momento en

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el que la fotografía mi-nimalista está alcanzando su cumbre, sin academizar, y con un largo camino por recorrer, tienes la oportunidad de unirte al movimiento fotográfico minimalista y llegar dónde tu creatividad te lo permita ¿te atreves? Hoy en día, el concepto de fotografía minimalista está muy extendido, y le denominamos así casi a cualquier cosa que reduzca su composición hasta la simpleza, a fotografía que tengan elementos muy aislados, a otras que tengan líneas,... en definitiva, es un término muy recurrente que en la mayoría de las ocasiones se utiliza inadecuadamente. Ni en este ni en

Mike Z.

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el resto de artículos vamos a ser puramente estrictos en el concepto, aunque si vamos a guardar cierto rigor, y vamos a ceñirnos en

denominar como fotografía minimalista prácticamente a todo lo que hoy en día se entiende como tal.

Es posible que llegados a este punto, sobre todo teniendo en cuenta que aquí hablamos de fotografía de paisaje, nos hagamos una pregunta: "-si bien es cierto que la fotografía minimalista está extendida y goza de popularidad, pero ¿ocurre lo mismo con la fotografía de paisaje?" no es necesario contestar a esta pregunta, creo que es mejor que os cuente cuáles son algunos de los fotógrafos de paisaje que creo que os pue-

El mercado del arte es un mundo muy extenso, y sólo unos pocos pueden llegar a conocer los verdaderos motivos que a una obra de arte le otorgan un valor equivalente a la deuda externa de algunos países. Pero nuestra curiosidad puede hacernos leer un artículo sobre minimalismo o puede llevarnos a consultar cuáles son las fotografías más caras de la historia. Este ranking lo lidera una fotografía de Andreas Gursky con 4,6 millones de euros, ¿la

den servir co- Rhein II de Andreas Gursky © es la fotografía conoces? el títumo referentes lo es Rhein II, y con el precio de venta más alto de la y cuya fotopodría "encajahistoria. grafía está rse" en lo que marcada por un acentuado estilo comúnmente se denominaría minimalista. fotografía de paisaje minimalista,

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aunque hablaremos de ello en las conclusiones.

de ambientes oníricos a través de larguísimas exposiciones.

Autores que cuentan con trabajos encasillables en paisaje minimalista hay bastantes, pero hay algunos que personalmente me llegan muy profundo. Creo que hoy en día hay dos focos principales de minimalismo en paisaje: el australiano, que se basa en líneas rectas de horizonte, especialmente el mar; personalmente me gustan mucho la serie Hypersilence de Samuel Burns y la serie Salt de Murray Fredericks, ambos jóvenes autores con una enorme proyección. Y el otro foco sería el británico, con autores como Cole Thompson, Doug Chinnery, Rohan Reillyy Steve Gosling; este estilo inglés se decanta mucho más por el blanco y negro, y con la búsqueda

En nuestro país el minimalismo en paisaje goza de una tímida popularidad, pocos son los autores que se atreven a crear series puramente minimalistas. Un ejemplo muy claro de trasformación pictorialista a minimalista en nuestro país es Rosa I. Vázquez; ya hemos analizado su obra en El Paisaje Perfecto, uno de los trabajos de los que hablamos en aquella ocasión era su serie como Rojo Sache "Laines". También destacaría en nuestro país a David Frutos Egea como representante de este estilo; en su obra podemos apreciar una clara influencia de lo que en el párrafo anterior hemos denominado el estilo inglés.

Laines de Rojo Sache

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El modo en que hoy en día se etiqueta todo lo que se reduce a lo esencial está muy lejos de ser aceptado por una persona que conozca los movimientos artísticos desde un punto de vista academicista, lo he repetido en otra ocasión en este artículo, pero pretendo hacer especial hincapié en que estos artículos son un modo de encajar dentro de un estilo claramente identificable una serie de fotografías de paisaje que responden a los principios de este movimiento. En ese sentido lo que hoy en día se denomina fotografía minimalista poco tiene que ver con la apariencia visual de las pinturas de los 60. Pero habrá que esperar a

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la siguiente entrega de esta serie, cuyo título es "Capturando paisajes minimalistas" para comprender lo que se conoce por fotografía minimalista en nuestros días, qué nos lleva a denominarlo así y qué es lo que hace a este estilo tan atractivo. Esto es sólo la introducción, y te aseguro que lo menos interesante en cuanto a fotografía de paisaje minimalista que vamos a contar en El Paisaje Perfecto. En los próximos artículos, como hemos dicho, descubriremos la verdadera esencia del minimalismo analizando la técnica, la composición, los elementos y todo lo necesario para crear las mejores fotografías de paisaje dentro de este estilo.

Diego Cuasante

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Continuamos con el ciclo de minimalismo en El Paisaje Perfecto, hemos hecho una parada en el hayedo de La Pedrosa, pero ahora vamos a avanzar un paso más con este apasionante estilo. En el primer artículo de los tres que van a seguir esta temática: 'Minimalismo y fotografía de paisaje' hicimos una introducción a la fotografía minimalista y cómo puede ser adaptado su concepto y su estética a la fotografía de paisaje, ahora vamos a ahondar en la captura de estos paisajes, la técnica y la composición.

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No es imprescindible haber leído el anterior artículo sobre minimalismo, pero sí muy recomendable, pues en aquel establecemos las diferencias existentes entre el concepto de minimalismo como movimiento artístico del siglo XX y lo que hoy en día se entiende por estética minimalista en fotografía. De este modo podemos adaptar los

conceptos de esta estética minimalista fotográfica actual para crear paisajes que respondan a sus criterios y así reflejar la belleza de lo simple con magníficas fotografías de paisaje. ¿Crees que algo reducido a la máxima sencillez no puede transmitir belleza? entonces no te pierdas el resto del artículo.

Llegados a este punto puede que hayas leído muchas veces la palabra minimalismo, pero no es hasta ahora cuándo vas a conocer sus conceptos visuales en fotografía. Es el momento de que comprendamos el paisaje minimalista desde la mente, o lo que es lo mismo, aprenderemos una serie de consejos sobre composición para poner el chip en modo simplificar, reducir, depurar,... y es que, estas tres palabras definen el alma de este tipo de composiciones.

Stupid, lo que en castellano sería Mantenlo Simple Estúpido. El principio KISS establece que la mayoría de sistemas (hablamos de composiciones) funcionan mejor si se mantienen simples que si se busca la complejidad; por lo tanto a la hora de capturar paisajes minimalistas, desde el punto de vista de la composición debemos tener presente en todo momento este principio, pues buscar la sencillez que se proclama desde KISS, a la hora de trabajar una imagen minimalista, nos va colocar en el camino correcto para conseguir fotografías que encajen adecuadamente en esta estética.

¿Conoces el principio KISS? esta palabra 'KISS' proviene del acrónimo en inglés Keep It Simple

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Simple, pero visualmente muy efectiva, imagen de Roberto Graña.

Derivando del principio KISS diremos que cualquier complejidad o elemento innecesario debe ser eliminado del encuadre. Como vimos en el anterior artículo sobre minimalismo, la emoción debe estar por encima de la belleza, por eso no dudes en hacer zoom, reencuadrar y descartar partes de la escena que puedan despistar al espectador, tal vez, cuando no tengas en el cuadre más que dos elementos con lo que jugar, sea el momento de plantearte el mensaje que quieres transmitir con esa imagen.

El mensaje del minimalismo es objetivo, dejando a un lado la subjetividad del autor, el cual puede ser considerado un artesano de la imagen, crea una fotografía siguiendo unas directrices, pero su marca personal debe quedar relegada a esas directrices. Para crear un paisaje minimalista no deben estar presentes todos estos aspectos de la composición en la escena, pero sí es importante, por una parte que no los contradiga (si no es para darle mayor importancia a otro, como

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podría ser romper el equilibro para resaltar la sensación de vacío en la escena), y por otra parte que responda al menos a dos o tres. Por ejemplo, una escena que tenga mucho recorrido visual debido a la disposición de los elementos y que por lo tanto no es hierático, ya que están colocados de tal forma que

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permitan el recorrido del ojo por el encuadre, aunque cuente con una gran cantidad de vacío y aunque los colores de estos elementos sean puros, no responde a los principios estéticos minimalistas en fotografía porque contradice algunos de los conceptos expuestos anteriormente.

Pautas de la composición del paisaje minimalista - Elementos centrados - Líneas rectas que dividen el encuadre - Colores puros - Abstracción geométrica - Recorrido visual estático - Reduccionismo - El vacío tiene una gran importancia - Dos únicos colores en la escena - Imágenes hieráticas - Equilibrio - Importancia del punto

Crear una imagen minimalista puede ser muy sencillo, en un día despejado puedes alzar tu cámara al cielo y, sin incluir ningún otro elemento más que azul ya has creado una imagen minimalista, además podrías decir que estás siguiendo el estilo de la serie Monochrome de Yves Klein. Pero puede que algún fotógrafo que está a tu lado, al verte hacer eso decida imitarte, pero él lleva polarizador, lo ajusta y consigue una imagen como

la tuya, pero su color azul es mucho más intenso, saturado y, por lo tanto, atractivo. Al aplicar técnica (con el polarizador como en el ejemplo) vamos a conseguir llegar a lo más profundo del estilo fotográfico minimalista consiguiendo ampliar de manera considerable el abanico de opciones en el momento de la captura. Estos son algunos consejos que puedes seguir en lo que a técnica fotográfica se refiere.

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Polarizador Hemos hablado de este accesorio en el párrafo anterior, pero su función no se limita a la citada: saturar e intensificar el color del cielo. De hecho, el polarizador es tan importante para la fotografía de paisaje que podríamos dedicarle un artículo

completo. Para capturar paisajes minimalistas no tiene menos importancia, pues, los contrastes de colores puros e intensos son uno de los puntos fuertes de esta estética, el polarizador te ayudará a conseguir esos colores en el momento de la captura.

Focal No hay un rango establecido de distancias focales que sean las que mejores resultados te den a la hora conseguir una imagen minimalista, sin embargo, es cierto que las focales de medias a largas tienen una mejor capacidad de simplificación debido a que comprimen los planos. Se puede capturar la estética minimalista con un angular, sí, por supuesto, pero te va a resultar más sencillo sintetizar con un

teleobjetivo, y si tiene zoom, mejor que mejor. Otro punto a favor de una focal larga es la ausencia de distorsión óptica presente en muchos de los objetivos angulares, la línea recta es uno de los fuertes del minimalismo, si utilizamos un objetivo que tiende a curvar el plano en los bordes puede ser contraproducente para encontrar la imagen que buscamos.

Exposición A la hora de capturar los colores puros e intensos de los que hemos hablado, la exposición debe centrarse en los requisitos del color en cuestión para conseguir captarlo en el grado de intensidad adecuado, hemos hablado de ciertos conceptos de la exposición en 'Las 4 claves para lograr exposiciones de paisaje perfectas'. Además, hay dos recursos fundamentales de la exposición para adaptar la escena a la estética minimalista: la clave alta y baja como

medio que nos va a permitir aislar elementos en un encuadre dominado por el blanco o por el negro. Por último, hay una rama de la fotografía de paisaje minimalista, la nombrada en el artículo anterior como 'estilo inglés', este tipo de fotografías se basan en exposiciones extremadamente largas, incluso en pleno día, para ello necesitaremos un filtro de densidad neutra que reste varios pasos de luz, una buena referencia pueden ser restar 6 o 10 pasos.

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Luz Es muy frecuente que los que fotografiemos paisaje tratemos de encontrar en los cambios de luz que se producen al principio y al final del día el momento adecuado para resaltar la belleza de la escena. Para el paisaje minimalista puedes servirte de estas luces, pero además, luz dura del

mediodía tiene una serie de ventajas en este sentido: crea sombras marcadas, realza los colores de forma natural, mejora el contraste y nos permite trabajar con tiempos de exposición cortos cuando utilizamos las citadas focales largas.

Enfoque El enfoque puede ser un recurso para capturar un paisaje minimalista, pues en el caos de árboles, rocas, plantas,... de un entorno natural nos ayuda a deshacernos de lo que no

Una clave alta puede ayudar a aislar elementos, imagen de Stanley Zimmy.

queremos incluir a través del desenfoque. La hiperfocal puede dar paso a una serie de recursos pictóricos surgidos a partir de la ausencia de enfoque y así descartar elementos en la escena.

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Puede que te sientas abrumado por la cantidad de directrices compositivas que tienes que seguir, a pesar de que tienes unos cuantos ajustes técnicos que te pueden facilitar mucho las cosas, pero todo es mucho más sencillo si sabes por dónde tienes que empezar a buscar. ¿dónde encontramos paisajes con líneas rectas que dividen el encuadre, con dos únicos colores, con equilibrio,...? pues en el mar. Dividiendo en dos un paisaje marino: cielo y tierra ya tenemos una imagen minimalista de paisaje: tiene equilibrio (el horizonte sin inclinación), una línea recta que

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divide el encuadre, un recorrido visual estático, dos únicos colores en la escena y es una imagen hierática; este paisaje responde a varios conceptos compositivos sin contra-decir ninguno de ellos. El mar sería por lo tanto un elemento muy importante en el que encontrar paisajes minimalistas y su principal característica es que es una línea recta que puede ser utilizada para dividir el encuadre en dos. Con esta característica no se encuentran muchos elementos en la naturaleza, para dar con algo parecido tendremos que buscar llanuras, superficies de terreno planas: una pequeña meseta que sobresalga en una llanura,

Un páramo puede ser un buen lugar en el que encontrar líneas rectas.

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En nuestro entorno cercano podemos encontrar elementos que nos sirvan de inspiración para capturar imágenes minimalistas, Jose Giménez.

de tal modo que no haya elementos que entorpezcan nuestra visión, e incluso un páramo serían ideales en este sentido.

respecto al entorno que les rodea puede ser mucho más eficaz si contamos con niebla, calima o bruma que reduzcan el contraste y la profundidad en la escena.

Un elemento muy utilizado en las fotografías de paisaje que siguen esta estética son los árboles solitarios ubicados en una colina, el hecho de que estén en una colina no es algo casual, simplemente nos permite aislarlo del resto del entorno. Este aislamiento de elementos con

Estos son sólo unos ejemplos, conocer los elementos minimalistas y localizarlos es una tarea de evidente complejidad, pero que es completamente indispensable si nos disponemos a capturar este tipo de imágenes.

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Pero no todo se basa en buscar uno de los elementos mencionados en el punto anterior, o ser tan valiente y creativo como para encontrar unos propios. El paisaje minimalista puede ser abordado desde dos perspectivas distintas: por una parte podemos elegir un elemento de corte minimalista y crear nuestra imagen, pero también existe la opción de, a partir de las directrices técnicas y compositivas a nuestra disposición, transformar cualquier elemento o escena en minimalismo.

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Si bien, estos dos caminos no son contradictorios, podemos elegir un sujeto minimalista y abordarlo a partir de la técnica y los conceptos compositivos propios, es posible elegir también dos caminos en función del resultado que estemos buscando, y aquí, sí que no hay lugar a dualidades: nuestra imagen minimalista de paisaje puede responder a la evolución estética de este movimiento en la fotografía contemporánea o puede imitar mucho más directamente las obras de los autores minimalistas del siglo pasado.

Una roca solitaria con aves, elegir el motivo es uno de los dos modos de abordar el paisaje minimalista. Imagen de José Luis López S.

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DOS PERSPECTIVAS

ELEMENTOS MINIMALISTAS

CREAR MINIMALISMO CON TÉCNICA

IMAGEN MINIMALISTA

Reducir, limpiar la composición, crear un mensaje sencillo y directo,... son directrices de este estilo, pero si nos planteamos nuestro proceso de captura de nuestros paisajes seguramente que recurramos a estas directrices a la hora de componer. Esto me plantea una cuestión, ¿el refinamiento al que sometemos muchas de nuestras fotografías de paisaje puede estarnos llevando a interiorizar inconscientemente la estética minimalista como la meta de nuestros paisajes? El minimalismo llegó en los 70 a las artes visuales como reacción

al expresionismo abstracto estadounidense de los 50 y los 60. Motivado por una parte por la necesidad de simplificar el concepto de la obra, en muchas ocasiones retorcido e inalcanzable sin el contexto adecuado, y por otra como evolución estética de los movimientos anteriores, como el citado expresionismo abstracto. Hoy en día parece que el minimalismo cobra fuerza en el mundo de la fotografía, sin llegar a dominar el panorama estético hasta la hegemonía, cuenta con una gran acogida y representación.

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Cada día son más los autores que imprimen a sus obras un estilo minimalista, como es el caso de esta imagen de Diego Cuasante.

El paisaje que tiene hegemonía hoy en día es un tipo de imagen en la que observamos escenas sobrecargadas, con sujetos icónicos y momentos casi mágicos. Es posible que la línea ascendente en cuanto a popularidad de la fotografía minimalista pueda estar motivada como reacción a las fotografías pictóricas que podemos encontrar en cientos de galerías online de paisaje, puede que el minimalismo sea una ruptura hacia lo extremo, la reacción artístico-natural a estas imágenes en busca de una fotografía más simple, más cercana y más

accesible para la práctica. Además aplicar la estética minimalista a localizaciones que se han convertido en cliché puede ayudarnos a conseguir una imagen mucho más original y personal de un lugar saturado. Una de las motivaciones principales, además de mis propias inquietudes, es que en paisaje, la fotografía minimalista, cuenta con un amplio espacio en el que desarrollarse. Su práctica, y la interiorización de sus conceptos es mucho más asequible para cualquier fotógrafo que se disponga a fotografiar paisaje.

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Imagen de Paco Giménez, un lugar icónico que se ha abordado compositivamente para que responda a una estética minimalista.

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¿Alguna vez has tenido la suerte de encontrarte un valle en el que reposa la niebla? es una experiencia única, fotografiar un paisaje en el que la bruma juega con los árboles, las colinas y los riscos nos va a aportar la posibilidad de encontrar encuadres irrepetibles y tremendamente atractivos; pero la niebla puede aportarnos muchísimo más si buscamos crear paisajes minimalistas.

José Luis López S.

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Hemos hecho una introducción al minimalismo en relación a la fotografía de paisaje para después, en una segunda entrega creamos una guía de referencia para captar este estilo en nuestras imágenes (podéis encontrar el link a estos artículos al final de este), ahora es el momento de ir un poco más allá y llegar a lo que puede ser una fuente de inspiración inagotable para crear imágenes que deslumbren por su sencillez, y para ello vamos a dejar que la niebla nos inspire.

Partimos de la base de que no destaca por ser común y mucho menos por ser fácil de encontrar, este fenómeno atmosférico, porque al fin y al cabo, la niebla no es más que eso para los meteorólogos, un fenómeno atmosférico que consiste

en la suspensión de gotas de agua de pequeño tamaño, lo que les permite mantenerse en suspensión y reducir así la visibilidad horizontal. Pero para los que salimos a fotografiar paisaje la niebla es mucho

Hay muy pocas posibilidades de que conscientemente podamos llegar a previsualizar una imagen como esta en nuestra mente, la "danza" entre niebla y riscos será la que, si estamos atentos y tenemos suficiente destreza, nos permita captar una fotografía como esta de Diego Cuasante

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más, es tener un día de suerte, es volver a casa con la tarjeta cargada de imágenes interesantes y sobre todo es una gran ayuda a la hora de componer escenas a las que queramos añadir un toque de misterio, nos ayuda a limpiar una escena (compositivamente hablando) y, además, nos sirve para crear imágenes en las que la sencillez tenga una presencia significativa, dicho alto y claro: nos ayuda a encontrar una imagen minimalista. Pero por mucho que busquemos y por mucho que nos afanemos en tener bajo nuestro control el manejo de recursos técnicos como el polarizador, focal, luz, exposición,... la niebla se escapa inevitablemente a nuestro control. Algún día crearemos una guía que pueda servir como referencia para predecirla y capturarla, a pesar de ello, el éxito: el

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hecho de encontrar niebla, no está garantizado, ya que no es fácil conocer de antemano y controlar ni su intensidad, ni su duración, ni la localización exacta. Los filósofos llevan cientos de años dándole vueltas a una cuestión: "¿un árbol hace ruido al caer si no hay nadie para escucharlo?" puede parecernos evidente y nosotros contestaríamos "Por supuesto" ya sabemos que los filósofos son muy de darle vueltas a las cosas; en este sentido, no dudamos que la niebla está ahí, aunque no vayamos y la fotografiemos (al igual que el árbol hizo ruido al caer) seguirá estando ahí. Nos removerá la conciencia quedarnos en casa si sabemos que podemos encontrarla, porque tenemos la convicción de que nos va ayudar a capturar una gran fotografía de paisaje.

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Un día sales a fotografiar un risco, sabes que no va a hacer buen tiempo y se pasa la mañana cayendo agua; bajo tu chubasquero y sin poder sacar la cámara tratas de resignarte a esperar que pare un poco para tratar de hacer alguna imagen (que seguro que en tu subconsciente sobrevalorarás para no volverte a casa con la sensación de haber perdido el día). Cuando menos te lo esperas, la lluvia disminuye, y ante ti comienza a tener un lugar un armonioso enlace de cielo y tierra, las nubes, en forma de bancos de niebla se encuentran con las montañas y estas se dejan tímidamente ver, de vez en cuando. No desaprovechas la situación, ni mucho menos, sacas la cámara y capturas una escena que

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sabes que te va a aportar muchas alegrías y que va a marcar un antes y un después en tu trayectoria fotografiando paisajes. El minimalismo, como hemos desarrollado en Minimalismo y fotografía de paisaje y en Capturando paisajes minimalistas, es un reduccionismo visual de la imagen, tratar de transmitir con una escena disponiendo del menor número de elementos posibles. Hemos hablado, principalmente de composición y técnica para crear imágenes que respondan a estos principios, pero hay algo más que nos puede ayudar, y ese algo es la niebla como elemento clave para este tipo de imágenes.

Jonathan Gascó

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Calificamos a la niebla como una musa para el paisaje minimalista, nada más lejos de la realidad, pero si somos objetivos, lo que nos encontramos en realidad es en una situación en la que de forma natural los elementos del paisaje que nos rodea se han simplificado.

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La niebla puede ser considerada como una musa porque crea una situación visual que nos pone en bandeja la simplificación de la escena, en relación a esto podemos enumerar sus características tal como se observa en el siguiente cuadro:

- Limita el punto de vista - Ayuda a difuminar elementos - Crea profundidad - Encontramos zonas de "vacío" - Aísla sujetos - Elimina detalles - Crea siluetas

Una de las características de la niebla en relación al estilo minimalista en fotografía de paisaje es que puede aislar sujetos. Jonathan Gascó.

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No ha habido un sólo día que me haya encontrado niebla y no haya quedado satisfecho con los resultados. Algo parecido me ocurre cuando he tratado de crear paisajes en la línea de la estética minimalista, aunque no hayan sido imágenes de esas que puedan llegar a destacar en tu repertorio, sí que ocupan un lugar muy respetable. Una fotografía minimalista bien ejecutada nunca falla, tampoco va a ser "lo más". Una fotografía con niebla tampoco falla, cuidando un poco técnica y

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composición. Pero si unimos niebla y minimalismo podemos crear una fusión, una complementación. Combinando un fenómeno atmosférico y un recurso estilístico obténdremos un resultado que no nos dejará indiferente. Con la unión de ambos podemos crear fotografías de paisaje de una belleza extraordinaria, una mezcla de composición y ambiente que puede llevarnos a crear las imágenes más conmovedoras e impactantes que podamos imaginar.

La perfecta combinación entre niebla y minimalismo. Fotografía de Jónathan Gascó.

Imagen de Anh Dinh

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EE.UU. es para muchos un lugar de referencia para la fotografía de paisaje, no sólo porque en este país han desarrollado su labor fotográfica los pioneros de esta disciplina, sino también porque la historia geológica y natural de nuestro planeta le ha otorgado una dosis extra de belleza en este sentido, concentrando en su territorio algunos de los paisajes más extraordinarios del mundo.

Selvas, desiertos, grandes montañas, glaciares, en el territorio de EE.UU. se encuentran presentes casi todos los ecosistemas posibles; no es de extrañar que la fotografía de paisaje aquí tenga unos niveles de popularidad muy superiores al resto del mundo, pues contar con un

marco en el que practicarla que nos ofrezca tantas posibilidades ayuda a crear afición. Esta afición se ve reflejada en la cantidad de visitantes de El Paisaje Perfecto que recibimos de EE.UU., con casi un 25% del total de visitas, este artículo está dedicado para ellos.

Los paisajes de este parque nacional son la esencia de la fotografía de paisaje, su relevancia viene marcada principalmente por dos factores: es el primer espacio natural protegido del planeta, y en él han desarrollado su actividad muchos de los fotógrafos de paisaje más relevantes de la historia, como Ansel Adams. El paisaje de Yosemite está formado por la combinación de imponentes cumbres de granito y profundos valles glaciares, ador-

nados con una rica vegetación y una gran cantidad de saltos de agua. La belleza de muchos lugares de Yosemite sería suficiente para que estos por sí mismos tuvieran cabida aquí: El Capitán, Vernal Falls, Cathedral peak, Horsetail,... todos estos lugares fotógenicos y muchos más puedes encontrarlos en Yosemite, por eso es el lugar más fotogénico, desde el punto de vista de la fotografía de paisaje, de EE.UU.

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Arriba: Glenn Mills, Abajo: Jeff Olshan. Pรกg. Sig. Arriba: Michael Dauber, Abajo: I-Ting Chiang.

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Es uno de los accidentes naturales más grandiosos del planeta: el río Colorado ha erosionado la superficie para hacer una hendidura de más de 400 kilómetros de larga, 29 de ancha y profundidades de más de 1.800 metros, dejando al descubierto la historia geológica de nuestro planeta. En semejante escenario los fotógrafos de paisaje lo tienen fácil para conseguir transmitir la espectacularidad y la belleza sublime de un lugar como este; pero el Gran Cañón tiene lugar aquí por algo más: en su entorno se aglutinan algunos de los lugares más icónicos de la fotografía de paisaje: Havasu Creek, Horsetail, Antelope Canyon, Rainbow arch,... el fotógrafo que

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visite el Gran Cañón se enfrentará al reto de conseguir captar la dimensiones y la belleza de este lugar, pero jamás podrá olvidar las oportunidades fotográficas que ofrece la luz al colarse entre las paredes de este impresionante cañón.

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El otoño es uno de los momentos en los que la naturaleza alcanza uno de los momentos cumbres de belleza para la fotografía de paisaje, pero en todos los lugares no es igual: en los estados de Nueva Inglaterra (Maine, New Hampshire, Vermont, Massachusets, Connecticut y Rhode Island) el otoño es mucho más espectacular que en cualquier parte del mundo. El Indian Summer es la época del otoño en que las temperaturas son más suaves (Veranillo de San Miguel o San Martín, del membrillo...) y suele coincidir con el momento en que los árboles de esta región se encalan

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de las más ricas tonalidades para ofrecer al fotógrafo de paisaje un espectáculo que jamás podrá olvidar. Para encontrar un marco perfecto a esta visita, tal vez, el Acadia National Park sea el lugar ideal.

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Pág. Ant. Arriba: I-Ting Chiang, Abajo: Chris Mclaughlin. Arriba: Truyen Nguyen. Abajo: Sathish Jothikumar

Las casualidades geológicas de nuestro planeta han hecho que sea posible que encontremos un lugar como este. El yeso se disuelve con el agua y, como norma general, encuentra salida al mar, pero aquí se encuentra aislado en una cuenca de tal modo que se forman cristales de yeso que forman este impresionante paisaje de dunas blancas. El fotógrafo de paisaje puede comprobar cómo en este lugar los colores del amanecer y del atardecer se reflejan de un modo especial sobre la superficie blanca de la arena, cómo las oscuras montañas de San Andrés, al oeste,

son un elemento de contraste muy atractivo; y cómo las plantas de Yuca son tan fotogénico que anualmente atrae hasta aquí a un gran cantidad de fotógrafos; pero hay que guardar ciertas precauciones, pues en este lugar se han registrado temperaturas entre 25º y +44º.

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Los Everglades es un Parque Nacional situado en Florida, se trata de un humedal subtropical de gran importancia medioambiental. Este lugar es el mรกs importante de los

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pantanos del sureste de EE.UU. pero hay otros que pueden resultar mucho mรกs atractivos para el fotรณgrafo de paisaje: Okefenokee, Great Dismal o Atchafalaya son

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algunos de estos lugares en los que se combinan una exhuberante vegetación con unas aguas tranquilas capaces de reflejar en su superficie la belleza del entorno.

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Fotografiar aquí no va a ser nada sencillo, pero una experiencia inolvidable y las grandes imágenes están aseguradas.

Michael Pancier. Pág. Ant. Arriba: Michael Schulte. Abajo: Keith Leblanc.

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Este parque nacional probablemente sea conocido por muchos por ser el lugar en el que Ansel Adams captó una de las fotografías de paisaje más representativas de su carrera: 'Tetons and the Snake river', de hecho, hoy en día, es un lugar de peregrinación para los fotógrafos de paisaje del país, pues se llegan a organizar viajes para fotografiar desde el lugar

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en el que Adams captó su imagen. Pero Teton es mucho más que esta imagen: glaciares, agujas de roca, cientos de lagos, profundas gargantas de montaña,... este lugar ofrece el escenario perfecto para conseguir grandes fotografías de paisaje. Los casi 3 millones de visitantes anuales dejan constancia de la belleza de este parque nacional.

Henk Meijer. Pág. Sig. Arriba: Abhilash Itharaju, Abajo: Michael Dauber.

La que probablemente sea la región desértica más fotografiada del planeta esconde muchos rincones que van más allá de la imagen cliché que ofrece Mesa arch al amanecer. Una extensión de más de 1.300 kilómetros cuadrados

horadada por los ríos Colorado y Verde que ofrece un sinfín de valles erosionados y formaciones rocosas únicas en las que el fotógrafo de paisaje puede encontrar más que la inspiración, también una experiencia muy enriquecedora.

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Probablemente, el fotógrafo de paisaje pueda conseguir imágenes únicas en este lugar, pero es casi una obligación moral fotografiar Mesa arch si se visita este parque, si

lo haces, madruga y coge sitio con el trípode pues muchos días se llegan a formar verdaderas aglomeraciones de fotógrafos intentando captar icónica imagen.

A caballo entre los estados de Arizona y Utah se trata de un parque de territorio de la tribu de los Navajos. Aquí se encuentra la imagen más icónica de EE.UU. y probablemente del planeta: The three mittens. El cine tiene la culpa de ello, pues ha incrustado en el subconsciente de muchas personal los paisajes de este lugar: John Wayne a lomos de su caballo por este lugar en 'La Diligencia', por citar el ejemplo más representativo. El fotógrafo de paisaje tal ver tenga que enfrentarse a los trámites y la gestión de los navajos para poder

recorrer el parque y fotografiarlo, pero las imágenes que se pueden conseguir en rincones como Totel Pole, desde Hunt mesa o junto al arco Eye of the Sun merecen la pena cualquier esfuerzo.

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Arriba: Glen Mills, Abajo: Jocelyn Pantaleon. Pág. Sig. Arriba: Andrew Behr. Abajo: Dimitri Stukolov.

Con más de 1.100 kilómetros de caminos este parque nacional en el que se conjugan bosques, cumbres, lagos, gargantas, valles y, por supuesto, glaciares, es el

escenario ideal para perderse y dedicarle tiempo a disfrutar de la naturaleza y de la fotografía de paisaje. Pero hay ricones en los que se puede concentrar toda la belleza

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del lugar, uno de ellos es Logan pass, una portilla en la que queda bajo nuestros pies el curvado Hidden lake y al fondo Bearhat mountain,

todo ello angalanado con pinos, praderas de un verde pristino y la luz mágica que sólo la montaña puede ofrecernos.

Si tuvieramos que hacer un listado de lugares curiosos del planeta, este sin duda tendría una cabida especial. Sería más correcto hablar de un valle, más que de un cañón, plagado de pináculos rocosos, cuya formación y geología nos envuelve en un escenario misterioso. La erosión ha conseguido crear un escenario único del que puede aprovecharse el fotógrafo de paisaje. Hay dos opciones: recorrer el borde del valle para obtener vistas panorámicas del lugar o

adentrarnos en el laberinto de roca para buscar la inspiración entre los centenarios árboles que hay en su interior. Sea como sea, las fotografías de paisaje espectaculares están aseguradas.

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Michael Dauber

Al principio hemos hablado sobre la gran afición que hay a la fotografía de paisaje en EE.UU. esta discipina fotográfica triplica la cantidad de personas que la practican con respecto a otros países en los que tiene una acogida aceptable. Miles de fotógrafos recorren cada año las localizaciones más emblemáticas de su valiosa red de parques nacionales, pero todo tiene una contrapartida. Se han creado una serie de localizaciones cliché, repetidas por muchísimos fotógrafos y que son una mera copia unas de otras: la misma imagen repetida cientos de veces

desde un mismo mirador ¿es esto algo negativo? ni muchos menos, hace que para conseguir algo novedoso o que pueda llegar a satisfacerte en un sentido creativo te obligue a esforzarte más, y el esfuerzo, la dedicación y los requisitos de creatividad a los que nos somete el reto de superar los clichés siempre va a ser algo positivo para la fotografía de paisaje. Aunque esto es un ranking del 1 al 10, el orden, aunque puede ser una referencia, no es realmente importante si tenemos en cuenta que fuera de esta lista se

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han quedado algunos paisajes ya míticos de EE.UU.: Valley of fire, Antelope canyon, Arches NP, Canyon de Chelly, Devil`s playground, la costa de Oregón, Mount Rainier,... el listado de localizaciones que tienen un gran interés para los fotógrafos de paisaje en EE.UU. es interminable, aun así, mostrando tan sólo 10, si se practica la fotografía de paisaje, es difícil no enamorarse de estos lugares. Pero hay que tener en cuenta que para elaborar esta lista se ha tenido en

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cuenta por encima de todo un criterio: tal como indica el título, que el paisaje sea fotogénico. Te animo a que compartas con el resto de lectores tu opinión, ¿cuál es la localización que más te gusta? ¿cuál crees que debería haber incluido o excluído? ¿crees que a Yosemite se le da demasiada importancia? ¿crees que ha sido un error dejar fuera Yellowstone? Deja tu comentario en el blog.

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Cuando hablamos de cañones es muy probable que lo primero que se nos venga a la cabeza sea uno estadounidense, muy grandote, sí el Gran Cañón del Colorado. Pero también es probable que muchos desconozcáis que en la península ibérica existe una riqueza geomorfológica extraordinaria, y si te gusta la fotografía de paisaje estás de enhorabuena, porque en este artículo encontrarás diez buenos motivos para coger tu cámara, el coche y lanzarte a fotografiar una de estas maravillas de la naturaleza.

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Contemplar las profundas paredes, de hasta cuatrocientos metros en algunos puntos, nos hacen sentir la inmensidad de este maravilloso cañón excavado por el río Salazar. Si en un improbable futuro, la Comunidad foral de Navarrara fuera declarada parque de atracciones para fotógrafos de paisaje, la Foz de Arbayún sería uno de los monumentos naturales culpables de tan distinguido nombramiento. Mientras tanto, no dudes en buscar entre estas paredes de roca el encuadre perfecto para disfrutar con tu cámara, te sorprenderá el

Jose Ignacio Mallaina

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contraste de la roca de color claro con la densa vegetación que puebla las paredes. Hay exclusivos miradores que pueden ser utilizados por los fotógrafos para captar la cara más conocida de este cañón, pero si eres de esos que se atreven a ir un paso más allá y quieres explorar nuevos encuadres, no dudes en recorrer alguno de los senderos cercanos para encontrar puntos de vista menos conocidos, pero no olvides extremar las precauciones, pues los cañones tienen en contra que son lugares que encierran ciertos peligros a la hora de fotografiar.

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Muchas de las personas que observan por primera vez la típica vista de las Hoces del Duratón suelen exclamar: "¿pero, esto existe en nuestro país?" la respuesta es evidente, "-Sí, en Segovia, cerquita de Sepúlveda". El río Duratón ha excavado un serpenteante cañón en las llanuras de la meseta creando paisajes de gran belleza. Durante siglos, este lugar ha provocado una atracción mística en el ser humano, pues en lo más remoto de este lugar encontramos monasterios, ermitas y

cuevas. Tal vez sea esa atracción, casi mística, la que nos empuja a sentir la magia de fotografiar este lugar.

Las nieves del monte perdido alimentan el cauce del río Bellós para ayudarle a cruzar las montañas. El río Bellós en sus poco más de diez kilómetros de andadura deja tras de sí un descomunal cañón que el clima de

montaña se ha encargado de engalanar con una rica y variada flora. Ponte las botas, las vas a necesitar, porque en cuanto veas este cañón, no vas a parar de recorrerlo y de fotografiar hasta que llenes la tarjeta.

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Este río es el segundo más caudaloso de la península y el segundo más largo; pero en los casi 1.000 kilómetros que separan Fontibre del delta deja estampas de sobrecogedora belleza como este cañón. Entre los remotos páramos

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del norte de la provincia de Burgos, el río Ebro ha creado un oasis de biodiversidad, la naturaleza esconde aquí un maravilloso tesoro que la administración no ha dudado en declarar parque natural de casi 50.000 hectáreas.

Imagen de Carlos Calderón. Arriba izq.: Paco Solana. Arriba dcha. Tati Carmona. Pág. Ant. Arriba: Rafael Gallego. Abajo: Roberto Cobo.

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En ese magnífico rincón de la geografía peninsular que es la región de Murcia, el río Segura ha escavado un singular cañón. En sus cuatro kilómetros de longitud encontramos las paredes del cañón más o menos separadas entre sí; pero hay lugares en los que están tan juntas que, desde la pasarela que recorre el fondo de la garganta, podemos tener la sensación de ser capaces de tocar la pared del otro lado. Las aguas limpias y bravas que discurren por

este cañón te mostrarán lo fácil que es conseguir una gran fotografía de paisaje en lugares como este.

Si tuviéramos que proporcionar una cualidad al río Duero podríamos elegir la paciencia ¿porqué? porque no creo que sin paciencia hubiera podido llegar a crear estos magníficos cañones en la dura roca granítica. En la frontera hispano-lusa, desde Villardiegua de la Ribera hasta Barca D'alva durante casi doscientos discurre este cañón. La grandiosidad de este lugar es tal que, sin lugar a dudas sería por antonomasia "El cañón de la Península", de no ser por las sucesivas

presas que mantienen el cauce retenido, ocultando su verdadera profundidad y belleza.

En lo profundo de Galicia, entre las provincias de Lugo y Orense, otro río, mucho más modesto que el Duero ha tenido el valor de desafiar al granito, y ha salido vencedor. El Sil se pasea

orgulloso entre las inclinadas laderas de granito, que en algunos puntos pueden llegar a alcanzar los quinientos metros. No te hagas muchas ilusiones porque el Sil no es fácil de fotografiar en este lugar

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¿buscas un reto fotográfico? si te planteas fotografiar en este cañón,

sin

Tal vez no sea el cañón con las paredes más altas, ni el que ha sido creado por un río paciente o valiente, pero la Hoz de Beteta, en su conjunto es un tesoro paisajístico. En su interior se ha creado el lugar idóneo para que se desarrollen pintorescos bosques de tilos y avellanos. Sus paredes doradas pueden ser el complemento perfecto de los tonos otoñales que estos árboles adquieren. Tal vez te motive a visitar este lugar la posibilidad de llevarte la tarjeta cargada de grandes

fotografías de paisaje, eso no te lo puede asegurar nadie, lo que si es seguro, es que te llevarás una gran experiencia.

Sin duda alguna este lugar es un ejemplo a seguir en lo que a

conservación de naturaleza refiere. Donde el río Côa

duda

vas

encontrar.

Imagen de Tolo Sans. Arriba: Isidro Cea. Pág. Ant. Arriba: Ferrán Villalba. Abajo: Guillén Pérrez.

se se

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encajona encontramos un pequeño paraíso, una reserva natural privada que destaca por su colonia de alimoches, pero si vienes hasta este

lugar buscando un paisaje, no puedes perderte las imponentes vistas que te regala el Côa.

Cuando hablábamos de los 10 arcos naturales más impresionantes de la península ibérica hicimos varias veces referencia a la palabra caprichoso. También será este adjetivo el que se te venga a la mente cuando contemples lo que ha hecho el agua, el viento y el tiempo en este lugar. Se han dado en la sierra de Guara las condiciones geológicas precisas para que aquí podamos encontrar barrancos, estrechos, simas, arcos naturales, paredes de roca,... y por

supuesto mucha inspiración para conseguir grandes fotografías de paisaje.

En estos lugares no sólo podremos deleitar nuestros sentidos admirando la sensación de grandeza que nos provoca estar ante lugares como estos; también, podremos disfrutar de la biodiversidad que albergan, pues sus paredes escarpadas suelen ser el

refugio de numerosas especies de aves, las profundos e inaccesibles lechos de los ríos albergan una gran cantidad de vida, de ahí todos estos cañones se encuentren bajo algún tipo de figura de protección. Sin embargo, errores del pasado y el aprovechamiento energético han

Imagen de J. Lian. Arriba: Fundación transhumancia e naturaleza.

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motivado que muchos de nuestros cañones estén ocultos o en proceso de destrucción por las aguas de los embalses. Os preguntaréis dónde han quedado otros cañones de nuestra península, como el del río Lobos, el alto Tajo, el del Huebra,... es muy complicado condensar toda la

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belleza de nuestra península en diez lugares, aunque es muy probable que contaran con méritos suficientes como para estar aquí; en el próximo artículo de Los 10 más fotogénicos no puedes perderte una nueva entrega de lugares maravillosos en los que dar rienda suelta a tu ojo fotográfico.

Esteve L贸pez

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En otros artículos hemos hecho referencia a destinos adecuados dependiendo de la estación, por ejemplo: Costa Quebrada el pasado invierno, o El Castañar de El Tiemblo en otoño. Ahora que llega el buen tiempo queremos ofreceros un nuevo destino. La época estival es la estación perfecta para visitar la montaña, mucho más accesible y predecible que en otras estaciones, el fotógrafo de paisaje puede encontrar ahora las condiciones más favorables no sólo en cuanto a fotografía, sino asequible en cuanto a esfuerzo y requerimientos técnicos de montaña.

La montaña en verano es uno de los paisajes más evocadores que podamos fotografiar. Imagen de Tomás Suárez.

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Pero si hablamos de fotografía es posible que encuentres la escusa que necesitas para coger tu equipo y lanzarte a la aventura. En primer lugar, aunque estemos hablando de verano, en media y alta montaña es cuando la naturaleza alcanza su explendor tras el largo letargo invernal. Los prados comienzan a llenarse de flores, las lagunas de aguas cristalinas reflejan las cumbres que aún conservan algunos jirones de nieve. Todo se vuelve verde y recobra la vida gracias a la luz de los días más largos del año y a un clima mucho más agradable. Es el momento de encontrar esas luces de montaña, casi mágicas, de las que nos hablan y nos muestran en sus fotografías Galen Rowell y otros

autores. Es la estación perfecta para capturar la sinfonía de naturaleza salvaje, vida y luz que sólo la montaña puede regalarnos ¿te animas?

En el corazón del macizo central de los Picos de Europa se erige orgullosa una de las cumbres más emblemáticas de la península. A esta cumbre, en la zona se le conoce con el nombre Urriellu, tal vez derivado a cómo se le llama al macizo central "Los Urrielles", aunque oficialmente el nombre es Naranjo de Bulnes. Tampoco está claro el origen de este nombre, aunque se intuye que pueda ser por el color anaranjado que muestran sus paredes, especialmente con la luz lateral del atardecer. Los habitantes de la zona tienen un pequeño verso que nos puede ayudar a aclarar

algunas discrepancias en cuanto al nombre:

Partimos de la base de que la montaña en verano es mucho más popular. Casi cualquier fotógrafo de paisaje puede encontrar la posibilidad de fotografiar parajes salvajes con un esfuerzo relativamente pequeño. Por eso en El Paisaje Perfecto os animamos a que, ahora, en verano, os animéis a fotografiar en la montaña, y un destino perfecto es Picos de Europa, y su cumbre más espectacular y fotogénica: el Urriellu o Naranjo de Bulnes.

"No me llaméis Naranjo, pues fruto no puedo dar; llamadme Picu Urriellu, que es mi nombre natural" Creo que el nombre más correcto, a la hora de denominar este tipo de accidentes geográficos, siempre es el que haya sido utilizado tradicionalmente por los vecinos de la zona. La razón es muy sencilla, etimológicamente responde a su denominación original y de este modo es más probable tenga un

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sentido mucho más arraigado en la historia, que el que pueda tener un

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nombre que haya sido atribuido más recientemente.

Las primeras luces de la mañana iluminan el Urriellu en esta fotografía de Manuel Blanco.

Situado en el Parque Nacional de Picos de Europa, no es la cumbre más alta. Con sus 2.519 metros es superado de largo por otras cimas como Torre Cerredo con 2.650 metros o Peña Vieja con 2.617, pero sin duda es la cumbre más conocida e identificable. Podemos verlo desde pueblos o miradores a los que cualquiera puede llegar en coche como Pimiango, el Pozo de la

Oración, Póo de Cabrales, Camarmeña,... pero también existe la posibilidad de intentar buscar un punto de vista más personal desde alguno de los montes o cumbres circundantes. En este sentido, los mejores puntos de vista los podréis encontrar desde el norte, dónde mejor puede contemplarse su imponente pared de más de 500 metros.

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Puede que fuera la promesa de descubrir al atardecer ese color anaranjado que le ha dado el nombre de Naranjo de Bulnes, o puede que sea el captar esa mítica mole de roca con su pared de 500 metros la que me empujó a fotografiar el Urriellu. Estuve preparando este viaje durante meses, tratando de encontrar el mejor punto desde el que lo pudiera fotografiar, el ángulo idóneo para tratar de capturar su mejor cara y el momento en el que sol incidiera de tal forma que revele los colores anaranjados que le dan nombre. Todo esto me llevó a elegir la localización: Peña Maín. Peña Maín es un monte calizo situado al norte del macizo central de Picos de Europa (en el que se encuentra el Urriellu), por su cercanía, ángulo y altitud con respecto a este, se convierte en la lozalización ideal desde el cual fotografiar el Urriellu. Dentro de este monte, la zona más indicada para fotografiarlo, no sólo por la posibilidad de que haya zonas llanas en las que vivaquear más cómodamente, sino también por la cercanía de un exquisito hayedo, es la zona de la majada Algandolín, en la parte occidental de Maín.

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exploraba la zona con Google-Earth, tratando de encontrar el modo de llegar a Algandolín me encontré con una imagen de Panoramio que me impactó. Su autor es Antonio Varela, y su fotografía me sirvió tanto de inspiración como de motivación. El Urriellu sobre un cielo de azul intenso y enmarcado con el verde pristino de los dos árboles me recordó la belleza de alguna cumbre de cordilleras del Himalaya o los Andes. Ya había encontrado el mirador ideal para fotografiar el Urriellu, ahora necesitaba encontrar el mejor momento para hacerlo. Según mi criterio, lo ideal sería en el que el sol pudiera incidir desde un ángulo más bajo, tratando de buscar luces tipo "Alpenglow", y para ello el ángulo del sol al atardecer debe evitar el Pico Albo, situado al noroeste del Urriellu. Para que esta situación se produzca debemos fotografiarlo en fechas lo más cercanas posible al solsticio de verano, que es cuando el sol amanece y se pone en ángulos más cercanos al norte.

Para ser sincero del todo tengo que admitir que me hizo dar el paso y lanzarme a fotografiar aquí una fotografía en concreto. Mientras Imagen de Antonio Varela que me inspiró.

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El título dice mucho de lo que ocurrió. Salimos del Collado de Pandébano. dónde dejamos el coche y comenzamos a caminar hacia Peña Maín por uno de los dos pasos accesibles que hay en su cara Sur: el de la Majada la Robre. Mi mujer y yo no madrugamos, cuando comenzamos a caminar eran casi las doce de la mañana, teníamos todo el día por delante hasta llegar a la majada Algandolín, dónde vivaquearíamos.

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Las previsiones no eran muy buenas, no había muchas posibilidades de que las nubes que se habían asentado en las cumbres se despejaran y nos permitieran contemplar la inmensidad de estas montañas. Nos habían dicho en Sotres que sobre el mediodía esta niebla solía disiparse, sobre todo en época estival, cuando los rayos de sol caían perpendicularmente, tal vez fue esto lo que nos animó a cargar con las mochilas a pesar del mal tiempo.

Comenzamos el camino en las majadas de la Robre.

Con la ilusión por fotografiar el Urriellu subimos por la majada la Robre, un conjunto de casas que se utilizaban para el pastoreo. No teníamos prisa, caminábamos tranquilos parándonos a ver o fotografiar cualquier cosa que nos llamara la atención. No tardamos mucho en llegar a otra majada

Soterraña y de ahí a un pequeño y encantador grupo de Hayas viejas. En ese momento parece que el tiempo se complicó un poco, y aunque no se puede decir que la niebla se hubiera cerrado, si parecía que los montes que nos rodeaban no se veían con claridad, lo que nos hacía perder la esperanza de que

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ese día las nubes despejaran el macizo central.

A la hora de comer llegamos a la majada Groseda, otro conjunto de antiguas cabañas de pastores, hoy en día derruidas y sin uso. Parece que empezaba a caer una lluvia muy fina, pero nada significativo, aunque poco a poco, y sin que nos diéramos cuenta el tiempo fue empeorando. A pesar de que la niebla se había vuelto más espesa, todavía podía intuir por dónde pasábamos gracias al GPS y la brújula. Me equivoqué, tras media hora caminando el paisaje comenzó a volverse caótico y la niebla se cerró de tal modo que apenas podía verse a dos metros. La lluvia, aunque ligera había empapado los arbustos. Los caminos entre las

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majadas han desaparecido y la vegetación iba dejando en nuestra ropa todo el agua que acumulaban.

Peña Maín terminó- convirtiéndose en una pesadilla. El paisaje kárstico nos mostraba su cara más agresiva en forma de grietas y dolinas. Cuando nos dimos cuenta eran casi las seis de la tarde, aún nos quedaba un kilómetro para llegar a Argandobín, donde montaríamos el vivac, y estábamos empapados: habíamos tardado más de tres horas en recorrer apenas dos kilómetros.

Llegamos a un punto en el que nos encontrábamos en medio

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de lapiaz, cuyas grietas llegaban a tener hasta dos metros de profundidad, estábamos rodeados de dolinas infranqueables, mojados y con la sensación de que el paisaje se complicaba cada vez más. Decidimos que los más sensato sería dar media vuelta y tratar de regresar antes de que anocheciera, renunciando así a la posibilidad de fotografiar el Urriellu.

Nos estaba costando regresar mucho más de lo que imaginábamos: desalentados y sobre todo cansados, pues a esa hora de la tarde no sólo nos pesaban las mochilas sobre la espalda sino también la incertidumbre de sentirnos perdidos y el desasosiego de que nuestro

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viaje había fracasado. Cuando parecía que nada podía empeorar a mi mujer se le coló el pie en una grieta: estábamos en medio de la niebla, empapados, cansados y con un pie encajado en una grieta. Finalmente no quedó en más que un susto, pero nos vimos en una situación realmente complicada. Termino este relato diciendo que conseguimos llegar al coche mucho antes de lo esperado, pues al llegar a la majada Groseda encontramos un camino marcado con spray rojo que nos bajó directos por una canal, ahorrándonos un buen recorrido. Mientras me quitaba la ropa mojada miré a la montaña y recuerdo una sensación agridulce: me sentía abatido, nos había vencido y casi nos engulle, pero me había enseñado una lección muy valiosa, una lección de experiencia que sólo se aprende cuando has estado muy cerca del verdadero peligro. Y aunque la montaña nos había vencido ese día tenía la sensación de que una retirada a tiempo había sido nuestra victoria.

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Abajo a la derecha está la majada de Algandolín, a la izquierda arriba el Urriellu. Como se puede apreciar en esta imagen, las vistas sobre el macizo son impresionantes desde esta majada. Fotografía de Jose Manuel Sotres.

Tal y como dije al principio del artículo, el verano es una época mucho más accesible para fotografiar montaña, pero de todos modos, aunque no tengamos el peligro de la nieve, el hielo o la posibilidad de que el clima se vuelva extremo, sigue siendo un lugar que encierra ciertos peligros. Volveré el año que viene a buscar esa fotografía de paisaje que está en mi mente, trataré de volver a encontrar El

Paisaje Perfecto del Peña Maín.

Urriellu

La inmensidad de Picos de Europa se me ha quedado grabada en la retina, para recordarme que tenemos una cuenta pendiente. Sin duda alguna es un espacio natural de increíble belleza que merece ser conservada. Y aunque se haya reducido considerablemente la presión humana sobre este

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lugar, aún queda un largo camino para la recuperación de algunos bosques y especies animales. Pregunté a varias personas de la zona sobre la fauna del lugar y las posibilidades de ver animales salvajes en libertad y una respuesta me llamó la atención por encima de las demás: "los únicos animales salvajes que hay por aquí, viven en los pueblos".

Esta imagen es el cierre perfecto para este artículo, misterioso, imponente e inaccesible se alza el Urriellu entre las nubes, desafiante. Fotografía deNacho Cosio.

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Tengo la sensación de que cada vez que se produce un cambio de estación a todos se nos remueve algo por dentro. Queremos disfrutar de los cambios que se producen en la naturaleza en las diferentes épocas del año. Por eso desde El Paisaje Perfecto, con cada estación, os recomendamos un lugar en el que dar rienda suelta vuestra pasión por la naturaleza, los paisajes y la fotografía. Ya lo hemos hecho con el Castañar de El Tiemblo y con la Costa Quebrada, en esta ocasión hablamos de la Sierra de Gredos. La Sierra de Gredos cuenta con unos valores medioambientales extraordinarios, puede que sea esto lo que le haga merecedora de ser el destino fotográfico recomendado para esta primavera. El tesoro que esconde esta sierra está representado por lagunas, afilados riscos, una fauna y flora únicos,... puede que sea lo que a los que disfrutamos de la fotografía de paisaje nos impulse a recorrer esta sierra cargados con nuestra cámara. Aunque esta sierra no te lo va a poner nada fácil, tendrás que recorrer interminables senderos, trepar los peligrosos escarpes, mojarte, sudar y sufrir para poder descubrir la infinita belleza que esconden los rincones más remotos de este maravilloso lugar.

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Granito, piorno en flor y una luz mágica son las características principales de la Sierra de Gredos en primavera.

En la revista LNH, editada por Javier Alonso Torre, uno de los mejores fotógrafos de paisaje de nuestro país, en su número 14 podemos encontrar un artículo que escribí sobre la Sierra de Gredos. La descripción de las características geológicas, así como la floral y la faunística están extraídas de aquel artículo. Los valores fotográficos han

sido adaptados especialmente para el presente artículo teniendo en cuenta las características propias de esta estación, además se ofrecen recomendaciones a la visita y una recopilación de los próximos cursos de fotografía más interesantes; así como un archivo .kmz con algunas de las localizaciones más interesantes de la Sierra de Gredos.

Se trata de un antiguo macizo granítico modelado por la erosión de hielos y torrentes de agua. Las glaciaciones cuaternarias han creado circos y lagunas, el deshielo primaveral y las lluvias otoñales han

horadado gargantas en las solidas laderas de granito. Riscos, turberas, valles de montaña, prados, canchos,… es el legado, de miles de años, que nos ofrecen estas montañas.

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Con lo descrito puede parecernos un lugar idílico para fotografiar, pero aún a riesgo de parecer irónico, tengo que decir que aún queda más, ya que cuenta con una climatología extrema. Grandes diferencias de temperatura entre la vertiente norte, extremadamente fría, y la sur, más templada. Oscilaciones térmicas diarias de 25 grados. Fuerte estiaje en verano. Lluvias torrenciales. Nieves perpetuas.

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Laguna glaciar de El Trampal a principios de primavera. Todavía podemos observar placas de hielo y los piornos sin florecer. Fotografía de Miguel Ángel Ruiz

El circo de Gredos en Mayo, es frecuente que la nieve se mantenga en algunos rincones de este lugar durante el verano. La mejor manera de hacerse una idea de las proporciones de este lugar es tomar como referencia el refugio Elola que aparece en la imagen, un edificio de dos plantas (abajo en el centro).

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Todos los factores climatológicos, así como la variedad de unidades ambientales que encontramos en Gredos, crean las condiciones idóneas para que se dé la presencia de una vegetación caracterizada por una gran diversidad. Tenemos que hacer diferenciaciones entre la vertiente norte: con una vegetación más austera; y la vertiente sur: mucho más exuberante. Además, en ambas vertientes, como es obvio, la altura será el factor que determine que se formen pisos de vegetación. A medida que vamos ganando altura vamos encontrando flora adaptada a las condiciones climáticas del lugar.

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Desde los encinares que encontramos en las zonas bajas del sur, hasta las psicroxerófilas (flora adaptada al clima frío y seco) de las cumbres hay una diversidad formidable. Aunque en estas sierras destacan cuantitativamente el piorno (cuya floración no deja indiferente), el roble, las deschampsias,… Pero entre toda la vegetación, hay que destacar las plantas propias de Gredos: el Clavel de Gredos, la Consuelda del Almanzor, el Cambrión y la Manzanilla de Gredos, son algunos de los ejemplos de endemismos que pueden deleitar al fotógrafo de naturaleza.

Flora de Gredos. Una de las flores más singulares es el narciso de roca, abajo a la derecha. Estas florecillas pequeñas y amarillas comienzan a florecer en cuanto se retiran las nieves.

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No se puede hablar de las características de Gredos sin hablar de la cabra montés, que cuenta con una subespecie endémica en este parque la Capra pyrenaica victoriae. De esta subespecie, única en Gredos, a principios del siglo XX apenas quedaban una o dos decenas, estuvieron al borde de la extinción, pero hoy en día las poblaciones se han recuperado y difícil hacer una ruta de senderismo sin observar alguna manada.

Hablando de la fauna desde un punto de vista más amplio hay que dejar constancia de la importancia que tiene Gredos al respecto; ya que aproximadamente el 60% de los vertebrados terrestres existentes en el contexto peninsular los podemos encontrar aquí. El carnívoro más abundante en nuestros días es el zorro. Son muy comunes las comadrejas y los jabalíes. De menor tamaño encontraremos ardillas, desmanes, topos, ratones de campo, musarañas. Las nutrias no son muy comunes, pero gracias a la abundancia de truchas que hay en

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los ríos, es posible que podamos encontrar alguna. Hay 17 especies de peces. Destaca la trucha, pero también viven en los ríos y lagunas barbos, bogas, cachos, salvelinos,… La sierra de Gredos también es un área de especial interés ornitológico. Aquí se reproducen al menos 134 especies de aves, con una destacada representación de aves rapaces: Águilas reales, imperiales, calzadas y culebreras; milanos y halcones, cernícalos y alimoches; rapaces nocturnas como el búho real, cárabo, mochuelo, lechuza campestre y común; carroñeras como buitres negros y leonados, milanos negros y reales, cornejas, cuervos y hurracas. Otras aves de menor tamaño vencejos, herrerillos, carboneros, mirlos, lavanderas, el acentor alpino,… los aficionados a la fotografía ornitológica tienen en este parque el lugar ideal en el que encontrar muchas de sus aves favoritas.

La particular Salamandra del Almanzor, especie endémica de la Sierra de Gredos. Daniel Muñoz.

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Al igual que hemos hablado de endemismos vegetales, también se dan los animales. Especies adaptadas, climatológica y fisiológicamente, a las condiciones propias de esta sierra, son: la vistosa Salamandra de Almanzor, el Topillo Nival Abulense, el Sapo de Gredos y una subespecie de lagartija muy común. Aunque estos animales puedan suponer un gran

atractivo, tengo que señalar que la mayoría no son fáciles de encontrar.

Todas estas características en cuanto a flora y fauna hacen que la Sierra de Gredos tenga un valor fotográfico extraordinario. Perderse por sus gargantas puede resultar toda una experiencia íntima de encuentro con la naturaleza y la vida salvaje. Emociones fuertes inundarán a todo el que se atreva a ir un paso más allá y descubrir lo que estos montes primigenios esconden; y consecuentemente, nuestras emociones se verán plasmadas en nuestras fotografías.

un manto de flores amarillas, con los riscos grises entre los que se esconden los últimos neveros y un cielo en predominantemente azul puede ser el entorno en el que conseguir fotografías de paisaje perfectas.

Los valores fotográficos de este lugar para la fotografía de paisaje quedan patentes en la descripción de la geología, la flora y la fauna del lugar. Pero seamos más concretos ¿qué es lo que realmente hace destacar a Gredos como destino para la fotografía de paisaje en primavera? Sin duda alguna, cuenta con un peso especial la floración del piorno. El contraste de

Fotografiar el piorno en flor no es tan sencillo como pueda parecer, encontrarlo en el punto

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exacto de floración, en el que la mayoría de los arbustos se encuentran enga-lanados de amarillo es muy complicado, pues desde que la primavera más temprana, cuando comenzamos a ver las primeras flores en cotas bajas de la vertiente sur, hasta comienzos del verano, cuando la flor se encuentra en su punto

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Podemos tomar como referencia el inicio de la primavera, a finales de Marzo, como punto de partida de las flores en cotas bajas de la vertiente sur, un mes más tarde, a finales de Abril, la flores deberían encontrarse óptimas en cotas medias-altas de la vertiente sur y en cotas bajas de la norte, a finales de Mayo, en

La escarpada vertiente sur de Gredos, imagen de Jaiquin.

óptimo en cotas altas de la vertiente norte, pueden pasar más de tres meses. Pero no sólo la altura o la vertiente determinan la floración, también lo hará el hecho de que el piorno se encuentre en solana o umbría y de ritmo propio con el que cada año avanza la primavera.

la vertiente norte las flores habrán avanzado hasta cotas medias, para a lo largo del mes de Junio finalizar en las cotas más altas. Un consejo básico a la hora de fotografiar el piorno en flor es el uso de focales cortas combinado con el polarizador con cielos despejados, esto nos va a permitir crear una imagen muy impactante fruto de la

combinación de complementarios.

dos

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colores

Otro valor fotográfíco destacable para la sierra de Gredos es la facilidad con la que podemos conseguirfotografías de paisajes de animales en su entorno. Las cabras montesas son el emblema de esta sierra, hay manadas muy dóciles que no dudan en curiosear cerca de los senderistas en busca de un trozo de fruta o pan, pero también hay ejemplares que no nos permiten acercarnos demasiado, espe-cialmente aquellas manadas que frecuentan los parajes menos transitados de la sierra. Sea como sea, no nos va a resultar difícil acercarnos a una treintena de metros, esta distancia, utilizando focales medias-cortas nos va a permitir fotografiar este animal en su entorno. La llegada del buen tiempo y la abundancia de hierva fresca influye en el comportamiento de las crías, que tras el primer y duro invierno, con la llegada de la primavera, se muestran mucho más joviales, nosotros podemos aprovechar esto para fotografiarlas en un prado verde salpicado de botón de oro con unos riscos nevados al fondo. Hablar de primavera en la Sierra de Gredos es el equivalente

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a hablar de época de deshielo. Los primeros días soleados de la primavera comienzan a fundir el hielo y la nieve acumulados durante el invierno. Este deshielo se llevará a cabo en fases progresivas que coincidirán con los días más calurosos de la primavera. El caudal de los ríos y gargantas en primavera es significativamente superior al que puedan albergar en otras estaciones. Este caudal alimenta las decenas de chorreras, cascadas y saltos de agua que encontramos en toda la sierra. La Cola de Caballo de la Laguna Grande, el Chorro de La Ventera, la Chorrera del Lanchón, el Tabuquete, el Baño de las Sirenas, Saltos de Navazarza, Chorrera del Arroyo Cervunal, las Beceillas, Cascada de Las Hoyuelas, el Salto del Prao Pozas, las Lancheras de la Garganta de las Pozas, Cascadas de la Hoya del Caldero... por enumerar tan sólo los saltos de agua que cuentan con un valor fotográfico extraordinario. Pero si recorreros las gargantas en primavera, va ser complicado no encontrar innumerables saltos de agua y torrentes en los que dar rienda suelta a exposiciones ligeramente alargadas, para conseguir el aspecto visual tan agradable que muestra el agua en movimiento.

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El Chorro de la Ventera, una de las cascadas más impresionantes de la zona. Fotografías de esta página de Jaiquin.

Ya hemos hablado anteriormente de la dificultad que entraña adentrarse en la Sierra de Gredos. Esto no implica que se puedan conseguir fotografías de paisaje extraordinarias sin correr riesgos y al alcance de cualquiera. También va a ser importante que contemos con la premisa de que nos encontramos ante un espacio natural protegido, esto implica que debemos respetar la normativa dictada para este lugar.

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En función de nuestro nivel de experiencia en la montaña, nuestro nivel físico y las condiciones climatológicasdebemos establecer cuales son nuestros objetivos a fotografiar. Debemos tener presentes titulares cómo el que anunciaba la muerte de cinco personas en tan sólo 48 horas. Para no andarnos con rodeos hay que valorar esta sierra como un lugar extremadamente peligroso. Es muy importante que adaptemos la ruta que vamos a realizar a las circunstancias tanto físicas como climatolólogicas, extremando las precauciones en todo momento.

Unos senderistas junto a un hito del PR-AV 37 la senda del Torozo. Imagen de Chema Mancebo.

A modo de ejemplo, hemos hablado de las cascadas, si queremos fotografiar alguna de ellas

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debemos valorar cual se adapta a nuestras posibilidades. Para un alpinista experimentado que cuenta con el equipo y la preparación física adecuados ninguna de ellas le planteará mayores inconvenientes si se propone fotografiarlas. Podríamos decir que la más sencilla es el Salto de Prado de las Pozas, a este precioso salto de agua se accede desde la plataforma de Hoyos del Espino, llegamos a ella en apenas a dos kilómetros, desviándonos del camino al final del trayectos y sin desniveles significativos. Es accesible para todos los públicos.

Sin embargo, si hablamos de las Beceillas, unos saltos de agua preciosos en la margen izquierda de la Garganta de Bohoyo, hablamos de una dificultad muy elevada: llegar aquí supone andar más de la mitad del tiempo fuera de camino, buscándonos nuestra propia ruta,

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salvar un acusado desnivel, recorrer unos siete kilómetros y llevar a cabo alguna que otra "trepada". Evidentemente, Las Beceillas, no son aptas para todos los públicos. En resumen, si no valoramos adecuadamente los factores de riesgo que son inherentes a la montaña estaremos poniendo en peligro nuestra vida innecesariamente, pues creo que todos coincidimos en que ninguna fotografía merece nuestra vida. Los que fotografiamos paisaje solemos tener presente que la mejor hora para hacerlo suele ser el

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amanecer o el atardecer. Esto no descarta que en montaña, y en este caso, en Gredos, durante el día, puedan producirse situaciones climatológicas que nos ofrezcan momentos únicos de luz. Si decidimos fotografiar hasta que el sol se oculta lo más recomendable es que sepamos dónde se encuentra el refugio más próximo. La sierra de Gredos cuenta con una extensa red de refugios. Algunos mejor acondicionados que otros, pueden servir para pasar la noche y estar en el lugar que queremos fotografiar al amanecer.

Refugio en la Garganta de la Pozas, cerca del puente de Roncesvalles. Es estado de este refugio no es muy bueno, pero despertarse y disfrutar de la fresca mañana en una garganta de Gredos, rodeado de un manto de flores, es una experiencia irrepetible.

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La Sierra de Gredos cautiva a todo el que la visita. Estas montañas te hacen sentir la evolución de la tierra; su valles y circos glaciares evocan en los visitantes sensaciones que rozan lo sublime, en cierto modo porque su inmensidad nos recuerda lo insignificantes que somos, ¿qué significado tiene nuestra existencia ante unas montañas que llevan millones de años siendo modeladas por los elementos?

Mientras recorremos los senderos podemos disfrutaremos de la naturaleza que nos rodea, del

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refugio que supone esta sierra para decenas de especies; contemplaremos paisajes únicos, de una belleza extraordinaria. Sin duda alguna la visita a la Sierra de Gredos en primavera es más que recomendable, pero no sólo eso, es una experiencia que todo fotógrafo de paisaje debería probar. Uno de los ejercicios más inspiradores que podemos llevar a cabo con nuestra cámara es sentir cómo las primeras luces del alba comienzan a iluminar lo más profundo de los valles glaciares, mientras, no muy lejos de dónde nos encontramos, el agua de la garganta golpea con fuerza los bolos graníticos del cauce. A medida que avance el amanecer, una increíble luz naranja iluminará las cumbres, los primeros rayos del sol se encuentran con los picos para regalarnos esas luces mágicas que salimos a buscar con nuestra cámara. Gredos se compone de luz, agua, roca, naturaleza y vida. ¿te atreves a fotografiar aquí?

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Llega el otoño, y todos nos volvemos un poco locos. Si podemos, salimos a fotografiar y si no,... nos estamos en casa lamentándonos por no poder hacerlo. Sea como sea, creo que el otoño es una época mágica para la fotografía de paisaje, las borrascas nos dejan tiempo revuelto, y eso significa oportunidades fotográficas; la estación avanza, y eso significa que los bosques comienzan a llenarse de atractivos colores. Suma oportunidades fotográficas y un bosque lleno de color y obtendrás la belleza de esta estación condensada en una imagen. El año pasado fue el turno de un castañar, en concreto el que tal vez sea el más famoso de toda la península: el de El Tiemblo. Este año cambiamos de lugar para fotografiar pero no de ecosistema, ¿o acaso pensabas que en otoño hay algún sitio mejor al que ir que a un bosque? te recomendamos que si puedes te escapes al Hayedo de La Pedrosa, y si no te quedes en casa lamentándote, pero al menos disfrutando este completo artículo que te ofrecemos en El Paisaje Perfecto.

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El Hayedo de La Pedrosa es uno de esos lugares a los que todo el mundo llama "encantador". Pero no olvidemos que, visto desde el punto de vista de alguien que va a ir con su cámara a fotografiarlo, es algo más que encantador: es una maravilla, es uno de esos rincones que encierran tal belleza que por instantes olvidamos la cámara y no podemos hacer otra cosa que disfrutar del espectáculo natural que nos rodea.

Hayedo de La Pedrosa es el único del Sistema Central que no cuenta con restricción de acceso como el citado o el de Montejo. Esta falta de restricción de acceso lo convierte en vulnerable, pues a pesar de su belleza y su singularidad, de momento tan sólo ha sido incluido en la Red Natura 2000, considero que un lugar como este requiere figuras de protección más amplias para asegurar su supervivencia. Pero tampoco sería necesaria una

Muchos lo consideran el hermano pequeño del Hayedo de Tejera Negra, hay muchas diferencias entre ambos, pues el

restricción de acceso porque, aún contando con un abultado número de visitantes en fechas otoñales, no puede llegar a hablarse de masificación.

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Como hemos dicho, es uno de los pocos hayedos existentes en el Sistema Central, es por lo tanto, uno de los bosques de este tipo más meridionales de Europa. En esta situación geográfica, en latitudes en las que este tipo de bosques son algo fuera de lo normal, las condiciones climáticas son muy extremas, no tanto por el frío del invierno, situación a la que las hayas están perfectamente adaptadas, si no por el calor que pudieran llegar a tener que soportar en verano o por la falta de humedad durante periodos de ausencia de lluvias. El hayedo se compone de varios grupos de árboles, la mayoría ejemplares medios, pudiendo encontrar algunos adultos de gran belleza e interés fotográfico. Aunque en la mayoría de lugares en los que se hace referencia al tamaño de este hayedo encontramos cifras muy abultadas, que hablan de

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superficies que sobrepasan el millar de hectáreas, en realidad, una medición personal a través de imágenes del SIGPAC encuentra más acertados aquellas cifras que rondan las 80 hectáreas de superficie recubierta de hayas. Estas manchas de bosque se encuentran situadas entre los 1500 y los 1700 metros de altitud, encontrando el lugar óptimo para el crecimiento en las laderas orientadas al norte de esta zona de la Sierra de Ayllón. Los fuertes y vogorosos troncos se aferran a inclinadas pendientes, encontrando, en muchas ocasiones, poco más que roca en la que dejar crecer sus raíces. El hecho de que podamos continuas disfrutando de este paisaje en nuestros días es algo casi casual. Durante décadas, la principal actividad económica de Riofrío de Riaza, en cuyo término municipal se encuentra el hayedo, ha sido el torneado de la madera.

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Llegó a haber en la localidad 40 tornos activos trabajando la madera de haya. Como recuerdo de aquella época nos queda un torno y algunos ejemplares de que han adoptado un aspecto retorcido característico: se taló el árbol y de su base brotaron nuevos troncos adquiriendo un aspecto que nos puede llegar a parecer siniestro, pero para fotografiar son una delicia. Refugiadas en un pequeño rincón umbrío del puerto de la quesera, sobrevive estoicamente este pequeño bosque de hayas que ha tenido que superar cambios

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climáticos producidos desde la última glaciación, incendios y la presión humana; pero hoy en día este tesoro natural se enfrenta a nuevos retos, por una parte, el creciente número de visitas dificulta la regeneración del sotobosque con nuevos individuos; y por otra, los cambios en el clima que está provocando el modelo energéticoeconómico actual, basado en los hidrocarburos, hace que los posibles cambios en las condiciones de humedad y temperatura derivados de la desertificación pronosticada para la península ibérica, puedan provocar la desaparición estos hayedos.

Oudemansiellas sobre un tronco muerto, imagen de Javier Garrido.

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Hay una serie de características que hacen de este hayedo un lugar especial, pero, por el simple hecho de ser un hayedo, y especialmente en otoño, goza de un prestigio exclusivo para el fotógrafo de paisaje. La hoja del haya es una de las paletas que ofrece una mayor riqueza cromática en otoño, desde el verde hasta el ocre, a medida que avanza la estación las hojas de estos árboles irán ofreciendo su gama de colores a nuestra cámara.

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Siempre es interesante para el fotógrafo encontrar elementos únicos que le aporten a sus imágenes un toque de exclusividad, aquí, en el hayedo de La Pedrosa, es posible: encontramos en este lugar una serie de ejemplares retorcidos, un grupo de troncos de porte medio que parten de una misma base y que, como hemos dicho, crean un ambiente siniestro y particular, muy atractivo para fotografiar.

Las ramas retorcidas y entrecuzadas de las hayas de La Pedrosa. Imagen de Eduardo Sánchez.

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El haya, es el árbol que domina en estas manchas de bosque, pero junto a ellas y en las inmediaciones, hay una serie de árboles que adquieren tonos muy atractivos al llegar el otoño. Destacan los abedules y los servales, estos últimos se muestran en todo su explendor luciendo sus vistosos frutos rojos y sus hojas de un luminoso color dorado. Robles, abedules, tejos, brezos, arándanos,.. son el resto de flora que completa este bosque. Micológicamente

son

muy

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destacables las Oudemansiellas que crecen en los troncos y ramas de las hayas, su aspecto perlado las hace irresistible en un entorno de musgo verde y hojas doradas. En días húmedos es cuando la cutícula de esta seta crea su característica capa cristalina. Hay que decir que cristalina es un adjetivo muy generoso, porque comúnmente se les llama Mucidulas viscosas, pero otros países son más amables con ellas y las llaman setas de porcelana. Te pueden parecer viscosas o de porcelana, pero

Izquierda Arriba: precioso macro de dos Oudemansiellas, imagen de Agustina Santervás. Arriba derecha: el contraste de las hojas claras del haya en otoño con la oscuridad del bosque en un día lluvioso. Abajo izquierda: las ramas retorcidas de un ejemplar antiguo, imagen de Eduardo Sánchez. Abajo derecha: entre las ramas puede distinguirse parte de la citada pedriza, imagen de Cristina Lorca.

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seguro que a tu cámara le van a parecer muy muy fotogénicas.

Y es que este hayedo crece sobre un suelo muy característico. La roca en la zona es, por lo general, pizarrosa, pero en el centro de la mancha principal de hayas se extiende una pedriza de cuarcita muy característica. Estas extensiones de rocas suelen estar desnudas de vegetación, a excepción de los líquenes, a pesar de que bajo su superficie el nivel de humedad suele ser muy alto y constante. Tal vez, estas pedrizas sean uno de los principales alimentos del hayedo al proporcionarle a las raíces un aporte constante de humedad, sin embargo, lo que nos interesa, llegados a este punto es el contraste que crea el bosque de hayas en contraposición a una extensa superficie de rocas.

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Aunque no haya ningún mirador oficial, de esos de aparcar el coche y hacer la foto, podemos encontrar unospuntos desde los que la vista sobre el hayedo puede ser muy interesante: por una parte porque podemos conseguir imágenes en la que creemos una textura a partir de la gama de colores del bosque y por otra porque podemos salir del patrón de imágenes de bosque para tratar de encontrar "gran paisaje". ¿Dónde podemos encontrar estos miradores? el más fácil y accesible es en el kilómetro 12 de la carretera que nos lleva desde Riaza al puerto de la Quesera (o viceversa). Apróximadamente 100m metros más adelante, junto a un serval, sale un camino que nos lleva a un prado unos 250m descendiendo por la ladera, desde ahí obtenemos unas vistas extraordinarias del hayedo, aunque tengo que citar que desde ahí la contaminación visual producida por el corte de la carretera puede ser notable. Por último, y para los más intrepidos, hay otro mirador, si deseas obtener una imagen mucho más personal, entre las dos principales manchas del hayedo hay un risco desde este risco, y desde aquí (y también si vamos ascendiendo hacia el cordal que nos lleva a Peña la Silla) obtenemos una buena vista de estas dos extensiones de hayas tanto hacia el norte como hacia el sur.

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El hayedo de La Pedrosa se encuentra dentro del término municipal de Riofrío de Riaza, en la provincia de Segovia. Aunque es recomendable una visita a esta localidad, para llegar al hayedo no hay que pasar por el pueblo. Lo más lógico es ir desde Riaza, hay una carretera que cruza el hayedo, es la SG-112 que parte desde este pueblo hasta el límite de provincia con Guadalajara. Desde el kilómetro 10 hasta el 11,400 se encuentran las

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principales manchas de bosque de Haya. Desde la A-1 tomaremos la salida 103 para llegar hasta Riaza, y desde aquí la SG-112. Lo más recomendable es ir desde Riaza, ya que el trayecto que nos lleva hasta el puerto de La Quesera desde la parte de la provincia de Guadalajara es muy largo y complicado.

La carretera para acceder al hayedo es estrecha y con un firme muy irregural y deteriorado. Cartel informativo y vista del hayedo desde la carretera.

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La visita a este hayedo en otoño es muy recomendable, de hecho considero que es uno de los bosques estrella en lo que a fotografía de paisaje se refiere en la península ibérica, sin embargo también es un ecosistema

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del bosque, así como evitar también pisar cualquier planta que crezca en el sotobosque; puedes pensar"¿pero cómo voy a un bosque y no piso plantas?" es relativamente sencillo: trataremos de seguir los caminos y evitaremos salir en la

Izquierda: una de las hayas que te resultará más característica y reconocible de todo el bosque es esta situada junto a un camino marcado con puntos rojos, fotografiada por Javier Peña. Un gran ejemplar con un tronco muerto en primer plano, imagen de Jorge Martín.

extremadamente delicado, por eso es importante que tengamos en cuenta una serie de consejos para tratar de evitar su degradación con nuestra visita.

En primer lugar es muy importante que tratemos de evitar pisar los hayucos en germinación, de ellos depende la regeneración

medida de lo posible. Pero, si encontramos un buen encuadre fuera del camino, o simplemente queremos explorar la zona, en los lugares frecuentados por zorros, corzos, jabalíes,... mamíferos de tamaño considerable, podemos encontrar veredas formadas por estos animales al pasar. En los bosques hay unas veredas, muchas veces casi imperceptibles por las que los animales pasan y que pueden servirnos a los visitantes para tratar de interferir lo menos posible en el ecosistema.

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Arriba izquierda: las hojas muestran el característico color otoñal, imagen de Eduardo Sánchez. Arriba derecha: tal vez una de las condiciones en las que este bosque se vuelve más fotogénico es con niebla, imagen de Paco Amor. Abajo izquierda: una vista del hayedo desde su borde superior, imagen de Salvador J. García-Barroso. Abajo derecha: dos personas pasean por la carretera que cruza el otoño en un día en el que los colores otoñales alcanzan su máximo explendor, imagen de Jose María Cuéllar.

Un lugar como el hayedo de La Pedrosa se encuentra sometido a una presión humana considerable, por eso la mayoría de las recomendaciones a la visita estarán encaminadas a minimizar nuestro impacto en este entorno, de ahí que sea de vital importancia que no recolectemos ni cortemos nada del bosque. Setas, flores, hayucos,... todo, incluso las ramas muertas en el suelo tienen una función y una alteración no significa nada, pero la suma del impacto de todos los visitantes puede ser importante si tenemos en cuenta la cantidad de

personas que pasan por aquí cada año. Para finalizar, una última recomendación en cuanto a nuestro vehículo. Hay pocos lugares en los que dejarlo aparcado, y la carretera que pasa por el hayedo apenas tiene la anchura suficiente como para permitir el paso de dos vehículos simultáneamente, por eso es importante que, si vamos a pasar bastantes horas en el bosque prestemos especial atención al sitio en el que dejamos estacionado nuestro vehículo.

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La industria del torno, de la que hemos hablado anteriormente, utilizaba la madera de estos bosques como materia prima. Este lugar fue parte importante de la economía de la zona, y tal vez eso les llevo a los habitantes a tomar precauciones en las talas y repoblar con el fin de mantener vivo el bosque que alimentaba sus tornos. Hoy en día la historia se repite y vuelve a ser parte importante de la economía representando un atractivo turístico para los inquilinos de las casas rurales y alojamientos de la zona. Puede que sea este uno de los factores que motive la conservación de este bosque hoy en día. Personalmente creo que el hayedo de La Pedrosa representa mucho más que un atractivo turístico, creo que forma parte no sólo de la historia biólogica y humana, la motivación que nos debe llevar a conservar este bosque es que debe estar ahí, que es un paraíso genuino. Lugares que conservan la pureza natural de este rincón quedan muy pocos, a pesar de que muchos árboles estén deformados por las podas y talas, continúa siendo auténtico pues esas deformaciones son la seña de identidad de su encuentro con el ser humano, y de haber sobrevivido a ese encuentro.

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Hoy en día este bosque continúa vivo y, salvo algunas erosiones agresivas ocasionadas por el tránsito, se aprecia muy sano y en crecimiento. En los márgenes de las manchas pueden encontrarse cantidad de nuevas hayas que crecen muy lentamente, pues en este lugar las condiciones de humedad y temperatura no son tan ideales como en el interior, rodeado de ejemplares adultos. Considero que es muy importante que se encuentre una figura de protección medioambiental a la altura de este entorno. La visita para el fotógrafo de paisaje es ineludible, es uno de esos lugares a los que hay que ir al menos una vez en la vida. Pero que nadie piense que va a llegar aquí y va a encontrar los típicos encuadres repetidos hasta la saciedad, como ocurre en otros hayedos peninsulares, este es un diamante en bruto, miles de encuadres esperando ser descubiertos, ¿te atreves a pasar un día fotografiando en el hayedo de La Pedrosa?

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El momento para la fotografía de paisaje puede considerarse el equivalente al instante decisivo de Henri Cartier-Bresson. Aunque en fotorreportaje o street photography el instante decisivo es un espacio muy corto en el tiempo, guarda ciertas equivalencias con el momento de fotografía de paisaje, aunque si los analizamos en profundidad poco tienen que ver, ya que en paisaje "todo encaja" de una manera muy distinta. El momento lo podemos definir como el hecho de captar elementos o acontecimientos que el devenir de los ciclos va a modificar, que exista una limitación temporal de lo que estemos fotografiando. Esta definición puede plantear alguna duda, pero a lo largo del artículo la releeremos y comprenderemos mucho mejor.

Ya hemos hablado del momento en otro artículo, más concretamente en Los 4 factores clave para lograr fotografías de paisaje perfectas, en aquella ocasión tan sólo tuvimos la oportunidad de hacer una pequeña introducción a la definición de momento, en este artículo desarrollaremos más profundamente el concepto haciendo hincapié en los factores que aportan temporalidad y algunos consejos técnicos para fotografiarlos ¿te interesa? continúa leyendo.

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Una ola impacta contra la roca del primer término, el agua es iluminada por los últimos rayos de un sol que, apunto de ocultarse en el horizonte, apenas se muestra tras la roca. Unos minutos más tarde el sol se habrá ocultado, esta fotografía ya no existiría, un segundo antes o después tampoco existiría, no se hubiera captado la ola al chocar. Esta magnífica imagen de Saúl Santos capta a la perfección la esencia de lo que puede ser una fotografía con momento.

Al definir el momento en el párrafo anterior hemos mencionado el hecho de que podemos captar tanto elementos como acontecimientos. Es una clasificación personal, aunque si reflexionamos detenidamente sobre qué es lo que puede ayudar a una imagen a que contenga momento, todo lo que lo consigue es un acontecimiento. Nos estamos liando ¿verdad? pero este artículo te ayudará a entenderlo de una manera muy sencilla.

Los rayos y relámpagos son elementos temporales tan efímeros que el ojo humano apenas consigue percibirlos. Fotografía de David Gámez

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Un tibio sol invernal ilumina el hielo acumulado junto al agua. El hecho de que el sol aparezca en la escena ayuda a enfatizar esa sensación de momento. Fotografía de Pete Huu.

Por una parte podemos encontrar elementos en la naturaleza que sólo se manifiestan en circunstancias concretas: una flor. Como norma general las plantas florecen en primavera, es en esta estación en el que el reino vegetal alcanza uno de sus puntos álgidos de belleza para el fotógrafo de paisaje. Ya sea de forma consciente o inconsciente, tendemos tendencia a incluir flores si tenemos la oportunidad ¿es algo casual? ni mucho menos, sabemos que las flores, las hojas doradas del otoño, el sol ocultándose sobre el horizonte, un rayo, una ola,... y un sinfín de elementos que pueden aportar el

carácter imagen.

temporal

nuestra

Pero si analizamos la esencia de estos elementos, si vamos un paso más allá y generalizamos un poco podemos comprender que detrás de todos ellos se encuentra un acontecimiento equivalente. Para la flor, la primavera; para el sol ocultándose sobre el horizonte, el atardecer; para un rayo, la tormenta,... y así podríamos casi indefinidamente. Por lo tanto esta clasificación se basa en la manifestación de los hechos y las circunstancias en las que se producen.

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Me atrevería a dar por sentado que la mayoría de las personas que están leyendo este artículo saben a qué me refiero cuando hablo de "primer término". Los fotógrafos de paisaje, cuando narran sus emocionantes aventuras sobre cómo consiguieron capturar cierta imagen nos describen: "recorría los prados de montaña en busca de un buen primer término para mi foto..." Es muy común cuando exploramos una localización, buscar en ella un buen primer término, ya hablamos de ello en el artículo de Explorar para fotografiar paisaje. Este primer término puede ser un elemento atemporal, pero si sabemos que hay una serie de elementos que le aportan una dosis extra de interés o belleza a la imagen como pueden ser los que crean momento, nuestra búsqueda será mucho más fructífera.

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Por ejemplo, la semana pasada, durante una sesión fotográfica en montaña, llegamos a una localización que llevamos repitiendo en varias ocasiones. Se trata de un macizo granítico en el que a lo largo del invierno hemos estado buscando como primer término formaciones rocosas que aporten interés a la imagen. En esta última sesión todos lo teníamos muy claro: nos pusimos a buscar en un pequeño prado acumulaciones de flores ¿porqué? porque mientras que en el invierno era poco probable que encontráramos en el terreno elementos que aportaran temporalidad, con la llegada de la primavera esos elementos por sí mismos, dada su importancia dentro de la fotografía de paisaje, justifican esta búsqueda.

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Pero no todo son flores, las posibilidades son infinitas a la hora de buscar el elemento temporal, seleccionarlo y saber capturarlo. Si a pesar de que haya clasificado las posibilidades como infinitas te gustaría conocer algún ejemplo puedo darte unos cuantos muy comunes: rayos, la nieve al caer, una ola al romper, el sol colándose

entre el verde prístino de las hojas de la primavera, fracturas sobre una charca o laguna helada, ocaso lunar sobre el horizonte, ramas de un árbol agitadas por el viento, la aurora boreal, un arroyo que baja bravo entre las rocas, una silueta recortada contra el cinturón de Venus,...

Es difícil ignorar cuando llega la primavera, las marquesinas y anuncios publicitarios de El Corte Inglés, nos lo hacen saber con meses de antelación. Saber cuando llega la primavera te va a ayudar a saber cuando llegan las flores, pero cómo hemos mencionado anteriormente, no todo son flores, y por lo tanto, no todo es primavera.

cometa Halley fue visible desde la tierra fue en el año 1986 hasta el 2061 no volveremos a verlo, es muy probable, que el hecho de incluir el cometa Halley en una fotografía de paisaje sea algo muy remoto, algo único, una fotografía que, si eres muy afortunado, tendrás la oportunidad de conseguir una vez en la vida.

Son muchos los acontecimientos que crean elementos temporales. Las estaciones del año puede ser el primero que se nos venga a la cabeza, tal vez, mucho más frecuentes, diarios, pueden ser el amanecer o el atardecer. Otros aproximadamente mensuales: la luna llena. Otros anuales como puede ser la época de auroras. E incluso podemos hablar de acontecimientos únicos, que se repiten cada 73 años aproximadamente, te preguntarás qué se repite periódicamente en un espacio tan amplio de tiempo ¿verdad? La última vez que el

Conocer los acontecimientos que crean momento pueden ayudarnos a encuadrar los elementos, dicho de un modo mucho más simple, si conocemos el acontecimiento sabremos encontrar el elemento. Los ciclos de la naturaleza nos ofrecen la posibilidad de cambio, de encontrar algo nuevo con cada visita, de explorar nuevas circunstancias en un mismo lugar, pero sobre todo, lo que nos ofrecen para la fotografía de paisaje, es la posibilidad de encontrar imágenes de paisaje únicas. Imágenes que para ser repetidas, es muy probable que si no

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se estudia con detenimiento el lugar y los ciclos que le afectan, no puedan volver a ejecutarse. De ahí que en muchas ocasiones se hable de la dificultad de la fotografía de

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paisaje, ya que para llegar a resultados sobresalientes implica el conocimiento de la meteorología, la astronomía, la flora,...

Este fotógrafo busca capturar las olas al impactar contra los bloques de hielo en la playa de Jokulsarlon, Islandia. Hielo, luz del atardecer y el movimiento de las olas es la combinación perfecta de elementos y acontecimientos para capturar el momento. Fotografía de Darío Sastre.

Al hablar de los elementos que crean momento dijimos que eran infinitos, hablar de la técnica de cada uno ellos implica no sólo una extensión del artículo inabarcable, sino la necesidad de realizar un estudio muy profundo. A

modo de ejemplo, y teniendo en cuenta de que puede tratarse de una situación muy común a la hora de fotografiar paisaje analizaremos los parámetros técnicos de las siguientes dos imágenes.

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Arriba: f6 1/5 ISO100 – Abajo: f9 1/60 ISO 400

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Como norma general, en fotografía de paisaje, y cuando aparecen en la escena ciertos elementos dinámicos como el agua, solemos buscar exposiciones alargadas. Con ellas conseguimos un efecto visual muy agradable, algo que sólo la fotografía puede conseguir. Este es el ejemplo de la fotografía superior, en la que, tal como puede apreciarse en los ajustes que aparecen a la derecha de la imagen se ha seleccionado un número f cerrado y el ISO al mínimo para alargar la exposición hasta 1/5 de segundo. Teniendo en cuenta la velocidad con la que bajaba el agua por la garganta de montaña y que el cielo estaba completamente cubierto, ha sido suficiente para que aparezca el agua difuminada. Sin embargo en la imagen inferior el efecto visual es muy distinto. Como puede apreciarse en los parámetros, el número f es mucho más abierto: 9 y la sensibilidad del sensor se ha elevado hasta ISO 400, de este modo la exposición se ha acortado hasta 1/60 de segundo, con lo que se ha conseguido que el agua al caer aparezca en forma de trazos.

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Es ahora cuando debemos plantearnos todos estos ajustes en relación a la técnica para capturar momento. Mientras que la primera escena muestra un paisaje mucho más artificial (fotográficamente hablando), en la segunda se aprecia el torrente de agua de un modo mucho más cercano a la percepción humana, el hecho de que se hayan capturado los trazos de agua, e incluso algunas gotas de agua saltando hace que el espectador que examina la escena tenga una sensación mucho mayor de encontrarse ante una escena que ha congelado un momento, es una escena que transmite muchos más valores temporales. Por lo tanto, siguiendo el análisis de los ajustes, y la diferencia en el mensaje en función del cual elijamos podemos deducir, como norma general, que un buen recurso a la hora de conseguir transmitir momento con fotografías de paisaje es utilizar velocidades rápidas, teniendo en cuenta que en la escena aparezcan elementos dinámicos, estos aparecerán estáticos y la sensación de temporalidad será mucho mayor.

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Siguiendo los argumentos de artículos anteriores podemos decir que si sabemos capturar el momento con fotografías de paisaje tendremos conseguido gran parte del trabajo en nuestra búsqueda de fotografías de paisaje destacables. Pero qué argumentos podemos aportar para poner de manifiesto que el momento es algo tan importante, muy sencillo: conseguir una fotografía con una alta dosis de momento significa conseguir una fotografía exclusiva, el momento aporta exclusividad.

El carácter temporal de nuestra escena lleva al espectador a contemplar la imagen como un hecho insólito e irrepetible, aportando sorpresa al poder disfrutar en la perpetuidad que ofrece una fotografía un hecho o elemento temporal. De este modo, cuanto menor es el tiempo que dura el acontecimiento, durante el cual se manifiesta el elemento, y mayor es la periodicidad con la que se repite, la fotografía que consiga captarlo, será mucho más exclusiva,

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mucho más sorprendente ¿mucho más bella? No pierdas la esperanza, aunque no tengas la posibilidad de encontrarte ante un acontecimiento temporal exclusivo, tu inteligencia fotográfica te puede ayudar a conseguir esa dosis de interés con el control de la técnica fotográfica y un poco de ingenio. Cualquiera puede estar en un bosque en otoño y fotografiar las hojas doradas, que ya aportan momento a la fotografía, pero no es lo mismo capturar el

otoño en las hojas doradas de los árboles que conseguir plasmar en una fotografía la estela de las hojas al caer. En los próximos artículos de El Paisaje Perfecto desarrollaremos muchos de estos conceptos sobre el momento: fotografiar las diferentes épocas del año, los atardeceres y amaneceres, las mareas, eclipses,... todos los elementos o acontecimientos que aportan momento, para ayudar a tu ojo fotográfico a encontrar imágenes únicas y novedosas.

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El lugar que aparece en la escena se llama Antelope Canyon, en EE.UU. El torrente de agua que ha horadado la roca ha necesitado una cantidad de tiempo inabarcable por el ser humano para conseguir erosionarla. El lugar, para quién cuente con unos ciertos conocimientos de geología, comprende en si mismo una localización con momento. Pero además, Joao Eduardo Figueiredo, ha añadido más sensación de momento al colarse el sol entre las rocas, y además, en ese mismo instante caía arena hacia el interior del cañón. Esta fotografía es temporalidad en estado puro.

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Lo más probable es que todos los que leáis este artículo hayáis oído hablar sobre la hora mágica. En realidad es un mito, porque ni es una hora, ni es mágica,... cuando hablamos de hora mágica, la mayoría, se refiere a los instantes anteriores a la salida del sol y a los posteriores a la puesta. También es posible que hayáis oído hablar de la hora dorada, aquí no hay tanto de mito, pues se refiere a los instantes antes de que se ponga el sol al atardecer y a los posteriores a los que salga al amanecer. Otros hablan de que el mejor momento para fotografiar es el crepúsculo, e incluso hay que llega a citar tecnicismos como que sólo encuentra luces que le satisfacen durante el amanecer náutico. Salida y puesta de sol; hora dorada y hora mágica, crepúsculo, amanecer náutico o civil: llevando estos términos a la simplificación, todos entendemos que estamos hablando de amanecer o atardecer. Durante estos dos espacios de tiempo, la mayoría de fotógrafos, coinciden en que se producen las mejores luces para fotografiar paisaje, son el marco en el que crear momento con luces fugaces que apenas duran unos instantes.

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¿os habéis planteado cuáles son las ventajas del amanecer frente al atardecer? ¿basáis vuestra elección en vuestras condiciones personales o valoráis las características geográficas de la localización para fundamentar la elección? ¿será cierto lo que dice el

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refrán: al que madruga Dios le ayuda? La web está plagada de artículos que nos atiborran de consejos para obtener mejores fotografías, pero aquí os damos motivos para que elijáis (si podéis) qué os conviene más teniendo en cuenta sus ventajas.

Luces características del principio y del final del día, imagen de Jesús Portal.

Llegan las tormentas Durante ciertas épocas del año, especialmente en primavera y, en ocasiones, durante el otoño, a lo largo de la tarde se van desarrollando nubes de evolución que desencadenan en tormentas. Esta es una de las ventajas de fotografiar al atardecer: podemos encontrarnos con un cielo espectacular debido a la formación de tormentas de evolución provocadas por el calor y evaporación acumulados a lo largo del día.

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La luna asoma Recientemente hemos hablado en el artículo 5 conceptos útiles de astronomía para el fotógrafo de paisaje sobre los movimientos lunares. En este punto del artículo explicábamos cómo, casualmente, la los movimientos lunares se complementan con los de la tierra, de tal modo que cuando hay luna llena la salida de esta suele coincidir con la puesta de sol, de tal modo que si vas a fotografiar atardecer te encuentras con que puedes incluir a la luna llena en la escena e incluso alargar la sesión a la luz de la luna. El ambiente del aire cargado Lamentablemente, en la mayoría de regiones habitadas del planeta, las fábricas, los vehículos, los hogares,... provocan que durante el periodo de mayor actividad humana, a lo largo del día, se genere polución en el aire. Esto puede llegar a provocar que el aire esté cargado al final del día, de tal modo que para cierto tipo de escenas, contemos con un aire cargado que crea un ambiente característico para los rayos de sol del atardecer. Localizaciones trabajadas Si tienes en mente fotografiar en una localización concreta, cosa que suele ocurrir en la mayoría de las ocasiones, tienes todo el día para estudiarla: puedes recorrer sin prisas el lugar, estudiar el lugar por el que se va a poner el sol, trabajar ciertos encuadres,... en definitiva, cuentas con muchas horas de luz a lo largo del día, durante las cuales puedes estudiar la localización tranquilamente. Los santuarios de los paisajistas Seguro que en tu ciudad o en tu entorno hay otras personas que practican la fotografía de paisaje. Ya sea por afición o por profesión, vas a encontrar muchas más facilidades para coincidir con ellos al atardecer, pero dónde, pues en esas localizaciones que son el estandarte de cada ciudad para el fotógrafo de paisaje, por ejemplo, y aunque suene a tópico, si eres de Bilbao, al atardecer tienes muchas posibilidades de encontrarte con otros fotógrafos de paisaje de tu ciudad en la playa de Barrika. Esta tarde puedo Si fotografías en grupo, o sueles programar tus sesiones para coincidir con amigos u otros fotógrafos de paisaje, coordinar a todos los asistentes puede ser una labor que se complica más al amanecer que al atardecer. En este tipo de situaciones, cuando varias personas salen a fotografiar en grupo, es mucho más probable no encontrar obstáculos al atardecer, ya que simplemente, salir a fotografiar, consiste en una actividad más durante el día; sin embargo, el

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amanecer implica un cambio en la rutina ya que puede obligar a los participantes a acostarse antes si hay que madrugar mucho, les obliga a dejar el equipo preparado desde el día anterior y no tener compromisos por la mañana.

Varios fotógrafos compartiendo escenario al atardecer, imagen de Richard Tylor.

Brumas matinales Ciertas condiciones meteorológicas, cuya causalidad no corresponde desarrollar aquí, provocan que al amanecer se formen brumas. Por una parte fotografiar al amanecer, y encontrarnos con estas brumas nos puede ayudar a crear imágenes de paisaje con un ambiente etéreo que sólo la niebla puede provocar. Pero además, cuando los rayos de sol comienzan a hacer desaparecer la bruma, se dan condiciones de luz únicas con las que podemos crear ciertas escenas que sólo vemos en las galerías de los grandes fotógrafos. Localizaciones remotas Hay fotógrafos de paisaje intrépidos se adentran en lo más profundo de las montañas y de las áreas naturales para buscar las luces mágicas del amanecer, muchas veces a solas. Ante un eventual accidente, fotografiar al amanecer en lugares remotos, nos va a permitir contar con todo un día por delante de luz para que nos rescaten. Puede parecer obvio, pero si nos encontráramos ante una situación de peligro, al llegar la noche, los riesgos que ponen en juego nuestra vida se acentúan, sin embargo, si sufrimos el accidente mientras fotografiamos el amanecer, contamos con todo el día para buscar el modo de ser rescatados antes de que llegue la noche.

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La nieve se derrite Hay latitudes en las que la nieve es algo casi ocasional y que tras el amanecer a medida que el sol comienza a ganar altitud los rayos van derritiendo la van derritiendo. El único modo de encontrar paisajes adornados de una fina capa de nieve intacta es llegar antes que el sol, aunque esto no es lo más importante de fotografiar nieve al amanecer: ten en cuenta que a lo largo del día pasarán montañeros y excursionistas que dejarán sus huellas y probablemente arruinarán la escena, además, la nieve, tras las heladas nocturnas tiene un atractivo visual mucho mayor a la del atardecer; este momento es sin duda muy favorable para fotografiar paisajes nevados. Aire puro Como ya hemos dicho, a lo largo del día se acumula polución que las corrientes de aire nocturnas se encargan de despejar. Apreciar este fenómeno visualmente es muy sencillo a través de la web de AEMET, en la sección "Calidad del aire". Al amanecer el aire está mucho más limpio, la luz no encuentra tantas partículas en el ambiente, con lo que las condiciones lumínicas para el fotógrafo de paisaje son realmente adecuadas para transmitir sensaciones de pureza, de luz y de vida con un paisaje. Salir en silencio Hemos hablado en artículos anteriores sobre la posibilidad de combinar la fotografía de paisaje con una vida familiar más o menos ajetreada. Uno de los consejos de los que hablábamos a la hora de compatibilizar ambos aspectos, fotografía y familia, era el hecho de fotografiar el amanecer como alternativa al atardecer, momento en el que se realizan más actividades en familia. El amanecer puede suponer una ventaja para muchos por la mera posibilidad de fotografiarlo que supone, escapar mientras todos duermen cuando apenas hay luz sobre el horizonte es el único momento que tienen muchos para fotografiar. La magia de la soledad Si hubiera que hacer una clasificación de los fotógrafos de paisaje, uno de los criterios que menor controversia causaría sería el hecho de catalogarlos del siguiente modo: los que les gusta fotografiar en grupo y los que le gusta hacerlo solos. Interiorizar el paisaje, desarrollar nuestra visión creativa en silencio y concentrados, es la experiencia que muchos entienden por fotografía de paisaje. El amanecer nos brinda la oportunidad de fotografiar sin ser interrumpidos por otros fotógrafos, pescadores, cazadores, senderistas, niños, pastores, guardas, curiosos,... sólo el paisaje, tu cámara y tú.

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Las brumas matinales son un regalo para el fotógrafo de paisaje, si nos dan una tregua, combinadas con las luces del amanecer se pueden crear imágenes únicas como esta de Miguel Ángel Ruiz.

Valorando conjuntamente las ventajas del amanecer o del atardecer puede ser que te sientas mucho más identificado con las situaciones que se describen en unas u en otras. Echa un vistazo a tu archivo fotográfico, o sólo ten en cuenta tus mejores creaciones para ver cuál de los dos momentos es en el que mejor encaja tu fotografía. Al final nos vamos a dar cuenta de que son las condiciones personales de cada uno las que nos van a empujar a fotografiar al principio o al final del día.

Hay localizaciones que obtienen el mayor grado de belleza dependiendo del momento del día. Por ejemplo, hay que valorar que en la costa atlántica gallega y portuguesa tenemos el sol a la espalda al amanecer, mientras que al atardecer lo tenemos al frente, sin embargo, en la costa cantábrica, orientada al norte esta característica va a depender de la ubicación de la playa o paisaje costero que queramos fotografiar y sobre todo de la época del año. Aunque la orientación de una playa o unos acantilados no implica tanta

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complicación como algunos paisajes interiores, que pueden llegar a requerir de un estudio minucioso para determinar qué momento le favorece más. En este sentido, es posible que nosotros sólo tengamos la oportunidad de hacer una escapada a primera o última hora del día, entonces será nuestro ingenio el que determine que le favorece más el amanecer o el atardecer a un paisaje.

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No es mejor ni el atardecer ni el amanecer, la belleza podemos encontrarla en cualquier momento del día, la inspiración es muy probable que nos venga a visitar cuando no tengamos una cámara en las manos, simplemente hay varios factores que influyen: situaciones personales, la aleatoriedad de las condiciones de luz y las características propias de cada lugar, para hacer que podamos hacer mejores fotografías de paisaje al amanecer o al atardecer.

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Parece que la fotografía de paisaje requiere conocimientos de muchas disciplinas para conseguir imágenes extraordinarias. No es cierto, ni tampoco es imprescindible que sepamos cómo influye la astronomía para que se produzcan ciertos fenómenos que tanto nos gusta fotografiar; pero puede ayudarnos a ir un paso más allá, y prever las condiciones idóneas para saber cuando algunos elementos que van a añadir mucho interés a nuestros paisajes se van a manifestar.

La astronomía, en relación a la fotografía de paisaje, no sólo puede centrarse en cielos nocturnos: la vía láctea, la luna, cometas y lluvias de estrellas. Conocer cómo se comporta nuestro planeta nos hará comprender cuándo se producen las estaciones, por dónde amanece y atardece, la trayectoria del sol y la luna sobre el cielo,... aunque para todo esto existen aplicaciones móviles muy prácticas de las que hablaremos en otros artículos, en este vamos a aprender los 5 conceptos de astronomía que todos los que disfrutan de la fotografía de paisaje deberían conocer.

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Exposición de 200 minutos sobre el polo sur celeste, debajo el volcán Villarica. Fotografía de Mathias Jacob.

No tendría relevancia para el fotógrafo de paisaje el eje de rotación de la tierra si no fuera por su principal particularidad, de hecho, la vida en nuestro planeta no hubiera sido posible, o sería demasiado aburrida: ¿os imagináis que no existieran las estaciones? ¿os imagináis que el sol saliera y se pusiera todos los días a la misma hora? ¿que saliera y se pusiera por el mismo lugar? ¿que siempre describiera la misma trayectoria en el cielo? todo esto es debido a que el eje sobre el que la tierra gira sobre si misma está inclinado en relación a la trayectoria que describe alrededor del sol.

Esta inclinación provoca que el sol ilumine durante más horas al día unas zonas de la tierra que otras en función del lugar en el que se encuentre. Al haber épocas con menos horas de sol y este incide lateralmente y épocas en las que hay muchas horas de sol y su trayectoria cruza cenitalmente la bóveda celeste provoca que se produzcan las estaciones. Cuando nos proponemos fotografiar un paisaje es posible que haya cierta iluminación que le favorezca más que otra, especialmente en zonas monta-

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ñosas como algunos lagos o riscos que son iluminados por el sol sólo en ciertas épocas del año. Para trabajar este aspecto es importante que tengamos el cuenta que la

inclinación del eje de la tierra provoca que el sol salga mucho más al norte en verano que en invierno, o que su trayectoria en invierno es mucho más baja sobre el horizonte.

Por encima de nuestras cabezas hay 300 kilómetros de atmósfera en los que se producen fenómenos de los que todos hemos oído hablar como las auroras o los meteoritos. Pero hay otros menos corrientes que no todo el mundo conoce, como elfos, duendes, nubes noctilucentes, los chorros azules,... no te preocupes si nunca has visto ninguno, salvo las nubes noctilucentes, se han registrado menos de medio centenar de estas explosiones de energía en los últimos 25 años, y no es de extrañar: un proyecto de la NASA utilizó una cámara de 10.000 fps para poder filmarlos y estudiarlos.

Hablando de cuestiones más "terrenales" en la atmósfera se produce uno de los acontecimientos más místicos del planeta: las auroras. Su belleza, su magia, lo huidizas que pueden llegar a ser y lo fotogenicas que son, hace lleguen a convertirse en una verdadera obsesión para muchos fotógrafos. Auroras boreales en el hemisferio norte y australes en el sur, son fenómenos atmosféricos provocados al entrar en contacto el viento solar con el campo magnético de la tierra provocando destellos que oscilan entre el verde y el magenta en función de la altura a la que se

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Darío Sastre

producen, una sinfonía de luces mágicas para el fotógrafo de paisaje ¿te gustaría poder ver ahora mismo la aurora? si no puedes desplazarte a las regiones cercanas a los círculos polares tal vez te conformes con echarle un vistazo a alguna de las cámaras web en directo que hay por las zonas en las que se producen. Las estrellas fugaces no son muy fotogénicas, sobre todo si las comparamos con las auroras, pero muchos fotógrafos de la noche hacen sus cálculos astronómicos para estar con su cámara en medio de la noche; intentando captar estas rocas desintegrándose al entrar en contacto con la atmósfera terrestre.

Varias líneas cruzan el maravilloso cielo estrellado captado por Eduardo Regueiro.

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Y es que durante la noche es cuando los fenómenos atmosféricos adquieren relevancia, principalmente porque durante el día la luz solar impide verlos o no tiene las condiciones que permiten que otros se manifiesten, como es el caso de las nubes noctilucentes. Estas nubes de fibras blancas y azules de color eléctrico parecen de otro planeta,

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un fenómeno realmente extraño: sólo se producen en época estival, en latitudes entre 50º y 70º y al final de crepúsculo y al principio del alba; ver una imagen de estas nubes nos lleva a muchos interrogantes, pero presenciarlas en directo y tener la posibilidad de fotografiarlas debe ser una experiencia inolvidable.

En esta escena Martin Koitmäe ha conseguido captar este extraño fenómeno, las nubes noctilucentes. La bruma entre el perfil de los árboles y el reflejo en el lago ha sido el escenario perfecto para fotografiarlas.

Nuestro pequeño satélite, la Luna, es pequeño si lo comparamos con la tierra o con otros planetas del sistema solar, porque en realidad no hay ningún satélite conocido cuyo

diámetro sea una cuarta parte del planeta que orbita. Esto es importante por el hecho de que la luna supone un elemento tan grande que es muy fácilmente

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Durante un atardecer de verano en el que un aire cálido y brumoso lo envolvía todo una estupenda luna roja apareció sobre la dehesa. Aunque siempre suele coincidir, ese día, en el momento en el que se ocultaba el sol aparecía la luna en el lado opuesto.

visible (y fotogra fiable). Si tuviera el tamaño proporcional que tiene el satélite Europa con respecto a Júpiter, no sería más que un punto en el cielo. Bien, pues tenemos un cuerpo celeste muy claramente visible, pero sus movimientos de rotación y de traslación son muy peculiares, por lo que para poder fotografiarla es muy importante saber cómo se comporta y cuál es el mejor momento para fotografiarla. Podemos resumir la traslación lunar en que cada día aparece sobre el horizonte casi una hora más tarde. Al complementarse su

traslación sobre la tierra, que dura 28 días con la rotación de la tierra sobre su eje, que son 24 horas, obtenemos un retraso diario de 12º longitudinales sobre nuestro punto de vista; si tenemos en cuenta que 15º son una hora obtenemos que la luna sale cada día unos 50 minutos más tarde. Asimismo, el fotógrafo de paisaje debe tener en cuenta que los movimientos lunares son cíclicos y para nuestro deleite la luna llena suele salir al atardecer y la nueva al amanecer. Parece curioso que la luna, cuando más ilumina esté en el cielo el tiempo justo que es de noche, a nosotros nos puede parecer una curiosidad, o una

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suerte para fotografiar paisaje, pero ¿que pensarían de esto nuestros antepasados de hace unos 10.000 años? ¿creían en las casualidades?

Y es que, para los fotógrafos de paisaje, los movimientos lunares son una bendición, pues cuando está llena se encuentra en el lado opuesto de la tierra en el que se encuentra el sol, ejerciendo su atracción en dirección opuesta. La masa de agua de los océanos se ve atraída por dos fuerzas opuestas

Este es el movimiento de la tierra alrededor del sol, la trayectoria que describe nuestro planeta no es completamente circular, sino que dibuja una sutil elipse, lo que provoca que haya épocas del año en las que nuestro planeta está más cerca del sol que otras. Hace muchos años se pensaba que cuando estábamos más cerca del sol era verano y cuándo estábamos más lejos era invierno; es lógico pensar esto, pues cuanto más nos acercamos a un fuego o un objeto incandescente recibimos su calor mucho más intensamente. Como hemos visto, es el movimiento de rotación el que

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que provoca que se formen lo que se conoce con el nombre de mareas vivas, una suerte que cuando se producen los colores interesantes del atardecer las mareas puedan ofrecernos nuevas perspectivas sobre los paisajes marinos. Lo mismo ocurre con la luna nueva, a diferencia de que el poder de atracción de la luna se complementa con el sol al encontrarse ambos en dirección del amanecer, por lo tanto con luna nueva, es al amanecer cuando surge esta oportunidad fotográfica.

provoca las estaciones. Partiendo de esta base, nos encontramos con que cuando estamos más cerca del sol es verano en el hemisferio sur, sin embargo en el norte es invierno. Lo mismo ocurre con el invierno del hemisferio sur: es el momento en el que más alejados estamos del sol, pero ¿puede esto provocar que las estaciones estén más marcadas en el sur y sean más suaves en el norte? el hemisferio sur en su mayoría la superficie es agua y en el norte hay una mayor proporción de tierra. La masa de agua de los océanos del hemisferio sur absorbe los rayos de sol y actúa de termostato regulando las estaciones y haciéndolas más suaves.

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Ahora que sabemos cómo funcionan las estaciones y cómo se manifiestan en diferentes puntos del planeta tenemos que plantearnos cómo influye esto para fotografiar paisaje. Si tenemos en mente fotografiar en el hemisferio contrario al que residimos tenemos que tener en cuenta que están en una estación distinta, pero además esa estación se manifiesta de manera

Salimos de nuestro planeta para dar un paseo, la primera parada la haremos cerca de casa, en nuestro sistema solar y es que alrededor del sol orbitan muchos más cuerpos aparte de los nueve planetas y sus satélites: los cometas. Los cometas están constituidos por hielo, polvo y rocas; describen una órbita alrededor del sol de una excentricidad muy marcada, esto hace que el tiempo que su afelio (punto de máximo acercamiento al sol) tenga dos características: por una parte multiplican su velocidad y por otra se acercan demasiado. Su composición, cercanía al sol y velocidad hace que el viento solar ionice los materiales y se precipiten formando su característica cabellera.

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diferente en cuanto a duración e intensidad. Si tu fotografía se centra en fotografiar paisajes primaverales, por ejemplo, debes saber que hay seis meses de primavera, los tres del hemisferio norte y los tres del hemisferio sur, si a eso le añadimos factores de clima, altitud, latitud,... podemos llegar a la conclusión de que siempre es primavera en algún punto del planeta.

Saber cómo se forman no es tan importante para el fotógrafo de paisaje como conocer las características de su trayectoria alrededor del sol y es que hay que tener muy calculado el momento de fotografiarlos pues su periodicidad puede rebasar en ocasiones los 100 años, con lo que hay cometas que tan sólo tengamos la oportunidad de fotografiarlos una vez en la vida, e incluso haya otros que nunca lleguemos a ver. Dejamos atrás nuestro sistema solar para dar el salto al siguiente fenómeno astronómico visible desde nuestro planeta: la vía láctea. La vía láctea es la galaxia en la que se encuentra nuestro sistema solar, formada por 100.000 millones de estrellas, gira sobre su propio centro

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creando un disco. Nuestro sistema solar se encuentra en uno de los brazos de la vía láctea, otra casualidad que favorece a quién se decida a fotografiarla: al encontrarnos en la zona exterior, cuando vemos en la noche la vía

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láctea, se iluminan ante nosotros una gran parte de esas 100.000 millones de estrellas que la forman, creando un camino en el cielo que hace sentir la inmensidad del universo a quién la observa y fotografía.

En el centro de la imagen puede apreciarse como la acumulación de luces de estrellas, muchas de ellas imperceptibles a nuestro ojo, crea la especie de nebulosa, nuestra galaxia, la vía lactea. Fotografía de Jorgelina Alvarez.

Mientras escribía este artículo en lo que más he pensado ha sido, por una parte la inmensa cantidad de imágenes que podemos encontrar hoy en día en las que se manifiestan de algún modo factores que guardan relación con la astronomía, ya sea directamente: fotografías de vía láctea; o

indirectamente: paisajes marinos para los que el fotógrafo ha tenido en cuenta las mareas. Sin embargo, al final una reflexión era la que más fuerza tenía, la dificultad para fotografiar ciertos fenómenos en analógico. Contamos con numeroso soft-

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ware y aplicaciones que nos permiten predecir casi todos estos fenómenos, especialmente los que guardan relación con aspectos secuenciales como los movimientos rotacionales de la tierra o la luna: lunafaqt, photographer´s ephemeris, photopills, sun surveyor,... la lista es muy larga y nos facilita el poder predecir ciertos fenómenos obviando una inmensa cantidad de conocimientos en materia de astronomía. A la dificultad que suponía y sigue suponiendo captar en analógico algunas escenas había que sumarle el no contar con estas ayudas, eso hacía que una

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fotografía de un cometa, un eclipse o una alineación solar fuera algo mucho más exclusivo y valioso. Por muchas facilidades que encontremos hay factores que no están dentro de nuestro control: ¿hay algo que pueda predecir cuándo y dónde podemos encontrar nubes noctilucentes o auroras?. Los conocimientos que pueden ayudarnos a encontrar el modo de fotografiarlas están al alcance de cualquiera, sin embargo, algo tan sencillo como un cielo cubierto puede hacer que nos volvamos a la cama con la tarjeta vacía.

Una mejora significativa en los recursos técnicos ha provocado que hoy en día se fotografíen muchos campos de la fotografía que hasta hace unos años eran un poco más elitistas, esto ha supuesto un aumento en la producción y en la calidad; un ejemplo de ello es esta imagen de Amadeo Urdiain.

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Si solemos practicar la fotografía de naturaleza, y especialmente la de paisaje natural, a medida que va a aumentando nuestra experiencia como fotógrafos, hay un hecho que se nos hace patente sólo cuando vamos madurando: el ser conscientes de los problemas medioambientales que afectan a los espacios naturales. Puede darse el casos de que cuando comenzaste a fotografiar ya estuvieras al día, ecológicamente hablando, perfecto, en ese caso este artículo te va a venir muy bien, pero ¿y si aún no te has dado cuenta de ello? mejor aún, porque este artículo te va a ayudar, en tan sólo diez minutos, a ver la fotografía de un modo mejor, desde mi punto de vista, porque con estos siete consejos, algunas de las fotografías que hagas a partir de ahora van a servir para conservar los espacios naturales que tanto admiras. Pero no todas las personas comprenden del mismo modo cómo los espacios naturales vírgenes, salvajes, inalterados,... o cómo queramos denominarlos, están en constante amenaza, y lo que es más importante, muy pocos son capaces de actuar y tomar medidas para que con sus acciones (fotografías) atenuar el peligro de esas amenazas, o hacerlas desaparecer.

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Fotografía tomada para ilustrar la destrucción de los sotos de rivera llevadas a cabo por el ayuntamiento.

Las personas que deciden fotografiar a la vez que ayudan a la conservación, según el artículo de Jaymi Heimbuch que se cita al final, afirma que, para ser fotógrafo de conservación en un sentido amplio, hay que tener una buena dosis de ingenuidad, optimismo y, sobre todo, locura.

Pero personalmente lo veo desde un punto de vista más heroico: el fotógrafo de conservación tiene la suficiente clarividencia como para ver los peligros medioambientales y poder establecer el camino entre el problema y la solución; es capaz de arriesgar su propia carrera, ya

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Este es el logo de IUCN (Unión internacional para la conservación de la naturaleza) si accedéis a su web, encontraréis su eslógan: "contribuir a encontrar soluciones pragmáticas para los principales desafíos medioambientales y de desarrollo".

Si continúas leyendo es probable que los párrafos anteriores han conseguido despertar en ti cierto interés ante la posibilidad de ayudar a la conservación con tus fotografías. Antes de enumerar los consejos es importante que reflexiones un momento: a la mayoría de las personas, cuando se les plantea algo que es medioambientalmente desagradable miran a otro lado. El típico vídeo de Youtube en el que aparece algún tipo de maltrato animal, las noticias desgarradoras como la de la muerte de doscientoscincuenta delfines en una bahía de Japón, ver una zona que

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que mientras fotografía para conservar no está continuando con su trabajo, y eso, en la mayoría de las ocasiones, supone un importante descenso en sus ingresos; el fotógrafo de conservación es capaz de que, cuando se le plantea la posibilidad de actuar ante un problema, dejar a un lado las cien excusas que se plantea, para actuar y tratar de modificar el curso de los acontecimientos. ¿esto es estar loco?

conoces calcinada por un incendio,... cuando llega a nosotros cualquier tipo de información de este tipo solemos expresarnos con un: "¡Jo**r!" ó "¡Os**as!" y pasamos a la siguiente noticia y lo más probable es que acabemos olvidándonos del tema; mal hecho, ahora que eres consciente de los problemas es el momento de que pases a la acción y ayudes con tus fotografías a conservar aquello que con tiempo y esfuerzo has aprendido a valorar. Ahora no ya no volverás a pasar de largo ante una zona calcinada, ahora has tomado

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conciencia, eres una persona que es capaz de ver soluciones y lo mejor que puedes hacer es dejar a un lado las cien escusas que se te vienen a la mente para no parar

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hacer un pequeño reportaje con tu cámara de ese incendio o problema que afecta al medio natural.

Entre los árboles calcinados puede observarse la luz de una máquina que está talando madera.

1. Consigue unos conocimientos básicos en medio-ambiente: lo más lógico es que los adquieras involuntariamente y a medida que te vas sintiendo atraído por la naturaleza. La mayoría de las personas cuando viajan fuera de la ciudad, por citar a un ejemplo: a ciertas zonas de cantabria o extremadura, comentan

fascinados las maravillosas cualidades naturales del entorno; nadie puede arrebatarles su entusiasmo, pero en realidad lo que están apreciando es un entorno muy degradado, en lugar de crecer bosques de robles o hayas crecen pinos y eucaliptos entre construcciones en mitad de montes y prados

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parcelados. Para ayudar a conservar con tus fotografías es importante que cuentes con una pequeña base de conocimientos sobre la naturaleza y ser capaz de discernir entre un espacio natural en el que crecen especies nativas de un entorno alterado y degradado. 2. Conoce tu entorno: por desgracia, lo más probable es que muy cerca de donde vivas haya algún problema medioambiental que pueda necesitar que lo fotografíes y documentes. Puede que te apetezca mucho más ir a fotografiar las aves que están de paso en el proceso de migración, o el atardecer a la costa, pero ten en cuenta que si todos actuamos en nuestro entorno más cercano, problemas que a nivel global se quedan en el olvido, desde el punto de vista de la conservación adquieren difusión, pudiendo llegar a otros fotógrafos o especialistas en medio-ambiente que cuentan con los medios suficientes para poner una solución a ese problema. 3. Si eres profesional, dona alguna de tus imágenes: por suerte, en el mundo de la conservación nunca faltan las granas de trabajar por buscar soluciones, pero hay un muro contra el que se chocan continuamente quienes se dedican a ello: los recursos económicos. Hay ocasiones en las que una sola imagen puede ayudar a cambiarlo todo, pero puede darse la

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casualidad de que esa imagen cuesta un dinero con el que no suelen contar las asociaciones o fundaciones dedicadas al mundo de la conservación. Por lo tanto, si eres fotógrafo profesional, tal vez puedas renunciar a los ingresos de una de tus imágenes y de ese modo aportar el medio que puede significar la diferencia entre el éxito y el fracaso en un proyecto de conservación. 4. No tengas miedo a mostrar "lo feo": el objetivo de muchos fotógrafos tanto aficionados como profesionales es el conseguir ganar premios en concursos de fotografía. Hay algunos concursos, como Montphoto, entre cuyos premios se encuentra la categoría de denuncia ecológica, estas fotografías no muestran la cara más agradable de la naturaleza, sino los espacios o situaciones que de algún modo nos hacen reflexionar sobre el modo en el que estamos interactuando con ella. Pero, lo que realmente tiene mérito, es el ejemplo de Ferrán Aguilar Antón, quién con una impactante imagen consiguió ganar un primer premio. Esta imagen, mostrando "lo feo" me está transmitiendo un sentimiento mucho más profundo que el que me hubiera transmitido una imagen "de postal". Por eso es importante que seas consciente que el impacto en el espectador se puede crear yendo a fotografiar basuras, vertidos, talas, incencios, abusos animales,... y no sólo con belleza.

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5. Comparte tus experiencias: puede que no cuentes con un grupo extraordinario de seguidores en tus redes sociales, o que las imágenes que compartes en galerías públicas como Flickr, Panoramio o 500px no vayan mucho más allá de las cien visitas. Lo importante no es la cantidad de personas a las que llegues, sino la calidad, si tu mensaje llega a la persona que tiene la capacidad de poner en marcha los mecanismos para encontrar soluciones al problema que has documentado, ya has conseguido un éxito pleno. Es importante que las imágenes vayan acompañadas por un pie de foto que ayude a comprender lo que estás documentando, suele ser frecuente que, cuando nos involucramos en algo y sentimos una agresión al medio ambiente como propia caigamos en un discurso radicalizado que difícilmente llega a conectar con el espectador/lector; ten templanza y trata de redactar el problema desde un punto de vista neutral y objetivo que consiga evitar prejuicios sobre tu mensaje. 6. Colabora con proyectos de conservación: la imagen es tu mejor modo de expresarte, por eso es importante que con ellas colabores en los proyectos de conservación en los que muchas asociaciones, grupos ecologistas y fundaciones se encuentran inmersos. ¿cómo? Infórmate de sus planes, suelen realizar encuentros y actividades de libre par-

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ticipación en los que tu presencia y tus imágenes pueden ayudar. Además puede servirte para compartir experiencias y son un medio esencia para la retroalimentación de conocimientos entre los asistentes. 7. Una actitud positiva hacia la conservación: al alcance de esta frase va mucho más allá a un pequeño cambio, significa la modificación de nuestro modo de interactuar con el medio ambiente; no suena alentador ¿verdad? pero significa que con unos pequeños cambios se consigue un gran beneficio. Lo primero que puedes hacer para cambiar hacia una actitud positiva es que, si no te dedicas profesionalmente a la fotografía, raciones tus viajes: quizá tu objetivo sea convertirte en un gran fotógrafo y para ello quieras fotografiar todos los lugares interesantes de la península, pero, sinceramente no influye tanto en el resultado la localización como la propia visión del fotógrafo. Estudiando y fotografiando tu entorno cercano evitarás consumir combustible desplazándote a lugares lejanos, míralo por el lado positivo, ahorrarás dinero y mejorará tu capacidad creativa. Este es sólo un ejemplo de cómo puedes adoptar una actitud positiva, hay cientos de gestos que puedes cambiar y que ayudarán a mejorar tu capacidad de conservación: puedes comenzar por seguir el código ético de AEFONA.

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Personalmente no suelo alejarme mucho más de una hora de mi entorno para fotografiar, tan sólo en un par ocasiones al año voy más allá de este círculo. Para tomar esta fotografía, caminé diez minutos desde mi casa.

Si, llegados a este punto, te has planteado la posibilidad de fotografiar las amenazas o la degradación que pesa sobre el medio ambiente tienes la posibilidad de colaborar en alguno de los e encuentros que AEFONA (Asociación española de fotógrafos de naturaleza) organiza. AEFONA, en colaboración con otras asociaciones e instituciones

organiza actividades tanto fotográficas como divulgativas para dar a conocer el alcance de algunos de los problemas medioambientales sobre los que po-demos actuar y que nos están afectando. Puedes compartir un fin de semana fotografiando y conociendo los pormenores de los conflictos ecológicos que nos afectan y en los que se implica AEFONA.

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Aunque pueda parecer que me desvío del tema, tengo que comentar que los pintores paisajistas de la Hudson River School, con sus pinturas ayudaron a inspirar el movimiento de conservación americano del siglo XIX, el cual fue responsable de la creación del sistema de parques nacionales más importante de nuestros días, el estadounidense. Cuando pintores como Thomas Cole o Asher Brown crearon aquellas imágenes, con toda seguridad no eran conscientes del efecto que producirían doscientos años después, pero, como norma general las personas tendemos a valorar lo que conocemos, y por lo tanto, hoy, nosotros, con nuestras imágenes podemos ayudar a conservar mostrando al mundo la belleza o las amenazas de los espacios naturales.

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Óleo de Asher Brown de la Hudson River School.

La fotografía de conservación puede que no sea el protagonista en materias medio-ambienales en nuestros días, pero tiene un peso fundamental: el el motor de muchos proyectos de conservación, la imagen es la que en muchas ocasiones consigue llegar efectivamente al espectador. Por eso tus imágenes son importantes, el ritmo al que está siendo destruida la naturaleza se ha acelerado de manera insostenible en nuestros días, por eso tenemos que hacer todo lo posible para ayudar con nuestras fotografías y testimonios a los movimientos conservacionistas a seguir lluchando por preservar espacios naturales vírgenes e inalterados por la mano del hombre.

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Hace un año me encontraba sentado frente al ordenador con la intención de redactar un artículo en el que analizar los datos y las noticias relacionadas con los incendios forestales, la idea era poder ofrecer información a los lectores, pero la cosa se me fue de las manos. En un primer momento pretendía que fuera un texto objetivo, pero sin poder evitarlo, poco a poco, me fue conquistando la desolación que me producía el pensar en la cantidad de bosques arrasados por los incendios, las vidas humanas, la cantidad de animales muertos en su entorno y los paisajes que dejan de existir para siempre; todo esto hizo aflorar mis emociones y que el artículo de hace un año tomara un tono más subjetivo. Este año no tengo reparos en mostrar mi opinión, por eso, sin dejar a un lado los datos estadísticos que incluyen las cifras más relevantes en cuanto extensión, los grandes incendios y las comparativas con otros años me siento en la obligación de ser 'yo' quién escriba las siguientes palabras.

Julio Eiroa

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Poniendo sobre la mesa una comparativa del 2013 y del 2014 lo primero que observo es que este año ha sido peor. Los datos sobre los que trabajo para redactar este artículo comprenden entre el 1 de Enero y el 7 de Septiembre, estas fechas son en las que hace corte el estudio publicado recientemente por el Ministerio de Agricultura, Alimentación y Medio Ambiente; pues bien, en este espacio de

tiempo durante 2014 se han producido 500 incendios más que en 2013. La mayoría de los que seguimos los datos relacionados con el medio ambiente podemos llegar a la conclusión de que en este aumento en el número de incendios pueda tener algo que ver el hecho de que el 2013 fuera un año extraordinariamente lluvioso, pero más incendios no significa una mayor superficie afectada.

En los más de 8.500 incendios que se han producido en lo que va de 2014, la superficie afectada ha sido de ¡más de 3.000 hectáreas menos que en 2013! pero... esto es una buena noticia ¿verdad? la lógica nos lleva a pensar que el hecho de que haya más incendios pero una menor superficie afectada es el resultado una buena gestión

de los recursos de extinción o que las labores de vigilancia han permitido ponerle fin a muchos incendios antes de que se descontrolen y arrasen una cantidad de hectáreas abrumadora; pero creo que detrás de este dato hay una terrible realidad de la que hablaré más adelante.

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La cara más devastadora del fuego son los 'Grandes incendios' los que arrasan más de 500 hectáreas. Entre el ranking de estas 'bestias' destacan tres, el primero de ellos es el de Ujué, en Navarra; no se trata de una superficie extraordinariamente extensa, pero destaca por haber sido uno de los más dañinos de este verano ya que de sus 835 hectáreas un 28% era superficie arbolada.

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Pero lo trágico de este incendio es que se da en una zona que apenas había comenzado a regenerarse pues, también en Ujué, en 2012 ardieron otras 237 hectáreas de las cuales un 87% de la superficie era arbolada, una catástrofe tras otra que impide que el monte pueda ni tan siquiera comenzar a recuperarse.

Nacho Cosio

En cuanto a hectáreas los mayores han llegado muy pronto, en Marzo y Abril cebándose con la provincia de Almería: el incendio de Sierra de Gador y el de Lucainena de las torres. El primero arrasó una superficie de más de 3.500 hectáreas ¿cómo hacernos una idea de esta cifra? pues según el INE es la

media de la superficie de los términos municipales en nuestro país, es como si uno de nuestros pueblos hubiera desaparecido del mapa ¿cómo te sentirías si fuera el tuyo? En cuanto al segundo, el de Lucainena, es ligeramente inferior con casi 2.500 hectáreas.

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Las valoraciones ofrecidas de estos dos grandes incendios se centran en el hecho de que no se han destruido parajes de gran valor ecológico y en que no han sido cifras históricamente relevantes. En primer lugar, no es un lugar de gran valor ecológico porque no lo hemos conservado, es así de sencillo, la biodiversidad y la riqueza ecológica de la península ibérica permiten que cada rincón de nuestro país pudiera ser un paraíso de flora y fauna. El área arrasada por los fuegos de Sierra de Gador y Lacainena hubieran devastado lugares de gran valor ecológico de no haber sido por otros incendios anteriores, deforestación, actividad

humana descontrolada... desconozco cuáles han sido los factores que han provocado que estos parajes no tengan un valor ecológico relevante, pero estoy seguro que alguno de estros tres factores han tenido algo que ver. En segundo lugar, en relación a que no han sido incendios históricamente relevantes, considero que cualquier cifra nos puede parecer alentadora después de que en el 2012 sólo en Valencia ardieran 55.000 hectáreas, pero tengo el triste convencimiento de que cada hectárea una oportunidad que pierde la naturaleza para regenerarse y que difícilmente puede volver a encontrar el modo de hacerlo.

Como casi todo, la prevención y extinción, así como la recuperación de los terrenos afectados es una cuestión de dinero. El precio que tienen que pagar las arcas estatales por los incendios forestales ronda los 130 millones de euros anuales, una cifra inmensa que con el esfuerzo de todos y con el estudio y aplicación de medidas especializadas podría

reducirse en hasta un 50%. Si consiguiéramos llegar a una situación utópica en la que apenas ardieran unas cuantas hectáreas anuales tal vez el presupuesto sería de 1 millón de euros ¿interesante verdad? pero lo que realmente veo interesante es que nuestros bosques podrían tener la oportunidad de volver a crecer.

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Llegados a este punto y analizando la situación cabría decir "esos 130 millones son insuficientes" pero lo peor de esta cifra no es su cantidad sino su 'cualidad': en qué y cómo se invierten. ¿cuánto cobra un bombero forestal?si no lo sabes puedes echarte las manos a la cabeza cuando sepas que hay personal especializado en la extinción de incendios forestales, que arriesga su vida en el desempeño de sus labores, al que se le requiere una preparación física a

la altura de muchos deportistas y que lucha por la defensa de nuestro patrimonio natural trabajando por 900 euros al mes. Los miembros de la brigada de refuerzo de incendios forestales (BRIF) de Laza en Ourense tiene este sueldo, y como estos bomberos, muchos en nuestro país sufen una deficiente remuneración salarial, teniendo en cuenta la labor que desarrollan. Este tema me llamó la atención cuando me encontré con esto en twitter:

Es sólo la punta del iceberg del sentimiento de precariedad laboral al que se enfrentan estos trabajadores. Las noticias relacionadas con esta situación han salido a la luz en el momento que han llevado a cabo protestas activas con el objetivo de llamar la atención sobre su situación. Pero hay más aspectos económicos que creo conveniente señalar: en 2013, el

gobierno invirtió 25 millones de euros en un sólo desembolso en la lucha contra incendios forestales, la mayoría podéis pensar "-¡qué gran noticia!" pero cambia la situación cuando se sabe que ese dinero se ha invertido en un solo avión, considero acertada la renovación de medios técnicos para la extinción de incendios, pero no es oportuna una inversión de tal volumen cuando

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ese mismo año han dejado de estar operativos otros 3 aviones que no se han sustituido; y sobre todo ¿cómo se puede permitir semejante inversión

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cuando hay personas trabajando en el interior de los incendios por 900 euros? (siento volver a tocar este tema pero no me parece justo).

Chema Mancebo

Finalmente, los aspectos económicos creo que merecen una valoración adicional relacionada con su asignaciónen materias de prevención, extinción y regeneración. En este sentido me resulta poco acertada la descompensada estadística que indica que el 64% del presupuesto se invierte directamente en apagar el fuego, mientras que a la prevención se destina sólo el 23% cuando la lógica me hace pensar que un aumento en la prevención supone un ahorro directo en la extinción. Además, mis principios me hacen pensar que debería de invertirse en

la regeneración de todos los terrenos arrasados por los incendios en empresas que lleven a cabo las medidas más adecuadas para que esas áreas puedan estar en una situación equivalente a la que estarían en el caso de que nunca se hubiera producido el incendio, en lugar de abrir la puerta a madereras que se llevan por delante tanto ejemplares quemados como sanos, tal y como se ha documentado en numerosas ocasiones. Pero, ¿cómo se puede llegar a invertir en sembrar nuevos árboles cuándo el porcentaje encaminado a minimizar los daños de los incendios es de sólo el 13%?

Chema Mancebo

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El incendio que más me ha llamado la atención fuera de nuestro país, y que ha tenido un eco mundial, es el que de nuevo ha vuelto a afecta el Parque Nacional de Yosemite en EE.UU. Hace sólo unos días publicaba en esta web el artículo "Los 10 paisajes más fotogénicos de EE.UU." en este

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ranking de 10 ¿adivinas que posción ocupa Yosemite? pues el número 1. Es uno de los lugares más fotogénicos del planeta y todos los veranos tiene que soportar la destrucción que supone que se produzca en sus terrenos un incendio forestal.

Un año más ha vuelto a arder Yosemite, lo realmente triste en esta ocasión es que las llamas se encontraban justo detrás del inspirador Half Dome. Imagen de Peter B. James bajo licencia CC,

Si el año pasado fue el Rim fire, el cual destacaba por su tamaño, este año ha sido el Meadow fire, cuya extensión no ha

sido extraordinariamente grande, pero las imágenes de los bosque ardiendo tras el icónico Half Dome han dado la vuelta al mundo.

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En primer lugar, y aunque no haya hecho alusión a ello anteriormente creo que es responsabilidad de todos evitar que se produzcan incendios forestales, me sorprende así la irresponsabilidad del personal del ayuntamiento de Cullera, quienes permitieron que se llevara a cabo un espectáculo de fuegos artificiales, ignorando advertencias de la Generalitat Valenciana que había elevado el nivel por riesgo de incendio para ese día al máximo, provocando así un incendio; por eso sería de especial interés que todos refrescar conocimiento echándole un vistazo al decálogo básico y recomendaciones del Magrama.

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convertirse en realidad. ¿qué me lleva a pensar esto? por una parte veo que la inversión en regeneración de montes es insignificante, y digo insignificante porque ese 12% no se merece adjetivos más apropiados como 'ridículo', 'insensato' o 'irresponsable'. Por otra parte me ha llamado mucho la atención que este año haya habido muchos más incendios pero mucha menos superficie afectada, el hecho de dudar de la efectividad de la gestión (que no de los medios ni las medidas) me llevó a ahondar en los datos estadísticos encontrándome con una espantosa tendencia.

He hablado anteriormente sobre la situación utópica en la que en nuestro país apenas se produjeran algunos incendios forestales que se escapan a la imprudencia o

He trazado una equivalencia entre el número de siniestros, la superficie total afectada y la superficie arbolada afectada (bosques) encontrando la tendencia a que la cantidad de superficie arbolada que arde en relación a la superficie

la demencia de la intencionalidad, analizando datos y la evolución lógica de la situación actual llego a la conclusión de que hay muchas posibilidades de que esa situación deje de ser una utopía para

arbolada afectada tiende a disminuir considerablemente, por ejemplo, en 2004 hubo 17.000 siniestros y la superficie arbolada afectada fue de 50.000 hectáreas mientras que diez años despues, en 2014, los

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siniestros son 8.500 y la superficie arbolada 9.300 hectáreas, esto quiere decir que con el doble de incendios ha ardido una proporción 5 veces mayor de incendios.

se en una tendencia favorable porque no hay grandes superficies forestales en nuestro país en las que un incendio pudiera evolucionar descontroladamente.

Analizando la causas de esta tendencia no me costó mucho llegar a mis propias conclusiones ¿se están protegiendo más los bosques para que no ardan? me temo que no (esto no quiere decir que sea partidario de una actitud intervencionista), creo que un factor determinante de esta tendencia es el hecho de que en nuestro país cada vez quedan menos bosques que puedan arder. Comienzo a tener la sensación de que los datos sobre incendios pueden interpretar-

Si la tendencia indica que hay más incendios pero de dimensiones mucho menores, entiendo dos opciones en la interpretación de esta situación: que no se toman las medidas de precaución adecuadas pero los medios de extinción son muy efectivos, otra opción es que que los incendios se producen en terreno en el que es más sencillo controlarlos, y desde luego ese terreno no es un bosque, de los cuales, por desgracia, cada año quedan menos en nuestro país.

En estos montes no queda nada que pueda arder, serán necesarios varios años hasta que la nueva vegetación pudiera arder, y serían necesarias varias décadas hasta que aquí pudiera volver a haber un bosque, aunque, tristemente, lo más probable es que antes de que el bosque se regenere, arda. Imagen David Rodrigo.

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Estas jornadas, celebradas en Riaño (León) del 19 al 21 de Septiembre ha sido el evento de fotografía y conservación más importante del año en nuestro país. Grandes ponencias centradas en la figura del lobo ibérico, desarrollando la problemática y particularidades que surgen en torno al marco social y económico en el que vive. Wild Wiatching Spain junto con AEFONA han sido los organizadores de estas primeras jornadas que aspiran a convertirse en un referente anual para ecoturistas, amantes de la naturaleza y fotógrafos. Ponencias técnicas a cargo de biólogos, técnicos de las administraciones y representantes de fundaciones como Oso Pardo o Félix Rodríguez de la Fuente combinadas con presentaciones de fotógrafos de reconocido prestigio como Andoni Canela, José Benito, Antonio Liébana, Luis Sanz y Javier Montes, cuyo hilo conductor han sido los grandes mamíferos del mundo. Las jornadas se han desarrollado el extraordinario marco de belleza natural que ofrece la montaña de Riaño, dos carpas, una con capacidad para 150 personas en las que se han ofrecido las ponencias, y otra carpa con stands de empresas y asociaciones relacionadas con el sector.

¿No pudiste asistir? pues no te pierdas este resumen en el que se exponen los conceptos más importantes desarrollados en las ponencias, un análisis de las mismas y los momentos más emotivos (y los más tensos).

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El primer acto al que pudimos asistir el Viernes por la tarde fue la inauguración de la exposición de Andoni Canela basada en sus veinte años de experiencias fotográficas fotografiando lobos salvajes en las montañas del noroeste peninsular, de esta inauguración cabe

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destacar no sólo la masiva afluencia de público que hubo sino que el formato de presentación, novedoso y arriesgado, combinando la impresión en metal y madera sorprendió positivamente a la mayoría de los asistentes.

Andoni Canela durante la inauguración de la exposición.

Abrieron las jornadas Iñaki Reyero de Wild Watching, Javier Fernandez Presa alcalde de Riaño y Anxo Claro de AEFONA poniendo de manifiesto la ilusión volcada en este proyecto y dando a conocer los objetivos y el programa, para dar paso a la presentación de Andoni Canela en la que a través de sus fotografias y sus palabras trasladó al

público la pasión con que el mismo sintió al perseguir durante días en plena naturaleza las manadas de lobos salvajes que fotografiaba. Dos técnicos del Área de estrategias y planes de conservación del Miniterio de Medio ambiente, Jaime Muñoz y Francisco García, dieron a conocer su

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búsqueda recursos técnicos, para evitar ataques de lobo a ganado, basados en los datos estadísticos surgidos de los estudios oficiales. Concluyó esta primera jornada con Odile Rodríguez de la Fuente, hija de Félix Rodríguez de la Fuente, representando la fundación que lleva su nombre. Hizo hincapié principalmente en la relación del hombre con la naturaleza y en la

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importancia que tuvo Félix en el cambio de paradigma que se produjo hace 40 años cuando el lobo dejó de ser considerado una alimaña de tal modo que se pudo evitar la extinción a la que inevitablemente estaba encaminado. Odile reflejó el espíritu de su ponencia con una interesante frase sobre la que reflexionar: "Salvar la naturaleza es salvar la humanidad"

Odile Rodriguez de la Fuente mira emocionada un fotograma en el que aparece su padre con un lobo.

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La actividad comenzó muy el temprano el Sábado por la mañana pues a las 6:00 Wild Watching había organizado salidas para que los asistentes pudieran avistar lobos y experimentar de cerca el

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espectáculo de la berrea. Otros decidimos salir con nuestras cámaras de tal modo que formamos un pequeño grupo para fotografiar el amanecer a orillas del embalse de Riaño.

Fotografiando el amanecer a orillas del embalse de Riaño.

De las ponencias del sábado por la mañana cabe destacar la rigurosidad científica con la que Luis Llanezaconsiguió llegar a los espectadores: la ecología de la especie y poniendo de relieve como el lobo ha sabido adaptarse a los espacios humanizados para poder sobrevivir. A continuación expuso Mario Sáenz de Buruaga, biólogo, al igual que Luis, su postura nos gustó mucho a los asistentes porque Mario aportó opiniones,

soluciones, alternativas y abrió la puerta a la participación. La tarde del Sábado comenzó con Carlos Gonzalez Antón, catedrático de la Universidad de León, que dio a conocer la regulación jurídica de las actividades turísticas y de fotografía en los espacios naturales protegidos. Uno de los momentos más esperados las jornadas llegó con la

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mesa redonda en la que participaron Luis Suárezde WWF España, Guillermo Palomero de la Fundación Oso Pardo y Odile Rodriguez de la Fuente. Luis comenzó analizando las poblaciones de lobo ibérico así como los problemas a los que se enfrenta. Guillermo nos ofreció una ponencia sobre el oso pardo en Picos de Europa en los conceptos de buena y mala praxis en la observación de estos animales en particular y de la fauna salvaje en general, aunque a muchos nos resultó curioso, por no decir desagradable, el hecho de una Fundación cuyo objetivo es la conservación de esta especie plantee la eliminación de los animales que se acerquen a los

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núcleos urbanos. Dejó paso a la mesa redonda en la que rápidamente comenzó la participación del público, fue un debate abierto y participativo con una gran intervención de Odile que abogó por unas posturas de acercamiento para llegar a soluciones. Ante los planteamientos de ganaderos entre el público, que se posicionaban en un "bando" contrario a los ecologistas, Luis Suárez dijo acertadamente: "Cuando los ganaderos os encontréis en una situación muy mala, nadie va a partir una lanza por vosotros, sólo los grupos ecologistas vamos a estar a vuestro lado y os vamos a ayudar cuando lo necesitéis".

Luis Suárez, Odile Rodríguez de la Fuente y Guillermo Palomero durante la mesa redonda de la tarde del Sábado.

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La jornada del Sábado se alargó más de lo previsto, pues hubo que aplazar las presentaciones fotográficas para última hora de la tarde ya que en la carpa, de color blanco, durante el día filtraba mucha luz, lo cual no permitía ver las proyecciones con toda la calidad que se merecen. Este espacio fotográfico de última hora de la tarde del Sábado lo inauguró Luis Sanz con su ponencia sobre el Tigre de Bengala en la India, muy buenas fotografías en una extensa intervención en la

Javier Montes Malagón nos contó sus experiencias durante años fotografiando en Alaska, centrado en la figura del Oso, nos sorprendió a todos el modo en que los animales ignoran a los humanos en los lugares en los que la fauna salvaje se desarrolla al margen de nuestra interacción.

Concluyó el ciclo fotográfico Antonio Liébana con una ponencia amena, Luis Sanz nos mostró maravillosas imágenes de tigres de agradable y divertida Bengala en libertad. a pesar de lo tarde que puso de relieve las amenazas que era, pues terminó a las 23:30; a surgidas del galopante aumento de pesar de ello, el carisma de Antonio la población en ese país. En ese y sus fotografías, de una calidad sentido nos dejó una frase muy sobresaliente, hizo que todos los interesante: "Cuando hay asistentes nos mantuviéramos en vilo necesidades humanas que hasta el último momento. satisfacer, estas necesidades pasan siempre por encima de la conservación".

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El Domingo concluyó con un interesante programa. La primera ponencia, a cargo Juan Delibes, Biólogo y presentador de televisión, nos sumergió en su visión de la especie desde el punto de vista del cazador, sus palabras me resultaron incómodas cuando escuchaba sus aventuras abatiendo animales, y poniendo de manifiesto la corrupción que hay en el sistema cuando afirmó que guardas de la

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zona de Guadarrama le habían hecho sentirse tentado a matar lobos al margen de la legalidad. La parte interesante de su charla consistió en un recorrido histórico de la relación del cazador con el lobo, sorprendió con datos que muchos desconocíamos, como que en 1953 se creó la Junta de extinción de animales dañinos, creada para hacer desaparecer el lobo en nuestro país.

Juan Delibes respondiendo las preguntas del público.

Una ponencia fotográfica, a cargo de José B. Ruíz en la que estaba previsto que nos mostrara un vídeo con fotografías de su reciente expedición a la frontera entre

Finlandia y Rusia para fotografiar osos salvajes, no se antojaba para los asistentes uno de los momento cruciales del programa, sin embargo, José Benito precedió la

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presentación con un discurso sincero y honesto sobre su manera de entender la conservación y la vida animal que consiguió emocionarnos a muchos e incomodar a otros tantos. Su charla nos deja frases tan intensas y emotivas como estas: "Cuando escucho a otros decir que han matado a una manada yo no entiendo de manadas, yo escucho que han matado una familia", "Nosotros hemos creado los problemas en la naturaleza, la solución nunca puede ser matar" y "La conservación en nuestro país es un paripé, conservamos por motivos económicos, tenemos que conservar por conservar, por amor a la vida". Sin embargo su sinceridad despertó la ira de cazadores presentes e incluso palabras de represalia por parte Guillermo Palomero de la fundación Oso

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Pardo. Personalmente creo que de todos los ponentes fue el único que se expresó con total claridad y sinceridad, sus palabras sirvieron para que nos sintiéramos representados un amplio sector de los asistentes que no entendemos la conservación como cifras, datos y objetivos, sino como amor la vida animal y a la naturaleza.

Se cerraron las ponencias con el resumen de las conclusiones por parte de Iñaki Reyero de Wild Watching, con una amplia participación con sugerencias por parte de los asistentes. Algunas de las ideas más comentadas e interesantes de estas jornadas y que salieron a colación durante las conclusiones fueron: - El lobo es un bien común que entre todos debemos conservar. - Opinión generalizada de que la organización del evento había sido un rotundo éxito. - Propuesta de creación de denominación de origen de alimentos producidos en tierra de lobos. - Importancia del medio rural como elemento humanizador y su papel en la conservación. - Necesidad de un nuevo cambio de paradigma hacia una especial protección de la especie.

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En primer lugar cabe destacar el gran papel llevado a cabo por parte de Anxo Claro de AEFONA como speaker y conductor, y parte involucrada de la asociación para la organización de las jornadas, sin su esfuerzo, su trabajo y su profesionalidad este encuentro hubiera sido muy distinto. Me sorprendió el alto nivel de asistencia, en su primera edición, es probable que se hayan superado con creces las expectativas de los organizadores. A todos los que nos preocupa el futuro del medio ambiente nos sentimos muy agra-decidos con Wild Watching por promover este tipo de iniciativas encaminadas a la conservación y conseguir un programa de un nivel tan alto reuniendo a ponentes y fotógrafos de tan alto nivel. De todas las experiencias vividas en las jornadas me quedo con un sabor agridulce. Lo mejor de todo ha sido compartir estos días con amigos y otros miembros de AEFONA, porque personalmente considero poco acertado el plan-teamiento de algunos ponentes: con la intención de encontrar una vía de cohesión de

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las opiniones para llegar a una solución que permita la conservación del lo-bo, muchos de ellos se han dejado una cosa muy importante en el camino, los principios. ¿Porqué asistimos a estas jornadas? para la conservación del lobo ¿verdad? Pues creo que se han olvidado los objetivos en el camino aquellos ponentes que plantean medios contrarios a ese fin, como por ejemplo, matar; aunque el fin, en su inherente locura, pudiera justificarlo. En muchas ocasiones se han puesto por delante de los intereses de conservación los aspectos económicos y sociales, sin tener en cuenta la ecología de la especie y sus necesidades; si hay que encontrar una vía de cohesión entre el mundo rural y el lobo, he tenido la sensación de que ha habido planteamientos que han puesto en todo lugar por delante estos aspectos (económicos y sociales) sin valorar la parte más importante, el lobo, su hábitat y su supervivencia como especie. En este sentido, me ha calado muy hondo la honestidad mostrada por José Benito, quién consciente de que sus palabras podrían levantar

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ampollas avisó de que todo lo que iba a decir eran opiniones personales. Obviando la recomendaciones de Odile, recordemos que abogó por posturas de acercamiento (pero no olvidemos que Odile representaba en estas jornadas una fundación que se financia con fondos públicos y establecerse en una posición moderada es mucho más correcto), José Benito prefirió deshacerse de la máscara con la que muchos ponentes expresaban sus ideas y dejar que su discurso fluyera desde el corazón. Sus palabras han sido lo mejor de todo el congreso, me quedo con la agradable sensación de que hay personas que arriesgándose a sufrir el reproche de los presentes, toman el camino de defender la vida animal y de expresar con claridad lo que muchos pensamos.

José B. Ruiz

Los aludidos por José Benito fueron dos cazadores que se encontraban presentes, los cuales no tardaron en pedir el micrófono y, con un tono amenazante y maleducado,

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comenzaron a poner en su boca palabras que no había dicho, como que les había llamado asesinos y había desvirtualizado su pasión (matar animales). Otro que tuvo palabras de reproche para José Benito fue Guillermo Palomero (también representa a una fundación financiada con fondos públicos), pero en ese momento me vino a la cabeza una frase que lanzó durante su discurso, sin duda me pareció muy desacertado proponer: "si un oso se acerca a los núcleos urbanos, lo más prudente es eliminarlo" ¿cómo puede el responsable de la Fundación Oso Pardo decir semejante barbaridad? ¿cómo puede reprochar un discurso en pro de la vida animal? ahí queda patente cuales son las opiniones condicionadas por representar a una fundación y cuales las que están condicionadas por los principios personales. Espero que en futuras ediciones de estas jornadas haya más ponentes que vengan con un discurso cabal, en lugar de tratar de ganarse la opinión pública defendiendo los intereses de las personas frente a los lobos en unas jornadas planteadas para la coexistencia y evitar su desaparición, en este sentido son los lobos los que tienen que ser defendidos, somos nosotros una amenaza para ellos y no al contrario como nos han hecho creer algunos de los ponentes.

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Andoni Canela y Odile Rodriguez de la Fuente, protagonistas de la primera jornada.

El stand de AEFONA que destacó con las fotografías de lobos que José B. Ruiz puso a la venta, y cuyos beneficios se destinaron al proyecto Wolf & Bio, la fotografías apenas duraron unas horas hasta que se vendieron todas.

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Luis Llaneza consiguió llegar al público con la rigurosidad de su exposición.

José B. Ruiz, Andoni Canela y Antonio Liébana en la carpa de stands.

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Se completaron todas las plazas en muchas de las ponencias, especialmente el Sábado por la tarde, esta imagen corresponde al momento en que Luis Suárez de WWF exponía.

Despertaron la curiosidad los productos de primer nivel del stand de Canon.

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Luis Sanz nos mostr贸 maravillosas im谩genes de tigres de Bengala en libertad.

Anxo Claro reparte los productos de la subasta ben茅fica que se celebr贸 para recaudar fondos para el proyecto Wolf & Bio.

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Tal vez no sea necesaria una definición, pero aún así creo que es necesario concretar a qué nos referimos cuando hablamos de flujo de trabajo. A la hora de procesar nuestras fotografías estamos refiriéndonos al protocolo que seguimos durante el revelado digital, los pasos que damos, y lo que es más importante: el orden en el que aplicamos esos ajustes.

Es posible que nunca te hayas parado a pensar en qué grado influye el orden de los ajustes sobre el resultado final de la imagen, pero con un par de cuestiones queda patente que el resultado varía considerablemente: ¿qué es más conveniente, mejorar saturación antes de eliminar aberraciones cromáticas o después? si lo hacemos antes habremos reforzado mucho más la aberración y nos resultará mucho más costoso eliminarla; ¿qué es más conveniente, mejorar contraste antes de eliminar manchas del sensor o después? evidentemente estas manchas están mucho menos marcadas en una imagen menos contrastada, por lo que el ajuste que tengamos que aplicar será mucho menos agresivo si las eliminamos antes de enfocar. Por lo tanto ¿se puede establecer un orden aleatorio? si, pero los resultados van a ser mucho mejores si seguimos un protocolo y establecemos un flujo de trabajo.

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Nos encontramos con que el flujo de trabajo nos va a aportar calidad, pues a nivel tanto cuantitativo como cualitativo, los ajustes que apliquemos estarán optimizados para que no interfieran entre sí. Ser fiel a un flujo de trabajo nos aportará además la seguridad de que siempre tendremos presentes todas las herramientas y procesos. Si hubiera que poner algún inconveniente al hecho de seguir un flujo de trabajo, sería que, si nos aferramos muy estrictamente a el, puede que apliquemos ajustes que no sean necesarios, e incluso que en ocasiones nuestra creatividad a la hora de procesar se

vea coaccionada por un protocolo excesivamente férreo.

Las tendencias actuales en la fotografía de paisaje marcan un claro predominio de imágenes nítidas, con un rango dinámico muy equilibrado y que muy frecuentemente buscan una perfección técnica y compositiva muy refinada. El hecho de que al fotografiar paisajes nos encontremos con contrastes lumínicos que rozan la capacidad de captura de nuestro sensor, condiciones climáticas muy cambiantes, gotas que lluvia que

caen en la lente, elementos que se nos cuelan, rastros de aviones en el cielo que queremos eliminar,.... nos va a plantear muchos más problemas que otra disciplina fotográfica más cómoda.

En definitiva, supone un paso muy importante hacia la mejora de la calidad de nuestras imágenes. El hecho de que nuestro flujo de trabajo incluya una serie de pasos organizados secuencialmente y de manera eficiente, debe ser una de nuestras primeras preocupaciones a la hora de sentarnos ante el ordenador para procesar.

Puede que haya a quién no le importe que aparezca la estela de un avión en una fotografía de paisaje natural, personalmente los veo totalmente inadecuados; creo que ensucian una escena puramente natual, por decirlo de algún modo,

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es como si en una fotografía de un prado visto al atardecer estuviera atravesado por las vías del tren que pareciera que se han colado por error, por eso, si la estela no puedo eliminarla de la composición, y no tiene mucha presencia en la imagen, tendría que plantearme la opción de clonar cielo o descartar la fotografía. Ahora bien ¿ese mismo rastro de avión supondría algún inconveniente para una fotografía urbana? Posiblemente trataríamos de integrarlo en la composición como un elemento más.

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fotografía de paisaje hay que tener muy en cuenta este tipo de marcas en la imagen, este tipo de descuidos no son apreciados si tenemos en cuenta el refinamiento que se suele buscar en la fotografía de paisaje, y por lo tanto, tendremos que plantearnos la posibilidad de clonar esa mancha, si es posible, o descartar las imágenes si no encajan en la estética que buscamos.

En esta imagen se puede apreciar la estela de dos aviones, tal vez no sean muy impactantes en esta imagen en la que también aparecen nubes altas, pero hay ocasiones en las que pueden desentonar y arruinar una toma.

Fotografiar junto a al mar o un torrente de agua puede ocasionar que nuestro objetivo o filtros acaben salpicados por algunas gotas de agua, lo que irremediablemente influye en que las sucesivas tomas van a incluir un halo extraño producido por la gota o gotas de agua. A la hora de procesar

Tras esta toma tuve que limpiar el equipo, una serie de olas suaves y llegó esta que me salpicó a mí y a la cámara.

Por lo tanto, puede que nos salpique agua, que en un encuadre perfecto se nos cuele la estela de un avión; vamos a encontrarnos en situaciones lumínicas difíciles que

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implicarán un ISO elevado y es posible que necesitemos eliminar ruido, vamos a tener que jugar con el balance de blancos mucho más frecuentemente de lo que nos gustaría,... en definitiva, hay veces

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que, un tratamiento de la imagen complejo (que no quiere decir profundo), es necesario para conseguir buenas fotografías de paisaje.

Habíamos llegado cuando aún había muy poca luz, soltamos las mochilas y nos pusimos a buscar encuadres para cuando llegara el amanecer. No me dí cuenta de que las mochilas habían quedado dentro de la escena. No habría sido necesario eliminarlas, pues esta imagen no se va a visualizar a un tamaño lo suficientemente grande como para que puedan llegar a molestar, pero, siguiendo la línea de la perfección que se busca en la fotografía de paisaje, he preferido clonarlas.

A la hora de hablar de procesado, se está dando por supuesto que la imagen tiene que pasar por el ordenador para obtener la copia final. ¿hasta dónde podemos llegar denominando procesado al paso de la imagen por el ordenador? es algo realmente subjetivo y que por lo tanto genera disparidad de opiniones que irremediablemente acaban chocando. Hay que tener claro que

la complejidad del procesado no implica manipulación, de hecho, va a ser necesario un flujo de trabajo incluso si tan sólo quieres dejar la toma final con el aspecto del RAW, ya que implica que la descargues, redimensiones y des salida: ¡ya has procesado! y si hay procesado, tal como se ha argumentado anteriormente, es conveniente que haya flujo de trabajo.

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A nivel personal es muy importante, no sólo que aceptemos el procesado como parte de la fotografía, sino también que conozcamos muy bien desenvolvernos en las herramientas que nos ofrecen los programas que utilicemos. Tener presentes las herramientas y saber qué posibilidades ofrece el software con el que procesamos va a ayudarnos a llegar desde la imagen inicial hasta el resultado óptimo. Redimensionar la imagen a un tamaño adecuado para su publicación es un paso imprescindible con fotografía digital.

A la izquierda el JPEG de RAW, toma original, a la derecha la imagen tras el procesado. A pesar de que se ha visto sometida a un procesado exhaustivo, esta escena no muestra una gran diferencia entre la toma original y la final.

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A la hora de hablar de flujo de trabajo, cuando nos referimos al proceso, nos referimos a los pasos que seguimos al trabajar con la imagen en el ordenador. Hay algunos pasos que son imprescindibles si queremos revelar un archivo RAW, pero hay muchos otros que podemos omitir, dependiendo de las necesidades de la copia final.

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la mayoría de profesionales en sus manuales varía sustancialmente de unos a otros, pero buscando similitudes, se puede dividir el paso de una fotografía desde que descargamos de la tarjeta de memoria, hasta que tenemos la copia final para imprimir o para publicar, en tres conjuntos de acciones: el pre-procesado, el procesado y el post-procesado.

El procedimiento que indican

PRE-PROCESADO ►Descarga ►Clasificación ►Etiquetado ►Conversión PROCESADO ►Ajustes formales: reencuadre, fusionar imágenes, aberraciones, corrección de lente, motas en sensor o lente, halo y ruido. ►Ajustes de exposición y luminosidad: exposición, sombras/iluminaciones, niveles, curvas y acutancia. ► Tratamiento del color: temperatura, intensidad y saturación. ►Ajustes por zonas y creatividad: correcciones selectivas, pinceles, degradados y viñeteado. POST-PROCESADO ►Salida: tamaño de imagen y profundidad de color. ►Enfoque ►Guardar como…

Cuando hablamos de preprocesado nos referimos a la preparación de la imagen, su descarga, catalogación, etiquetado y conversión para que el archivo RAW pueda ser admitido por el software de edición. El procesado se compone del conjunto de acciones que modifican el aspecto de la

fotografía, se eliminan imperfecciones, se le aplican ajustes creativos, contraste, saturación,... Y finalmente el post-procesado incluye la preparación de la imagen para la impresión o publicación: profundidad del color, resolución, tamaño de imagen,...

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Ya hemos apuntado que establecer un flujo de trabajo optimiza el esfuerzo que invirtamos en procesar. Pero desde un punto de vista más concreto, el hecho de que sigamos un protocolo nos establece una referencia sobre la que trabajar y va a constituir una base sólida que va a evitar que cometamos errores. Puede que el flujo de trabajo que elijas lo bases en el que se propone aquí, o tal vez consultes

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alguna de las webs o libros a los que se hace referencia en el apartado "Información adicional..." para tomar referencias que te ayuden a crear el tuyo propio. Sea como sea, si seguimos un flujo de trabajo, todas nuestras imágenes van a haber sido procesadas siguiendo el mismo protocolo, lo que se traduce en que todas van a presentar un aspecto similar. De ese modo, nuestro flujo de trabajó será uno de los responsables de nuestro estilo, y aportará parte de nuestra seña de identidad.

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Estrenamos sección de tutoriales sobre procesado en El Paisaje Perfecto, y lo hacemos con uno muy sencillo pero muy útil: explicamos paso a paso cómo modificar las proporciones de una fotografía para convertirla en panorámica. Continúa leyendo. Cuando hablamos de panorámica, nos referimos a una fotografía de paisaje en la que se muestra un punto de vista amplio y ancho. Para mostrar este tipo de perspectiva necesitamos una fotografía cuyas proporciones respondan a una relación de aspecto con una anchura de al menos dos veces la altura. De relaciones de aspecto, proporciones y demás ya hemos hablados en uno de los primeros artículos del blog. Ahora, vamos a ceñirnos a un ejemplo para explicar de una manera clara y rápida cómo recortar una fotografía de proporciones 3:2 ó 4:3, tal cómo sale de la cámara para que tenga unas proporciones panorámicas, o sea de al menos 2:1.

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La imagen seleccionada era muy reciente en el momento de publicar este artículo en el blog, cómo se suele decir: la tarjeta de memoria está todavía caliente. No he dedicado mucho esfuerzo a

buscar en el archivo alguna fotografía que me sirviera de ejemplo porque esta fue hecha específicamente para ilustrar este artículo.

Este encuadre me pareció adecuado porque en él, aparecen varios centros de interés, pero todos se concentran en la zona horizontalcentral de la imagen. Arriba hay un cielo sin información, y abajo una extensión de dunas que queda en la oscuridad, con muy poco interés. Recortando esta imagen y convirtiéndola en panorámica creo que gana mucho atractivo.

Citar que existe la opción de realizar varias tomas con una focal más larga, rotando la cámara sobre el eje del trípode. También hice esas fotografías, pero en este tutorial nos centramos en recortar para dar proporciones panorámicas. En otros tutoriales desarrollaremos la técnica de captura y stitching de fotografías para crear una panorámica.

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Paso 1. En la barra de herramientas de Photoshop seleccionamos la Herramienta Marco rectangular.

Paso 2. En la barra superior, en opciones de herramienta hacemos click sobre el desplegable de Estilo: y seleccionamos Proporci贸n fija.

Paso 3. Cuando seleccionamos proporci贸n fija nos aparecen a la derecha dos recuadros, Anch: que corresponde a la anchura y Alt: que es la altura. En estos recuadros seleccionamos las proporciones que queremos que tenga nuestra imagen. Personalmente he elegido 2,39:1

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Paso 4. Seleccionamos la parte de la imagen con la que nos queremos quedar. Haciendo click en la imagen con el botón izquierdo del ratón y arrastrando mientras lo mantenemos pulsado; al arrastrar notarás cómo las proporciones no cambian. Cuando sueltas el botón ya tienes la selección, puedes moverla haciendo click sobre ella con el botón izquierdo y arrastrando.

Paso 5. Cuando ya hemos colocado el marco rectangular en el lugar que queremos, vamos a Imagen > Recortar; y automáticamente Photoshop nos recortará imagen eliminando todo lo que estaba fuera del marco.

Paso 6. Eliminamos el marco, para ello vamos a Selección > Deseleccionar (Ctrl+D); y ya tenemos la imagen lista para seguir editando o para guardar.

Resultado final: una fotografía panorámica de proporciones 2,39:1

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En este nuevo tutorial para Photoshop podéis aprenderéis a añadir y mejorar digitalmente el velo a vuestras fotografías. Como complemento al artículo acerca de los reflejos ópticos os ofrecemos estos 7 pasos para que veáis cómo una escena puede mejorar. Podéis probar con una de vuestras imágenes y veréis como adquiere una mayor riqueza estética con este atractivo efecto. Hablamos de los reflejos de la óptica en el artículo 'Lens Flare: dominio y aspectos creativos de los reflejos ópticos'. Entre los diferentes tipos de flare que puede provocar la óptica se encuentra el velo: se trata de una neblina en la imagen que provoca la reducción del contraste y de la saturación e intensidad del color, provocando así un efecto visual con cierto aire bucólico.

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Añadir velo a imágenes que no lo poseen puede provocar un efecto poco atractivo, a la vez que pierde gran parte de la naturalidad, que por otra parte es uno de los puntos fuertes del velo. Por eso creo que es recomendable aplicar velo digitalmente a imágenes que ya lo

posean, de tal modo que potenciemos un efecto que ya tiene la captura. Aunque es un procesado que puede ir en contra de los principios puristas de la edición digital, para el ejemplo utilizo una imagen JPG del RAW original sin ningún tipo de procesado.

La fotografía elegida cuenta con un pequeño velo en la parte superior, además, la escena es el marco ideal en el que este efecto puede ayudar a complementar el mensaje de la imagen aportando esa picelada de atemporalidad y de naturalidad tan

característica. Esto puede ser, en general, una orientación sobre el tipo de escenas para las que te puede resultar útil este tutorial: por una parte que ya cuenten con velo, y por otra que este efecto ayude a reforzar el mensaje.

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Paso 1. Creamos una nueva capa en blanco: en el menú lateral de capas el segundo icono de la derecha, también podemos añadir una nueva capa en el menú superior, pulsando en Capa > Nueva > Capa... (MayúsCtrl+N). Una vez creada la nueva capa, si no la hemos creado sin color, para poder ver la imagen, podemos visualizar u ocultar la capa pulsando el ojo que esta a la izquierda de la capa (en la imagen superior en el recuadro rojo).

Paso 2. Seleccionar color del velo: aunque podemos crear el color manualmente, personalmente me gusta seleccionar un tono existente en la escena, para ello elegimos la herramienta cuentagotas (I) y pulsamos sobre un

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punto de la escena sobre el que queremos elegir el color (hay que tener en cuenta la configuraci贸n del cuentagotas, en este caso he elegido un promedio de 3x3.

Paso 3. Rellenamos la capa: seleccionamos la herramienta Bote de pintura (G) y rellenamos la nueva capa con el color seleccionado en el paso anterior. Ten en cuenta que si antes has desactivado la vista de la nueva capa debes volver a activar la vista en el ojo que hay a la izquierda de la capa. Una vez rellena la capa es necesario poder desactivar la vista para facilitarnos el trabajo en el siguiente paso.

Paso 4. Seleccionamos la zona de la imagen que queremos que contenga velo: para ello utilizamos la herramienta Lazo poligonal (L). Creamos un pol铆gono que contenga la zona que va a llevar velo, por lo general es la zona que ya contiene, aunque este es el paso m谩s personal de todos, pues aplicaremos velo a zonas de la imagen en funci贸n de nuestro gusto o de los requisitos de la propia escena.

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Paso 5. Desvanecemos la selección: en el menú superior hacemos click en Selección > Modificar > Desnvanecer... (Mayús+F6).

Se nos abre un cuadro de diálogo para que seleccionemos el radio de desvanecimiento. El radio de desvanecimiento indica el tamaño el píxeles de la zona de transición de la selección, o lo que es lo mismo, cómo de difuminado queremos el borde. En este caso hay que elegir un borde relativamente desvanecido, para este tipo de selecciones suelo elegir al menos un 5-10% del tamaño del lado menor de la imagen.

Paso 6. Eliminamos la zona que no nos sirve de la capa de velo. Como hemos

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seleccionado la zona en la que queremos velo, invertimos la selección en Selección > Invertir (Mayús+Ctrl+I) y pulsamos Suprimir en el teclado para eliminar la zona de la capa de velo que no nos sirve y deseleccionaremos en Selección > Deseleccionar (Ctrl+D). Paso 7. Elegimos la opacidad de la capa de velo: en el menú de capas seleccionamos la opacidad hasta obtener un efecto deseado, recomiendo siempre elegir un valor inferior al 20% pues una cantidad mayor puede parecernos artificial, muy desencaminado de la naturalidad que es posible que estemos buscando. Para ir un paso mas allá, una vez aplicado el velo, si no nos convence del todo el color que hemos aplicado, podemos modificar el tono, la saturación o la luminosidad de esta capa hasta alcanzar un efecto deseado, para ello recomiendo siempre trabajar en este tipo de escenas en 16 bits.

Resultado final: Si se compara esta imagen con la que aparece al principio del artículo puede observarse que el efecto es muy sutil, pero ayuda mejorar los valores estéticos de la escena.

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Aunque la mayoría conocéis Google Earth, ya que es una de las herramientas más potentes en las que el fotógrafo de paisaje puede encontrar apoyo. Hace casi un año hicimos una introducción a este navegador en El Paisaje Perfecto, pero es ahora cuando vamos a ofrecer un tutorial para conocer una de las propiedades básicas del programa, la creación de capas de mapa, pero a la vez una maravilla para que los fotógrafos de paisaje puedan estudiar el terreno y mejorar sus localizaciones. "una maravilla para que los fotógrafos de paisaje puedan estudiar el terreno y mejorar sus localizaciones"

Cuando abrimos Google Earth, por defecto tenemos ante nosotros una capa de terreno físico compuesta por imágenes satélite procedentes de diversas fuentes: Digital Globe, Landstat, U.S. Navy, GEBCO,... podéis ver la fuente del mapa en el centro, abajo. Esas imágenes están unidas y montadas sobre una base 3D para navegar por el mapa del mundo, sin embargo, puede que haya ocasiones en las que nos interese crear una nueva capa, montarla sobre la base 3D y poder navegar sobre un mapa personalizado. Este manual nos enseñará a crear esta capa y montarla sobre el programa.

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CUANDO NOS VA A RESULTAR DE UTILIDAD UNA CAPA DE MAPA - Cuando necesitamos un topográfico, geológico,...

mapa

satelital,

sea

político,

- Cuando el mapa por defecto de Google Earth no tiene una calidad a la altura de nuestras expectativas en una región que queramos explorar. - Cuando agregar nuevas capas nos ayuden a complementar y comprender la base 3D. - Cuando nuestras necesidades de planificación de rutas o marcas de posición no se basan en las cualidades de un mapa físico. - Cuando buscamos el modo de llegar a una localización fotográfica y estudiar su entorno.

Una de las opciones más interesantes es crear una nueva capa de mapa topográfico. Estos mapas representan áreas de terreno en los que se incluyen curvas de nivel que permiten reflejar la forma de la tierra; si tenemos en cuenta que este mapa topográfico lo estamos asentando sobre una base 3D, nos podremos hacer una idea muy realista del terreno en el que queremos fotografiar. Hay muchos mapas topográficos online, y a la hora de trabajar con uno de ellos debemos tener en cuenta varios factores:

FACTORES A TENER EN CUENTA A CREAR EL MAPA TOPOGRÁFICO ►Escala: cuanto menor, más detalle y precisión. ►Elementos del paisaje: como carretereas, rios, caminos, contrucciones,... ►Accidentes geográficos: el nombre de un río, dónde hay una cueva,...

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Cuanto mayor sea la escala, más elementos del paisaje refleje y más accidentes geográficos contenga nos vas a ser mucho más útil. Uno de los mapas topográficos que mejor puede cumplir con nuestras expectativas es el SIGPAC. Su alcance es muy limitado, sólo el territorio de España, pero podemos encontrarlos equivalentes (y es posible que también gratuitos) de otros países.

El SIGPAC fue concebido como soporte gráfico para que los agricultores pudieran presentar solicitudes, incluye varias capas de mapa, una de ellas es el un mapa topográfico con escala 1:25.000 y de una gran calidad de detalle en accidentes geográficos y naturales, muy interesante a la hora de crear una nueva capa en nuestro Google Earth.

Paso 1. El mapa. El mapa con el que vamos a crear la nueva capa lo aportamos nosotros, tenemos varias opciones: escanear, descargar o capturar. Personalmente he elegido la opción de haciendo una captura de pantalla de la zona en la que estoy interesado. Nota: podemos hacer varias capturas y unirlas con cualquier programa de edición para crear un mapa más grande y que abarque una mayor extensión de terreno. Al final del artículo, en el

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apartado Información adicional... puedes descargar el mapa que he utilizado como ejemplo.

Paso 2. Crear carpetas y ubicar mapa. Para que Google Earth pueda cargar el mapa que corresponde con la capa que vamos a crear debe permanecer en una ruta de nuestro PC. Si Google Earth no en cuentra el mapa en el directorio en el que lo hemos creado, no lo cargará, por eso antes de crear el mapa es importante ubicarlo en un lugar definitivo: personalmente creo una carpeta en la del sistema en la que está instalada Google Earth llamada "Mis capas de mapa". Abrimos Google Earth, y el la barra lateral izquierda creamos una nueva carpeta haciendo click con el botón secundario en en "Mis sitios" > Añadir > Carpeta (tal como se muestra en la imagen de la derecha-arriba). Le damos un nombre, por ejemplo Mis mapas, Capas de mapa,... y opcionalmente podemos crear otra carpeta en esta con más información sobre el mapa que aloja, yo lo he nombrado "Circo de la Pedriza topo 1:25.000".

Paso 3. Navegamos hasta la zona que va a ocupar el mapa y hacemos click sobre el botón "Añadir superposición de imágenes" de la barra superior de herramientas de Google Earth (en la imagen superior).

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Paso 4. Nombrar y cargar. Se nos abre una ventana para crear una nueva superposiciรณn de imรกgenes, por defecto nos aparece marcado el nombre de la imagen, le damos un nombre, personalmente he vuelto a elegir "Circo de la Pedriza topo 1:25.000". Bajo el nombre se encuentra el botรณn "Examinar..." (en rojo en la imagen superior); pulsamos este botรณn para explorar la ubicaciรณn del mapa que queremos cargar (recuerda que en el paso 2 lo colocamos en C: > Archivos de programa(x86) > Google > Google Earth > Mis capas de mapa.

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Paso 5. Se nos carga la imagen sobre el mapa de Google Earth. Ahora llega el momento de encajar un mapa sobre el otro, es lo más complicado de superponer un mapa, pero siguiendo las indicaciones de los próximos pasos nos resultará mucho más accesible. Lo primero que tenemos que hacer es bajar la opacidad de nuestro mapa (en rojo en la imagen superior) de este modo distinguiremos accidentes geográficos tanto de Google Earth como de nuestro mapa para hacerlos coincidir. Haciendo click en el encabezado de la ventana de Nueva superposición de imágenes y arrastrando hacia abajo podemos retirarla para que no nos estorbe a la hora de encajar el mapa.

Paso 6. Sobre el mapa se han creado unas guías de color verde, estas guías son las que cambian el tamaño y posición de nuestro mapa. La de la izquierda, con forma de rombo gira el mapa sobre su eje central, personalmente nunca toco esta guía porque hace que encajar el mapa sea mucho más complicado, sobre todo teniendo en cuenta que el mapa que hemos cargado tiene el norte alineado y no hay que rotarlo. En el centro nos aparece otra guía, con forma de cruz, esta guía mueve el mapa. En las esquinas hay otras guías con forma de L que modifican el ancho y largo del mapa. Finalmente, en los laterales, con forma de T hay otras que modifican el ancho o el largo del mapa.

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Paso 7. Encajar, primeros pasos. Para facilitarnos el trabajo de encajar el mapa es conveniente comenzar por las esquinar y buscar accidentes que coincidan en ambos mapas. En mi mapa, en la esquina inferior izquierda he observado una carretera y el curso de un río junto a Soto del Real, para hacerlos coincidir he arrastrado la guía verde con forma de L de la que hemos hablado en el paso anterior.

Paso 8. Repetimos esta acción con las 4 esquinas, en la siguiente esquina he observado que no hay nada que encaje, pero un poco hacia la derecha hay un camino que se superpone, para hacerlo coincidir arrastro la guía hacia abajo.

Paso 9. Cuando hemos colocado las cuatro esquinas y volvemos a la primera vemos que se ha movido ligeramente al cambiar el tamaño moviendo las otras

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esquinas. Para reubicarlo volvemos a repetir el proceso en las cuatro esquinas aumentando el nivel de zoom y haciendo coincidir el mayor nĂşmero de detalles.

Paso 10. Recorremos el interior del mapa y comprobamos que todos los elementos de ambos mapas coinciden, haciendo zoom y modificando la opacidad de nuestra capa vemos que estĂĄn superpuestos.

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Llega el final de la revista, son 300 páginas con 28 artículos, pero todo este contenido no hubiera sido posible sin las fotografías ¿qué es una web de fotografía de paisaje sin imágenes? Por eso quiero mostrar mi más sincero agradecimiento a todos los fotógrafos que han prestado sus imágenes para ilustrar los artículos. Muchos son profesionales, otros aficionados, pero todas las fotografías tienen la misma importancia, pues son la esencia de este blog. Especialmente agradezco la partición en el artículo “Accesorios imprescindibles para,…” de Alberto Tormo, Darío Sastre, Javier Camacho y Jonathan Gascó, han hecho un trabajo excepcional y me satisface mucho que hayan dedicado esfuerzo y tiempo en aportar sus conocimientos sobre material para crear el artículo, gracias. Durante este año ha aumentado el número de suscriptores considerablemente, llegando a multiplicarse por cinco, cada vez que publico un artículo y compruebo que hay nuevos suscriptores me anima a continuar con el siguiente, a mejorar, a publicar nuevos contenidos que puedan resultarles interesantes, por eso quiero agradecer a los suscriptores que estén ahí, publicación tras publicación siguiendo este blog. Finalmente, quiero agradecer la colaboración de Rosa Vázquez y Rafa Irusta para crear los artículos sobre su fotografía. Sería imposible profundizar en su obra y en su trayectoria del modo que se ha hecho sin su aportación y disposición. También agradecer a José B. Ruiz su prólogo, quería que fuera él, un fotógrafo inspirador pero sobre todo incondicional defensor de la naturaleza quién prologara esta publicación.

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¿Mejoraremos la próxima temporada? Seguro que sí, para el 2015 hay reservadas muchas sorpresas: nuevos artículos, nuevos colaboradores, nuevas localizaciones,… y sobre todo mucha ilusión por seguir mejorando este blog. Es imposible avanzar todos los proyectos que están dando vueltas a la cabeza para el próximo año, pero adelantar que se están forjando dos encuentros fotográficos en el que los colaboradores y seguidores del blog, así como cualquiera que se quiera unir a nosotros puede disfrutar de una jornada de fotografía en buena compañía. Para el próximo año intentaremos que abra las puertas la tienda de la web, nada ostentoso, tan sólo unos artículos de merchandishing o productos que quieran vender los colaboradores. Pero no os preocupéis, el blog no tiene fines comerciales, nació con esa filosofía, la de compartir fotografía de paisaje y concienciar sobre la necesidad de conservar el medio ambiente y seguirá siendo así, ¿beneficios? Si los hubiera estarían destinados a un proyecto de conservación que se está forjando (hasta aquí puedo leer…)

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