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Más que concertos

¡SAKAPATÚ! un viaje por la música andina Dossier educativo

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¡SAKAPATÚ! un viaje por la música andina Dossier educativo

1. Introducción

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2. ¿Por qué una música suena andina?

3. Los instrumentos

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Los instrumentos de viento

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Los instrumentos de percusión Los instrumentos de cuerda

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4. De Cuzco a España

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Música y naturaleza

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Construcción de un cajón peruano

Vivir en comunidad

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Por si queréis ir un poco más lejos Sakapatú / Índice del CD

Edita: Fundación ”la Caixa” Coordinación de la edición: Servicio Educativo y Departamento de Música Textos: Albert Gumí / Apartado Construcción de un cajón peruano: Toni Cirera Fotografías: Ferrán Borràs Diseño gráfico: Accent, estrategias de comunicación © de la edición 2005, Fundación ”la Caixa” © de los textos, los autores © de las fotografías, el autor

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Introducción

Un concierto que es un viaje El concierto que escucharéis forma parte del proyecto Diversons de la Obra Social ”la Caixa”. Cada uno de los conciertos de este festival nos acerca la música de un país o de una cultura concreta. A través de las canciones, de los instrumentos, de la manera de hablar o de vestir de los músicos, e incluso a través de su expresión, podremos adentrarnos un poco en su manera de sentir, de amar, de cantar, de reír o de llorar. Es como un viaje hacia los sentimientos de un pueblo. Un viaje que, sin movernos de la sala de conciertos, nos permite ir muy lejos.

¿Quién nos acompañará en este viaje?

Los Sakapatú Los Sakapatú son un grupo de jóvenes músicos que viven desde hace unos años en Barcelona, pero que nacieron en Sudamérica: unos en Perú y otros en Chile. Como mucha gente que se ha ido de su país, ellos intentan mantener algunas de sus costumbres. Y, lógicamente, les encanta tocar su música, la música de Sudamérica. Bueno, no de toda Sudamérica, ya que esto sería casi imposible. Y es que, a veces, hablamos de la música sudamericana como si sólo se tratara de un único tipo de música, pero nos equivocamos. En Sudamérica hay muchas culturas diferentes (desde la Patagonia, en el sur, hasta el Caribe, en el norte, hay muchísimas). Los Sakapatú tocan principalmente la música de sus regiones de origen: por un lado, la música de las montañas (de los Andes) y, por otro, la música de la costa (música afroperuana que, como veréis más adelante, tiene mucha influencia de los esclavos negros que fueron traídos de África.

Por cierto, Pero lo más impor tante es que ellos no se limitan a tocar estas músicas para recordar su tierra y pasar un buen rato.

No, ellos van más allá y siguen el camino para conver tirse en un impor tante conjunto musical. Para conseguirlo, aprenden día a día de los grandes músicos, hablando con ellos y, sobre todo, escuchándolos; también estudian mucho sus instrumentos originales de los Andes; hacen arreglos de las melodías respetando la tradición y, al mismo tiempo, dándoles un toque de modernidad... Y, con todo esto, han sabido crear un repertorio de canciones que hace que sus conciertos siempre sean una pincelada de aire fresco y de color andino.

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¿sabéis qué quiere decir Sakapatú?

En una de las canciones de estilo afroperuano que cantan, hay una frase que dice: “Saca para tu lado”. Si intentáis decir esta frase muchas veces, si la decís con el acento de los afroperuanos y si, además, la decís jugando (la música siempre tiene un poco de juego) las palabras acabarán convirtiéndose en puro ritmo.

Cuando nuestros músicos quisieron escoger un nombre para el grupo, no había nada mejor que una frase con mucho ritmo: ¡Sakapatú!

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1. Introducción

¿Cuál será el recorrido de este viaje?

Contenidos del concierto El viaje que haremos será a través del tiempo, a través de la evolución de la música andina.

El punto de partida serán las antiguas músicas precolombinas, de la época de los incas. Lo cierto es que no sabemos exactamente cómo sonaba la música en aquella época, porque no había ningún tipo de partitura, pero tenemos dos cosas que nos ayudan a imaginárnoslo: por un lado, los instrumentos que se han conservado y, por otro, las imágenes que representan escenas de música y baile. Gracias a ello, sabemos que los incas utilizaban escalas de cinco notas y que tocaban quenas, zampoñas, ocarinas, caracolas marinas y varios instrumentos de percusión. También sabemos que sus melodías no tenían acompañamientos ni segundas voces (eran músicas monódicas).

El viaje continuará con la llegada de los españoles al territorio inca. En 1532 capturaron a su jefe, Atahualpa, e iniciaron la conquista de todo el imperio. Con ellos llevaron su música y sus instrumentos: música con varias voces cantando al mismo tiempo (polifónica) e instrumentos de cuerda (varios tipos de guitarras antiguas).

Luego recorreremos un largo periodo en el que las dos maneras de hacer música y los diferentes tipos de instrumentos se mezclaron y crearon lo que llamamos música étnica andina. Entonces, los instrumentos tendrán formas curiosas (como el charango, hecho con el caparazón de un animal) y la música conservará a menudo la melodía pentatónica, pero irá acompañada de otras voces y de acordes de instrumentos de cuerda. Además, cada canción tendrá un sentido en relación con la naturaleza o con las almas de los muertos, la adoración de los dioses, etc.

Continuando el viaje en el tiempo, llegaremos a la época actual, con la entrada de nuevos instrumentos (por ejemplo, el bajo eléctrico), la salida de la música de sus países de origen (sin ir más lejos, los Sakapatú viven en Barcelona) y la creación de lo que llamamos música folclórica internacional andina: una música hecha por músicos indígenas, músicos criollos (mezcla de indígenas y blancos) y también por músicos blancos, y que ya está pensada para que suene en las salas de conciertos o se grabe en CD; ya no es una música destinada a adorar al dios Sol o a hacer llegar la esperada lluvia que ayudará a que crezcan las papas que hemos sembrado. Es una música hecha para escuchar en concierto.

Finalmente, tendremos una pincelada de la llamada música afroperuana, una música en la que la base de los incas y la aportación de los españoles se mezclan con los ritmos de los negros africanos que llegaron como esclavos para trabajar en Perú. Aquellos esclavos llevaron su manera de vivir la música y, además, construyeron diferentes tipos de instrumentos de percusión al estilo de los que hacían en África. Cuando fueron liberados, se instalaron en la costa y es allí donde han recuperado hoy su cultura musical.

Bueno, resumiendo, tendremos música precolombina, música del Renacimiento español, música étnica y folclórica andina y música afroperuana. Más de quinientos años de música en un solo concierto. Un buen viaje, ¿verdad?

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1. Introducción

¿Nos situamos en un mapa?

El territorio de la música andina En este mapa podemos ver el territorio que abarcaba el imperio de los incas. La música andina que escucharéis en el concierto de los Sakapatú procede básicamente de esta zona. Actualmente comprende países como Perú, Bolivia, Chile, el norte de Argentina y una parte de Ecuador.

¿Qué tenemos que preparar antes de iniciar el viaje?

Este dossier está pensado para trabajar tanto antes como después del concierto.

Podéis repartir los temas de la manera que os parezca más adecuada y teniendo en cuenta que seguramente no dispondréis de demasiado tiempo antes de la fecha del concierto.

Entre los aspectos que se pueden trabajar antes, os aconsejamos: La presentación de lo que será el concier to (es decir, básicamente este capítulo 1 de introducción).

La presentación de los instrumentos que se verán en el concierto, con la explicación, la imagen y el sonido (todo el capítulo 3 dedicado a los instrumentos). Aquí incluiríamos, evidentemente, el charango, con la leyenda del quirquincho músico (que encontraréis en el capítulo 2).

El aprendizaje de la canción “Poco a poco” y del pequeño coro de la canción “Mandela” (que encontraréis en el capítulo 2) para poder participar activamente el día del concierto.

Si disponéis de tiempo suficiente, también podéis animaros a intentar crear vuestras músicas andinas en clase, antes de ir a escuchar a los Sakapatú (sería la mayor parte del capítulo 2).

Pero también puede ser interesante crearlas luego, después de escuchar su manera de hacer música en vivo.

Sin duda, todo lo que tiene relación con temas de la cultura andina (capítulo 4) está pensado para reflexionar después del concierto. ¡Buen trabajo!

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¿Por qué una música suena andina?

“El quirquincho músico” Un viejo quirquincho* estaba, como hacía cada tarde, tumbado cerca de unas rocas. Allí escuchaba los suaves cantos del viento al rozar las grietas de la piedra. ¡Qué sonido tan dulce, cuántas agradables sensaciones recorrían su caparazón mientras cerraba los ojos embelesado ante tanta belleza! Era un animal con una gran vocación musical. Luego, hacia el atardecer, le gustaba muchísimo oír el canto de las ranas que se reunían en la zona pantanosa. Los ojos se le llenaban de lágrimas saladas cuando se acercaba lentamente a la charca y escuchaba con atención el refinado croar de la coral de agua dulce.

-“Ah, si yo pudiera llegar a cantar con tanta expresión! ¡Ah, si yo tuviera esta voz tan afinada y este ar te incomparable que tenéis las ranas!”

Como os podéis imaginar, éstas le miraban con un aire burlón y le contestaban, con una pose algo altanera: -“Tú no has nacido para el canto. Aunque vengas a escucharnos todas las noches de tu vida, ¡jamás llegarás a gorjear tan bien como nosotras!”

El pobre quirquincho, en vez de enfadarse, seguía admirando la polifónica de anfibios hasta bien entrada la madrugada.

Un día, cerca de su madriguera pasó un hombre que llevaba una jaula con un par de canarios. Cuando, de repente, los animales empezaron a cantar, ¡el quirquincho casi enloqueció de placer! Salió del agujero y siguió al hombre durante horas y horas; atravesó montañas, cruzó valles y se alejó como jamás se había alejado de su territorio, siguiendo aquel sonido maravilloso que salía de la jaula. Pero, al final, sus patas cortas y cansadas dijeron basta, y el animal se detuvo suspirando.

-“¡Qué lástima, ya no puedo más! ¡Estos pájaros eran unos artistas de primera categoría! Si yo pudiera cantar como ellos...”

De regreso, andando ahora muy lentamente, el quirquincho pasó por delante de un conocido mago y, armándose de valor, decidió entrar. Una vez dentro, le dijo:

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nen ningún sentido!). Pero el hombre le respondió con voz seria y pausada: -“Yo puedo hacer que cantes mejor que cualquier pájaro, mejor que las ranas y mejor que cualquier otro animal del mundo. Ahora bien, el precio que tendrás que pagar es demasiado alto, porque conseguirlo te costará la vida.”

-“¡Lo acepto con alegría! —respondió el animal—. ¡No hay nada que desee tanto como ser un gran músico! ¡Enséñame a cantar!”

-“Muy bien, mañana cantarás, pero, como te he dicho, esta noche morirás.”

-“Así que, ¿cantaré una vez muerto?”

-“Efectivamente, así será.”

Al día siguiente, el quirquincho empezó a cantar. Su voz era exquisita, una voz como jamás se había escuchado por aquel lugar. El mago lo llevaba en brazos y lo paseaba por todas par tes con orgullo. No había nadie (hombres, mujeres o animales) que no se emocionara a su paso. ¡Aquello sí que era música!

Cuando, hacia el atardecer, pasó cerca de la charca, las ranas cerraron por una sola vez sus bocas y escucharon embelesadas todos aquellos sonidos y ritmos.

-“¡Qué milagro! ¡El quirquincho se ha convertido en un gran músico! ¡Canta mejor que los pájaros! ¡Canta mejor que los grillos! ¡Incluso canta mejor que nosotras!”

Y entonces, salta que saltarás, siguieron durante un buen rato a su querido amigo que, convertido ahora en un precioso charango, siguió ofreciéndoles sus refinados sonidos hasta que el mago dejó de tocar y guardó el instrumento en su zurrón.

* Un Quirquincho es un armadillo que habita en el altiplano de los Andes

-“Amigo mago, tú que eres capaz de conseguir lo imposible, ¿podrías enseñarme a cantar como los pájaros?”

Cualquier persona con dos dedos de frente se habría par tido de risa y habría puesto al animal de patitas en la calle, cantándole las cuarenta (¡y es que nunca hay que molestar a un gran mago para cosas que no tie-

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2. ¿Por qué una música suena andina?

Después de esta leyenda, necesitaremos escuchar el sonido de un charango: CD 1 Solo de charango

¿Por qué lo que ha tocado nuestro intérprete de charango nos suena a música andina?

Pues sencillamente porque: Primero: El sonido del charango es propio de la música andina.

Segundo: El músico ha elegido unas notas y unos acordes (grupos de notas que se tocan al mismo tiempo) que son típicos de la música andina.

Tercero: Los ritmos que ha tocado son los más representativos de la música de los Andes.

El charango: el compañero del indígena de los Andes El charango es un instrumento muy popular y apreciado. Y lo es porque acompaña a los hombres a todas partes: de las montañas a los valles, de los pequeños pueblos a las ciudades, de la soledad del pastor a la fiesta de la plaza del pueblo. Es bastante pequeño y cabe en cualquier zurrón.

Pero, sobre todo, lo es porque este instrumento se puede tocar siempre que se quiera, durante todo el año. Esto, en el mundo indígena, ha sido muy determinante, ya que muchos otros instrumentos sólo se pueden tocar en periodos del año determinados. Muchos tipos de flautas están reservados para fiestas concretas, y otros instrumentos, como, por ejemplo, las guitarrillas (un tipo diferente de guitarra pequeña de la zona andina) sólo se pueden tocar en la época de lluvias (entre Todos los Santos y Carnaval). De hecho, el sonido de la guitarrilla recuerda el sonido de la lluvia y, según los indígenas, si se toca fuera de este periodo, ¡puede provocar algún infortunio!

Por esto el charango es el instrumento más tocado y el que quizá representa mejor la voz de los indígenas. Un gran charanguista boliviano, Florindo Alvis, dice que “el charango es para el indígena un medio de comunicación a veces más claro y sincero que la propia palabra”.

Hay dos características que, a primera vista, diferencian el charango de nuestra guitarra: el tamaño (el charango es bastante más pequeño) y el material con el que estaban construidos originalmente estos instrumentos (¡las guitarras no se suelen hacer con caparazones vacíos de animales!).

Hablemos del tamaño: Es cierto que el charango es un instrumento relativamente pequeño.

Utilizando palabras un poco más técnicas, podríamos decir que tiene una caja de resonancia con poco volumen... (Bueno, ¡todo depende del pobre animal que dio su cuerpo a la música!). Pero hay que decir que es un instrumento inspirado en las vihuelas de mano renacentistas españolas(1) y éstas no siempre tenían el tamaño de nuestra guitarra actual.

(1) En el siglo XV, en España, el término vihuela servía para definir un gran grupo de instrumentos de cuerda que se dividía en las vihuelas de mano, que se tocaban punteando con los dedos, y las vihuelas de arco, que eran instrumentos para tocar con un arco.

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2. ¿Por qué una música suena andina?

Entre estas vihuelas de mano, en el siglo XVI (época en que los primeros músicos españoles empiezan a desplazarse hacia el Nuevo ¿Por qué se llama Mundo) ya había alguna que se llamaba “guitarra”, y era la que charango? se usaba más para tocar “rasgueando” (haciendo acordes y no punteando melodías). Estas guitarras renacentistas, por el De hecho, nadie sabe con cer teza de dónde procede el nombre de charango. El intérprete tamaño y a veces también por la afinación de las cuerdas, se indígena del que os hemos hablado, Florindo Alvis, parecen mucho, efectivamente, a los charangos.

Actualmente muchos charangos ya no se construyen con el caparazón del armadillo. Por razones de respeto al animal, se hacen de madera imitando la forma ovalada del cuerpo. Y lo cierto es que el sonido es exactamente igual. No creo que pudiéramos distinguir un charango de madera de uno de armadillo.

afirma que, hace muchos años, cuando los indígenas oyeron a los españoles tocando con sus vihuelas “rasgueando” las cuerdas, probablemente empezaron a comentar entre ellos, en quechua: ”Sumaj ch’ajranku!” (“¡Qué bien rasca!”, del verbo “ch’ajray” que significa “rascar”). Posteriormente, los blancos y los mestizos convir tieron esta palabra en charango, y así ha llegado hasta nosotros. Sin embargo, hoy en día muchos indígenas siguen llamando a su los instrumento“ chajranku”.

Normalmente tiene diez cuerdas repartidas en cinco pares (o, lo que es lo ¿Por qué a mismo, tiene cinco cuerdas dobles). indígenas de los Andes les Están muy tensadas. ¿Por qué? gustan tanto los sonidos agudos Pues para conseguir un sonido de los charangos y las guitarrillas? muy limpio, muy brillante. Originalmente, eran de tripa. Más Efectivamente, son instrumentos pequeños y, por adelante, muchos músicos lo tanto, emiten unos sonidos bastante agudos.

Quizá todo viene de la época de los incas. Según las optaron por las cuerdas metácrónicas de aquellos tiempos, los hombres incas canlicas. Actualmente, se usan taban con voz de falsete (la voz más aguda que un mucho las de nailon. hombre puede hacer). Desde entonces, sus descendientes indígenas aprecian mucho, aún hoy, estas voces agudas, y también les gustan los Las “cinco notas” y los sonidos agudos y brillantes de los instrumen“dos acordes” tos pequeños como el charango y la guitarrilla.

En el breve solo de charango que

habéis escuchado, Erkki (el charanguista del grupo Sakapatú) ha escogido muy bien las notas que ha tocado. ¿Sabéis qué ha hecho? Pues ha “rasgueado” con los dos acordes y ha punteado con las cinco notas. Y ahora os preguntaréis: ¿qué es esto de las cinco notas y los dos acordes?

¿Por qué antiguamente muchos jóvenes tocaban el charango?

Pues porque en el mundo indígena se consideraba un instrumento ideal para cantar canciones de amor, y muchos chicos de 13 o 14 años encontraban en él una buena manera de comunicar sus sentimientos a las chicas.

Por esto, a aquellos jóvenes les gustaba que su charango tuviera poderes mágicos y hacían todo lo posible para que tales poderes estuvieran Empecemos por las notas: bien presentes. Así, por ejemplo, antes de ir a una fiesta, lo dejaban reposar cerca de un río o bajo un árbol para que adquiriera poderes de la natuLas cinco notas tienen un nombre “científiraleza (en el último capítulo de este dossier encontraréis un poco más de co” que seguro que ya conocéis: los músiinformación sobre estos poderes mágicos de la naturaleza). cos las llamamos la escala pentatónica.

A veces, también ponían un cascabel de serpiente dentro del instrumenVarios investigadores aseguran que los incas to, para que diera un encanto misterioso a su música. Incluso llegaban a pensar que era mejor que el quirquincho con el que construían el fueron los que difundieron la escala pentatóinstrumento fuera un macho, porque si era hembra podía salir un nica por los Andes, cuando invadieron otros instrumento “celoso” y no se podría conquistar el corazón pueblos de la zona al formar su imperio y antes de la muchacha amada... de ser conquistados por los españoles. La verdad En definitiva, y para decirlo de otra forma, muchos es que no lo podemos saber con exactitud, pero lo jóvenes de los Andes empezaban a tocar el que sí es cierto es que las melodías creadas con cinco charango porque era... ¡una manera fantástica de ligar! notas son habituales aún hoy en la música andina.

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2. ¿Por qué una música suena andina?

Aquí os las presentamos: DO RE MI SOL LA Bueno, así es tal como las presentamos habitualmente, pero hay que decir que en la música andina es más habitual ordenarlas empezando de otra forma: LA DO RE MI SOL O sea que, si queréis hacer música andina, tenéis que contar, sin lugar a dudas, con estas cinco notas. Ahora bien, esto no quiere decir que no haya música andina con otras notas, ya que de la mezcla con la música española surgieron varias escalas que se denominaron mestizas y que tenían seis o siete notas, y también hay otras escalas más primitivas, de tres o cuatro notas, que pueden ser habituales en algunas zonas.

CD 2 Ejemplo de la escala pentatónica tocada con quena.

CD 3 Ejemplo de lo que obtenemos cuando mezclamos estas notas para crear una pequeña melodía pentatónica (quena). ¿Y los dos acordes?

Esto de los acordes fue una aportación de los españoles. Los incas no utilizaban acordes, pero suponemos que, cuando oyeron las antiguas guitarras españolas “rasgueando”, quedaron tan asombrados por el efecto que no tardaron en interesarse por este sistema de hacer música. Entonces, a las melodías pentatónicas que tocaban sólo con una flauta y sin acompañamiento (como la que hemos escuchado en el último ejemplo), intentaron ponerles los acordes. ¿Y sabéis qué pasó? Pues que, en aquel momento, se dieron cuenta de que, la mayoría de las veces, bastaba con sólo dos acordes para acompañar la melodía. ¡Sí! ¡La música pentatónica funcionaba perfectamente con sólo dos acordes! Estos acordes, en el caso de las cinco notas que os hemos presentado, eran: el acorde de La menor y el de Do Mayor. Escuchémoslos: CD 4 Ejemplo de los dos acordes tocados con guitarra.

Y ahora escuchemos cómo sonaba nuestra melodía de flauta acompañada con estos dos acordes.

CD 5 Melodía pentatónica de quena con los acordes de guitarra.

Así que, ya lo tenemos: si queremos hacer música andina de una manera relativamente sencilla, con una escala pentatónica y un par de acordes tenemos suficiente para empezar.

Evidentemente, si quisiéramos ir más lejos, tendríamos que seguir investigando, pero para dar los primeros pasos, ya tenemos bastante. Sin embargo, no nos precipitemos, aún no podemos comenzar. Porque nos falta un elemento fundamental... ¡nos falta el ritmo!

Antes de entrar en el ritmo, os explicaremos una anécdota curiosa que puede ilustrar esta cuestión de los dos acordes.

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2. ¿Por qué una música suena andina?

¿El órgano de Cuzco se tiene que restaurar?

Dicen que, recientemente, se propuso la restauración de uno de los órganos de la catedral de Cuzco, en Perú.

El instrumento era muy antiguo y necesitaba una revisión a fondo. Una de las partes que se tenía que restaurar era, naturalmente, el teclado. Pero surgió un problema: ¿se tenía que cambiar realmente? El caso es que casi todas las teclas estaban prácticamente nuevas. Todas excepto seis que se veían francamente muy desgastadas.

Era como si durante muchísimos años los diferentes organistas hubieran acompañado las canciones de misa tocando sólo aquellas seis teclas que, como estaban hechas de madera de pino, se habían ido desgastando.

Bien, si tenemos en cuenta que el número de notas típico para hacer un acorde es de tres y que las teclas desgastadas eran seis, con un poco de matemáticas elementales, ¿verdad que adivináis cuántos acordes habían utilizado aquellos organistas durante años y años?

Pongamos ritmo a la música andina Hagamos un pequeño juego de audición... ¡para engañar a nuestros alumnos! Escuchad la melodía siguiente: CD 6 Melodía “oriental”. ¿Sabéis qué acabamos de escuchar? ¿Una melodía china? ¿Alguna canción de Japón? ¡Pues no! Acabamos de escuchar un fragmento del mismo solo de charango que hemos tocado antes, pero con otro ritmo. Suena diferente, ¿verdad?

Como ya os hemos comentado, el charango es un instrumento propio de la música andina y, además, hemos escogido la escala pentatónica y los dos acordes que son más típicos de la música de los Andes. Pero, ¿sabéis qué pasa? Pues que con esto no basta para que suene a música andina. Nos hace falta el ritmo. Porque ya habéis visto que si tocamos un fragmento de la misma melodía de charango que hemos escuchado antes, cambiándole el ritmo... ¡puede llegar a sonar como si fuera música china!

El ritmo es uno de los elementos más característicos de la música andina. Para definirlo técnicamente podemos decir que el compás casi siempre es de dos tiempos, alternando a menudo los 2/4 y el 6/8, más o menos regulares. Hay una presencia muy importante de ritmos sincopados con las figuras:

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2. ¿Por qué una música suena andina?

Y las frases son cortas y, muy a menudo, descendentes.

Pero, dado que explicar con palabras esto del ritmo resulta bastante difícil, creemos que lo mejor es que escuchemos unos ejemplos de ritmos andinos.

El primero es el huayno. Huayno quiere decir, simplemente, “canción”, y es el ritmo más común, el que se utiliza más en la música andina.

CD 7 Breve ejemplo de ritmo de huayno.

Y aquí tenéis un taquirari, otro ritmo de las músicas andinas.

CD 8 Breve ejemplo de taquirari.

¿Hacemos música andina?

Bueno, llegados a este punto, podemos decir que ya sabemos por qué una música suena andina ¿y si empezamos a poner en práctica lo que hemos aprendido?

Ante todo, necesitaremos el instrumento: como suponemos que en la escuela no tenéis charangos, entre los instrumentos que tenéis en clase uno de los que pueden sonar más a música andina es el xilófono. Este será nuestro instrumento para hacer música andina (ahora bien, si no tenéis bastantes xilófonos, no pasará nada si algunos hacéis vuestro solo con metalófonos o carillones).

Después tendremos que preparar las cinco notas: para ello debemos dejar los xilófonos sólo con las notas DO RE MI SOL LA (quitaremos las láminas del FA y el SI). Cuando tengamos el xilófono así, podremos tocar libremente, improvisando con las notas que nos apetezca tocar en aquel momento. Lo cierto es que todas funcionan muy bien para crear pequeñas melodías (aunque, con la práctica, veréis que hay algunas que funcionan muy bien y otras que funcionan aún mejor). ¡Poco a poco aprenderéis a escoger las mejores notas!

Finalmente, tocaremos siguiendo el ritmo de la pieza que hayamos elegido. Para que os resulte un poco más fácil, vamos a hacer nosotros el primero de los solos, y así os servirá de ejemplo.

Después de escucharlo, ¡ya podéis empezar vosotros! Cada uno hará una intervención de la misma duración que nuestro pequeño solo, es decir: 16 pulsaciones (8 compases de 2/4). ¡Adelante!

CD 9 Huayno. Base para tocar encima.

CD 10 Taquirari. Base para tocar encima.

Una canción andina para hacer en clase Hemos escogido una de las canciones más populares del repertorio andino, una canción que muchos chicos y chicas de Perú y Bolivia aprenden en la escuela. Se titula ”Poco a poco” y, si os parece bien, empezaremos escuchando cómo la canta el grupo Sakapatú.

CD 11 “Poco a poco”.

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2. ¿Por qué una música suena andina?

Aquí tenéis la base rítmica de la misma canción, pero sin la voz ni los solos instrumentales de los Sakapatú. Podéis intentar cantarla vosotros encima y hacer unos solos instrumentales con xilófonos improvisando con el pentatónico.

Primero cantaremos dos veces la canción y luego haremos cuatro solos que serán de nueve compases cada uno (es lo que dura la frase). Para terminar, volveremos a cantarla dos veces (justo antes de la entrada de la canción, después de los solos, podréis oír una pequeña claqueta para recordar dónde hay que empezar).

CD 12 Base rítmica y armónica de “Poco a poco” para que los alumnos puedan hacer la canción cantando e improvisando el solo instrumental con los xilófonos.

Poco, poco a poco me has querido, poco a poco me has amado, al final todo ha cambiado morenita de mi amor.

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2. ¿Por qué una música suena andina?

Bajemos del altiplano andino a la costa del Pacífico: la música afroperuana En la última sección del concierto podremos escuchar algún tema del repertorio afroperuano.

Aquí tenéis una pequeña explicación del origen de esta cultura musical relativamente desconocida (¡para nosotros!) y de lo que representa.

Cuando los españoles llegaron a Perú, empezaron a llevar allí a esclavos procedentes de África. Principalmente fueron a parar a la zona de la costa y mezclaron su cultura musical con la de los españoles y la de los indígenas. Aun así, supieron preservar un carácter diferenciado muy marcado, que mantenía sus raíces africanas con fuerza. Por eso tenían sus propios instrumentos para hacer música (instrumentos básicamente de percusión, como el cajón, la cajita o la quijada) y crearon sus formas musicales (como el festejo o el son de los diablos).

Quizá alguien pueda pensar que con el paso del tiempo la raíz africana se iba difuminando, pero no fue así. No olvidemos que, periódicamente, iban llegando nuevos grupos de esclavos que volvían a conectarlos de manera directa con su tierra de origen.

Esto fue así más o menos hasta el siglo XIX. En esa época, Perú se independizó de España (en 1821) y se abolió la esclavitud (en 1865). Esto provocó que hubiera un gran mestizaje (de culturas y personas) y se crearon las músicas que denominamos “criollas”, que eran una mezcla de tres culturas (blanca, negra e indígena) y que se materializaron en varios tipos de músicas y danzas (zamacuecas, marineras, jaranas, vals criollo...). Esto hizo que se perdiera la tradición negra afroperuana. Los negros, durante los siglos XIX y XX, prefirieron hacer música criolla, en vez de continuar con las músicas de sus antepasados esclavos.

Hoy, la música afroperuana es una mezcla entre los instrumentos y los ritmos de las danzas que hacían antiguamente los negros en Perú y los nuevos elementos tomados directamente del África actual. Con todo esto se ha creado un nuevo estilo que quizá no es del todo fiel a la tradición perdida con el paso de los años, pero que apor ta una música muy estimulante y muy personal.

Oiréis algún ejemplo de esta música hacia el final del concierto. Una de las canciones es un homenaje al líder sudafricano Nelson Mandela (como veis, hay una clara influencia de la cultura africana actual) y hay un momento en que oiréis un canto con un marcado acento africano. Escuchémoslo: CD 13 Base para aprender el estribillo de la canción “Mandela”.

Si os la aprendéis, la podréis cantar con los Sakapatú el día del concierto.

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Los instrumentos

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En este capítulo conoceremos los instrumentos que veremos y escucharemos durante el concier to del grupo Sakapatú.

Los instrumentos de viento Los instrumentos de viento andinos tienen un origen muy antiguo. En excavaciones arqueológicas se han encontrado flautas de hace casi 6.000 años. Desde aquel tiempo, se fueron desarrollando varios tipos de flautas de pan, quenas, silbatos, ocarinas y trompetas rectas de cerámica. Veamos algunos de los instrumentos que escucharemos en el concierto:

Las zampoñas Son un grupo de flautas andinas hechas con tubos de caña. Las notas se distribuyen en dos hileras y el número de tubos de cada hilera puede ser variable, aunque lo más habitual es que haya siete en la más larga y seis en la corta. La familia de las zampoñas es bastante

extensa y está determinada principalmente por el tamaño del instrumento: el más pequeño se llama chuli, luego encontramos las maltas y en último lugar las zankas y los toyos.

Empezaremos escuchando un sonido muy especial, el de una zampoña tocando “con aire en el soplado” (el músico sopla suavemente para que el sonido del instrumento se parezca al sonido del aire que roza las rocas de las montañas).

CD 14 Solo con aire de la zampoña.

Por cierto, ¿queréis que os confesemos un pequeño secreto? La melodía no ha sido soplada por un solo músico, sino por dos. A esto (el hecho de que dos músicos toquen al mismo tiempo repartiéndose las notas de la melodía) lo llaman trenzar. Efectivamente, con la zampoña, como tiene dos hileras de tubos, muchas veces es difícil tocar melodías con agilidad, y por esto los músicos se reparten una hilera de tubos para cada uno y van haciendo la melodía tocando las notas de la hilera que les corresponde. Escuchémoslo en esta grabación estereofónica.

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CD 15 Solo con aire de zampoña estereofónico.

Para terminar, escuchemos a los dos intérpretes de zampoña de los Sakapatú tocando con el sonido normal del instrumento.

CD 16 Solo de zampoña.

¿Probamos a “tocar trenzado”?

Os hemos preparado un par de pequeñas canciones (¡no muy difíciles!) para que intentéis trenzar una melodía entre dos grupos de instrumentos. Podéis hacer un grupo con xilófonos y otro con metalófonos y carillones.

Después de crear las melodías, podéis hacer solos improvisados. Preparad los instrumentos con los pentatónicos e intentad hacer solos de 8 compases. Cada uno de estos solos de 8 compases también se puede trenzar entre dos solistas, que harán 2 compases cada uno, alternándose entre ellos.

CD 17 con base de la melodía trenzada 1.

CD 18 con base de la melodía trenzada 2.

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La quena Junto con la zampoña, la quena es la flauta andina por excelencia. En su origen precolombino, solía ser pentatónica, su uso estaba vinculado a los rituales religiosos y se hacía de hueso. Actualmente ha evolucionado mucho. Puede tocar toda la escala cromática (doce sonidos) y se hace de madera o de caña. Su sonido está lleno de matices y es muy timbrado. Los músicos de los Andes dicen que, a veces, parece que las quenas de caña lloren.

Como la mayoría de los instrumentos de viento andinos se agrupan en familias (determinadas por los diferentes tamaños de los instrumentos), os presentamos el sonido de una quena, de una quenilla y de un quenacho.

CD 19 Solo de quena.

CD 20 Solo de quenilla.

CD 21 Solo de quenacho.

La ocarina Encontramos diferentes tipos de silbatos que las diferentes culturas americanas han construido con cerámica desde hace miles de años. A algunos de estos silbatos les añadieron orificios para producir sonidos con diferentes alturas. Podríamos hablar ya de ocarinas primitivas (por ejemplo, encontramos ocarinas en la cultura nasca desarrollada entre los años 100 y 800 d.C.), aunque el nombre “ocarina” sea una invención italiana del siglo XIX. Actualmente hay ocarinas de tamaños y formas muy variados. Su extensión es relativamente corta (la mayoría no puede hacer más de una octava) y su sonido puede ir desde el silbido agudo de las más pequeñas hasta un sonido profundo y pastoso de las de mayor tamaño.

CD 22 Solo de ocarina.

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Los instrumentos de percusión El bombo andino Son muchos los tipos de bombo que encontramos en el folclore andino. En cada región tienen formas y tamaños diferentes y reciben nombres distintos: cajas tayeras, tinyas, salteños, santiagueros... El que veréis en el concierto es una variante del norte de Argentina que se denomina bombo legüero. Está hecho de madera y puede tener trozos de piel de diferentes animales (cabrito, oveja, lobo...) que se tensan con cordel o cintas de cuero. Se percute con unas baquetas llamadas mazas. Por cierto, ¿sabéis por qué se llama legüero? Pues es debido a su sonido potente y grave, ¡que se puede oír desde una legua de distancia!

CD 23 Solo de bombo.

Las chajchas Son instrumentos de percusión muy habituales en el folclore andino.

Se suelen tocar en parejas y se construyen a par tir de las pezuñas de diferentes animales (cabrito, oveja, llama o alpaca) o de semillas de algunos árboles, que se unen en manojos cosidos a un trozo de tela. Se tocan como sonajeros y su origen es precolombino.

CD 24 Solo de chajchas.

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La quijada Como podéis ver en las imágenes, la quijada es una mandíbula de asno (o de caballo o mula) que se ha conver tido en un instrumento de percusión. Para que produzca el típico sonido “tembloroso”, se le aflojan las muelas, de modo que cuando se percute con el puño, éstas vibran y emiten el sonido. También se puede tocar rascando el resto de las muelas con una que podemos extraer.

CD 25 Solo de quijada.

El cajón El cajón es el instrumento principal de la música afroperuana. Su origen es muy simple y curioso. Hace mucho tiempo se prohibió a los negros que tocaran sus tambores porque hacían demasiado ruido y molestaban. Los tambores fueron quemados, y cuando los afroperuanos se encontraron sin instrumentos, empezaron a golpear y hacer música con lo que tenían más a mano: las cajas de madera en las que cargaban la fruta, el pescado... Y de ahí hasta llegar al instrumento que se utiliza hoy. Por cierto, seguramente sabréis que el cajón es un instrumento muy habitual en la música flamenca. Lo que no sabíais es que algunos grupos de este estilo fueron de gira por Sudamérica y que en Perú descubrieron este fantástico instrumento afroperuano y se lo llevaron a España.

CD 26 Solo de cajón.

La cajita La cajita es la hermana pequeña del cajón.

El origen de ambos es similar: a falta de instrumentos “de verdad”, podemos hacer música con cualquier utensilio que tengamos a mano (por cierto, una práctica muy africana). La cajita se cuelga del cuello y se toca abriendo y cerrando la tapa y golpeando los laterales con un palito de madera.

CD 27 Solo de cajita.

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El palo de lluvia En muchas culturas americanas encontramos la presencia de palos de lluvia. Están construidos con cañas, maderas o cactus vacíos y atravesados con clavos (o con los propios pinchos del cactus). Si dentro ponemos cualquier tipo de semillas o piedrecitas, conseguiremos el sonido del agua al moverlos de un lado a otro. El grupo Sakapatú incorpora este instrumento en sus concier tos con dos finalidades sonoras: imitar el sonido del agua y marcar ritmos como si fuera una gran maraca.

CD 28 Solo de palo de lluvia.

Aquí tenemos reunidos el bombo, las chajchas, el palo de lluvia y el añadido de un músico tocando palmas. Nos hacen un ritmo de wayla, que es una variante del huayno.

CD 29 Algunos instrumentos andinos reunidos en un ritmo de wayla.

Y aquí encontramos el cajón, la cajita, la quijada y un cencerro, que nos presentan el principal ritmo de la música afroperuana, el festejo.

CD 30 Algunos instrumentos afroperuanos reunidos en un ritmo de festejo

Los instrumentos de cuerda Antes de la llegada de los españoles, no había instrumentos de cuerda en las culturas andinas. En realidad, parece ser que sólo existía un antepasado de instrumento de cuerda muy primitivo, la qara t’ynia, hecho con una madera o una pieza de terracota y con una sola cuerda que se estiraba con una mano y se pinzaba con la otra.

En páginas anteriores ya os hemos hablado extensamente del instrumento de cuerda más popular y apreciado en las tierras andinas, el charango. A continuación os presentamos otros dos:

La guitarra La guitarra que se utiliza actualmente en las músicas andinas es igual que las que podemos utilizar aquí. Lo que cambia es la manera de tocarlas. Como podréis escuchar en el ejemplo sonoro, la manera de rasguear es típica de aquella cultura musical.

CD 31 Solo de guitarra.

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El Cuatro Es una pequeña guitarra que tiene cuerdas de nailon (¡espero que nadie pregunte cuántas tiene!). Se construye con maderas muy ligeras y la tapa delantera se protege en la zona en que se rasguea con unas tiras que a veces se decoran con colores.

Es un instrumento fundamentalmente para acompañar las canciones con acordes, no para hacer las melodías. Se utiliza muy a menudo en zonas del norte, en Venezuela en particular.

CD 32 Solo de cuatro.

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Construcción de un cajón peruano La construcción de un cajón es una tarea sencilla y al mismo tiempo muy interesante, que permite conocer los secretos de este modesto instrumento. Con un poco de paciencia y muy poco gasto, podéis obtener un cajón con buenas prestaciones para hacer música y para ampliar la colección de instrumentos de la escuela.

Materiales - 1 tablero de madera contrachapada de 12 mm de grosor La madera contrachapada es la más adecuada para esta tarea, porque es fácil de encontrar en cualquier carpintería y mantiene una buena relación entre la calidad sonora y el precio. No es aconsejable utilizar tableros de madera maciza: las maderas nobles son caras y difíciles de trabajar, mientras que las más asequibles no tienen la calidad del contrachapado. Una alternativa muy económica puede ser la plancha de aglomerado, pero resuena peor y es un poco más delicada al trabajar con ella.

El grosor más aconsejable es 12 mm, pero podemos trabajar con tableros de 10 a 15 mm.

En estos casos será necesario corregir las medidas de corte de los tableros para que las piezas encajen bien.

- 1 chapa de madera 4 mm.

También podemos trabajar con chapa de 3 o 5 mm, si no encontramos de 4 mm.

- 31 tornillos de cabeza plana de 3 x 16 mm - Cola blanca de carpintero - 1 bote de barniz (optativo) Cualquier barniz de secado rápido nos irá bien.

Herramientas - compás - taladro (mejor eléctrico) - brocas de 2 mm y 10 mm para madera (o hierro) - sierra de calar eléctrica - serrucho (o cúter y regla) - destornillador - lima de grano fino para madera - papel de lija - pinceles para la cola y el barniz

Construcción 1. Hay que cortar el tablero de madera contrachapada de 12 mm para conseguir las cinco piezas que formarán los laterales y la parte posterior del cajón. El corte tiene que ser muy preciso, para que las partes encajen bien. Os aconsejamos que cuando compréis la madera pidáis que os la entreguen cortada.

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2. En la parte posterior tenéis que hacer un agujero de 12 cm para dejar salir el sonido.

Marcad un círculo con el compás y haced un pequeño orificio con el taladro y una broca de 10 mm. Luego, cortad el círculo con la sierra de calar. Si queréis simplificar el trabajo, podéis encargar esta tarea al carpintero. Pulid el agujero con papel de lija.

3. Pegad las piezas con cola blanca. Basta con poner una capa de cola en el canto de una de las dos piezas que hay que unir. Una vez encajadas las dos piezas, hay que limpiar el exceso de cola y mantenerlas bien presionadas hasta que la cola se seque. Las herramientas de sujeción llamadas sargentos son las adecuadas para sujetar las maderas hasta que la unión sea lo bastante firme. Si no tenéis, podéis utilizar cinta adhesiva, presionar con algún peso, sujetar las piezas con gomas elásticas o, incluso, clavar un par de clavos. Es importante pegar en primer lugar los dos laterales y luego la base y la parte superior.

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4. Con el serrucho (o un cúter y regla) cortad la chapa de madera de 4 mm que formará la tapa del cajón. Pulidla con papel de lija.

5. Para sujetar la tapa del cajón se usan tornillos. Primero, hay que marcar los orificios con el lápiz y la regla. Luego se pone la tapa sobre el cajón y con el taladro y una broca de 2 mm se hacen los orificios para introducir los tornillos. Con el destornillador, se van apretando los tornillos hasta el fondo, de modo que la tapa quede bien sujeta. Finalmente, hay que aflojar un poco los tornillos de la par te superior de la tapa para dejarla vibrar libremente y obtener el sonido característico de los agudos. Serán necesarios algunos ensayos para conseguir el sonido adecuado.

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6. Es muy conveniente redondear las aristas del cajón con la ayuda de una lima y papel de lija. También hay que afinar la tapa una vez montada, para ajustarla bien y hacer que sea agradable al tacto.

7. Podéis terminar el instrumento dándole unas capas de barniz. Con esta operación se puede mejorar el sonido del cajón y lo protegeréis de la suciedad y la humedad. Después del barnizado hay que despegar la parte superior de la tapa con un cúter para permitir que vibre libremente.

Variaciones - Las dimensiones de los cajones pueden variar considerablemente en función de su origen.

En Cuba, en algunas formaciones de rumba, no es raro ver que se utilizan simultáneamente dos o tres cajones de tamaños distintos. Al construir un cajón, podéis modificar las

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medidas en función de la disponibilidad de madera y experimentar con las diferencias de sonido entre cajones mayores y otros más pequeños.

- También podéis construir un cajón flamenco siguiendo los mismos pasos que en el caso del cajón peruano. Las dimensiones más habituales del cajón flamenco son: 48 cm de altura por 32 cm de anchura y 32 cm de profundidad. En los cajones flamencos se suelen poner unas cuerdas de guitarra bien tensas detrás de la tapa para potenciar el sonido característico de los agudos, llamado chasquido. Podéis encontrar información detallada en: http://www.es-aqui.com/payno/colabora/cajon.htm http://www.ocanartesania.com/V2/pdf/articulos/construccion_cajon.pdf - Originalmente, el cajón era un instrumento que se improvisaba a partir de cualquier caja de embalaje, para acompañar con percusión los cantos y las músicas que surgían de forma espontánea en los ambientes marineros. Bastaba con desclavar un poco la tapa de una caja de bacalao y el instrumento ya estaba listo. A partir de este principio, se puede aprovechar cualquier caja, u objeto en forma de caja, para construir un cajón; sólo hace falta un poco de imaginación. Nosotros, por ejemplo, hemos hecho uno reciclando un altavoz viejo.

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Construcción de un cajón con un altavoz viejo 1. Hemos encontrado un objeto que tiene una caja de madera de dimensiones parecidas a las de un cajón. Es un altavoz viejo que ya no nos sirve.

2. Desmontamos los embellecedores y sacamos los altavoces.

3. Sacamos la tapa de detrás. Como está muy bien adherida, tenemos que romperla con un mar tillo. Con cuidado, vamos desprendiendo la tapa y, finalmente, pulimos el trabajo con papel de lija.

4. Aprovechamos los dos agujeros pequeños para dejar salir el sonido, pero tapamos el mayor con un trozo de chapa de madera de 3 mm. Para sujetar la chapa de madera usamos cola blanca de carpintero.

5. Recortamos la chapa de madera de 3 cm a la medida de la caja y la fijamos con tornillos, como se ve en la imagen. Es importante dejar las aristas bien redondeadas y finas con papel de lija.

6. Volvemos a montar los embellecedores para conservar la estética del altavoz.

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7. El cajón ya está terminado. Sólo hay que probarlo y aflojar un poco la presión de los tornillos superiores para obtener el característico sonido de los agudos.

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Temas de música y cultura andinas para hablar y reflexionar en clase En esta coda os queremos proponer algunos textos relacionados con temas de música y cultura andinas. Son para comentar y debatir en clase. Los hemos ordenado en dos grupos: el primero hace referencia al vínculo de la música con la naturaleza y el segundo nos proporcionará herramientas para hablar sobre la manera de vivir en comunidad que tienen los indígenas.

Música y naturaleza “El poder de los wakas

(1)”

Leyenda andina

Eran tiempos de buenas cosechas, de lluvia abundante y frutos generosos. Esto envaneció a los habitantes del pueblo de Jatun Taki que, en vez de mostrar agradecimiento a Inti Tayta(2) y a Pachamama(3), y en vez de respetar a los wakas, creyeron que ellos no necesitaban ningún tipo de ayuda para seguir viviendo en la abundancia. Por esto empezaron a olvidarse de los cantos que dedicaban a la salida del Sol y de las músicas que ofrecían a la Tierra, y vivieron sin sus sonidos sagrados.

Inti Tayta y Pachamama decidieron castigar la arrogancia de aquel pueblo y pidieron a sus wakas (Yniani, Ayanka, Tuwii, Anawa e Itaiky) que se fueran de la región. Al cabo de pocos días, los habitantes vieron preocupados que los ríos empezaban a secarse, que la hierba pasaba del color verde al amarillo, que los gusanos celebraban un festín con la fruta que estaba a punto de madurar y que la tierra se resquebrajaba por falta de agua.

Asustados y arrepentidos, intentaron recordar sus cantos de alabanza al Sol y a la Tierra, pero el tiempo había borrado las melodías de su memoria. ¡Parecían abocados a vivir en la mayor de las miserias!

Por suerte, algunos ancianos aún mantenían vivas en el recuerdo aquellas músicas: sacaron a la calle sus flautas y sus tambores y empezaron a cantar. Los cantos duraron cinco días y cinco noches, y a medida que los más jóvenes iban aprendiendo las melodías, se iban añadiendo al conjunto, que crecía a cada momento. Pero, al final, debilitados por el cansancio, se durmieron todos. Entonces, un viento suave y húmedo entró silenciosamente por las calles del pueblo y trajo de nuevo la lluvia que todos esperaban tanto. La gente se despertó y volvió a cantar y a hacer la misma música, aún con más fuerza que antes.

Pocos días después, los wakas regresaron y el pueblo de Jatun Taki salió de nuevo a la calle con las flautas y los tambores para celebrarlo. Y volvieron los tiempos de buenas cosechas y frutos abundantes.

Y así aprendieron la lección, y su desprecio, orgullo y arrogancia se perdieron en el tiempo.

(1) Wakas: Lugares sagrados, ídolos (2) Inti Tayta: Padre Sol (3) Pachamama: Madre Tierra

¿Quién compone realmente las melodías andinas?

Como pasa con muchas músicas de todo el mundo, la composición, en la música andina, no es un elemento primordial. Todos crean sus canciones y todos las van modificando con el paso del tiempo. A veces es una labor de grupo: entre cinco o seis flautistas van buscando los sonidos que les gustan más hasta que tienen terminada una pieza.

Quizá una canción andina es como un jarrón de terracota: tiene una gran belleza, es la muestra del arte de un pueblo, pero no pretende ser una gran obra de arte única y, además,

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la mayoría de las veces ni sabemos quién lo ha hecho. Ahora bien, hay una curiosa historia que nos habla de quién hace realmente las melodías.

Entre los indígenas se dice que no se pueden inventar nuevas melodías de canciones si se está encerrado en casa. Siempre debemos estar en medio de la naturaleza para crear nuevas músicas: sea en la montaña o cerca de un riachuelo... Entonces, cuando tocas tu instrumento, de repente los dedos van a buscar una nueva melodía, y ya se ha creado una nueva canción. Pero, ¿la has inventado realmente tú? ¡Pues no! Resulta que, cerca de los riachuelos, en las montañas, en las cascadas, entre las grandes rocas... viven las sirenas y los yawlus (diablos). Estos seres mágicos adoptan diferentes formas, que pueden ser de animales (sapos, zorros, perros, palomas...) o incluso personas. En realidad, ¡son ellos los que han creado la nueva melodía!

Estas creencias son el motivo por el que, cuando un hombre tiene un instrumento nuevo, hacia el atardecer, casi de noche, lo lleva a estos lugares y lo deja un rato tendido en el suelo, totalmente solo, para que adquiera poderes mágicos especiales. También se suele llevar allí el instrumento antes de las fiestas, para que adquiera poderes mágicos y luego enamore a las muchachas con su sonido. Y también por esto, como ya sabéis, los músicos nunca componen en casa, porque en casa no hay sirenas ni yawlus, y sin su ayuda no se puede hacer una canción con magia...

Algunos temas para debatir ¿Qué sentido tenía la música para el indígena de los Andes?

Era un elemento de conexión con la naturaleza, con las divinidades creadoras de la vida.

Por un lado, las melodías eran dictadas por las sirenas y los yawlus. Por otro, los instrumentos servían para expresar agradecimiento a las divinidades y para pedir buenas cosechas. De hecho, cada instrumento se asociaba a una época de año y tenía una función concreta: desde ayudar a que lloviera hasta animar a los muertos para que, desde bajo tierra, ¡ayudaran a hacer crecer las papas empujándolas hacia arriba! ¿Qué sentido tiene actualmente?

Sin duda, hoy la música ha perdido, en gran medida, este componente mágico. En el campo y en los pueblos pequeños, los indígenas aún respetan algunas de estas normas, pero lo cierto es que en la ciudad los músicos tocan sus instrumentos en cualquier momento y para dar conciertos, y no para conectarse con la naturaleza.

Y a nosotros, ¿para qué nos sirve la música?

Para los indígenas, la música era su manera de conectar con las divinidades de la Tierra, pero, a nosotros, ¿para qué nos sir ve la música? ¿Es sólo una manera de entretenernos? Podemos hablar de esto y dejar que los chicos y las chicas busquen las “utilidades” de la música. Desde las más cotidianas hasta las más filosóficas, todas serán bienvenidas. Aquí tenéis algunas opiniones para iniciar el debate: - No hace mucho tiempo, la música nos ayudaba a trabajar con un ritmo (canciones de segar, de trillar...).

- Para los más pequeños, puede ser vir para jugar juntos.

- Puede servir para cambiar nuestro estado de ánimo (para relajarnos o para animarnos).

- Si formamos parte de una coral o de una orquesta, puede servirnos para sentir que pertenecemos a un grupo (que si nos juntamos mucha gente podemos crear algo importante).

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- En otro ámbito, nos puede ayudar a entender o reforzar unas imágenes (músicas de películas).

- Nos puede servir para bailar.

- Etc...

¿La cultura de una sociedad es un elemento inamovible o está en evolución continua?

- ¿Por qué está cambiando la función de la música en los Andes?

- ¿La cultura se está quieta como si se tratara de una montaña?

- ¿Quién hace cambiar la cultura? ¿Algunos grandes creadores? ¿Gente que tiene mucho dinero y nos quiere imponer tipos concretos de músicas o maneras de hacer? ¿Las televisiones? ¿Los políticos?

Vivir en comunidad El individuo y la comunidad Una de las características de la forma de pensar de los indígenas del altiplano es el respeto por el Las leyes de los incas y valor de cada persona. Entre los indígenas, las leyes de los conquistadores cada hombre es único, y querer imitar a otra persona se considera despreLa Pachamama (la Madre Tierra) dio las enseñanzas de vida a ciable. Por esto, cada músico de los incas. Sus leyes se basaban en tres mandamientos: Munay charango (uno de los pocos ins(Amor), Llank’ay (Trabajo) y Yachay (Sabiduría). El hombre no necesitaba trumentos que alguien puede ninguna otra ley, porque el Amor creaba respeto y conciencia de servicio a los tocar solo) intenta desarrodemás mediante el Trabajo en la comunidad. A través de este Amor y este Trabajo llar su estilo personal, su comunitario se llegaba a la Sabiduría. manera de tocar, de expresarse a través del insLos conquistadores llevaron nuevas leyes. Las nuevas leyes hablaban de No robar, de trumento. Cada uno No mentir o de No ser perezoso. Pero, ¿qué sentido tenía hablar de robo en una comunidebe tener su voz prodad en la que todo era propiedad de la Madre Tierra y en la que todo se compar tía? ¿Qué pia y única. Ahora bien, sentido tenía en una comunidad en la que el concepto de “morir de hambre” no existía, poresta voz única está que había una gran organización en la distribución de alimentos? De hecho, en el idioma queclaramente enmarcachua (según Wanka Wilka, presidente del Instituto Qheshwua Jujuymanta, un instituto dedida en la comunidad. cado a la enseñanza del idioma y la cultura quechuas) no existe el verbo “faltar”, porque se El ayllu es la unión de cree que en la naturaleza no falta absolutamente nada, y tampoco existe el verbo “pagar” familias que forman porque no se paga nada, todo se compar te. ¿Quién iba a mentir, pues, en una sociedad una comunidad. En el en la que ni siquiera había puer tas con cerrojo en las casas? ¿Quién podía hablar de ayllu la gente vive sin pereza en una sociedad en la que todos trabajaban para todos? jerarquías. Todos colaboran y todos saben que reciCada sociedad crea las leyes que necesita. Si esta sociedad está basada en la birán lo que necesiten para Comunidad, hay suficiente con el respeto (Amor) y el Trabajo. Pero si está basada vivir. Es como una represenen el Individuo, entonces hay que vigilar a aquel que quiere apropiarse de lo tación en la sociedad de lo que que tiene su vecino para ser más que él, o a aquel que quiere engañar a pasa en la naturaleza: todos los los demás, tanto si es mintiéndoles como eludiendo su trabajo. elementos de la naturaleza DAN y Si lo meditamos bien, quizá lo que pasó fue que los conquistaRECIBEN, y esto genera armonía. Los dores hicieron las nuevas leyes pensando en sí misdiferentes elementos se necesitan y no mos, y no en los habitantes del lugar que piensan en aislarse o destacarse del resto. habían conquistado... ¿Quién se podría imaginar, por ejemplo, una hoja que intentara sobrevivir sin la planta?

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Esto implica que, a menudo, en todo lo que se hace en grupo dentro de la comunidad, esté muy mal visto querer destacar sobre los demás. Por esto, la mayoría de los instrumentos se tocan en conjunto, como, por ejemplo, en el caso de las flautas, que sólo se sacan durante los días que se tienen que tocar, y siempre se hacen sonar todas al mismo tiempo, con lo que se crea un conjunto armónico, en el que casi todos tocan exactamente lo mismo (en la tesitura de su flauta, pequeña o grande). En aquel momento, no hay ningún instrumentista que destaque por encima de los otros. Además, no está bien visto que alguien las toque solo, encerrado en su casa y estudiando para llegar a ser un gran virtuoso del instrumento. Si pasa esto, los miembros del ayllu pueden llegar a pensar que hay algún pacto con el diablo...

En definitiva, cada persona es única, pero está enmarcada en una comunidad en la que todos son iguales y no está bien visto que alguien quiera imponerse a los demás.

Por cierto, en el idioma quechua tampoco existe la palabra “extranjero”, porque la Tierra es la casa de todos. Todos compartimos la Tierra y ésta nos lo da todo.

Algunos temas para debatir La importancia de cada persona y la importancia de la comunidad Como hemos visto, para los indígenas cada persona es única, pero está muy condicionada por su comunidad. ¿Nosotros tenemos que ser individualistas e ir a nuestro aire o tenemos que trabajar sólo para la comunidad?

Si os parece bien, trasladaremos el debate al campo de la música: Imaginemos que queremos hacer una música muy rica e interesante.

Para conseguirlo, uno puede trabajar mucho e intentar llegar a ser un gran músico que da conciertos como solista reconocido en todas partes. Es una posibilidad, pero nos costaría mucho esfuerzo.

Hay otro camino: uno puede desarrollar toda una serie de cualidades basadas en la coordinación y la compenetración, una cualidades que harán que consiga unir sus capacidades con las de otros músicos (o aprendices de músicos o personas que aman la música) y, entre todos, conseguirán una música también muy rica e interesante.

En este caso no se trata, por lo tanto, de conseguir grandes logros personales, sino de desarrollar grandes capacidades comunicativas para conseguir estos logros junto con otras personas.

Todo ello deja de lado actitudes competitivas y fomenta otras actitudes solidarias, como: aprender a escuchar más a los demás, saber ir juntos o, simplemente, darnos cuenta de que uniéndonos todos podemos conseguir cosas mucho más interesantes.

Es decir, priorizamos el trabajo de grupo por encima del individual.

Ahora bien, evidentemente, para que esto funcione, cada uno de nosotros tiene que aportar lo mejor que pueda dar de sí mismo. Por este motivo, y como pasa con la mayoría de las cosas, lo que quizá necesitamos es encontrar un equilibrio entre nuestro trabajo individual y el trabajo que aportamos al grupo.

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4. De Cuzco a España

El mestizaje Como hemos visto, en los Andes hubo una confrontación entre dos culturas diferentes.

Una confrontación de este tipo puede producir, a veces, la desaparición total de una de las dos culturas. Otras veces, en cambio, puede producir una mezcla entre dichas culturas. Cuando las culturas se mezclan, decimos que hay mestizaje.

El mestizaje es muy habitual en la música. Actualmente, podemos hablar de un mestizaje deseado: tenemos la posibilidad de escuchar y aprender de las músicas de todo el mundo y a menudo jugamos a mezclarlas. Sin embargo, a lo largo de los tiempos (en algunos casos ya hace muchos años), ha habido un mestizaje que podríamos calificar de forzado: son músicas que han nacido de invasiones (es el caso de la música andina) o del traslado forzoso de gente (sería el caso de los esclavos africanos y el blues).

Nosotros, ¿qué música escuchamos? ¿Es quizá de origen anglosajón? ¿Podemos localizar en ella influencias variadas que se han ido mezclando (blues, ritmos latinos, flamenco...)? ¿Podríamos llevar a clase algún ejemplo de músicas en las que hay fusión de estilos? Por ejemplo: música irlandesa + rock (The Cors), música cubana + flamenco (Bebo Valdés y “El Cigala”), una cantante de ópera y uno de rock cantando juntos (Montserrat Caballé y Freddie Mercury), etc.

El respeto por las culturas Es muy impor tante que tengamos respeto por las diferentes culturas, aunque per tenezcan a un grupo muy reducido de personas. Por ejemplo, en América Central y en Sudamérica hay un gran número de culturas. Pensad que, sólo en lo que se refiere a lenguas indígenas, actualmente sobreviven unas 375 diferentes, muchas en grave peligro de extinción.

Por lo tanto, es importante que entendamos que con este dossier hemos trabajado en torno a una de las culturas musicales que hay en Sudamérica, la andina. Pero hay muchas más: desde el tango argentino hasta la salsa venezolana, pasando por la samba brasileña (para citar sólo algunas de las más populares). Realmente, ¡hay muchísimas!

Todas contienen elementos muy importantes para aprender y pasar buenos ratos. Y, ¿quién sabe? Quizá incluso serán tema para nuevos conciertos.

Albert Gumí Barcelona, junio de 2005

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Por si queréis ir un poco más lejos

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La bibliografía y la discografía en este ámbito son considerablemente extensas. El problema es que muchos de los libros están editados en Sudamérica y otros en Francia o Inglaterra, y son un poco difíciles de encontrar.

Por otro lado, una gran fuente de información (sobre todo en aspectos de cultura andina) es Internet. Por esto os hemos adjuntado algunas webs interesantes que podéis consultar.

Algunos CD de música andina: “Mountain music of Peru” Smithsonian Folkways CD SF 40020 Hay un poco de todo: cantos, flautas, charangos, bandas con instrumentos modernos de viento... Interesante y representativo del folclore andino auténtico.

“Perou. Julio Benavente Díaz. Charango et chants du Cuzco” Collection Occora (Radio France) HM CD83 Muchos ejemplos de piezas para charango con melodías básicamente pentatónicas.

“Le chant des enfants du monde” vol. 6 Amérique du sud ARION ARN 64438 Canciones infantiles y juveniles en quechua y en castellano agrupadas temáticamente (los niños en la calle, los niños en la escuela, los niños jugando...).

“Bolivia. Musique de Norte Potosí. Florindo Alvis” Collection Occora (Radio France) HM CD79 Huaynos para charango, algunos con voz. Alguna pieza con guitarrilla.

“Ritual. Musique rituelle andine. Manco Capac” Disques VDE-GALLO CD-606 Músicas principalmente para grupos de flautas. Superposición de voces creando homofonías modales que suenan muy primitivas. La contrapar tida a los grupos “comerciales”. Con dibujos de los instrumentos y explicaciones del origen y el sentido de cada música.

Algunas referencias escritas: “The Garland handbook of Latin American Music” Garland Publishing Una referencia indiscutible sobre músicas populares de toda Sudamérica.

También podéis consultar: “The Garland Encyclopedia of World Music. Vol. 2 South America” También editada por Garland Publishing.

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Por si queréis ir un poco más lejos

“Diccionario de la música española e hispanoamericana” SGAE Hay numerosas entradas en las que encontraréis excelentes artículos (por ejemplo, Perú, Bolivia, Charango, Cuzco, etc.). La mayoría de los temas y los instrumentos que hemos citado en este dossier educativo tienen su artículo en esta extensa enciclopedia de música.

Algunas webs relacionadas con la cultura andina: Andean heritage http://www.geocites.com/andians/

Diccionario español-quechua-aymara Cursos de quechua Cultura andina Leyendas Arqueología de Perú

Quechua Network http://www.quechuanetwork.org

Ejemplos musicales Opiniones y debates Fotografías Simbología Filosofía

Los incas http://incas.perucultural.org.pe/index.htm

Historia Tecnología Mapas Fotografías Tienda

Lenguas de Sudamérica http://www.proel.org/mundo/sudameri.htm Todas las lenguas clasificadas y analizadas a fondo

Cultures of the Andes http://www.andes.org

Fotografías Canciones Quechua: desde pronunciación hasta chistes Cuentos

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Sakapatú

Gaddafi Nuñez, percusión andina y voz Erkki Nylund, charango, quena, cuatro venezolano y voz William Aravena, zampoña, quena y voz Diego Abarca, guitarra y voz Cristian Escarate, bajo, charango y voz Diego Hidalgo, cajón peruano y percusión andina César Toro, quena, zampoña y voz

Dirección musical: Albert Gumí Dirección artística: Xavier Erra

Índice del CD 1. Solo de charango

24. Solo de chajchas

2. Escala pentatónica quena

25. Solo de quijada

3. Melodía pentatónica quena

26. Solo de cajón

4. Acordes de guitarra

27. Solo de cajita

5. Melodía quena y guitarra

28. Solo de palo de lluvia

6. Melodía “oriental”

29. Ritmo de waylas

7. Ritmo de huayno

30. Ritmo de festejo

8. Ritmo de taquirari

31. Solo de guitarra

9. Base larga para huayno

32. Solo de cuatro

10. Base larga para taquirari 11. Canción “Poco a poco” 12. Base de “Poco a poco” 13. Fragmento de la canción “Mandela” 14. Melodía de zampoña 15. Melodía de zampoña estéreo 16. Solo de zampoña 17. Melodía trenzada 1 18. Melodía trenzada 2 19. Solo de quena 20. Solo de quenilla 21. Solo de quenacho 22. Solo de ocarina 23. Solo de bombo

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