El arte contemporaneo en el aula

2016

ARTE VISUAL

UN AIRE CONTEMPORÁNEO EN EL AULA

Material de apoyo docente Artes Visuales

Material de apoyo al docente

TITULO Un Aire Contemporáneo en el Aula SUBTITULO Material de Apoyo Docente AUTORES Celia de la Luz Bustamante Solís María Jesús Hernández Galdames ASESOR Mario Ibarra Catalán UNIVERSIDAD Universidad de Playa Ancha, Ciencias de la Educación

Valparaíso, Chile 2015

«Si las obras de arte se colocaran directamente en un contexto humano de estimación popular, tendrían una atracción mucho más amplia de las que obtienen bajo el dominio de las teorías que ponen al arte en las alturas».

John Dewey (1934)

PRESENTACIÓN

El interés social creciente en las últimas manifestaciones artísticas, ha tenido también su eco en las nuevas tendencias educativas de las que destaca sin lugar a dudas la cultura visual. Como su nombre indica se basa en construir un dialogo social a través del análisis de la información visual más cercana al educando, incorporando las nuevas tecnologías, la publicidad, los vídeo juegos, etc., al currículo y reduciendo el análisis artístico formal de obras consagradas, asociadas generalmente a criterios elitistas.

Esta guía didáctica aborda las manifestaciones participativas del arte contemporáneo surgidas en torno a 1970 en especial el vínculo entre los géneros del Video Arte, la Instalación Artística, el Performance y el Arte Povera, que, por sus características específicas, puede contribuir positivamente a la compresión del accionar pedagógico del arte contemporáneo en el entorno social del aula.

Todas las intervenciones didácticas (actividades) propuestas se enfocan hacia la creación de metodologías que permitan acercar y relacionar las diferentes expresiones del arte contemporáneo los distintos ámbitos educativos para contribuir en el área de la didáctica del arte a los planes y programas del ministerio de educación para la enseñanza media.

Así planteamos la necesidad e idoneidad de trabajar cuestiones relativas a lo visual y audiovisual contemporáneo en todos los niveles de la enseñanza media obligatoria, por su capacidad para desarrollar y fomentar discursos visuales y audiovisuales que hagan al alumnado conocer más su entorno y adaptar sus formas de comunicación a éste. Lo visual y audiovisual es el día a día de todos los que habitamos este mundo, conocemos e interpretamos la realidad a través de sus imágenes y sonidos, nos relacionamos con los demás a través de estos; por lo tanto, es prioritario desarrollar en las aulas una educación visual y audiovisual creativa, critica y plena.

OBJETIVOS DE LA GUÍA

Explorar las cualidades del arte contemporáneo, identificando los orígenes de sus diferentes géneros e influencias, proponiendo actividades reflexivas, proporcionando información visual de obras claves de artistas representativos de estas disciplinas artísticas.

Aportar metodologías didácticas específicas para el proceso de enseñanza y aprendizaje de las artes visuales, adecuadas a las nuevas realidades visuales contemporáneas.

Desarrollar la capacidad reflexiva y creativa de los alumnos y profesores a partir de las problemáticas de su entorno social y simbólico.

Incentivar y orientar procesos creativos personales que renueven y amplíen la mirada sobre el entorno.

Límites de la Guía

Esta propuesta de guía didáctica para el apoyo del docente de artes visuales, presenta actividades con una visión contemporánea, basadas en los planes y programas del ministerio de educación, no se especifica actividad por curso, ni se hace una división sistemática por etapas educativas, estas son aplicables a cualquier unidad o curso de enseñanza media teniendo en cuenta que debe tener relación con el contenido a realizar con dicho curso.

Las características del tema de la guía

En lo artístico La presente guía podría tener un resultado importante en el campo de la educación artística, al establecer unas pautas didácticas para la disolución del aislamiento pedagógico y artístico que todavía se vive.

Se pueden distinguir dos niveles: En primer lugar, el positivo efecto que generaría un arte vinculado a las necesidades sociales.

En segundo lugar, los beneficios que, sin duda, el arte, a largo plazo recibiría al disfrutar de una educación crítica, artística, dinámica e integrada.

En lo educativo Esta guía presenta las siguientes particularidades: Es un material didáctico que relaciona el arte contemporáneo y la educación artística, contribuyendo al enriquecimiento de esta área que se encuentra muy desatendida en la educación artística en Chile.

RELACIONANDO LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA Y EL ARTE CONTEMPORÁNEO

Resultan significativas las aportaciones alemanas en cuanto a la educación artística, con la Bauhaus y el trabajo artístico y educativo de Joseph Beuys.

Uno

de

comprometidos

los

autores con

los

más aspectos

educativos del arte, que desarrolló una importante e innovadora producción artística en la instalación. Su peculiar y revolucionaria concepción del arte, unida al desarrollo social, político y humano tuvieron una importancia fundamental, influyendo en materiales posteriores y en la creación de este estudio. Luis Camnitzer, rescatando la dimensión educativa del arte implícita en Beuys, ha desarrollado una actividad paralela en el campo educativo y artístico, proponiendo una contaminación de las distintas disciplinas artísticas y situando el arte y la educación artística en el mismo nivel.

VIDEOARTE EL VIDEOARTE: PLANTEAMIENTOS INICIALES Y CONTROVERSIAS

«El vídeo no es una forma que tenga la realidad de estar ahí, es mil maneras que tienen las imágenes de estar en otra parte». Jean Paul Fargier (2000)

Existe un consenso general en cómo entender Videoarte: toda obra en la que total o parcialmente

se

utiliza

la

tecnología del vídeo, bien sea en formato electromagnético o digital

y

audiovisual

cuya

creación

presente

intencionalidad

una

claramente

artística.

Entendiendo

por

intención

artística,

toda

aquella que añada un contenido experimental, formal, poético o filosófico, extra a la creación audiovisual en sí, mediante la utilización de recursos técnicos, narrativos, estéticos y conceptuales, no meramente comunicativos o informativos. Del mismo modo, se puede hablar de Video creación o creación audiovisual, subrayando el sentido creativo de la actividad que se dirige principalmente a los sentidos de la vista y del oído, destacando siempre el interés artístico que sustentan sus autores.

La generalización en los últimos años del término Videoarte aparece unido también al intenso debate en torno a su autoría que desplaza la consideración tradicional del artista como autor único e incluye nuevas formas y estructuras como: el arte colectivo, participativo, colaborativo y educativo.

Uno de los primeros debates planteados en los años 80 se centra en torno a las

impugnaciones relativas del término Videoarte. ¿Cuál es el origen de la palabra vídeo? ¿Qué connotaciones trae consigo que puedan esclarecer parte de su naturaleza?

Para responder a esta pregunta básica, es interesante detenernos en la raíz etimológica del término, ya que la palabra “vídeo” corresponde a la primera persona del presente indicativo del verbo latino, “video”, es decir “yo veo”. Nos encontramos por lo tanto ante la idea de dicho medio como vehículo de una visión en primera persona, al contrario que el concepto de “televisión” cuyo significado es “visión a distancia” denominación que lo sitúa más próximo a comprenderse como medio de masas.

Mattalia plantea su comprensión como una tecnología capaz no sólo de grabar imágenes, sino también de tratarlas y difundirlas, al margen de la vía televisiva, como un medio similar al cine. El término plantea el problema de sus múltiples acepciones que designan, al mismo tiempo, desde una técnica video a un producto acabado un vídeo, además de poder ser utilizado

para

caracterizar una forma artística, es decir: “el video”

como

Videoarte. La autora plantea

que

la

consideración de esta amplitud de funciones proviene del conjunto de

prácticas

domésticas, artísticas, documentales, publicitarias, de vigilancia, etc., que el medio puede vehicular. Como ella misma apunta: «estas múltiples acepciones ponen sobre la mesa la pregunta de sí el vídeo es un medio, un soporte, una estética, una práctica artística, etc.».

(Rodríguez Mattalia, 2008: 139) El término Videoarte fuese acuñado en la línea de otros términos surgidos en la misma época como body-art, land-art, conceptual-art,etc. con el fin de nombrarlas actividades videográficas que en el campo del arte comenzaron a tomar fuerza en los años 70.

Inicialmente la expresión, vídeo-tapes, identificó este tipo de creaciones, en alusión a los

dispositivos de cintas magnéticas donde quedaban registradas las grabaciones, ampliándose al poco tiempo por otros términos como los de vídeo-esculturas, vídeoperformances o autorretratos videográficos, que intentaban concretar a través de estas combinaciones, definir el conjunto de acciones o intervenciones artísticas realizadas en soporte videográfico. Finalmente, el término anglosajón Video art resultó ser la convención más extendida con adaptaciones en diferentes idiomas como Videoarte en español o Art video en francés.

No es hasta la década de los 80, con la incorporación de un buen número de realizadores y

teóricos

venían

de

que otros

ámbitos profesionales distintos al de las Bellas Artes, que se adopta el término Video creación o

Vídeo de creación para

referirse

a

este tipo de producciones audiovisuales artísticas, abandonando el original de Video art por lo controvertido del término, que no respondía adecuadamente –según la nueva generación de autores– al verdadero sentido de estas construcciones artísticas audiovisuales, abriendo con ello, un largo debate terminológico aún no concluido.

(Rodríguez Mattalia, 2008: 140).

Podemos constatar, por ejemplo, como en países donde el videoarte despuntó más tarde –España y la mayor parte de países de Latinoamérica– el término de video creación tuvo una mayor acogida y mantuvo su influencia hasta la actualidad, probablemente por la coincidencia cronológica de la irrupción del género en estos países y del debate creado en los países donde si estaba consolidado como práctica artística generando una particularidad dentro del arte realizado en vídeo de estas áreas periféricas.

Numerosos estudios que han revisado la evolución de este género artístico han concluido en retomar el inicial de Videoarte o Video art como el término más apropiado para hacer alusión a esta forma de arte.

Como conclusión, debemos destacar que el carácter inestable del territorio video arte ha trazado un campo de estudio que

participa

igualmente

de

esta

inestabilidad y mixtura. En este sentido, la

imagen-vídeo

metamorfosis

y

está

en

continua

evolución,

haciendo

compleja la construcción de un estudio estable sobre sus límites, concreciones y contenidos propios. Nuestra investigación viene a adherir un nuevo punto de vista y una decidida apuesta por incorporar nuevas posibilidades del video arte dentro del territorio de la educación.

Consideramos que parte de la distancia, en lo que se refiere al acercamiento y comprensión desde los contextos educativos al audiovisual contemporáneo, ya ha sido recorrida. El entorno cotidiano en el que nos movemos, nos informamos y nos comunicamos es audiovisual y los procesos de creación de imágenes ya no son exclusivos del mundo profesional. El acceso a las nuevas tecnologías es hoy un hecho y el universo de productos audiovisuales con los que interaccionamos inundan nuestro entorno. Por lo tanto, los procesos de comprensión relacionados con su creación y reconocimiento, y la interpretación de sus imágenes y códigos, pueden plantearse como un principio “latente” que permite pensar en un planteamiento de estas formas del audiovisual contemporáneo en los contextos educativos. Además, estas creaciones audiovisuales mantienen las mismas posibilidades expresivas y la capacidad de desarrollar idénticos procesos conceptuales que cualquier otra forma de arte. Esto no quiere decir que desde aquí planteemos una Educación Artística que valore más unas formas y medios en detrimento de otros, tan sólo exponemos la potencialidad de estos lenguajes para aproximarnos al arte de nuestros días, y cómo no; para releer y reconstruir los del pasado.

CONSIDERACIONES SOBRE EL VIDEO-ARTE COMO RECURSO EDUCATIVO Es preciso realizar una puntualización acerca del tema del video arte y de la educación artística. El contenido de la guía se acoge a las relaciones y aspectos vinculados con el arte contemporáneo, especialmente sus géneros, incluyendo todos los elementos que lo relacionan con otras expresiones, lenguajes y movimientos del arte contemporáneo como la

instalación

artística,

el

performance y el arte povera, aunque

cuenten

con

intenciones didácticas. Es decir, el presente estudio no incluye aquellas

construcciones

atmosféricas

propias

de

algunas exposiciones temáticas y divulgativas, que utilizan elementos multimedia,

multidisciplinares, audiovisuales,

virtuales, interactivos, táctiles, olfativos, etc., para captar la atención del receptor y comunicar su información de una manera más efectiva y agradable.

Primeramente, nos encontramos con el término Videoarte que hace referencia a un movimiento artístico, surgido en Estados Unidos y Europa hacia 1963 y que inicia su difusión en los escenarios del arte contemporáneo durante los años sesenta y setenta, transformando y ampliando su campo de acción durante el resto del siglo XX hasta nuestros días. En la actualidad, lejos de ser en un movimiento, se ha transformado en un lenguaje propio dentro de las artes visuales, escapando a la lógica de la disciplina para mostrarse

complejo

y

problemático en los intentos por definirlo y acotarlo de forma precisa en gran medida por su carácter heterogéneo en el

que dialogan la creación artística y las nuevas tecnologías, además de su carácter permeable que lo impregna de conceptos y formas de hacer de otras disciplinas como el cine, la performance, la danza, la escultura, la arquitectura, la poesía, la animación o la pintura, entre otros. Además, el videoarte desde sus orígenes está asociado a formas críticas de contra televisión, de activismo social y a nuevas realidades artísticas que plantean otros canales de creación y difusión, como es el caso del net art, que nos obligan a considerar otros entornos de acción como lo colectivo, que ampliaran las habituales referencias a los mundos subjetivos de sus creadores. En definitiva, un espacio reticular que se muestra escurridizo a toda indagación y que nos obliga a plantear otras formas de búsqueda y definición de sus recursos para adaptarlos a la investigación educativa.

Objetivos Específicos referidos a los ámbitos educativos en los que vamos a desarrollar la guía:

1. Establecer puntos de conexión entre el arte contemporáneo y la educación artística a través del videoarte.

2. uso del Videoarte como estrategia didáctica, como lenguaje expresivo dentro del contexto del arte contemporáneo 3. Promover un acercamiento del alumnado y profesorado a las diferentes formas de expresión del arte contemporáneo, incorporando esta experiencia en su desarrollo vital y profesional.

¿Por qué el videoarte?

Surgen nuevas cuestiones relacionadas con las formas y contenidos de una Educación Artística que deberá́ de abordar

todas

relativas

a

los

aquellas

cuestiones

nuevos

lenguajes

audiovisuales generados desde el arte

contemporáneo y desde los entornos más próximos a la comunicación audiovisual y el estudio de los mass-media.

El origen de esta guía está motivado por el interés profesional en el videoarte, en las nuevas narrativas audiovisuales y en generar procedimientos para abordar su implantación en la realidad escolar.

El lenguaje videográfico forma parte de la vida diaria, donde la televisión se presenta como el medio que más ha repercutido en la globalización. Su desarrollo define una época y un modo de vida que influye en los contenidos informativos. La historia ya no solo se escribe; es registrada en imágenes y exhibida a través de los medios de comunicación que convierten a los ciudadanos en audiencias y los obliga a debatirse ante la ley de la oferta y demanda de sus productos de consumo masivo.

Propiedades que convierten al videoarte en un proceso pedagógico tan necesario en los contextos educativos actuales

Las características que convierten al Videoarte en un instrumento pedagógico en la enseñanza audiovisual. Entre otras especificaciones señalamos: 1. Su capacidad para asimilar la cultura, amplificando la capacidad para conocer, comprender, apreciar y valorar críticamente las diferentes manifestaciones culturales y artísticos del entorno más inmediato y del contexto internacional

en

las

que

están

inscritas,

utilizándolas como fuente de enriquecimiento y disfrute, considerándolas parte de nuestro patrimonio universal.

2. La posibilidad de aprender al mismo tiempo que se promueve una actitud crítica en todo el proceso de realización audiovisual.

3. Por último, la posibilidad de hacer visible un entorno de creación que motive al alumnado en la búsqueda de soluciones, fomentando su iniciativa y autonomía personal en una sociedad que plantea nuevos retos y que se encuentra en continua transformación.

Precursores:

Muchos de los artistas iniciadores del videoarte fueron aquellos que estuvieron también relacionados a movimientos del Arte conceptual, Performance, y cine experimental.

Entre estos se encontraban los norteamericanos Vitto Acconci, John Baldessari, Peter Campus, Doris Totten Chase, Norman Cowie, Dan Graham, Joan Jonas, Bruce Nauman, Nam June Paik, Martha Rosler, William Wegman, y muchos otros. Estaban también Steina y Woody Vasulka que estaban interesados en las cualidades formales del video y que emplearon video sintetizadores para crear trabajos abstractos.

N A M J U N E P A I K

Nam June Paink, (Seúl, Corea del Sur, 1932- Miami, EEUU., 2006) es sin duda una de las figuras claves en el videoarte.

Pertenece a su historia mítica del género que lo convirtió́ en su progenitor. Aun así́, lejos de interesarnos

por

su

protagonismo en aquellos primeros años –es uno de los representantes de Fluxus–, supone un punto de partida para ciertos planteamientos relacionados con la cultura de las nuevas tecnologías electrónicas. Su campo creativo no se limitó al estético y problematizó sobre la percepción y la desproporción sensorial provocada por las extensiones tecnológicas. Paik, ya adelantaba la existencia de un nuevo videoarte en Internet en el que las diferentes formas de arte se mezclaban: video y literatura, gráficos y música dando forma al net.art. Por todo esto, Nam June Paik, es una referencia

indiscutible en nuestra guía dentro y fuera del aula. El gran maestro de los remezclas, integrante de Fluxus, que lejos de los postulados destructivos dirigidos hacia la televisión, abanderados entre otros por Wolf Wostel, proponía una deconstrucción de la televisión, adelantando en muchos sentidos el escenario actual en relación al fenómeno del videoarte. 

Nam June Paik at James Cohan, NYC (April 2009)

Obras para ver

https://www.youtube.com/watch?v=Ra-OU33n434 

Nam June Paik | TateShots https://www.youtube.com/watch?v=5RE1ueYnSVc 

For Nam June Paik´s Piano

H A N

Hans Richter (Berlín, Alemania, 1888 -

S

Muralto, Suiza, 1976), fue un artista y cineasta

vinculado

al

movimiento

R

Dadá, es una referencia importante en

I

nuestro estudio porque defendía el

C

derecho de existir del cine experimental

H

y

T

particularidades. Además, actuó́ como

E

bisagra entre el cine de vanguardia

R

europeo y el norteamericano. Se dedicó

explicaba

algunas

de

sus

a la experimentación de contrapuntos rítmicos y variaciones formales abstractas pintando “rollos” de papel y realizando filmes experimentales abstractos, denominadas: Películas Rítmicas. (1923). 

Películas Rítmicas. (1923) Hans Richter https://www.youtube.com/watch?v=E_s2szMVAr0



Obras para ver

Filmstudie (1926) - Hans Richter https://www.youtube.com/watch?v=gT6x3WlxtPM&ebc=ANyPxKqFeA8YUIB2mEc FoEm-USy-

OFMfImI5CTiikrAYOEfaTIofR3B5vIFLgsHSBR4GYuHQIBQR5SCC8d1YfroWutDYDll WZA 

Inflation (1927)- Hans Richter https://www.youtube.com/watch?v=lBsW6PRYyDg

C

La figura de Cindy Sherman (New

I

Jersey, EEUU, 1954) es un magnífico

N

ejemplo de cómo la fotografía es

D

hoy una de los muestrarios de

Y

expresión

artística

más

ricos

y

críticos, ya que desde la fotografía y sólo desde ella, esta artista es hoy

S

uno

H

de

los

referentes

más

importantes del arte actual.

E R

La estructura pedagógica: Juegos de

M

Identidad (Apartado 3.3) en la que

A

hemos creado una metodología de

N

aproximación

a

la

imagen

contemporánea a través del fotoensayo y su capacidad para establecer un doble rol interpretativo basado en la memoria y la identidad. Sus trabajos a través de los arquetipos de la mujer en los conocidos film

stills y los conocidos homenajes a personajes femeninos de la Historia del Arte, justifican el diseño de algunas de las experiencias didácticas de esta guía.  Cindy Sherman Doll Clothes (1975) https://www.youtube.com/watch?v=HUJlYsvdV7I Obras para ver

VIDEO ARTE EN RELACIÓN A SU DESARROLLO ESPACIAL:

Vídeo-instalación Instalación audiovisual

Forma que utiliza el vídeo

como componente central y que relaciona la imagen video gráfica con otros objetos y materiales, ocupando un espacio específico. La imagen de vídeo en este caso, desborda el reducido marco de un televisor por su tamaño y forma, y no está condicionada ni tiene relación alguna con la televisión en cuanto medio de comunicación. La vídeo-instalación o instalación audiovisual cambia radicalmente las relaciones entre espectador e imagen electrónica: entre audiencia y monitor. No se trata por lo tanto de ver las imágenes ante una pantalla, sino de recorrer el espacio integrando las imágenes en los distintos elementos de su contexto.

Podemos incluir en esta categoría

tanto

la

vídeo- instalación y la vídeo-proyección, como otro

tipo

de

proyecciones multimedia diapositivas,

– láser

o

cine– que incluyan en su exhibición un componente sonoro.

Marialina García y Meyken Barreto definen la vídeo-instalación como aquellas obras audiovisuales que exploran el soporte del artefacto, desde un punto de vista escultórico y/o arquitectónico. En este caso se le otorga una importancia primordial al aspecto espacial junto a la especificidad temporal del vídeo.

Las obras de este tipo utilizan de manera muy frecuente las posibilidades de emisión múltiple –multicanal– y el circuito cerrado de emisión sincrónica (...) Además, emplean materiales externos, distintos al dispositivo electrónico del vídeo, convirtiéndolos en objetos artísticos y propiciando la participación del espectador por su forma abierta y pública de presentación»

Video-poesía Vídeo-poema La vídeo-poesía es un género audiovisual que atiende de forma especial a la palabra, la tipografía, el lenguaje, el discurso, lo poético, el signo y el símbolo.

Video-poesía Lenguaje poético que fusiona imágenes en movimiento y textos literarios.

Video-poema Creación artística experimental que se vale de los recursos de la video-poesía.

Vídeo-animación Animación digital de video En los vídeos de animación se construye

un

movimiento

inexistente imaginario, al contrario de lo que hace el cine con la imagen real que descompone el movimiento

existente.

La

animación concede movimiento a las figuras bidimensionales a través del registro de cada fase creada que posteriormente es proyectada de forma continua.

La animación requiere el dominio de técnicas avanzadas para dos y tres dimensiones en la creación de piezas gráficas animadas, que podrán aplicarse en los entornos televisivos, el cine o Internet.

Video-pintura La vídeo-pintura es un concepto relativamente nuevo creado a partir de las obras psicológicas de Hilary Lawson, filósofo y cineasta documental que trata de escapar de las limitaciones narrativas del vídeo tradicional. Lawson en 2001 publica su Teoría del cierre, donde desarrollaba la idea de que el mundo está abierto y al acercarnos a esta apertura, el pensamiento y el lenguaje se transforman convirtiéndose en una expresión de éste. La vídeo-pintura, por lo tanto, es la creación de una visión que utiliza el medio visual como un lienzo, cuyos requisitos son: una cámara inmóvil con un punto de vista fijo, sin diálogo ni sonido, donde el proceso es inexistente, obligando a tomas puras, con el único contenido de lo natural como realidad que se captura en su forma original, sin ningún tipo de edición, construcción o manipulación de la imagen por lo que suprime los estilos narrativos comunes de la imagen en movimiento.

El concepto de vídeo-pintura se asocia también a producciones de vídeo-ambientes o arte generativo donde se fusionan movimiento y tecnología digital a través de expresiones que tratan de inscribir la expresión pictórica en el tiempo. La vídeo- pintura retoma las ideas de Rothko y Pollock que plantean el lienzo como el lugar de la acción, aunque, en este caso, sea un marco digital. Estas obras son animaciones que pueden ser realizadas exclusivamente por el ordenador, utilizando algoritmos personalizados que desarrollan formas fractales a través de software específico o animaciones de tipo más tradicional ajenas a estas tecnologías. Las vídeo-pinturas son proyectadas en bucles infinitos, sin fisuras, cuyo resultado es un “mundo visual” sin principio ni fin; una incursión visual que envuelve al espectador en una hiperrealidad sublime.

Algunos de los videos artistas que trabajan en este campo de experimentación son: Hilary Lawson y Shoja Azari.  Hilary Lawson Tribute https://www.youtube.com/watch?v=CjyNJ0hwQFw  The day of judgment.mov - Shoja Azari https://www.youtube.com/watch?v=zhTbzUtyj5Q

Obras para ver

 Shoja Azari and Shahram Karimi The Mist.flv https://www.youtube.com/watch?v=C9DHfi9trXY

STOP MOTION Es una animación técnica que manipula físicamente un objeto que parece moverse por sí mismo (animar un objeto estático). El objeto se mueve en pequeños incrementos entre cuadros fotografiados individualmente, creando la ilusión de movimiento cuando se juega la serie de fotogramas como una secuencia continúa. Muñecas con articulaciones móviles o arcilla figuras se utilizan a menudo en stop motion por su facilidad de reposicionamiento.

Detener

animación

de

utilizando

plastilina

animación "arcillación".

con No

la

movimiento se

llama

plastilina todo

o el

movimiento de la parada requiere figuras o modelos; muchas películas de stop motion pueden implicar el uso de los seres humanos, electrodomésticos y otras cosas para el efecto cómico. Detener el movimiento utilizando objetos se refiere a veces como la animación de objetos.

Precursores:

Jan Svankemajer, Hermanos Quay Stephen y Timothy.

(Praga, 4 de septiembre de

J

1934) es un artista gráfico,

A

escultor, diseñador y poeta

N

surrealista checo, célebre por

S

sus películas de animación, que

V

han influido en importantes

A

cineastas como Tim Burton,

N

Terry Gilliam, los Hermanos

K

Quay y muchos otros.

M

En sus películas, Svankmajer

A

trabaja

J

utilizando la técnica de stop-

E

motion.

R

empleado

con No

muñecos, obstante,

también

ha

actores

reales, máquinas, figuras de arcilla,

muñecas

antiguas,

esqueletos de animales y otras muchas cosas. Consigue crear un clima de pesadilla, lo que no impide que sus filmes sean, al menos en cierto modo, divertidos. Se ha inspirado en las obras de autores literarios como Edgar Allan Poe, Lewis Carroll y la leyenda germánica del Doctor Fausto (que ha servido de inspiración a muchos autores también).  4 dark and light- Jan Svankmajer – https://www.youtube.com/watch?v=el8RUqN_4Fw 

Lunch- Jan Svankmajer https://www.youtube.com/watch?v=8_y8257S62Q

Obras para ver

 Moznosti dialogu (Dimensions of Dialogue) Jan Svankmajer 1982 https://www.youtube.com/watch?v=bGp8xiB2-sg  Collage animación https://www.youtube.com/watch?v=BJYS1x7WXGE&index=9&list=PLlQRVw8C0KKj N2PxjXmYnleVaN7AiSlvB  Collage Animation 2014 https://www.youtube.com/watch?v=lgdaxO313dc

Instalación Artística CONSIDERACIONES SOBRE LA INSTALACIÓN COMO RECURSO EDUCATIVO

Es preciso realizar una puntualización acerca del tema de la instalación y de la educación artística. El contenido de la guía se acoge a las relaciones y aspectos vinculados con la instalación artística, excluyendo todos los elementos relacionados con la instalación o desarrollo sensorial perceptivo desprovistos de intención artística, aunque cuenten

con

intenciones

didácticas. Es decir, el presente estudio

no

incluye

construcciones

aquellas

atmosféricas

propias de algunas exposiciones temáticas y divulgativas, que utilizan

elementos

multidisciplinares, audio interactivos,

multimedia,

visual, táctiles,

virtuales, olfativos,

etc., para captar la atención del receptor y comunicar su información de una manera más efectiva y agradable.

El arte de la instalación es un término se utiliza para describir las construcciones de técnica mixta o conjuntos generalmente diseñadas para un lugar específico y por un período de tiempo temporales un género de arte contemporáneo en el cual el artista utiliza, como parte de la composición, el propio medio (como paredes, piso, luces e instalaciones) además de objetos diversos. En muchas ocasiones, los materiales escogidos, llenan más o menos el espacio y el espectador es invitado a moverse alrededor de la obra o interactuar con la pieza, en esos casos el espectador mismo deviene parte de esa

obra en ese preciso momento y ese preciso tiempo. A veces las instalaciones son frágiles por lo que solo pueden ser vistas desde la puerta o un extremo del espacio.

Existen varios precedentes para este tipo de arte, pero no fue hasta los años 80 que los artistas comenzaron a especializarse en las instalaciones. Materiales de todo tipo, luces y sonido han seguido siendo elementos fundamentales para la instalación artística.

En los inicios, las instalaciones eran usualmente creaciones temporales; eran parte del moderno movimiento que trataba de desechar la idea del arte como objeto coleccionable. Esta tendencia es también vista en el Arte povera y en el Arte conceptual.

De cualquier forma, en la actualidad, muchas instalaciones son

artísticas

realizadas

para

muestras permanentes y muchas de ellas han sido

compradas

y

vendidas como las obras de arte tradicionales.

Uno de los ejemplos más conocidos es la obra “20:50” de Richard Wilson, que consistía en una habitación llena de aceite de cárter y que fue creada en 1987 para la Matt´sGallery de Londres pero que fue subsecuentemente exhibida en la Royal Scottish Academy de Edimburgo y luego comprada por la colección Saatchi de Londres.

¿Por qué la Instalación?

En primer lugar, se ha elegido la instalación por su capacidad integradora de varias disciplinas, dotándola de una gran versatilidad para resolver el problema de aislamiento del arte contemporáneo en la educación, pero lo que realmente interesa son las características específicas que se dan en la instalación, que pueden ser empleadas para desarrollar estructuras de pensamiento y procesos mentales susceptibles de ser aplicados a la educación. De esta manera nos queda una puerta abierta a esas manifestaciones

del arte contemporáneo, recordando que la motivación inicial es el acercamiento del arte contemporáneo al público para solucionar esa separación entre el arte y la sociedad.

Precursores: Algunos artistas representativos son: Claes Oldenburg, Larry Bell, Richard Wilson, James Turrell, Bill Viola, Donald Judd, Christo, Lara Almarcegui, Txomin Badiola, Mirosław Bałka, Vanessa Beecroft, Lee Bul, Daniel Buren, Daniel Canogar, Jordi Colomer y Nacho Criado.

C L

Nacido

A

enero de 1929,

E

un escultor sueco,

S

pionero del Pop Art. Es

el 28

de es

conocido sobre todo por O

sus instalaciones de arte

L

público que representan

D

réplicas a gran escala de

E

objetos cotidianos. Otro

N

tema en su obra son las

B

versiones en escultura

U

blanda

R

normalmente duros.

de

G

 Claes oldenburg STORE https://www.youtube.com/watch?v=eB91flTprsI  Claes oldenburg https://www.youtube.com/watch?v=1d3I_juszrs

Obras para ver

objetos

R

Richard Wilson (nacido el

I

24 de mayo de 1953) es un

C

escultor Inglés, la instalación

H

del artista y músico.

A

Nacido en Londres, estudió

R

en la London College of

D

Printing, Hornsey College of Art y la Universidad de

W

Reading.

Fue el DAAD

I

residente en Berlín en 1992,

L

Maeda Visitante Artista en

S

la Architectural Association

O

en 1998 y nominado para el

N

Premio

Turner

en

dos

ocasiones en 1988 y 1989.

Primera exposición individual de Wilson fue de 11 piezas, en la Galería de Prensa Coracle en Londres en 1976. Desde entonces, ha tenido al menos 50 exposiciones individuales en todo el mundo.  Turning the Place Over by Richard Wilson https://www.youtube.com/watch?v=DBXwA0gcBm4

Obras para ver

Arte Povera CONSIDERACIONES SOBRE ARTE POVERA COMO RECURSO EDUCATIVO

En italiano significa “arte pobre“. El Arte Póvera surgió en Italia en 1967, se integran actividades artísticas muy variadas, pero en general, todas ellas se caracterizan por un común denominador, el hecho de que las obras se hallan constituidas por materiales pobres o actualmente llamados reciclables.

El crítico y curador Germano Celant, acuñó el término “arte povera” para articularlo teóricamente e inscribirlo en la cultura del mundo moderno con

regulares

muestras,

tanto

colectivas como individuales. Con ese nominativo apareció por primera vez en el catálogo escrito para la exposición Arte Povera y Spazio (Galería La Bertesca, Génova) en septiembre de 1967.

Celant se inspiró en uno de los conceptos teatrales del dramaturgo polaco Jerzy Grotowsky, para describir un nuevo arte libre de la mediación e imposiciones de las construcciones lingüísticas y culturales.

El objetivo de Celant consistía, ante todo, en re lanzar de nuevo a Europa frente al poder del arte americano que, en los años sesenta, se había impuesto de manera indiscutible.

Según el crítico italiano, el término Arte Povera poseía un carácter de "antidefinición” y debía situarse siempre en relación al contexto sociopolítico de la etapa 1966-1968, aunque en un momento inicial se hablara del movimiento Povera como algo específicamente italiano, más tarde se advirtió que otros artistas europeos, como Joseph Beuys o algunos de los representantes del Land art y del Body art, tenían puntos de contacto con la

ideología del Arte Pobre en Italia. En cualquier caso, el propio Celant decidiría abandonar el empleo del término en 1972, porque consideró que incluso los artistas más representativos de dicha tendencia se habían alejado de las líneas de actuación inicial. Es interesante advertir que más tarde, en los años ochenta, cuando el Arte Povera fue atacado de manera sistemática por los artistas de la Transvanguardia italiana, dirigidos por el crítico Achille Bonito Oliva, Germano Celant reivindicó la validez del concepto y lo puso de nuevo en circulación.

Se trata de un arte objetual que aparece como consecuencia directa del arte minimal.

Están estrechamente ligados, pero hay una diferencia de conceptos, ya que el minimal posee una geometría muy estricta y el arte povera rechaza esa frialdad profundizando la energía que desprenden los materiales.

Es un arte intimista y personal muy ligado al movimiento hippie y underground de los años 60 italianos, de ahí la antipatía por las

nuevas

tecnologías

y

la

modernidad excesiva. Parten de la naturaleza

para

encontrar

la

energía elemental.

Sus obras parten de una acción, como modelar, estrujar, doblar, etc. una transformación natural del material, o bien parten del propio material que con un pequeño movimiento o acción se transforma, como por ejemplo el fuego o el hielo.

¿Por qué el Arte Povera?

Es importante destacar que el arte povera abrió caminos radicalmente nuevos, rompiendo con el pasado y entablando un fructífero diálogo con otras tendencias artísticas.

El arte povera es muy especial debido a la simplicidad de sus materiales, lo que lo hace ver como una pieza única, especial e irrepetible. Y con relación a la educación artística en chile, está vinculado con los intereses colectivos del chile de hoy, el reciclaje, reutilización, y por sobre todo comunicar y expresar en un sentido visual etc.

Es fácil de trabajar dentro del área escolar por la facilidad de recolectar materiales, ya que estos pueden ser de la naturaleza, industrial, pero en estado bruto, sin ningún tipo de refinamiento, Barro, paja, madera, hojas, vidrio metal etc. Y no solo por los materiales si no, por lo que se pueden hacer con ellos y al proceso que se pueden someter Finalmente es importante recalcar la

importancia

de

tratar

de

provocar una reflexión entre el objeto y su forma a través de la manipulación del material y la observación específicas,

e

sus

su

alto

cualidades grado

de

creatividad y espontaneidad e implica una recuperación de la inspiración, la energía, el placer, y la ilusión convertida en utopía.

Precursores: Alberto Burri, Piero Mazoni, Vik Muniz, Carolina Pavia, Modest Cuixart, Albert Vidal García, Giovanni Anselmo, Carl Andre, Alighiero Boetti, Joseph Beuys, Pier Paolo Calzolari, Rossella Cosentino, Walter De Maria, Jan Dibbets, Luciano Fabro, Hans Hacke, Eva Hesse, Jose Maria Jujol, Jannis Kounellis, Richard Long, Mario Merz, Marisa Merz, Robert Morris, Nam June Paik, Giulio Paolini, Pino Pascali, Giuseppe Penone, Michelangelo Pistoletto, Wolf Vostell, Gilberto Zorio, Chantal De Rementería, Miguel Segura, Maxi Miqueles, Sebastian von Unger, Pedro Naretto.

P

Piero

Mazoni,

I

próximo no sólo a la estética

E

povera,

R

contenido

O

desprenderse de la obra de

sino

se

halla

también que

al

pueda

los artistas de esta tendencia.

M

De todas sus realizaciones, la

A

que más difusión tuvo fue, sin

Z

duda, la célebre "Mierda de

O

artista", constituida por latas

N

en las que Manzoni había

I

colocado

su

defecación.

propia

Una

vez

rotuladas, se dedicó a enviarlas a las galerías italianas. Se trata de un acto que retoma la ironía duchampiana, pero que, al mismo tiempo, va mucho más allá porque implica un manifiesto rechazo del mercantilismo artístico que, en aquellos momentos, estaba experimentando un auge extraordinario. En otras ocasiones, Manzoni trabajó con materiales inusuales en el ámbito de la pintura, como se Panecillos

advierte

en

sus

acromáticos,

obra en la que utilizó una serie

de

dispuestos

panecillos, en

franjas

perfectamente ordenadas sobre un soporte, y que pintó

después

de

color

blanco.

 Piero Manzoni, el Artista del Arte Póvera! https://www.youtube.com/watch?v=uUg5lu_wRME  Piero Manzoni a Palazzo Reale - La Merda d'artista e altre "intuizioni fulminanti" https://www.youtube.com/watch?v=cDWPH_jCjn8 Obras para ver

A

Los

informalistas

L

italianos Alberto Burri

B

y

E

pueden

R

como precursores del

T

Arte

O

primero

Lucio

Fontana considerarse

Povera.

El

empleaba

tela de arpillera que, a B

causa del tratamiento

U

al que se la había sometido, llegaba a

R

parecer un material de

R

desecho. En cuanto a

I

la pintura espacialista de Fontana,

aparte de ser casi siempre

monocromática, integraba el orificio como elemento esencial de las composiciones. La austeridad de la obra de este artista es uno de los factores que permiten considerada como precedente de la de ciertos artistas "pobres".  Alberto Burri: Material Realism https://www.youtube.com/watch?v=6Ar5t7ocHY4  Alberto Burri: Sacchi https://www.youtube.com/watch?v=Hl8hzTUjFEQ

Obras para ver

Muniz fue conocido en 1997 por sus retratos de V

la serie Chocolate y en 2006 los retratos con

I

desperdicios. En 2010, el documental Waste

K

Land, dirigido por Lucy Walker, contó con el trabajo de Muniz en uno de los vertederos de

M

basura más grandes del mundo, Jardim

U

Gramacho, en las afueras de Río de Janeiro.

N

La película fue nominada para el Oscar a la

I

Mejor Película Documental en los Premios de

Z

la Academia.

Vik Muniz a menudo se apropia de las imágenes que sirven como base para sus obras de arte con obras de otros artistas de renombre. Por ejemplo, Muniz utiliza la jalea y mantequilla de maní en la creación de la obra Doble Mona Lisa, después de Warhol, de 1999, sobre la base de una impresión de pantalla de 1963 por el artista pop Andy Warhol y que, a su vez, era una apropiación de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci. En 1982 dio por terminada sus obras realizadas con pequeños trozos de papel creando una ilusión óptica en el espectador.  Waste Land (Vik Muniz) https://www.youtube.com/watch?v=sBnatR06dDk  Vik Muniz, arte con basura, azúcar, diamantes, caviar o chocolate https://www.youtube.com/watch?v=z4Y7bn0NMYM Obras para ver

LIBRO DE ARTISTA

El libro de artista es una obra de Arte, realizada en su mayor parte o en su totalidad por un artista plástico.

En un recorrido por la Historia del Arte, de la Prehistoria a nuestros días, encontramos infinidad de obras, de todas las épocas y culturas que, aunque creadas con muy diferentes fines

son

precursoras

del

concepto actual de los libros de artista:

huesos

tallados,

tablillas babilónicas, papiros egipcios,

libros

de

oración

tibetanos, libros de la cultura cristiana como el Codex de Kells o el Beato de Liébana, etc...

Una sucesión de obras

hasta llegar al concepto actual del libro como obra de Arte.

Este concepto comienza a concretarse con Mallarmé (Una tirada de dados nunca podrá suprimir el azar, 1897), Apollinar (Caligramas de 1914); El Lissitzky (Dyla Golosa, 1923. Las cuatro funciones aritméticas, 1928); Francis Picabia (391, 1924); Dieter Rot (Kinderbuch, 1954-57; Picture Book, 1956); hasta llegar a las obras actuales de artistas como Beuys, Brossa, Cage, Lewitt.

Desde el punto de vista del artista, el concepto del Libro de Artista se puede definir como un soporte más, “como un lienzo para el pintor o como la piedra o el bronce para el escultor”, pero sus especiales características hacen de él un medio con unas posibilidades mucho más amplias: el juego con el tiempo, al poder pasar sus páginas, retroceder, desplegarlas y leer un discurso plástico en secuencias espacio-temporales; la posibilidad de unión entre la pintura, la escultura, la poesía experimental, las artes

aplicadas, el libro de edición normal, y los más diversos procedimientos artísticos y elementos plásticos tradicionales o innovadores como el CD o el video.

Todas estas

múltiples combinaciones proporcionan un sentido lúdico y participativo a la obra, ya que el libro de artista se puede ver, tocar, oler, hojear, manipular y sentir.

El artista puede realizar sus obras no sólo sobre papel, cartón o cartulina (los materiales tradicionales del libro), sino también sobre metacrilato, madera, latón,

pizarra,

combinación

broce,

múltiple

materias

o

reciclados

impresos

etc. de

aportar o

la

varias

materiales encontrados.

Puede emplear todas las técnicas artísticas posibles desde el óleo a la holografía, desde la acuarela a la infografía, desde el aguafuerte a la electrografía...o la conjunción de varias de ellas.

Este carácter interdisciplinar, permite al Libro de Artista ser el medio de expresión de cualquier movimiento del Arte Contemporáneo, convertirse en poesía visual, en happening, en soporte subversivo, en cuento infantil, en escultura móvil o hasta en novela de ciencia-ficción. Se consigue, en definitiva, una libertad creativa total.

Tipos de libro de artista

Las posibilidades tipológicas, formales, conceptuales y técnicas de los libros de artista son muy variadas; sus infinitas formas creativas hacen necesario aventurarse a un intento de clasificación, teniendo en cuenta que cualquier propuesta quedará siempre superada por su variedad y complejidad (muchos libros podrán situarse en varios apartados simultáneamente).

La clasificación más primaria, pero importante por su clara diferencia, sería por el número de ejemplares realizados de cada libro, tendríamos, por tanto, dos apartados: El libro de artista de ejemplar único y el libro de artista seriado.

Libro de ejemplar único Esta denominación engloba, lógicamente, toda obra de un solo ejemplar que normalmente irá firmado por el autor. El apartado podría subdividirse en: Libro de artista original: Manteniendo una estructura formal semejante a algunos de los soportes tradicionales literarios, el artista realiza una obra plástica única por cualquier procedimiento.

Libro Objeto: La obra se realiza con vocación tridimensional, contemplándose como una totalidad en su forma.

Libro-montaje: Las obras que, situadas en un espacio, actúan sobre ese espacio o que sus

dimensiones

tridimensionales

sobrepasan el formato tradicional del libro, condicionando al espectador en su relación con el entorno.

Libro reciclado: Partiendo de un libro de edición normalizada, el artista manipula este libro hasta convertirlo en una obra propia.

Libro seriado El libro de artista seriado (con un número de ejemplares que suele ir de cinco a mil ejemplares), está realizado en su mayor parte o en su totalidad por un artista plástico utilizando las más diversas técnicas de reproducción, desde la repetición manual a la serigrafía, la litografía, la linografía, el aguafuerte, la xilografía, el offset, la electrografía, impresoras de ordenador, etc. pero siempre controladas por el propio artista.

Otras posibilidades es la edición del libro por una editorial especializada en libros de artista; para poder denominarlos así, la edición tendría que estar pensada, diseñada, realizadas sus planchas o sus pantallas o sus prototipos por el artista, quedando la editorial encargada de poner los medios para su reproducción exacta, bajo la supervisión del propio artista.

La tirada tendría que estar limitada y los ejemplares deberían estar

firmados y numerados por el artista, lo mismo que una obra gráfica.

La confusión entre el Libro de artista y el libro de Bibliofília se aclararía si el libro de artista se realizara según lo anteriormente dicho, quedando la edición de Bibliofília totalmente a cargo del editor en cuanto a la decisión temática, formato, materiales, etc.

Performance CONSIDERACIONES SOBRE LA PERFORMANCE COMO RECURSO EDUCATIVO

Arte en el que el medio es el propio cuerpo del artista y la obra de arte toma forma de acción llevada a cabo por el artista. El Performance tiene sus orígenes en el Futurismo y en el Dadaísmo, pero deviene un fenómeno mayor en los años 60 y 70, puede ser visto como una rama del Arte conceptual. En Alemania y Austria fue conocido como “Actionism”.

El término “Performance Art” tuvo sus inicios en los años 60 en Estados Unidos. Fue originalmente

utilizado

para

describir

cualquier evento artístico en vivo que incluyera poetas, músicos, cineastas, etc. en adición a las artes visuales.

Es apropiado aclarar que, aunque estamos hablando de los 60, existieron tempranos precedentes del Performance Art. En 1908 el Movimiento Futurista liderado por Marinetti planteaba en su Manifiesto Futurista incorporar todas las disciplinas del mundo intelectual y una de las características del Performance es que incluye poetas, artistas visuales, músicos y actores. Luego los dadaista, en 1916, llevaron a cabo performance en vivo que incluían poesía y artes visuales.

La escuela alemana del Bauhaus, fundada en 1919, incluyó un taller teatral para explorar las relaciones entre espacio, sonido y luces. El Black Mountain College (fundado en Estados Unidos) por instructores del Bauhaus exiliados, continuaron incorporando estudios teatrales con las artes visuales esto, 20 años antes de los 60.

A finales de la década del 50 tuvieron lugar las acciones de Kaprow, Robert Morris realizó performances en 1965, Yves Klein a finales de los 50 y durante los 60, Joseph Beuys y Yoko Ono, fueron artistas asociados a Fluxus, un movimiento muy orientado hacia el arte del performance. Aunque el término no habia sido acuñado, todas estas acciones constituyeron antecedentes del arte de performance.

Ya en 1970, el “Performance Art” era un término global y su definición un poco más específica, significaba que era en vivo y era arte, no teatro. También significaba que era un arte que no podía ser comprado, vendido o intercambiado como comodidad.

Realmente, esta última característica era la de mayor importancia. Los artistas de Performance veían (y ven) el movimiento como un medio para expresar su arte directamente al público.

En adición a los artistas visuales, poetas, músicos y cineastas, el arte del Performance incluyó, en la década del 70, la danza (sin perder de vista que no se trata de teatro). En algunas ocasiones, todas estas expresiones artísticas son incluidas en una pieza de Performance. Otra característica es que, como el Performance es en vivo, no hay dos performances exactamente iguales.

En los 70 se hizo también popular el “Body Art” (una vertiente de Performance Art), que comenzó en los 60. Desde inicios de los 80 y hasta nuestros días, el Performance ha ido crecientemente incorporando medios tecnológicos a las piezas.

El arte del performance es aquel en el que el trabajo lo constituyen las acciones de un individuo o un grupo, en un lugar determinado

y

durante

un

tiempo

concreto. La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier

duración.

Una

acción

es

cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre el performer

y el público. En este sentido se opone a la pintura o la escultura, por ejemplo, en las que un objeto constituye el foco de la obra artística. La performance tiene parentesco con la acción poética, la intermedia, la poesía visual y otras expresiones del arte contemporáneo. Algunos llaman a tales expresiones (idénticas o muy similares a la performance): live art, action art, intervenciones y manoeuvres.

El sniggling es una forma activista y engañosa de performance art en público, que típicamente se desarrolla de modo que los espectadores inicialmente no se dan cuenta que se está ejecutando un performance. En el arte contemporáneo- que siempre busca redefinir sus formas y maneras, se refiere a acción poética cuando se distingue un performance de una acción basada en el sentido poético del arte, la literatura o la cultura.

¿Por qué performance?

Debido a que constituye un accionar individual y grupal, en un lugar determinado y durante un tiempo concreto. La Performance o acción artística puede ocurrir en cualquier lugar, iniciarse en cualquier momento y puede tener cualquier duración, una acción es cualquier situación que involucre cuatro elementos básicos: tiempo, espacio, el cuerpo del artista y una relación entre el performer y el público, en este caso todos

estos

puntos

son

perfectamente

aplicables

en

cualquier

establecimiento educacional para cualquier nivel de enseñanza media, aportando

al

desarrollo

emocional, de la personalidad, convivencia entre el alumnado.

El Arte Performance es una forma de expresión libre y surge como una alternativa más de manifestarse en el Arte y es así como debemos tomar este tipo de arte más contemporáneo llegando a la realidad social, cultural de los alumnos los ayudar a pensar, analizar, conectar idea, ya que es un movimiento antiartístico

Precursores: Chris Burden, nacido en Boston en 1946, estudió artes visuales, física y arquitectura en la Universidad de Pomona (California). Para su tesis presentó la obra Five Day LockerPiece, una performance en la que se encerró durante cinco días en su taquilla, lo que provocó una gran polémica. Su reputación creció en los 70 debido a una serie de controvertidas performances en las que el peligro personal era la idea principal. Su obra más conocida fue “Shoot” en 1971 en la que su ayudante le disparó en su brazo izquierdo a una distancia de 5 metros.

Joseph Beuys, artista alemán que trabajó con varios medios y técnicas como escultura, performance, happening, vídeo e instalación y perteneció al grupo Fluxus. De 1946 a 1951 estudió en la Escuela de Bellas Artes de Düsseldorf, donde más tarde fue profesor de escultura. En 1962 comenzó sus actividades con el movimiento neodadá Fluxus, del que llegó a ser el miembro más significativo y famoso. Su mayor logro fue la socialización que consiguió hacer del arte, acercándolo a todos los tipos de público.

C

Chris Burden, nacido en Boston en 1946,

H

estudió artes visuales, física y arquitectura en

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la Universidad de Pomona (California). Para

I

su tesis presentó la obra Five Day Locker

S

Piece, una performance en la que se encerró durante cinco días en su taquilla, lo que provocó una gran polémica. Su reputación

B

creció en los 70 debido a una serie de

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controvertidas performances en las que el

R

peligro personal era la idea principal. Su

D

obra más conocida fue “Shoot” en 1971 en la

E

que su ayudante le disparó en su brazo

N

izquierdo a una distancia de 5 metros.  Shoot 1971 https://www.youtube.com/watch?v=JE5u3ThYyl4

Obras para ver

 Bed piece https://www.youtube.com/watch?v=KaE2erKBcKM

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Artista alemán que trabajó con varios medios

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y técnicas como escultura, performance,

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happening, vídeo e instalación y perteneció al

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grupo Fluxus. De 1946 a 1951 estudió en la

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Escuela de Bellas Artes de Düsseldorf, donde

H

más tarde fue profesor de escultura. En 1962 comenzó sus actividades con el movimiento

B E U Y S

neodadá Fluxus, del que llegó a ser el miembro más significativo y famoso. Su mayor logro fue la socialización que consiguió hacer del arte, acercándolo a todos los tipos de público.

 How to Explain Pictures to a Dead Hare 1/2

Obras para ver

https://www.youtube.com/watch?v=Mo47lqk_QH0  I like america and america likes me 1974 https://www.youtube.com/watch?v=APyEeixk2e0

Yoko Ono estuvo presente en la década de los sesenta y Y O K O O N O

setenta −cuando todavía era minoritaria la presencia de la mujer en la vanguardia del arte contemporáneo− un papel protagonista y realmente influyente en la gestación

y

desarrollo

de

las

tendencias

más

carismáticas del arte vanguardista de entonces: el arte conceptual y el movimiento Fluxus., en éste, la participación de las mujeres jugó un papel importante.

Se puede afirmar que es la primera vez en la historia en la que la presencia activa de mujeres en el arte es tan amplia, teniendo además en cuenta la envergadura de sus propuestas. Sus trabajos no fueron únicamente

paralelos a los de otros miembros del grupo liderado por el artista lituano George Maciunas, sino que en muchos casos supusieron las bases para el desarrollo posterior del Performance Art tal y como lo entendemos hoy, y desde luego fueron las primicias, en algunos de ellos, de lo que conocemos hoy como arte protofeminista.

“Como en el movimiento Fluxus, mis acciones las impregné de mi concepción del mundo.

Mi obra más conocida es la acción Cut Piece, o pieza para cortar, (1964), realizada por vez primera en Kyoto, Japón, y en el Carnegie Hall de Nueva York un año después. En la obra, yo me sentaba en el escenario, vestida, e invitaba a los espectadores a acercarse y a cortarme la ropa con unas tijeras” (Yoko-Ono). La artista asocia a este trabajo un lema muy importante para ella: “No quieres ser una víctima, aunque intentan convertirte en víctima”.

“A Hole” (2010) es otra de sus obras emblemáticas. Una frágil y, a su vez, violenta pieza, que consiste en una instalación de cristal, en el cual quedó marcado el impacto de una bala. Ono anima al espectador a tomar tanto la posición de agresor como de víctima, dependiendo de qué lado del cristal se encuentra. “Con ella quiero advertir de la violencia que hay en todo el mundo”, dijo la artista conceptual e invitó al público a compartir su experiencia con la violencia. Quienes deseen participar de esta experiencia artística encontrarán en el piso superior de la exposición, una habitación solamente con sonrisas y es que las sonrisas

de

los

visitantes se grabarán en

un

vídeo

que

podrá verse en la muestra

como

contrapartida de la violencia. En adición, la instalación muestra siete abrigos utilizados por

gente

en

el

momento en que les dispararon a quemarropa, así como una pared en la que las sombras de los espectadores se proyectan y se mezclan.  Someone like you by Adele (Yoko Ono cover) https://www.youtube.com/watch?v=ZsgMbxyDmCY  Cut piece 1965 https://www.youtube.com/watch?v=lYJ3dPwa2tI  A Hole 2010 https://www.youtube.com/watch?v=cZrm8EUHbt4

Obras para ver

Actividades El objetivo de las siguientes actividades es ser un modelo o ayuda para las planificaciones del profesor de artes visuales. Estas pueden ser modificadas según la necesidad y/o característica del curso o del contenido a desarrollar; además con la información previamente entregada, se pueden ir mezclando actividades, ya que, como característica principal, destaca su capacidad integradora, dando paso a la construcción del aprendizaje y así generando mentes críticas y reflexivas.

Actividad 1

Un aire contemporáneo en el aula

Objetivo: Incentivar la

Actividad: Video- poema

experiencia estética, fomentar

-Cada alumno debe crear un video que refleje el

una actitud receptiva frente a

momento donde se ha sentido más en contacto con

la naturaleza, despertando los

la naturaleza, ya sea por una experiencia

sentidos y concentrando la

importante o solo por el gusto que tiene por ese

atención en las sensaciones que

lugar, por ejemplo, filmar el mar, la playa, el

percibimos.

oleaje, como la calma invade ese espacio, que para quien hace el video representa su lugar de fuga, de relajación, meditación, etc. Junto con las imágenes en el video el alumno debe recitar un poema que

Recursos: celular, cámara fotográfica, video, pc, programa para editar que posea el alumno.

tenga relación con el lugar o con la experiencia vivida allí.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de video-poema.

2.-Ejemplificar el video-poema, a través de videos, exponer precursores nacionales e internacionales.

3.-Estar presente durante todo el tiempo de desarrollo de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 2

Objetivo: El propósito de este

Actividad:

contenido y actividad es concentrar la

-Los alumnos deben formar duplas, las

atención visual para reconocer y

cuales tendrán que realizar un stop motion,

registrar diversas formas de

que muestre las etapas de un objeto de su

contaminación y destrucción de la

vida cotidiana, es decir, desde que este es

naturaleza. Se trata de agudizar las

útil hasta que se vuelva un elemento

capacidades perceptivas para formar

contaminante para nuestro planeta. Por

conciencia sobre este fenómeno, para

ejemplo, una botella de Coca-Cola: Se

dar cuenta de un modo más lúcido del

toman imágenes desde el momento en que

daño estético, ecológico y moral que

se obtuvo la botella, la utilización de esta

esta situación involucra.

(cuando se bebe el contenido) hasta el momento en que es desechada y se vuelve un contaminante para nuestro ecosistema.

Recursos Cámara, PC, y los elementos que ellos crean necesario para desarrollar su proyecto.

El profesor debe…

1.- Explicar concepto stop motion y la realización de este.

2.- Ejemplificar actividad.

3.-Aconsejar a los alumnos respecto a los materiales a utilizar y sobre todo estar presente durante el proceso de creación artística, propiciando un ambiente crítico y reflexivo en torno al tema y objetivo de la actividad.

Actividad 3

Objetivo: Conocimiento de

Actividad:

diferentes modos de percibir y

-Ejercicio de mecánica grupal.

representar el paisaje a través

-Los alumnos deben escoger una pintura que

de la mirada de grandes

represente un paisaje natural.

pintores, pertenecientes a

-Luego, realizan un performance, sobre la pintura

diversas épocas, estilos y lugares

escogida, haciendo uso de la interpretación, ya sea

geográficos.

visual, transversal, el contexto social, etc.

-Los alumnos exponen en diferentes lugares del establecimiento.

Recursos: Libros, internet, revistas y lo que estimen conveniente para su interpretación.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de performance.

2.-Ejemplificar la práctica del performance, a través de videos sobre sus precursores extranjeros y nacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo ayudando a la construcción del aprendizaje.

Actividad 4

Objetivo: Conocimiento del

Actividad: parejas:

lenguaje del graffiti, su origen y

- Los alumnos tendrán que escoger un tema que

diversas tendencias. Reflexión

refleje su experiencia personal, social o cultural, con

crítica sobre el fenómeno del

la intención de comunicar y crear reacción en los

graffiti considerando sus

demás.

dimensiones sociales, estéticas y

-Las parejas deben crear un graffiti, utilizando

expresivas.

elementos

naturales

o

reciclables

para

su

construcción. Lo importante es que los materiales tengan relación con el trasfondo del mensaje.

Recursos Materiales que tengan relación al mensaje a transmitir.

Ejemplo: Un mensaje en contra de la deforestación, construido con lápices de maderas encontrados, desechados, papeles, usados, cartón, etc.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de graffiti.

2.-Ejemplificar el graffiti a través de videos e imágenes, dando a conocer los precursores nacionales e internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 5

Objetivo: Experimentar con

Actividad individual:

diversos lenguajes técnicos y a

-Crear una línea de tiempo de las diversas

modo de creación artístico

interpretaciones de la figura humana a través de la

visual, evaluar los procesos y

historia del arte.

resultados en cuanto a la

-Las imágenes deben ser construidas con materiales

capacidad de expresión

que tengan relación al contexto tiempo al cual

personal, originalidad,

pertenecen.

perseverancia en la

-Para finalizar, los alumnos realizarán una instalación

investigación, oficio, etc.

de la línea de tiempo en el patio del colegio.

Recursos: pc, internet, materiales a elección.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de instalación y línea de tiempo.

2.-Ejemplificar la instalación a través de videos e imágenes.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 6

Objetivo: Diseño gráfico,

Actividad: grupal:

audiovisual y/o afiche

-Los alumnos deben realizar una video instalación,

publicitario: principios y

donde el tema a atender será la contaminación en los

técnicas básicas. Respeto al

lugares de uso cotidiano, tales como, sala de clases,

medio ambiente y al

casino del colegio, patio, el paradero, etc.

entorno natural.

Por ejemplo: Un grupo de alumnos pedirá permiso a las autoridades correspondientes para poder hacer una Recursos: Video, cámara o celular y desechos.

instalación por un día dentro del casino, con el objetivo de crear conciencia de la cantidad de desechos que dejamos a diario. Los alumnos recolectarán los desechos generados en 3 días, luego deberán hacer una instalación figurativa con los desechos obtenidos durante este tiempo, creando

conciencia ecológica. Grabaran la reacción que tienen los compañeros del establecimiento, y recogiendo opiniones respecto a esto.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de instalación.

2.-Ejemplificar la instalación a través de videos e imágenes, dando a conocer los precursores nacionales e internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 7

Objetivo: Diseñar proyectos

Actividad grupal:

para remodelar espacios de

-Los

recreación juvenil, que

intervención urbana en lugares que frecuenten a

respondan a las necesidades

diario (plaza, paradero, asiento, árbol, etc.)

expresivas, emocionales,

modificándolo físicamente sin que afecte de

preferencias y gustos del

manera negativa el lugar.

alumnos

realizaran

una

instalación

o

alumnado. Seleccionar estos proyectos teniendo presente criterios estéticos y funcionales.

Recursos: Materiales a elección de acuerdo a lo que requiere el proyecto.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto

de

intervención

urbana.

2.-Ejemplificar a través de videos e imágenes.

3.-Estar presente durante todo el

proceso de la actividad,

aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 8

Objetivo: Crear, inventar

Actividad:

libremente y, si es posible,

-Mediante el arte povera deberán construir una

producir objetos con o sin una

escultura

función determinada,

sentimientos y emociones respecto a un suceso que

empleando diversos materiales,

les llame la atención en su realidad cotidiana.

con

desechos,

que

exprese

ideas,

técnicas o procedimientos.

Recursos: Materiales a elección de acuerdo al proyecto del alumno.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de arte povera.

2.-Ejemplificar

el

arte

povera a través de videos e imágenes, dando a conocer los precursores nacionales e internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 9

Objetivo: Trabajar con

Actividad grupal:

imaginación y sensibilidad

-Elegir un tema costumbrista (año nuevo chino, la

expresando sentimientos,

tirana, carnavales, etc.) y diseñar o decorar máscaras

emociones, ideas y actitudes.

de yeso y con estas realizar una performance frente al resto del curso.

Recursos: Internet, pc, mascara de yeso, pinturas, tijeras (para la máscara), para la performance agregar vestimenta complementaria.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de fiesta costumbrista y performance.

2.-Ejemplificarlos a través de videos e imágenes.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 10

Objetivo: Explorar y/o

Actividad individual:

reconocer cómo las ideas y

-Realizar un video tipo cortometraje, intentado retratar

sentimientos pueden

la personalidad de una persona a su elección, donde por

expresarse a través de

simples imágenes y pequeños actos lo represente en su

imágenes, artefactos, etc.

totalidad.

Recursos: Celular o cámara, pc, internet.

Data, etc.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de cortometraje.

2.-Ejemplificar a través de videos e imágenes, dando a conocer los precursores nacionales e internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 11

Objetivos: Apreciar y comparar

Actividad grupal:

objetos correspondientes a

-Los alumnos deben escoger un objeto del colegio o

distintas épocas que cumplen

de su entorno cotidiano, Puede ser una bicicleta,

una función similar.

ropa, mesa, artefacto electrónico, etc.

-Deberán crear el mismo, pero con el diseño de una época anterior, así los espectadores podrán comparar el objeto y ver cómo ha ido

Recursos Internet, libros, materiales a elección.

evolucionando la ergonomía en los diseños cotidianos.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto

de

ergonomía

e

instalación.

2.-Ejemplificar

a

través

de

videos e imágenes.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 12

Objetivo: Conocimiento y

Actividad:

selección de grandes hitos de las

-Los alumnos deberán escoger un artista y una

artes visuales contemporáneas,

obra contemporánea que sea de su agrado, no solo

en particular de las últimas

por lo estético, sino también por sus pensamientos,

décadas, a través de la

opiniones o críticas que estén afines a las de él.

investigación de sus principales

-Luego tendrán que recrear la obra escogida a

precursores. Interpretación

través de un libro de artista, mostrando lo esencial

personal de una obra, estilo o

de la obra, el trasfondo de esta, sin dejar de lado lo

tendencia artística por medio

visual, el color, forma y estilo.

de la elaboración de un

-Finalmente, el libro debe ser instalado en

proyecto.

cualquier parte del establecimiento.

Recursos: Libros, internet, materiales a elección.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de libro de artista.

2.-Ejemplificar a través de videos e imágenes, dando a conocer los precursores

nacionales

e

internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 13

Objetivo: Recrear imágenes

Actividad:

con la finalidad de expresar

-El curso deberá ponerse de acuerdo y escoger una

ideas, sentimientos o

idea o crítica social.

emociones.

-Deberán hacer una instalación con elementos reciclados en el patio del colegio, plasmar una imagen

en relación al tema que escogieron. Deberán repartirse deberes, tareas, y juntar desechos en conjunto.

Recursos: Elementos reciclables.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de instalación y trabajo en grupo.

2.-Ejemplificar a través de videos e imágenes.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 14

Objetivo: Comprender las

Actividad: Grupal

características generales del

-Los alumnos deben hacer un cortometraje o

arte cinematográfico,

documental. Con el fin de comunicar o transmitir

reconociéndolo como un

una idea, pensamiento o crítica social, luego será

lenguaje que permite vincularse

expuesto a los demás compañeros y comentado en

con el mundo de una manera

clases.

especial y que se constituye en un elemento cultural fundamental de nuestro tiempo.

Recursos: Celular o cámara, PC, vestimenta.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de documental y cortometraje 2.-Ejemplificar a través de videos e imágenes, dando a conocer los precursores nacionales e internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 15

Objetivo: Explorar distintos

Actividad: individual

medios y técnicas para

-Realizar un autorretrato mediante el arte povera,

expresarse artísticamente en

buscando representarse a sí mismo en forma de

tres dimensiones.

escultura con materiales reciclados que representen el carácter o personalidad del alumno, de un tamaño mínimo de 50 cm de altura, con los materiales que el alumno requiera.

Recursos: personales del alumno (barro, paja, madera, cartón, tapas, cajas, tarros, etc.)

Por ejemplo, un alumno que le gusta el futbol puede agregar pelotas.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el

concepto

autorretrato

y

de arte

povera.

2.-Ejemplificar a través de videos e imágenes, dando a conocer los precursores nacionales e internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 16

Objetivo: Facilitar la libre

Actividad: Individual

expresión de los sentimientos y

-Cada alumno deberá elegir algún momento

emociones experimentados en

especial o importante en su vida que esté

relación con algún(os) elemento(s)

relacionado con la naturaleza o solo ciertos

natural(es), como por ejemplo los

elementos de ella, a partir de esto deberán hacer

árboles, las flores, las piedras, el

una performance que represente este momento,

agua, la tierra, etc., a través de un

a través de la interpretación personal.

proyecto personal utilizando diversos medios.

Recursos: música, imágenes, vestuario, maquillaje, color materiales etc.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de performance.

2.-Ejemplificar a través de videos e imágenes, dando a conocer los precursores nacionales e internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 17

Objetivo: el objetivo de esta

Actividad: grupal

actividad es que los alumnos

-Los

a través de la instalación,

entornos naturales que conozcan y trasladarlo de

trasladen su entorno natural o

manera artística dentro del establecimiento.

cotidiano al establecimiento

-Los alumnos tendrán que hacer un boceto del lugar

educacional.

que escogieron

alumnos

deben

escoger

uno

de

los

-Deben elegir los materiales que utilizarán, de manera libre según la necesidad que requieran por el lugar que escogieron, pueden ser reciclables, Recursos: Papel, lápices, materiales a elección.

naturales, comprados etc.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de entorno natural y sus elementos.

2.-Ejemplificara

través

de

videos e imágenes.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 18

Objetivo: Seleccionar obras

Actividad en pareja:

relevantes del patrimonio

-Recorrer el entorno cotidiano y tomar fotografías de

arquitectónico local y/o

obras arquitectónicas que consideren importantes o

regional de acuerdo a las

significativas (museos, plazas, hospitales, edificios, calles,

preferencias individuales

casas particulares, etc.) para realizar un stop motion.

y/o grupales.

Recursos: cámara o celular, programa para editar y hacer videos, pc, y data.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de stop motion.

2.-Ejemplificar a través de videos e imágenes, dando a conocer

los

nacionales

precursores e

internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 19

Objetivo: Expresar ideas y

Actividad grupal:

sentimientos sobre el cuerpo

-Realizar una performance donde se exprese sus

femenino y masculino. Trabajar

ideas o sentimientos sobre el cuerpo femenino y

de un modo personal

masculino.

demostrando originalidad y

-Puede expresar los cambios físicos, psicológicos y

sensibilidad.

comportamientos

Recursos: música, celular, reproductor, y vestimenta, de acuerdo a las necesidades de los alumnos.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de performance.

2.-Ejemplificar a través de videos e imágenes,

dando

a

conocer

los

precursores nacionales e internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 20

Objetivo: Este contenido se

Actividad: grupal

centra en la observación y

- Los alumnos deben elegir una de las estaciones

comprensión de la materialidad

del año (invierno, primavera, verano u otoño),

del entorno natural, explorando

para así hacer una instalación dentro de la sala de

cualidades tales como: forma,

clases o en los pasillos del colegio, que represente la

estructura, tamaño, textura,

estación escogida, esto se debe transmitir a través

temperatura, peso y otras.

de las texturas que hay en ellas, colores, materiales naturales, percepción emocional que las personas sienten o demuestras durante la estación escogida,

Recursos: Materiales a elección.

por ejemplo, primavera amor, verano felicidad, etc.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de instalación.

2.-Ejemplificar las estaciones

del

año y su percepción a través

de

videos e imágenes, dando a conocer

los

precursores

nacionales e internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 21

Objetivo: Enseñar a ver,

Actividad:

disfrutar y reconocer los colores,

individual.

desarrollando hábitos de observación y privilegiando el valor de la experiencia por sobre los resultados técnicos.

Estos contenidos y actividades deben estimular la capacidad de asombro a partir de la experiencia cotidiana.

arte

povera

trabajo

-Los alumnos deben observar su entorno, la naturaleza, colores, formas, que comiencen a observar y entender lo que los rodea.

-Todo el curso junto con el profesor deben conversar lo que observaron, que les llamo la atención, el profesor debe estimular la observación, el análisis, expresión, etc.

-Luego de saber qué es lo que más les llamo la atención los alumnos deben hacer un colgante que exprese los colores observados en su entorno los cuales

Recursos: Materiales de desecho

llamaron más su atención. Los materiales los deben escoger según lo que quieran realizar, pero siempre recordand

o que deben utilizar materiales naturales, reutilizar elementos en su estado bruto, reutilizar y reciclar.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos a lo que se refiere entorno natural, colgante y arte povera 2.-Ejemplificar a través de videos e imágenes.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 22

Objetivo: Desarrollar hábitos de

Actividad: grupal

observación y el sentido táctil hacia las

-Los alumnos deben hacer instalaciones en

formas y los materiales que hacen

el colegio donde todo el cuerpo estudiantil

posible el lenguaje escultórico; y, por

del establecimiento pueda interactuar con

otra, estimular la capacidad de

este, estimulando el tacto, la percepción

expresarse a través del volumen, a

visual, volúmenes y la apreciación de estos

partir de la experimentación y

elementos a través de la escultura y

búsqueda de soluciones plásticas que

materiales que contribuyan a este ejercicio.

surgen de la perseverancia en el trabajo, una actitud imaginativa, expresiva, y del desarrollo de habilidades e intereses personales.

Recursos: Materiales a elección

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de instalación.

2.-Ejemplificar a través de videos e imágenes, dando a conocer

los

precursores

nacionales e internacionales.

3.-Estar todo

el

presente proceso

durante de

la

actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 23

Objetivo: valorar la escultura como uno de

Actividad:

individual-

arte

los medios más importantes de expresión

povera

de las artes visuales. Con este fin se

-Observar diseños y tallados artesanales:

propone conocer distintas modalidades del

madera, piedra, metal, de las esculturas

lenguaje escultórico, de acuerdo a diversos

en la ciudad, ver la artesanía local.

materiales y técnicas. En este sentido, se

-Luego según lo observado o lo que más

recomienda motivar al alumnado para

le gusto, deben diseñar una escultura

que explore diferentes tipos de esculturas,

que represente la artesanía local con los

intentando reconocer las características

materiales que ellos estimen conveniente

más significativas de cada obra en relación

para realizar su proyecto.

con sus aspectos formales y expresivos.

Recursos: Cuaderno y materiales a elección de desechos.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de artesanías los tipos que hay y el arte povera.

2.-Ejemplificar a través de videos e imágenes, 3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 24

Objetivo: Imaginar e

Actividad grupal:

identificarse con diferentes

-Los alumnos deberán escoger épocas de la historia

atmósferas (estéticas, históricas,

del arte (renacimiento, pop art, arte dada etc.)

sociales) a partir de la

con el fin de hacer una instalación de un elemento

recreación de obras pictóricas y

o grupo de objetos que traigan esa estética a la

fotográficas.

época actual. En algún lugar del establecimiento.

Recursos: Pc, internet, y materiales que el grupo requiera.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos el concepto de todas las épocas de la historia del arte 2.-Ejemplificar a través de videos e imágenes, dando a conocer los precursores

nacionales

e

internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso de la actividad, aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.

Actividad 25

Objetivos: Diseñar con diversos

Actividad individual:

medios, materiales y técnicas

Realizar un libro de artista con diversos materiales

para responder a las

o técnicas, representando el cuerpo de diversas

necesidades del cuerpo.

maneras según sea su elección del diario de artista que quieran realizar.

Recursos: Libro o guía de teléfono vieja, tijeras pegamento, pinturas, etc.

El profesor debe…

1.- Explicar a los alumnos ellos diversos tipos de libros de artista s.

2.-Ejemplificar a través de videos e imágenes, dando a conocer los precursores

nacionales

e

internacionales.

3.-Estar presente durante todo el proceso

de

la

actividad,

aportando ideas, y propiciando un ambiente crítico y reflexivo, dando paso a la construcción del aprendizaje.