13- 14 Diciembre 2017
CLIC 2017 1. La génesis Esta muestra se enmarca en el contexto de término del taller de expresión gráfica, es un trabajo final que exige a los participantes poner en juego las habilidades y conocimientos plásticos que han adquirido en la praxis de taller, generando cruces entre dibujo, fotografía, video y pintura de técnicas húmedas. Los
proyectos
están
relacionados
con
collages
tridimensionales,
intervenciones espaciales, montajes visuales y animaciones pobres, al servicio de la búsqueda de una obra gráfica experimental para ser instalada en la PERRERA ARTE, mediante las cuales se pretende su transformación. El espacio se presenta como una "tela en blanco", donde cada alumno plasma "su realidad plástica", la cual, al desplegarse, lograría la concreción de lo artístico. Deleuze plantea que "…es un error creer que el pintor está ante una superficie blanca ", esta en realidad no existe, está por entero cubierta virtualmente por todo tipo de clichés que delatan las incertidumbres que tendrán que resolver los alumnos para convocar su presencia. Es la primera pincelada, es como un acto encubierto que detona el daño atómico, donde surge el asombro. Siempre el primer contacto que tenemos con el material a transformar habla y define nuestra experiencia estética, de la cual emerge la concreción de la idea plástica en el espacio donde acontece la relación entre el contenedor y el contenido. 2 Lo metodológico Pero para que este tipo de experiencias pedagógicas del arte ocurran realmente, desde la primera aproximación al tema-idea, como metodología de taller los alumnos deben anotar, en bitácora, sus procesos e imaginarios desde un relato gráfico como una manera de hacer visible lo invisible que acontece en el proceso de la creación de todo objeto visual. Todo lo que se coodifica son datos que dan sentido al aspecto que el objeto estético ofrece ante nuestros ojos, es decir, a través de lo cual genera una conexión, instancia que permite observar de manera visual y simbólica el modo de pensar la obra, observando los procesos desde la metacoginición de lo experencial. Una serie de pasos de un proceso de observación que debe ser continuo y sin pausa. Pero no
siempre se puede exigir a todos por igual una claridad en el desarrollo de las diferentes propuestas, por lo tanto, este registro requiere de una autonomía de producción de los resultantes plásticos visuales que nos aproximan a cada obra. Al concebir de esta manera la producción de la obra, nos acerca a una primera comprensión, por otro lado nos hace conscientes que no existen verdades absolutas en los procesos del arte, ni siquiera un concepto preciso de algo al imaginar mundos. ¿A caso tenemos diseminación de imaginarios? Dejaremos que estas respuestas acontezcan en nuestro hacer obra. 3 El devenir Es lo que va estructurando la real dimensión de lo experiencial; de quien recorre el camino empedrado que separa la promesa (la idea) de la realidad del objeto plástico (la obra), en ese momento, una parte de nuestro cerebro recordará la promesa y verá el enorme abismo entre ese devenir y lo que se experimentará en el accionar artístico que implica importantes desafíos para una práctica emergente. Esto necesita que la producción del objeto sea libre de seguir sus propias lógicas, pues el devenir no es algo que se pueda administrar. Sin embargo es inevitable, de igual manera, pedirles información razonada que permita evaluar los procesos y las diferentes etapas en el desarrollo de la obra dentro de un marco acorde con los objetivos de un termino de taller. Quizás el dilucidarlo se juega en una relación que oscilará entre un cliché y la figuración recreada. Esta nunca se asemejará a la figuración de inicio. 4 Del proceso Las piezas instaladas en los muros, en celdas de cristal que encapsulan las imágenes en el espacio de la PERRERA, proponen un recorrido, a través de la disposición espacial de las diferentes latencias simbólicas, dispuestas para crear espacios personales y realidades visuales asociativas. Es decir, espacios que fomentan el aprendizaje colaborativo y la interacción entre participantes, obras y espectador, para reflexionar, debatir, aprender, producir y proyectar la idea plástica en el espacio, apoyándose entre ellos(as), y enriquecerse de esta socialización para lograr una relación/asociativa entre los participantes y sus
propuestas. En este punto se logra la posibilidad de que los expositores enfrenten el examen de la (su)realidad que les reclama proyectar una producción de obra como la forma de acercarse al problema visual a través de una vía de escape para los imaginarios y las formas desafiantes que habitan sus incertidumbres. Formados en diversos trayectos de aprendizajes disciplinarios, los alumnos aquí presentes se expresan tanto en las formas tradicionales como en los diversos lenguajes de la escena contemporánea de lo visual. En ciertos proyectos perdura una apelación a posturas clásicas que mantienen la vigencia de la acuarela, el dibujo y el grabado, que se verifica en la herencia técnica que aparece como fundamento artesanal de la imagen. Así, fotografía, escultura, obras de sitio, instalaciones, intervenciones digitales, pintura bidimensional, bajo la forma de relatos visuales provocativos o evocativos, otros como metáforas del desencanto, indagan desde lo propio a lo general, desde lo social a lo político, apelando a la cita o al registro documental, que se hacen visibles desde un abordaje estético como condición de posibilidad para organizar nuevos modos de entender el espacio, la tradición, los imaginarios o la identidad, entre otras posibilidades. Las operaciones visuales tratan de imaginarios diversos que atraviesan de unos medios a otros, con la idea de la transgresión en los límites del dibujo, grabado, pintura, fotografía, video y la instalación. Se puede decir que el atravesamiento de un sitio a otro sitio (de Valparaíso a la Perrera) puede utilizar la metáfora de tablero apagado para referir a la obra que se reactiva cada vez que enfrenta su despliegue al observador para que la convierta en obra iluminada con su accionar. Charles Baudelaire escribe en El pintor de la vida moderna "…el observador es un príncipe que disfruta en todas partes de su incógnito…”, y por lo tanto, efímero, como artefacto temporal comienza pero también termina . 5 Lo relacional Las relaciones de conflicto que se dan en el talleres de arte entre alumnos y profesor son de negociación entre habilidades,
experiencias y
voluntades
para la organización de los pequeños detalles que pueden lograr una gran diferencia en el resultado de las operaciones que hacen posible la concreción
del objeto estético, a partir de una idea debe responder a las diversas actividades que se van a desarrollar en la diversidad de los alumnos y a las funciones que queremos que se desarrollen en cada paso del proceso de la obra . La disposición del profesor es distinta si se va a trabajar por proyectos, porque el éxito no se consigue en velocidad, sino en resistencia que está presionada por factores externos a los espacios de producción de conocimiento e iniciativas autónomas. En muchos casos se convierte en una práctica difícil de llevar a cabo debido a los pocos medios con que cuentan las instituciones académicas públicas para apoyar propuestas realizadas por los jóvenes creadores que se forman en sus talleres, así como la precariedad económica que vive el estudiante universitario lleva en muchos casos a trasladar la creación a un tiempo residual de su vida . 6 Lo efímero - CLIC CLIC esta pensada como una estrategia temporal y que asocia voluntades y diversos imaginarios, que son puestos en juego para establecer una experiencia artística de carácter exploratorio, emergente y vivencial, que se concibe no como definitivo, sino circunstancial y que nos hace conscientes de que no tenemos verdades absolutas al aproximarnos a la producción y montaje asociativo de obras visuales, hasta el momento que hacen clic en el espacio de exposición. Se puede decir que cuando las obras se trasladan de un sitio a otro sitio (de Valparaíso a la Perrera) , no es la obra la que se traslada sino un tablero apagado que se activa cada vez que se presenta al público y este lo convierte en obra en la acción visual del espectador, donde la experiencia que acontece a través de la exploración del collage, el assemblage y la edición en el montaje de las obras en el espacio de la perrera es el único conocimiento legítimo. El proyecto CLIC en buena medida no es otra cosa que el reto de abordar los conflictos personales desde otra mirada, imágenes intervenidas, elaboradas y realizadas a partir de trabajos gráficos, pictóricos, digitales, fotográficos y otros creados mediante polípticos que forman una sola obra. Todo está relacionado y de una pieza surgen las otras en sus diversas formas. La mirada múltiple de sus realidades.
CLIC también es un viaje-rito de iniciación, donde los participantes puedan razonar sobre sus producciones, voluntades e incertidumbres, quizá el efecto más valioso de lidiar con la incertidumbre en el trabajo artístico, es la capacidad de vivir en el momento para lograr encontrar el verdadero sentido en la organización de las operaciones involucradas para la concreción de la idea plástica. El viaje se presenta en perspectiva asociativa y de las relaciones que suceden al interior de lo cotidiano del taller, de alguna manera estas relaciones influyen necesariamente en las decisiones que cada participante toma para el desarrollo de su propuesta visual. . 7 La Perrera Desde hace 22 años este centro de arte experimental que fundó el artista visual Antonio Becerro, promueve el cultivo del arte, en especial aquellas expresiones que no tienen cabida en el circuito comercial u oficial. Este espacio alternativo y libre para manifestar un pensamiento critico es un hito en el desarrollo del arte experimental en Chile; entonces nosotros respondemos a esa inquietud constante por innovar, profundizar y transmitir en la frecuencia del arte contemporáneo, que es la motivación más importantes de Clic: es tratar de conectar al joven artista con los procesos reflexivos del arte, porque hemos visto que esa relación con el arte se ha perdido. Mario Ibarra (Pate)
MATÍAS CABEZA ELÍAS GONZÁLEZ MATÍAS ARENAS NATALIE ROZAS TAMARA MORALES NAOMI GALDÁMEZ MARÍA ORTIZ DANIA MARCHANT MARCOS VÁSQUEZ KARELIA RIVERA ALEXIS MONTANO FRANCO MUÑOZ MARÍA FERNANDA MUÑOZ VIVIANA ESCOBAR VICTORIA TOLEDO BRUCE ABARCA CAROLINA MEZA CATALINA PAREJA CATALINA ILLANES MARIA CASTILLO ANGELA BELMAR WALDO IBACETA SILVANA GONZALEZ
MALAS
NAOMI GALDAMES
¿Se puede establecer que género alcanza el mayor índice de maldad? Si bien es cierto los hombres tienen menos capacidad de inhibir un impulso de atacar y de concretarlo en un acto de agresión, no por nada el 93% de asesinatos son realizados por hombres y sólo en el 7% de los casos la responsable es mujer. “Malas” es una obra que presenta 6 retratos de mujeres condenadas a la pena de muerte por homicidio. Pareciera que la única forma en que queda al descubierto la trastornada personalidad de estas mujeres es mediante la mirada fija que revela el escalofriante semblante de un ser que en algún punto de su vida vivió una interrupción traumática que hizo florecer una psicopatía latente, dicho esto, se crea una perfecta analogía con la estética de grano y ruido que domina la imagen. ¿”Malas” empoderamiento explosivo como acto de justicia,
o
femenina?
monstruosos
criminales
con
tenida
LA ALQUIMIA DE LOS ESPACIOS ULTERIORES – SAYAE
(María Ortiz) Espacios ulteriores, es un viaje. Un ir más allá de lo aparente. Traspasar la barrera de la bidimensionalidad en el mismo plano, generando distintos planos, sensaciones de profundidad y de integración de diversos elementos jugando con la composición a partir del collage, el cómo recortes de trozos de memorias olvidadas, pueden transmutarse en una obra gráfica narrativa, y a través de la abstracción tonal y juego de texturas se puede atravesar y develar un primer trabajo otorgándole una tridimensionalidad virtual descubriendo otros mundos insertos en un primer mundo. Así en esta obra como en gran parte de mi trabajo, me mueve lo narrativo y la generación de estos mundos, me mueve esta especie de alquimia de la creación en una obra, por ello he seleccionado ciertos pasajes de “El Kybalion” de Hermes Trimegisto, como una especie de precepto en mi producción de obra. Ergo quisiera citar el Segundo Principio de la Tabla Esmeralda que dice “Como es arriba es abajo; como es abajo es arriba”. En el cual una forma de explicar su importancia corresponde apropiadamente a este trabajo: “Hay muchos planos que desconocemos, pero cuando aplicamos esta ley de correspondencia a ellos, mucho de lo que de otra manera sería incomprensible se hace claro a nuestra consciencia.” Mi mayor deseo es que tú, como espectador puedas soñar con lo que hay más allá de los límites del cuadro, con los espacios ulteriores.
Tampoco dama.
El trabajo consiste en un autorretrato realizado en grafito como un dibujo realista, observado desde una copia de una fotografía sacada por casualidad. La idea de la réplica es engañar al espectador , donde el dibujo parece una fotografía. Luego lo siguiente es distorsionar la imagen, un desorden, un enredo. Destrozando el dibujo, moviendo sus partes, para que la imagen sea más dispersa, característica en parte de mi personalidad. ¿Si uno copia una foto para poder dibujarla, es un artista de verdad? ¿Una pintura o dibujo a partir de una fotografía es un plagio?. Algunos comentarios sobre el tema que se investigó por internet manifiestan que todos los iniciados en el arte, reciben como primer ejercicio, cuando se quiere comenzar a aprender el realismo,
el copiar las obras de grandes maestros, para
desarrollarse observando sus técnicas y así poder aprovecharlo como artista en futuras creaciones. Dentro del libro de Gombrich ( Historia del arte) en su introducción, se destaca lo bello y lo feo de una obra, en la cual Gombrich dice que a mucha gente le gusta ver en los cuadros lo que también le gustaría ver en la realidad. La gente preferiría lo bonito y una buena expresión de un personaje en un cuadro. Por otra parte, dentro de este trabajo prima la pose, que me recuerda la misma postura que aparece en el personaje retratado en "la joven de la perla" de Veermer, solo que la pose está contraria, mirada seductora y labios entreabiertos. La joven al ser sirvienta no podía usar las joyas de su patrona. Se vería falsa en la obra. En esta cita que realizo, se da la posibilidad de que las joyas si sean de la mujer representada, y se presentan como una vitrina actual para que parezca casual, y no sea un cuadro común de retrato. Las telas satinadas eran propias de la clase alta. Los sirvientes no usaban esos colores. Vermer los puso de esa forma para situar a la sirvienta dentro un genero "especial" donde esta no fuera sirvienta, pero tampoco dama.
Líneas Y Simetrías. MATIAS ARENAS La construcción de esta obra se origina con la abstracción de un elemento cotidiano nutriéndose de sus características más propias tales como los planos, Su intención es traer a nuestra imaginación la idea de un cuerpo de gran carga, firme y seguro en el espacio
revalorizando
aquello
que
perdura
marcando su permanencia en relación al tiempo que se está viviendo, como concepto opuesto a una sociedad de consumo en la cual las relaciones humanas son desechables y pasajeras. El problema no es la tecnología, sino los usos que se les puede dar. Técnicamente procedo a formar un volumen cuya estructura es de hierro soldado de un metro de altura aproximadamente sugiriendo planos mediante la ubicación próxima de varas metálicas, repitiendo constantemente un motivo. El color también juega un rol importante provocando un movimiento virtual a través de intervalos.
MARCOS VASQUEZ Hijos de una sociedad silenciada-callada, donde el experimento neoliberal se implantó manoseado y decidido por representantes obsesivos del poder, el dinero y el bienestar propio. Nace este díptico compuesto por un grabado y una video-animación trabajada en secuencia de frames pintados en acuarela y tiralíneas proponiendo una mirada repulsiva en cuanto a estos dueños de todo. Presentado en un televisor, conceptualizando la idea de los medios masivos de comunicación como grandes controladores de la (des)información y la bolsa de basura como un elemento de desecho, descomposición proceso al cual
y
desintegración,
aludiendo
al
este sistema capitalista debiese
pasar, rechazando la falta de criterio y de empatía de este sistema al momento de decidir quién estudia y quien no, quien tiene o no salud digna, cuantos lagos, bosques, reservas se destruirían para el beneficio empresarial.
g
KARELIA RIVERA El mundo globalizado en el que vivimos actualmente, se caracteriza principalmente por el consumismo, la alienación a la que está sujeto el individuo en la sociedad y a las innovaciones por parte de
las
tecnologías. Como consecuencia de esto los medios nos invitan a permanecer siempre conectados y distraídos en donde se remplazan las relaciones interpersonales provoca
por
vínculos
deshumanización
virtuales,
determinada
lo por
que la
indiferencia, la falta de sensibilidad y la absoluta soledad representada como un gran problema de comunicación. ’La impostora´’, es una animación realizada con tinta china
que
nos
relata
una
deshumanización
alegórica a través de la metamorfosis física que vive una mujer al convertirse en un ser malvado y demoniaco; En donde experimenta una violenta desconexión con su verdadero yo. Esta impostora representa la alteración de la realidad, el miedo a la locura y la pérdida del control emocional.
MATIAS CABEZA
¿Cómo escribir sobre el vacío del ser? ¿Cómo describir sobre la paz forzada de la mente, del corazón? No nací hasta sentir, entonces al no sentir ¿morí? Nací muerto y la sucesión de emociones me dan sentido de existencia. ¿Dejo de ser si la Alexitimia me secuestra? Ella es la ausencia del sentir, la calma impostada del ser, del latir, del estar. Un lienzo, blanco, bombas de color. Descúbranme en la acción de disparar la emoción que está detrás de la calma forzada, para despertar no con ansiedad y angustia si no en un grito de creación espontánea, en un acto aleatorio de vida. Vean lo que es la parte del silencio en el autismo, no desde la autoridad, si no desde el ser, del sentir, del no sentir.
NATALIE ROZAS "La Huella"
Dicen que los ojos son las puertas del alma… Pero cuando los sentidos se nublan y los ignoramos a propósito, recurrimos al pasado, a nuestras experiencias vividas, aquello que marcó y quedó allí eso que nadie puede sacar, eso que te hace pensar en la noche, así nace “La Huella” Obra donde el fracaso y la angustia estuvieron trabajando en conjunto paulatinamente durante todo este proceso, pero finalmente luego de una serie de eventos imprevistos los cuales ayudaron al desarrollo de la obra, surge la huella, más pregnante que nunca, lista y dispuesta para quedar en la retina de todos. Se realiza un díptico a base de collage Con partituras recicladas y una cara fraccionada por una trama rectangular, dispuestas en el espacio para crear así una ilusión óptica al alejarse.
VICTORIA TOLEDO Cambia. Acariciado por la brisa del estímulo Un punto de vista Unos puntos de vista(s) La percepción. Externo Protagonista
Las opiniones. -
Interno Espectador
No cabe (in)validez ni certeza Entre las fauces de la subjetividad. Cuando necesito válvula de escape Cuando no hay pensamiento Cuando quiero sin querer
“PUNTOS DE VISTA” Proyecciones de animación pobre , y la técnica mapping dispuestos en distintas posiciones que juegan con la perspectiva y los puntos de vista, En cuyas caras hay una descomposición de mi rostro, en fragmentos monocromos, coloridos e intervenidos.
ELIAS GONZALEZ A partir de un texto desarrollado por el psicoanalista Jacques Martel, "Le grand dictionnaire des malaises et des maladies", donde el autor realiza un análisis metafísico y emocional de las enfermedades humanas, se establece una relación somatizada de las dolencias emocionales con la aparición de enfermedades médicas. Surge la idea de generar imágenes que grafiquen estas dolencias humanas relacionándolas con esas emociones y acontecimientos que guardamos y según el libro de Martel, aparecen y se propagan de forma sintomática. La obra propone ser una serie de grabados de xilografía donde cada uno será nombrado como una enfermedad y graficarán lo que en el libro está expresado. La idea de hacer xilografía es usar la productividad de esta técnica y hacer la analogía de las enfermedades que se propagan y se expanden en nuestros cuerpos.
CATALINA PAREJA …Y cuando no supe que más hacer, tejí mis heridas y mis miedos en una trenza larga de colores y sabores. Collage autobiográfico desarrollado dentro de las técnicas de acuarela, acrílico, óleo e impresiones de grabado tales como xilografía y punta seca
DANIA MARCHANT
Cada vez que nos referimos a nuestro futuro, recurrimos a parámetros impuestos por este sistema hecho para convertirnos en personas egoístas e individualistas, teniendo como metas por cumplir: el estudiar, trabajar, viajar y tener un bienestar económico. Dentro del promedio no suele mencionarse la familia, ya sea padres, abuelos o personas encargadas de nuestra crianza, como si fuéramos entes totalmente desligados de nuestro pasado o independientes al extremo. Es así como van quedando vestigios de nuestros antepasados alrededor de todos nosotros, en casas olvidadas, hogares o en la calle, no queremos mirarlos, imaginamos que no están, estorban dentro de este sistema que tiene como lema la eficacia y modernidad. En esta propuesta visual, pretendo darle un espacio a los olvidados, personas que van quedando entre las sombras, que comienzan su metamorfosis corporal camino a su extinción. Personas de tercera edad, que no tienen cabida ya en la actualidad. CATA
Jaque. ALEXIS MONTANO "Deja que el peón se coma al rey y ocupe su sillón". -Matiah Chinaski. Este proyecto de obra está fundado en una primera instancia, en el apropiamiento del tablero de ajedrez y de sus fichas como objeto de contemplación y representación debido a la gran admiración que me produce el juego en sí; y en segundo, obtiene su sentido gracias a la lectura e interpretación personal que le di a la primera entrada (de las doce) que forma parte de la tesis sobre el concepto de historia de Walter Benjamín, dónde se relata la historia del ajedrecista autómata de Maelzel. Usando de ejemplo la alegoría que hace Benjamín entre el autómata y la filosofía, donde toma cuerpo la obra para representar esta lucha de clases sobre el tablero, atravesando así distintas disciplinas de las artes y sus distintas materialidades.
FRANCO MUÑOZ … Aquella mañana desperté en una pasividad asfixiante, la realidad pálida no ofrecía más que otro desabrido día de invierno, y así fue, pasaron siglos hasta el final de la jornada. En resumidas cuentas, un día más de: comer, trabajar y dormir; ¿acaso, tres horas de recreación diaria se puede llamar descanso? Me van a tener que disculpar, pero esto no es sino otra forma de esclavitud moderna. Fue la noche más larga del año, y es que no pude dormir, en ese momento supe que ya no podría seguir con esto… La obra “Despertar” expone un relato audiovisual metafórico, en el cual la tinta representa, por medio del trazo y la salpicadura, un impulso indómito de libertad ante la materialidad del soporte que la apresa. La obra se materializa utilizando tinta china como medio de expresión gráfica sobre papel de acuarela y se constituye de treinta fragmentos que modulan una proyección audiovisual sobre el lienzo que lo contiene.
BRUCE ‘
ABARCA
BRUCE ABARCA
Luego de un Ultimo parpadeo solo queda el vacío dando vueltas por el cuarto, mientras lo que queda de mi se aferra tímidamente al silencio, el frío cristal de la ventana refleja un retrato agónico aquel esquivo recorte en la pared ofrece un sin fin de posibilidades intermitentes y difusas luz y sombra coinciden en la nada, en el fondo la oscuridad se expande, me percato, la confusión se apodera del todo mis párpados caen la realidad se desvanece...
CATALINA ILLANES Un cuerpo para el mercado es un sí mbolo de producción, un molde rebalsado de ideas masivas sobre una belleza que debe seguir un único modelo. La diversidad aquí no existe. Esta adormecida por esta empresa que nos obliga, que nos enferma para luego
asfixiarnos
en
celdas
de
inseguridad,
forzándonos a asumir una cegada imagen del cuerpo. Dejamos de existir. Y a la vez nos mimetizamos
con
la
norma
para
aparentar.
Olvidamos su estado natural. Añadimos y quitamos, ajustando nuestra imagen al referente vigente. Nos convertimos en seres que privilegiamos la superficie como una materia esencial para disfrazarnos frente al mundo. El proyecto intenta mostrar la diversidad que existe entre los cuerpos en su estado de desnudes, con esto se des-enmarca del canon de belleza actual en nuestra cultura, e incita a poder romper nuestra perspectiva sobre lo que se ve y lo que se oculta.
María Castillo. Se presentan figuras volumétricas, guiadas por la línea curva apelando un poco al biomorfismo pero texturizado con plástico de colores, específicamente juguetes intervenidos desde el calor. Logrando una de masa de juguetes potencialmente constrictora. Los juguetes representan uno de los atisbos más básicos de insatisfacción o ansiedad generada en los niños x el sistema de consumo, atacándonos así en nuestra existencia más inocente donde estamos absolutamente indefensos. Soy de la generación del internet , de los metadatos, de la velocidad y los colores radioactivos sin embargo no soy millenial , nací justo en el límite, no así mi hijo al que he visto crecer rodeado de esta modernidad violenta y titánica. La idea surge por ver como mi hijo en tres años de vida ha chocado de cabeza con el tema de la obsolescencia programada, acumulando y desechando una cantidad perturbadora de plástico, evidenciado al mismo tiempo mi propia relación con este material que pareciera ser el registro más firme de nuestra época por su condición prácticamente imperecedera y cotidiana.
"Refracción"
VIVIANA ESCOBAR
Oscura atmósfera del reflejo ¿Qué es lo que realmente vemos? Nuestra imagen en vidrios
fragmentados,
la
apariencia
distorsionada, ¡Somos lo que odiamos! Consumidos en el sistema, perdidos en la monotonía,
descerebrados
tecnología.
Sociedad
por
la
destruida,
superstición de espejos rotos. Tejidos entrelazados, analogía de la existencia. Textil como expresión material del ser. Radiación de luz para ampliar la mirada, despojar
lo
visible
y
apreciar
la
autenticidad. Ver lo que no vemos, mostrar la otra cara ¿O la real?
MARIA FERNANDA MUÑOZ Nace la obra desde una imprevista mañana de domingo, dando una vuelta por la feria de achupallas. El encuentro de un calendario impreso para los meses del pasado 1998, desde la icónica ciudad de Jerusalén. Desde este hermoso cachureo comienza la creación de un desafío Técnico: El Collage, Componer la imagen desde una variedad de formas, colores y texturas copiladas en papel cuché. Este fue el primer proceso de obra que luego evoluciona con el traspaso del collage a técnica Húmeda: Acuarela. La inundación del lugar habla sobre lo que abunda en lo geográfico y un proceso de reconocer el movimiento gentil de lo inquieto, lo que nos entra desde la orilla y alimenta la lluvia. La fuente de fertilidad, es un traslado del mar, desde el horizonte hasta la montaña. Como asunción del afloramiento en la tierra, un periodo de conciencia ambiental.
CAROLINA MEZA "Mi cuerpo se propone defenderse de un ataque invisible, me avisa que algo me atacará. En verdad soy yo misma tratando de hallarme dentro de mi cabeza, me sudan las manos, me cruje la guata y el espacio se hace muy pequeño, falta el aire. Pienso tan rápido que no sé que sentir o siento tan rápido que no sé que pensar?". Las crisis de pánico son una experiencia donde nuestro cerebro se altera, siente peligro y por consiguiente nuestro cuerpo también. La mente se agita dejando que las ideas, pensamientos y sensaciones fluyan mucho más rápido de lo normal, lo que nos da la sensación de perder el control sobre nosotros mismos. Esta instalación es creada con el fin de permitirnos acercarnos a la percepción e interpretación de la realidad y de los síntomas físicos que se presentan cuando se atraviesa por una crisis de pánico.
ANGELA BELMAR Pandemónium de los sofismas. Partiendo desde los sofismas con los que yo misma me compongo, me armo y me presento ante una sociedad y mas específicamente, al interior de una institución absolutamente burocrática y lejana a mis mas instintivos deseos, me planteo este proyecto como una posibilidad de reencuentro con mi propio imaginario repleto de caos e imprecisiones, una búsqueda que realizo a través del collage, el esténcil, la fotografía y variadas técnicas pictóricas, siempre dentro de la precariedad que ha regido hasta este momento mi proceso formativo, poder hallar de esta manera esa tan anhelada libertad creativa y expresiva, no concebible para mi, mas haya que en la total expresión de la propia personalidad, pretendiendo así que en el desorden, en lo diferido, en lo vulgar y por sobre todo en el sin sentido, tropezarme con ella y al mismo tiempo con el chance de refutarlo, de destruirla y así volver a intentar. Todo dentro de esta oculta pero a la vez evidente necesidad que roza en la exasperación, de creer y de transmitir. Presento esta obra en un formato que desciende de un sinfín de referentes, con la mas pobre resolución y la mas absoluta incoherencia, encontrando en ella el inicio de toda la expresividad de la que soy capaz dentro de este contexto, que limita y a la vez reta, superar el desgano y el hastió, y decidirse así por la creación.
WALDO IBACETA
Desierto blanco Pienso una forma cubierta por una delgada membrana que la abraza y la recorre, calcando lo más fielmente posible cada volumen, cada relieve, cada textura que ésta presenta. Esta fina película, a través de su acto envolvente, grafica los límites entre lleno y vacío, entre interior y exterior. La figura envuelta ahora difiere de la original, su identidad cromática y luminosa ha sido neutralizada mediante un acto de homogenización. Podemos percibir sus dimensiones y como se extiende la forma en el espacio, pero ya no somos capaces de distinguir su mundo luminoso y cromático original. Parte de su identidad es modificada, dejando como medio perceptual principal su forma. Muchas potencialidades quedan dormidas en ese instante, son silenciadas en este acto.
SILVANA GONZALEZ
Establecerse en un territorio conlleva el propio delimite. Moverse en cuadrantes, chocar con nuestras propias esquinas. En búsqueda del vacío se satura el espacio. Porciones del espacio, nos repartimos. La sombra apretada recusa el paso. Las líneas que hemos creado nos terminan trazando. El acto de reconocerse en un territorio es parte del cotidiano y de las ciencias sociales como la geografía, donde se estudian las superficies que nos contienen, para una posterior labor gráfica-proyectiva que genere el entendimiento del espacio. Dentro de esta instalación se busca el ejercicio del señalamiento del lugar desde el observador, y la relación de éste con sus horizontes y limites espaciales, por medio de elementos como las sombras, la translucidez y su interacción con la luz. La posibilidad de situarse para trocar el significado de un mismo objeto, dentro de distintos puntos de observación.
’’CLIC ’’
Taller de Expresión Grafica IV Prof. Mario Ibarra (pate) Ayudantías Taller de Expresión Grafica Silvana González V. Waldo Ibazeta V. Edición 250 unidades Impreso y encuadernado Imprenta Universidad de Playa Ancha Montaje maqueta fanzine Silvana González V. Waldo Ibazeta V. Pate Valparaíso Diciembre 2017