Revista Square by Paula Beltrão Zanotelli

SQUARE

Edição 3- ano 1 - número 3 29 de agosto de 2013

Pintura Digital

personagens

paisagem

Créditos Organizadores Paula Beltrão Zanotelli Jossiara Sousa Meira Amanda Ayala Santos Dayana Seschini Consultoria de Ilustração Paula Beltrão Zanotelli Illustradoras Paula Beltrão Zanotelli Jossiara Sousa Meira Amanda Ayala Santos Dayana Seschini Diagramação Paula Beltrão Zanotelli Jossiara Sousa Meira Amanda Ayala Santos Dayana Seschini Correção de textos Paula Beltrão Zanotelli Jossiara Sousa Meira Amanda Ayala Santos Dayana Seschini Matérias Paula Beltrão Zanotelli Jossiara Sousa Meira Amanda Ayala Santos Dayana Seschini

EDITORIAL Pintura Digital Um novo movimento artístico? Denomina-se Movimento Artístico um estilo ou tendência de criação de arte guiados por um mesmo comportamento e ideologia, prevalecente por determinado período de tempo, e representado por pintores e artistas plásticos em geral. Ao longo da história, a humanidade acompanhou a evolução destes movimentos artísticos, desde as artes características das primeiras civilizações (desde a arte rupestre, até a arte egípcia e greco-romana, por exemplo), até os desbravados movimentos artísticos da Arte da Idade Média (Gótica, por exemplo) e Arte Renascentista (Barroco, Rococó e Romantismo são alguns). Depois, assistimos ao nascimento e disseminação da chamada “Arte Moderna”, com movimentos que vão desde o Impressionismo até o Cubismo e Surrealismo. E então o livro de história acaba, e você sabe tudo sobre arte, certo? Errado. Contrariando os maiores historiadores artísticos da atualidade, a Geração Y tem se mostrado revolucionária em se tratando também de artes. E não estou falando das artes gráficas, não neste post. Estou falando do que – ousadamente – chamo de Arte do Séc XXI, a Pintura Digital. Com as ilimitadas possibilidades de criação e concepção de ilustrações, proveniente dos bons e sempre evolutivos softwares que temos no mercado, a ilustração digital evolui a cada dia, a partir, é claro, do talento e estudo de grandes artistas digitais. Tintas, pincéis, telas, lápis, nanquim e derivados foram substituídos por brushes, paletas, cores hexademais ou mesmo pantones, no Photoshop. Hoje, a pintura digital está em vários lugares: animações, ilustrações de livros e revistas, embalagens, mas principalmente games. Mas o que tem me encantado mesmo, é poder assistir a quantidade de pintores que criam suas artes conceituais nem sempre pra atender ao briefing de algum trabalho, mas para se expressar, atrair e encantar. Hoje, em especial, a artista referência que trago, é nada mais nada menos queDonglu Yu, uma das principais artistas conceituais de Montreal. Desde o dia que li uma entrevista da moça, contando sobre suas técnicas simples de criação, fiquei encantada com sua criatividade, talento, e valor artístico. Donglu cria pra si, cria pra todos, cria para envolver, sempre em busca da evolução profissional a partir de muito estudo, disciplina e expressionismo. Assim como ela, há inúmeros pintores digitais talentosíssimos e inovadores. Em minha opinião, esta é a arte do século XXI, possibilitada pela tecnologia, surpreendendo aos que achavam que seria extinta. Aguardo agora pelo dia em que será revelado um novo Michelangelo ou Pablo Picasso, que faça esta arte e estes artistas serem reconhecidos devidamente. E também espero que os artistas do Deviantart apareçam! O site é a maior fonte de pinturas digitais da atualidade, mas são tratadas como simples ilustrações. Oi! Eu sou o Tom e estou aqui para ajudar você a aprender a usar o photoshop para fazer ilustrações. Você vai ficar craque quando terminar!

Personagem

Paisagem

Materia Especial

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Construção de Personagem

Tutorial de Linha

Colorização

Speedpainting

Resumo

Qual Modelo de Tablet Gráfico Você Precisa?

Pintura de personagem E

ntão, como se faz para desenhar um personagem? Quando perguntado, o noss conselho é algo habitual para a é trabalhar o esboço primeiro. O que significa isso? Bem, nós iremos explicar isso é muito mais sobre a arte da ilustração. Tenha em mente, não há nenhuma maneira precisa “correta” a percorrer com relação a desenhar. Com o tempo, a maioria dos artistas irão desenvolver suas próprias técnicas pessoais que se adequar ao seu estilo pessoal. O seguinte um método simples para se fazer um personagem completo.É interessante também, contar com referencias fotograficas ou modelos reais que possam posar para você desenhar seu esboço. então voce terá um desenho sólido em que trabalhar este tutorial de ilustração digital de personagens.

PERSONAGEM

CONSTRUÇÃO DE PERSONAGEM

Anatomia do Personagem

o desenho da figura humana, utiliza-se a medida da cabeça como módulo e pode-se dividir em 7 partes iguais e meia, ou seja, a cabeça estabelece uma relação de proporção com tronco e as pernas, logo, o conceito de proporção é o equilíbrio ideal de tamanho entre as partes que compõe um todo. Não basta somente a proporção para se desenhar um corpo humano com realismo, a simetria também é de fundamental importância para que o desenho do corpo humano tenha semelhança entre os lados direito e esquerdo. De um modo geral, o corpo humano não mantém exatamente as mesmas medidas de um lado e do outro; há pequena diferenças, muitas vezes imperceptíveis quando se olha, mas perceptíveis quando se mede. No desenho, o eixo de simetria é representado por uma linha vertical que vai da cabeça, passando pelo nariz, até o espaço entre os pés, como mostra a figura nº1.

Volumes e Concavidades: Referem-se às formas do corpo; suas curvas, reentrâncias e relevos. No desenho, são as linhas sinuosas que o representam. Com os braços abertos, a distancia entre a ponta dos dedos indicadores é igual a altura, da figura total, dos pés à parte superior da cabeça. A altura de 3 cabeças, situa-se o umbigo e 4 cabeças, situa-se o púbis. A distancia entre os ombros são de 2 cabeças para homens e 1 cabeça e meia para mulheres.

aseando-se nas figuras anteariores que mostra como se deve desenhar um corpo humano seguindo corretamente suas proporções e simetria na posição ereta, o mesmo ocorrerá para desenhar o corpo humano em outras posições ou dando idéia de movimento como: correr, pular, dançar, etc. Veja os exemplos: Observe que os bonecos da esquerda são os primeiros esboços. À direita estão as expansões volumétricas dos bonecos. Voce pode notar que não será necessário retirar os pequenos circulos que representam ombros, cotovelos, mãos, quadris, joelho e calcanhar. Em vez disso vc pode simplesmente conectar as articulçaões.

PERSONAGEM

Desenho do Corpo em Movimento

PERSONAGEM

TUTORIAL DE LINHA Lineart - o contorno do desenho Plataforma: Photoshop

Instrumento:

Mesa Digitalizadora

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Faça um esboço, levando em conta as noções de anatomia ensinadas. Não precisa ser perfeito por que vamos mudar ele quando começarmos a fazer nossas linhas. Se você notar, o tutorial de linha (lineart) vai ser baseado nestes personagens de anime.

Crie um documento novo com resolução de 300 ppi e o tamanho do desenho. Renomeie sua layer para Rascunho. Crie um novo layer para editar seu rascunho, caso haja algum problema a ser resolvido antes de fazer as linhas. Não esqueça de deixar um fundo branco embaixo de tudo.

PERSONAGEM

Coloque a opacidade do rascunho e da edição do rascunho em 50% . Se seu desenho ficar muito apagado, aumente a opacidade. O objetivo é o desenho ficar mais apagado, mas dando para se ver o contorno completamente. Não esqueça de deixar um fundo branco embaixo de tudo.

Agora abra o Brush Presents. Você acha isto no canto esquerdo do Photoshop. Observação*Photoshop CS6. Coloque o seu Brush no Smoothing e Shape Dynamics. Isso vai deixar suas linhas mais suaves. Confira que você esta colocando estas opções em uma Brush dura com o tamanho 3.

Faça uma nova Camada em cima da sua Camada de rascunho. Coloque o nome desta camada de ‘linhas’. Um jeito fácil de fazer uma nova camada é apertando Ctrl + n.

Comece a traçar o seu esboço lentamente. Não erre ou faça ou linha tremida! Isso fara sua imagem desigual e perdera aquela qualidade suave.

PERSONAGEM

Agora, faça sua imagem inteira e com cuidado, não erre! Parabéns! Delete sua camada de esboço para se livrar daquelas linhas de rabisco.

Otimo! Aquelas linhas de lápis fizeram a imagem perder a qualidade. E olhe! Que lindas aquelas linhas pretas limpinhas..

Você fez um fantástico trabalho de lineart!

1 . Prenchimento Finalmente para fazer a colorização bem mais fácil, tenha certeza de que todos as suas formas estão fechadas – não deixe buracos em todos os lugares. É por isso que mantemos todas as linhas fechadas – isso torna a colorização mais rápida. Nós usamos o Fill Bucket Tool em uma nova layer, e definimos para “todos os layers” com uma tolerância de 32. Algumas vezes a tinta vaza para fora e em cima das linhas de Outline se elas forem muito finas; nós apenas deixamos a tolerância um pouco mais baixa para aquela seção e clicamos varias vezes com o Fill.

2 . Detalhes O Fill Bucket não pode fazer tudo; vão ter pequenos pontinhos que sobraram nos cantos sem cor. Configurar o seu Brush Mode para ‘trás’ permitirá que você rabisque em cima dos furos como um louco sem pintar sobre as cores existentes. Nós também começamos a preencher os detalhes, como os lábios e os olhos nesta fase.

3 . Brilho Nós adicionamos um pouco de brilho ao cabelo em duas etapas. Em primeiro lugar, nós usamos o Lasso Tool para fazer seleções rápidas para as partes em destaque, e então preencha estas áreas com uma cor mais clara. Depois, nós usamos uma Soft Edge Airbrush com uma configuração de fluxo de 20% para suavizar os cantos.

PERSONAGEM

COLORIZAÇÃO

PERSONAGEM

4 . Sombras Nós ocultamos a Camada de cor por enquanto e usamos um Hard-Edged Brush, com o tamanho controlado por pressão da caneta, para pintar as sombras em uma nova camada.

5 . Duplicar

Faça uma seleção da Camada de sombra apertando o CTRL no respectivo ícone na Paleta de camada, agora selecione a Camada de cores e aperte CTRL-J. Isso irá duplicar a Camada de cores com base na seleção.

6 . Filtros Finalmente, experimente com os vários filtros de foto/Hue / e Saturation! Faça a nova Camada de sombras um pouco mais escura, coloque um ou dois ajustes de matiz, apenas brinque com os filtros até que você tenha algo que se encaixa no ambiente e no clima. Se você está preocupado em estragar suas cores, use uma camada de ajuste em vez de alterar as cores diretamente. Dessa forma, você pode copiar as camadas de ajuste para futuras páginas em vez de ter que lembrar de todos os filtros que você usou

PERSONAGEM

Pintura de Paisagem M

ostraremos como fazer um rápido (se gasta em torno de 20 minutos) esboço de paisagem. Esse é um ótimo exercício para iniciantes, que quando repetido diariamente, ajuda não apenas a melhorar suas habilidades, mas, além disso, dá a você uma noção melhor de como funciona a luz e porque alguns desenhos de paisagem parecem mais reais e outros não Vamos usar uma floresta como exemplo, mas as dicas que gostaríamos de dar a vocês se aplicam em qualquer tipo de pintura, não importa o tema. Primeiramente falaremos um pouco sobre o estado mental mais adequado de se manter durante o trabalho numa pintura, e então, moveremos para algumas regras, dicas e truques do que deve-se ou não fazer numa pintura digital.

PAISAGEM

SPEEDPAINTING

Como começar? Algumas dicas e uma mentalidade adequada o contorno do desenho Primeiro ... RELAXE! Isso pode parecer besteira, mas é muito importante. Quando estamos estressados, nossos movimentos se tornam mais agressivos, começamos a apressar as coisas e acabamos cometendo erros estranhos. Lembre-se que mesmo que seja chamado speedpainting o tempo gasto não é importante. Não importa se você completar a pintura em 5, 10, 30, 90 ou ainda mais tempo, isso só depende do tempo que você quer gastar nela. Isso não é uma corrida. Coloque sua música favorita para tocar, sente-se confortavelmente e deixe que a experiência seja uma pausa de tudo que você estiver fazendo nesse dia.

Prepare-se Referências fotográficas são sempre uma grande ajuda na hora de capturar a essência, as cores e proporções corretas. Muitos artistas jovens acreditam que por alguma razão, referências são coisas erradas que devem ser evitadas. Mas, como, se não observando cuidadosamente podemos aprender a representar a realidade? Esteja certo de sempre ter algumas fotos do tema que você vai desenhar e as estude! Nesse exercício você deve usar tanto referencias fotográficas como trazer suas próprias ideias. Em muitos casos, simplesmente copiando trabalhos nos 10-12 primeiros exercícios de speedpainting ajuda a se acostumar com um estilo mais solto de desenho e relaxa os movimentos da sua mão. O próximo passo é escolher as ferramentas certas. Sempre esteja certo de conhecer os pincéis que você irá usar. Brinque com eles, rabisque! Faça amizade com seus pincéis favoritos. Pincéis de mais farão com que você se sinta perdido e provavelmente nem a metade deles seria usada. Neste tutorial, usaremos 4 pincéis principais e adicionalmente 1 ou 2 pincéis para os toques finais.

PAISAGEM

Ao Trabalho!

O documento em que trabalharemos tem como dimensões 3500 X 2500 pixels e resolução de 300 dpi. Trabalharemos na maior parte do tempo com um arquivo com zoom menor, para possibilitar ver o quadro inteiro. Porque isso é importante? Muitos iniciantes começam a trabalhar nos detalhes aproximadamente 15 minutos depois do inicio do trabalho, ao invés de fazer uma pintura “grosseira” primeiro, eles acabam com um pequeno pedaço que eles tentaram desenhar o mais perfeito o possível e um monte de tela intocada. Não dando zoom e mantendo a tela toda visível é menos provável que nos concentremos em detalhes que não são importantes. Durante este exercício, lute com seu desejo de usar o zoom muito próximo e apenas pinte o que você vê, tratando sua tela de computador como uma tela de pintura real (você não pode dar zoom num pedaço de papel, certo?). Se quiser adicionar detalhes, mude o tamanho do seu pincel, mas tente evitar gastar muito tempo em algo que não seja um elemento cave do seu trabalho.

Pegar as cores diretamente das fotos de referencia não é uma boa ideia. Primeiramente, a ferramenta de conta gotas a cor de uma área bem pequena e você pode acabar com uma combinação de cores bastante randômicas. Em segundo lugar, tentar pegar as cores baseando-se na sua visão é um exercício bem mais interessante. Inicialmente, você provavelmente acabará escolhendo cores mais escuras ou saturadas do que deveriam ser, mas depois de alguma pratica você se aproximará bastante das cores reais. Escolha um pincel grande e grosseiro (um bem “peludo” de preferencia) e comece a cobrir toda a tela. Você não precisa fazer um rascunho separado. ESTE é o seu rascunho. Pinte os formatos gerais até que você consiga a composição certa e uma harmonia com as cores. Não tenha medo de estragar algo. Não a nada para arruinar. Arte digital dá a você a vantagem de sempre ter a possibilidade de pintar por cima de algo que você não tenha gostado, então seja corajoso e não se preocupe. Está tendo problemas para encontrar as formas? Olhe para sua foto de referência com os olhos semicerrados. Com a visão um pouco borrada, nossos olhos não se concentram nos detalhes e é mais fácil de entender as formas básicas e as cores.

2 PAISAGEM

Uma vez que você tenha estabelecido a composição e marcado os blocos de cores principais, escolha um pincel menor e comece a refinar sua ideia. Na imagem a seguir, nós pintamos o chão. Perceba que apenas adicionar a superfície foi o suficiente para a pintura mudar de formas abstratas para uma pintura bem grosseira de uma floresta. Nosso cérebro não precisa de detalhes para reconhecer objetos – ele precisa apenas de um ponto de referencia e, neste caso, foi o chão que deu esta sensação. Neste ponto do trabalho, você já tem sua paleta de cores toda na tela. Tudo o que tem que fazer é pegar dali utilizando a ferramenta conta-gotas. Para trocar rapidamente da ferramenta pincel para o conta-gotas, segure a tecla “Alt” e clique no lugar que tem a cor que você precisa.

Até agora pintamos tudo na mesma layer (camada). Quando for desenhar as árvores é melhor que façamos isso em alguns layers separados. Geralmente utilizamos 3 layers – um para o fundo, um para o espaço intermediário e o ultimo para as arvores que ficarão à frente. Novamente, você não precisa ter precisão. Uma forma grosseira já é o suficiente para qualquer um entender o que você esta pintando. Pintar árvores dá uma ótima oportunidade para treinar a aparência de profundidade em nossas imagens. Neste caso, a primeira coisa que vem em mente é, claro, que as arvores mais pero são mais grossas comparadas com as mais distantes. Desta forma utilizamos o “peso” da linha para determinar a profundidade. Outra maneira de determinar que algo está mais longe é deixar suas bordas menos marcadas.

PAISAGEM

Voltamos a pintar o chão, ou melhor, os caminhos rochosos que ele se tornou. Não desenhe cada elemento de uma serie, neste caso, as rochas ou tijolos de pedra nos lugares mais distantes da cena. Este tipo de detalhamento é desnecessário e, muitas vezes, deixa o desenho com uma aparência planificada. Ao invés disso, tente pintar linhas aleatórias mais ou menos horizontais e um padrão simplificado começará a surgir e será o suficiente para perceber a aparência de rocha.

É hora de pintar as folhas. Neste ponto, é interessante que você deixe um zoom bem distante da imagem. Isso é bastante eficiente para controlar seu trabalho, pois a imagem deve parecer bonita não importa o quão longe você esteja olhando para ela. O pincel para a folhagem é um bem comum que vem em quase todos os bons pacotes de pinceis para Photoshop.

Pegue outro pincel para pintar uma ultima camada de folhas. Desta vez, utilizaremos uma cor mais clara e saturada, para mostrar que essas folhas são atingidas pela luz do sol. E, graças a isso, criamos a ilusão de que há varias folhinhas, mesmo que o expectador esteja vendo apenas parte delas. Como o fundo da parte central ainda parecia muito plano, pintamos um pouco de ramos sobre ele, para parecer que há mais floresta sombreada, contudo, escondida atrás do grande arbusto do meio.

Novamente voltamos para a visão mais distanciada do desenho. Desta vez, acertamos a luz da pintura. Faça isso criando uma nova layer e colocando-a no modo “overlay” ou “soft light”. e pinte sobre ela com um pincel grande e suave. Use uma cor escura para as áreas de sombra e uma cor mais clara para as áreas de luz.

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Pinceis customizados que criam folhas em algumas poucas pinceladas nunca são de mais. Por fim, para melhores resultados você terá que gastar algum tempo definindo as formas ao seu modo. Isso, além de melhorar a aparência da imagem, faz com que a pintura fique com um ar de “feita a mão”.

Agora, copie a imagem toda e a espelhe para baixo para fazer o reflexo no lago. O atalho para copiar a imagem toda é “Ctrl + Shift +C” e depois você simplesmente cola a imagem numa outra layer. Troque o modo dessa layer para “linear dodge”, mas isso não é uma regra, você pode experimentar outros modos e escolher o que melhor se adapta à situação.

Lembra-se da parte onde usamos uma layer em modo “overlay” e um pincel suave para acertar a luminosidade? Agora faça a mesma coisa, porem com um pincel de folhagem. Graças a isso a folhagem ganha uma textura natural e fica mais detalhada. A imagem ainda não parecia ter profundidade o bastante e a área atrás do arbusto central estava plana e desinteressante. Então, usando um pincel grande e suave e pintamos sobre ela. Para não cobrir as arvores do fundo, faça esse acerto numa oura layer e coloque-a no modo “darker color”.

Estamos nos aproximando da reta final. A cena já esta estabelecida, mas precisa de alguns detalhes. Isso não significa que você deve se concentrar numa parte especifica, mas sim, aplicar aquele ar de “feito a mão”. Isso também concerta coisas que podem ter sido cobertas durante a pintura.

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Caso o balanço de cores não esteja agradável, ajuste-o na opção “color balance” do Photoshop. Você pode encontrar esta opção indo no menu “Image >Ajustments >Color Balance”. Lembre-se porém, que essa opção será aplicada apenas para a layer mais recente, então, crie uma cópia de toda a imagem como uma layer que fique no topo da lista de layers.

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Finalmente chegamos a um ponto onde podemos nos permiti adicionar alguns detalhes. Novamente é interessante acrescentar algumas linha frívolas feitas a mão para trazer atenção para o ar de pintura a mão da imagem.

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Resumo 1

Esteja Relaxado Pintar deve ser considerado um ato agradável. Mesmo que você não faça uma obra prima, ainda terá ganhado muita experiência!

Use referências e observe o mundo Tente entender o mundo ao seu redor. Tente observar como materiais diferentes refletem luz, como as cores mudam dependendo da hora do dia. Encontre regras e conexões no que você vê. Lembre-se que um bom artista é um bom observador.

Aprenda com os mestres Sempre haverá alguém que pinta melhor que você. Ao invés de ficar deprimido, aceite o desafio e tente chegar à perfeição. Analise os trabalhos de profissionais se você tiver a oportunidade de vê-los trabalhando.

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Conheça suas ferramentas Praticar envolve conhecer as ferramentas que você usa. Se vai tentar usar um pincel novo, não fique desencorajado se não conseguir produzir os efeitos que você queria na primeira vez. Ferramentas digitais também são assim. Experimente seu pincel até se sentir seguro de trabalhar apropriadamente com ele. Mas não só os pinceis são ferramentas, conheça os programas, leia tutoriais, experimente, divirta-se!

Não perca tempo em detalhes Ao menos não enquanto você não tiver sua pintura mais refinada. Utilize um zoom mais afastado e concentre-se em generalizar primeiro.

Pratique frequentemente Se você realmente deseja melhorar suas habilidades artísticas, deve guardar ao menos meia hora por dia para praticar. Pintura e Desenho são como qualquer outra habilidade, você deve investir tempo para produzir resultados. Pegue sua caneta e divirta-se com arte!

TABLET GRÁFICO

“Mas o que é esse tal de tablet gráfico afinal de contas?”, perguntarão alguns novatos no mundo da arte digital.

sto aí embaixo é uma tablet, ou mesa digitalizadora (não confunda com a outra tablet, aquela mais conhecida, que parece um computador portátil). Com ela, você pode desenhar exatamente - ou quase - como faria no papel, transmitindo os comandos para a tela. No caso dos modelos mais caros (como a Cintiq, da Wacom), você “desenha” diretamente sobre uma tela sensível à pressão da caneta digital. Uma mão na roda para qualquer artista digital que se preze.

MATÉRIA ESPECIAL

Qual modelo você precisa?

Mas (sempre tem um mas), tudo seria perfeito se não fossem alguns pequenos problemas. O primeiro deles, notoriamente, são os preços destes brinquedinhos. Um modelo mais básico, da melhor marca, digase de passagem, lhe custará pelo menos uns R$300,00, pra ser bastante econômico... Modelos top de linha podem ter valores tão elevados que você nem acreditaria se eu contasse...

MATÉRIA ESPECIAL

Iniciante, Intermediário ou Avançado?

Dependendo de seu nível de conhecimento em relação às tablets e principalmente de qual seu objetivo quanto ao uso delas, a escolha por um modelo fica menos difícil. São poucas marcas realmente significativas no mercado, e reconhecidamente as tablets da Wacom são as mais utilizadas e de melhor qualidade. Pesquisando em sites de leilão virtual e lojas online, você vai encontrar uma grande variedade de modelos e preços. Mas o mais importante é saber quais as características que tornam uma tablet realmente eficiente e a fazem se adaptar ao seu escopo de trabalho.

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Níveis de pressão: quanto mais níveis, melhor. Quando a caneta digital é pressionada contra a superfície da mesa, dependendo da força aplicada, o resultado será mais ou menos próximo da realidade de se pressionar um lápis ou pincel contra o papel. Modelos básicos como o Bamboo têm 1024 níveis de pressão, o que já é bastante interessante, enquanto modelos profissionais como o Intuos 4 XL têm 2048 níveis.

Acessórios: basicamente, uma caneta de qualidade, que não use pilhas nem bateria (funciona por ressonância eletromagnética) e ocasionalmente o mouse, embora alguns usuários simplesmente descartem o mouse após o emprego da tablet - se você tem sofrido por LER, usar a tablet gráfica em lugar do mouse vai aliviar muito o stress em sua mão. Embora não sejam exatamente acessórios, botões de atalho e navegação também fazem diferença. Mesmo nos modelos básicos eles estão presentes, sendo sensíveis ao toque na aplicação de zoom, e botões de atalho programáveis.

Tamanho: se você for um usuário amador, iniciante ou que só vai fazer trabalhos ocasionais, recomendo que não gaste centenas ou até milhares de reais com mesas enormes e profissionais. Seria como alguém que só usa pacote Office e internet gastar uma pequena fortuna numa máquina com a placa de vídeo top de linha. A não ser que você tenha uma reserva financeira bastante confortável (ou seja, dinheiro não seja problema), invista em um modelo básico. O tamanho aproximado fica entre 15 x 10 cm de área ativa, e tamanho total de 25 x 15 cm. Isto é mais que suficiente para criar bons trabalhos com algum conforto. Uma Bamboo Small é totalmente recomendada para usuários iniciantes e até intermediários.

MATÉRIA ESPECIAL

Preço: como dito antes, se não tiver problema com valores, ótimo. Mas se seu orçamento for apertado como da maior parte dos mortais, não sinta nenhuma vergonha em investir em modelos básicos! A Bamboo Small pode ser encontrada com valores próximos a R$250,00, enquanto outras marcas como Genius e Light ficam perto dos R$120,00 (embora eu não recomende marcas muito baratas).

Marca: lendo esta matéria, alguns poderão achar que se trata de propaganda da marca Wacom, já que não me canso de citá-la como a mais confiável e com os produtos de melhor qualidade... Mas basta uma breve pesquisa pela internet e você vai ver que não sou apenas eu a dizer isto. Mesmo os produtos da linha básica (Bamboo Small e Bamboo Fun, por exemplo), são de grande qualidade, podendo ser empregados mesmo em trabalhos profissionais por muito tempo, até que você decida investir em um produto top de linha. Portanto, recomendo que, ao comprar sua primeira tablet, economize um pouquinho mais e em vez de “gastar” menos em uma marca de menor expressão, “invista” um pouquinho mais em um produto que não vai lhe dar dor de cabeça mais adiante. Mas se você não se preocupa muito com qualidade superior, não tem nenhuma pretensão de aprendizado futuro ou só vai usar a tablet para escrever notas, então compre seu modelo mais barato e boa sorte!

Sketch Editora