ARTICULOS by JOSÉ MANUEL COCOLÁN C

PRESENTACIÓN

a creación de algunas ciencias, ha traído al hombre la oportunidad de expresarse en todos los campos del conocimiento, situación que le da la capacidad suficiente para plasmar no sólo en los medios tradicionales, sino en todos aquellos que la modernidad le permita, las herramientas y conocimientos que un centro de estudios como el Instituto Tecnológico de Zacatecas transmite a los alumnos a través del cuerpo de catedráticos que laboran en esta noble casa de estudios. Como producto de la materia de Historia crítica del Arte y la Arquitectura VI, surge, tanto de los alumnos así como de las docentes de la materia Arq. Rosalinda Nava Zumalacárregui y Lic. Mónica Elena Echevarría Chan, la inquietud de la publicación interna del presente trabajo, mismo que brinda la oportunidad de buscar o consultar en la posteridad, algún tema o asunto relacionado con la materia antes mencionada. El grupo coordinador de la revista que ahora tiene en sus manos, espera sea de utilidad, pero más que nada, sirva como herramienta de consulta y apoyo a los futuros alumnos de la Licenciatura en Arquitectura, para lo cual, los ejemplares producto de esta comisión, quedarán a su disposición en la biblioteca de esta institución. El hecho de darnos a la tarea de la publicación de esta revista, obedece a la necesidad que nosotros como alumnos, observamos en el transcurso de los semestres que hemos cursado, de contar con herramientas de trabajo, tanto académicas como de conocimientos generales que nosotros mismos generemos durante nuestra permanencia en la Institución, sembrando así la inquietud para las generaciones venideras de continuar con este tipo de proyectos, que estamos seguros, serán de gran utilidad para ellos mismos. En este trabajo, presentamos algunos elementos de los que consideramos más sobresalientes en esta materia, entre los cuales podemos mencionar artículos de diversos temas sobre la arquitectura en el campo del arte, así como los autores y personajes que de alguna manera han tenido impacto en este campo. Los estilos y épocas, que en esta ocasión abarcan desde aproximadamente 1950 a la fecha y que hemos estudiado, son relevantes, pues representan las bases para la aplicación de los conocimientos y de las técnicas de aplicación de los mismos a través de la vida laboral del arquitecto, una vez concluida su preparación académica. Es así como dejamos el actual trabajo, producto del esfuerzo de un grupo de compañeros, para la consideración tanto de maestros como alumnos y por supuesto de todo aquel que se interese en el contenido del mismo. En la medida que el personal cristalice ideas como la presente, sin duda se irán perfeccionando hasta lograr mejores resultados en la edición y publicación de materiales derivados de la experiencia de los alumnos.

INTRODUCCIÓN La arquitectura se define comúnmente como el arte de proyectar y construir edificios o espacios para el uso del hombre, siendo considerada arte desde el momento en que conlleva una búsqueda estética. No obstante, las definiciones de arquitectura son bastantes, tanto como teóricos y arquitectos las han intentado formar una definición en base a sus pensamientos.

Existe una amplia variedad en estilos arquitectónicos que con el paso del tiempo se han ido deformando y/o modificando. Cada estilo es una respuesta que representa su antecedente y tiene un toque de originalidad hasta que este también se vuelva único. Estos estilos se dan a conocer mediante los sistemas de detalles o decoraciones que existen en toda obra. Muchas personas dicen que los ornamentos y decoraciones son de naturaleza puramente estética, pero este no es el caso. Al contrario es mediante estos sistemas o lenguajes que la obra va tomando forma y recibe una especie de vida propia de carácter personal irrepetible, pero el sentido estético está ahí ya que los detalles están ahí para que la obra resalte y sea agradable a algunas sensibilidades particulares. También los detalles se cercioran de presentar un lado artístico y creativo a la obra arquitectónica que igual que en la literatura o cualquier otro medio te comunica una opinión o experiencia.

Es por eso que en las siguientes páginas se presentan artículos referentes a temas y estilos arquitectónicos además de algunos arquitectos que han cambiado la manera de ver la arquitectura con sus obras, él como la sienten, como la viven, como han trascendido al paso de los años y la huella que han dejado en todas las personas que se relacionan con este tema.

INDICE 1.- ARQUITECTO AGUSTÍN HERNANDEZ. .............................................................................................6 2.- ARQUITECTOS PRECURSORES DEL POSMODERNISMO. ............................................................10 3.- ARQUITECTO DANIEL LIBESKIND ...................................................................................................13 4.- MINIMALISMO APLICADO A LA ARQUITECTURA. .....................................................................16 5.- EL CONSTRUCTIVISMO .................................................................................................................21 6.- ARQUITECTURA BRUTALISTA.........................................................................................................25 7.- ARQUITECTURA ESCULTÓRICA EMOCIONAL ............................................................................30 8.- ARQUITECTURA COMO ESCULTURA. ...........................................................................................34 9.- ¿QUÉ ES LA EXPRESIÓN EN CONCRETO ARMADO? .................................................................36 10.- PENSAMIENTO POSMODERNO Y SUS ANTECEDENTES. ...........................................................38 11- CARACTERÍSTICAS HIGH-TECH EN LA ARQUITECTURA. ............................................................44 12.- MATERIALES APARENTES Y LA ARQUITECTURA BRUTALISTA. .................................................49 13.- EVOLUCIÓN DE LOS SISTEMAS DE CONSTRUCCIÓN INDUSTRIALIZADOS A BASE DE ELEMENTOS PREFABRICADOS DE HORMIGÓN................................................................................56 14.- CASAS PREFABRICADAS. ............................................................................................................61 15.- ARQUITECTO FRANK O. GEHRY. ................................................................................................70 16.- INTERFERENCIAS ENTRE ARTE Y ARQUITECTURA. .....................................................................77 17.- ZAHA HADID .................................................................................................................................84 18.- CARACTERISTICAS PRINCIPALES DE LA ARQUITECTURA POSMODERNA. .............................89 EDIFICIO AT&T (EDIFICIO SONY) (PHILIPH JONHSON; NUEVA YORK, 1984).........................93 19.- ARQUITECTURA COMUNISTA.....................................................................................................97 20.- PREFABRICADOS. ......................................................................................................................101 21.- ORIGEN ARQUITECTURA HIGH TECH. ......................................................................................107 22.- HIGH TECH ARQUITECTOS REPRESENTATIVOS. ......................................................................115 23.- LAS FRACTALES EN LA ARQUITECTURA: ..................................................................................120 24.- EL COLOR Y SUS TÉCNICAS APLICADAS EN EL TIEMPO .......................................................128 25.- LAS LEYES GESTÁLTICAS APLICADAS A LA ARQUITECTURA. .................................................139 26.- PROPORCIÓN ÁUREA ...............................................................................................................144 27.- LA FORMA EN LA ARQUITECTURA ...........................................................................................150 28.-PERCEPCIÓN ARQUITECTÓNICA. .............................................................................................155 29.- ZACATECAS AYER Y HOY..........................................................................................................162 9

DEL SIGLO XIX AL XXI ........................................................................................................................162 30.- EL SURGIMIENTO DE UNA NUEVA RUTA ..................................................................................178 31.- MONUMENTO A LA REVOLUCIÓN MEXICANA ......................................................................187 32.- APORTACIONES PLASTICAS ....................................................................................................195 33. MUSEO EXPERIMENTAL ...............................................................................................................197 34.- El arte de la arquitectura en los contenedores, movilidad y sustentabilidad. ................203 35.- EL MINIMALISMO EN EL TIEMPO ...............................................................................................211 36.- LA MAQUILA DE LA CONSTRUCCIÓN: ESTRAGOS DEL PRODUCTIVISMO EN LA ARQUITECTURA. ................................................................................................................................220 37.-CONSTRUCTIVISMO HOLANDES................................................................................................232 CONCLUSIÓN ....................................................................................................................................239

1.- ARQUITECTO AGUSTÍN HERNANDEZ.

En la arquitectura de Agustín Hernández se percibe una inspiración en el pasado a través de construcciones modernas en las que el simbolismo desempeña un papel primordial, en ocasiones hace uso de glifos e imágenes prehispánicas para desarrollar elaboradas conceptualizaciones en un vaivén de asociaciones culturales y técnicas que dan como resultado construcciones cargadas con un profundo sentimiento espiritual y espectaculares ardides tecnológicos.

Elaborado por: Juan Esteban Rodríguez Carrillo. Resumen. Arquitecto Mexicano creador de grandes obras representativas con un toque nacionalista e innovador busca la forma función y unidad. Palabras clave: Nacionalidad, Modernidad.

Creatividad, Entre los premios que ha obtenido se encuentran la Presea III Bienal de arquitectura 1987, Sofía, Bulgaria; Presea Bienal 89, Buenos Aires, Argentina; 1er Premio Medalla de Oro II Bienal de Arquitectura Mexicana 1992; 1er Premio Primer Concurso Nacional del Acero AHMSA 1996; Premio Nacional IMEI al Edificio Inteligente por el Corporativo Calakmul 1996; Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes, 2003; Medalla de Oro XI Trienal InterArch 2006, Sofía, Bulgaria.

Abstract. Mexican Architect creator of great works representing a nationalist and innovative touch. Key words: Modernity

Creativity,

Nationalist

Realizó sus estudios en la Universidad Nacional Autónoma de México, obteniendo su título profesional en1954. Su tesis de fin de carrera, atrevida, innovadora y original, marca lo que será su vida como arquitecto. Encasillada por algunos autores como arquitectura emocional pero su obra se centra en la valoración de elementos de la cultura local en una práctica absolutamente moderna de la disciplina debido a su forma de pensar

Su obra arquitectónica y escultórica ha sido expuesta en el Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey, Nuevo León; el Museo Tamayo Arte Contemporáneo; el Palacio de Bellas Artes en México D.F.; y en el Instituto Politécnico Nacional.

Su placer por adentrarse en las raíces del pasado mexicano lo ha llevado a crear edificios como el del Colegio Militar, inspirado en las zonas arqueológicas de Monte Albán y Teotihuacán. 6

Entre sus obra más importantes o más destacadas se encuentran varias dentro del país sin embargo una muy representativa de él es la Escuela del Ballet Folklórico.

arquitectónico de la obra rebasó las características estilísticas de la época, construyéndose un edificio muy moderno y vanguardista, aunque lleno de reminiscencia de nuestro pasado prehispánico. En su interior cuenta con 2 salones grandes de ensayo, un teatro y una sección de oficinas.

Escuela de Ballet Folklórico. Desde los inicios de los años sesenta Amalia Hernández concibió la idea de crear una Escuela de Ballet Folklórico con el objetivo de difundir y fortalecer esta expresión artística, así como de preparar bailarines capacitados para cubrir las necesidades de la compañía. A pesar de que no se contaba con espacio propio, la escuela empezó a funcionar con dos salones que el Instituto Nacional de Bellas Artes le ofreció al ballet.

Ilustración 1 Interior Escuela de Ballet.

Heroico Colegio Militar.

En ellos la compañía profesional realizaba sus ensayos y, además se impartían clases a los niños y jóvenes. Existía a su vez, otro local cerca del Palacio de Bellas Artes donde también se daban clases de folklore. No obstante, el espacio era insuficiente.

En un documento recopilado de la revista proceso se encontró que en México, D F, 26 de octubre aproximadamente hace 32 años cuando inauguraron las instalaciones del Colegio Militar en las afueras de la Ciudad de México, en la salida a Cuernavaca, sus creadores los arquitectos Agustín Hernández Navarro y Manuel González Rul, lo describieron así: “El proyecto del Heroico Colegio Militar en su conjunto tiene una ‘reminiscencia’ en los centros ceremoniales prehispánicos donde se conjugan los espacios abiertos y los construidos formando plazas, y donde las montañas que lo circundan son un remate de los edificios y forman una muralla natural que enmarca las instalaciones del plantel: el carácter castrense del conjunto es apoyado por la topografía del área”.

Con el afán de tener un lugar que cubriese las necesidades de una escuela formal, Amalia Hernández decidió construir un edificio especial para ello. El encargado de realizar tan importante tarea fue su hermano, el Arquitecto Agustín Hernández. En el año de 1966 se empezó la construcción de la escuela en un terreno ubicado en la calle de Violeta esquina con Riva Palacio, en la colonia Guerrero, de la Ciudad de México. El resultado fue espectacular, ya que el diseño 7

Años más tarde, en 1997, entrevistado en su casa-despacho de Lomas de Chapultepec –una estructura ideada como un árbol que nace de la barranca–, Hernández Navarro dijo a esta reportera: “La obra más grande que he realizado es el Heroico Colegio Militar porque es un conjunto urbano con una estructura muy organizada Fue muy difícil conciliar los espacios, la volumetría, las áreas abiertas y el funcionamiento interno de todos los cadetes en formación, para que tuviera todo un orden”.

tenemos una gran cantidad de sistemas y de materiales”

El arquitecto nacido el 29 de febrero de 1924 en la Ciudad de México es –junto con el director de cine y teatro Juan José Gurrola– el ganador del Premio Nacional de Ciencias y Artes 2004, en el campo de las Bellas Artes Un reconocimiento que por segundo año consecutivo recibe un arquitecto El año pasado fue José Juan Francisco Alfonso Serrano y Cacho.

Ilustración 2 Heroico Colegio Militar

Para él es esencial que las construcciones tengan carácter, “que un aeropuerto, parezca aeropuerto y un hospital, hospital” Y cuando se trata de obras en las cuales habitará alguien considera también otros factores: “Se debe ser un psicólogo Entender al usuario, saber cuál es el especio que necesita, que se adecua con él, que llena todos los requisitos de confort Hay a quien le gustan los espacios cerrados, los muros artesanales, a otros lo moderno, los techos altos todo eso nos da idea de cómo proyectar una casa”

A continuación se reproducen algunos fragmentos de la entrevista realizada hace siete años cuando el arquitecto –autor de la Escuela de Ballet Folclórico (de su desaparecida hermana Amalia Hernández), el Corporativo Kalakmul en Santa Fe y el hospital de Gineco-Obstetricia # 8 del IMSS ubicado en Río Magdalena, en San Ángel, entre otras obras–, celebraba 43 años de profesión “Han sido 43 años de lucha –dijo entonces– de tratar de hacer lo nuevo

El problema, agregó, es que el 95% de la gente no sabe lo que quiere exactamente, sino acaso una idea de cuántas recámaras, qué estancia Por ello, indicó, se debe tener mucha sensibilidad e intuición para saber si la persona podrá vivir en determinados espacios Y calificó cada proyecto como un reto: “Me reto a hacer cosas complicadas como muros inclinados o intersecciones de cuerpos con arcos, bóvedas con cilindros la casa que le hice a mi hermana Amalia me costó mucho trabajo Como es coreógrafa, quería un lugar que la invitara a la acción,

Mi camino ha sido buscar la originalidad, tratar de hacer lo nuevo, causar sorpresa No podría repetirme porque no creo en los estilos El estilo existió cuando había un sólo sistema constructivo, un sólo material, pero hoy 8

esférico, nos sentimos esfera… esa simbiosis que existe entre el espacio y el hombre” (Agustín Hernández).

a la danza, una casa que baila por dentro No la volvería a hacer nunca” No obstante subrayó la idea del reto, del desafío: “Todos los arquitectos debemos tratar de hacer algo actual, moderno y si no somos vanguardistas, estar dentro de los adelantos de la técnica de la construcción” En su opinión las ciudades están llenas de construcciones, pero no significa que sean arquitectura, sólo aquellas donde estructura, forma, función y belleza, forman una unidad:

Ilustración 3 Casa Agustín Hernández

Casa Agustín Hernández.

En conclusión Agustín Hernández es uno de los arquitectos más importantes en esta etapa de la arquitectura representando en sus obras la monumentalidad y el brutalismo implementando sus conocimientos en la historia de México buscando la forma función y unidad en un proyecto.

La colonia Bosques de las Lomas es un área residencial ubicada al noroeste de la Ciudad de México. Su nombre no podría ser más apropiado, dada su frondosa vegetación y abrupta topografía. El taller y hogar de Agustín Hernández, diseñado por él mismo el año 1975, surgió en una zona boscosa en Las Lomas como un árbol más, escondido en el follaje. Como si levitara sobre este barranco de 40 metros de altura, aparece esta inusual composición, desafiando a la geometría y gravedad, una de las obras más importantes de este renombrado arquitecto mexicano; la obra y la escultura donde el arquitecto vive, trabaja y observa. “Este taller llena todo lo que he buscado en la arquitectura, que estructura, forma y función sean una unidad. Es algo que nos enseña la naturaleza. Ya desde cuando estamos diseñando una estructura, esa estructura nos va a dar espacios, espacios diferentes, espacios que hablan, otros cantan, otros nos invitan a la acción, otros nos invitan al reposo… En fin, el espacio se apodera de nosotros, nosotros de él; si estamos en un cuarto cúbico, somos cubo, si estamos en un espacio

No todo lo que nos rodea es arquitectura: Agustín Hernández.

Fuente información: www.arhyuis.monografías.com

2.- ARQUITECTOS PRECURSORES DEL POSMODERNISMO.

Autor: Juan Antonio Huerta Aguilar. Robert Venturi. Nació el 25 de junio de 1925. Arquitecto estadounidense. Los diseños de sus edificios urbanos tienen un aspecto característico, que recuerda a dibujos o pinturas, tanto por el empleo de colores, como por la ubicación de las ventanas y demás elementos en las fachadas. Venturi pretende con ello dar un aire alegre a los edificios situados en un medio urbano, por lo general monótono. En cambio, es muy respetuoso con el entorno cuando diseña edificios situados en la naturaleza, como las casas de vacaciones que ha realizado en diversos lugares de los Estados Unidos.

Ilustración 4 Museo de Arte. Oberlin, Ohio 1973.

"Granito rosa y revestimiento de piedra arenisca roja se utiliza para crear una fachada decorativa que reproduce elementos compuestos contra el todo en una reinterpretación del carácter del edificio principal Venturi dice: '. Tratamos de armonizar con su obra maestra en formas no muy evidentes. ‘’El largo’’ Estilo internacional tira ventanas de la escuela y del taller para hacer una fachada sin interés, como reconocen los propios arquitectos ya que tenía la intención de simular los edificios que los estudios tipo loft, casa para los artistas y para complacer a los ocupantes por no infringir en su creatividad por un exceso de celo arquitectónico.

Venturi es considerado como uno de los arquitectos más originales de finales del siglo XX, y es apreciado por haber introducido conceptos diferentes en sus obras, que se apartan de todo lo que se acostumbra a ver en arquitectura. Al mismo tiempo ha expresado sus pensamientos en numerosas conferencias y clases, y también en varios libros y artículos. Escribió sus libros principalmente con su socia y esposa Denise Scott Brown, en los que realza el hecho de que también la arquitectura moderna se basa en las referencias históricas. Según manifiesta, él como arquitecto intenta no dejarse llevar por el hábito, sino por un sentido consciente del pasado, evaluando detenidamente lo que significa y la conveniencia y forma de tenerlo en cuenta en sus proyectos.

Charles Moore. Moore prefiere características conspicuas de diseño, incluyendo combinaciones de colores fuertes, supergraphics, colisiones estilísticos, la reutilización de los esotéricos históricodiseño de soluciones, y el uso de materiales no tradicionales, tales como plástico , (aluminizado) de película de PET , platino azulejos y neón signos , como resultado, su obra provoca excitación, exige atención, ya veces se vuelca en kitsch . Estas características de diseño (detalle histórico, ornamento, tratamientos 10

ficticios, significados irónicos) hizo Moore uno de los innovadores principales de la arquitectura posmoderna, junto con Robert Venturi y Michael Graves.

Ilustración 5 Piaza Louisiana,1978.

d’

italia,nueva

cincelado en enormes bloques minimalistas que le impusieron un sello característico en todas sus obras. Fundador de una corriente de pensamiento arquitectónico consumada en México basada en la honestidad del material, la simpleza en la composición y la abstracción. Su obra hace una genuina referencia involuntaria a grandes ejemplos de arquitectura prehispánica como Teotihuacán y Monte Albán.

Orleans,

La Piazza d'Italia es un espacio urbano plaza pública ubicada en Lafayette y comercio de calles en el centro de Nueva Orleans, Louisiana .Está controlada por la Piazza d'Italia Development Corporation, una subdivisión de la ciudad de Nueva Orleans gobierno. Completado en 1978, de acuerdo con un diseño de postmodernista señaló Charles Moore y Arquitectos Perez de Nueva Orleans, la Piazza d'Italia debutó con gran éxito generalizado por parte de los artistas y arquitectos. Considerada una obra maestra arquitectónica.

Ilustración 6 Museo Rufino Tamayo.

Arquitectos posmodernistas con más auge en México.

Se enfoca exclusivamente al arte contemporáneo internacional. El edificio fue diseñado por los arquitectos Teodoro González de León y Abraham Zabludovsky en 1972. Su construcción empezó en 1979. El museo cuenta con 1892 m² destinados a las salas de exhibición, una sala educativa para setenta personas, un auditorio para ciento ochenta personas, una bodega de arte, restaurante, tienda, centro de documentación y espacios al aire libre. Su área total es de 6846 m².

Teodoro González de León.

Abraham Zabludovsky.

Nació el 29 de mayo de 1926 en la Ciudad de México. Convencido de la estética de la abstracción. Autor de obras de gran tamaño muchas de ellas en la Ciudad de México, famoso por el uso del concreto

Abraham Kraveski (México, D.F.

Zabludovsky D.F., 1924 - México,

Delineando un lenguaje propio caracterizado por la revaloración 11

del muro, la búsqueda de texturas durables, particularmente mediante el empleo del concreto cincelado con grano de mármol expuesto y una concepción espacial que retoma la tradición de la arquitectura mexicana de patios, pórticos y taludes que relacionan el interior de los edificios con el espacio urbano.

Ilustración 9 Teatro de la Ciudad Emilio Rabasa, Tuxtla Gutiérrez, Chiapas (1979).

Juan Sordo Madaleno. (México, D. F.; 28 de octubre de 1916) En un principio mantuvo influencia por el estilo de la Bauhaus y de Le Corbusier. Sus obras estuvieron centradas principalmente en hoteles, edificios residenciales y de oficinas, así como centros comerciales. Conclusiones: Dentro del posmodernismo surgieron arquitectos que se desarrollaron por sus diferentes propuestas y modo de relacionar el contexto arquitectónico con sus diseños que realizaron. Formando sus propias características y utilizando materiales innovadores.

Ilustración 7 Oficinas Centrales del Infonavit, Ciudad de México (1973), en colaboración con el arquitecto Teodoro González de León.

Fuentes de información: www.epdlp.com/arquitecto.php?id=170 es.wikipedia.org/wiki/Michael Graves Ilustración 8 Embajada de México en Brasilia, Brasil (1973), en colaboración con los arquitectos Teodoro González de León Edificio de El Colegio de México, Av. Camino al Ajusco 20, Ciudad de México, (1975), en colaboración con el arquitecto Teodoro González de León

es.scribd.com/doc./23693772/Charles-Moore.

3.- ARQUITECTO DANIEL LIBESKIND

disciplinaria, es decir, resolviendo todos los aspectos en su propio diseño. 1986 – Funda en Milán Architecture Intermundium, un instituto privado de arquitectura y urbanismo.

Autor: Flavio Alonso Pinedo Pinedo. Resumen.

1988 – Participa en la exposición sobre la arquitectura deconstructivista en el Museo de Arte Moderno de Nueva York

Arquitecto precursor del y uno de los mayores representantes del decontructivismo en el mundo.

1990 – Abre su propio estudio profesional después de haber ganado el concurso para la ampliación del Museo Judío de Berlín

Palabras clave: Creatividad, Imaginación, Modernidad. Abstract.

1997 – Se le concede el Premio de las Artes y las Letras de la Academia Americana y el Premio Berlín Cultural

Architect precursor and one of the greatest representatives of the Deconstructivism in the world. Key words: Modernity.

Creativity,

1999 – se le concede el Premio Alemán de Arquitectura por el Museo Judío de Berlín

Imagination,

Daniel Libeskind (1946) es un arquitecto estadounidense de origen judío. Nació en Lodz, en la Polonia de la post-guerra. Estudió música en Israel y en Nueva York, y llegó a ser un intérprete virtuoso. No obstante, decidió abandonar la música y dedicarse a la arquitectura. Estudió primero en la Cooper Union for the Advancement of Science and Art en Nueva York, y obtuvo posteriormente un título de post-graduado en la Universidad de Essex, en Inglaterra. A los 21 años Libeskind adquirió la nacionalidad norteamericana.

für

2002 – Enseña en la Hochschule Gestaltung, Karlsruhe, Alemania

2004 – Doctorado Honorario de la Universidad de Toronto 2004 – es nombrado primer Embajador Cultural de Arquitectura.

Un arquitecto de prestigio internacional, apreciado por sus proyectos de edificios y por sus planteamientos urbanísticos. Ha introducido en la arquitectura nuevos conceptos, que han provocado intensas discusiones dentro de la profesión. También se caracteriza por abordar los proyectos de forma multi13

El edificio, siendo diseñado por un arquitecto de origen Polaco sale totalmente de lo común, siendo una de sus obras más representativas. El primer año en el que se reinauguró, lo visitaron más de 700.000 personas, lo que hizo que fuera en aquel entonces el museo alemán más visitado.

Ilustración 10 Museo Judío, Berlín, Alemania.

El inmueble tiene las fachadas metálicas, ventanas con caprichosas formas y orientaciones, y la planta con forma de rayo. La Torre del Holocausto y el Jardín del Exilio son otras dos construcciones pertenecientes al museo. Ilustración 12 Museo Judío, Berlín, Alemania.

El principal objetivo del museo es representar ese vacío que representa la desaparición de la comunidad judía por el holocausto nazi. Su diseño es totalmente moderno y trata de representar la vida de los judíos de la época a través de obras de arte u objetos cotidianos. Ilustración 11 Museo Judío, Berlín, Alemania.

Tanto en la torre como en el edificio principal, las nítidas hendiduras por las que penetra la luz crean ambientes insospechados que refuerzan la idea de un edificio surgido alrededor de un vacío histórico, es decir, de la aniquilada cultura judía.

La idea surgió de la comunidad judía residente en Berlín en 1971 para recuperar el museo abierto que en 1938 la Gestapo había clausurado. Luego en los 80 la idea tomó más fuerza hasta que finalmente reabrió sus puertas en enero de 1999.

Torre Nueva York, Nueva York, usa

cortan el cuerpo de la torre. Cuando la obra sea terminada estará ubicada cerca de los históricos edificios de Metropolitan Life Tower y el Empire State Building.

Museo danés –judío

Ilustración 13 Torre Nueva York, Nueva York, usa.

La Torre New York es un proyecto de tipología residencial ubicado en One Madison Avenue, teniendo una vista directa del parque Madison Square en Manhattan. El diseño muestra una serie de jardines en forma de espiral tratando de llevar el verde de Madison Square dentro y hacia la fachada del edificio. La torre está un poco alejada de sus vecinos, para que de esa manera pueda mantener una mejor vista y ventilación. la obra todavía está en fase de revisión.

Ubicado en Copenhague, Dinamarca. Este edificio se basó en la historia de los judíos daneses que fueron salvados por los daneses en octubre de 1943. El concepto usado para el museo fue basado en la palabra griega MITZVAH – una obligación o una buena acción – la cual esta simbolizada en la forma, estructura e iluminación del edificio. El museo Danés – judío culminó su construcción en septiembre del 2003 y abrió sus puertas al público en junio del 2004. Este arquitecto es uno de los precursores del deconstrutivismo sin embargo uno de los más representativos e innovadores en este estilo maneja formas colores y texturas que dan un confort al usuario a pesar de que sus formas son extravagantes.

Ilustración 14 Torre Nueva York, Nueva York, usa

La nueva estructura está ubicada donde existía One Madison Avenue, por lo que se decidió preservar la fachada d la base del edificio y la relación de esta con su entorno. Largos jardines en espiral

Bibliografia; Revista Arquine 2004

Introducción

4.- MINIMALISMO APLICADO A LA ARQUITECTURA.

El minimalismo tiene sus raíces en los aspectos reductores de la modernidad, y es a menudo interpretado como una reacción contra el subjetivismo1 y del expresionismo abstracto2 y el pop art.

Autor: Carlos Betancourt Esparza. Resumen.

Hay quienes consideran que el minimalismo es una versión corregida y extremada del racionalismo y de la abstracción con que las artes responden a la aparición revolucionaria de la industria a finales del s. XIX. En este momento, el arte y la arquitectura modernos adoptaron la máquina como modelo de obra autosuficiente reducida a su pura esencia y en pos de una autonomía.

El término minimalismo describe la evolución de las diversas formas de arte y diseño, especialmente el arte visual, donde cualquier cosa u objeto es reducido a lo esencial, despojado de elementos sobrantes, quedando sólo sus características fundamentales. Es una traducción transliteral del inglés minimalist, que significa minimista, o sea, que utiliza lo mínimo; Es la tendencia a reducir a lo esencial en este movimiento artístico se identifica con un desarrollo del arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, iniciado en el año 1960.

Varios piensan que el arquitecto Ludwig Mies Van Der Rohe, uno de los arquitectos más importantes de este siglo, fue el precursor del minimalismo, pues él fue el que dijo la frase de "menos es más".

Palabras clave: Sencillez, Abstracción y Orden

El minimalismo usa el sentido de la individualidad de la obra de arte, la privacidad, una conversación conceptual entre el artista, el espacio circundante y el espectador. Así como la importancia del entorno como algo esencial para la comprensión y la vida de la obra. El término «minimal» fue utilizado por primera vez en 1965 por el filósofo Richard Wollheim para referirse a la

Abstract. The term minimalism describes the evolution of the various forms of art and design, especially visual art, where anything or object is reduced to essentials, stripped of excess elements, leaving only its fundamental characteristics. It is a translation of the English transliterated minimalist, minimalist means, using the minimum, is the tendency to reduce to essentials in this artistic movement identified with development of Western art after the Second World War, which began in year 1960.

1El subjetivismo limita la validez de la verdad al sujeto que conoce y juzga principalmente según su entendimiento y en consideración a su realidad específica (entorno e interacción social) entendida no como un hecho "externo" sino como parte constitutiva del sujeto, es decir, afirma que el conocimiento solo es posible de manera limitada. 2El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad.

radical reducción racionalista promovida por las nuevas tendencias del arte. Desde entonces este término ha crecido y ha mudado hasta instalarse por doquier empezando por la arquitectura. Minimalismo El minimalismo utiliza conceptos diametralmente opuestos al colorismo, a la importancia de los medios de comunicación de masas, frente al fenómeno de lo comercial y de un arte que se basaba en la apariencia. El minimalismo busca sentido de la individualidad de la obra de arte, la privacidad, una conversación conceptual entre el artista, el espacio circundante y el espectador, etc. Características del minimalismo:              

Abstracción Economía de lenguaje y medios Producción y estandarización industrial Uso literal de los materiales Austeridad con ausencia de ornamentos Purismo estructural y funcional Orden Geometría elemental rectilínea Precisión en los acabados Colores claros Reducción y síntesis Sencillez Concentración Desmaterialización

El minimalismo se caracteriza por la extrema simplicidad de sus formas, líneas puras, espacios despejados y colores neutros, en un ambiente con equilibrio y armonía.

La filosofía del minimalismo persigue construir cada espacio con el mínimo número de elementos posibles, de forma que se elimine o evite todo cuanto pueda resultar accesorio.

Ante todo se privilegian los espacios amplios, preferentemente altos, y libres. Un entorno armónico funcional, 17

fuera del concepto de exceso, saturación y contaminación visual. Se evita también la repetición y cualquier tipo de redundancia visual. Todo debe ser suavidad, serenidad y orden, nada de elementos superfluos y barrocos, de excesos ni estridencias, muchas veces ajenos al mundo exterior. Sobriedad sin ornamentación.

por una alfombra, un almohadón, o algún objeto único. Los materiales son otro de los puntos claves del minimalismo; en la ambientación minimalista se utiliza la madera, tanto en pisos como en muebles, y los materiales rústicos: cemento alisado, vidrio, alambre de acero y piedras, principalmente en estado natural, mínimamente manipulados.

Una de sus principales características del minimalismo es el uso de colores puros, con superficies o fondos monocromáticos, de tonos suaves predominando el blanco y el crudo. También se incorporan los tostados o el negro con sutiles toques de color para acentuar detalles y accesorios.

Las telas que se utilicen en la decoración minimalista deben evitar lo agresivo y barroco, aportando frescura e invitando a la relajación. Se deben dejar afuera las telas estampadas y floreadas, optando por la austeridad de los lisos. El contraste lo aportan algunos detalles ornamentales de los que, en ningún caso, hay que abusar. El detalle de color, tal vez un rojo, puede estar dado 18

En los muros se trata de evitar todo adorno que esté de más, aunque se puede utilizar algún cuadro destacado en presencia o importancia. Un cuadro de autor es un buen recurso. Paredes lisas de colores claros o revestidas con piedra, cómo único elemento de decoración.

Las cortinas, cuando existen, deben ser blancas, de líneas rectas y simples.

Los muebles toman el concepto propio del minimalismo de simpleza y funcionalidad; menos es más. La austeridad en el diseño y en la cantidad de muebles, son básicos en la decoración minimalista. No siempre existen muebles fijos. Muchas veces se esconden o guardan en muebles o estanterías. Los muebles modernos y orientales van muy bien con este tipo de decoración. Conclusiones El ser humano en el mundo contemporáneo, vive saturado de información, empujado a consumir y expuesto a cambios vertiginosos. En ese contexto el arribo a su hogar debería parecerse lo más posible a un “desenchufe”, a una sedación, a un alivio espiritual, a recuperar lo esencial para vivir y estar consigo mismo. Se trata de la reducción a lo esencial. 19

De este modo se pude ver como un manifiesto anti – sistema, sobre consumir menos y gastar menos ante incertidumbres de la economía global, pero también se puede apreciar de una forma menos material y más espiritual. Gran parte de los arquitectos, artistas y observadores de este tiempo entienden, a lo “Minimalista” como el arte de vivir con menos para poder así liberar energías en lo que realmente importa. Fuentes de información: http://www.google.com.mx/ http://es.wikipedia.org/wiki/Minimalismo

5.- EL CONSTRUCTIVISMO

separa el arte "puro" del arte usado como instrumento para propósitos sociales, a saber, la construcción del sistema socialista.

Autor: Juan Antonio Esparza Flores. “El constructivismo como corriente artística”.

El término Construction Art (arte de construcción) fue utilizado por primera vez en forma despectiva por Kasimir Malevich para describir el trabajo de Alexander Rodchenko en 1917. Constructivismo aparece por primera vez como un término positivo en Manifiesto Realista de Naum Gabo en 1920. Alexei Gan utilizó la palabra como el título de su libro Constructivism, impreso en 1922, mientras que su abstracción geométrica se debió, en parte, al Suprematismo de Kasimir Malevich. La base de enseñanza para el nuevo movimiento fue puesta por el Comisariado del Pueblo para la Educación (o Narkompros) del gobierno de Bolchevique, a cargo del Ministerio de Cultura y Educación dirigido por Anatoli Lunacharski que suprimió la vieja academia de Petrogrado de Bellas Artes y la Escuela de Moscú de Pintura, Escultura y Arquitectura en 1918. La oficina artística del Comisariado funcionó durante la Guerra Civil rusa principalmente dirigida por futuristas, que publicó el diario Arte de la Comuna. El centro del constructivismo en Moscú residía en VKhUTEMAS: la escuela para el arte y el diseño, establecida en 1919. Más adelante la enseñanza en la escuela fue orientada más en la discusión política e ideológica que en la creación artística. La obra canónica del constructivismo fue la propuesta de Tatlin para el Monumento a la III Internacional (1919)

Resumen. Después de la revolución de Rusia surge este movimiento artístico en 1920 enfocado principalmente a la realización de obras en pintura y escultura, lo que las caracteriza es la utilización de formas ortogonales pesadas, líneas puras, figuras geométricas, este movimiento influenciado fuertemente por el cubismo y la abstracción en las obras por Picasso el máximo exponente del constructivismo es Vladimir Tatlin. Palabras clave: Abstracción, Cubismo, Purismo. Abstract. After the Russian revolution artistic movement emerged in 1920 focused mainly on the performance of works in painting and sculpture, what characterizes them is the use of heavy orthogonal shapes, clean lines, geometric shapes, this movement heavily influenced by Cubism and abstraction in works by Picasso the epitome of constructivism is Vladimir Tatlin. Keywords: Abstraction, Cubism, Purim. El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre. Es un término de uso frecuente hoy en el arte moderno, que 21

Así como estuvieron envueltos en trabajos de diseños industriales, los constructivistas trabajaron en festivales públicos y diseños de carteles callejeros para el gobierno de la revolución Bolchevique post-octubre. Quizás el más famoso de esos se dio en Vitebsk, donde el grupo UNOVIS de Malevich pintó placas de propagandas y edificios (el más conocido era el poster de Lissitzky: Golpea a los blancos con la cuña Roja (1919)

Esta combinaba una estética de máquina con componentes dinámicos que celebraban la tecnología, como los reflectores y las pantallas de proyección. Gabo criticó públicamente el diseño de Tatlin diciendo: “o se crean casas y puentes funcionales o el puro arte por el arte, pero no ambos”. Esto llevó a una división importante dentro del grupo de Moscú en 1920 cuando el Manifiesto Realista de Gabo y Pevsner afirmó la existencia de un núcleo espiritual para el movimiento. Esto se oponía a la versión del constructivismo adaptable y utilitario que sostenían Tatlin y Rodchenko. La obra de Tatlin fue inmediatamente alabada por artistas en Alemania como una revolución en el arte: una foto de 1920 muestra a George Grosz y John Heartfield sosteniendo una pancarta diciendo 'El arte está muerto - Larga vida al arte de la máquina de Tatlin', mientras que los diseños para la torre se publicaron en la revista de Bruno Taut Fruhlicht.

. Inspirado por la declaración de Vladimir Mayakovsky "las calles nuestros pinceles, las plazas nuestras paletas", artistas y diseñadores participaron en la vida pública durante la Guerra Civil. Una instancia determinante fue el festival propuesto para el congreso del Comintern en 1921 por Alexander Vesnin y Liubov Popova, que reensambla las construcciones de la exhibición OBMOKhU así como realiza trabajos para el teatro. Hubo un gran momento en este periodo entre el Constructivismo y el Proletkult, cuyos ideales concernieron en la necesidad de crear una estructura cultural completamente nueva y acorde a los constructivistas. En suma algunos de los éstos estuvieron fuertemente envueltos en la "Ventana ROSTA", una 22

campaña de información pública Bolchevique alrededor de los años 20. Algunos de los más famosos de ésta fueron el pintor y poeta Vladimir Mayakovsky y Vladimir Lebedev.

temas dominantes: la máquina y el movimiento. Su propósito era despertar a Rusia de la apatía cultural en que estaba sumida desde fines del siglo XVIII, atacaba a los museos y academias, al culto de lo antiguo y a todo el arte ruso de otros tiempos.

El constructivismo tuvo sin duda tendencias anteriores influyentes en el estilo ellas son el cubismo, el futurismo y el cubo-futurismo ruso que a continuación se cita:

El futurismo, exigía un nuevo concepto artístico basado en la dinámica de la velocidad, que para los futuristas era fundamental y peculiar de la vida moderna Precursor: Antonio Sant´Elia.

Cubismo. El nacimiento del Cubismo es sobre 1907, con Las Señoritas de Avignon, que termina en esa fecha, siendo esa obra el punto de partida. George Braque junto con Picasso son los inspiradores del cubismo. El Cubismo es un arte mental, se desliga completamente de la interpretación o semejanza con la naturaleza, la obra de arte tiene valor en sí misma, como medio de expresión de ideas. La desvinculación con la naturaleza se consigue a través de la descomposición de la figura en sus partes mínimas, en planos, que serán estudiados en sí mismos y no en la visión global de volumen. Así un objeto puede ser visto desde diferentes puntos de vista, rompiendo con la perspectiva convencional y con la línea de contorno. Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones.

Cubo-Futurismo. Maiakovski, Filonov, Rozanova, Malévitch y Burliok son algunos de los llamados futuro eslavos o cubo futuristas. Este movimiento experimental busca la línea como elemento simbolista que pretende exteriorizar lo interno, de este movimiento surgirá la abstracción geométrica supremacista. El cubo futurismo se compone de: • Cubismo- descomposición en distintos puntos de vista. Influencias de Léger (cilindrización de figuras) y Cezanne.

Futurismo. Movimiento artístico de comienzos en 1909 que rechazó la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos

• Futurismo- Suspensión de la figuras en 23

posiciones desequilibradas. Dinamismo al estilo Van Gohg. El movimiento está contenido. Se acude a temas rurales y urbanos.

(suprematismo), y la energía y velocidad (futurismo), y las texturas (Tatlin). El constructivismo de Tatlin tomó del cubismo la descomposición de los objetos en planos y del futurismo el interés por el empleo de todo tipo de materiales y la estética maquinista.

En principio el cubo futurismo no se adscribió a ningún grupo político, pero por su importancia para la propaganda de la Primera Guerra Mundial, se les consideró artistas del pueblo y es en 1918 cuando el sector más revolucionario del grupo (Maiakovski, Burliok y Kamenski) publicaban en la Gaceta Futurista, nº1, una serie de iniciativas para la democratización del arte a través de su presencia en la calle y en los medios de propaganda y agitación. Para concluir este articulo hablare ahora del punto fuerte del trabajo, el Constructivismo y como gracias todo lo anterior planteado y sus bases que van más allá del resto de vanguardias europeas el Constructivismo es un arte dinámico y por lo tanto cinético. El constructivismo nació en Rusia en artista que conocían muy bien el futurismo, y del mismo modo que los futuristas, los constructivistas rusos se fijaron como meta una reconstrucción de la sociedad, lo que les condujo a un interés por la arquitectura, el diseño utilitario y la escenografía.

Analizando la información recopilada se encuentra el curioso dato de que muchos países utilizaron estos planteamientos, pero la peculiar situación sociopolítica de la época caracterizó y distinguió el constructivismo, dejándolo bien claro y con un respaldo teórico en 1920 gracias a Naum Gabo y a su hermano que redactaron el manifiesto constructivista. Por lo que queda bien claro que el no nació de la nada, ni de un planteamiento estático y decorativo, si no que absorbió como una esponja las corrientes de agua (arte) dinámicas y bellas. Fuentes de información: http://www.taringa.net/posts/arte/3665172/ Constructivismo-Ruso.html http://www.buenastareas.com/ensayos/Co nstructivismo-Ruso/326627.html

A todo esto se le añade la fascinación que produjo el cubismo con sus diferentes puntos de vista y sus collages,(creándose el cubofuturismo) pero con su afán de crear una nueva sociedad cultural y teniendo la oportunidad de ello gracias a la revolución soviética por la 1ª guerra mundial estos artistas buscan un sentido del arte superior y dejando claras como las bases del constructivismo, Popova definió en 1919 que el constructivismo se comprendía entre la utilización del espacio pictórico (cubismo), la línea y color

Bibliografía. EL CONSTRUCTIVISMO RUSO Christina Lodder, alianza editorial, 1987. CONSTRUCTIVISMO RUSO J.L. Cohen, EL SERBAL editorial , 1994.

6.- ARQUITECTURA BRUTALISTA.

por sus plantas y secciones ortogonales, la ausencia de decoración en las fachadas y los grandes ventanales horizontales, divididos por perfiles de acero. De este movimiento se desprenden tendencias como el Racionalismo, Funcionalismo, Organicismo, Brutalismo y finalmente los movimientos contemporáneos.

Liliana Zarahit Vázquez Álvarez Resumen El Brutalismo es un estilo arquitectónico que tuvo su auge entre los años 1950 y 1970, época donde se desarrolla una expresión arquitectónica exuberante.

Desarrollo El Brutalismo es un estilo arquitectónico que tuvo su auge entre los años 1950 y 1970. Se le da este nombre refiriéndose a la rudeza determinada que tenía la mayoría de las obras en su apariencia.

El estilo, unido a los principios fundamentales del funcionalismo, provocó la eliminación de muchos elementos arquitectónicos aparentes, produciendo una sana evolución dentro de la arquitectura moderna.

El Brutalismo se reconocía principalmente en las estructuras y fachadas de concreto armado, pero podía aplicarse el adjetivo de “brutalistas” a construcciones de piedra u otros materiales rústicamente trabajados así como a fachadas de apariencia áspera.

Palabras clave: Estilo, exuberante, funcionalismo. Abstract The Brutalism is an architectural style that reached its peak between 1950 and 1970, (development time where exuberant architectural expression).

Consiste en mostrar los servicios al exterior, todo elemento auxiliar que permanecía oculto, es puesto de manifiesto en la fachada, como son las tuberías de agua, los ductos de ventilación, etc.

The style, combining the basic principles of functionalism, led to the elimination of many architectural elements apparent, producing a healthy evolution in modern architecture.

Se trata de una cuestión de texturas, en las que de alguna forma el lenguaje arquitectónico que expresaba era de rudeza y aislamiento.

Key words: Style, exuberant, functional. Introducción El Movimiento Moderno se define como la corriente arquitectónica aparecida en las primeras décadas del siglo XX, que marcó una ruptura radical con las formas compositivas tradicionales. Se caracteriza 25

liberando las plantas, colgando entrepisos o enfatizando las vigas de borde para generar líneas horizontales dominantes en grandes espacios austeros. También se les da tratamiento escultórico a columnas, pórticos y escaleras, posibilitando dobles y hasta triples alturas.

Fuente.http://www.arqhys.com/arquitectur a/brutalismo.html - Marzo 2013 Los edificios de este estilo están constituidos por geometrías angulares repetidas y generalmente aparecen las texturas de los moldes de madera que se emplearon para dar forma al concreto. El Brutalismo en su época fue un movimiento reformador que unido a los principios fundamentales del funcionalismo condujeron a la eliminación de muchos convencionalismos, produciendo una sana evolución dentro de la arquitectura moderna.

Fuente.http://urbanoarquitectonico.blogsp ot.mx/2007/12/brutalismo.html Características brutalistas.  

Se caracteriza por realizar una lectura crítica de las convenciones vigentes en su época, enfatizando la búsqueda de una dimensión poética en la arquitectura a través del uso de la luz, los grandes espacios y una aplicación particular de los materiales. Propone exhibir las huellas del proceso de construcción como una nueva noción ornamental, poniendo en evidencia el lenguaje constructivo del concreto armado, el ladrillo visto, el vidrio y el hierro.

  

los

edificios

Geometrías angulares repetitivas Texturas de los moldes de madera que se emplearon para dar forma al material, que normalmente es concreto. Apariencia áspera y se aprecian sus materiales estructurales desde el exterior. Los materiales de construcción brutalistas pueden ser ladrillos, cristal, acero, piedra áspera y gavión Consideración de los vínculos sociales con el hábitat.

Ideología de la arquitectura brutalista La estructura portante de la obra tiene un papel expresivo fundamental, despojándola de toda voluntad académica de representación. Este efecto se alcanza

Este estilo se asoció con las ideologías de utopías sociales, promovidas por sus partidarios. 26

El movimiento decayó a causa de la imposibilidad de formar comunidades exitosas en estructuras brutalistas, por el estancamiento urbano que prosiguió a la Segunda Guerra Mundial. El Brutalismo perseguía funcionalismo, la eliminación convencionalismos.

el de Ilustración 17 Heroico colegio militar. Cd. México (1975).

Arquitectos y obras brutalistas en México

Arq. Ing. Félix Candela

Arq. Agustín Hernández

Ilustración 18 Planta Embotelladora Bacardi Cd. México (1961).

Ilustración 15 Escuela de ballet folklórico (1968).

Ilustración 19 Capilla Abierta, Cuernavaca Morelos (1960)

Ilustración 16 Taller de arquitectura (1970).

funcionalismo condujeron a la eliminación de muchos elementos arquitectónicos aparentes. A causa de todo lo que provocó este movimiento, en la actualidad es muy difícil encontrar obras arquitectónicas realizadas totalmente en concreto armado y definirlas como Brutalismo debido a que no es factible económicamente realizar y conservar una obra de esta magnitud. Ilustración 20 Capilla de Santa Mónica. Xochimilco Edo. México (1962).

Glosario: Ortogonales. Son aquellas secciones cuyas rectas proyectantes auxiliares son perpendiculares, estableciéndose una relación entre todos los puntos del elemento proyectante con los proyectados.

Ernesto Gomez Gallardo.

Organicismo. Es una filosofía de la arquitectura que promueve la armonía entre el hábitat humano y el mundo natural. Ilustración 21 Conjunto habitacional “El Altillo” (1968). Cd. México

Racionalismo. Es una corriente arquitectónica que es considerado como la depuración de lo ya sobresaltado, dejando nada más lo esencial lo funcional y lo práctico para cada situación.

Conclusión Considerando que la corriente surge de los eventos sociales y a la economía que se sufre a causa de la segunda Guerra Mundial y se expresa en la arquitectura como una forma de identidad del ser humano, y mediante los materiales trata de retomar los tradicionales para que al momento de la construcción se expresen y se dejen tal cual son ya que de esta forma se expresa la honestidad en las obras arquitectónicas.

Funcionalismo. Es una corriente arquitectónica que considera que las obras que se realicen estarán basadas a satisfacer necesidades materiales, es decir, deben ser solo las que se utilicen y no las que el cliente quiera. Convencionalismo. Es la creencia, opinión, procedimiento o actitud que considera como verdaderos aquellos usos y costumbres, principios, valores o normas que rigen el comportamiento social o personal, entendiendo que éstos

Debido a esto, fue un movimiento reformador que combinado con el 28

están basados en acuerdos de un grupo social, más que en la realidad externa. Fuentes de información:  http://www.arqhys.com/arquitectura/bru talismo.html  http://urbanoarquitectonico.blogspot.m x/2007/12/brutalismo.html  Arquitectura, Teoría diseño contexto. Enrique Yáñez. Editorial noriega Limusa

Vigilando todo tipo de detalles para realizar cada una de las actividades diarias.

7.- ARQUITECTURA ESCULTÓRICA EMOCIONAL

Específica para destacar, trabajar, estudiar o disfrutar del tiempo libre. Esto transborda a una arquitectura emocional donde las líneas volumétricas simples no pretenden competir con la naturaleza circundante sino convertirse como parte misma de su vivienda, crear espacios donde se juega con la luz, las texturas, la integración en el entorno y los colores.

Autor: Gloria Elizabeth Esparza Robles.

La arquitectura y la escultura han estado estrechamente vinculadas. En los años 1700s se descubrió de manera palpable el trasvase de influencias que se produce entre ambas formas. En la etapa colonial fueron dos artes estrechamente relacionadas, que destacaron como expresión de la vida religiosa. No se pensaba de un modo aislado, sino que se hacía para integrarla en una edificación, principalmente una iglesia o en una procesión. En la actualidad, la arquitectura cuenta con nuevos materiales y nuevos medios técnicos para el diseño esto lo acerca y asemeja aún más a la escultura y a las construcciones actuales dando como resultado arquitectura emocional. Actualmente la combinación de escultura y arquitectura que se exhiben en ciudades y parques conforman una cautivante relación con el paisaje. Este arte aporta un valor turístico para las ciudades dando una identidad y un símbolo de la modernidad del lugar estimulando la imaginación del paseante. La arquitectura nos da la oportunidad de crear, más que simples habitáculos en los cuales se desarrollan actividades diarias, gracias a la utilización de materiales como el acero, cristal dando una innovación como escultórica y arquitectónica. La arquitectura concebida como una escultura habitable creada para ser contemplada y vivida, como escenario de la vida diaria debe hacerse con minucioso cuidado

Ilustración 22 Casa Giraldi, México DF/ Arq. Luis Barragán.

Arquitectura emocional Mathias Goeritz el legado de sus obras, y más aun de sus ideas, han redefinido el concepto de la escultura pública abstracta y propuesto la arquitectura escultórica, la llamada arquitectura emocional. Su manifiesto de la arquitectura emocional se ha tomado dentro de un restringido margen explicativo que ha servido como base para comprender las posibilidades abiertas que tenían la arquitectura y la escultura para el artista alemán. 30

El objetivo de esta es generar emociones pero sin que sean las emociones una meta sino un producto de la Arquitectura Emocional. Es decir, la propuesta de la Arquitectura Emocional fue cambiar el espacio con los elementos y recursos arquitectónicos por sí mismo dejando a un lado el exceso de funcionalidad. El descuido de esta mirada a profundidad se debe quizás a la contundente huella que deja en términos arquitectónicos el eco (los cuales están contrapuestos a la escuela funcionalista) y a la conglomeración de artistas que Goeritz convoco para su realización. Carlos Merida, Rufino Tamayo, Henry Moore, Luis Buñuelos y Lan Admonia, se convocan dentro del grupo que escuchó resonar la idea de Goeritz. Si bien ha habido momentos en que la crítica ha disertado sobre lo espiritual en la obra de Goeritz no ha habido una correspondencia directa con el eco. Reconocidos profesionales arquitectura emocional

Luis Barragán, arquitecto Mexicano y ganador del pritzker Architecture Prize en 1980, es uno de los más reconocidos profesionales de la arquitectura moderna. Fue creador de la arquitectura emocional, y su obra caracterizo por crear espacios donde jugaba en los distintos planos con la luz, las texturas y los colores. Su principal influencia fue el arquitecto paisajista e ilustrador francés Ferdinand Bac y, así, reconoció la importancia de usar elementos como las rocas, el agua y el horizonte en la arquitectura. En México mezcla lo aprendido en Europa con sus raíces mexicanas y crea, entre sus obras más conocidas El Pedregal, La Capilla de las Capuchinas Sacramentarias y la Casa Giraldi.

Factores como el color, la iluminación y el uso del agua establecen características especiales en los ambientes, que agudizan ciertos sentidos en el ser humano. Cada uno de estos elementos tiene detalles que, al apreciarlos de forma conjunta, crean ambientes que hacen la diferencia y apreciar cada lugar de una manera única.

La casa Giraldi es uno de los proyectos de Barragán donde se siente dentro de una obra de arte viva, ya que el espacio en esta cambia constantemente por la forma como trabaja el color, el agua y la iluminación en conjunto. Estos elementos crean un espacio lleno de armonía que brinda nuevas sensaciones cuando el color de las paredes se refleja en el agua y cuando el color va cambiando durante el día por la iluminación natural que ingresa desde el exterior para crear un ambiente especial. 31

Entre sus obras más importantes destacan, la Escuela de Ballet Folklorico(1968), El pabellón Mexicano de la Expo de Osaka (1970), su propia casa en Casa en México DF (1970), El Heroico Colegio Militar (1976), el Centro de Meditación de Cuernavaca (1984), la Casa en el aire (Bosques de las Lomas, 1991) y el Centro Corporativo Calakmul(1994). Ilustración 23 Capilla de las capuchinas, Tlalpan/ Arq. Luis Barragán

(Agustín Hernández, 1968)

Ilustración 25 Taller y casa Hernández/ México DF, Arq. Agustín Hernández.

Ilustración 24 Casa Giraldi, México DF/ Arq. Luis Barragán.

Otro ejemplo es el gran Arquitecto Mexicano Agustín Hernández nacido en Ciudad de México. Arquitecto escultor por su impresionante y fuerte predisposición al formalismo, incrustando e implantando los valores plásticos emocionales de la cultura mexicana, con un marcado énfasis en aquellos que provienen y emanan del pasado precolombino, brindando y manifestando una visión única de geometría, simbolismo y gravedad propia de Agustín Hernández, sus obras tienen una gran fuerza escultórica.

Ilustración 26 Nocturna de la Escuela del Ballet Folklórico.

Siendo representante de la Arquitectura Emocional centrándose en la revaloración de lo local filtrado por la practica moderna de la disciplina. 32

Uno de sus proyectos, que podrían considerarse como uno de sus favoritos, es la casa orgánica, esta tiene un significado laboral de su comienzo en la bio-arquitectura. Para los hábitats orgánicos en los que trabaja, utiliza diversos materiales, como conchas, piedras, maderas, cenizas volantes, celulosa, fibra mineral, jeans, papel periódico, compuesto de resina de bajo tóxicos, entre otros.

Ilustración 27 Heroico Colegio Militar/ Cuernavaca México DF. Arq. Agustín Hernández

La llamada Bio-arquitectura una nueva arquitectura basada en arte Ilustración 28 La Casa Orgánica/ Naucalpan, Estado de México, Arq. Javier Senosian

Javier Senosian Arquitecto Mexicano exponente de la denominada Arquitectura Orgánica. La arquitectura denominada orgánica o bio arquitectura, se basa en la forma de espacios que proporcionan armonía entre el hombre y la naturaleza, y que, además, cubre sus necesidades físicas y psicológicas, otra de las características utilizadas en este tipo de arquitectura es el adaptarse a los patrones establecidos y marcados por el ambiente.

Fuentes de información: El credo estético de Mathias Goeritz https://www.google.com.mx/search?hl=es 419&safe=off&q=Escuela%20de%20Balle t%20Folklorico&psj=1&bav=on.2,or.r_gc.r _pw.r_cp.r_qf.&biw=1366&bih=670&um=1 &ie=UTF-271 http://www.epdlp.com/arquitecto.php?id=3 250 http://culturacolectiva.com/arquitecturaorganica-javier-senosiain

La arquitectura que trabaja y crea Javier Senosian no es nueva, se ha conocido con diferentes nombres que han dejado un importante legado. El trabajo de Senosian a menudo es comparado con obras de Paolo Soleri, Friedensreich Hundertwasser, Buckminter Fuller, Antonio Gaudí, Rudolph Steiner y del pionero Frank Lloyd Wright.

creations, which may be far from natural figures, so it can be displayed or entirely abstract sculptures and is merging with architecture that this is responsible for developing constructs in terms of their shape and utility, but who also aesthetic precepts. Therefore, the architecture is often considered one of the fine arts.

8.- ARQUITECTURA COMO ESCULTURA.

Autor: Juan Pablo González Pérez. Resumen. En este artículo se podrá percatar de qué relación existe entre arquitectura y escultura y los principales exponentes de estas, la escultura es una de las bellas artes, que consistente en modelar a partir de materiales sólidos, normalmente piedra o cerámica, pero también madera, yeso, bronce, etc., para hacer representaciones en volumen bien simulando unas figuras, bien plasmando creaciones del propio escultor, que pueden estar alejadas de las figuras naturales, por lo que pueden ser esculturas representativas o enteramente abstracta y esta fusionándose con la arquitectura que esta se encargan de desarrollar construcciones en función de su forma y utilidad, sino que también siguen preceptos estéticos. Por eso, la arquitectura suele ser considerada como una de las bellas artes.

One of the leading exponents of architecture as sculpture is Fernando Gonzalez Cortázar. With his work "The Great Gate" ¿Qué relación existe entre el arte y la arquitectura? La arquitectura y la escultura han estado estrecha mente vinculadas desde siempre. En los años 1700s se descubrió de manera palpable el trasvase de influencias que se produce entre ambas formas. En la etapa colonial, la escultura y la arquitectura fueron dos artes estrechamente relacionadas, que destacaron como expresión de la vida religiosa

Uno de los principales exponentes del arquitectura como escultura es Fernando González Cortázar .con su obra "la gran puerta"

La relación que existe entre arquitectura y escultura es el concepto de diseño ya que los dos tratan de representar sus sentimientos en una realidad.

Abstract.

Uno de los grandes arquitectos contemporáneos expositores de arquitectura como escultura es francisco González. Arq. Jalisciense el cual es un pionero en la implementación de concepto en sus obras arquitectónicas.

This article may notice what is the relationship between architecture and sculpture and the leading exponents of these, The sculpture is one of the fine arts, consisting of modeling from solid materials, usually stone or tile, but wood, plaster, bronze, etc.., to make representations on simulating a good volume figures, good sculptor shaping 34

Ilustración 29 Fernando González Gortázar.

Ilustración 31 Mathias Goeritz

Una de las obras que lo identifican es ¨la gran puerta¨ Bibliografía: books.google.com.mx/books?id=7jdO

Ilustración 30 ¨La Gran Puerta ¨

Mathias Goeritz el pensamiento que él tenía El arte es una creación humana, una creación viva aunque sus creadores hayan muerto hacen miles de años. La obra de arte se reconoce precisamente por su vida propia.

las ideas de Le Corbusier4 (en particular en su edificio Unité d‘Habitation) y en Ludwing Mies van der Rohe5 dentro del movimiento moderno.

9.- ¿QUÉ ES LA EXPRESIÓN EN CONCRETO ARMADO?

Autor: Cinthya Mariel Nava Pasillas. Después de la segunda guerra mundial, la Gran Bretaña tuvo una gran inclinación en torno a la tecnología y a las necesidades de producción de la arquitectura. Y de hecho el reforzamiento político industrial y las aspiraciones sociológicas tuvieron mucho que ver.

Resumen. La expresión en concreto es un movimiento que se desarrolló entre los años 1950 – 1970. Se caracterizaba por exaltar las condiciones naturales de los materiales y por utilizar la relación material – forma, dándole un sentido de monumentalidad a las edificaciones. Se considera como máximo exponente de este movimiento, al Arquitecto Félix Candela3.

Se desarrolló una expresión arquitectónica exuberante, fue un movimiento reformador que unido a los principios fundamentales del funcionalismo y lo condujeron a la eliminación de convencionalismos, produciendo una sana evolución dentro de la arquitectura moderna. No se desarrolla un concepto como tal, sino que se desarrollan tres estilos dentro del movimiento, el brutalismo, el minimalismo y el maximalismo, este estilo se asoció con las ideologías de utopías sociales, promovidas por sus partidarios. Su principal innovación consiste en mostrar los servicios al exterior, todo elemento auxiliar que permanecía oculto, es puesto de manifiesto en la fachada, como la estructura y los materiales con los que está hecho.

Palabras clave: Concreto armado, brutalismo, minimalismo y maximalismo.

Abstract. The expression in particular is a movement that developed between the years 1950 - 1970. It is characterized by exalting the natural conditions of the materials and to use the material relationship - form, giving a sense of monumentality to the buildings. It is considered as maximum exponent of this movement, the architect Felix Candela.

El artista comienza por situar sus referentes creativos en el propio objeto artístico, alejándose de esta manera de toda interferencia con el mundo exterior; creando una serie de obras, que definían como estructuras o sistemas, en las que el predominaban las formas geométricas

Key Words: reinforced concrete, brutalism, minimalism y maximalism. La expresión en concreto armado es un movimiento que aparece por primera vez en 1950, tras la inspiración de

Le Corbusier. Arquitecto y pintor Suizo, que veía la posibilidad de cambiar al mundo a través de la arquitectura.

Félix Candela. Fue un arquitecto mexicano de origen español, famoso por la creación de estructuras basadas en el uso extensivo del paraboloide hiperbólico y el concreto.

Ludwig Mies van der Rohe. fue un arquitecto y diseñador industrial. Dirigió la escuela Bauhaus entre 1930 y 1933.

elementales y de los materiales más rudimentarios.

6. No contribuye a romper la monotonía.

tajante de los materiales, sin buscar precisamente la forma más fina para mostrar su esteticidad. Afortunadamente el empleo de tecnología y nuevos materiales vinieron a enriquecer en su conjunto las vistas urbanas de las que hoy disfrutamos, en algunos casos con sentido crítico y en otros más apreciando el buen gusto y el manejo de texturas y materiales. Ésta como otras corrientes arquitectónicas ha surgido en Europa y posteriormente tienen influencia para México. Por lo sus características y principios fundamentales se distorsionan y en ocasiones se enriquecen con características propias del lugar, dándole un sentido e identidad propia del país con características importantes del estilo o movimiento. Un claro ejemplo es la arquitectura del Arquitecto Félix Candela, que se considera como uno de sus precursores más importantes. Sus edificaciones en México son un claro ejemplo de que los estilos mantienen sus características, pero retoman características del ambiente en el que se desarrollan. Dentro de sus edificaciones más importantes encontramos: 1. La capilla abierta en Cuernavaca Morelos, edificada en 1960. 2. La planta embotelladora Bacardí en México. Edificada en 1960. 3. La Capilla de Santa Mónica en México, edificada en 1962. 4. EL palacio de los deportes en México, edificada en 1968.

La expresión en concreto armado realmente es un reflejo de renovación. Mostrando el poder tecnológico y económico del país que se esté analizando.

Bibliografía. 1.- Historia Crítica de la Arquitectura Moderna, Kenneth Frampton. Editorial trillas. Minimalismo y Brutalismo. 2.http://www.slideshare.net/darkhawk3/ma ximalismo

Busca una visión espectacular en la arquitectura, con superficies voladas y el uso de estructuras de concreto en la mayoría de sus diseños arquitectónicas. Se vuelve más común en edificios y no en casas. También puede pertenecer al estilo si tiene una apariencia áspera y se aprecian sus materiales estructurales desde el exterior; esto depende del edificio del que se trate, pero en general, es un estilo arquitectónico que no es agradable a la vista y que en su época cumplió una función, convirtiéndolo en un daño a la vista; al ver esa concentración de concreto y esos edificios tan grises y sin gracia. Parte de las características por las que se puede identificar un edificio perteneciente al movimiento son: 1. Geometrías angulares repetitivas 2. Texturas de los moldes de madera que se emplearon para dar forma al material, que normalmente es concreto. 3. Apariencia áspera y se aprecian sus materiales estructurales desde el exterior. 4. Los materiales de construcción brutalistas pueden ser ladrillos, cristal, acero y piedra áspera. 5. Consideración de los vínculos sociales con el hábitat.

Sus edificaciones muestran una cierta extravagancia en el uso rústico y 37

10.- PENSAMIENTO POSMODERNO Y SUS ANTECEDENTES.

Palabras clave: contradictorio.

Modernismo,

liberal,

Autor: Pedro Gamboa López. Resumen. Abstract.

Después de una gran evolución humana propiciada o caracterizada por el surgimiento de la Revolución Industrial, la Revolución Francesa y la Ilustración; surgen ideologías nuevas que como en cada época quedan inmortalizadas en obras de arte obedeciendo estilos propios de un lugar y un tiempo en específico.

After a great human evolution favored or characterized by the emergence of the Industrial Revolution, the French Revolution and the Enlightenment new ideologies emerge that as in every age are immortalized in obeying artwork styles typical of a place and a specific time. Among other changes, and after seeing how the industry gradually began to devalue the art and crafts, modernism emerged, that through the Bauhaus school of art included in the industry by designing, managing popularize art, people approached him, and so led the emergence of various artistic movements into a relatively short time span. At the end of which postmodernism born with retrograde mentalities sometimes but with a highly liberal target, as there were rules, minorities light out, no need to have technical knowledge, there were no judges, who alone could tell whether something was good or bad was the public itself, attending or rejecting a work.

Entre otros movimientos, y después de ver como la industria comenzaba poco a poco a devaluar el arte y las artesanías, emergió el modernismo, que a través de la escuela de la Bauhaus incluyo el arte en la industria por medio del diseño, logrando popularizar el arte, lo acercó a la gente, y propició de tal forma la aparición de diversos movimientos artísticos en un lapso de tiempo relativamente corto. Al fin de los cuales nació el posmodernismo, con mentalidades en ocasiones retrógradas pero con un objetivo altamente liberal, pues ya no había reglas, las minorías salían la luz, no había necesidad de tener conocimiento y técnica, no había jueces, el único que podían decir si algo era bueno o malo era el propio público, asistiendo o rechazando una obra. Sin embargo, ésta corriente se volvió contradictoria, pues al no existir normas, no había un camino seguro para los artistas que se arriesgaban demasiado a no ser aceptados haciendo de la libertad artística y de pensamiento algo meramente utópico.

However, this current is again contradictory as the absence of rules, there was no safe way for artists too risked not being accepted by the artistic freedom and thought something merely utopian. Key words: contradiction. 38

Modernism,

liber,

INTRODUCCIÓN.

moderno, pues a partir de la declaración "ilustre" que colocaba el raciocinio como una solución a la ignorancia, a la superstición y a la tiranía para construir un mundo mejor, el pueblo despertó su interés por el conocimiento de lo que le rodea.

El presente artículo muestra a grandes rasgos el pensamiento posmoderno y sus orígenes. Se abordan las ideologías que propiciaron el surgimiento del modernismo, por surgir de éste la posmodernidad.

Los filósofos sostenían que la razón liberaría a la humanidad de las cadenas que ella misma había creado al no permitirse utilizar el juicio propio sin la ayuda de alguien.

Antecedentes. Para comenzar a hablar del pensamiento posmoderno explicaremos un poco de la finalidad del modernismo ya que el posmodernismo, como la palabra lo dice, nace como evolución de la modernidad. El ser humano es un ser evolutivo, su evolución se ha dado físicamente pero sobretodo (con mayor frecuencia en los últimos años) mentalmente. Entiéndase como evolución un cambio, y si me atrevo a decir que se ha generado con más frecuencia en los últimos años es porque después del surgimiento de la revolución industrial, la revolución francesa y la ilustración, la habilidad de innovar se convirtió poco a poco en la diferencia entre tener éxito o fracaso, tanto individual como colectivamente.

El deseo de tal liberación llevó a la gente a crear métodos que les permitiesen mostrar un mundo sin barreras y abarrotado de posibilidades.

Perfección del conocimiento. Siglo XVII, el pensamiento comienza uno de sus cambios más importantes de la historia principalmente en Francia e Inglaterra; los filósofos ahora son para el pueblo, el conocimiento embarca un viaje hacia la universalidad, la humanidad se percata de que hay cosas más allá de lo que se les ha enseñado. Surge La Ilustración, provocando cambios sociales que más tarde fueron determinantes en el pensamiento

Revolución industrial y sus frutos inesperados. Debido quizá a las limitaciones humanas, hasta la primera mitad del siglo XVIII, las necesidades de una persona promedio eran relativamente simples consistían en construir una casa, alimentarse y alimentar a su familia. 39

Sin embargo, cuando la Revolución Industrial apareció emergieron nuevas cosas y las necesidades cambiaron; las posibilidades de un ser humano comenzaron a tener menos límites

en sus conceptos de libertad política, de fraternidad y de igualdad, o de rechazo a una sociedad dividida, o las nuevas teorías políticas sobre la separación de poderes del Estado provocó que se viera un problema más a vencer: el gobierno.

Una máquina el trabajo de diez hombres era sustituido por sólo uno o dos operadores en una industria, obteniendo resultados de, incluso, mejor calidad.

Las clases burguesas habían creado un gran poder que llegó a lo político, el régimen monárquico del gobierno que provocaba descontento de las clases populares, la crisis económica, los problemas fiscales de la monarquía después del apoyo militar brindado a EUA durante su guerra de independencia aunado al ejemplo de democracia del "nuevo estado emancipado" provocaron un enfrentamiento armado de clases en Francia al que se le denominó Revolución Francesa.

Esto generó cambios económicos inesperados, que por un lado eran positivos pues el hombre comenzaba a liberarse del trabajo para abordar una era en la que las máquinas lo hicieran por él, concibiendo grandes ganancias para los dueños de una empresa. Pero por el otro, las consecuencias negativas emanaron rápidamente puesto que así como las máquinas tomaron protagonismo en la producción, las personas perdieron valor, la artesanía se volvió obsoleta, el desempleo aumentó y con ello los índices de pobreza.

Debido a esto surge un nuevo gobierno, nuevas ideas y es más visible la anhelada libertad.

Nuevo deseo nueva revolución. El pueblo había despertado, la tecnología había logrado un gran avance, la expansión de las nuevas ideas ilustradas principalmente las expuestas por Voltaire, Rousseau o Montesquieu

Modernismo emancipación y justicia. Como ya se ha mencionado debido a las revoluciones industrial y francesa 40

impulsadas por la ilustración crearon un gran avance social, político y cultural, sin embargo, dicho avance no estaba dado a todos por igual debido a que no todos habían generado oportunidades de obtenerlo.

naciendo con ello el diseño industrial con el cual los artistas se adentraron en el mundo de la industria resaltando nuevamente su nombre y profesión. Crearon nuevas reglas, nuevos planes y tomaron nuevas acciones intentando alcanzar una verdadera emancipación. Los artistas y artesanos, educados laboralmente por la Bahuaus, comenzaron a ser parte importante de las empresas puesto que de sus mentes emanaba la innovación, misma que se convirtió en base para la economía y subsistencia de las mismas. Nada es perfecto. El modernismo avanzó sin complicaciones todo era mostrado de tal forma que parecía no haber algo mejor. Los artistas eran importantes, las industrias crecían frescamente, las personas se beneficiaban de sus productos, se creaban herramientas cada vez más efectivas, pero así como avanzaba la tecnología doméstica e industrial avanzaba consigo la tecnología militar convirtiéndose en un peligro latente la existencia de una nueva guerra. Cosa que ocurrió al poco tiempo, justamente 20 años después.

Dicha carencia afectó directa y más profundamente el campo de las artes, pues el lujo pasó de poseer obras de arte a productos de marca. Fue al darse cuenta de ello cuando los artistas comenzaron a buscar formas de terminar con la mala fortuna que les estaba aquejando. Trayendo como resultado en 1920 "la escuela de la Bauhaus de Walter Gripius", precursora de algo que como se ha mencionado llevaba años incubándose: el modernismo.

Haciendo que la sociedad se percatara de que algo iba mal y es que quizá la emancipación no se había logrado del todo puesto que cuando hay guerra hay inconformidad y si la inconformidad existe es porque no hay justicia y por ende independencia.

En la que se intentó con gran éxito la utilización de materiales industrializados para fines artísticos impartiendo conocimiento sobre éstos a los estudiantes e invitándoles a diseñar todas y cada una de las partes que conformen una obra, especialmente arquitectónica,

Germina una nueva búsqueda. El modernismo provocó una constante creación de estilos artísticos, sociales y políticos que en busca de la innovación cambiaban constantemente 41

provocando que algunas personas se quedaran atrapados en cierto periodo o se sintieran influenciados por dos a la vez sin ninguna posibilidad de destacar o ser aceptados. Esta confusión, aunada al hecho de que las primeras ideologías modernistas habían fracasado en su intento de autonomía debido a que los parámetros de comportamiento seguían existiendo y las clases altas continuaban tomando partido en la política, provocaba que las minorías quedaran al margen del reconocimiento, por lo que nacieron nuevos pensamientos que pretendían dar élite a artistas que no lo habían logrado.

las consecuencias de sus actos, así mismo se cree que de algún lado muy personal debió nacer su conducta mereciéndose la aceptación de quienes le rodean. Esta conducta generó gustos variados y junto con la constante evolución, hizo que en el arte la innovación pasara de crear a combinar estilos, sin dejar a un lado la originalidad, haciendo uno propio. La industria abrió más camino; la tecnología avanzó a pasos agigantados; la política tenía oposición, el mismo pueblo es quien por su conocimiento puede exigir y obrar de mejor forma para hacer de la sociedad un ambiente agradable; la religión y la historia se enfrentaban a cuestionamientos debido a que los posmodernos aseguraban la inexistencia de una verdad absoluta puesto que nadie había estado allí para comprobar.

Brotaron artistas, filósofos y políticos que impulsados por un deseo de liberar al mundo principalmente a ellos mismos innovaron la corriente moderna. A ésa evolución se le denomina posmodernidad.

Finalmente los que antes serían rechazados ahora eran amados, la ideología posmoderna alcanzó resultados que solo basta con decir que aún persiste para entender la magnitud.

Ahora la regla era admirar a todos, se dio prioridad al respeto del libre albedrío, no había normas de conducta, ya que cada ser humano utilizando su raciocinio puede comprender y entender 42

CONCLUSIÓN. Queda claro que el hombre busca plenitud, tranquilidad y paz emocional sin embargo en ocasiones se olvida de su condición, olvida que ya es pleno y libre encerrándose dentro de una burbuja de acciones, pensamientos, logros y trabajo que prometen más de lo que son en realidad. Durante el posmodernismo las minorías tomaron el timón de un barco que no tardaría mucho en virar hacia un rumbo del que precisamente se había escapado. La regla era el respeto de las minorías, pero esas minorías brotaban siempre con el ímpetu de convertirse en mayorías convenciendo a los demás de que sus ideas son las mejores. Faltando con eso al principio de individualización característico de la filosofía posmoderna. El posmodernismo es contradictorio, es ilusión, es imaginación, pues es mentira y verdad a la vez; aceptación y rechazo es originalidad y copia, es una parodia de lo que surgió durante el modernismo. FUENTES DE INFORMACIÓN. www.miapic.com/qu%C3%A9-esposmodernismo. www.filosofia.tk/versoados/his_hisam_pos modernismo.htm Posmodernismo para principiantes. Autores: Richard Appignanesi, Christ Garratt Teorías sobre la cultura en la era posmoderna. Autor: Marvin Harris. 43

11- CARACTERÍSTICAS HIGH-TECH EN LA ARQUITECTURA.

the book: The Industrial Style and Source Book for The Home. The book shows abundant examples of works where they give priority to the industrialized materials particularly used in ceilings, floors and walls.

Autor: Eulises Barrrios Menchaca. Resumen.

He finds his ideological origins in the Archigram (group of architects of forefront created in the decade of 1960). The futurist architecture of the Archigram was using in his ends basically the same technology of the steel, the glass and the concrete one but applied in a different way and it rests on the technological advances to denote his image.

El high-tech (alta tecnología) es un estilo arquitectónico que se desarrolló durante los años setenta. Toma su nombre del libro: El Estilo Industrial y Libro De la fuente para la Casa. Éste muestra abundantes ejemplos de obras donde priman los materiales industrializados particularmente utilizados en techos, pisos y muros.

In the 60s, the group Archigram, he proposes constructions where the technology is exhibited deliberately by edges of science - fiction. It can think to this group as predecessor of the architecture high tech.

Encuentra sus orígenes ideológicos en el Archigram (grupo de arquitectos de vanguardia creado en la década de 1960). La arquitectura futurista del Archigram utilizaba en sus extremos básicamente la misma tecnología del acero, el vidrio y el concreto pero aplicados de una manera diferente y se apoya en los avances tecnológicos para denotar su imagen.

They are the futurist designs, the first examples of ostentation of the technological elements. Palabras clave:

En los años 60, el grupo Archigram, propone construcciones donde la tecnología es exhibida deliberadamente con ribetes de cienciaficción. Puede tomarse a este grupo como antecesor de la arquitectura high tech.

Industrial, Futurista, Tecnología. La arquitectura High Tech se basa en muchos temas propios de la Arquitectura Moderna, de los cuales se apropió relaborando y desarrollando en base a las últimas tendencias. Los objetivos principales de esta arquitectura consiste en un juego creativo de crear cualquier cosa nueva evidenciando la complejidad de la técnica.

Son los diseños futuristas, los primeros ejemplos de ostentación de los elementos tecnológicos. Abstract.

La arquitectura High Tech depende para su vitalidad e interés de la aplicación de adelantos técnicos que suelen tener

The high-tech (high technology) it is an architectural style that developed during the seventies. It takes his name of 44

poco que ver con criterios de economía, función u otras racionalizaciones.

describir un número siempre mayor de viviendas y edificios públicos con aspecto crudamente tecnológico (" el loco y cerrojos expusieron tubos la mirada tecnológica "). De todas formas High Tech ha sido un referente en la actual arquitectura moderna, como es el ejemplo de la torre Agbar en Barcelona.

Había una desilusión creciente en la arquitectura moderna sobre el progreso y evolución de dicho estilo. La concreción de los proyectos de desarrollo urbano propuestos por el arquitecto Le Corbusier, condujo a una ciudad terriblemente monótona. Más cuando eran realizados en forma estandarizada. El entusiasmo por la construcción de edificios económicos condujo a la concreción de edificios con calidad de terminaciones extremadamente bajas. Muchos de los barrios residenciales diseñados degeneraron en sitios donde reinaba la disgregación social, la violencia y l a delincuencia a lo largo del mundo.

Otro aspecto de la arquitectura High Tech es la renovada confianza en que con tecnología se podía mejorar al mundo. Esto es particularmente evidente en el proyecto de construcciones técnicamente sofisticadas de Kenzo Tange realizadas y/o proyectadas en Japón durante el boom edilicio de los años sesenta. Otro término utilizado para identificar este estilo es el de Tardo Modernismo, de cualquier forma, inicialmente la arquitectura High Tech implicó una revitalización del Movimiento Moderno en la construcción; un desarrollo natural de las ideas precedentes pero apoyado en la innovación y la tecnología. Este período hace de puente entre el Movimiento modernos y el Postmodernismo; se insinúa en uno de esos períodos grises donde no hay un límite claro entre el fin de un período y el inicio de otro. Podría decirse que se retoma un estilo que agonizaba como el Movimiento Moderno, se lo reinterpreta a partir de darle una fuerte imagen tecnológica y se lo lanza persistiendo hasta el presente.

Como consecuencia la gente se desilusiona respecto de la imagen de progreso que se le proponía y en el mundo occidental comenzó a reconocerse el error que se había cometido. La arquitectura moderna se esforzó en rebelarse contra los cánones establecidos para crear una nueva estética. La arquitectura High Tech continúa esa actitud de rebeldía. En el libro: "High-Tech: El Estilo Industrial y Libro De la fuente para la Casa ", Joan Kron y Suzanne Slesin discuten acerca de la estética High Tech, donde utilizan expresiones enfáticas como: (es probable que tus padres lo encuentren insultante). Este espíritu demuestra adecuadamente la actitud rebelde.

De cualquier forma el desarrollo de la Arquitectura Moderna prevaleció y la sociedad se apropió de la estética moderna. Tomó además elementos del Movimiento Metabolista de los ´60 donde la tecnología llegaba al extremo de imaginar edificios y ciudades de Ciencia

Kron y Slesin fueron mucho más adelante (cuando acuñaron el nombre del movimiento en el libro) explicando el término High Tech como aquel utilizado en los círculos arquitectónicos para 45

ficción. En estas ideas destacaron el grupo Archigram y arquitectos japoneses enrolados en el Metabolismo, como Kenzō Tange Kiyonori Kikutake, Kishō Kurokawa y otros. Esto era de esperarse ya que los edificios modernos eran muy blandos y flexibles y la novedad de su aspecto estético se había adoptado. El High Tech es una respuesta a esto y crea una estética muy nueva: glorificando la fascinación por la continua innovación tecnológica. Los edificios fueron construidos principalmente en Europa y Norte América. Después de la destrucción de muchos edificios significativos en Europa durante la Segunda Guerra Mundial, reconstruirlos era muy problemático. Los arquitectos debieron decidir si replicar los modelos históricos o sustituirlos con materiales modernos y nueva estética.

componentes prefabricados. Los preferidos son las paredes de cristal y las estructuras de acero, generando una estética industria.

La innovación científica y tecnológica en los años setenta provocó un gran impacto en la sociedad. Sobrexcitados por la carrera espacial y la llegada del hombre a la luna por Neil Armstrong en 1969, junto a la exasperante innovación de la tecnología militar. Estos desarrollos insinuaron en la mente de las personas que todo podría ser solucionado con el avance y desarrollo tecnológico. Los instrumentos tecnológicos comenzaron a ser comunes para toda la sociedad y esto generó una aceptación de optar por instalaciones, estructuras portantes y cubiertas a la vista. Estas construcciones High Tech fueron cada día más visibles para el hombre medio. Este desarrolló un amor por la tecnología mostrada por la Arquitectura High Tech El cometido de la arquitectura high tech, es crear elementos nuevos, evidenciando la complejidad de la técnica constructiva. También hacen uso de la disposición ordenada y los

El edificio debe ser un catalizador de actividades y los servicios técnicos están claramente definidos. Uno de los primeros ejemplos de arquitectura high tech, es el centro Georges Pompidou, en París, de los arquitectos Piano y Rogers.

En cuanto al diseño de interiores, se prefiere el uso de objetos industriales, y toda la estética industrial, por ejemplo, recipientes de la industria química, que son usados como jarrones para flores. Esto porque el objetivo era el uso de la estética industrial. Objetivo que brindara a la gente una familiaridad entre el espacio de trabajo industrial y el lugar donde viviría o se entretendría. El movimiento buscó dar a todo una apariencia industrial Los elementos técnicos no sólo se usan con finalidad estética, sino también por motivos funcionales.

La estructura portante, lo elementos auxiliares como ductos de ventilación, escalera mecánica, los 46

transformadores, todo se encuentra a la vista.

como un exponente de la nueva tendencia rápidamente mutó en el ejemplo de lo que no debía hacerse. Los principales hacedores del High Tech Foster, Rogers, Piano, Thomas Herzog, y Gilles Perroudin decidieron refundar el High Tech para hacer frente a los nuevos problemas que comenzaron a agobiar a la humanidad a principios de los 90.

También la creencia de que la tecnología es capaz de mejorar al mundo, es característica de esta corriente. Las características principales de la arquitectura High Tech son muy variadas, incluyendo la exposición de componentes técnicos y funcionales de la construcción, una disposición relativamente ordenada y un uso frecuente de componentes prefabricados. Las paredes de vidrio y las estructuras de acero son muy populares en este estilo. Estas características unidas, generaron una estética industrial. La técnica, en algunos aspectos, implicó la base del fundamento estético de las construcciones.

Para esto en 1993 durante la Conferencia Internacional de Florencia sobre la energía solar en la arquitectura y el urbanismo fundan el grupo READ que recibe apoyo de la Comunidad Europea. Entre los fines de READ se encontraba la profundización del uso de las energías renovables en la construcción. Así comienzan a proponerse ideas proyecto más amigables con el medio ambiente donde entre los primeros exponentes de lo que hoy se denomina Arquitectura sustentable fueron el edificio Commerzbank en Fráncfort del Meno de Foster y el Centro Cultural Mont Cenis de Jourda & Perraudin hacia fines de los 90.

Responden a una exigencia proyectual resolviendo problemas de diseño. Son solamente funciones, aquellas que eran relaboraciones del funcionalismo del Movimiento Moderno. Todavía los elementos industriales mantienen en parte una apariencia y un objetivo funcional. En los años ochenta la High Tech evoluciona formalmente hasta hacerla difícil de distinguir del resto de la Arquitectura Postmoderna. Muchos de sus temas e ideas fueron absorbidos en el lenguaje de las otras corrientes arquitectónicas postmodernas y la distinción cesó.

Estos fueron considerados los primeros Eco-tech como evolución del movimiento High-tech en lo que actualmente se denomina Arquitectura sustentable.

Con la crisis del petróleo de 1973, muchos de estos edificios se volvieron imposibles de mantener por el alto uso de materiales metálicos y vidrio que no solo implicaron en un veloz envejecimiento sino en un enorme gasto energético. El Centro Pompidou que fuera reconocido

Conclusiones High tech es un estilo moderno que se va adaptando a las nuevas tecnologías. 47

Es un estilo que va de la mano con la sustentabilidad al usar elementos naturales tanto para ornamentación como para funcionalidad y utiliza los materiales y técnicas para crear espacios estilizados y prácticos con cierto regusto industrial. Parte de una pasión por la alta tecnología y por exponer de forma manifiesta las técnicas y los materiales que se han empleado en la construcción de los edificios. Bibliografía:  Gauzine-Müller

Dominique. Arquitectura ecológica. 29 ejemplos europeos. Editorial Gustavo Gili.  Sede de la Fundación Caixa Galicia en A Coruña Obra de Sir Nicholas Grimshawn.  http://www.arqhys.com/contenidos/arqu itectura-high-tech.html

12.- MATERIALES APARENTES Y LA ARQUITECTURA BRUTALISTA.

Autor: Mirna Castañeda.

Alejandra

where, along with other pieces, will make the final construction project. Constructive solutions with precast concrete products can be used on any project, at any time within a building process, but the best way to optimize results and make the most of the advantages of this solution is to design directly precast concrete thinking.

Arteaga

Prefabricados de concreto Un producto prefabricado de concreto es una pieza fabricada en una planta de producción fija, empleando concreto como material fundamental. Dicho elemento es el resultado de un proceso industrial realizado bajo un sistema de control de producción definido. Una vez fabricada y todos los controles satisfechos, esta pieza se puede almacenar hasta el momento de su entrega en obra donde, junto con otras piezas, conformarán el proyecto constructivo final.

Prefabricados de concreto en la obra civil

Las soluciones constructivas con productos prefabricados se pueden utilizar en cualquier proyecto y en cualquier momento dentro de un proceso de construcción, aunque la mejor forma de optimizar resultados y sacarle todo el partido a las ventajas de esta solución es diseñar directamente pensando en concreto prefabricado.

Gracias a las modernas técnicas de producción y al uso de programas informáticos en el diseño y fabricación, se consiguen unas tolerancias dimensionales muy bajas y las propiedades mecánicas están totalmente garantizadas. Además, la baja relación agua/cemento utilizada en la fabricación de los concretos empleados y la optimización de los métodos de compactación y curado confieren a los elementos prefabricados unas excelentes propiedades en acabados, resistencia y durabilidad en comparación con otras formas de construcción tradicional.

Precast concrete A precast concrete product is a part manufactured in a production plant fixed using concrete as a basic material. This element is the result of an industrial process performed under a production control system defined. Once all the checks made and satisfied this piece can be stored until delivery at work 49

ampliaciones futuras e incluso cambios de emplazamiento. Las posibilidades que presenta hoy en día este material han sabido ser aprovechadas y optimizadas por la industria de la prefabricación. Componentes del concreto Tres son los componentes esenciales del concreto más las armaduras:  el cemento  los áridos  el agua Se puede decir que los elementos prefabricados de concreto disfrutan de las ventajas derivadas de sus materias primas, cemento y acero, que desempeñan unas funciones como:  Resistencia estructural  Resistencia al fuego    

Ilustración 32 Casa prefabricada de concreto.

Conocimiento del material

Aislamiento térmico y acústico Versatilidad de formas y acabados Dosificación Durabilidad

El concreto es un material de construcción “tradicional” que presenta numerosas ventajas derivadas de sus propiedades geológicas y de su afortunada simbiosis con el acero, capaz de proporcionar estructuras resistentes y durables. Este material ha sabido renovarse, abandonando su aspecto gris e inexpresivo y entrando en una nueva dimensión de texturas, colores, acabados y formas, que proporcionan al proyectista una gran flexibilidad para realizar las más atrevidas creaciones arquitectónicas. Por otro lado, la prefabricación ha permitido modificar la idea de monolitismo e inmovilidad de las estructuras de hormigón, al permitir modificaciones o

¿Porque construir prefabricados de concreto? Las nuevas edificaciones deben concebirse para que nos protejan contra el cambio climático. Debemos buscar 50

nuevas soluciones que sean sostenibles y que además aseguren los estándares de la construcción y la calidad de vida de los usuarios dentro de estas construcciones.

Sostenibilidad con PC

Los elementos Prefabricados de concreto cumplen todos esos requisitos y se les considera ya como el método constructivo del futuro. A esto prefabricados de se les atribuyen como ventajas principales la velocidad de ejecución y un proceso productivo bajo condiciones estables y controladas; ambos aspectos permiten la optimización de materiales y recursos, cabe destacar que en materia de costos, que éstos cuentan con la ventaja principal de ser económicos en las cuatro fases del ciclo de vida del producto:  Producción: la materia prima es de fácil acceso y económica.  Construcción: la necesidad de mano en obra, tiempo de ejecución y transporte se reducen  Uso: alta durabilidad de la construcción y disminución del consumo energético  Final de vida: es reciclable (ej. áridos procedentes del concreto reciclable). Estas características, entre otras, hacen que las construcciones conformadas con elementos prefabricados de concreto sean las más eficientes frente a otras soluciones supuestamente alternativas.

La construcción tiene que tender al desarrollo sostenible; Ese desarrollo no puede basarse sólo en criterios ambientales, debe incluir el ámbito social y económico; y finalmente, las acciones en este sentido deben estar basadas en la información y la innovación. La estrategia de la Comisión Europea para el sector de la construcción europeo de 2020 se basa en tres criterios básicos: 

 

Crecimiento inteligente: desarrollo y economía basados en el conocimiento y la innovación; Crecimiento sostenible: promoción de una economía eficiente, competitiva y verde; Crecimiento integrador: desarrollo de una economía basada en el empleo que garantice cohesión social y territorial. Métodos de sostenibilidad

evaluación

Existen muchas metodologías en el mercado que tienen como objetivo determinar el grado de sostenibilidad de una construcción. Se pueden dividir los sistemas en dos grupos, aquellos en los que se analiza el edificio y desde ese 51

enfoque se evalúa a partir de datos generales y aquellos que se basan en analizar el proceso detallado de construcción – uso – demolición / deconstrucción del edificio por etapas.

Las casas prefabricadas de concreto se han puesto de "moda" en los últimos tiempos sin lugar a duda es su rapidez de construcción, facilidad de montaje y el ahorro económico procedente de la reducción en el tiempo de la mano de obra. Además cabe destacar que la vivienda que utiliza paneles de concreto prefabricado en las fachadas y en algunas divisiones interiores, no será necesario la utilización de pilares en la construcción de la vivienda, por lo que esto abarata la obra de formas muy considerables.

Casas prefabricadas de concreto

Se empezaron a utilizar hace muchos años, pero no llegaron a gustar de una forma considerable, sin embargo sí que lo hizo en otros campos como puede ser en la construcción de naves industriales.

Vivienda ubicada en el sur de Hamptons, NY

Hasta hace muy poco se consideraba como una parte secundaria. Hoy en día son muchos y diversos los acabados con los que los paneles de hormigón pueden salir de fábrica, y más aun los que una vez montadas las fachadas de concreto se pueden revestir con mármol, piedra natural, pinturas, barnices y picado.

Características de la construcción PC.

-Se acorta la duración de la obra. -Reducción de la utilización de medios auxiliares. -Se reduce el peso propio del edificio. -Se reduce la mano de obra, es mucho más mecanizada. -Las piezas son de muy buena calidad al fabricarse en taller. -Son necesarios menos operarios y no hace falta mano especializada. -La construcción es casi independiente de las condiciones climatológicas ya que se trabaja en taller. -Reducción de precios al reducirse las horas de trabajo y trabajadores. Como en todo los ámbitos de la vida y sobretodo en la edificación, también tiene inconvenientes, pero dado las ventajas que aporta y la poca implicación real de estos son casi despreciables.

-Puesta en obra de las piezas prefabricadas. -La puesta en obra de los prefabricados suele ser bastante sencilla y rápida. -La puesta en obra está muy mecanizada y todas las piezas se colocan con la suspensión en el aire de estas piezas mediante grúas. -Se basa principalmente en encajar armaduras entre piezas, o apoyando una sobre la otra con una unión de concreto in situ.

Desventajas de la construcción PC -Complejidad de fabricación. -Dificultad de transporte. -El acabado de las construcciones no es muy bueno (solucionable).

Ventajas de la construcción PC

México y industrializada

construcción

La construcción industrializada es la mecanización de las técnicas de construcción y tiene una relación directa con la prefabricación, que es la producción de elementos constructivos fuera o al pie de la obra. Cuando estos elementos constructivos son producidos en serie se dice que son industrializados, pues en su fabricación se siguen procedimientos industriales.

Razones del no progreso El progreso tecnológico es sin duda un factor importante en el avance de la construcción industrializada, pero no el único, ya que ésta tiene también una relación directa con aspectos socioeconómicos, científicos, culturales e ideológicos, además de los tecnológicos e industriales. En los países en desarrollo como el nuestro, los problemas económicos constantes, el alto índice de desempleo, la desigual distribución de la riqueza, la fuerte dependencia económica y técnica del exterior y la falta de mano de obra especializada aparecen como algunas de las causas que han frenado el desarrollo de esta industria.

En México las nuevas técnicas se empezaron a utilizar en 1927, cuando se empleó en la construcción del hotel Regis vigas prefabricadas de concreto armado. De esa fecha a la actualidad la prefabricación se fue consolidando poco a poco. En un inicio las técnicas eran copiadas de otros países, pero con el tiempo empezaron a surgir empresas especializadas en prefabricación. Esta consolidación ocurrió en los años sesenta y principios de los setenta. Con la introducción del concreto pre-forzado, la prefabricación recibió un impulso y sus aplicaciones aumentaron y se diversificaron, utilizándose en un principio en puentes y posteriormente en edificios. Con la consolidación de esta industria en nuestro país, también las empresas mexicanas empezaron a desarrollar nuevas técnicas.

En México, Uno de los problemas que actualmente presenta la primera es la falta de difusión de sus técnicas, con el consiguiente desconocimiento de las mismas por parte de ingenieros y arquitectos. El resultado es que sólo 2 por 54

ciento de lo que se construye en México se realiza con prefabricados, mientras que en Europa este tipo de construcción llega casi a cincuenta por ciento. Una de las razones de esta diferencia es que, mientras en los países europeos el costo de la mano de obra es elevado –lo cual impulsa el empleo de técnicas mecanizadas para reducirlo–, en México ocurre lo contrario –el disponer de una mano de obra abundante y barata provoca el empleo generalizado de sistemas tradicionales de construcción.

El rechazo a todo aquello que es nuevo o diferente es debido al miedo a lo desconocido. Gracias a la valentía y determinación de personas inconformistas, el ser humano ha conseguido volar, caminar por la luna e incluso clonar seres vivos. Pero a nuestra sociedad todavía le falta avanzar mucho en áreas que, aunque menos llamativas, son tanto o más necesarias y útiles para la humanidad, como es el caso de la construcción.

Esto lleva a pensar que en México ocurre una situación similar en la construcción: los constructores no se preocupan por conocer nuevas tecnologías constructivas ya que disponen de una mano de obra barata casi esclavizada que satisface sus necesidades de construcción. Uno de los fines de la industrialización es proporcionar a los trabajadores un salario que les permita un nivel de vida aceptable.

En la actualidad, existen muchos arquitectos e ingenieros civiles que saben que los procesos constructivos deben evolucionar y aprovecharse de los avances técnicos que nuestra sociedad ofrece.

Conclusión La construcción industrializada es una alternativa que implica para nosotros, ingenieros y arquitectos, la necesidad de conocer e involucrarnos con estas nuevas tecnologías y adaptarlas a nuestras necesidades y recursos.

Estos profesionales, nacionales e internacionales, defienden que la construcción industrializada no es ciencia ficción, es una realidad que todo profesional adaptado a su tiempo debe conocer.

Bibliografía: Artículo “en perfecta sintonía con una construcción sostenible”.

Fuentes de información www.imcyc.com www.arquiidea.com www.andece.org www.arquba.com

13.- EVOLUCIÓN DE LOS SISTEMAS DE CONSTRUCCIÓN INDUSTRIALIZADOS A BASE DE ELEMENTOS PREFABRICADOS DE HORMIGÓN

una parte de un edificio o construcción. En un edificio prefabricado, las operaciones en la obra son esencialmente de montaje y no de elaboración. El grado de prefabricación de un edificio se puede valorar según la cantidad de elementos rechazables generados en la obra; cuanta mayor cantidad de residuos, menos índice de prefabricación presenta la construcción.

Autor: Enrique Alonso Quintero Gaytán .

Resumen Este análisis de la evolución de la construcción industrializada realiza una visión global de las tendencias de los sistemas de construcción, así como una imagen del estado actual y un diagnóstico de los hitos a alcanzar en un futuro a medio plazo.

Existen cuatro sistemas diferentes de producción de elementos prefabricados: Sistemas cerrados: los elementos se fabrican conforme a especificaciones internas del propio sistema. Responden únicamente a reglas de compatibilidad interna y el proyecto arquitectónico ha de subordinarse a los condicionantes del sistema.

Palabras clave: Construcción industrialización, evolución histórica. Abstract

Empleo parcial de componentes:

This analysis of the evolution of industrialized construction makes an overview of trends in building systems, as well as a picture of the current status and diagnosis of the milestones to be achieved in the medium term future.

La gama de productos y prestaciones es más o menos fija admitiéndose ciertas variaciones dimensionales o de pequeña entidad. Su empleo no requiere un grado de industrialización determinado de sus realizaciones y pueden utilizarse en obras o proyectos claramente tradicionales.

Key words: industrial construction, historical evolution. ¿Qué es industrializada?

construcción

Sistemas tipo mecano: son resultado de la evolución hacia una apertura “acotada” de los sistemas cerrados, preparados para combinarse en múltiples soluciones suministradas por distintos productores que respetan voluntariamente un lenguaje combinatorio definido y acotado.

Se conoce como construcción industrializada al sistema constructivo basado en el diseño de producción mecanizado de componentes y subsistemas elaborados en serie que, tras una fase de montaje, conforman todo o 56

Sistemas abiertos: constituidos por elementos o componentes de distinta procedencia aptos para ser colocados en diferentes tipos de obras, industrializadas o no, y en contextos diversos.

barco, se montaban y desmontaban rápidamente por los propios soldados, de tal forma que los campamentos fueran, además de resistentes y confortables, ágiles en sus desplazamientos. Siguiendo una técnica muy similar, en 1578 también se ejecutó en Baffin (Canadá) una casa prefabricada de madera que había sido construida en Inglaterra. Asimismo, en 1624, la Great House, una casa de madera panelizada y modular, construida por Edward Winslow en Inglaterra, fue trasladada y montada en Massachussets, Estados Unidos. Aunque estos dos últimos ejemplos no se pueden considerar prefabricación en estado puro, ya que la construcción de elementos no fue en serie sino diseñados para edificaciones singulares, sí que se aprecia un significativo cambio de mentalidad aplicada a la construcción.

Suelen valerse de juntas universales, gamas modulares acotadas y flexibilidad de proyecto prácticamente total. Evolución histórica de la construcción industrializada A lo largo de la historia hay varios precedentes de prefabricación debido al propósito de la sociedad de optimizar la eficiencia de los procesos productivos. El primer ejemplo significativo de construcción industrializada se remonta al siglo XVI, cuando Leonardo da Vinci recibió el encargo de planificar una serie de nuevas ciudades en la región de Loire. Su planteamiento consistió en establecer, en el centro y origen de cada ciudad, una 2 fábrica de elementos básicos que permitieran conformar a su alrededor un gran abanico de edificios. Dichas construcciones habían sido diseñadas previamente por él mismo para generar, de forma fluida y flexible, una gran diversidad de tipologías edificatorias con un mínimo de elementos constructivos comunes.

No sería hasta el final del siglo XVIII cuando empezó a ser tangible la posibilidad de industrializar la construcción. En Europa, se empezó a desarrollar la construcción de puentes y cubiertas con hierro fundido, material que sería después aplicado a la elaboración de pilares y vigas de edificios. Al mismo tiempo, en Estados Unidos, se llevó a cabo la construcción de edificios de tipología Balloon Frame, constituidos por listones de madera provenientes de fábrica y ensamblados mediante clavos fabricados industrialmente.

Otro ejemplo es el sucedido en ese mismo siglo durante la guerra entre franceses e ingleses, donde el ejército de Francisco I y Enrique II planificó las batallas contra Inglaterra construyendo pabellones de madera prefabricados que albergaran a sus soldados durante la ofensiva. Transportados fácilmente por

Habría que esperar hasta finales del siglo XIX para que se volviera a utilizar en edificación el concreto (que apenas se había empleado desde la época de los 57

romanos), que aplicado junto con entramados de alambres, constituía una materia prima ideal para prefabricados. En 1889, aparecía en EEUU la primera patente de edificio prefabricado mediante módulos tridimensionales en forma de “cajón” apilable, ideada por Edward T. Potter (Fig. 1). Y en 1891 se prefabrican las primeras vigas de concreto armado para la construcción del Casino de Biarritz. A mediados del siglo XX, Le Corbusier, inspirado en el sistema productivo de Henry Ford para la industria automovilística, presenta en el Modulo los resultados de sus estudios basados en un trazado proporcional establecido por la medida humana, a usar como instrumento clarificador en fase de proyecto. Según su concepción de la producción de edificios residenciales como “máquinas de vivir”, el modulo representa un sistema “en el que se pretenden conciliar los deseos de orden y proporción típicos del renacimiento, basados en trazados reguladores geométricos y en series matemáticas que comportan composiciones musicales, con la nueva cultura moderna de la construcción industrializada”.

Ilustración 33 Sistema Edward T. Potter

módulos

apilables.

http://www.esacademic.com/dic.nsf/eswiki/951639

A lo largo de dos décadas, la prefabricación basada en sistemas de diseño cerrados, cuyos elementos representativos eran grandes paneles de hormigón (Fig. 2), se fue desarrollando en Europa, especialmente en los países del este y los países escandinavos. Este hecho fue debido a un contexto de gran demanda de edificación residencial y pocos recursos económicos consecuencia de la II da Guerra Mundial.

Ilustración 34 Edifice Lagutenko-Posokhin, Moscow. http://en.wikipedia.org/wiki/Stalinist_architecture

Construcción industrializada basada en diseños cerrados. Las características de este sistema de construcción industrializada fueron las siguientes: a) Exigencia de un mínimo del orden de mil viviendas agrupadas para intervenir con sistemas prefabricados. b) Proyectos con mínimas variaciones formales para reducir el número de elementos diferentes. c) Bloques de tipología lineal de gran frente, con el pretexto de evitar el cambio de las vías para las grúas-torre de montaje.

Ilustración Moscow.

Edificio

Bolshaya

Kaluzhskaya,

Construcción industrializada basada en diseños cerrados. Distribución en planta.

d) Luces mínimas de forjados, para cumplir con los gálibos de transporte que condicionaron las dimensiones máximas del tamaño de las habitaciones.

A partir de 1970, en los países de la Unión Europea, la demanda de viviendas en edificios en altura disminuyó, siendo sustituida por la edificación de viviendas unifamiliares de mayor calidad. La prefabricación a base de sistemas cerrados de viviendas trató de evolucionar, buscando en la fase de producción una mayor flexibilidad, elasticidad y variación, intentando hacer posible la consecución desde estas fábricas de series cortas y diversificación del producto. Este hecho sentó las bases para un futuro sistema de prefabricación abierto (Fig. 4).

e) Nula flexibilidad de distribución en planta: la tabiquería también se ejecutaba con paneles portantes de hormigón en las tipologías estructurales cruzadas En general, la industrialización se le imponía al proyectista como una herramienta de economía de construcción, y el sistema constructivo representaba un factor incompatible con la arquitectura (Fig. 3).

A finales del siglo XX, la construcción industrializada con sistemas cerrados de diseño quedó obsoleta. Gran parte de los edificios construidos con este sistema, fueron abandonados y demolidos, y la construcción de edificios de viviendas en 59

altura se realizaba mediante sistemas tradicionales.

Conclusión Con las aplicaciones representativas, queda patente que la construcción prefabricada está significativamente más desarrollada en los países Europeos. La desconfianza hacia los edificios prefabricados hace que los avances sean lentos. El desarrollo de la prefabricación debe estar basada en coordinación dimensional, obligada a dotar la construcción de una movilidad e intercambiabilidad, así como de un mayor aprovechamiento de los recursos disponibles, premisas todas ellas fundamentales para resolver problemas económicos y ambientales de la edificación actual.

Ilustración 36 Conjunto de edificios “La Grande Borne”, Grigny- Paris. Construcción industrializada. Inicio de la prefabricación con diseño abierto.

En cambio, empezó a prosperar la prefabricación de edificios públicos (escuelas, hospitales, oficinas, etc.) y edificios industriales (Fig.5).

Bibliografía Aguiló Alonso, M., et, alt. Prefabricación: Teoría y práctica. Editores Técnicos Asociados. Barcelona 1974.

La industrialización de la construcción se desarrollaba a base de grandes elementos prefabricados de concreto. Los avances tecnológicos aplicados a este material permitieron prefabricar elementos estructurales y constructivos de variedad de formas y calidades no conseguidas hasta el momento.

http://www.esacademic.com/dic.nsf/eswiki/ 951639 Instituto de ciencias de la construcción Eduardo Torroja. Madrid.2008 Salas, J. “De los Sistemas de prefabricación cerrada a la industrialización sutil de la edificación; algunas claves del cambio Tecnológico”. Informes de la construcción Vol. 60. 512, 19-34.

Ilustración 37 Edificio industrial, Polígono Ind. Santiga-Provasa, Barberà del Vallès (Barcelona). Estructura y prefabricado.

cerramientos

del

concreto

14.- CASAS PREFABRICADAS.

HAT IS MANUFACTURED HOME? Is defined as housing that is built in the factory, usually sections, panels and / or standard modules that meet the building codes of a specific region. The parts are easily moved from the factory to the construction site. Perhaps the most commonly used material for manufactured homes is the wood, however prefabricated structures may be constructed of concrete, steel, and other materials. The assembly is mounted and held in place and on a previously prepared concrete base in the ground. Architectural designs and manufacturing systems are different in every construction company. The main advantages lie in the speed with which it is built, and we should not forget that the pieces were previously drawn up and all you have to do is design the house, ask and assemble parts using screws.

Elaborado por: Viridiana García Méndez. Palabras clave: - Innovación - Prefabricados - Tecnología ¿QUÉ ES LA CASA PREFABRICADA? Se define como aquella vivienda que se construye en fábrica, por lo general en secciones, paneles y/o módulos estándares que se ajustan a los códigos de construcción vigentes de una región especifica. Las partes son fácilmente trasladables desde la fábrica hasta el lugar de construcción. Quizás el material más utilizado para casas prefabricadas sea la madera, sin embargo estructuras prefabricadas pueden ser construidas de cemento, acero, y otros materiales. El montado y ensamblado se realiza en el lugar y sobre una base de concreto previamente preparada en el terreno. Los diseños arquitectónicos y los sistemas de fabricación son diferentes según cada empresa constructora. Las ventajas principales radican en la rapidez en la que se construye, ya que no debemos olvidar que las piezas fueron previamente confeccionadas y lo único que hay que hacer es diseñar la casa, pedirla y ensamblar las partes mediante el uso de tornillos.6

http://www.buenastareas.com/CasasPrefabricadas/469056.html

CASAS PREFABRICADAS Las casas prefabricadas, lejos de sustituir a la arquitectura de construcción tradicional, siempre la ha alimentado y enriquecido. El principal aporte es la racionalización del diseño y la construcción. La industria que desarrolla casas prefabricadas experimenta y perfecciona sistemas modulares y soluciones parciales que tarde o temprano son asimilados por la construcción tradicional. Tal tradición es, por tanto y en gran medida, una progresiva incorporación de técnicas hasta entonces no tradicionales.

Ilustración 39 Casa prefabricada de Madera MarkusWespiJérôme de Meuronarchitects.

La innovación tecnológica en arquitectura proviene de otras industrias excepto cuando proviene de la prefabricación de casas y otros tipos edilicios.

Ilustración 38 Casa Cielo Azul, Desierto de Mojave, California.

En España y Latinoamérica la asimilación de nuevas técnicas procedentes de la arquitectura prefabricada se produce principalmente gracias a la importación desde aquellos países con mayor tradición asociada a la prefabricación, tales como Estados Unidos o Suecia, por ejemplo. Tal importación, buena por naturaleza en tanto afluye en forma de conocimiento, es culturalmente negativa en tanto se limita el uso de esa tecnología al consumo. Para que los recursos tecnológicos procedentes de la importación deriven en desarrollo económico y artístico es necesaria la industrialización y la prefabricación en el país. Tal desarrollo será precisamente tradición, más 7 tradición.

http://arkinetia.com/casas/casasprefabricadas/tags118

ANTECEDENTES

particulares que datan de fechas anteriores.

¿Qué son los prefabricados?

El SweetTrack es una antigua calzada en el Somerset Levels , Inglaterra. Fue construido en 3807 o bien 3806 antes de Cristo y se ha demandado para ser la más vieja carretera del

La prefabricación es un método industrial de producción de elementos o partes de una construcción en planta o fábrica y su posterior instalación o montaje en la obra.8 Un sistema de construcción cuyo diseño de producción es mecanizado, en el que todos los subsistemas y componentes se han integrado en un proceso global de montaje y ejecución para acelerar su construcción. También llamada construcción industrializada.

ORIGEN En 1624, se trasladó por partes una casa de madera desde Inglaterra hasta Massachusetts. Para 1908, Sears introdujo al mercado la famosa "Casa por correo", que consistía en el envío, por una módica suma de dinero, de todas las piezas necesarias para armar una casa prefabricada uno mismo. La concepción que surgió más tarde de las casas prefabricadas consistió en estructuras completas que eran transportadas en camiones, listas para ser instaladas.

La prefabricación no es una práctica nueva, sino que encontramos el antecedente más antiguo de la misma en Inglaterra, para el 3800 A.C, en donde encontramos uno de los primeros caminos considerado como un precursor de las obras modernas de ingeniería, llamado "SweetTrack". La prefabricación orientada al mercado inmobiliario se viene dando desde pasada la segunda guerra mundial, aunque existen casos

Actualmente estas casas son además de fáciles y más rápidas de construir, una alternativa de bajo costo. Existen además una variedad inmensa en el diseño de ellas. Desde

http://www.arqhys.com/construccion/losprefabricados.html Customizables: Que se puede adaptar al gusto del comprador, que se puede adaptar al gusto propio

opciones básicas hasta configuraciones de lujo completamente customizables, usando materiales de última generación.

ICONOS BALLOON FRAME Técnica de construcción en madera, muy utilizada en los Estados Unidos hasta la actualidad, para la construcción de viviendas unifamiliares, aunque en el pasado se la utilizara para todo tipo de edificios, por lo general de no más de dos plantas. Este sistema constructivo no distingue un orden jerárquico entre sus elementos, como es habitual en otras formas de construir. El sistema está pensado para utilizar la producción industrial de la madera, en medidas unificadas. Aprovecha el bajo costo de los clavos y de las tablas de menor escuadría; también economiza en mano de obra, pues no requiere personal especializado, es más rápido de construir y se puede decir que cualquier persona podría construirse su propia casa con muy pocas herramientas. Sus características son otro producto del concepto americano

Por otra parte, las casas de este tipo han llamado la atención de movimientos ecologistas, ya que serían una forma posible de diseñar, para luego masificar alternativas de viviendas compatibles con el medio ambiente. Calidad, valor, y ahorro de energía son las palabras de moda asociadas con casas prefabricadas económicas hoy en día. ¿Cómo surgieron? La palabra "prefabricados" se asocia a menudo con un tipo específico de casas prefabricadas construidas en grandes cantidades después de la Segunda Guerra Mundial como un reemplazo temporal para las viviendas que habían sido destruidas por las bombas, en particular en Londres. A pesar de la intención de que estas viviendas serían una medida estrictamente temporal, muchas permanecieron habitadas durante años e incluso décadas después del fin de la guerra. Uno de los pioneros de este tipo de casas fue Ralph Rapson (1914-2008. Tras realizar el clásico estudio de caso sobre este tipo de construcciones.9 9

http://www.trianglemodernisthouses.com/rapso n.htm

del standard aplicado arquitectura.10

VENTAJAS Las edificaciones prefabricas poseen muchas ventajas sobre las tradicionales tales como:

Una casa de campo portátil diseñada por H. Manning para su hijo que estaba emigrando a Australia desde Londres se convirtió en el prototipo de lo que se conoce como el primer caso documentado de casa prefabricada.

- Calidad: A diferencia de viviendas convencionales, las casas prefabricadas se hacen en fábricas, esto se traduce en materiales de construcción capaces de ser controlados e inspeccionados apropiadamente y con poco margen de error.

La casa constaba de postes de madera acanalados empotrados y atornillados en una placa de suelo continuo realizado en portadores. Los postes llevaban una placa de pared con cerchas trianguladas apoyadas sencillas. Diversos paneles de madera de tamaño estándar revestido del marco.

- Eficiencia de energía. Las casas modulares o prefabricadas son construidas también para ser más eficientes energéticamente que una vivienda convencional. Sus diseños con mayor aislamiento, y en muchos casos materiales de mejor calidad, redundan en un hogar sustentable que permite ahorrar dinero en costos de calefacción y aire acondicionado, costos que son cada vez más elevados en estos días.

Aunque muchas casas en Australia y otras colonias británicas antes de 1833 se habían construido con materiales enviados desde Gran Bretaña, la cabaña Manning parece ser la primera casa diseñada específicamente para la facilidad de los viajes y de la construcción. Incluido en el envío era una "pequeña brújula" para 11 orientarse.

http://www.arqfdr.rialverde.com/8S_xix/balloon.htm 11 http://www.housing.com/categories/homes/his tory-prefabricated-home/manning-portablecolonial-cottage-emigrants-1833-1840.html

Ilustración 40 Prototipo de una casa prefabricada ecológica.

Rápidas de construir.

ya en todas prefabricadas.12

Son más económicas que una casa construida convencionalmente económico.

sus

casas

Antes era un grave problema el aislamiento térmico y acústico de estas casas pero ahora con las nuevas tecnologías esto ya se ha solucionado y las casas prefabricadas pueden estar tan aisladas como una casa convencional. DESVENTAJAS Aunque se dice las casas prefabricadas están disponibles en todo tipo de presupuestos, lo cierto es que a la hora de elegir los mejores diseños de alta tecnología y gran belleza estructural, al final puede salir bastante caro. Los diseños de bajo coste de este tipo de viviendas puede que no sean para el gusto de todos, ya que, obviamente, son los menos atractivos debido a su sencillez. Los grandes diseños están pensados principalmente para familias con altos ingresos económicos.

Ilustración 41 Módulos de casas prefabricadas.

TIPOS DE PREFABRICADAS

CASAS

Existe una gran variedad de casas prefabricadas, variando sus materiales según dimensiones (superficie, número de plantas), clima (temperatura y humedad) y presupuesto para su construcción. La clasificación que haremos a continuación será de acuerdo a los materiales con que están fabricados los elementos de estas, los materiales más utilizados son la madera y el hormigón armado, aunque existen multitud de combinaciones y variantes de aparición relativamente reciente.

Los materiales utilizados deben ser de máxima calidad, tanto en paredes y tabiques como en los acabados, tuberías y cables de abastecimiento de luz, agua y gas. En caso de no serlo, podrían producirse problemas indeseados en la casa. Este tipo de materiales cuesta más que los normales, evidentemente, aunque muchas empresas los utilizan

http://casasprefabricadas.mobi/ventajas-ydesventajas-de-las-casas-prefabricadas/

Edificios prefabricados concreto armado

de Edificios prefabricados de acero

Son bloques de concreto armado creados en industrias con un sistema independiente en la estructura, con aislación térmica exterior e interior, capaz de reducir temperaturas y ruido. Los bloques están hechos por un cuerpo paralelepipédico rectangular el cual contiene cuatro cámaras de aire ventiladas las cuales pasan en sentido de los lados más grandes que contienen la misma conformación geométrica. En el exterior de su cara contiene una base cementícia para la adhesión del poliestireno que se expande a la cara exterior la cual conteniendo una capa del mismo.

Ilustración 43 Casa prefabricada de ACERO.

Los edificios de acero, son las estructuras más duraderas y estables que existen hasta el día de hoy. Una de las ventajas que tiene la prefabricación en bloques de acero, es que cada componente que este requiera, ya sea puertas, ventanas y paredes son prefabricadas lo que garantiza mayor velocidad de construcción. A comparación otros edificios, estos edificios se crean en mucho menor tiempo, ya que son edificados a través de una construcción modular de acero ya prefabricadas en una fábrica. El tiempo de la construcción es mayor en la fábrica que en lugar donde se ensamblaran, ya que vienen en módulos ya construidos. Estos edificios se construyen teniendo en cuenta el uso que se le dará.

La malla de fibra de vidrio conduce como refuerzo de los elementos anterior mente mencionado, la nueva base cementícia ayuda a recubrir la fibra de vidrio. Por consiguiente la base de cada bloque y vinculado a la cámara de aire ventiladas pasantes pueden suministrar una ventilación para las mismas.

Ilustración 42 Casa prefabricada de concreto.

construir grandes edificios. Esto no quiere decir que haya un retroceso si no un avance para la arquitectura e ingeniería.13 CONCLUCIÓN Hoy en día el avance de la tecnología ha posibilitado la estandarización de elementos para la construcción, con lo cual se abaratan los costos, se reduce el tiempo de construcción, y se evitan los imprevistos. No obstante, la arquitectura prefabricada se ha encontrado con una gran dificultad para imponerse.

Ilustración 44 Casa prefabricada de madera.

Edificios prefabricados de madera La madera es un material que nos brinda la naturaleza para poder fabricar diferentes materiales para posteriormente convertirse en objetos o utensilios que puede utilizar el ser humano tal es el caso de los edificios prefabricados de madera el cual puede ser una mejor herramienta para la fabricación de éstos . Existen diversos tipos de madera la cual es más elaborada y por consiguiente más industrial. La ventaja que nos brinda la madera es que se puede volver a obtener o simplemente con una buena labor forestal, incluso es un mejor material ya que es más liviano que el hormigón y el acero al igual que es más barato. También la madera es más sostenible que el hormigón armado o el acero. Una desventaja es que con el uso de la madera se restringiría la edificación ordinaria esto quiere decir que se harían edificios más pequeños (entre dos o tres pisos) ya no se podrían

Al comienzo encontramos resistencia hacia el producto, especialmente porque se creía que eran casas de plástico pero durante el último siglo, la arquitectura ha cambiado sustancialmente debido a la introducción de nuevas tecnologías, y a nuevas visiones de la construcción. Estos avances tecnológicos han dado pie a un gran crecimiento dentro de la vivienda.Una de las ventajas de este procedimiento está en que los elementos se fabrican en serie con todas las garantías de la producción en cadena, con trabajadores cualificados para el 13

http://www.arquitecturatecnica.net/diseno/arq uitectura-prefabricada.php

ensamble, plazos de entrega y costes cerrados, sin sorpresas ni retrasos. El producto obtenido asegura, calidad, durabilidad, rapidez, e incluso seguridad laboral, ya que el trabajo de planta reduce el riesgo de accidentes en obra. No obstante las ventajas, este recurso ha tenido dificultades en ser adoptado. Actualmente se ha comenzado a construir conjuntos residenciales prefabricados en algunos países como España. Los expertos aducen que el principal impedimento para la adopción de este sistema constructivo, radica en las tradiciones culturales, pues cada pueblo tiene su modo de construir. Todos los detalles constructivos, como las canalizaciones, instalaciones, etc., deben estar perfectamente definidas en los planos constructivos. Los gastos se invierten, destinando la mayor suma a materiales constructivos, y la menor a la mano de obra, con lo cual rompe con muchos de los esquemas habituales en la construcción, donde el principal gasto, lo constituía la mano de obra, y el arquitecto dejaba muchos detalles sin resolver hasta el último momento.

15.- ARQUITECTO FRANK O. GEHRY. Elaboro: Calvillo.

José

Manuel

Cocolán

Palabras claves; Deconstructivismo, Forma, Descomposición. RESUMEN

ABSTRACT

“Lo que impone, es lo que hace olvidar al resto”

"What prevails, makes forget the rest" The concept comes deconstructivism, like that of Postmodernism, Literature and Philosophy, meaning, that a simplified breakdown of the concepts into its components, is a reaction to modernism, postmodernism and rational.

El concepto DECONSTRUCTIVISMO proviene, igual que el de Posmodernidad, de la Literatura y la Filosofía, significando, dicho de forma simplificada la descomposición de los conceptos en sus componentes, surge como reacción al posmodernismo y modernismo racional.

Frank O. Gehry

Al comenzar a realizar sus proyectos que verdaderamente lo hacían feliz, fue criticado por colegas arquitectos de su misma generación, lo cual hacia que tuviera ningún apoyo. La primer obra que causo revuelo entre la sociedad, fue la remodelación de su casa; Esta era una casa cómoda y con un gran jardín, pero el, le tenía que dar un toque de personalidad antes de mudarse a su nuevo hogar, pero dejando intacta la casa original. Así que se le ocurrió construir otra casa alrededor de la ya existente, la idea era de que el pequeño bungaló fuera una especie de “Laboratorio Gehry”, quería que las ventanas dieran la impresión de surgir del suelo, de noche como el cristal de la cubierta está inclinado, esta permitía el reflejo de la luz hacia adentro.

Frank O.Gehry nace en Ephraim Owen Goldberg en Toronto, Canada. Se mudó con su familia a Los Ángeles cuando era un adolescente en 1947 y más tarde se convirtió en un ciudadano naturalizado de los EE.UU. Su padre cambió el nombre de la familia a Gehry cuando la familia emigró. Efraín adoptó el primer nombre de Frank de unos 20 años, y desde entonces ha firmado su nombre de Frank O. Gehry.

Mientras realizaba la remodelación de su casa, al mismo tiempo realizaba la construcción del proyecto “Santa Mónica Place”, El día de la inauguración de este proyecto el director de la empresa fue a cenar a casa de Gehry, al ver a su alrededor le pregunto

¿Cuesta trabajo empezar? -

Ya sabes que si… No sé lo que haces tú al empezar, pero yo despejo mi mesa, concierto un montón de citas inútiles fingiendo que son importantes.

Al iniciar cualquier proyecto siempre es mejor comenzar por una maqueta, como guía de un buen diseño y para darnos cuenta de la realidad.

- ¿Te gusta esto? Imagino que si te gusta, Si te gusta esto no puede gustarte “Santa Mónica Place”.

“Empezar con algo tan estúpido, hasta llegar con algo GENIAL” 71

Es verdad no me gusta, contesto Gehry. - ¿Entonces por qué lo has hecho? - Hay que ganarse la vida - Basta!! No hagas eso... A partir de esta conversación Frank O. Gehry fue feliz, comenzó a realizarse como persona y como arquitecto.

Residencia California

Norton

1984,

“Cuando te decides por cambiar algo… No puedes parar.”

California Ahora con el cambio radical que le iba a dar a su arquitectura, surge un problema ¿Cómo conseguir Proyectos? Por lo que tuvo que analizar a los Artistas y Diseñadores que le daban una crítica buena de sus proyectos.

Casa de invitados Winton, 1987, Minnesota.

Residencia Simai Peterson, 1988,

¿Cómo se hace Arquitecto? Comienza con un curso de perspectiva con el Sr. Workman, luego estudio cerámica en la universidad de California, y es aquí donde una maestra le dice debería de estudiar Arquitectura, y que se apuntara a los curso nocturnos. Cuando cursaba el segundo año de la facultad de Arquitectura un Arquitecto lo mando llamar y le dijo: 72

- Frank no es lo tuyo, dedícate a otra cosa.

amplia experiencia internacional en el ámbito académico, comercial, museo, performance y proyectos residenciales.

Esta frase le quedo muy marcada, ya que lo hizo luchar cada día más por su sueño. Pero todo esto fue antes de cambiarse el Apellido en 1945.

Frank Gehry establece su práctica en Los Ángeles, California en 1962. La asociación Gehry, Gehry Partners, LLP, se formó en 2001 y actualmente es compatible con una plantilla de más de 120 personas. Gehry Partners cuenta con un gran número de arquitectos con amplia experiencia en el desarrollo técnico de los sistemas de construcción y documentos de construcción, y que están altamente cualificados en la gestión de proyectos complejos.

“Tenemos que comenzar con Maquetas, lástima que el mundo funciona con papel”

Museo del Alemania, 1989

Mueble,

Cada proyecto emprendido por Gehry Partners está diseñado personalmente y directamente por Frank Gehry. Todos los recursos de la empresa y la amplia experiencia de socios de la firma están disponibles para ayudar en el esfuerzo de diseñar y llevar adelante este esfuerzo a través del desarrollo técnico y la administración de la construcción. La empresa se basa en el uso de Digital Project, un sofisticado programa de ordenador Modelado 3D creado originalmente para uso en la industria aeroespacial, para documentar completamente los diseños y racionalizar la oferta, la fabricación y los procesos de construcción.Los socios de Gehry Partners, LLP son: Frank Gehry, Aamoth Brian, John Bowers, DevarajanAnand, Jennifer Ehrman, Gehry Berta, Lloyd

Vitra,

Con esta Obra empezó jugando con la escalera en espiral, jugando con la curva en todo lo rectilíneo. Al llevar a ejecución el proyecto se dio cuenta de que no funcionaba como él hubiera querido, el dibujo no reflejaba la realidad. Se cree que es el primer edificio que incorpora una nueva libertad y movimiento con las formas curvas, creando algo extraño y confuso. Gehry Partners, LLP es una firma de servicio completo con una 73

Meaghan, Nam David, TakemoriTensho, Laurence Tighe& Webb Craig.

su campo concedido anualmente y esponsorizado por la fundación estadounidense Hyatt.

Alvar Aalto es el Arquitecto con mayor influencia sobre Gehry, ya que cuando él tenía 16 años de edad, asistió a una conferencia donde mostraban una arquitectura diferente, rompiendo con lo tradicional, rompiendo modelos a seguir,, algo que a Gehry llamo mucho la atención.

La segunda pasión de Frank Gehry, después de la Arquitectura, sin duda es el Hockey, por lo que en 1995 acepta un proyecto de una pista de patinaje “Anaheim ICE”, en la Ciudad de California, Donde en su interior refleja a las pistas de hockey de Canadá, a base de madera y vigas dando un aspecto muy tradicional, volviendo a los años 40´s.

En 1989 gana el Premio Pritzker, por los innovadores y peculiares formas de los edificios que diseña.

Premio Pritzker de a rquitectura es el reconocimien to más importante en

Ilustración 45 Pista de patinaje Anaheim ICE,

“Yo no voy por el trabajo, espero que el trabajo venga hacia mi… No me gusta que me rechacen. Acepto los trabajos siempre y cuando me gusten...”

“Ya se ha Intentado todo de algún modo, Solo cambia la Tecnología” ¿De dónde sale? – Es una evolución, buscando la forma de expresar los sentimientos mediante objetos tridimensionales, entendiendo la luz, es la forma que adquiere la luz al rebotar contra la otra forma; Fue criticado por que la escultura no tenía nada que ver con el entorno que lo rodeaba, pero tiene una calidad que le hace pertenecer al lugar, a tal lugar de que si ahora desaparece, nadie, entendería la ciudad de Bilbao.

La mayor influencia que se tiene a la hora de trabajar es el cliente, y si se trabaja con un cliente genial, el resultado del edificio será genial. Nunca se ha podido conseguir plasmar lo que se imagina, como una superficie pictórica. “Se tarda mucho en construir un edificio y cuando por fin está terminado, ya no me gusta… veo lo

Esta obra escultórica está dividida en dos tipos de salas, una llamada “Sala de siempre”, los cuales son espacios muy simples de corte clásico y otra “Espacios Extraordinarios” compitiendo ampliamente con el arte expuesto, este arte se queda corto. “La expresión arquitectónica, tiene reglas, no da para salirse del tiempo trazado… A la mierda!! No significa nada. Hare lo que se me da mejor, si no vale nada, simplemente, el mercado lo rechazara”

que habría podido hacer, lo que hubiera debido hacer”

Esto hizo que volviera más seguro de sí mismo y dispuesto a fantasear con lo imposible, cuando comencé a construir, comencé diseñando edificios económicos, que no me permitían ir por losmaravillosos detalles y los majestuosos materiales como el titanio.

El juego de la luz rebota contra el material, los reflejos añaden una dimensión que no están en maquetas, ni en los planos, cobran vida, se convierten en un ser vivo. “Por genial que sea el diseño, si no suena bien... No vale la pena.”

Walt Disney Concert Hall, Angeles California, 2003,

Los

Las formas de esta obra escultórica, están basadas en la navegación, con las velas desplegadas y el viento en popa.

Autor: Cocolán Calvillo José Manuel

El diseño interior fue pensado únicamente para la orquesta, el escenario, lo más importante. “Después de un año, puedo mirar mis obras y decir: ¿Yo hice esto?” ¿Hay algo que te falta por hacer? O ¿Algo que quieras hacer? -

Soy muy supersticioso, nunca digo eso

Cuando era joven buscaba la perfección imposible, lo cual puedes pasarte la vida buscándola, pero al envejecer de te das cuenta de que no existe… No la conseguirás. Conclusión Frank O. Gehry es un arquitecto que cambio la imágen de una disciplina muy conservadora, mezclando la falta de restricciones del arte, es Arquitecto y Artista a la vez, corre riesgos como un verdadero artista, se arriesga para hacer algo que nunca se ha visto. Fuentes de información http://www.arqhys.com/articulos/frank -gehry.html http://es.wikipedia.org/wiki/Frank_Geh ry 76

16.- INTERFERENCIAS ENTRE ARTE Y ARQUITECTURA.

superficial, without going for it to consider any other aspect that is not their own monumental buildings. By contrast, the art forms that bypass the idea of single object and have the pretension in conception involved with everything around them, forming a unity between art and life, faced with the reluctance of the public, which does not consider as works of art and not found an artistic to locate.

Autor: Diego Jaziel Gómez Herrera.

RESUMEN El objetivo de este artículo es comentar cómo el creciente fenómeno de la arquitecturaespectáculo se da con mucha frecuencia en nuestros días. Estas construcciones adquieren la consideración popular de “obra de arte” de una manera bastante superficial, sin entrar para ello a considerar ningún otro aspecto que no sea la propia monumentalidad de los edificios. Por el contrario, las manifestaciones artísticas que eluden la idea de objeto único y que tienen en su concepción la pretensión de involucrarse con todo aquello que les rodea, formando una unidad entre arte y vida, tropiezan con la reticencia del público, que no las considera como obras de arte y que no encuentra una categoría artística para ubicarlas.

INTRODUCCIÓN. Se está asistiendo con frecuencia al fenómeno del “arquitecto-estrella”, es decir, al del profesional de la arquitectura cuyas edificaciones son unánimemente reconocidas por el gran público como obras de arte. Por este motivo, numerosos edificios son considerados más por su aspecto “escultórico” o por su impacto como referentes del espacio en el que se erigen, que por su funcionalidad real. Esta tendencia tiene como consecuencia que, con mayor frecuencia de la que sería deseable, se acometan grandes proyectos arquitectónicos atendiendo principalmente a su conversión en “hitos”, sin atender debidamente a otros aspectos fundamentales como la integración con el entorno en el que se sitúan, su utilidad real y su interés para los usuarios a los que, hipotéticamente, van dirigidos.

PALABRAS CLAVE: Escultura. Arquitectura. Arte.

ABSTRACT The aim of this paper is to discuss how the growing phenomenon of architecture-show occurs frequently in our days. These constructions acquire popular consideration "work of art" in a fairly

La cuestión que se plantea en este artículo es por qué se otorga con 77

tan aparente facilidad la consideración de “obras de arte” a las construcciones arquitectónicas, incluso a ciertas obras de ingeniería civil, y sin embargo todavía existen grandes reticencias en el público en general para aceptar que la escultura ha trascendido su propia objetualidad para dejar a un lado las limitaciones de la forma y expandirse por el espacio, tanto privado como público.

disciplinas que en el presente artículo se están tratando. Esto podría llevar directamente al punto esencial de la cuestión: si la escultura ya no es una categoría absoluta y cerrada sino una forma más de hacer arte, quizá si se intenta definir lo que es arte en la actualidad se podra llegar a establecer la medida en la que la arquitectura podría participar también de esta definición. Así pues, si se consulta lo que a este respecto dice el Diccionario de la Real Academia Española de la Lengua (DRAE), arte es toda manifestación de la actividad humana mediante la cual se expresa una visión personal y desinteresada que interpreta lo real o imaginado con recursos plásticos, lingüísticos o sonoros.

DESARROLLO. Para empezar a tratar este asunto se rescatara el texto de Rosalind Krauss, La escultura en el campo expandido, en el que la autora sitúa las complejas relaciones que se establecen entre la escultura y todo aquello que es, lo que no es y lo que sin embargo puede llegar a ser. Estas relaciones incluyen, por supuesto, a las que establece con la arquitectura. Resulta esclarecedora la primera conclusión a la que llega Rosalind Krauss en su intención de definir el campo expandido, y que coloca a la escultura como aquello que está en el paisaje pero que no es el paisaje, ni tampoco es arquitectura.

Para el DRAE, arquitectura es el arte de proyectar y construir edificios, sin embargo, la definición que en este diccionario se da a la escultura: “arte de modelar, tallar o esculpir en barro, piedra, madera, etc., figuras de bulto”, está tan obsoleta que mejor se adopta con los conceptos del trabajo de Rosalind Krauss, mucho más acordes con la realidad de hoy en día. Con estas definiciones todavía resulta complicado el encaje de ambos conceptos, escultura y arquitectura. Consultando la enciclopedia de la red, Wikipedia, se encuentra que tradicionalmente la arquitectura ha sido considerada una de las seis bellas artes y quizá sea en esta definición donde radica el concepto popular de la obra “artística-

Se aprecia que se establecen relaciones entre los elementos dando como resultado la definición de nuevas maneras de hacer escultura, o más exactamente, nuevas propuestas para trabajar el espacio, que participan de las diferentes combinaciones. Sin embargo, lo que amplía el punto de vista a la vez sitúa en polos opuestos a las dos 78

arquitectónica”, es decir, aquel edificio o conjunto de ellos especialmente impactante por su grandiosidad, por el lujo de sus detalles o por la armonía de sus formas. También se encuentra en esta web que, según el tratado de Vitrubio sobre arquitectura, del Siglo I a.C., se consideraba que la arquitectura descansa en tres principios: la belleza, la firmeza y la utilidad.

arquitectura: La escultura actual está “raptando” parcelas del “espacio” físico y conceptual de la arquitectura al pretender extender sus límites sobre áreas tradicionalmente reservadas a la práctica arquitectónica, mientras que la arquitectura, inconscientemente, ha ido abandonando sus intereses en el mundo de las Bellas Artes, aunque la arquitectura también se ha beneficiado de esta supuesta intrusión de la escultura en su “espacio”, reaccionando con propuestas arquitectónicas más desprejuiciadas desde el punto de vista disciplinar y formal.” Señala Maderuelo que en este caudal de “interferencias” que se producen entre escultura y arquitectura, se ha creado un espacio común a ambas que, en numerosas ocasiones, está tan entretejido que resulta complicado discernir cuál de las dos disciplinas es la que ha aportado aquella cualidad que aparentemente comparten.

Así pues, es curioso, y por ese motivo se traen a este texto, cómo diversos arquitectos del pasado siglo abordan esta cuestión clave de la utilidad. Para Adolf Loos, en su obra Arquitectura de 1910, “la casa debe agradar a todos, a diferencia de la obra de arte que no tiene por qué gustar a nadie. La obra de arte es un asunto privado del artista. La casa no lo es. (…) ¿no será que la casa no tiene nada que ver con el arte y que la arquitectura no debiera contarse entre las artes? Así es. (…) Todo lo demás, todo lo que tiene una finalidad hay que excluirlo del imperio del arte”. Sin embargo, para Le Corbusier, en su obra Vers une Architecture de 1923, “La arquitectura está más allá de los hechos utilitarios. La arquitectura es un hecho plástico (…) La arquitectura es arte en su sentido más elevado, es orden matemático, es teoría pura, armonía completa gracias a la exacta proporción de todas las relaciones: ésta es la función de la arquitectura”.

No deja de ser curioso en este espacio común que comparten escultura y arquitectura que las categorías que aparentemente les son comunes, contribuyan decisivamente a que una de ellas sea apreciada mayoritariamente por el público en detrimento de la otra. Así, una obra arquitectónica es elevada a la categoría de obra de arte por su belleza, por su estética impactante, que se considera complemento perfecto de su utilidad. Sin embargo, cuando una obra escultórica se compromete con el espacio público o intenta ser útil de alguna manera vinculándose con una comunidad o con alguna causa social,

Para Javier Maderuelo, al respecto de esta “interferencia” entre escultura y 79

automáticamente parece perder la consideración de obra artística, ya que, en la apreciación del gran público, la obra de arte no es algo útil, no es algo que pueda servir para algo más que su mera contemplación. Digamos que en este terreno los arquitectos juegan con ventaja. Sus obras son, por definición, útiles, es decir, sirven para algo, se habitan, se pasean, se emplean como lugares de estudio, de descanso, en ellas se trabaja, se compra, se vende…se vive. De esta forma, y dada la aceptación general de este concepto de “utilidad”, queda a criterio del propio arquitecto el involucrar su obra con el público desde una perspectiva artística.

las artes visuales, con el paisaje y con las tecnologías constructivas basadas en la sostenibilidad como parte de una visión integradora de todos estos conceptos. Uno de sus primeros trabajos consistió en una serie de edificios comerciales (grandes almacenes) para la firma Best. Este equipo multidisciplinar se planteó estos edificios como algo más que simples contenedores de mercancías, estableciendo un juego visual con el público. Sus construcciones aparecen a medio camino entre la inestabilidad y la ambigüedad, dado que presentan intervenciones impactantes en sus fachadas. Esta ausencia de formalidad en su planteamiento explora las relaciones alternativas entre el arte y la construcción.

Dada la limitada extensión de este artículo, he considerado conveniente traer dos ejemplos que ilustran esta intersección entre arquitectura y escultura.

Cada uno de los edificios que construyeron para esta firma comercial trata el prototipo de edificio comercial tipo “caja” como un objeto para ser interpretado desde el punto de vista de un artista, por medio de la distorsión de la escala, de desplazamientos de masas, etc.

Así se observa un equipo de arquitectos que quieren desarrollar sus obras tanto técnicamente como visualmente, sin olvidar la interacción con el público al que van destinadas y sin que estos conceptos sean menos importantes que el primero.

Asimismo su intención era fomentar la reflexión del público ante las sorpresas que los edificios despliegan ante sus ojos, explorando los aspectos sociales, psicológicos y estéticos de la arquitectura.

También veremos el trabajo de un artista que diseña espacios habitables, sin perder de vista tampoco su integración total con el espacio y con sus destinatarios mientras los convierte en esculturas vivas. El primero de ellos es el equipo estadounidense SITE, creado en 1970 en Nueva York, compuesto por arquitectos, artistas y diseñadores que trabajan en aras de un proyecto común: unir el diseño de edificios con 80

hablado antes, entre arquitectura y artes plásticas. Sus esculturas son a la vez espacios para habitar, en una simbiosis perfecta con el entorno en el que se emplazan. Como muestra de su investigación tenemos el proyecto Wind Shaped Pavillion. Los elementos que lo componen rotan respecto a un eje central por el efecto del viento, produciendo su propia electricidad para la iluminación nocturna. Esta rotación influye también sobre su forma, ya que cada elemento es independiente, facilitando que se pierda la simetría original y dotando al conjunto de un componente escultórico innegable.

Ilustración 46 Peeling Project, Richmond – 1971.

Ilustración 48 Wind Shaped Pavillion – forma original.

Ilustración 47 Indeterminate Façade Building

El otro ejemplo es el de Michael Jantzen. Este artista estadounidense desarrolla su trabajo como un experimento constante en ese cruce de caminos del que hemos 81

Ilustración 49 Wind Shaped Pavillion – forma tras la acción del viento.

Especialmente interesante es su proyecto para una casa en Malibú, California, de 1997. Para evitar el efecto de bloqueo que causan las casa edificadas a la orilla del mar y que impiden su visión, Jantzen propuso esta casa cuya fachada frontal está construida por pantallas de televisión en las que se muestran, a tiempo real o pregrabadas, imágenes y sonidos del océano. Esto hace que la casa “desparezca” a los ojos de los viandantes.

Ilustración 50 Malibú Video Beach House – 1997.

En este espacio de interrelaciones que se establecen entre escultura y arquitectura podríamos considerar que la arquitectura participaría de las premisas del arte público en la medida en la que tenga en consideración al colectivo al que va dirigida. De esta manera, los edificios se proyectarían a la medida de las necesidades reales de la población a la que van destinados. Intentarían, asimismo, ser respetuosos con el emplazamiento, integrándose en el mismo desde la vocación de formar parte de un conjunto armónico, lo cual está en consonancia con los parámetros del site-specific, como objeto artístico que se crea para un lugar determinado y que tiene en cuenta el cómo, dónde y por qué de su emplazamiento.

La intención artística es más que evidente, transformando la fachada de la casa en una instalación audiovisual cuyo fin es restablecer la armonía del paisaje, que no queda interrumpido por la arquitectura, que lo integra en su concepción como un elemento indispensable.

Volviendo a la introducción, la tendencia que se observa actualmente en arquitectura, arropada indefectiblemente por los poderes públicos, que encuentran en ella uno de sus mejores argumentos propagandísticos, es la de la 82

arquitectura-espectáculo. Los grandes nombres de la arquitectura actual aparecen en todos los concursos de ideas que se convocan, con proyectos que garantizan el impacto mediático, tan valorado por los políticos en la medida en que consideran que da a su gestión de cierto barniz de modernidad y de progreso. Estos proyectosespectáculo suelen alejarse con más frecuencia de la que sería aconsejable, de su fin último, que no sería otro que el de dar respuesta a las necesidades reales de una población. La sola mención de esa docena de nombres consagrados muchas veces da respaldo a proyectos cuyo resultado real, una vez construidos, no colman las expectativas que habían generado. Los dos ejemplos que recoge este artículo, en los que se entiende a la arquitectura y a las artes visuales como partes equivalentes de un mismo modo de hacer están, a mi entender, bastante alejadas del concepto tan en boga de la arquitectura-espectáculo, de la que en Valencia se esta encontrando últimamente numerosos ejemplos.

arquitectónicos, sino de plantear una colaboración real en términos de igualdad compositiva, sin dejar de lado los aspectos técnicos que conlleva el ejercicio de la construcción, los cuales son competencia exclusiva del arquitecto. Este intercambio de puntos de vista, este interés del arquitecto por las premisas del artista es la que considero que debería legitimar a un proyecto arquitectónico para ser considerado obra de arte, en el sentido actual del término, sin dejarnos llevar por concepciones obsoletas del mismo. Se puede seguir maravillándose ante la belleza de ciertos edificios, ante su espectacularidad, pero no otorguemos con tanta ligereza el calificativo de “artista” que tantas veces se niega a quienes verdaderamente son merecedores del mismo. BIBLIOGRAFÍA WIKIPEDIA. Enciclopedia libre online, en su versión española. http://es.wikipedia.org/

CONCLUSIÓN Página web del colectivo SITE. http://www.siteenvirodesign.com/hom e.php

A modo de conclusión, en este terreno resbaladizo de la confluencia entre escultura y arquitectura podemos pensar que, efectivamente, hay una vía de trabajo común que engrandece ambas visiones, la del artista y la del arquitecto.

Página web de MICHAEL JANTZEN. http://www.humanshelter.org/

No se trataría entonces de considerar al artista como un mero decorador de los proyectos 83

17.- ZAHA HADID La Princesa de la Arquitectura ABSTRACT

Autor: Oskar Ignacio Dorado García. RESUMEN

In the schools of architecture in our country, as in the rest of the world, the enrollment is divided in similar proportions of men and women. In the faculty, they often come to a majority. However, the absence of architects awarded or recognized, during the 20th century, is striking. So, as his work, the name of Zaha Hadid bursts with great force in architecture news lately.

En las facultades de arquitectura de nuestro país, como en el resto del mundo, el número de matriculados se divide en proporciones similares entre hombres y mujeres. En el cuerpo docente, ellas llegan a veces a ser mayoría. Sin embargo, la ausencia de arquitectas premiadas o reconocidas, durante el siglo 20, es llamativo. Así, como su obra, el nombre de Zaha Hadid irrumpe con mucha fuerza en las noticias de arquitectura de los últimos tiempos.

Key words:

Palabras clave:

Bursts

Irrumpe

Deconstructivism

Deconstructivismo

Distorted

Distorsionada

Introducción.

obra "Club social La Punta en Hong Kong" obtiene su primer premio internacional.

Destacar en el mundo de la arquitectura es algo muy difícil de lograr ya que existe gran competencia en el mundo y más para una mujer. Zaha Hadid es un el ejemplo de que el persevera alcanza, ella es una gran arquitecta que destaco en el difícil mundo de la arquitectura. Esto lo logro con diseños innovadores que rompieron con el estilo que venía manejandose en la arquitectura en los anos 80s y 90 s. Hoy en día es alguien a quien estudiantes de arquitectura admiran y siempre trataran de igualar.

Hablar de deconstructivismo por aquellos años era ingresar a una corriente totalmente nueva en la arquitectura. Muchos años después, es una realidad. Actualmente no hay concurso internacional que se precie de importante que no premie o invite a algún representante de esta tendencia.

Zaha Hadid nació en Bagdad, Irak en 1950. Estudió en Irak, Suiza y Líbano, licenciándose en matemáticas puras. En 1971 se traslada a Inglaterra e ingresa a la Asociación Arquitectónica de Londres, graduándose como alumna sobresaliente en 1977. Elige dicha capital como residencia y trabaja junto a Rem Koolhas. En 1979 inaugura su propio taller conocido en todo el mundo como OZH (Office Zaha Hadid).

The Peak Leisure Club 1982

Deconstruyendo. Un hito en su carrera internacional se produce al participar en la muestra colectiva "Arquitectura Deconstructivista", organizada por el genio de Philip Johnson, reúne, en Tate Gallery de Londres a siete proyectos totalmente innovadores de distintos arquitectos.Zaha, con su 85

En 1991, un par de años después de aquélla muestra, Zaha Hadid llega a Buenos Aires portando consigo dibujos y proyectos, despertando dudas sobre la factibilidad de concreción.

visión sostiene que representa la imagen congelada de las llamas (interpretación que la autora no reconoce). Sea o no, el resultado es genial y puede considerarse como una obra maestra. Hadid disfruta por primera vez el sabor de ver un proyecto suyo de importancia finalmente construido.

Los alumnos y colegas presentes en sus charlas miraban absortos esas axonométricas distorsionadas con elementos difícilmente clasificables: muros, techos, pisos, vigas. Dudas que también tuvo el jurado del concurso para la Opera de Cardiff que, si bien le otorgó el primer premio, no autorizó su construcción (¿miedo a no saber cómo hacerlo?).

Sobresaliendo En 1990 realizó la ambientación del restaurante Moonsoon, en Sapporo, Japón. Siendo una especialista en el diseño de equipamiento pone toda su fuerza para reflejar parte de su talento. El espacio está resuelto en dos niveles: el bar, en planta baja, todo en acero, vidrio y grises, simulando el hielo; en el primer piso, con vinilos, acrílicos y plásticos, rojos, naranjas y amarillos, representa el fuego y dispone el comedor. El conjunto, tan dinámico como inclasificable, es muy interesante.

Por suerte para Zaha, en Alemania existe una fábrica como Vitra, de muebles y equipamiento para oficinas, que acostumbra como estrategia de marketing, que grandes arquitectos desarrollen los pequeños proyectos que conforman las distintas dependencias de su parque industrial. Así Frank Gehry construyó un pabellón industrial, Álvaro Siza, el estacionamiento, Grinshau un taller, el showroom lo pensó Citterio y a Zaha le encargaron un pequeño cuartel de. Es en esta obra, difundida mundialmente, donde todos los efectos ópticos presentes en sus dibujos se plasman en la realidad. La imagen del conjunto es de un dinamismo tal que a pesar de ser de hormigón visto parece que el conjunto estuviera sonando, como en alarma. Todo el edificio está en tensión. Otra

Ilustración 51 Abu Dhabi Performing Arts Center.

Una gran sucesión de proyectos se suceden, como efecto 86

cascada, en toda la década del ‘90. El Centro de Arte Contemporáneo de Cincinnati, elegido en 1998 en concurso, entre casi 100 participantes, se destaca por el uso de diagonales cruzadas y alineadas entre sí transformando la horizontalidad inicial de dichas diagonales en un edificio vertical. El Centro de Arte Contemporáneo de Roma lo gana también en un concurso en el participa, arquitectos importantes. El jurado trata de espectacular el uso de la luz directa y como muy imaginativa y "con rigor" la solución propuesta. La imagen del conjunto se emparenta con la que tenemos de las autopistas y los nudos viales, en las que, resueltas en otra escala, las distintas cintas que empiezan siendo piso se transforman en paredes, vigas y por último techos y cubiertas, relacionando así el exterior urbano con el interior. En 1999, tanto su proyecto de ampliación del Centro de Arte Sofía y como también el del Museo de la Colecciones Realesen, en Madrid, resultan ganadores.

Ilustración 52 Hoxton Square.

La lista es larga. Entonces surge la pregunta: ¿Cree en el efecto Gehry? Una vez se le pregunto ¿Considera que el edificio de Bilbao abrió caminos a arquitecturas atípicas? Hadid responde: "¡Sin duda! en los últimos años el interés por las arquitecturas poco habituales ha aumentado notablemente, todos los museos quieren tener un edificio de autor, un museo osado y firmado". Sigue: "la arquitectura ha recuperado su papel como símbolo de progreso de una ciudad".

Ilustración 53 Bahrain International Circuit.

Fuentes de información: http://www.zaha-hadid.com/ CONCLUSION

http://www.google.com.mx

De sus últimos galardones, resulta la sede de BMW de Leipzig, Alemania, un primer premio más. En 2004 es ganadora del premio Pritsker siendo la primer y única mujer en ganar este prestigioso premio. Poco importa si maneja bien o no, Hadid revierte el género, eminentemente masculino, que la arquitectura viene asumiendo históricamente.

18.- CARACTERISTICAS PRINCIPALES DE LA ARQUITECTURA POSMODERNA. Elaborado por: Hugo Adán Valdez Caldera.

RESUMEN

ABSTRACT

Las principales características que destacaron al movimiento posmoderno son el regreso de "el ingenio, el ornamento y la referencia" de la arquitectura, en respuesta al formalismo causado por el estilo Internacional del movimiento moderno. La arquitectura posmoderna también es definida como "neoecléctica" donde la referencia y el ornamento han vuelto a la fachada, en sustitución de los estilos agresivos modernos sin ornamentos. Las características del postmodernismo permiten su propósito de ser expresado de diversas maneras.

The main features that highlighted the postmodern movement are the return of "wit, ornament and reference" to architecture in response to the formalism caused by the International Style of modernism. Postmodern architecture is also defined as "neoecléctica" where reference and ornament have returned to the facade, replacing the unadorned modern aggressive styles. Postmodernism characteristics allow its purpose to be expressed in various ways.

Palabras clave:

Key words:

Modernidad Ornamento Referencia

Características del movimiento posmoderno en la arquitectura.

Modern Ornament Reference

La Arquitectura posmoderna es una tendencia que se inicia en 89

los años 1950, y comienza a ser un movimiento a partir de los años de 1970, continuando su influencia hasta la arquitectura de nuestros días.

Este eclecticismo se combina frecuentemente con el uso de ángulos no ortogonales y superficies inusuales. Las más destacadas en estos aspectos son la Nueva Galería Estatal de Stuttgart de James Stirling y la Piazza d'Italia de Charles Willard Moore. El Edificio del Parlamento de Escocia en Edimburgo también se ha citado como de moda posmoderna.

El posmodernismo se dice que está anunciado por el regreso de "el ingenio, el ornamento y la referencia" de la arquitectura, en respuesta al formalismo causado por el Estilo Internacional del movimiento moderno. Al igual que con muchos movimientos culturales, algunas de las ideas más pronunciadas y visibles del posmodernismo se pueden ver en la arquitectura. Las formas y espacios funcionales y formalizados del estilo modernista se sustituyen por diversas estéticas: los estilos colisionan, la forma se adopta por sí misma y abundan las nuevas formas de ver estilos familiares y espacios. Quizás siendo lo más obvio, los arquitectos redescubrieron el valor expresivo y simbólico de los elementos arquitectónicos y las formas que se habían desarrollado través de siglos de construcción, que habían sido abandonados por el estilo moderno.14

La Piazza d'Italia (1978) de Charles Moore. Nueva Orleans E.U http://www.regionalmodernism.com Arquitectos modernistas pueden considerar a los edificios posmodernos como vulgares, asociado con una ética populista, y compartiendo los elementos del diseño de centros comerciales, horadados por "chucherías". Arquitectos posmodernos pueden considerar muchos edificios modernos, como desalmados y ligeros, demasiado simplistas y abstractos. Este contraste se ejemplifica en la yuxtaposición de los

La arquitectura posmoderna también es definida como "neoecléctica" donde la referencia y el ornamento han vuelto a la fachada, en sustitución de los estilos agresivos modernos sin ornamentos. 14

www.arqhys.com/.../arquitecturapostmoderna-construccion.html

"blancos" contra los "grises", en el que los "blancos" estaban buscando para continuar (o revivir) la tradición modernista del purismo y la claridad, mientras que los "grises" fueron adoptando a una visión cultural más polifacética, visto en la declaración de Robert Venturi donde rechazaba la visión del mundo modernista del "blanco o negro" y estando a favor del "blanco y negro y a veces, gris."

tener techos a dos aguas.) Sin Embargo, las raíces modernistas propias del posmodernismo aparecen en algunos de los ejemplos notables de techos "recuperados". Por ejemplo la Vanna Venturi House de Robert Venturi, rompe el tejado en el medio, negando la funcionalidad de la forma, y el 1001 de la Quinta Avenida en Manhattan que anuncia una forma de techo abuhardillado evidentemente plano, con frente falso.

La divergencia de opiniones se reduce a una diferencia de goles: el modernismo se basa en un uso mínimo y veraz del material, así como la ausencia de ornamento, mientras que el posmodernismo es un rechazo de las normas estrictas establecidas por los primeros modernistas y busca el significado y la expresión en el uso de técnicas de construcción, formas, y referencias estilísticas.

La Vanna Venturi House de Robert Venturi, 1964. Philadelphia E.U http://www.archdaily.com

Una de las formas de construcción que caracteriza explícitamente a la posmodernidad es el tradicional tejado a dos aguas, en lugar de una azotea plana ícono de la modernidad. Derramar el agua lejos del centro del edificio, debido a la forma del techo, siempre cumplió con un objetivo funcional en los climas lluviosos y nivales, y era una manera lógica para conseguir grandes tramos con elementos estructurales más cortos, sin embargo, era relativamente raro en las casas modernas. (Estos fueron, después de todo, "máquinas para vivir", según Le Corbusier, y las máquinas no suelen

Otra alternativa para los techos planos de la modernidad sería exagerar un techo tradicional para llamar la atención incluso más a esta, como la Academia Estadounidense de las Artes y las Ciencias de Kallmann McKinnell & Wood en Cambridge, Massachusetts, teniendo tres niveles de techo bajo a cuatro aguas constituyéndose uno encima de otro para una 15 declaración enfática de refugio. 15

www.jmhdezhdez.com/.../arquitecturaposmoderna-postmoderna.htm.

Objetivos

los techos altos, la ironía y la paradoja, y el contextualismo.

Los objetivos de la posmodernidad, incluyen la resolución de los problemas del Modernismo, la comunicación de los significados con ambigüedad, y la sensibilidad para el contexto de la construcción, están sorprendentemente unidos por un período de edificios proyectados por arquitectos que nunca colaboraron en gran medida entre sí. Los objetivos, sin embargo, dejan espacio para diversas implementaciones que pueden ser ilustradas por los diversos edificios creados durante el movimiento. Las características del postmodernismo permiten su propósito de ser expresado de diversas maneras.

Las formas esculturales, no necesariamente orgánicas, se han creado con mucho ardor. Estos se pueden ver en el Museo Abteiberg(1972-1982) de Hans Hollein. El edificio se compone de unidades de construcciones diversas, todas muy diferentes. Las formas de cada edificio no son como las que conforman rígidas el modernismo. Estas formas son esculturales y son un poco juguetonas. Las mismas no se reducen a un mínimo absoluto, sino que se construyen y se forman por sí mismas. Las unidades de construcción encajan entre sí de una manera muy orgánica, que realza el efecto de las formas. Después de muchos años de abandono, el ornamento retorna. La Venice Beach house de Frank Gehry construida en 1986, está llena de pequeños detalles ornamentales que se han considerado excesivos e innecesarios en el modernismo. La Venice Beach House cuenta con un conjunto de troncos circulares existentes principalmente para la decoración. Los troncos en la parte superior tienen un propósito menor de sostener los cubre ventanas. Sin embargo, el mero hecho de que podría haber sido sustituido por un clavo prácticamente invisible, hace que su existencia principalmente ornamental.

Bonnefanten Museum en Maastricht Países bajos (Netherlands) Aldo Rosi. Establecido en 1984 http://www.mimoa.eu/ Estas características incluyen el uso de formas esculturales, adornos, antropomorfismo y materiales que llevan a cabo un trampantojo. Estas características del significado son el pluralismo, la doble codificación, los arbotantes y

El ornamento en el Edificio de Servicios Municipales de Portland (Edificio Portland) (1980) es aún más prominente. Las dos formas 92

triangulares impulsadas hacia afuera son principalmente ornamentales. Existen por razones estéticas o de objetivo propio. El posmodernismo, con su sensibilidad al contexto de la construcción no excluye las necesidades de los seres humanos con respecto a la construcción. El Cementerio Brion (1970-72) de Carlo Scarpa ejemplifica esto. La necesidad de recursos humanos de un cementerio es que posee un carácter solemne, sin embargo, no debe hacer que el visitante se deprime. El cementerio de Scarpa logra el estado de ánimo solemne con los colores desvaídos de gris de las paredes y las formas perfectamente definidas, pero la hierba de color verde brillante impide que esto sea demasiado abrumador.

simbolismo. La fachada es, según Venturi, una imagen simbólica de una casa, mirando hacia atrás al siglo XVIII. Esto se consigue en parte mediante el uso de simetría y el arco sobre la entrada. Quizás el mejor ejemplo irónico en las construcciones postmodernas es la Piazza d'Italia (1978) de Charles Moore. Moore cita (arquitectónicamente) los elementos del Renacimiento italiano y de la Antigüedad romana. Sin embargo, lo hace con una torcedura. La ironía llega cuando se observa que los pilares están cubiertos con acero. También es paradójico en la forma en

Construcciones posmodernas en ocasiones utilizan trampantojos, creando la ilusión de espacio o de profundidad donde no existen realmente, como se ha hecho por los pintores desde los romanos. El edificio Portland (1980) tiene pilares representados en el lado del edificio que hasta cierto punto parecen ser reales, pero no lo son. El museo de arte Hood (1981–1983) cuenta con una típica fachada simétrica, que fue en el momento prevalente en todo los edificios posmodernos.16

que cita a la antigüedad italiana lejos de la original de Nueva Orleans.

La Vanna Venturi House (1962–64) de Robert Venturi ilustra el objetivo postmodernista de comunicar un significado y las características de 16

EDIFICIO AT&T (EDIFICIO SONY) (PHILIPH JONHSON; NUEVA YORK, 1984) Localización: Nueva York Estados Unidos

revista.univa.mx/n60/ArtAscencio.html

Arquitecto: Philip Johnson Construcción: 1982 Altura: 200 metros http://www.disenoyarquitectura.net/

La Arquitectura posmodernista se proyecta desde una crítica razonable al Movimiento Moderno. Cuestiona desde sus resultados hasta algunas de las premisas en una relación ajustada de causa - efecto. La crisis del Movimiento moderno se centraba en su propia impotencia para dar respuesta, en más de medio siglo de hegemonía arquitectónica, a los grandes problemas que habían conformado los objetivos centrales de su discurso: la vivienda popular, la ciudad, el equipamiento social.

La codificación doble da significado a las construcciones de transmitir significados de manera simultánea. El Edificio Sony en Nueva York hace esto muy bien. El edificio es un rascacielos que lleva consigo connotaciones de una tecnología muy moderna. Sin embargo, la parte superior contradice esto. La sección superior transmite los elementos de la antigüedad clásica. Esta doble codificación es un rasgo predominante de la posmodernidad.

El posmodernismo expresaba, así mismo, la necesidad de la recuperación de una valorización cultural de la arquitectura, el reconocimiento de otras premisas distintas de la sintaxis dogmática del Movimiento Moderno. Sin embargo, confluían es esta crítica razonable posturas muy dispares que pronto evidenciaron que no había un posmodernismo sino varios posmodernismos con posturas diversas y propuestas contradictorias. Si rescatamos como positivas la revalorización cultural de la arquitectura, la recuperación del sentido histórico, la preocupación contextualista y la participación de la comunidad en las decisiones de diseño, no podemos dejar de señalar lo negativo de la nueva carencia de valores, la frivolidad, la ausencia de compromiso social y el consumismo del derroche formal en que se embarca buena parte de producción posmodernista.

Las características de la posmodernidad se unificaron en lugar teniendo en cuenta sus diversas apariciones. El más notable entre sus características son sus lúdicas formas extravagantes y el humor de los significados que se transmiten en las edificaciones. Características - Importancia predominante en la composición de la fachada - Volúmenes compuestos con losas de una o más aguas a veces recubiertas con tejas - Profusión de materiales y detalles arquitectónicos - Equilibrio entre el vano y el macizo Uso de luz neón - Uso de colores fuertes y contrastantes en los detalles - Cornisas, molduras y crecerías - Ojos de buey o perforaciones simbólicas. 94

Características posmoderno

del

arte

las derivadas de las nuevas tecnologías. Todo ello lo reinterpretan

Frente a la idea de progreso, evolución e innovación de las vanguardias artísticas, el arte posmoderno defiende la cultura popular, la hibridación; se caracteriza por el eclecticismo, la mixtificación, el “nomadismo” –ir de un estilo a otro–, la “deconstrucción” –tomar elementos estilísticos del pasado–, etc. Así como la vanguardia se basaba en la innovación, la experimentación, la evolución, los posmodernos vuelven a los métodos clásicos, a la pervivencia de formas y estilos artísticos del pasado, creando una mezcolanza de estilos, cayendo en la repetición, la reinterpretación; el resultado es esta mezcla indiscriminada de temas y estilos.17

http://sharontorres.blogspot.mx/ De una forma subjetiva, personal, pero de forma indiscriminada e irreflexiva, sin pretender evocar algún tipo de concepto o enviar ningún mensaje. Asumen el arte como objeto y como finalidad en sí mismo, no como vehículo de transmisión de una realidad cultural circundante.

Se incide en la tradición como vuelta a modelos clásicos de programa artístico. El artista es libre para transitar en cualquier época o estilo del pasado, tomando libremente cualquier referencia de otros autores. Suelen ser obras figurativas –aunque sin rechazar lo abstracto–, con referencias iconográficas, con gusto por lo fragmentario. Los artistas posmodernos recurren por igual al arte clásico y al de vanguardia, incluso los movimientos artísticos inmediatamente anteriores a ellos. Asimismo, mezclan imágenes del arte tradicional con el cómic, el graffiti, imágenes publicitarias o de medios de comunicación de masas. También recurren a todo tipo de técnicas artísticas, desde las tradicionales a

Stanley Donwood y su “obra” plásticadiseño” http://cec2010.wordpress.com/

Bozal, Valeriano (1993). Modernos y postmodernos. Historia 16, Madrid

Por último, hay que remarcar que dentro del arte posmoderno hay una gran variedad estilística y conceptual, los diversos movimientos que lo integran –y dentro de éstos los diferentes artistas, cada uno con su sello personal– son heterodoxos y diversificados, sin carácter programático, cada uno con distintas finalidades y muy diversas peculiaridades. Incluso dentro de la evolución individual de cada artista. Hay notables diferencias según la geografía, sobre todo entre Europa y Estados Unidos, donde tiene quizá un tinte más crítico y reflexivo que el arte posmoderno europeo. Quizá por eso muchos críticos no ven un sello unívoco al arte posmoderno, sino que lo consideran un “cajón de sastre” donde situar diversas tendencias que sólo tienen en común su oposición al proyecto moderno. Aun así, el arte posmoderno será sin duda, con ese nombre u otro que pueda recibir en el futuro con más perspectiva histórica, el arte propio de finales del siglo XX y principios del XXI.

anteriores de la arquitectura clásica y a su vez le dan un carácter más nuevo o contemporáneo. Hoy en dia los arquitectos aun diseñan obras con base en el movimiento posmoderno, ya que es una arquitectura muy representativa, misma que a su vez expresa la estética de los estilos clásicos de la arquitectura. BIBLIOGRAFIA. revista.univa.mx/n60/ArtAscencio.htm l Bozal, Valeriano (1993). Modernos y postmodernos. Historia 16, Madrid www.jmhdezhdez.com/.../arquitectur a-posmoderna-postmoderna.htm... www.arqhys.com/.../arquitecturapostmoderna-construccion.html

CONCLUSION. El movimiento posmoderno es aun hoy en nuestros días un estilo que aun hoy forma parte de contexto social en el que vivimos. En la arquitectura el posmoderno se caracteriza por el regreso de las formas ornamentadas a las fachadas y construcciones las cuales habían sido abandonadas por el movimiento moderno. Los arquitectos del movimiento posmoderno retoman los estilos 96

19.- ARQUITECTURA COMUNISTA Elaborado por: Rodrigo Adame Pérez. Abstract.

Resumen.

Different styles have marked and left their mark with the passing years in the art of architecture, one of the most important is called Russian Constructivism.

Diversos estilos han marcado y dejado huella con el trascurrir de los años en el arte de la arquitectura, uno de los más importantes es denominado constructivismo ruso.

It is one of the styles with great weight in the architecture as this was the beginning of evolution that allowed idealistic inspiration for other countries not only in Europe but in parts of Asia and America. Architecture is not only one of the arts that engulfed constructivism also included sculpture, painting, theater and film to the present time as Russian Constructivism emerged a transition called futurism.

Es uno de los estilos con gran peso en la arquitectura ya que este fue el inicio de la evolución idealista que permitió la inspiración para otros países no solo en Europa, también en parte de Asia y América. La arquitectura no es solo una de las bellas artes que envolvió el constructivismo abarcaba también la escultura, pintura, teatro y hasta nuestros tiempos el cine ya que del constructivismo ruso surge una etapa de transición denominada futurismo.

Properly it is interesting to see this style as harvest or fruit of society. The crisis as a country ravaged by various reasons and various aspects manages to develop in its own way a good architecture.

Propiamente es interesante el ver este estilo como cosecha o fruto de la sociedad. El como un país en crisis devastado por varias razones y diversos aspectos logra desarrollar a su manera una buena arquitectura.

Desarrollo.

Esta ideología de avanzar y crecer a gran velocidad se ve reflejada hasta en el “arte” ya que sus exponentes no veían sus obras como arte en si, le tomaban mayor importancia a el procedimiento para lograr esas llamadas “obras”

Rusia hacia 1914: varios sucesos fueron los que debilitaron en cierta parte a este país.

Primera guerra mundial. Revolución bolchevique. Guerra civil.

Aquí se demuestra que el constructivismo es una esencia o estilo propiamente comunista y con intervención de estilo industrial.

La economía estaba desbastada como en cualquier otro país después del proceso revolucionario, una desorganización inicial rondaba, debido a esto la construcción en Rusia fue nula; el principio u objetivo revolucionario fue el motor para que la sociedad avanzara, además de su unión y fortaleza como grupo social.

La primera y más poderosa imagen del nuevo modernismo ruso fue el monumento a la tercera comunista en 1919 por Vladimir tatlin.

Aunque no se construyó nada después de la revolución, se produjo una explosión en los trabajos del diseño lo cual creó una poderosa imaginería de posibles arquitecturas novedosas para la nueva sociedad. Lo importante sería el equilibrar la economía y sacar de la marginación a muchas personas que en el sistema político imperialista (dictadura), estaban sufriendo de pobreza y una mala calidad de vida. Esto solo se puede lograr con algo… el comercio y para ello la industria tiene un papel muy importante ya que para vender algo hay que producirlo. Por ello en esta época la industria es la base de todo y el método de la producción.

Después surge el parlamento de los trabajadores llamado el palacio del trabajo.

Estos trabajos fueron de los más importantes, surge un proyecto que está acompañado de una gloriosa oportunidad para demostrar la grandeza e inventiva arquitectónica de rusia a nivel internacional, fue el pabellón soviético en la exposición de las artes decorativas en parís. (1924-1925).

Cuando se reanudó el trabajo la prioridad fue la vivienda para la clase obrera. El desarrollo de modelos bajos que proveían apartamentos familiares mínimos con accesos por escaleras en bloques de 3 a 4 pisos, el primero y más famoso (calle tractor, san Petersburgo), aquí se demostró que las altas densidades eran compatibles con un ambiente sano de escala humana. Arcos medios gigantes y detalles pequeños en piedra natural, podían 99

conferir una dignidad apropiada para “la nueva clase gobernante”

De aquí siguió la investigación de Ginzburg y de sus colegas constructivistas en las unidades habitacionales con los estándares mínimos que promovieran el ahorro de tiempo( en especial para mujeres) y servicios compartidos para así desarrollar una idea más colectiva.

MAPA REPRESENTATIVO…

En la nueva capital Moscú se desarrollaban grupos modernistas más inclinados hacia la teoría. De la mayor importancia fueron el sindicato de arquitectos contemporáneos (OSA o constructivistas), quienes privilegiaban la relación entre espacio y organización social, y la asociación de nuevos arquitectos (ASNOVA o racionalistas), quienes privilegiaban la relación entre la forma abstracta y el mensaje que transmite. De aquí surge la nueva investigación apropiada para las viviendas socialistas, no con ideas ajardinadas sino como un bloque de apartamentos. Con ello fue “el bloque habitacional Gosstrakh, moscu (19251926), del colega más joven de los hermanos Vesnin moisei Ginzburg (1892-1946), fue la primera demostración en Rusia de los elementos modernistas europeos como los “toit-jardin” de LE CORBUSIER y las ventanas corridas en esquina de Walter Gropius. Aunque la construcción fue de ladrillo y no de concreto, la ideología europea con sus concinas mínimas y servicios compartidos para personas solteras.

CONCLUSION. El impacto del constructivismo en la sociedad fue basado en la necesidad que demandó el momento histórico que se vivió. Fuentes de información: www.arqhys.com/.../constructivismo /

100

20.- PREFABRICADOS.

Elaborado por: Bertha Lizet de Lira Díaz. Debido a la demanda de aceleración en tiempos de construcción en días actuales, es necesario considerar, conocer y tener siempre a la mano las características y propiedades de los materiales prefabricados para la construcción, ya que estos elementos, son la piedra angular para la coordinación rápida y en tiempo de la ejecución de la obra en construcción.

Conglomerante. Existe una gran variedad de cementos, los cuales poseen distintas características atendiendo a su composición. Cada uno de estos componentes, tiene su repercusión en las características y comportamiento del mismo, como por ejemplo la Velocidad de Hidratación, el Calor de Hidratación, la Estabilidad de Volumen o la Estabilidad Química frente a agentes agresivos. La elección del cemento debe ser estudiada con detenimiento, debido a la necesidad de una serie de características y comportamientos que vamos a exigir al mismo. Al tratarse de una fabricación en serie, y con la intención de que el material no repose demasiado tiempo en los moldes (que deben seguir siendo utilizados), se precisa de un cemento que aporte una resistencia medio-alta temprana. n elementos como las viguetas prefabricadas que poseen un pretensado de cables de acero, también hay que exigirle al cemento que aporte una buena protección hacia el metal.

En esta presentación, se darán a conocer: en que consiste el método de prefabricación, la clasificación de los elementos prefabricados de la construcción más utilizados y algunos ejemplos del catálogo de productos prefabricados, con el fin de conocer, aprender a utilizarlos o integrarlos en la obra, buscando las cualidades óptimas para su función dentro de esta.

101

2. Montaje: El montaje en obra puede realizarse con grúas o en forma manual, según las características de los elementos prefabricados.

Atendiendo a las exigencias anteriores, podemos deducir que el mejor cemento a utilizar en nuestro caso sería un cemento rico en SC3 (Silicato tri-cálcico o “ALITA”), debido a las características y comportamientos que este compuesto aportan al cemento, una de estas características principales son:

CLASIFICACIÓN DE LOS ELEMENTOS PREFABRICADOS. Según peso y dimensiones: Según el peso y las dimensiones de las piezas prefabricadas, se pueden clasificar en: prefabricados Livianos.

Alto calor de hidratación. Rapidez de hidratación. - Alta resistencia inicial, para no retardar en exceso el desmolde. - Gran protección de las armaduras.

Son los pequeños elementos prefabricados o ligeros, de peso inferior a los 30 kg, destinados a ser colocados de forma manual por uno o dos operarios. Prefabricados

Semipesados.

Su peso es inferior a los 500 kg, destinados a su puesta en obra utilizando medios mecánicos simples a base de poleas, palancas, malacates y barretas. FASES DE LA PREFABRICACIÓN La construcción por prefabricación se realiza en dos fases: 1. Fabricación: La producción se lleva a cabo en fábricas (fijas o móviles) propiamente dichas o bien a pie de obra. 102

Elementos Lineales. Son piezas esbeltas, de sección transversal reducida en relación a su longitud. Por ejemplo: vigas, columnas, pilotes, etc. Según materiales: Las estructuras prefabricadas se pueden ejecutar con cualquier material estructural, por ejemplo: De concreto reforzado: Hormigón reforzado interiormente con armaduras metálicas para mejorar su resistencia a los esfuerzos de tracción.

Prefabricados Pesados. Su peso es superior a 500 kg, requiriéndose para su puesta en obra, maquinaria pesada tales como grúas de gran porte.

Concreto Reforzado. a).De concreto pretensado: Concreto que tiene acero sometido a una fuerte tracción previa y permanente. La idea básica del pretensado, es someter a compresión el concreto antes de cargarlo, en todas aquellas áreas en que las cargas produzcan tracciones b).De concreto postensado:

Según formato: Según sea su forma, las piezas prefabricadas pueden clasificarse en: Bloques. Son elementos prefabricados para construcción de muros. Son autoestables sin necesitar de apoyos auxiliares para su colocación. Por ejemplo: bloques de hormigón, bloques de ladrillo hueco, etc. *Bloques cerámico. *Bloques cerámico.

concreto

ladrillo

concreto

ladrillo

Concreto que es sometido a tensión por medio de unos cables embutidos en sus vainas, una vez que éste ha endurecido. De acero: El Acero es uno de los materiales de fabricación y construcción más versátil y adaptable. Ampliamente usado y a un precio relativamente bajo, el acero combina la resistencia y la trabajabilidad, lo que se presta a fabricaciones diversas. Asimismo sus propiedades pueden ser manejadas de acuerdo a las necesidades específicas mediante tratamientos con calor, trabajo mecánico, o mediante aleaciones.

Paneles. Antepecho, placas de fachada y placas de yeso. Los paneles constituyen placas cuya relación entre grosor y superficie es significativa. Por ejemplo: muros de contención, antepechos, placas de fachadas, placas de yeso, etc.

103

De aluminio:

material que procede del acetileno mediante formación de acrilato de metilo y polimerización de éste último. Características principales: * Material ligero con una densidad de 1.180 kg/m3 * Buena resistencia mecánica y estabilidad. * Transparencia comprendida entre el 85 y el 92% * Resistencia a la rotura siete veces superior a la del cristal, a igualdad de espesores. * Puede soportar sobrecargas de 70 kg/m2. * Resistencia a los agentes atmosféricos. * Es fácilmente rayable.

El Aluminio es uno de los elementos más abundantes en la tierra; constituye el 7.3% de su masa. En su forma natural, solamente existe en combinación con otros materiales. Es un metal blanco con matiz ligeramente azulado. Muy dúctil y maleable, puede obtenerse en hilos o en hojas, como el Oro. El Aluminio es resistente al aire por cubrirse de una capa de óxido invisible, como un barniz que le protege, por ser muy adherente. Puede soldarse con soplete o eléctricamente, debiéndose emplear fundentes para eliminar la capa de óxido.

TIPOS DE PREFABRICADOS.

MATERIALES

* Bloque de Hormigón: El Bloque de Hormigón es un volumen rectangular prefabricado con numerosas celdas de paredes delgadas, que los convierten en piezas fáciles de maniobrar en obra y muy aislantes. Se elaboran a partir de Morteros y Hormigones de consistencia seca (de Árido pequeño) comprimiéndolos y haciéndolos vibrar en moldes metálicos.

De madera: Está constituida por el conjunto de tejido que forma la masa de los troncos de los árboles, desprovistos de su corteza. Es el material de construcción más ligero, resistente y fácil de trabajar, utilizado por el hombre desde los primeros tiempos. De plástico:

Por tener mayores dimensiones que el ladrillo, permite la construcción de paredes en tiempo más reducido a los que demanda una pared de obra de ladrillo. Las paredes son más rígidas, pero rechazan los revestimientos si antes no se le son aplicadas disposiciones constructivas especiales. El bloque de concreto es utilizado ampliamente en la construcción, desde viviendas de interés social hasta

Los grandes avances en la tecnología del plástico tuvieron lugar entre 1920 y 1930, cuando se inventaron el acrílico, el poliestireno, el polietileno y el PVC, además de las técnicas de producción asociadas como el moldeo por inyección. El Metacrilato, también conocido por el nombre de polimetacrilato o acrílico, es un 104

edificaciones comerciales e industriales. Sus principales aplicaciones son: • Muros simples o divisorios • Muros estructurales • Bardas perimetrales • Muros de retención El bloque de concreto, es fabricado con un estricto control de materias primas y a través de un proceso industrializado con tecnología de punta, lo que garantiza su calidad respecto a otros productos del mercado, logrando con esto obras de mayor calidad y reduciendo el desperdicio en obra. El bloque de concreto en la línea estándar se fabrica en 4 diferentes medidas: 10, 12, 15 y 20 cm de ancho, teniendo como constantes 20 cm de altura y 40 cm de largo. Además contamos con piezas accesorias como: medias piezas, piezas para cadena o dala, con machimbre, etc. Sus principales propiedades físicas son:

* Menor costo que la pared tradicional. * Se elimina la elaboración de mezclas. *

Gran

velocidad se

ejecución.

ejecutan

revoques.

* Excelentes propiedades ignífugas. * Menor peso que la pared de ladrillo. * Listo para pintar a los 5 días. El sistema constructivo “Aldrillo” es la mejor solución para realizar paredes interiores en todo tipo de ambientes. Está formado por bloques sólidos de yeso, machihembrados, lo que permite un perfecto encastre entre los mismos. Sus caras son planas y pulidas; una vez dadas las dos anos de terminación, la superficie queda lista para pintar.

* Bloque de Yeso: es una pieza prefabricada utilizada para realizar divisiones interiores. Los bloques tienen sus bordes machihembrados, lo que permite un perfecto encastre entre los mismos. Su instalación puede realizarse en seco y solo se necesita una serie de adhesivos y juntas.

Elementos Sistema

que

componen

*Bloque de yeso Aldrillo *Adhesivo *Enduído de Terminación. *Set de juntas y Cinta de papel Presentación Comercial

El yeso tiene además, una terminación absolutamente lisa y espejada que no necesita revocos; esto implica que su terminación, si está bien colocado, siempre muy prolija y permite reducir considerablemente los tiempos de ejecución y abaratar los costes. Puede apoyarse sobre todo tipo de suelos: carpetas, forjados de hormigón armado o cualquier otro que esté nivelado, desde cerámicos, alfombra, madera y mosaicos.

Pallets

Bovedilla

unidades. Prefabricada.

Es una pieza generalmente de Hormigón y/o Cerámica que se utiliza en forjados como pieza de entrevigado con función aligerarte (encofrado perdido). 105

El sistema de vigueta y bovedilla está constituido por los elementos portantes que son las viguetas de concreto pre esforzado y las bovedillas como elementos alegrantes. Las viguetas se producen en diferentes tamaños (sección geométrica) y diferentes armados, así mismo las bovedillas tienen diferentes secciones tanto en longitud, ancho y peralte, de tal forma que se tiene una gran variedad de combinaciones que pueden satisfacer cualquier necesidad.

da perfecto fisuras.

monolitismo

evitando

Conclusión: Es necesario estar a la vanguardia de los sistemas constructivos que van ofreciendo para la innovación de la obra arquitectónica, que permita abatir costos en países como México, donde es parte fundamental de la toma de decisiones en los clientes. Fuentes de información: www.arqhys.com/.../prefabricadosconstruccion.html

Aunque inicialmente se concibió este sistema para su aplicación en las viviendas, en la realidad se ha aplicado en casi todo tipo de losas y entrepisos, debido a su bajo peso, estos elementos permiten que se efectúe su montaje manualmente, eliminando el costo de equipos pesados. Existen tipos de viguetas con conectores para anclar la malla a este sistema lo que permite tener la capacidad necesaria para tomar los esfuerzos rasantes por viento o sismo, Así mismo actualmente se fabrican viguetas sísmicas, que tienen un relieve en la parte superior de setas formando una llave mecánica que permite un mejor trabajo junto con la losa (capa) de compresión. A continuación se muestran las características de los elementos y sistemas, tablas y gráficas de autoportancia y capacidades de carga vs. Claros a cubrir de los diferentes fabricantes. Las viguetas pretensadas auto resistentes con perfil de doble “T” que permiten la entrada de la bovedilla y penetración del concreto de la capa de compresión de 3 cm. de espesor que le 106

21.- ORIGEN ARQUITECTURA HIGH TECH. Autor: Rafael Hernández Sierra. Resumen Abstract El High Tech es la corriente arquitectónica que se apoya en la Alta Tecnología para expresar su imagen, utilizan a la tecnología como un fin en si, no para llegar a alguna parte. Es el afán por enseñar las estructuras, el acero, el concreto, vidrio y mostrarla como parte estética de la edificación.

The High Tech is the architectural movement that relies on high technology to express his image, using technology as an end in itself, not to get somewhere. Is the desire to teach structures, steel, concrete, glass and display it as part of the building aesthetics?

Esta tendencia encuentra sus orígenes ideológicos en el movimiento moderno llevando al extremo las teorías y el estilo de éste. Esta arquitectura se apoya en los avances tecnológicos para denotar su imagen.

This trend finds its ideological origins in the movement to end modern theories leading and idiom. This architecture is based on technological advances to denote its image. This new trend introduces us beyond mere image. We introduce the variables of engineering within the planning process and have projected structural considerations in architectural iconography.

Esta nueva tendencia se introduce más allá de la mera imagen. Las variables de la ingeniería dentro del proceso de planeamiento y ha proyectado consideraciones estructurales en la iconografía arquitectónica.

Corriente

Current High Technolog

Alta Tecnología

keywords

Palabras clave

107

troducción. High tech puede ser entendido como un estilo arquitectónico, o bien como algo bastante más riguroso, como se entiende en Europa y que está basado en la utilización de tecnologías antes que meramente constituir una formalidad estilística. Desde el punto de vista europeo, el high tech es una forma muy rigurosa de expresión arquitectónica directa de la materialidad.

uso y participar en los descubrimientos tecnológicos. ¿Para qué seguimos haciendo edificios en concreto y ladrillos, cuando los podemos diseñar en acero y vidrio que permiten fabricación industrializada de componentes, que se ensamblan en la obra? Dicen ellos. Su propósito es el de arrastrar a la arquitectura y a la construcción dentro del siglo XX. Hay que tener en cuenta que apasar de empear materiales indistializados, posibles de ensambralse rapidamente en obra, los diseños del high tech no son soluciones constructivas ecominicas. En estos diseños siempre hay algo mas que la ingenieria, lo que les da su valor agragado: son soluciones arquitectonicas y en esto radica su valor. Le Corbusier decribia la vivienda como una maquina de habitar, pero costruyo casas con tecnologias primitivas y que en nada se parecen a una maquina. Los edificios high tech si se parecen a maquinas, en cuanto la maquina es mas que una metafora, es una fuente tecnologica y de imagineria.

Esta expresión tiene raíces en la producción industrial de materiales, que provienen de campos relacionados con la construcción, pero también desde otros campos de la industrial, como la aeroespacial, por ejemplo, tomando tecnologías e imágenes tecnológicas que se aplican a las obras, las que son diseñadas con una constante en mente: la flexibilidad. Muchas veces se confunde el termino high tech con la obra personal de algunos arquitectos, tales como Richard Rogers, Norman Foster, Nicolas Grimshaw o Michael Hopkins, quienes son los cuatro principales representantes de este movimiento. El high tech no es un movimiento tradicional, ya que no ha tenido encuentros ni conferencias; no publica revistas ni manifiestos, pero se trata de una forma de ver y hacer la arquitectura que está basada en personas que comparten formaciones similares. Los exponentes del high tech, tal como los modernistas en los años veinte, creen que existe algo como “el espíritu de los tiempos” y que la arquitectura tiene la obligación moral de expresar este espíritu. Y con este caso en particular, creen que el espíritu de nuestros tiempos está en la tecnología. Por lo tanto la arquitectura debe hacer 108

dos repustas. La primera es diseñar, desarrollar, producir y promover un edificio estandar, que es lo que intento hacer Hopkins con su sistema Patera para pequenos edificios de oficinas, en 1970. Esta definitiva falló debido a su alto costo comparado con sistemas constructivos tradicionales. La segunda forma de construir edificios utilisando partes sacadas de un catalogo, un buen ejemplo son las casas disenadas por Charles y Ray Eames en 1949 en California. Sin embargo en Europa esta practica no ha tenido éxito, por la poca calidad visual de estos elementos y en especial porque no existen en el mercado piezas de las formas y tamaños que los arquitectos requerian. Desarrollo Edificio

banco

Hong

Kong,

1985,

Norman

Foster

http://ecodiario.eleconomista.es/cultura/noticias/1262262/05/09/Foster-

¿Dónde surge el High Tech? Tendremos que remontarnos a dos perspectivas históricas diferentes. La primera es de larga data y nos hace llegar a 1779 fecha de la construcción del primer puente de hierro forjado sobre el rio Severn en Inglaterra. Sin duda es la primer estructura high tech en la historia.

con-el-riesgo-y-la-imaginacion-por-delante.html (14/05/13)

Las maquinas generalmente se producen masivamente, utilizando materiales sinteticos tales como metal, vidrio y plastico y tienen la apariencia caracteristica de un objeto, sea este movil o inmovil. En la arquitectura high tech los edificios parecen producidos industialmente, como si hubieran salido en una cadena de montaje industial. Basta ver el centro de artes visuales en Sainsbury de Foster o el centro Schlumberger para la investigacion de la universidad de Cambridge, de Michael Hopkins, para darse cuenta que ambos edificios, pesados para diferentes usos, sin embargo tienen en comun la simplesa de la estructura metalica y de ser unas cajas metalicas muy bien proporcionadas que no tienen nada que ver con su entorno. La funcion y la expresion, la ingenieria y la arquitectura estan en un delicado equilibrio. La produccion masiva tiene

Puente de hierro forjado, 1779, rio Severn, Inglaterra

Quizás sea un poco extremo remontarse tan atrás en la historia para un movimiento que se inicia en los años de 1960-1970, pero este puente aun esta en servicio y no hay que 109

subestimar la influencia de las obras de ingeniería de los años 18 y 19 en los arquitectos contemporáneos Europeos. Algunos ejemplos son la torre Eiffel y los edificios de cristal construidos para las exposiciones mundiales de Londres en 1851 y de Paris en 1889. Durante la primera mitad del siglo XX, el material por excelencia es el concreto armado, preparado y vertido en obra, es decir el exacto tipo de material que los arquitectos high tech tratan de evitar usar.

la fachada, como serpientes de acero y vidrio”. La influencia del constructivismo se hace sentir en una serie de proyectos fuera de la unión soviética, especialmente en Holanda y Francia, donde, en 1932, Pierre Chareau diseña la llamada Maison de Verre (Casa de Vidrio) en Paris, en base a componentes industriales, cuenta con una gran fachada en vidrio lenticular y plantas flexibles.

Maison de

Verre,

1932,

Pierre

Chareau,

Paris,

Francia

http://www.nytimes.com/2007/08/26/arts/design/26ouro.html?pagewanted= all&_r=0 (14/05/13)

Otras influencias importantes se encuentran especialmente en los hermanos Smithson y en la obra temprana de James Stirling, especialmente en el edificio para la escuela de ingeniería de la universidad de Leicester que Stirling construye entre 1959 y 1963, edificio cuya fuerza trastoca la arquitectura inglesa de postguerra y se constituye en un hito para los arquitectos jóvenes de esa década. Posteriormente Rogers y Foster lo tuvieron de profesor visitante mientras estaba haciendo un posgrado en la universidad de Yale.

Torre Eiffel, 1889, París, Francia http://www.arqhys.com/construccion/latorre-eiffel.html (14/05/13)

Existen excepciones, tal como Mies van der Rohe, quien fue el pionero del empleo de la estructura en las fachadas. En este periodo lo que se podría denominar high tech se mantuvo a nivel de teorías y proyectos utópicos no realizados, especialmente en los futuristas italianos (Antonio Sant’Elia) y los constructivistas soviéticos. Las similitudes de algunas de estas propuestas con obras actuales de Rogers, son asombrosas, en espacial el edificio del LLoy’s. Sant’Elia decía en su manifiesto futurista de 1914 que “debemos reinventar nuestra ciudad como un inmenso astillero en el que los edificios serán como gigantescas maquinas, con los ascensores fuera en 110

http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Nicholas_Grimshaw_flats_Camden _Town_back_of_Sainsburys.jpg(14/05/13)

Escuela

Ingenieria,

1959,

Con esto es completa el repertorio basico del high tech, lo que permite que en la decada siguiente aparezcan varios edificios diseñados por los cuatro arquitectos puntuales del movimiento (Rogers, Foster, Grimshaw y Hopkins). Pero en 1970 cuando Rogers junto con Renzo Piano, se presentan al concurso llanamo por el presidente Mitterrand para un nuevo centro cultural en Paris, que el high tech despega definitivamente. Aparece el centro Pompidou y la imagen del high tech de pronto se hace mundialmente concocida y se instala en el subconsciente colectivo como la imagen de la nueva arquitectura. Lord Norman Foster

Leicester

http://quintinlake.photoshelter.com/image/I0000M1pwb1f2evc (14/05/13)

La segunda perspectiva historica, en el corto plazo (20 años) deberia comenzar con el edificio de Rogers para la fabrica Reliance Contol, realizado en 1967, el cual fue el ultimo proyecto que hicieron juntos Rogers y Foster. Esta proyecto, que no parece nada especial, sin embargo utliliza por primera vez elementos tales como la estructura metalica a la vista, la monumentlaidad de la planta, que permitio una acelerada construccion y la flexibilidad interior del edificio. Al ganar el premio anual al mejor edificio industrial de 1967, es el impulso definitivo que necesitan estos arquitectos para profundizar en la exploracion del high tech. Paralelamente Grimsahaw estaba desarrollando el concepto de un sistema de banos modulares adosable a edidificos del sigla XX (que obviamente no tenia servicios) para ser transformados en residencias universitarias.

Departamentos

Camden,

1988,

Nicholas

Norman Foster (Manchester Reino Unido, 1935), estudió Arquitectura en la Universidad de Manchester. Al finalizar sus estudios ganó la beca Henry Fellowship para estudiar un curso de especialización en la Escuela de Arquitectura de Yale, en los EE.UU. Un año después volvió a Inglaterra donde comenzó a trabajar con Richard Rogers. Poco después conoció a las dos hermanas arquitectas Wendy y Georgie Cheesman con quienes, en 1963, fundó el estudio Team 4. En 1967 Norman y su ya esposa Wendy, deciden crear el estudio Foster Associates, que dirigieron conjuntamente hasta la muerte de Wendy en 1989. Actualmente, Foster sigue presidiéndolo bajo el nombre Foster & Partners. Foster ha recibido numerosas distinciones, entre las que destacan el Título de Sir (1990), Doctor Honoris Causa por el Royal College of Art de Londres (1991), Doctor Honoris Causa por la Universidad Politécnica de Valencia (1992) y el Título de Lord

Grimshaw

111

(1999). Asimismo, le han sido otorgados numerosos premios como la Medalla de Oro Royal Institute of British Architects (RIBA) (1983), el Premio de Arquitectura Contemporánea de la Unión Europea (por la nueva terminal del Aeropuerto de Stansted, 1990), la Medalla de Oro de la Academia Francesa de Arquitectura (1991), la Medalla de Oro American Institute of Architects (1994), el Premio Pritzker de Arquitectura (1999), el Premium Imperiale (Japón, 2002), y el Premio Príncipe de Asturias de las Artes (2009).

mundo. Utiliza aislamientos, ventilaciones, transportes, accesos, orientación, materiales, diseño de interiores... etc. En definitiva, cada factor es mimado hasta el detalle para conseguir reducir el uso de energía y aumentar la empatía con los seres humanos que trabajan, estudian, viven o se desplazan en las infraestructuras que Foster diseña. En 1985 diseñó la obra que le hizo popular: el Banco de Hong-Kong y Shanghái. Se trata de un rascacielos de cristal de 47 plantas que destacaba por su funcionalidad, uso de la tecnología integrada en el diseño del edificio e inteligente iluminación natural. Además, Norman Foster es el autor del puente más alto del mundo, que se eleva a 243 metros sobre el río Tarn (Francia) y sobrepasa en 23 metros la altura de la Torre Eiffel. Inaugurado en diciembre de 2004, está considerado el primer gran proyecto del siglo XXI. Asimismo, ideó el aeropuerto de Beijing, el edificio más grande del mundo, capaz de acoger a 60 millones de pasajeros al año, y emblema de la China Olímpica. Por otro lado, en 2007 presentó el proyecto para construir en Abu Dhabi una ciudad con cero emisiones de carbono y que no generase residuos, adelantándose al modelo de arquitectura que el Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente (PNUMA) propone para ayudar a combatir el cambio climático. En 2008, presentó una nueva Casa del Elefante para el Zoo de Copenhague, en el cual los animales encontraban una simulación de su hábitat natural. En 2009 ganó, aliado con otros equipos de arquitectos, el concurso para construir el primer espacio puerto expresamente construido para ese uso (Spaceport América), en el desierto de Nuevo México. Por último, en 2010 ha

Sainsbury Center, 1977, Norwich, Reino Unido, Norman Foster 14/05/13

La aportación Uno de los estudios de arquitectura más influyentes del mundo. Por ejemplo, durante las últimas cuatro décadas ha sido responsable de una gama sorprendentemente amplia de trabajos: desde planes urbanísticos a infraestructuras públicas, pasando por aeropuertos, edificios cívicos y culturales, oficinas y lugares de trabajo, casas particulares y productos de diseño. Desde su creación, la oficina ha recibido 470 premios y menciones de excelencia y ha ganado más de 86 competiciones internacionales y nacionales. En cada proyecto, el estudio de Foster rentabiliza al máximo el uso de tecnología en beneficio de la sostenibilidad, intentando que los edificios dejen de producir el 40% de las emisiones de dióxido de carbono del 112

presentado el proyecto de un hospital pensado para generar un ambiente de comunidad y disminuir al máximo el estrés de los pacientes. Estaría completamente integrado en la campiña de los alrededores de Bath y el edificio se volvería parte del tratamiento. Precisamente, hablando de edificios, hay muchos emblemáticos distribuidos por todo el mundo con la firma de Foster. Por ejemplo, la sede central de la Hearst Los diseños de Foster destacan por aprovechar al máximo el uso de la tecnología en busca de la mayor eficiencia energética, la excelente integración en el entorno, la creación de un ambiente amable para el usuario y la usabilidad de sus instalaciones.

de importancia fue la torre de comunicaciones de Collserola en Barcelona, esencial para los Juegos Olímpicos de 1992. También son suyos el Metro de Bilbao y el Puente de las Artes y el Palacio de Congresos de Valencia. Uno de sus últimos proyectos es la creación del rascacielos de Caja Madrid y del Tribunal Superior de Justicia y la Audiencia Provincial de Madrid. En la actualidad, su obra se expone en las colecciones permanentes del MOMA de Nueva York y del Centro Georges Pompidou de París. Sin duda, su trabajo va mucho más allá de lo que normalmente entendemos por arquitectura. Y es que partiendo de una visión holística de lo que significa un edificio, y entendiendo perfectamente la tecnología y sus implicaciones, Foster ha llenado las ciudades de filosofía. Las implicaciones

Wills

Faber

and

Dumas

Head

Ipswich,

1975,

Norman

Norman Foster ha revolucionado el cómo entendemos la arquitectura. Es una persona que entiende que los lugares donde vivimos y trabajamos tienen una gran influencia sobre las personas, que los edificios tienen mucho que ver con el medio ambiente y que los espacios urbanos son determinantes en nuestra calidad de vida. A través de sus proyectos podemos entender que hay aspectos cruciales en el siglo XXI (como la sostenibilidad, las comunicaciones, la salud y el desarrollo de las ciudades) que pueden hacerse mejor y que para ello el Arte de la Arquitectura, en sus expresiones más inteligentes, es esencial. Con una mente privilegiada, autor de grandes iconos de la arquitectura, Lord Foster ha convertido la creación de edificios en obras de arte. Su equipo traslada sus oficinas al lugar

Foster

http://en.wikipedia.org/wiki/File:FosterWillis_Faber_and_Dumas_Headquar ters_Ipswich.jpg 14/05/13

Corporation en Nueva York, la pirámide destinada al diálogo mundial entre las religiones en Astana, la nueva capital de Kazajistán, la Torre del Commerzbank en Frankfurt,, la Torre Swiss Re en Londres...etc. La lista es interminable y cada nuevo proyecto aprovecha al máximo el uso de la tecnología para conseguir la mayor eficiencia energética posible, una excelente integración en el entorno, crear amabilidad y ser del todo usables. En España, su primer trabajo 113

del proyecto, implicándose en cada paso y cada detalle, cuidando de la ciudad como un escultor de la piedra. De alcance universal, su obra conjuga calidad estética y la reflexión intelectual, prestando especial atención al diálogo entre territorio y ciudadanía. Ha reconocido la importancia del diseño como un catalizador en la mejora de la calidad de vida y lo pone al servicio de la libertad social e individual. El entorno influye sobre los seres vivos, es un axioma común en la biología.

Torre

Hearst,

2006,

NY,

Norman

sellos de neopreno, no existiría la high tech tal como la conocemos ahora. Bibliografía http://www.arqhys.com/contenidos/arqui tectura-high-tech.html http://www.guiaurbana.com/tendencias/arquitecturahigh-tech.ph

Foster

http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Hearstowernyc.JPG 14/05/13

Conclusión. Pero quizás, el cambio más importante ha sido nuevamente en lo tecnológico antes que en lo arquitectónico. La tecnología ha avanzado a pasos acelerados dejando atrás a la arquitectura. Puede que existan obras de arquitectura equivalentes a un módulo lunar o al aeroplano, pero definitivamente no existen obras equivalentes a un chip computacional en lo potente, novedoso y complejo de su estructura. Sin los 114

contemplar varios ejemplos de obras ya realizadas, mostrando sus materiales industrializados como primera característica del estilo.

22.- HIGH TECH ARQUITECTOS REPRESENTATIVOS.

Al High Tech se le conoce con otro término, el cual es el “tardo modernismo”

Autor: Isaías Vicente Gómez Soto. RESUMEN.

En el tiempo en el que se desarrolla, el planeta vive momentos de avances tecnológicos importantes, como el hombre a la luna, tecnología para el hogar.

El hig tech, terminó utilizado para darle nombre a un estilo arquitectónico, el cual muestra, la tecnología y materiales usados en ella. Los materiales prefabricados, como el vidrio, metal, principalmente marcan este estilo; basados en el pensamiento que se tuvo en esa época, los avances tecnológicos. El centro cultural pompidou fue el que marco este periodo, mostrando toda su estructura, dando una trasparencia y un cambio radical en la arquitectura que se vivió años 70’s.

El high tech toma eso como un pensamiento el cual, lo demuestra en sus obras y principalmente en su obra más representativa como lo es el Centro Pompidou, realizado por los arquitectos Renzo Piano y Richar Rogers en 1972-1976.

ABSTRACT. The hig tech, term used to give a name to an architectural style, which shows, technology and materials used in it. Prefabricated materials such as glass, metal, primarily mark this style, based on the thought that they had at that time, technological advances. The Pompidou cultural center was that this time frame, showing its structure, giving a transparency and a radical change in architecture that took 70's.El hig tech (alta tecnología) es un estilo arquitectónico desarrollado durante los años 70. Se le otorga este nombre por el libro “the Industrial Style and Source Book for The Home”, por Joan Kron Y Suzanne Slesin. En el libro se pueden

Fuente: http://www.archdaily.mx/48228/clasic os-de-arquitectura-centre-georgespompidou-renzo-piano-richard-rogers/ marzo 2013

115

con el uso por parte de los arquitectos de materiales industriales en techos y fachadas de edificios. No obstante, Piano admite que la verdadera inspiración de sus obras no es la tecnología, sino que el verdadero bienestar del usuario, por lo que en los últimos años ha incorporado elementos naturales y formas orgánicas en sus proyectos. Fuente: http://www.biografiasyvidas.com/biogr afia/p/piano.htm marzo 2013

Sus obras. Algunas de sus obras más famosas son:

RENZO PIANO

· El Centro Georges Pompidou en París, Francia.

Nacido en 1937, en Génova, Renzo Piano tuvo una vida que estimuló su admiración por los materiales modernos.

· El Museo de la Colección Menil, Houston, EU.

Sin duda, muchos críticos del arte opinan que este arquitecto italiano de 72 años, ganador del distinguido premio Pritzker en 1998, es uno de los más geniales de esta época. Su trabajo representa una generación y posee tanta relevancia a nivel internacional que se considera un verdadero emblema del arte. Fuente: Google marzo 2013 El high tech es una tendencia de la arquitectura que hace alusión a la tecnología como pilar de las obras. Mediante una imagen futurista, se utilizan materiales como el acero y el vidrio. Está basado en el movimiento moderno, pero aún más recargado, el high tech usa mucho la ingeniería como estética. Su mayor propósito es resaltar la esencia de la época en la que vivimos.

· Los Cruceros "Royal Princess" y "Crown Princess", de Princess Cruises.

Esta tendencia surgió a partir de la década de los 70 y comenzó

Fuente: Google marzo 2013 116

Actualmente, Piano sigue dando que hablar, ya que en la reciente inauguración del Congreso Internacional “Arquitectura: más por menos”, él, junto a otros arquitectos como Jacques Herzog y Glenn Murcutt, pidieron que los profesionales de la arquitectura intenten "conquistar el mundo a través de la utilización del uso del espacio, para conseguir traer al mundo algo que la gente no espera y que no forme parte de la vida cotidiana".18 Premio Pritzker

La principal innovación del proyecto fue la aerodinámica y ondulante cubierta de la terminal, que, lejos de ser un capricho estético, vino determinada por las investigaciones y los cálculos de resistencia estructural. El éxito de esta obra colosal se confirmó en 1995 cuando un fuerte terremoto sacudió el área de Osaka y en Kansai ni tan siquiera se rompieron las cristaleras. Otra de sus obras insoslayables es el Centro Cultural Jean-Marie Tjibaou en Noumea (Nueva Caledonia, 1991-1998), en el que aunó las culturas del Pacífico y la modernidad. En 1998, año en que finalizaron las obras del conjunto, Piano recibió en la Casa Blanca de manos del presidente de Estados Unidos, Bill Clinton, el prestigioso Premio Pritzker, considerado el Nobel de la arquitectura.19

El Aeropuerto de Kansai (Osaka, Japón, 1988-1994) estaría entre sus obras más complejas. No en vano, el aeropuerto, asentado en una isla artificial en la bahía de Osaka, debió idearse para resistir los frecuentes terremotos y los ocasionales, pero aún más terribles, maremotos. Aeropuerto de Osaka

Fuente:http://www.biografiasyvidas.co m/biografia/r/rogers_richard.htm marzo 2013

Fuente: http://www.biografiasyvidas.com/biogr afia/ p/piano.htm marzo 2013

19 18

http://www.altonivel.com.mx/la-innovacionarquitectonica-de-renzo-piano.html

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/piano. htm

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Fuente:http://www.biografiasyvidas.co m/biografia/r/rogers_richard.htm 2013

RICHARD ROGERS. Arquitecto británico, responsable de algunos de los edificios más emblemáticos de las últimas décadas, como el Centro Nacional de Arte y de Cultura Georges Pompidou en París, que diseñó con Renzo Piano, y el Lloyd’s en Londres. Conocido por sus edificaciones pioneras junto a Norman Foster y Renzo Piano, al frente de su propio estudio, Richard Rogers Partnership, ha mantenido durante toda su carrera profesional un compromiso con la relación entre arquitectura y medio ambiente, cultura y sociedad. En 1967 Rogers representó a los arquitectos británicos en la Bienal de París con la Dr. Rogers House (Wimbledon), y un año más tarde obtuvo el premio House for Today de Dupont Company por el prototipo ZipUp House, un importante hito histórico dentro del desarrollo de la vivienda industrial. A finales de la década de 1970, Rogers estableció estrecho contacto con el arquitecto italiano Renzo Piano, a quien conoció cuando ambos impartían cursos en la Architectural Association. Ambos decidieron asociarse y fundaron el estudio Piano & Rogers. Edificio Lloyd’s

Terminal del aeropuerto de Barajas

Fuente:http://www.biografiasyvidas.co m/biografia/r/rogers_richard.htm marzo 2013 El estudio proyectó obras como el Pabellón Italiano para la Exposición Universal de Osaka (1970), el centro comercial de Fitzroy Street (1970), el Centro PATS (1975) en Cambridge o el Instituto de Investigación y Coordinación Acústica de Pierre Boulez (1977). Sin embargo, la obra que les daría mayor renombre internacional sería el Centro Georges Pompidou, en París. En 1971 Piano & Rogers ganaron el concurso para la construcción del Centro Nacional de Arte y de Cultura Georges Pompidou, en la capital francesa. La construcción del edificio, en el centro histórico de París, se convirtió en un acontecimiento internacional por su estética industrial y por redefinir el papel del centro cultural tradicional.

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Sus diseños están marcados por la exuberancia, ya que Rogers dejó atrás el pasado clásico de las construcciones y optó por una estética futurista tecnológica, para ayudar a hacer más tenues los actuales problemas sociales y ecológicos. Durante el 2007, Richard Rogers recibió el prestigioso Premio Pritzker de Arquitectura, el cual honra a un profesional que mezcle en su trabajo el talento, la visión y la dedicación para contribuir en la humanidad y el medio ambiente.21 Fuente:http://www.biografiasyvidas.co m/biografia/r/rogers_richard.htm marzo 2013

Conclusión. Como bien se marca en el estilo, se dio y se mostró un contexto tecnológico en obras arquitectónicas, la cual se basa en la tecnología, en materiales prefabricados.

El Centro Pompidou (París), de Rogers y Piano Los arquitectos concibieron el edificio como un “diagrama espacial evolutivo”. Pensado como una superestructura de acero y vidrio, una de las prioridades más importantes fue dotarlo de la mayor movilidad funcional posible, para lo cual liberaron el espacio interior de conductos técnicos y órganos de circulación (escaleras, ascensores, etc.), que son exteriores y se diferencian por colores: azul para el aire (climatización), verde para los fluidos (circuitos de agua), amarillo para los revestimientos eléctricos, y rojo para las comunicaciones (ascensores) y la seguridad (bombas contra incendios).20

http://www.altonivel.com.mx/20420-richardrogers-y-sus-obras.html

20http://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/

rogers_richard.htm

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23.- LAS FRACTALES EN LA ARQUITECTURA:

Tiene la propiedad de autosimilaridad (autosimilaridad exacta, quasi autosimilaridad o autosimilaridad estadística).

Elaborado por: Raúl León Rodríguez y Juan Carlos Enrique González Rodríguez

Están presentes en muchas formas naturales.

Resumen:

Bifurcación infinita.

Fractal:

Crecimiento subsecuente

“Un fractal es una figura, que puede ser espacial o plana, formada por componentes infinitos.

Estos edificios representan un claro símil a la geometría fractal presente en el crecimiento espontaneo del bosque.

Este tipo de formas, están autocontenidas en la propia naturaleza, donde existe un caos y un orden; gracias a que estos se pueden repetir en escalas cada vez más pequeñas existe el fenómeno, denominado como fractal.

Una de sus ideas era el desarrollo de una tipología habitacional para la construcción en altura en los centros urbanos, que debía tener el mismo confort que una villa aislada. Debía ofrecer un máximo de luz y aire aunque sea una construcción densa, por esto, incorporo jardines colgantes en la vivienda sin importar los niveles."

El origen de los fractales y las técnicas para generarlos son dos temas que vienen de la mano. El primer método para generarlos es el sistema de las funciones iteradas, consistente en reemplazar recursivamente un mismo sistema de aplicaciones sobre las imágenes que se van obteniendo. Era de esperar que hiciera falta una nueva forma de entender la geometría.

Abstract: Fractal: "A fractal is a figure, which space can be flat or formed by infinity components. Such forms are self-contained in nature, where there is chaos and order, because these can be repeated at ever smaller scales there is a phenomenon known as fractal.

Algunas de sus características son: Es una forma irregular que no puede ser descrita en función de la geometría euclidiana

The origin of fractals and techniques to generate them are two issues that come hand in hand. The first method is to generate iterated function system consisting recursively replace one

Cuenta con una estructura de conexión inmersa en la forma variable en escala. 120

system of applications over the images that are obtained. Unsurprisingly it took a new way of understanding the geometry.

Introducción En el presente documento, se abordará el tema de fractales, dando una visión de cómo estos se presentan en la naturaleza y la forma en cómo se construyen de forma matemática y natural, pasando de ahí al ámbito arquitectónico, citando algunas obras que son ejemplos del uso de estas formas, las cuales se hicieron de forma empírica y los edificios actuales, los cuales ya están diseñados en base a los estudios que se han hecho referentes al tema.

Some of its features are:   

   

It is an irregular shape that can be described in terms of Euclidean geometry It has a connection structure in the form immersed in varying scale. It has the property of selfsimilarity (exact self-similarity, quasi self-similarity, or statistical self-similarity). They are present in many natural forms. Bifurcation infinite. Subsequent growth Fractals in architecture.

Architectural theory.

precedents

Fractal: “Un fractal es una figura, que puede ser espacial o plana, formada por componentes infinitos. Su principal característica es que su apariencia y la manera en que se distribuye estadísticamente no varía aun cuando se modifique la escala empleada en la observación.” En la naturaleza se pueden encontrar innumerables estructuras de tipo fractal, como el romanescu22, una verdura hibrida de brócoli y coliflor, o las nubes, las montañas, las costas, los árboles y los ríos.

fractal

These buildings represent a clear resemblance to fractal geometry present in the spontaneous growth of the forest. One of his ideas was to develop a typology for residential building construction in urban centers, which should have the same comfort as an isolated villa. Should provide maximum light and air even a dense construction, so, hanging gardens incorporated in housing regardless of the levels. "

El romanescu (Brassica oleracea), es un híbrido de brécol y coliflor de la familia de las brasicáceas (Wikipedia, 2013)

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Estas forman los elementos que se conocen normalmente tales como: hojas de árboles, coníferas, copos de nieve, montañas, cordilleras y demás cosas comunes que vemos en el entorno diario.

Ilustración 54. Forma natural de una romanescu

Ejemplos adicionales de fractales son el mercado de valores y el crecimiento poblacional en los datos estadísticos. Se diferencia de los fractales matemáticos por ser entidades finitas en vez de infinitas. Otras características que poseen son: ostentan una dimensión fraccionaria, frente a la entera; tener detalle en escala arbitrariamente grande o pequeña; tener auto-similitud exacta o estadística, etc.

Ilustración 55. Ejemplo de una forma fractal que se repite a sí misma

Matemáticamente, de una manera esquemática y reducida, se puede dotar a los fractales con las siguientes características generales: son figuras demasiado irregulares para ser descritas en términos geométricos 23 euclidianos ; no presentan una escala de uso definida; son auto semejantes, esto es, sus partes tienen la misma forma o estructura que el todo; y se denotan con un simple algoritmo recursivo, es decir, la repetición de una misma fórmula que en realidad se define como una alusión indirecta a ella misma.

El origen de los fractales y las técnicas para generarlos son dos temas que vienen de la mano. El primer método para generarlos es el sistema de las funciones iteradas24, consistente en reemplazar recursivamente un mismo sistema de aplicaciones sobre las imágenes que se van obteniendo. Así, los casos más conocidos de estos son el triángulo de Sierpinski o el cubo de Menger25. El primero es obtenido a partir de un triángulo cualquiera mediante la aplicación

el acto de repetir un proceso con el objetivo de alcanzar una meta deseada, objetivo o resultado. (http://es.wikipedia.org/wiki/Iterada, 2013) 25 es un conjunto fractal descrito por primera vez 1 en 1926 por Karl mientras exploraba el concepto de dimensión topológica. (http://es.wikipedia.org/wiki/Cubo_de_Menger)

De Euclides o relativo al método de este matemático griego del siglo III a. C. (http://www.wordreference.com/definicion/euclidian o, 2013)

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reiterada de homotecias26 de razón un medio sobre sus vértices. Esto nos producirá nuevos triángulos sobre los cuales se seguirá efectuando la misma aplicación afín. Con la producción de esta figura Sierpinski había hallado algo para lo que la geometría euclidiana no tenía solución: figuras de perímetro infinito y área finita. Era de esperar que hiciera falta una nueva forma de entender la geometría.

Algunas de sus características son:  Es una forma irregular que no puede ser descrita en función de la geometría euclidiana  Cuenta con una estructura de conexión inmersa en la forma variable en escala.  Tiene la propiedad de autosimilaridad (autosimilaridad exacta, quasi autosimilaridad o autosimilaridad estadística).  Se puede medir con la dimensión de Hausdorff27 Besicovitch y es mayor a su dimensión topológica.  Se define por medio de la recursión.  Se consideran infinitamente complejos.  Están presentes en muchas formas naturales.  Bifurcación infinita.  Crecimiento subsecuente

Desde su origen las repercusiones de esta nueva parcela de las matemáticas se han extendido por todos los campos: desde la compresión informática de imágenes, el modelado de elementos naturales, la medicina, la física del caos o las visitas ocasionales en aspectos geográficos y de ingeniería; hasta las posibles aplicaciones que algún economista atraído por la predicción del comportamiento de sistemas caóticos complejos como la bolsa de valores le ha querido dar. No obstante, hay un colectivo profesional que debe estar especialmente interesado en estudiar todo la evidencia psicológica de la invariabilidad fractal como parte fundamental de los procesos de conocimiento y evolución del entorno: arquitectos, urbanistas y diseñadores que hasta ahora -al menos conscientemente- no se ha explotado lo que debería las estrategias fractales para atender las preferencias genéticas humanas en la elección de su hábitat.

Ilustración 56. Forma fractal en la naturaleza

Es una transformación geométrica que, a partir de un punto fijo, multiplica todas las distancias por un mismo factor, o ampliación. (http://www.disfrutalasmatematicas.com/geometria /reescala.html)

Es una generalización métrica del concepto de dimensión de un espacio topológico, que permite definir una dimensión fraccionaria (no-entera) para un objeto fractal.

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representan un claro símil28 a la geometría fractal presente en el crecimiento espontaneo del bosque. Las grandes catedrales góticas parten del suelo en grandes columnas de una esbeltez sobrenatural; luego llegan al techo y allí surge la primera jerarquización, unas llegan a la bóveda de crucería de mayor altura, el resto se queda a una altura intermedia entre la de estas últimas y la del muro perimetral.

Fractales en la Arquitectura. En la arquitectura, se han realizado numerosas obras, las cuales a través del tiempo, se han regido por éste tipo de geometría, pero hasta tiempos modernos, se ha estudiado con éste nuevo enfoque, arrojando una visión que no se había tenido anteriormente, lo cual indica que el diseño arquitectónico a lo largo de los tiempos, ha tenido una secuencia natural y acorde a su entorno, lo cual se abordará en éste artículo. Ahora con la potencia de los procesadores de computadoras de nueva generación, se intenta retomar estos antiguos conocimientos, pero en una base científica y matemática. Precedentes Arquitectónicos a la teoría fractal.

Ilustración 57. Catedral del Duomo Di Milano, Milán Italia

El análisis fractal de reconocidas obras de la arquitectura diferentes, revela una similitud estructural patente en el modo en que los patrones se repiten a niveles cada vez mas pequeños a lo largo de la construcción, logrando una especie de estructura densa, que reitera la forma y la identidad del edificio a través de una amplia red de interacciones.

Conatos de la arquitectura fractal. Como dicho anteriormente, quizá el desarrollo de los fractales en la arquitectura no se haya efectuado conscientemente, sin embargo, el hecho es que hay edificios en los que se pueden hallar lo que serian influencias de este campo. A continuación, se analizarán algunas de ellas:

Así, se pueden nombrar algunos ejemplos, el primero de ellos bien son las catedrales góticas; en ellas el sistema constructivo y la forma se hacen uno, como se sabe, se ha abandonado la masificación propia del románico e introduciendo la luz en unos edificios de gran altura. Éstos

El primero es a cargo de Le Corbusier, en 1922 presento su concepto de "villa". Una de sus ideas era el desarrollo de una tipología 28

Recurso lógico para expresar los pensamientos con todos sus matices, por medio de la comparación.

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habitacional para la construcción en altura en los centros urbanos, que debía tener el mismo confort que una villa aislada. Debía ofrecer un máximo de luz y aire aunque sea una construcción densa, por esto, incorporo jardines colgantes en la vivienda sin importar los niveles.

de la cascada es una arquitectura orgánica basada en los preceptos del mismo Wright quien promueve la armonía entre el hábitat humano y el mundo natural. Mediante el diseño busca comprender e integrarse con el sitio, los edificios, los mobiliarios, y los alrededores para que se conviertan en parte de una composición unificada, correlacionada.

"Cada vivienda es en realidad una villa de dos niveles, con jardines, sin importar en que altura y posición se encuentren estas. Este es un volumen horadado, como un panel de 6 metros de altura, 9 de ancho y 7 de profundidad. Todo ventilado por medio de un pozo de 15 m. diámetro. Este panal es un pulmón, la vivienda es igual a una esponja gigante, que aspira aire: la casa respira". Con esto, Le Corbusier también quería demostrar que un diseño podía ser sustentable en su concepción misma, dando por resultado una forma que no sólo atendía a un canon estético, sino a una funcionalidad

Ilustración 59. Perspectiva de la "Fallingwater House" de Frank Lloyd Wright

Frank Gehry con su “Museo Guggenheim” Las formas blandas presentes en el museo comienzan con el Museo de Vitra y evolucionaron en otras obras. Gehry realizo docenas de maquetas donde fue aprobando las posibles formas del edificio. Todas ellas están hechas a mano, y desde julio de 1995 se exponen en la exposición "Peggy Guggenheim", situada en un palacete de Venecia. Gehry no trabajo con ordenador, pero si su equipo, cuyos miembros digitalizaron las maquetas de su jefe mediante un programa informático de la Agencia Espacial Europea.

Ilustración 58. Boceto de la Villa de Le Corbusier

Frank Lloyd Wright, en su “Fallingwater House”, se puede decir que la estructura presente en la casa 125

La adaptación a la arquitectura de este programa conllevo enormes gastos, los cuales fueron afrontados por la Fundación Guggenheim. Dentro del aparente desorden de la envolvente, existe un patrón que rige la volumetría.

por lo tanto los modelos que provee permiten interpretar con mayor exactitud una serie de fenómenos de diferentes campos del conocimiento. Sin embargo, todo este proceso no habría sido posible si no se contara con el aporte que la evolución e innovación tecnológica ha hecho a través de la informática, es ella quien ha facilitado la producción de modelos de todo tipo, desde un elemento biológico a un notable desarrollo urbano que favorezca su función sin alejarse de las características del entorno.

Este es el empleo en todos sus elementos de la máxima curvatura que soporta el titanio. La Gran Sala, también llamada la del Pez, se extiende hacia el este hasta acercarse con un puente que atraviesa la ría29 de Bilbao, estructura que ya atravesaba el solar antes de la construcción del museo y a la que este hubo que adaptarse.

Empresas han estudiado el reto de introducir a la comunidad de arquitectos y urbanistas las ilimitadas posibilidades que ofrece la geometría fractal para crear espacios y objetos naturales. Esto se ha hecho estudiando modelos pasados tales como los Jardines Japoneses, Distribución de cabañas Africanas, etc. El británico Paul S. Soates dirige actualmente un máster de "Ciencia en la Arquitectura: Computación y Diseño" en la Escuela de Arquitectura y Artes Visuales de la East University de Londres, en donde experimentan con la descomposición fractal basada en la diversidad de proporciones y otras reglas de división de volúmenes. Otro británico, Andrew Crompto, expuso las conclusiones de una opción de diseño favorecida por él, que no se limita a las características fractales del simple ornamento sino que busca expresamente la composición fractal del propio edificio y se centra, sobre todo, en la flexibilidad del

Ilustración 60. "Museo Guggenheim", por Frank Gehry

La Situación Actual Esta geometría surgió como un intento de describir la naturaleza, y lo hace de un modo más exacto de lo que lo hace la geometría euclidiana y 29

Accidente geomorfológico que designa una de las formas que puede adoptar la desembocadura de un río, cuando un valle costero queda sumergido bajo el mar por la elevación del nivel de agua. Es un brazo de mar que se interna en la costa y que está sometido a la acción de las mareas. http://es.wikipedia.org/wiki/R%C3%ADa

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comportamiento de su interior. Del lado español, Rosa Cervera y Javier Pioz se inspiraron especialmente en el conocimiento de la lógica de los principios de flexibilidad, adaptabilidad y ahorro de energía que rigen en todas las especies naturales.

Por más que se quiera medir una línea fractal siempre habrá objetos más pequeños que escaparán a la sensibilidad de los instrumentos que se utilicen, por precisos que sean y a medida que aumenta la sensibilidad del instrumento aumenta la longitud de la línea y aunque el seguimiento del elemento fractal natural es infinito, arquitectónicamente tiende a ser finita debido al papel fundamental que tiene la función de los espacios que es indispensable en los proyectos arquitectónicos de la actualidad.

Conclusión Las fractales sin duda alguna son elementos que arquitectónicamente poseen un grado de belleza aterrizada a la comunicación que debe existir entre el hombre y la naturaleza. Las formas fractales han obligado a introducir conceptos nuevos en la arquitectura que van más allá de los conceptos geométricos clásicos. Dado que un fractal está constituido por elementos cada vez más pequeños, repetidos una y otra vez, el concepto de longitud no está claramente definido, ya que transmite una sensación de infinidad.

Fuentes de información. ARQUITECTURA DE LOS FRACTALES – López Arteta, Susana, periodista. LA GEOMETRÍA FRACTAL EN LA ARQUITECTURA Y EL DISEÑO – Bovil, Carl

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24.- EL COLOR Y SUS TÉCNICAS APLICADAS EN EL TIEMPO

Elaborado por: Lizbeth Paola Luévano Ochoa

RESUMEN: El color es una parte

ABSTRACT: The way color is used

fundamental para el arte ya que por medio de él nos permite lograr el máximo nivel de expresión en él, va a depender de las aplicaciones empleadas para lograr que el espectador pueda sentir lo que tratamos de transmitir con el uso del color.

in the arts is what allows us to express fully what we want our observer to feel; using the proper technique we can transmit any feeling with the use of color.

PALABRAS CLAVES: o Color o Aplicaciones o Transmitir

KEY WORDS: o Color o Technique o Feeling

DESARROLLO INTRODUCCION

Naturaleza del Color

El uso de los colores es importante en el arte, en realidad, es un elemento básico en toda composición artística desde las primeras expresiones del ser humano en la historia. Por medio del color, los artistas expresan emociones y sensaciones a sus espectadores, y mucho se puede saber sobre el carácter del mismo estudiando los patrones, distribución y la paleta de colores que utiliza en sus obras.

Color luz o color del prisma Resultado de la suma de las radiaciones de las distinta longitudes de onda de diferentes proporciones de azul, rojo y verde. La mezcla aditiva de estos tres colores produce el color blanco y la ausencia de ellos el negro. La suma de dos colores produce unos secundarios

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Color materia (color pigmento o color de la paleta). Cuando un pigmento refleja toda la luz blanca que lo ilumina, el objeto aparece blanco. Cuando absorbe toda la luz blanca sin devolver al ojo ninguna radiación, vemos el objeto negro. Al fenómeno de absorción de todas o parte de las irradiaciones luminosas se le denomina comúnmente síntesis o mezcla sustractiva, porque tienden a sustraer el color blanco de la luz. Los colores son obtenidos por sustracción a partir de los primarios azul cian, el rojo magenta y el amarillo cadmio. (CMY) Si se mezclan producirán un tono marrón sucio que tiende a negro.

Los colores terciarios se obtienen mediante la mezcla de un primario un secundario: amarillo-naranja, rojonaranja, violeta-rojo, azul-violeta, azul-verde y amarillo-verde.

El Color Aplicado en el Arte Es la impresión producida al incidir en la retina los rayos luminosos difundidos o reflejados por los cuerpos. Algunos colores toman nombre de los objetos o sustancias que los representan naturalmente. Orientado al espectro solar o espectral puro, cada uno de los siete colores en que se descompone la luz blanca del sol: rojo, naranja, amarillo, verde, azul turquesa y violeta. Del color se desprende una división que serían los primarios, tomándolos como base colores naturales, amarillo, rojo y azul y los secundarios que serían los que surgen como mezcla de estos que son el naranja, el verde y el violeta.

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Características Generales o Contraste de cantidad: Es igual los colores que utilicemos, consiste en poner mucha cantidad de un color y otra más pequeña de otro.

Contraste Cromático: Efecto óptico que se produce cuando se ven a la vez dos colores distintos uno junto a otro. Otra forma de contraste es la que se produce entre tonos claros y obscuros. o De tono: Cuando utilizamos diversos tonos cromáticos, es el mismo color de base pero en distinto nivel de luminosidad y saturación.

o Contraste simultáneo: Dos elementos con el mismo color producen el mismo contraste dependiendo del color que exista en su fondo.

o Contraste de claro/oscuro o contraste de grises: El punto extremo está representado por blanco y negro, observándose la proporción de cada uno

o Contraste entre complementarios: Se colocan un color primario y otro secundario opuesto en el triángulo de color. Para conseguir algo más armónico, se aconseja que uno de ellos sea un color puro y el otro esté modulado con blanco o con negro.

o Contraste de color: Se produce por la modulación de saturación de un tono puro con blanco, con negro, con gris, o con un color complementario). Contraste entre tonos cálidos y fríos: Es la unión de un color frío y otro cálido.

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un cierto color hasta conseguir una saturación determinada.

Escala de luminosidad o del negro: cuando al color saturado se la añade sólo negro. Las Gamas: es el conjunto de colores que guardan relación entre sí. -

La gama caliente: es aquella en la que el rojo está presente en mayor o menor medida.

La gama fría: es aquella en la que el color azul está presente en mayor o menor medida.

-Escala de valor: cuando al tono saturado se le mezclan a la vez el blanco y el negro, es decir, el gris.

o Gamas cromáticas -Gamas altas, cuando se utilizan las modulaciones del valor y de saturación que contienen mucho blanco.

Gamas monocromas: Son aquellas en las que interviene un solo color, y se forma con todas las variaciones de este color, bien añadiéndole blanco, negro o la mezcla de los dos (gris).

-Gamas medias, cuando se utilizan modulaciones que no se alejan mucho del tono puro saturado del color.

-Gamas bajas, cuando se usan las modulaciones de valor y luminosidad que contienen mucho negro.

-Escala de saturación: cuando al blanco se le añade 131

o Gamas polícromas. Son aquellas que presentan variaciones de dos o más colores. 

El tónico: Es el complementario del color de dominio, es el más potente en color y valor, y el que se utiliza como nota de animación o audacia en cualquier elemento.



El de mediación: Actúa como conciliador y modo de transición entre cada uno de los dos anteriores, suele tener una situación en el círculo cromático cercano a la de color tónico.

Armonía Cromática Es una relación equilibrada entre dos o más colores se produce cuando se utiliza en una composición colores cercanos en el círculo cromático.

En todas las armonías cromáticas se pueden observar tres colores: uno dominante, otro tónico y por último otro de mediación. 

Dimensiones del Color

Dominante: Es el más neutro y de mayor extensión, sirve para destacar los otros colores que conforman nuestra composición gráfica, especialmente al opuesto.

La propiedad más determinante del color tal vez sea su carácter relativo. Su carácter cambiante. Ningún color puede ser evaluado al margen de su entorno. Según Josef Albers, la única 132

Escalas Cromáticas Cromática

forma de ver un color es en relación con su entorno. Cada dimensión del color está relacionada con una reacción diferente:

Las escalas pueden ser cromáticas o acromáticas:

En las escalas cromáticas: los valores del tono se obtienen mezclando los colores puros con el blanco o el negro, por lo que pueden perder fuerza cromática o luminosidad.

Cuanto más saturado está un color, mayor es la impresión de que el objeto se mueve. El cuadrado rojo es más dinámico que el rosa (1). Del mismo modo, los colores menos saturados transmiten sensaciones más tranquilas y suaves que los colores saturados que a su vez transmiten más tensión. El rojo y amarillo puros de estos ejemplos, son colores de más tensión que sus parejas. Cuanto más brillante es el color, mayor es la impresión de proximidad. El cuadrado amarillo claro parece más cercano que el puro (2).

La escala acromática: será siempre una escala de grises, una modulación continúa del blanco al negro. La escala de grises o escala test, se utiliza para establecer comparativamente tanto el valor de la luminosidad de los colores puros como el grado de claridad de las correspondientes gradaciones de este color puro (debajo).

Las tonalidades de baja frecuencia del espectro (púrpuras, azules y verdes) suelen parecer más tranquilas e introvertidas. Las de alta frecuencia (amarillos, anaranjados y rojos), suelen ser percibidas como colores cálidos, más enérgicos y extrovertidos (3).

Las diferentes tonalidades también producen cambiantes sensaciones de distancia: un objeto azul o verde parece más lejano que un rojo, naranja o marrón (4).

Valor Expresivo del Color Una de las características del color más usadas por grafistas y fotógrafos, es la de su valor como elemento puramente expresivo. En el 133

ámbito gráfico se aprecian tres aplicaciones diferentes del color: denotativo, connotativo y esquemático.

densos, más puros, más luminosos. (3)

El Color Denotativo Cuando el color está siendo utilizando como atributo realista, descriptivo, de la representación se define como color denotativo. En esta división se establecen tres categorías: color icónico, color saturado y color fantasioso.

El color icónico Es una diferenciación redundante del propio color denotativo, que se usa cuando éste ejerce una función claramente potenciadora e identificadora del realismo de la imagen: la vegetación es verde, el cielo es azul. La adición de un color natural acentúa el efecto de realidad, permitiendo que la identificación sea más rápida. Así el color ejerce una función de realismo que se superpone a la forma de las cosas: una fresa resulta más real si está reproducida en su color natural. (2)

El color saturado Hace alusión a un cromatismo exaltado de la realidad mostrada por la imagen. Los colores de esta representación se ven alterados y son más

El color fantasioso deviene de la manipulación fantasiosa del color de la imagen, que sin embargo deja siempre reconocible la iconicidad de la forma representada. Esta alteración expresiva crea una ambigüedad o disociación color-forma, hasta el punto, de que ésta puede quedar semioculta por la alteración cromática. Ejemplos de este apartado serían los múltiples efectos (virados, coloreados selectivos, solarizaciones, etc.) obtenidos por el tratamiento digital de la imagen, donde sin alterar la forma sólo se viera afectado el color. (4)

(4) El Color Connotativo Es un componente estético que afecta a las sutilezas perceptivas de la sensibilidad. El color connotativo es 134

lo opuesto al denotativo. Hace referencia a significados no descriptivos ni realistas de lo representado, sino a valores psicológicos, simbólicos o estéticos, en los intervienen múltiples factores de amplias subjetividades.

brillante confiere elegancia, poder y nobleza. Gris: simboliza la indecisión y la ausencia de energía, expresa duda, melancolía y pasividad. El gris neutro es también signo de equilibrio. Es el centro de todo, y suma valores entre el blanco y el negro.

o El color psicológico: Hace referencia a las diferentes impresiones que emanan del ambiente creado por el color, que pueden ser de calma, de recogimiento, de plenitud, de alegría, opresión, violencia... (La psicología de los colores fue estudiada por Goethe, que examinó el efecto del color sobre los individuos) o El color simbólico Los colores, también soportan un significado simbólico más o menos reconocido, si bien altamente condicionado por otros factores adyacentes.

Rojo: se asocia a la euforia, la exaltación y la vitalidad, pero también a la sangre, a la agresividad, al peligro y a la guerra. Produce dinamismo, acción y movimiento. Es símbolo de la pasión ardiente, de la sexualidad y el erotismo. Los tonos rojos son percibidos como colores excitantes, sociables, protectores y cálidos. Naranja: posee un carácter acogedor, cálido, estimulante y una cualidad dinámica positiva. También representa la energía radiante y expansiva. Amarillo: tiene significados muy contrapuestos. Así, si significa luz, calor, animación, jovialidad, juventud, excitación o afectividad; también representa el lujo, la riqueza, la traición, la cobardía, la mentira o los impulsos incontrolados, la violencia. También está relacionado con la naturaleza, luz solar, color del oro.

Blanco: puede expresar luz, paz, felicidad, actividad, pureza, inocencia y sinceridad; crea una impresión luminosa de sol, de vacío positivo y de infinito; pero a su vez también representa frialdad, asepsia, limpieza. El blanco es el fondo universal de la comunicación gráfica, y posee un valor latente capaz de potenciar los colores vecinos.

Verde: es el color más tranquilo y sedante, se le llama ecológico. Evoca la vegetación, el frescor y la naturaleza. Es el color de la esperanza y de la calma indiferente: no transmite alegría, tristeza o pasión. El verde azulado es más sobrio que su matización con

Negro: puede representar la oposición al blanco. Es el símbolo del silencio, del misterio, de la oscuridad. El vacío negativo y lo infinito. También evoca la muerte, el miedo, la pena, la desolación, lo impuro y lo maligno. Al mismo tiempo el negro 135

amarillo, que lo hace más activo y soleado.

colores institucionalizados por los partidos políticos, clubes deportivos...

Azul: armonía, amistad, fidelidad, serenidad, sosiego, la calma y la higiene. Igualmente dependiendo de su grado de brillantez o saturación también representa la profundidad y el infinito; lo grandioso; la confianza; la fidelidad; así como la seriedad o la tristeza. Es un color frío e inmaterial y se asocia con el cielo, el mar y el aire. Su tonalidad clara puede sugerir optimismo. Visualmente es un color que se distancia.

Violeta: es el color de la templanza, de la lucidez y de la reflexión. Es místico, melancólico y podría representar también la introversión. El

color

esquemático

Es el color considerado exclusivamente como materia cromática y extruido de cualquier contexto icónico. Se utiliza para colorear los objetos de diseño y los mensajes gráficos. El color esquemático es combinable en tonos y matices, pero siempre se usa como color plano. Dentro de esta distinción del color esquemático se incluyen las categorías definidas como color emblemático y color señalético. o El emblemático es un color simbólico, práctico y utilitario, creado bajo el espíritu corporativista, para ayudar a identificar y memorizar, organizaciones, o instituciones del entorno social. Son colores emblemáticos, los que rellenan símbolos como las banderas nacionales y los

El señalético, usa toda la fuerza del color esquemático, para convertirse en la base de un amplísimo repertorio de signos gráficos de fuerte impacto visual que conocemos como código señalético. Son colores de alta saturación, empleados en su condición de "colores planos", en su grado de mayor esquematización y visibilidad. Se aplican para señalizar y centrar la atención en puntos estratégicos expresando un significado concreto según el color, así: rojo, prohibición (girar, aparcar, fumar); amarillo: peligro (contaminación, electricidad); azul: información (aparcamiento, minusválidos...) Estos colores siguen las formas y normas de señalización utilizada en cada caso, como las señales de tráfico, códigos aéreo o marítimo, seguridad industrial, etc...

Aplicación de las Técnicas 136

El color tuvo una importancia fundamental a finales del siglo XIX, cuando los artistas lo empiezan a ver como fuente de inspiración. Tal fue el caso del movimiento pictórico llamado Impresionismo, cuyo más conocido pintor fue Claude Monet.

Ilustración III: Claude Monet

Pinturas

Nenúfares

más arriesgados. En éste el pintor hace un uso provocativo del color, a veces un poco salvaje y contrastante. El artista que más represento este movimiento fue Henry Matisse.

Ilustración LLL Pintura de Henri Matisse

El expresionismo es un movimiento desarrollado entre 1885 y 1930 en Escandinavia, Francia y Alemania y que bajo la influencia de Van Gogh, el Modernismo y la Secesión Austríaca, reacciona contra el ideal tradicional de la concordancia formal, proclamando la ruptura total con el sistema artístico del siglo XIX. El artista, con la intención de lograr la representación de una realidad fatal, se preocupa más de la expresión directa de los sentimientos, que del refinamiento de la técnica pictórica, exponiéndose con esto a los cuestionamientos de la crítica.

El impresionismo se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa buscaba hacer sentir al máximo la impresión que produce todo lo que rodea, evitando los tonos oscuros y los limites en los objetos. Había detrás toda una filosofía de lo momentáneo del clima, y los movimientos intrínsecos de todo lo que se tiene alrededor.

Ilustración JJJ Seurat, La Parade.

Gen Ilustración KKK Pintura de Edvard Munch era ción del 13: Las pinturas de esta

De todos los movimientos artísticos históricos, el Fauvismo es uno de los 137

generación, que alcanzó notoriedad entre 1910 y 1915, tienen en común, por un lado, ser autónomas estilísticamente respecto a sus maestros, y por otro, dejar constancia del "paisaje social" o paisaje de la naturaleza del ser humano: lo veleidoso, melancólico, las intrigas, amores y muertes. En este paisaje social, se identifican dos temáticas, que a su vez son determinadas por el modelo, que puede ser el ciudadano o bien, el campesino criollo. A partir de esto, entonces, se representa al humano inmerso en su paisaje urbano o rural

jóvenes se formaran respetando los valores de la investigación pictórica, y con total libertad de expresión; coherentes con la misma Línea, decidieron incorporar las artes aplicadas, como el esmalte, a sus trabajos.

Ilustración NNN Pintura de Augusto Eguiluz

Conclusiones El uso del color, o la presencia del mismo, está muy ligado a la sensibilidad. Los seres son sensibles al color y a la luz. Por esa razón el ánimo se ve influido por la presencia o ausencia del mismo, en el entorno. Cuando hay más luz, se percibe mejor el color. Tiene sin duda un gran efecto emocional sobre las personas y hay que tener en cuenta, que los cambios de intensidad en un mismo color, cambian la emoción de su significado: un color vivo sugiere una emoción intensa y un color apagado lo contrario.

Ilustración MMM Pintura de Isaías Cabezón

Generación del `28 : Denominación que abarca a los artistas que expusieron en el Salón Oficial de 1928, influenciados por el Grupo Montparnasse, los miembros de esta generación se interesaron en postular la autonomía de la pintura: analizando el significado del cuadro, reconstruyeron su concepto, estableciendo relaciones formales al interior de éste, las cuales colocaron la pintura como un tema en sí mismo. Alentaron la modernidad desde las escuelas artísticas, haciendo que los

Bibliografía: ALBERS, Josef. La Interacción del Color. Madrid, Alianza Editorial, 1999. 6ª edición GRANDIS, Luigina de. Teoría y Uso del Color. Madrid, Ed. Cátedra, 1999

138

25.- LAS LEYES GESTÁLTICAS APLICADAS A LA ARQUITECTURA. Elaborado por: E. Alejandra Dávila Enríquez Resumen:

Abstract:

La Gestalt aparece en Alemania a principios de siglo XX como una reacción a las teorías reduccionistas y atomistas que empezaban a imperar en el ámbito psicológico. Max Wertheimer (quien publicó su "manifiesto" gestaltista en la misma época que Watson hizo lo propio respecto al conductismo), Wolfgang Köhler y Kurt Koffka son sus principales representantes.

The Gestalt appears in Germany in the early twentieth century as a reaction to the reductionist and atomistic theories that began to prevail in the psychological realm. Max Wertheimer (who published his "manifesto" gestalt around the same time that Watson did the same for behaviorism), Wolfgang Köhler and Kurt Koffka are its main representatives.

Palabras Clave:

Key words:

*Percepción

* Perception

*Transformación

* Transformation

*Forma

* Shape

Introducción: Fue un movimiento de gran amplitud, con gran incidencia en la arquitectura. Corrientes artísticas como la Bauhaus y arquitectos como Venturi utilizaron, de una u otra forma, los principios gestálticos para sus construcciones.

La Gestalt tuvo, sobretodo, una gran importancia por sus contribuciones al estudio de la percepción, definiendo una serie de principios de organización perceptiva que permiten captar de forma integral estas totalidades o gestalts.

139

DESARROLLO: Las "Leyes de la percepción" o "Leyes de la Gestalt" fueron enunciadas por los psicólogos de la Gestalt (Max Wertheimer, Wolfgang Köhler y Kurt Koffka en Alemania a principios del siglo XX) quienes, en un laboratorio de psicología experimental, en Alemania, demostraron que el cerebro humano organiza los elementos percibidos en forma de configuraciones (gestalts) o totalidades; lo hace de la mejor forma posible recurriendo a ciertos principios. Lo percibido deja entonces de ser un conjunto de manchas o de sonidos inconexos para tornarse un todo coherente: es decir: objetos, personas, escenas, palabras, oraciones, etc. (Dibujo de un corte donde se muestran varias de las leyes Gestálticas)

El cerebro transforma lo percibido en algo nuevo, algo creado a partir de los elementos que percibe para hacerlo coherente aun pagando a veces el precio de la inexactitud. Así, las tareas del cerebro consisten en localizar contornos y separar objetos (figura y fondo) unir o agrupar elementos (similaridad, continuidad, destino común) en comparar características de uno con otro (contraste - similaridad) en destacar lo importante de lo accesorio (figura y fondo) en rellenar huecos en la imagen percibida para que sea íntegra y coherente (Ley de cierre).

La palabra Gestalt (del alemán) hace referencia a figura, forma u organización. Las Leyes de la Gestalt no actúan de modo independiente, aunque se las enuncie por separado; actúan simultáneamente y se influencian mutuamente creando resultados, en ocasiones difíciles de diferenciar. Estas leyes se ajustan también a las variables tiempo y espacio (variables subjetivas) y son sensibles al aprendizaje por lo que se pude entrenar para percibir más allá de las mismas. 30

Carlos Castañeda: (1972) Viaje a Ixtlan: las enseñanzas de Don Juan. Ed. Fondo de Cultura Económica; introducción. págs. 8 y 9.

140

PRINCIPIOS BÁSICOS: No se percibe como elementos aislados, sino que por el contrario se percibe como globalidad o conjunto organizado. La Gestalt ha simplificado estas leyes, las que en su formulación más simple y básica, se resume de la siguiente manera:

la sustente (aunque el fondo justamente esté constituido por un espacio vacío, ese vacío es un soporte de la figura pues existe percepción del mismo. Según el lugar donde se pone la atención pueden emerger diferentes figuras de lo que antes era el "fondo".

*Ley Figura Fono; La percepción sucede en forma de "recortes"; percibimos zonas en las que centran la atención y a las que se llama "figura" y zonas próximas que quedan justamente en un plano de menor jerarquía al que denominamos "fondo". El conjunto figura-fondo constituye una totalidad o Gestalt.

*Ley de la buena forma; se basa en la observación de que el cerebro intenta organizar los elementos percibidos de la mejor forma posible, (simple) esto incluye el sentido de perspectiva, volumen, profundidad etc. Esta ley de alguna manera involucra a otras leyes, ya que el cerebro prefiere también formas cerradas, continuas, simétricas (ley del cierre; ley de la continuidad), con buen contraste (figura- fondo) es decir, nítidas, definidas. Hay personas que al ver una casa la imaginan con todas las mejoras que harían y otras sólo ven lo que se ve. Cada uno tiene una tendencia a la búsqueda de buenas formas en lo que percibe, y completamos con la imaginación aquello que falta. Las partes de una figura que tiene “buena forma”, o

(Interior Casa Tassel. Fue una casa unifamiliar construida en Bruselas por Víctor Horta entre los años 1892-93) El fondo sostiene a la figura, por lo tanto los elementos del fondo están presentes en la percepción aunque nunca emerjan como figura. El conjunto figura-fondo constituye una totalidad o gestalt. Esto significa que no existe figura sin un fondo que 141

indican una dirección o destino común, forman con claridad unidades autónomas en el conjunto.

Las formas abiertas o inconclusas provocan incomodidad por lo que existe una tendencia a completar con la imaginación aquello que falta. Las formas abiertas pugnan por ser cerradas, por eso quedan mucho más presentes los finales abiertos.

(Inmueble del siglo XIX, de estilo neoclásico situado en la plaza de La Glorieta, sede de la institución municipal de la ciudad (España) diseñado por Rafael Moneo.)

(Arco del Triunfo- Diseñado por Jean Chalgrin, inspirado en la arquitectura romana.) *Ley de Cierre: Las formas cerradas y acabadas son más estables. Tendemos a cerrar y a completar con la imaginación las partes faltantes.

La mente añade los elementos faltantes para completar una figura. Existe una tendencia innata a concluir las formas y los objetos que no se perciben completos. *Ley de Proximidad: Los elementos tienen a agruparse con los que se encuentran a menor distancia. Se tiende a considerar como "un todo" a aquellos elementos que están más próximos. La percepción de las profundidades es un proceso más complejo que la percepción plana

(Proyecto Urbanístico de calles cercanas a la Plaza Venderme; Charles Percier y Pierre François Fontaine). 142

misma dirección tienden a ser vistos como un grupo o conjunto. Ante un conjunto de elementos se percibe como un todo aquellos que se desplazan a la vez, y en la misma dirección, aún no siendo los más próximos entre sí.

(Acueducto – Zacatecas, Zac. La construcción del Acueducto El Cubo se inició en los últimos años de la Colonia y se terminó en los primeros del México independiente.)

*Ley Semejanza: Los elementos que son similares tienen a ser agrupados Los elementos similares tienden a verse como parte del mismo conjunto o bloque y se pueden separar claramente del resto.

Conclusiones: La percepción que se tiene del mundo es muy, diferente dependiendo de la cantidad de elementos que nos estén influyendo, se puede agrupar, separar, continuar, cerrar, acortar, alejar, etc.…

La captación visual siempre va ser afectada por diferentes estímulos, los cuales afectaran el cómo se percibe o interpreta cierto campo visual. Fuentes de información: *Gordon H Bower. Teorías del aprendizaje. Trillas. México.1989.pPp. 376-385. *Ensayo Guillermo Leone * www.gestalt-blog.blogspot.com * Psicología general

(Ex Biblioteca Mauricio Magdaleno) Esta ley tiene la importante función de hacer familiar el mundo desconocido.

Segunda edición Eva Laura García González Publicaciones cultura Grupo patria cultural

*Ley Movimiento Común: Los elementos que se desplazan en la 143

26.- PROPORCIÓN ÁUREA

Abstract In this paper we discuss the golden aureus, from who his creators, how it evolved and how it was taken by artists throughout history.

Elaborado por Josué Gamaliel Rodríguez Cisneros

Resumen

Also be presented images in relation to what is explained.

En éste trabajo se hablará de la proporción áurea, desde quiénes fueron sus creadores, la forma en que fue evolucionando y como fue tomado por los artistas a lo largo de la historia. También se presentarán imágenes en relación a lo que se esté explicando.

Since ancient times, has been established as the golden aureus "golden number". From your knowledge, has been applied to architecture, painting and sculpture, with the desire to give a touch "beautiful" to things.

Desde la antigüedad, se ha establecido la sección áurea como “el número de oro”. Desde su conocimiento, se ha aplicado a la arquitectura, pintura y escultura, con el afán de darle el toque “bello” a las cosas.

Key words   

Proportion Number Aureus

Desarrollo Palabras clave  Proporción  Número  Áurea

A la proporción áurea también se le conoce como número de oro, número áureo, razón extrema y media, razón áurea, razón dorada, media áurea y divina proporción; es representado por la letra griega Φ (fi) en honor al escultor griego Fidias.

Introducción La proporción: Se llama proporción a la relación que se establece entre las medidas de una forma. Según su proporción existen las formas altas, bajas. Anchas o estrechas; cada forma tiene sus proporciones, ya sean las de un árbol, un rostro humano, una puerta, una ventana de un edificio entero.

Fi es igual a uno más la raíz cuadrada de 5 sobre dos, esto nos da el número de oro que equivale a 1.618, más un sinfín de décimas, puesto que no es una cifra exacta.

144

1. La unicidad; Pacioli compara el valor único del número áureo con la unicidad de Dios. 2. El hecho de que esté definido por tres segmentos de recta, Pacioli lo asocia con la Trinidad. 3. La inconmensurabilidad; para Pacioli la inconmensurabilidad del número áureo y la inconmensurabilidad de Dios son equivalentes. 4. La Autosimilaridad asociada al número áureo; Pacioli la compara con la omnipresencia e invariabilidad de Dios. 5. Según Pacioli, de la misma manera en que Dios dio ser al Universo a través de la quinta esencia, representada por el dodecaedro; el número áureo dio ser al dodecaedro.

Imagen 1.- Muestra la fórmula con la cual se obtiene el número de oro, mas la relación de los segmentos de una recta.

Fue descubierto en la antigüedad y se dice que es un número algebraico irracional el cual no representa una unidad, sino una proporción entre dos partes de una línea recta. Esta proporción se encuentra de manera directa en la naturaleza, desde las hojas de un árbol hasta el caparazón de una tortuga, un caracol, o bien, el cuerpo humano. El matemático y geómetra de origen griego, Euclides (c 300-265 a. C.), considerado como el padre de la geometría, fue el primero en hacer un estudio sobre el número áureo al que definió de la siguiente manera:

En 1525, el pintor alemán Alberto Durero publicó un libro llamado “Instrucción sobre la medida con regla y compás de figuras planas y sólidas” donde explica como trazar con regla y compás la espiral áurea basada en la sección áurea, conocida como espiral de Durero.

“Se dice que una recta ha sido cortada en extrema y media razón cuando la recta entera es al segmento mayor como el segmento mayor es al segmento menor” En 1509 el matemático y teólogo Luca Pacioli publicó De Divina Proportione (La Divina Proporción), donde plantea cinco razones por las que estima apropiado considerar divino al número áureo: 145

Imagen 2.- Espiral de Durero. Imagen 3.- Se observa como están distribuidas las hojas

El astrónomo alemán Johannes Kepler (1571-1630) define el número de oro de esta manera:

en un tallo de una planta.

Es posible encontrar una proporción áurea en el cuerpo humano, como se había dicho con anterioridad.

“La geometría tiene dos grandes tesoros: uno es el teorema de Pitágoras; el otro, la división de una línea entre el extremo y su proporcional. El primero lo podemos comparar a una medida de oro; el segundo lo debemos denominar una joya preciosa” El número áureo en la naturaleza Existen varios ejemplos que pueden citarse, se puede hablar de la distribución de los pétalos de las flores como la relación entre las nervaduras de las hojas de los árboles, la distribución de hojas en un tallo.

Imagen 4.- Muestra el dibujo del espiral de Durero sobre una oreja.

146

Imagen 5.- Brazo de un hombre.

En la imagen anterior se puede apreciar la proporción que posee el brazo humano, existe una relación del antebrazo a la mano y a su vez hasta los meniscos. La imagen que se muestra enseguida causa una gran impresión, gracias al dibujo del “espiral de Durero”, es posible detectar con exactitud la regla de oro.

Imagen 7.- Partenón de Atenas, Grecia.

Imagen 8.- Notre Dame de París, Francia.

No puede dejar de mencionarse el Hombre de Vitrubio, que da una referencia sobre la figura humana basada en divisiones simples, y además dice que la altura es igual a la envergadura y que un hombre tumbado al extender los brazos y piernas describe un círculo.

Imagen 6.- La espiral de un huracán.

El número áureo en el arte En fachadas de templos y otras construcciones se puede detectar rectángulos áureos.

147

Imagen 9.- El hombre de Vitrubio. Imagen 11.- La Gioconda.

En las obras de muchos artistas del renacimiento, han buscado relaciones áureas. Por ejemplo la pintura llamada “El nacimiento de la primavera” de Boticelli.

Imagen 12.- La anunciación.

También cabe mencionar la obra del español Salvador Dalí, conocido por sus imágenes surrealistas. De igual manera usaba el espiral áureo en sus pinturas y esculturas.

Imagen 10.- El nacimiento de la primavera.

Otro ejemplo, es la obra de Leonardo Da Vinci con la famosa Mona Lisa y la anunciación. Imagen 13.- Obra de Salvador Dalí.

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Bibliografía -Fernando Corbalán, La proporción áurea. -Mario Livio, La proporción áurea, la historia del fi. -Antología, arquitectónica.

conceptualización

-Apuntes propios de historia del arte y arquitectura. -Imágenes bajadas de google. “No hay nada placentero que no esté en armonía con lo más profundo de la naturaleza divina” Heinrich Suso (1295-1366) Místico alemán. Conclusión La proporción áurea en arquitectura es muy apreciada, se implementa en el diseño de proyectos arquitectónicos y urbanos; aun cuando en la naturaleza mantiene una perfecta imperfección que no es fácil ser alcanzada por el hombre. En el uso de las composiciones arquitectónicas, se intenta acercar a la armonía natural de las cosas, se busca embellecer la arquitectura con el número de oro. “El hombre vive acomplejado de la naturaleza, es tanto su afán de imitarla que encontrará la forma de igualarla”. J G R C.

149

27.- LA FORMA EN LA ARQUITECTURA

another in the environment due to their characteristics, such as size, texture, color, etc. The architect uses these characteristics to design not only a place to provide protection from external factors, but also become a welcoming place, a masterpiece livable possibly. Throughout history there have been different ways of solving a building, human activities change, the materials also influence the design. The use of volumes and shapes is so diverse depending on the designer and their ideas. In architecture, linguistic analogies is used to convey a message, where this is not so obvious, could be implied, where the formal components have multiple meanings.

Elaborado por: Adriana Alejandra Briones González Resumen Palabras clave: Forma, Arquitectura, Teoría En término simple la forma es todo lo que puede ser visto se distingue una de otra en el entorno por sus características, como: tamaño, textura, color, etc. El arquitecto aprovecha dichas características, para diseñar no solo un lugar que brinde protección de los factores externos, sino que además se convierta en un sitio acogedor, una obra de arte habitable quizás. A lo largo de la historia han surgido diferentes maneras de solucionar una edificación, las actividades humanas cambian, los materiales también, influyendo en el diseño. El uso de volúmenes y formas es tan diverso dependiendo del diseñador y sus ideas. en la arquitectura se usan analogías lingüísticas para transmitir un mensaje, donde esta no está de manera obvia, sino implícita, donde los componentes formales tienen múltiples significados.

Introducción Forma, todo lo que puede ser visto posee una forma que aporta la identificación principal en la percepción humana. Todas las formas tienen un tamaño, el tamaño es relativo si se describe en términos de magnitud y pequeñez, pero asimismo es físicamente mensurable. Una forma se distingue de sus cercanías por medio del color. La textura atrae tanto el sentido de la vista como el del tacto. Las formas de cualquier tamaño sean chicas o grandes ocupan un espacio, así el espacio puede estar ocupado o vacío. Puede ser liso o ilusorio, para sugerir una profundidad. La comunicación visual se produce por medio de imágenes que son recibidas por el cerebro para procesarlo como un mensaje, la información que resuelve el cerebro son imágenes, compuestas por

Abstract Key words: Form, Architecture, Theory In simple term, form is all that can be seen is distinguished from one 150

formas, estas a su vez se clasifican en formas orgánicas, y geométricas. Geométricas, las básicas son: circulo, cuadrado y triangulo, cada una con sus características, se encuentra en el ambiente principalmente construido por el hombre. Orgánicas se pueden encontrar en la naturaleza, son en su mayoría curvilíneas.

otras según dicten los gustos, la voluntad expresiva o las capacidades de innovación en la técnica constructiva: arco o dintel, curva o ángulo recto, techo plano o bóveda. La simetría obsesiva de las obras egipcias, tanto en planta como en volumetría, expresa el sentido de la proporción, de la armonía y de la simplificación de la cultura egipcia y confiere a las construcciones el estatismo de esa arquitectura. La cultura griega, estableció un estilo formal, (que aun en nuestros días sobrevive), que se caracteriza por el uso de formas geométricas, y cualidades como repetición y simetría.

La forma desde el enfoque arquitectónico Una mirada al pasado La forma de las obras de la antigüedad era, mayoritariamente, la consecuencia de un propósito constructivo para hacer posible una actividad; y la apariencia exterior de los edificios dependía sobretodo del sistema estructural que soportaba su cubierta. Las civilizaciones mesopotámicas construyeron las formas que serían arquetípicas de la arquitectura desde entonces hasta siglos después. Las formas circulares y abovedadas de las primeras casas (entre el 6000 y el 4000 a.c.) construidas como refugios con falsas cúpulas, dieron paso después a construcciones prismáticas de muros de ladrillos o adobe y vigas de madera. El uso de las formas rectangulares permitía subdividir el interior de los edificios y también ampliar las construcciones adosando nuevos cuerpos a un primer volumen. Los techos planos posibilitaban la utilización de las cubiertas como azoteas. Desde este momento en la historia se dan simultáneamente estos dos modelos de forma arquitectónica, uno y otro serán preponderantes en unas épocas u

1. Partenón griego, ilustración

La forma análisis El término forma, tiene diversos significados: La esencia necesaria o sustancia de las cosas, que tiene materia. Para Aristóteles la forma reclama a la sustancia, y reconoce que es la causa o razón, ser de la cosa, aquello por lo cual una cosa existe; ésta es el acto material de la cosa, el principio y el fin de su devenir. Esta implica algo más que la apariencia del objeto arquitectónico; ya que, expresa un contenido dado que la organiza y detona. Entonces 151

se reconoce en una paridad con la sustancia que la conforma. La materia arquitectónica dicta a la forma y por lo mismo, determina su expresión. Esta concepción nos obliga a indagar en los elementos que la constituyen; dichos contenidos son materia de expresión, como fruto de una opción teórica.

Este es uno de los temas más discutido en la arquitectura, hay quienes argumentan que esta frase es para justificar la falta de estética, pero si lo vemos desde otro punto de vista ¿no es la belleza una función también?, la arquitectura es la perfecta combinación entre técnica, y arte. Se dice también que es la frase de la estética económica, no olvidemos que antes del funcionalismo la arquitectura era un privilegio, reservado para la clase alta, el trabajo del arquitecto es hacer un perfecto balance entre función, estética y economía. En la arquitectura no es la función la que tiene una forma, por el contrario la forma representa la función, porque es la forma la que se constituye. Sir Edwin Lutyens, uno de los más importantes arquitectos del siglo XX considera que “La arquitectura empieza donde termina la función”, ya que la función por si misma no define el edificio, ya que un mismo problema se puede resolver de diferentes maneras, esto dependerá de la decisión del arquitecto.

La forma subraya la función de contener y sostener una sustancia, éste es el interior que la expresión envuelve, es su identidad manifiesta, así el contenido la define y explicita. La materia fija a la forma, la confecciona, ésta es el acabado útil, es el contenido formado como preparación para el uso. La relación entre materia y forma de la expresión, sirve para designar estructuras significativas, la forma se asocia y se imprime en la materia, ésta no puede permanecer en un solo estrato, sino que tiene a la vista la totalidad de contenidos a partir de los cuales se constituye. Los contenidos vivifican a la materia en el fenómeno de la expresión, se da a conocer algo interior, así la forma es la dirección y explicación de lo contenido

La forma como mensaje Todo en arquitectura es forma o acaba tomando una forma y los argumentos en torno a ella no parecen agotarse. La forma de las cosas corpóreas se define en las tres dimensiones. El uso de formas singulares en las obras de arquitectura ha ido siempre unido a los principios estructurales que la resolvían. Los avances en las técnicas y los conocimientos sobre estática o la introducción de nuevos

¿La forma sigue la función? El significado de la frase es muy simple: La forma, sus dimensiones y apariencia, deben reflejar la función del objeto. Como en alguna ocasión mencionara el arquitecto norteamericano Frank Lloyd Wright: -Decir que la forma siga a la función es una equivocación. La forma y la función deben ser una misma-. 152

materiales, han dado pie a construcciones novedosas en todas las épocas. Pero también se han sucedido tiempos en que la forma ha sido el objetivo. Cuando se ha convertido por ella misma en un valor, ha adquirido simbolismo por encima de las causas que la hicieran posible en origen. Algunos de los ejemplos donde se enfatiza la forma arquitectónica 4. Torres Petronas, Cesar Pelli.

en Kuala Lumpur,

Malasia.

Para el autor, (Cesar Pelli) simboliza un portal hacia el cielo. Sus formas están inspiradas en las tradiciones geométricas del Islam. Significación de poderío económico.

2.La sagrada familia, España. Antonio Gaudi.

Antonio Gaudí represento la unión entre lo terreno y lo infinito en este templo.

5. Iglesia de la luz, Osaka, Japón. Tadao Ando.

Tadao Ando realizo juego entre lleno/vacio, luz/oscuridad, movimiento / serenidad, lo que le da sentido a la propuesta. El espacio interior se relaciona con su entorno a partir del contraste.

Conclusiones La arquitectura hace uso de la forma para transmitir mensaje, además de de satisfacer las necesidades para la que se edifico, jugando también con el entorno, esto ha cambiado conforme a los materiales y sistemas

3. La casa en la cascada, Fayette, Pensilvania. Frank Lloyd Wright.

El Concepto de árbol, con el hogar como núcleo generador, Frank Lloyd Wright 153

contractivos de la región y época, sin embargo del buen uso de estas depende la riqueza arquitectónica. Fuentes de información STROETER, Joao Rodolfo. Teorías sobre arquitectura. México, Trillas. 2007. 214p. VILLAGRAN, García, José. Teoría de la arquitectura. México, UNAM, 1989. 530p. http://www.arqhys.com http://www.arquba.com Imágenes 1 http://roble.pntic.mec.es/~tvirgos/mate maticas/Imagenes/Partenon.jpg 2 http://www.barcelonayellow.com/imag es/stories/Sagrada_Familia/540x405_ barcelona_pictures_gaudi_sagrada_f amilia_992.jpg 3 http://4.bp.blogspot.com/_wRQV_c27 BG8/S9pNE8sYPII/AAAAAAAAAEc/L BOz_W6kMxQ/s1600/casa+de+las+c ascadas.jpg 4 http://www.arqhys.com/wpcontent/foto s/2012/06/torres-petronas-vista.jpg 5 http://ad010cdnd.archdaily.net/wpcontent/uploads/2012/07/1294669714 -1294204520-churchoflight-buou1000x657.jpg

154

28.-PERCEPCIÓN ARQUITECTÓNICA. Key Words. Elaborado por: Martínez Ortiz

María

Guillermina

  

Resumen. La noción de percepción deriva del término latino perceptio. Tratar el tema de la percepción desde sus antecedentes históricos como cognoscitivo, psicológico, etc. La percepción es una función psíquica que permite al organismo captar, elaborar e interpretar la información que llega desde el entorno. Consiste en recibir, a través de los sentidos, las imágenes, sonidos, impresiones o sensaciones externas. Se mostrara una síntesis en el siguiente artículo de las diferentes interpretaciones que se le da al tema.

Concepto La percepción obedece a los estímulos cerebrales logrados a través de los 5 sentidos, vista, olfato, tacto, auditivo, gusto, los cuales dan una realidad física del medio ambiente. Percepción de la Forma Nuestra percepción no es capaz de comprender un número ilimitado de elementos independientes. Ante una cantidad excesiva de elementos disonantes, fracasa y los rechaza.

Palabras clave.   

Perception Form Architecture

Esto hace que nuestro sistema perceptivo tienda a unificar y organizar los elementos de la imagen en unidades simples. Contrariamente a lo que se pueda pensar primero percibe el conjunto y después pasa a identificar las partes.

Percepción Forma Arquitectura

Abstract. The notion of perception derived from the Latin perception. Perception is to receive, through the senses, images, sounds, or sensations external impressions. Perception is a psychic function allowing the body to collect, process, and interpreting the information coming from the environment. The following summary will show the different interpretations given to the subject.

Para conseguir simplificar y dar forma a las imágenes que recibe, la percepción trabaja según una serie de "leyes". Estas son: 

155

Ley de proximidad. Nuestra percepción tiende a asociar los elementos que se encuentran cerca y a considerarlos como un grupo



con las formas arquitectónicas y las toma como suyas. El hombre se encuentra identificado con una serie de formas que son familiares y que producen en los determinados estímulos o percepciones de forma inconsistente. A continuación se muestran unas formas y su significado para el hombre.

Constancia de la forma. Aunque la imagen de los objetos que vemos estén deformadas por efecto de la perspectiva nuestra percepción asume que es el mismo objeto aunque su forma o tamaño varié. Ley de la forma cerrada. Para nuestra percepción una forma cerrada tiene mucha coherencia que una abierta. Ley de similitud o semejanza. Nuestra mente agrupa los elementos similares en una entidad. La semejanza depende de la forma, el tamaño, el color y otros aspectos visuales de los elementos. Ley de la buena curva o buena forma. Esta ley tiene formas agradables a la vista que cuentan con ritmo, repetición, equilibrio, proporción, etc. Separación entre figura y fondo. Establece el hecho de que el cerebro no puede interpretar un objeto como figura o fondo al mismo tiempo.

Elevación de espíritu Racional

Racionalid ad

Sabidurí a Inteligenci a

Percepción del espacio Nuestro cerebro utiliza las siguientes estrategias para tener conciencia del espacio que le rodea y de las diferentes profundidades a las que se encuentran los objetos:  

Sensación por Percepción Visual de la Forma

  

La percepción visual de la arquitectura es la percepción más importante debido a que la arquitectura ante todo es una experiencia visual. El sujeto en forma inconsistente se siente identificado

  156

Diferencia de tamaño. Diferencia en la apreciación de las texturas. Diferencia de tono. Sombras. Diferencia de grado de saturación del color. Perspectiva. Diferencia de altura.

En nuestras representaciones gráficas podemos utilizar estas estrategias de la percepción para dar sensación de volumen y profundidad.

rodean a éste. La iluminación cambia el color debido a que el color está en la luz. Nuestra retina es sensibilizada por esas longitudes de onda y ese estímulo es posteriormente comunicado al córtex, la parte del cerebro que permite distinguir un color de otro.

Es interesante ver como nuestra percepción del espacio puede ser vista y cambiada tan fácilmente. Sobre todo cuando la información que recibimos es ambigua. Esto da lugar a diferentes ilusiones ópticas usadas como tema artístico y para estudiar el funcionamiento de nuestra percepción.

Percepción Arquitectónica Las obras de arquitectura suelen ser objetos muy complejos y, por tanto, no fácilmente accesibles a la percepción cotidiana; habrá que aprender sus propiedades y caracteres o códigos formales. Es decir tener un algún conocimiento de los elementos, estilos arquitectónicos, características, etc. Que conforman la arquitectura.

Percepción de Color Por percepción o visión del color se entiende la capacidad de percibir y discriminar entre distintas luces espectrales o longitud de onda. El color es una omnipresente en el ambiente que no solo especifica determinado atributo (color) a superficies y objetos sino tiene profundos efectos estéticos y emocionales sobre el ser humano.

La arquitectura es un objeto y símbolo cultural, pues es afín a nuestra percepción en un ámbito geográfico y cotidiano, transporta una serie de códigos formales que nos son comunes; además, influye en nuestro hacer de la vida. Las obras de arquitectura suelen ser objetos muy complejos y, por tanto, no fácilmente accesibles a la percepción cotidiana; habrá que aprender sus propiedades y caracteres o códigos formales, tanto primarios como secundarios. Muchas veces constituye un error fundamental creer que la arquitectura, la verdadera arquitectura, se caracteriza por su fácil percepción. Tendemos a minimizar propiedades

Cuando se observa un color, en ocasiones, nos percatamos de que su tono varía, en función de la iluminación y de los objetos que 157

simples y a considerarlas como si fueran el objeto entero. Así los objetos, entre ellos la arquitectura, se construyen mediante generalizaciones, y la ordenación de experiencias depende mucho de las condiciones de observación.

La percepción que un ser humano puede tener de un espacio, depende de diversas cosas como lo son:      

Según Jorgenson, (psicólogo) podemos hablar de niveles "objetuales" y nos ejemplifica que un objeto cultural está en un "nivel superior" con respecto a un objeto físico, pero también es cierto que un objeto dado se puede convertir, en su conjunto, en un objeto cultural (la arquitectura, el arte). Es sólo mediante nuestra actitud de observación que podemos captar los objetos superiores o inferiores.

Experiencia personal Estado de animo Posición Entorno o contexto Cultura Diferencias individuales

Es importante señalar además que en la percepción de la arquitectura intervienen varias dimensiones y entre las principales tenemos las siguientes: el ancho, el alto, la profundidad y el tiempo. Como complementarias: la filosófica, el sentimiento y la experiencia. Temas que requieren mayor análisis en sus influencias en el diseño.

Entonces, la situación puede estar dictada por la actitud. La tarea exige que dirijamos nuestra "actitud" hacia la forma del objeto, mientras que la textura y el color (percibidos) los traslada a un plano secundario.

La calidad que percibimos en una obra de arte estará condicionada a menudo por la "finura" de los materiales empleados. Los objetos intencionalmente distantes suelen ser difíciles de aprender, sobre todo cuando carecemos de un entrenamiento especial para percibirlos, ya que el conducto de observación se hace más complicado.

Un espacio arquitectónico se puede percibir de diversas formas (sensaciones). Para Brunswick, el mecanismo de la percepción se caracteriza por la transmisión suplente. Cualquier silueta proyectada en la retina puede ser debida tanto a un objeto lejano pero grande, como a uno cercano más pequeño.

En la vida diaria casi nunca tenemos tiempo para controlar las percepciones en las que basamos nuestras acciones; nuestra percepción es imperfecta, de tal suerte que se convierte en el reconocimiento de las cosas que conocemos. Sin embargo, la 158

percepción no nos ayuda mucho ante objetos que no conocemos o que poco nos interesan.

Partenón su frontis como sus columnas no son paralelos entre sí, ya que presenta desde su construcción inclinación de elementos de composición a un punto de fuga trazado en el infinito que hace que el edificio parezca a la vista del observador más alto y de mayores proporciones y adecuado.

El primer esquema que se adquiere, según Piaget, es "proximidad", para después continuar con otros como el de "encerramiento" y "continuidad"; la "constancia de tamaño" es un esquema que resulta de la experiencia operativa de que las cosas mantienen su tamaño cuando se mueven. Las cualidades gestaltísticas simples, como las figuras geométricas elementales, se basan en los esquemas de "encerramiento" y "continuidad", mientras que la percepción de conjuntos más complicados, como el arte, presupone esquemas que sólo pueden adquirirse a través de un entrenamiento especial.

Partenón Grecia antigua

A finales del siglo XIX y principios del XX, la llamada Escuela de Chicago en la arquitectura utilizó la "circunstancia de la forma" en sus edificios para que éstos parecieran más altos, a partir de niveles de mayor a menor altura, que daban la sensación de irse fugando en el infinito. Podemos determinar, como lo afirmaba Piaget, que "aprendemos a percibir la identidad de los objetos a causa de sus propiedades topológicas". Desde luego, hemos de apuntar que la percepción se da dentro de un límite de la constancia formal del objeto. No es la percepción de la forma individual del objeto y su complicado contexto multiformal lo más difícil para la percepción y su análisis. Es tal vez la percepción espacial la más completa y la que genera mayores problemas en la

Los investigadores de la Gestalt han demostrado que la percepción de las proporciones simples varía de acuerdo con el contexto. Cuando percibimos un objeto circular casi siempre vemos su silueta proyectada sobre la retina en forma de óvalo. Sin embargo, lo que experimentamos es un objeto circular y no uno de forma elíptica. A esto se le llama circunstancia de la forma y significa que podemos percibir la identidad de un objeto aunque su silueta proyectada sea diferente. Este fenómeno de la circunstancia de la forma ya era conocida y aplicada por los griegos, pues es sabido que en el 159

estructura organizativa de la percepción, pues esto ya no representa un sistema de esquemas topológicos y euclidianos simples, ya que los esquemas para la percepción espacial contienen elementos diferentes que actúan o deben actuar en el individuo para permitirle la percepción satisfactoria del espacio. Estos esquemas están determinados culturalmente por los símbolos u objetos que les sean familiares al individuo; además, tienen como base la dirección, el tamaño y la distancia, así como las formas y volúmenes relativos. Piaget resume lo anterior: "Es obvio que la percepción del espacio conlleva una construcción gradual, y sin duda no está totalmente configurada al comienzo del desarrollo mental". La intuición del espacio es una comprensión de las propiedades de éste, es una acción que ejercemos sobre él. En ciertas culturas antiguas la concepción del espacio estaba determinada por diversas cualidades que se asignaban a las direcciones norte-sur, este y oeste, y que por lo regular respondían a ideas religiosas, místicas, en las que los sentimientos llegan a dominar la percepción; esquemas de concepciones del espacio no tan inteligibles como pudiera parecer. Los sentimientos, sin embargo, no son cualidades místicas que existen de modo independiente de los objetos. Construimos nuestro mundo de objetos y les damos nombre. El nombre es, por supuesto,

un signo para el objeto y simboliza al objeto mismo. Una cultura o la cultura en general se basan en el desarrollo de sistemas de símbolos que conservan y extienden las experiencias (la arquitectura, la pintura, el lenguaje, la escultura, la religión, etcétera). Y esto tiene como base la comunicación perceptiva o verbal, útil para nuestro comportamiento en cada sociedad y su cultura. Es indudable que la comunicación en sus diferentes acepciones se basa en símbolos comunes que están ligados a formas de vida, es decir, a modelos de comportamiento comunes. Así, la comunicación es el único instrumento fidedigno para la construcción de un mundo ordenado y objetivo. Lo que llamamos arte refiere a un sistema de símbolos que nos afecta más directamente. Debemos partir de la consideración de la obra de arquitectura como símbolo concretado que describe un sistema de organización perceptivo y semiótico, es decir, un objeto intermediario y ligado a otros tipos de simbolizaciones (político, cultural, religioso, etcétera). Su investigación semiótica nos puede acercar a símbolos que caracterizan a las diferentes artes. Sin embargo, el arte en general simboliza "objetos-valor", a diferencia de la ciencia que describe hechos; el arte expresa valores. El arte (y la arquitectura) es un medio de conservar y comunicar 160

valores, de hacer que los valores sean comunes.

brindar a los usuarios que lo habiten o le den una determinada función.

La experimentación de obras de arquitectura se facilita sabiendo que determinadas formas se han usado en ciertos contextos. La experimentación comienza casi siempre con la visualización y captación de elementos simples que sinteticen el todo y su correspondiente contenido, se perciben signos y símbolos convencionales como base estructural de la obra de arte.

Bibliografía. Intenciones de Arquitectura, Barcelona 199 . Bruce Goldstein, E. (200 ,2002). La Percepción del Movimiento ( edición). Thomson. Psicología de la Percepción Humana. México D. Ed. Limusa. -K. Buhler, Principios de la abstracción. - J. Jorgenson, Psicología.

Conclusiones En la actualidad a| la Percepción es considerada como un acto de captar información a través de los sentidos. La Arquitectura es la disciplina de acondicionar o conformar espacios con elementos naturales o artificiales para desarrollaren ellos actividades humanas, de tal manera que el hombre sienta satisfacción, plena de estar en ellos, encontrando el confort máximo y estimulaciones favorables en las percepciones que pueda tener. Por consiguiente, es necesario entender la percepción en arquitectura como objetivo fundamental en la construcción de ella, pues es el arquitecto quien se encarga de estas configuraciones. Ya que es quien tiene el conocimiento y las herramientas para trasmitir por medio del diseño de espacios distintas percepciones o las que dese 161

29.- ZACATECAS AYER Y HOY DEL SIGLO XIX AL XXI Elaborado por: Arq. Rosalinda Nava Zumalacárregui RESUMEN La ciudad de Zacatecas guarda una gran cantidad de historias que se manifiestan mediante la arquitectura. En el centro histórico se pueden encontrar edificaciones majestuosas, impresionantes templos religiosos, edificios emblemáticos con un pasado interesante, avenidas y lugares merecedores de ser popularizados. Zacatecas es una ciudad reconocida patrimonio cultural de la humanidad por la UNESCO en el año de 1993 y por tal razón es un legado para las generaciones futuras el cual debe de ser conservado y difundido por el mundo, un ejemplo es Zacatecas es un punto clave donde se desarrolló la independencia de México lo cual hace que la historia mediante la arquitectura como referente adquiera un valor significativo para locales y extranjeros además que Zacatecas es único en el mundo.

ABSTRACT The city of Zacatecas saves a lot of stories that manifest themselves through architecture. In the historical center you can find majestic buildings, impressive houses of worship, and landmarks with an interesting past, avenues and places worthy of being popularized. Zacatecas is a city renowned cultural heritage of humanity by UNESCO in 1993 and for this reason it is a legacy for future generations which must be preserved and diffused by the world, such as Zacatecas is a key point where development was Mexico's independence which makes history by acquiring reference architecture as a significant value addition to local and foreign that Zacatecas is unique in the world.

KEY WORDS:

PALABRAS CLAVE:  ORIGEN  HISTORIA  PATRIMONIO

  

162

PATRIMONY ORIGIN HISTORY

ELEMENTOS ARQUITECTÓNICOS Y URBANOS QUE CONFORMAN EL CENTRO HISTÓRICO DE ZACATECAS. Se presentan imágenes y referencias históricas, antiguas y actuales de distintos sitios a comparar pues la importancia de este trabajo es el de reconocer y ubicar diferentes áreas de la cuidad que se han convertido en una referencia de la urbe y que hacen que sea reconocida como patrimonio cultural de la humanidad. LA AVENIDA HIDALGO. Llamada así en honor al cura hidalgo, se dice que por ahí paso varias veces cuando andaba en campaña en la guerra de 31 independencia.

INTRODUCCIÓN El objetivo de este artículo es el de conocer más acerca de la arquitectura de la ciudad de Zacatecas; el origen de algunas edificaciones y entender la importancia que estas tienen, y saber de su relevancia siendo consideradas como patrimonio cultural de la humanidad además que es importante conocer las raíces de la ciudad en la cual radicamos. Cualquier excusa es buena para hablar de Zacatecas como una de las ciudades más hermosas de México ya sea por su catedral, sus edificaciones coloniales o simplemente los yacimientos de plata y la majestuosidad del cerro de la bufa. Este trabajo surge de las siguientes inquietudes y cuestiones ¿a partir de 1910 tiempo de la revolución mexicana cuales fueron las edificaciones que desaparecieron a consecuencia de la toma de Zacatecas en el año de 1914?, ¿Qué construcciones son las que han permanecido sin modificaciones?, ¿Cuáles son los edificios más importantes de Zacatecas y cuál es la causa de que sean tan reconocidos? , ¿En qué años fueron construíos tales edificios? , ¿Por qué fueron derrumbados o modificados algunos edificios? Y al trascurso de esta investigación las respuestas serán resueltas al mismo tiempo que surgirán más cuestiones.

Fuente: Archivo histórico de la ciudad de Zacatecas

En la imagen superior se muestra la avenida y unos faroles que actualmente no están

31 http://turismozacatecas.netii.net Junio 2013

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importante punto de encuentro de la población.32

Fuente: Google Earth with street view Junio 2013

Como se observa el centro en este punto se ha conservado magníficamente pues a pesar del transcurso del tiempo la arquitectura posee la misma esencia.

FOTO: José Pérez Chávez y Jesús Pérez Saucedo. Negativo al colodión. Colección: Luis Fernando Sánchez Hernández. Fotografía tomada después de la toma de zacatecas, en la que muestra los daños causados a parte de la ciudad. 26 de junio de 1914. Fuente: Archivo histórico de la ciudad de Zacatecas.

PORTAL DE ROSALES. La tradición de construir portales frente a las plazas públicas data de la época virreinal, ya que se edificaban para que la gente que acudía a comprar o a vender productos en la vía pública, pudiera guarecerse en momentos lluviosos o para protegerse del sol. En Zacatecas, el primer portal fue el del edificio de la alhóndiga, construida de 1804 a 1810. Por su parte, el de Rosales, es construido entre 1826 y 1827, y es erigido como un monumento para honrar y perpetuar la memoria de uno de los próceres insurgentes más recordado, el zacatecano Víctor Rosales. Hoy día, este espacio sigue siendo un

CATEDRAL SIGLO XIX

ZACATECAS

Obra maestra del barroco exuberante novohispano, este monumento se localiza en el costado sur de la plaza de Armas de la ciudad. Antes de ésta, de 1567 a 1729, existieron tres templos parroquiales. Su fábrica comienza en 1729 y se dedica solemnemente en 1752. Al erigirse la Diócesis de Zacatecas (1862), su rango se eleva a la categoría de Catedral. Su portada principal es considerada hoy día como la más 32

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hermosa del país por la exquisita talla en cantera ejecutada por manos indígenas, con un rico simbolismo religioso

importante de la ciudad, en ella se realizaban corridas de toros, el tianguis y celebraciones de todo tipo. Desapareció hacia 1861, en su lugar hoy se encuentra el mercado

González Ortega.33 Fotografía de la catedral de Zacatecas, Zacatecas. Fuente: Méxicoenfotos.com junio 2013

Fuente: Galería Episcopal de Zacatecas. En la fachada sur de la catedral de zacatecas se encontraba un atrio y una escalinata para acceder a la misma.

El orgullo de Zacatecas, su catedral, estaba rodeada por un atrio cementerio, desapareció hacia 34 1860.

33 NUÑEZ MORALES MARIO, La catedral , Manuscrito para

Fuente: Galería Episcopal de Zacatecas

el “Breviario Turístico de la ciudad de Zacatecas p. 32 34NUÑEZ

MORALES MARIO, La catedral , Manuscrito para el “Breviario Turístico de la ciudad

Maqueta de la Plaza Mayor de Zacatecas, recrea la primera mitad del siglo XIX. Esta Plaza era la más

de Zacatecas p. 32

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EDIFICIO DE LA REAL PALACIO FEDERAL

CAJA:

Este edificio fue uno de los afectados en la toma de zacatecas ya que quedo en ruinas posteriormente se construyó una reproducción de su fachada en 1985, a espaldas del templo de San Agustín, donde hasta el año de 1964 existió un conjunto habitacional de tipo popular, conocido como “Alcaicería de San Agustín”. Se hizo con el fin de devolverle a la ciudad, en la limitada medida de lo posible, el monumento desaparecido, procurando así respetar los principios universales, aceptados por la conservación de las zonas monumentales, Patrimonio de la Humanidad.35

Fuente: Archivo histórico de la ciudad de Zacatecas. Ruinas del palacio federal junio 1914.

La capital Zacatecana era el principal bastión de las fuerzas Huertistas en el norte del país y era el punto que permitía el control de los ferrocarriles que se dirigían hacia el sur de la República Mexicana. La batalla no se hizo esperar. El 22 de junio de 1914, Francisco Villa dio la orden de que a las diez de la mañana del día siguiente se iniciara el ataque a la plaza viéndose dañado el palacio federal.36

Fuente: Mexicoenfotos.com junio 2013 Sobre la avenida Hidalgo se situaba el edificio de la real caja: Palacio Federal.

Fuente: Google Earth with street view Junio 2013 Actualmente se encuentra un hotel en donde fuera el sitio del palacio federal.

35Instituto Zacatecano De Cultura “Ramón López

Velarde” dirección de turismo 1998 “Breviario Turístico de la ciudad de Zacatecas” p. 32

http://www.kalipedia.com/geografia-mexico/tema/batallazacatecas.html?x1=20080514klpgeogmx_4.Kes&x=20080514k lpgeogmx_5.Kes junio 2013.

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PLAZA INDEPENDENCIA Surgió a principios del siglo XVII, con el establecimiento del Hospital de San Juan de Dios, marcando prácticamente el límite sur de Zacatecas, el cual se extendía hasta lo que hoy se conoce como Sierra de Álica. Durante el siglo XIX, esta plaza tuvo mayor actividad al construirse el edificio de la alhóndiga, así como la pila recibidora de agua, que quedó en el centro de la plaza, y la cual fue costeada por la Condesa de San Mateo. Para conmemorar el Primer Centenario de la Independencia, la plaza se transformó en un jardín y al centro se construyó un monumento conmemorativo. 37

Fuente: Google Earth with street view Junio 2013 Actualmente el jardín independencia está rodeado por un atrio que rodea el interior del mismo.

Fuente: Mexicoenfotos.com junio 2013 Imagen de la plaza independencia antes de la celebración del centenario de la revolución. Fuente: Mexicoenfotos.com junio 2013 Imagen de la plaza independencia antes de la celebración del centenario de la revolución.

Fuente: Google Earth with street view Junio 2013 37 RAMOS DÁVILA ROBERTO “Plazas, plazuelas y

jardines de Zacatecas” publicaciones de ayuntamiento 1989-1991 pp.35, 36, 37, 38,39.

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LA ALAMEDA

En la Alameda “J. Trinidad García de la Cadena”, anteriormente existió un monumento a la bandera posteriormente se colocó una esfinge de J. Trinidad García de la Cadena la cual se inauguró al cabo en 1954 con el fin de rendir homenaje a uno de los zacatecanos históricos más destacados, por cuyos méritos es llamado popularmente “Tata Pachito”. Así mismo, es conocido también como el "Gobernador Modelo" y aunque sus restos reposan en el Mausoleo de los Hombres Ilustres del cerro de la Bufa, este monumento es un digno homenaje a tan enaltecido personaje.38

Fuente: Mexicoenfotos.com junio 2013 Imagen de la alameda “J. Trinidad García de la Cadena “niños jugando en una de las fuentes.

Fuente: Google Earth with street view Junio 2013 En la actualidad la alameda “J. Trinidad García de la Cadena “ sigue siendo un punto de reunión y de recreación en beneficio de los zacatecanos y los turistas donde se ha conservado algunas fuentes como la que se ilustra.

FUENTE DE LOS FAROLES Realizada en cantera rosa y hierro forjado, esta singular fuente de barrocas formas fue concebida por el filántropo citadino don Federico Sescosse L., e inaugurada en el año 1958.39 Originalmente, en el lugar estuvo una gran cruz (s. XVI), luego

Fuente: Mexicoenfotos.com junio 2013 Imagen de la alameda “J. Trinidad García de la Cadena” donde se observa la amplia vegetación y motivos arquitectónicos que han desaparecido.

39 38 RAMOS DÁVILA ROBERTO “Plazas, plazuelas y

jardines de Zacatecas” publicaciones ayuntamiento 1989-1991 pp. 103, 104

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una ornamental fuente (s. XIX) y por último, de 1898 a 1949 estuvo el monumento del Gral. J. Jesús González Ortega, el cual fue trasladado al parque Gral. Enrique Estada. La inspiración para esta fuente fue otra que se localiza en una plaza junto a la catedral de Sevilla, en la se supone reposan los restos de Cristóbal Colón.

Estrada, enmarcado por el acueducto de “El Cubo”.

Fuente: Mexicoenfotos.com junio 2013 Imagen de la inauguración de la estatua del Gral. J. Jesús González Ortega mayo de 1898, Fuente: Google Earth with street view Junio 2013. Fuente de los faroles situada en calle Tacuba Zacatecas.

MERCADO GONZÁLEZ ORTEGA

Se hizo el descubrimiento de esta estatua el 15 de mayo de 1898, como homenaje más sobresaliente, destacado por su participación en la Guerra de Reforma y un decidido defensor de los principios liberales y del sistema republicano.40 Desde ese año, el monumento estuvo ubicado en la calle Tacuba del centro de la ciudad (en donde actualmente se encuentra la Fuente de Los Faroles), pero en el año de 1957 es trasladado al lugar donde actualmente se exhibe, que es el parque Gral. Enrique

Con la finalidad de dotar a la ciudad de un centro de compra y venta de mercancías en forma organizada, se proyecta e inicia la construcción de este edificio que, como toda construcción mexicana de la época, tiene un estilo porfirista y consta de un piso y una planta baja, construidos de cantera y fierro forjado. Su edificación se da de 1886 a 1889, aunque en 1903 se reconstruye a causa de un incendió.41 En 1982 es remodelado nuevamente para convertirlo en el moderno centro 41

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40http://sketchup.google.com JUNIO 2013

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comercial que hoy es. Plazuela Goitia: En sus orígenes este espacio fungía como una pequeña calle, pero en los años de 1980 se adecua para hacer de ella un escenario que sirva como espacio para la realización de eventos populares. Esta singular y mediana explanada, es sin lugar a dudas la segunda más popular de la ciudad, después de la plaza de armas. No obstante la cantidad de eventos que ahí se presentan, el más concurrido viene a ser siempre el concierto que cada jueves ofrece la internacional Banda de Música del Estado, ya que es esperado con gran entusiasmo por propios y visitantes.

Fuente: Google Earth with street view Junio 2013 En la actualidad el mercado es empleado como comercios de restaurantes suvenires y bares.

MESÓN DE JOBITO El edificio data de 1700 y originalmente fue construido como casa particular. Después de algunos años se manejó como mesón en donde los comerciantes pagaban una moneda para pasar la noche. Otros utilizaban los cuartos para guardar su mercancía (maíz, trigo, frijol, etc.).En lo que ahora se conoce como restaurante “El trueque”, se efectuaba el cambio o el trueque de sus productos, ya que no usaban dinero. Posteriormente en los patios fue el mercado de los pobres.

Fuente: Mexicoenfotos.com junio 2013

En la década de los cuarenta fue acondicionado para que personas de bajos recursos lo habitaran .se dividió en dos secciones llamadas Vecindad del Jobito y Multifamiliar Alameda, esta ultima de más categoría. Estaban separadas por un portón, que solo se abría los sábados para que los niños asistieran a la doctrina en la capilla del multifamiliar.

Imagen de mercado González Ortega antes del incendio de 1901.42

En 1990 la familia Sescosse elabora un proyecto con el fin de adquirir el inmueble que se encontraba en

http://turismozacatecas.netii.net/paginas/mercado.html junio 2013

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pésimas condiciones y realizar en él un pequeño gran hotel, respetando la estructura original del lugar. La remodelación duro un año ocho meses y el 1 de mayo de 1993 abre sus puertas al público con 31 habitaciones, un restaurante “El mesonero”, un pequeño bar “el pregonero” y 3 salones de usos múltiples, transformando así esta típica vecindad zacatecana en un pequeño gran hotel.43

Fuente: hotelesmexico.com junio 2013 Mesón de Jobito actualmente

TEATRO CALDERÓN En 1832, un grupo de ciudadanos conocedores del valor educativo del teatro promovieron ante las Autoridades y entre los ciudadanos una colecta para construir un teatro. Los trabajos se iniciaron en el lugar que anteriormente ocupaba la cárcel, y en 1833 tuvo lugar la inauguración de Teatro Calderón, en honor al destacado poeta jalisciense que diera un enorme impulso a las bellas artes en Zacatecas. Inaugurado en 1897, éste es una de las joyas arquitectónicas más hermosas de la ciudad. Su esbeltez y gran fachada le dan la apariencia de una impresionante construcción de la época clásica. El nombre hace alusión al destacado dramaturgo jalisciense Fernando Calderón, quien diera un enorme impulso a las bellas artes en Zacatecas. Después de la Revolución Mexicana sufre serios deterioros por usarse para otros fines. En 1985, el Gobierno del Estado y la

Fuente: Mexicoenfotos.com junio 2013 Antes de ser conocido como mesón de Jobito la imagen muestra la vecindad antes de su modificación a hotel antes del siglo XX.

http://www.viajaydescubre.com/articulo/meson-de-jobitoel-hotel-mas-bonito-de-zacatecas/ junio 2013

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Fuente: Mexicoenfotos.com junio 2013

Universidad Autónoma de Zacatecas emprendieron su restauración, adaptándolo a las necesidades actuales de la población.

El teatro muestra la elegancia de la muy noble y leal ciudad de Zacatecas.

El teatro Calderón se encuentra celebrando desde 1991 hasta 1997 su primer Centenario de vida, motivo por el cual se llevan a cabo en sus instalaciones diversas actividades culturales, como conciertos, obras de teatro, muestras cinematográficas, recitales, presentaciones de grupos de danza, festivales, exposiciones temporales de obra de arte, y por supuesto, la mayoría de las actividades programadas en el Festival Cultural Zacatecas, el Coloquio de Primavera y el Otoño Musical que año con año organizan las instituciones encargadas de difundir la Cultura entre la población zacatecana.44

Fuente: Google Earth with street view Junio 2013 En flagrante el museo sigue siendo uno icono de la ciudad y empleado constantemente para en goce de los mismos zacatecanos.

PALACIO DE GOBIERNO Este edificio data del siglo XVII y fue casa habitación de dos miembros distinguidos de la realeza virreinal zacatecana: del Mariscal de Campo, Don Vicente Zaldívar y Mendoza, y de los Condes de Santiago de la Laguna, cuyo título se iniciara con Don José de Urquiola, pasando posteriormente a poder de su sobrino, Don José de Rivera Bernárdez, heredero también del título y quien construyera dentro de este mismo edificio un elegante oratorio. En 1834, siendo Gobernador del Estado, Francisco García Salinas, compró el edificio al último propietario en la cantidad de $40,000 (cuarenta mil pesos), e instaló desde entonces en ese recinto la sede del Poder Ejecutivo Estatal. Este edificio de sobria belleza y pesadas formas, es

http://turismozacatecas.netii.net/paginas/calderon.html junio 2013

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uno de los pocos ejemplos de la arquitectura civil barroca del periodo colonial. El interior cuenta con un patio central rodeado de salones, de los que destaca el principal, denominado "Salón de Recepciones", el cual conserva una techumbre de viguería y ménsulas, sus coloniales balcones y sus elegantes candiles, dándole la imagen de un escenario aristocrático colonial. Su simétrica y sencilla fachada está rematada por almenas, formadas éstas por arcos invertidos. Cuenta además con una escalera principal donde se puede admirar un mural-relieve que presenta la historia de Zacatecas, elaborado por Antonio Pintor Rodríguez quien, con arte y audacia, combinó la pintura con la escultura del altorrelieve de cantera. El edificio se comunica en su interior con el anexo, conocido como el "Ex-hotel Francés", y que originalmente fuera residencia particular del Gral. J. Jesús González Ortega, el cual tiene en común una barda con la Catedral, cuya unión forma un majestuoso y romántico callejón denominado "De las campanas", llamado así por su ubicación y singular conformación. Su frente está enmarcado por la Plaza de Armas, considerada la más importante y amplia explanada de la ciudad, cuya relevancia la exhibe como principal foro de los más importantes festivales y celebraciones que se llevan a cabo en nuestra Capital. 45

Fuente: Mexicoenfotos.com junio 2013 Desde la avenida hidalgo se erige orgulloso el palacio de gobierno de la muy noble y leal ciudad de Zacatecas.

Fuente: Mexicoenfotos.com junio 2013 Hoy en día el palacio es un punto clave para los festejos patrios y encuentros sociales.

SANTO DOMINGO Este edificio fue construido entre los años de 1746 y 1749, y en él participaron muchos zacatecanos en mayor o menor medida, a veces con dinero o con su fuerza de trabajo, en tanto que las mujeres, tejiendo y/o bordando lo necesario para los altares y el vestuario de las imágenes sagradas. Tras la expulsión de los jesuitas (1767), el inmueble fue ocupado por los dominicos, quienes

http//travelbymexico.com/zacatecas/atractivos/index.php?

nom=kzacarmas junio 2013

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convirtieron este templo en el más importante de la ciudad después de Catedral. En su interior pueden admirarse ocho retablos dorados de exquisito gusto. Y en su exterior, es admirable el sabio labrado de su barroca portada.46 Coordinadamente, la Diócesis y el Gobierno de Zacatecas a través de la SECTURZ, establecen las líneas para que en este ícono religioso continúe preservándose un patrimonio mundial, de ahí su cierre temporal a partir del 23 de febrero del 2009.

Fuente: Google Earth with street view Junio 2013 Desde una perspectiva el templo sigue conservándose siendo uno de los más visitados en la ciudad.

ACUEDUCTO DEL CUBO A finales del siglo XVIII, la diputación de minería de Zacatecas disponía de 84 mil pesos provenientes de la explotación metalúrgica, y consultando a la audiencia de México sobre el posible uso de los recursos determinaron que se destinarían para obras públicas, de tal suerte que invirtieron los fondos en este gran acueducto que llevaría el líquido desde el tiro del “el cubo” hasta la plaza Villa real. Donato Moreno, gobernador asía 1921 mando segar el tiro y desmontar los primeros tramos que sostenían el acueducto, del que se conserva hasta la fecha los arcos que principian en la antigua vecindad de los perro y culminan en la base de la estatua del General González Ortega.

Esta joya del arte sacro no sólo de Zacatecas, sino del país y del norte de nuestro continente fue sometida a fumigación, dado que al ser su piso y retablos de madera están infestados de insectos filófagos y termitas que amenazaban su existencia.

Fuente: Mexicoenfotos.com junio 2013 Desde la calle doctor Ignacio hierro se observa el templo de santo domingo el segundo en importancia después de la catedral en la ciudad de zacatecas.

Los arcos que subsisten del acueducto han quedado integrados a la trama urbana; atraviesan con gracia las calles o forman parte de edificación, se dice que fue tendido

http://www.mexicodesconocido.com.mx/santo-domingoel-templo-mas-importante-despues-de-la-catedralzacatecas.html junio 2013

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para salvar los desniveles del terreno y así facilitar el flujo del agua que corría desde el tiro del cubo hasta una pila que estuvo en la plaza Independencia antes conocida con el nombre de Plazuela de Villa Real; en la que acostumbraban abastecerse los pobladores. En 1921 se cerró el ojo que proveía el líquido. Frente al acueducto se levantó un monumento ecuestre para honrar la memoria del gobernador González Ortega.47

Fuente: Google Earth with street view Junio 2013 El acueducto en el 2011 continua conservado y siendo un emblema de la ciudad.

CONCLUSIONES El presente trabajo se elaboró con la finalidad de dar a conocer a la ciudad de Zacatecas, lo que se puede destacar dentro de la producción del presente artículo es la importancia y cuidado de las obras arquitectónicas en el transcurso del tiempo pues es este mismo el que le aporta más valor a las obras pues en muchos casos los usos sociales cambiaban pero permanece un aspecto que hace que nosotros como zacatecanos y también los turistas nos identifiquemos y hagamos al espacio nuestro que es la “trascendencia”.

Fuente: Mexicoenfotos.com junio 2013 En la panorámica de la ciudad se observa el acueducto que dejo de funcionar hacia el año de 1929.48

Con esto se estima más el lugar en el que se está viviendo o circulando pues el centro histórico está repleto de tradiciones, cultura e historia. Colmado de lugares que seguramente son de interés tanto para turistas como para los zacatecanos.

http://turismozacatecas.netii.net/paginas/acueducto.html junio 2013 48 http://es.wikipedia.org/wiki/Acueducto_de_Zacatecas junio 2013

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Ayuntamiento 2002.

Las calles, los edificios, los materiales y las personas son los elementos de referencia que marcan una época, un estilo y en si a la arquitectura del lugar.

Zacatecas

Abril

Rodríguez Valadez, Juan Manuel “Apuntes Personales” NUÑEZ MORALES MARIO, CATEDRAL, MANUSCRITO.

La ciudad de Zacatecas se ha conservado casi intacta en su centro histórico gracias a las restauraciones y a las normas que se siguen lo cual ha permitido que la ciudad sea una de las más bellas en su género convirtiéndola en una urbe única en el mundo digna de ser conservada y expuesta para todos pues es un patrimonio cultural de la humanidad.

“OFICIOS DE APROBACIÓN FONDO IV, 2002. Administración de Obras” H. Ayuntamiento de Zacatecas. RAMOS DAVILA ROBERTO, “PLAZAS, PLAZUELAS Y JARDINES DE ZACATECAS”, publicaciones de h. ayuntamiento 1989-1991 segunda edición.

Y con esto se cierra este tema “nuestro principio es el pueblo en el cual radicamos” y teniendo una clara visión de dónde venimos y hacia donde queremos llegar; la arquitectura siempre será respetada.

Páginas web: 

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BIBLIOGRAFÍA “INSTITUTO ZACATECANO DE CULTURA Ramón López Velarde dirección de turismo 199 “Breviario Turístico de la ciudad de Zacatecas” por gestión de Lic. Eduardo charlo Ortiz”.

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Jesús

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“LOS PRIMEROS 150 DÍAS DE GOBIERNO MUNICIPAL” Informe del Lic. Miguel Alonso Reyes, Presidente Municipal de Zacatecas H.

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LOPEZ DE LARA J. CATEDRAL DE ZACATECAS

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ď&#x201A;ˇ

http//travelbymexico.com/zacat ecas/atractivos/index.php?nom =kzacarmas junio 2013 http://www.mexicodesconocido .com.mx/santo-domingo-eltemplo-mas-importantedespues-de-la-catedralzacatecas.html junio 2013 http://es.wikipedia.org/wiki/Acu educto_de_Zacatecas junio 2013

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30.- EL SURGIMIENTO DE UNA NUEVA RUTA

La ruta de la amistad, México 68 Autores: Delgado Tarín Getsemaní González Castro Luis Alberto Medina Ovalle Christian Octavio Moreno Rodríguez Juan Ricardo Oliva Martínez Salvador Sánchez Calderón Jesús Manuel

Antecedentes. Es sorprendente como un acontecimiento tan relevante deja de serlo, para transformarse en solo recuerdos.

integración de algo que se remontaba a la esencia griega llamada Olimpiada Cultural con disciplinas como danza, música, poesía, pintura y escultura; así es como surge un proyecto mayor en la disciplina cultural conocido como el corredor escultórico a gran escala en el que participaran grandes artistas de los cinco continentes, que simbolizaba una amistad entre los pueblos. Las bases para poder participar en este proyecto fueron principalmente tres: su diseño debería de ser abstracto sin nacionalismos, monumentales y la utilización del concreto como principal material de la escultura.

Al hablar del proyecto arquitectónicoescultórico “La ruta de la amistad”, sin duda fue un fenómeno utópico, durante la época en que México se volvía anfitrión de uno de los eventos más reconocidos a nivel mundial, me refiero a los Juegos Olímpicos del ‘ ; surge este proyecto jamás ideado y que viene a dar un giro completamente al entorno de las olimpiadas.

Dentro de este programa se realizó una Reunión Internacional de Escultores y así presentar un proyecto de escultura monumental La ruta se conformó por 19 esculturas (estaciones) con alturas que van desde los siete metros hasta los veintiséis metros, obras realizadas por artistas de 16 países diferentes como Suiza, Checoslovaquia, Japón, Francia, Uruguay, Italia, Bélgica, Estados Unidos, Polonia, España, Australia, Austria, Holanda, Israel, Marruecos y México. Y además de otras tres esculturas invitadas para que así sumaran 22 esculturas.

El proyecto generado por los arquitectos Mathias Goeritz y Pedro Ramírez Vázquez, tenía como principal tema, la

Logotipo para los Juegos Olímpicos del ‘68

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El porqué de la ruta. Este tipo de proyecto surgiría como una respuesta bien fundamentada contra la inconformidad de otros países por la decisión de que un país como México catalogado como país tercermundista pudiera sustentar un evento de tal magnitud. Fue así que el entonces Presidente solicitó al arquitecto Pedro Ramírez (Presidente del Comité Organizador) llevar acabo algo que respondiera a las críticas. La idea seria de Mathias Goeritz, quien imaginaba el proyecto no como una exposición de arte al aire libre, sino como un núcleo generador de un futuro desarrollo urbanístico y como una base para que llegara a ser una ciudad artística y culturizada. Contexto político y social. El proyecto de la ruta de la amistad se ve envuelto en la época que México entraba en un apogeo arquitectónico modernista y de un crecimiento urbanístico mejorado. Pero además de todo esto, la política como casi siempre, jugó un papel importante en el contexto de este proyecto al ser el gobierno el protagonista del acontecimiento más duro que fue la matanza de estudiantes mexicanos en Tlatelolco sobre la Plaza de las Tres Culturas, apenas a dos semanas antes de iniciarse los Juegos Olímpicos. En el ámbito social de ese mismo año, se realizaba una nueva y mejorada

publicidad, cuando el diseño grafico en México intervenía con los diseños de logotipos y la imagen publicitaria de las Olimpiadas. Resultaban interesantes las propuestas de que todos los anuncios panorámicos tuvieran que ver con los símbolos olímpicos y de la paloma de la paz verdaderamente excelente. La publicidad apareció a la sociedad en toda clase de artículos como lápices, joyas, ropa etc., como un modo de mercadotecnia para que funcionara como sistema visual internacional con los símbolos y pictogramas que ayudaban a los visitantes que no dominaban el idioma.

La ruta se ve afectada. En una ciudad como el Distrito Federal donde miles de capas se sobreponen una sobre otra, cada una con sus construcciones, hitos y referentes. El Anillo Periférico que se construyo en 1964 se planeó como vía rápida para llegar a cualquier punto, y para 1968 se convertiría en el espacio adecuado para el corredor escultórico más grande del mundo. Pero con el paso del tiempo las esculturas resultaban afectadas por el descuido en su mantenimiento, vandalismo y poco a poco absorbidas por las exigencias de la ciudad y la modernidad las acorraló con edificios, puentes peatonales, casetas de infraestructura y uno de los distribuidores viales más conocidos como lo es el 179

Segundo Piso, hasta convertirlas en residuos mimetizados en el caos de la ciudad. Incluso el mismo Goeritz pidió su destrucción al declarar su proyecto como algo efímero en 1989. Ha sido gracias al Patronato de la Ruta de la Amistad dirigido por Luis Javier de la Torre que las esculturas han sido rescatadas y reubicadas, ya que no estaban contempladas en ningún tipo de planeación gubernamental. Proyecto de Rehabilitación La Ruta quedó en total abandono por 25 años, todo esto debido al inminente crecimiento de la ciudad, durante este tiempo sufrió un sinnúmero de agresiones. Para rescatar la Ruta se decidió hacerlo obra por obra, teniendo como idea principal la restauración a fondo, y así poder asegurar la conservación de estos monumentos a través de la autosuficiencia y la participación de todo ciudadano que habita cerca de ellas, de igual manera se decidió hacer un uso constante de las esculturas por medio de diferentes programas que incluyan a la ciudadanía, como exposiciones temporales, y actividades multidisciplinarias que van desde teatro, música, hasta danza, etc.

fideicomiso creado ex profeso para este proyecto. El proyecto principal fue concebido por Luis Javier de la Torre, miembro del Patronato de la Ruta de la Amistad, el cual tiene como fin principal dar vida constante a las 22 esculturas que conforman la ruta, todo esto a través de la integración de la comunidad a la rehabilitación, abriendo nuevos espacios que incluyen la creación en el ámbito del arte urbano, y poder estar presentes en la mente de la comunidad y en el ambiente urbano con intervenciones artísticas temporales, y otras disciplinas que puedan tener lugar en este espacio urbano. La meta principal del proyecto es dar un nuevo valor a las esculturas y asegurar su permanencia, haciendo honor al concepto de Mathias Goeritz de sacar el arte contemporáneo a las calles, ahora se logrará con proyectos que rompan la cotidianidad del paisaje urbano. La intervención para la rehabilitación y los proyectos de intervención presuponen un gran reto tanto artístico como de ingeniería, debido a la gran escala de las piezas y el entorno en el que se encuentran, atestado de construcciones y automóviles. Parte importante del proyecto es poder unir las nuevas ideas con las obras, por lo que la Ruta resurge como una serie de espacios que reta a los creadores a ir más allá de la exposición al público, sino de lograr una integración del espacio urbano con sus creaciones.

A través del proyecto “Adopte una Obra de Arte”, se invita a instituciones privadas y públicas a participar, donando los recursos para la restauración y Las Esculturas conservación de las piezas en un 180

Además de ser parte importante de la primera Olimpiada Cultural que se llevó a cabo en México, las 22 esculturas formaron un hilo conductor y de comunicación entre los lugares más importantes durante la Olimpiada, fueron en aquellos años 60´s un hito que marco una nueva vía turística, en incluso nuevos puntos de partida para el creciente urbanismo que se dio en los 90´s en la ciudad de México, a pesar que fueron opacadas por el rápido crecimiento, se ha buscado darles un nuevo lugar y mantener su significado como el proyecto y finalidad principal de Goeritz. Con el proyecto de rescate que se hace sobre estas esculturas, varias de ellas fueron reubicadas con la finalidad de mantenerlas en buen estado, e incluso para generar un nuevo espacio urbano que se convierta en un punto de reunión, un hito urbano, y un nuevo espacio público que mejore la calidad de vida, y que dé la oportunidad de generar y presentar nuevas disciplinas culturales y de idiosincrasia nacional. A este nuevo lugar se le conoce como Trébol vial de Periférico e Insurgentes, en el cual se reubicaron 9 esculturas.

Algunas de las esculturas que se encuentran en este nuevo corredor son:

“Señales” De Ángela Gurría, es una escultura de gran proporción, tiene 18 metros de altura, está formada por dos “cuernos” en blanco y negro, esto hace alusión a las primeras olimpiadas donde los países africanos participaban en conjunto pero donde dejan a Sudáfrica fuera debido a su segregación racial. Fue restaurada en 1998 por la familia Moisés Cosío, su ubicación original era en la glorieta san Jerónimo, fue reubicada y actualmente está en el trébol vial de Periférico.

“El Ancla” Una escultura del suizo Willi Gutmann, con forma de un gran disco interrumpido por un elemento más pequeño formado por líneas curvas que se insertan en el elemento mayor. Tiene una altura de 7.50 metros, de concreto armada. Originalmente fue pintada en morado con los cantos verdes, hoy resalta por el azul vívido que el autor le adjudicó en 1997, pues se encontraba en un entorno diferente al del ’ . Esta obra fue restaurada por la Asociación de Empresarios Suizos en México, con 181

apoyo de la Embajada de la Confederación Suiza en 1997. Al igual que la escultura anterior, se localizaba en el Periférico Sur y Luis Cabrera, fue una de las esculturas que tiene un nuevo lugar en el Trébol vial de Periférico e Insurgentes Sur.

“Las tres gracias” Realizada por Miroslav Chlupac, nacido en Benesov Checoslovaquia. La escultura está formada por tres columnas de concreto armado, dos de ellas son de color rosa y una lila, con una altura de 12.5 metros, cada una de las columnas tiene diversas salientes que le dan al conjunto una gran ligereza. Fue restaurada primeramente en el 2003 y es conservada por Adidas desde 2007.

“Sol” Escultura del artista japonés Kiyoshi Takahashi, consta de dos gigantes esferas blancas de 7 metros de altura, segmentadas por la mitad y de las cuales se eliminaron dos cuartas partes de su cuerpo. De acuerdo al efecto óptico de la velocidad con la que transitaban los autos sobre Periférico, Takahashi logró proyectar el efecto de dos esferas (Sol) girando sobre su propio centro. Restaurada y conservada en el año 2003 por Inmobiliaria SARE y en 2011 por el Sr. Carlos Kasuga.

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“Hombre de Paz” Del italiano Constantino Nivola consiste en un par de cuerpos geométricos colocados uno sobre el otro, coronados por una figura que evoca a una paloma o una mano dependiendo del punto de vista de donde se aprecie. Predominan las líneas rectas y lleva los colores de la bandera Italiana, con una altura de 11 metros. Se encontraba semidestruida desde hacia 35 años, pero en 2006 fue trasladada al trébol vial de insurgentes y Periférico, siendo este el primer jardín nativo que dio la pauta para la regeneración ecológica. Fue trasladada en 2006 con el apoyo de la Embajada de Italia, el Ing. Adalberto Cortesi quien en colaboración con el Ing. Franco Bonfati iniciaron la creación de su jardín. Desde 2007 este espacio es conservado por Pirelli, en colaboración con Techint.

“Reloj Solar” Realizada por Grzegorz Kowalski nacido en Varsovia, Polonia. En el conjunto predomina una composición horizontal colocada en un terreno circular, en él se levantan siete conos de distintas formas, incluso algunos unidos entre sí, con 5 metros de altura, están pintados en diferentes colores cálidos que van desde el amarillo hasta los tonos ocre y cada uno está desplazado en distintas poses y direcciones. El cono central es el que recibe toda la influencia del sol. Durante la primera restauración de esta pieza en 2001 Kowalski viajó a México, la restauración estuvo a cargo de The History Channel Latinoamérica, y desde entonces es conservada por Centro comercial Perisur, y su entorno fue rescatado en 2010 por American Express.

“México” Del Escultor español José María Subirachs, fue creada meses después de las demás esculturas, tiene plasmada de manera sugestiva la palabra México en el volumen horizontal central en que convergen un primer volumen inferior o base y un segundo superior formando una especie de cruz, 183

tiene una altura de 10.5 metros. Se restauró en 2001 con el apoyo de Fundación Domecq A.C. y la Embajada de España en México.

World Monuments Fund. El Patronato ha logrado después de largos años de esfuerzos, recobrar esta pieza como bien nacional para disfrute de todos los ciudadanos y ha regresado así a formar parte del conjunto escultórico al que pertenece.

“Janus” Hecha por Clement Meadmore, esta obra, de un solo cuerpo doblado en forma de anillo sobre sí mismo, presenta gran sencillez y gran dinamismo, con 6 metros de altura se aprecia la movilidad y cambio de forma. Originalmente el autor creó una escalera sobre la roca para permitir que el espectador bajara de su vehículo, subir a su base y apreciarla de cerca para disfrutar su movilidad rodeándola.

“Muro Articulado” Herbert Bayer nació en Austria y vivió en Aspen, Colorado, esta escultura realizada por él consta de un eje central de acero que une 33 módulos rectangulares. Con 16.5 metros de altura, la obra presenta un juego de luces y sombras que cambia con los distintos momentos del día. Una de sus características más interesantes es el sistema de construcción empleado, lo que le da el distintivo de ser la única obra de estas dimensiones que se ha ejecutado con dicho sistema en México.

Janus estuvo sustraída por 16 años, finalmente en diciembre del 2012 ha regresado al conjunto escultórico gracias al apoyo de la embajada de Australia, la Fundación Meadmore, el gobierno de la Ciudad de México y el

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Mapa nueva ruta de la amistad Una Nueva Ruta Después de las diversas restauraciones que tuvieron algunas de las esculturas, llegó a la Ruta un inminente problema que no pudo detenerse, la ciudad de México ha crecido desmedida e irresponsablemente desde la realización de la olimpiada. En estos cuarenta y tantos años se ha consolidado la expansión de la urbe hacia las antiguas Ciénegas de Tláhuac, Xochimilco e Iztapalapa. De aquel tranquilo nivel de tránsito vehicular de los 60´s vino el caos de los 90’s y la primera década del siglo XXI y la postulación de proyectos enormes como la construcción de un enorme segundo piso de muchos kilómetros de extensión a lo largo de esta importante vía. Así las 22 esculturas empezaron a quedar olvidadas, fue así que se formó el Patronato de la Ruta de la Amistad, buscando mantener el legado de Goeritz.

Tal vez el proyecto original de Goeritz y el concepto no se pudo mantener con total apego, como un corredor escultórico que resalta un paisajismo modernista de los años 0’s, y en cuanto a esto se reciben algunas críticas por el proyecto actual, y sobre todo por las enormes vialidades que el gobierno y las autoridades proyectan sin tener en cuenta el legado cultural y artístico que tenemos. A pesar de esto se logró mantener el espíritu y la esencia de aquel movimiento modernista que tuvo un gran auge en México. Es así que se unió el modernismo de los años 0’s con las nuevas tendencias, enmarcando el inminente crecimiento urbano de la ciudad y generando nuevos espacios públicos tan necesarios en la actualidad.

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Bibliografía

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http://www.yazo13.com.mx/alldesign/in dex.php/catalogo-ruta-de-la-amistad

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31.- MONUMENTO A LA REVOLUCIÓN MEXICANA

Por el Arquitecto Carlos Obregón Santacilia

Elaborado por: Luna Barrios Uriel, Márquez Nava Diana Sulema, Muñoz Miranda Sarahi, Ríos Rojero Ana Paulina, Rondan Palmas Mónica, Vega Robles Diana Maritza.

ARQUITECTURA DE LOS 40’S Durante la década de los 40’s en México se dieron modificaciones en el ámbito cultural, estas modificaciones estaban en pro de asimilar los estilos artísticos extranjeros de la Posguerra. Este impulso también se vio apresurado debido a la inversión extranjera, la cual trajo un incremento en la edificaciones urbana que estaba a cargo de la iniciativa privada. En ese momento el gobierno puso en marcha programas de planificación de los servicios (hospitales, escuelas y vivienda multifamiliar). Y surgió un periodo que se extendió hasta mediados de los cincuenta, donde se dio el ocaso del nacionalismo revolucionario.

abandonando el regionalismo, cero ornamentalísimos externos y fortalecimiento de los principios estéticos planteados por los funcionalistas. Durante esta década, tres fueron las corrientes principales encabezadas por: 1. José Villagrán 2. Carlos Obregón Santacilia 3. Mario Pani En este artículo nos adentraremos a hablar en específico de uno de ellos; el Arquitecto Carlos Obregón Santacilia y una de las obras más representativas de México; el Monumento a la Revolución. CARLOS OBREGÓN SANTACILIA Arquitecto mexicano del siglo XX que realizó cerca de 150 obras, en un lapso de tiempo que va de la década de los años veinte a los sesenta. Nació el año de 1896, el 5 de noviembre en la ciudad de México; miembro de una familia muy numerosa, fue el séptimo hijo de un total de diez. Su padre fue Lauro Obregón, un médico de profesión, y su madre Doña María Santacilia y Juárez, nieta mayor del presidente Benito Juárez.

En la arquitectura, se adoptaron nuevos programas, primero europeos y más adelante norteamericanos, a fin de adquirir la nueva imagen de actualidad. El funcionalismo poco a poco disminuyó, dando paso a un nuevo planteamiento arquitectónico. EL INTERNACIONALISMO. El cual consistía en concebir la obra arquitectónica a partir de espacios internos libres, estructura libre, 187

Durante gran parte de su infancia recorrió las calles de una ciudad que en ese tiempo no sabía lo que era la arquitectura local, ya que las obras que se levantaron en esa época eran dirigidas por extranjeros. En el año de 1916 ingresó a la Academia de San Carlos, lugar en el que se estudiaban “las nobles artes”: pintura, escultura y arquitectura, entre otras especialidades. En 1924 Obregón presenta su examen profesional, que con el tema “Centro Educativo”, y ofrece al jurado integrado por los arquitectos Carlos Lazo, Manuel Ortiz Monasterio, Manuel Ituarte, Macedo y Arbeu y Martínez del Cerro, quienes le otorgan Mención Honorífica.

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El arquitecto Obregón escribió también diversos ensayos que generaban reflexiones críticas para desarrollar sus teorías. También tuvo una actividad importante en el sector gremial, pues en tres ocasiones le correspondió por voto estar al frente de la presidencia de la Sociedad de Arquitectos Mexicanos. Fallece en septiembre de 1961 en la ciudad de México víctima del cáncer. Amigo de grandes intelectuales y artistas de su época, la ausencia física de Carlos Obregón Santacilia fue motivo de homenajes muy sentidos.

La Secretaría de Salubridad y Asistencia (1925). Un conjunto de tres cuerpos articulados por medio de puentes de acero, que en sus áreas libres generan jardines. Casa Gómez Morín (1931). Hotel del Prado (en colaboración con el Arq. Mario Pani, 1933). Su construcción fue una de las mejores soluciones para un hotel de sus dimensiones. (Un tanto controvertida esta obra por la autenticidad de su autor entre los dos arquitectos). Edificio Guardiola (1941). Armoniza con su edificio “gemelo” de El Banco de México y el de Correos, todos construidos en fachada con el mismo material. Instituto Mexicano del Seguro Social (1941). Logró que el edificio se inserte en el contexto de manera muy uniforme, de forma proporcional y simétrica, un símbolo de las instituciones sociales modernas.

MONUMENTO A LA REVOLUCIÓN (1938).

Entre sus obras cabe destacar: 

Pabellón de México en Rio de Janerio (1922). Proyecto que ganó el concurso por parte de la Secretaría de Industria y comercio. Lo llevo a cabo antes de obtener su título.

Realiza la terminación del Monumento a la Revolución en 1938. Él retoma la estructura inicialmente 188

planeada para el nuevo Palacio Legislativo y la vuelve un monumento que enaltece el movimiento revolucionario.

ANTECEDENTE - EL PALACIO LEGISLATIVO UN CONCEPTO PARA EL MONUMENTO A LA REVOLUCIÓN.

poco claro y lleno de polémicas, el proyecto fue adjudicado al arquitecto francés Émile Bernard. De ese modo la primera piedra de este edificio fue colocada el 23 de septiembre de1910 por el propio presidente Porfirio Díaz. Tras un avance notable en el armado de la estructura de acero del edificio, la construcción del Palacio Legislativo fue suspendida por falta de recursos a raíz de las luchas revolucionarias.

Porfirio Díaz, visualizo un Palacio para que fuese la sede de los poderes legislativos.

Un recinto promovido por el presidente Porfirio Díaz y su gobierno, mismo que en el año de1897, emitió una convocatoria internacional para la realización del proyecto de la futura sede de las cámaras de diputados y senadores. En dicho concurso participaron destacados arquitectos de la época entre los que destacaba Adamo Boari, mismo que construiría posteriormente el Palacio de Correos y el Palacio de Bellas Artes. Tras un proceso de selección

La estructura del que iba a ser uno de los edificios más suntuosos de la ciudad, permaneció inutilizada durante varios lustros, lo que motivó que empezaran a ser desmanteladas las naves laterales y se pensara incluso en la demolición total del inmueble, para evitarlo, el arquitecto mexicano Carlos Obregón Santacilia propuso al entonces secretario de Hacienda, Alberto J. Pani, el aprovechamiento de parte de la estructura de la cúpula del frustrado Palacio Legislativo para erigir un monumento a la entonces recién concluida Revolución mexicana.

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CARACTERÍSTICAS

El Monumento a la Revolución se destaca por lo masivo y geométrico de su construcción que nos remite a la arquitectura prehispánica, sin embargo también es fiel representante de una de las corrientes arquitectónicas de ese momento, el Art Deco, estilo que se hace presente en los grupos escultóricos que se asientan sobre las pechinas de la cúpula de cobre del monumento, mismos que fueron creados por el artista Oliverio Martínez y que representan respectivamente:    

recubiertos en su mayor parte de piedra chiluca (Piedra blancuzca y transparente utilizada en la construcción de edificios en la Nueva España), ya que los arranques de las pilastras y sus vértices exteriores lo están de piedra negra, sobre éstas últimas descansa un gran cubo de piedra chiluca, el que, a su vez, sostiene una doble cúpula, la cual se complementa con otra interior. La cúpula exterior se halla recubierta de láminas de cobre y se remata en linternilla hueca, de piedra negra, que se proyectó originalmente para alojar un haz luminoso que sería guía nocturna para los aviones –que hasta el día de hoy no se ha encendido.

La Independencia, Las Leyes de Reforma, Las Leyes Agrarias y Las Leyes Obreras.

ESTRUCTURA Se comprende de un conjunto que mide 65 M. de altura, la estructura principal presenta cuatro arcos de 26 M. de alto por 18.50 M. de ancho, 190

mismo abarca las artes literarias, las gráficas y sobre todo para nuestro estudio la arquitectura, de hecho el arte se convierte en el medio de expresión del Nacionalismo.

Objetivos:  Promover la unidad nacional.  Independencia cultural y artística  Crear Nacionalismo en la Arquitectura con una cultura y arte propio.  Identificación del ciudadano con su país.  Hacer uso del arte como medio de expresión. Estilos de la revolución MATERIALES En su recubrimiento se emplearon materiales locales como la cantera y la chiluca (Piedra blancuzca y transparente utilizada en la construcción de edificios en la Nueva España), tratando de lograr una apariencia austera así como grandiosa sólo adornada con el bronce de la cúpula exterior; de las lámparas y barandales. TENDENCIAS El diseño final es de un “estilo nacionalista” que se identifica con la tendencia a exaltar la identidad propia de lo mexicano a través del uso de elementos o símbolos que sean propios de la cultura desarrollada en este territorio. Es tan extenso que lo

El Nacionalismo en arquitectura se manifiesta más propiamente hasta las épocas pos revolucionarias cuando la estabilidad del país era más propicia para la edificación. Los estilos favorecidos y promovidos desde las Secretaría de Educación Pública creada en el sexenio de Plutarco Elías Calles por José Vasconcelos, fueron el Neo colonial y el Neo indigenista. Un desarrollo más independiente fue el del Art Deco, que se vio entremezclado con estos estilos y tomó un rumbo independiente y propio. Estilos nacionalistas: 

Neo indigenista 191

  

Neo Colonia Art Deco Funcionalismo

Neo indigenismo Tiene como características:  Difícil interpretación de esquemas espaciales.  Orientada a lo decorativo. ART DECO EN EL MONUMENTO A influencia prehispánica también se hizo presente, aunque en menor proporción, en el Monumento a la Revolución, no obstante domina el Art Deco en los conjuntos escultóricos ubicados en la base de la cúpula y que fueron labrados por Oliverio Martínez. Que se adaptaron perfectamente a la tendencia arquitectónica del monumento. Así los grupos escultóricos en las cuatro esquinas del monumento representan la Independencia, las Leyes de Reforma, las Leyes Agrarias y la Ley del Trabajo, complementándose con las águilas en los lampadarios. (El águila que se ubicaría en la parte superior de la cúpula en el diseño del Palacio Legislativo, no fue contemplada en el diseño del monumento, por lo que fue removida y colocada en la cima del Monumento a la Raza al norte de la Ciudad).

EL MAUSOLEO El Monumento a la Revolución es la tumba de los principales caudillos de dicha lucha armada que tuvo inicio en 1910. Entre los caudillos habría que mencionar de manera especial a Emiliano Zapata, quien se encuentra sepultado en Cuautla, Morelos, no obstante en una de las columnas del Monumento a la Revolución aparece su nombre. La tumba de Zapata está vacía y sólo resguarda su memoria histórica. Los restos de don Venustiano Carranza, fueron trasladados el 5 de febrero de 1942 desde el Panteón Civil de Dolores. Parte de sus restos también fueron depositados al pie del monumento que se encuentra en la explanada de la delegación Venustiano Carranza del DF. También llegaron los restos de Francisco I. Madero, que fueron traídos del Panteón Francés el 20 de noviembre de 1960. Los de Plutarco 192

Elías Calles, que estaban en el Panteón Civil de Dolores, fueron traídos en 1969, no obstante conservan el mausoleo familiar en el Panteón de Dolores. El general Lázaro Cárdenas fue sepultado ahí desde su muerte, el 19 de octubre de 1970.

para su remodelación, el 20 de noviembre de 2010, se reinauguro como parte de los festejos del Centenario de la Revolución. Conservando su arquitectura original, han sido renovados el museo Nacional de la Revolución, el mausoleo, se rehabilito la fuente y además fueron restaurados desde la piedra hasta el cobre. Cabe un elevador transparente en el centro que lleva al mirador. Aunque dispone de dos elevadores para ascender a la cúpula; el primero asciende verticalmente hasta llegar al nivel de las terrazas interiores; el segundo lo hace describiendo una trayectoria curva que sigue la forma de la cúpula y lleva hasta la linternilla o domo. En el tiempo en que fue instalado, el elevador curvo estaba considerado mundialmente como el primero en su género, pero en la actualidad está fuera de servicio.

Doroteo Arango ‘Pancho Villa’ fue trasladado desde el Panteón Civil de Hidalgo del Parral, Chihuahua, en 1976. UBICACIÓN GEOGRÁFICA El gran sótano del Monumento aprovechó para dar cabida MUSEO NACIONAL DE REVOLUCIÓN, desde el 20 noviembre de 1986.

se AL LA de

Monumento a la Revolución en Dirección: Plaza De La República S/N, Tabacalera, Cuauhtémoc, 06030 Ciudad de México, Distrito Federal.

EN LA ACTUALIDAD El Monumento a la Revolución a cien años de ser inaugurada su construcción, con una inversión estimada en 360 millones de pesos 193

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32.-

APORTACIONES PLASTICAS

Héctor Alonso Salas Ibáñez Brayan Daniel Martínez de la Rosa

El movimiento de integración en los años cincuenta constituyó un catalizador para el cambio de rumbo de la plástica porque permitió un debate de los creadores acerca del estado del arte de su momento y el rumbo que debía seguir. Si bien un estudio de este movimiento en su conjunto mostraría la complejidad y las diferencias de pensamiento de los actores involucrados, en ciertos aspectos se pueden establecer coincidencias en las dos vertientes, como la intención de hacer una plástica integrada y pública. Mathias Goeritz llegó a ser fundamental en este movimiento de renovación de las artes plásticas en nuestro país, porque su pensamiento estético, producto de profundas reflexiones de ahí la constante elaboración de artículos, textos y manifiestos y las múltiples entrevistas que concediófue plasmado y vivido en su práctica. En 1949, invitado por el arquitecto tapatío Ignacio Díaz Morales, llega directamente a Guadalajara, México, para impartir clases en la recién creada Facultad de Arquitectura de la Universidad de Guadalajara. Pronto interviene directamente en la vida artística concentrada en la capital del país; su primer trabajo fue

con Luis Barragán, quien le pidió una versión de su escultura Animal herido para la entrada del fraccionamiento El Pedregal, el más elegante de la capital, como se anunciaba por entonces. La presencia de su osado e inventivo temperamento pronto se hizo visible en el medio de las artes, sobre todo en la escultura y la arquitectura. Pero Goeritz no sólo vino a introducir un aire innovador en la pintura y la escultura, su aportación a la arquitectura también es significativa, aunque aquí la recepción de sus obras fue considerablemente diferente; definía la arquitectura como un arte, al señalar que “sólo recibiendo de la arquitectura emociones, el hombre puede volver a considerarla como un arte”, realizó trabajos en materiales como la talla de madera y hierro, piedra, pátina café y verde, metal pintado, acero, relieve en bronce, latón y aluminio. Sus ideas despertaron el interés de los arquitectos más importantes de ese entonces, quienes lo invitaron a colaborar. El concepto de arquitectura emocional en palabras del propio artista debe ser entendido como una reacción crítica al funcionalismo mexicano que se había impuesto en México desde finales de los años veinte, y se pronunció contra la herencia arquitectónica de la época colonial, sobre todo contra el estilo decorativo y churrigueresco. 195

También advierte que la arquitectura funcionalista es incapaz de satisfacer las necesidades profundas del hombre, y que éste espera que los espacios muevan, como alguna vez en el pasado, su espíritu y sensibilidad. La emocionalidad en la arquitectura que proponía debía lograrse evitando las líneas rectas, la simetría, la altura funcional, el espacio racionalmente dividido. Con esta idea directriz diseñó y construyó El Eco (1953), polémica creación arquitectónica en la que desarrolló su idea de arquitectura emocional, de muros altos, asimétricos y la acentuación de perspectivas, sin precedentes hasta entonces. Dentro de sus obras están las siguientes: 

El animal (1949) escultura en el Pedregal de San Ángel, Ciudad de México.

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Los Amantes escultura en el Hotel El Presidente de Acapulco, Guerrero. El Bailarín, escultura móvil. El Animal Herido, escultura móvil.

Entre muchas otras obras que sin duda enriquecen la cultura arquitectónica del país. El gran arquitecto Luis Barragán le encargó que diseñara la entrada a la Ciudad Satélite, para la cual hizo cinco pilones de hormigón de sección triangular de alturas entre 36 y 58 metros. Estas inmensas torres son su obra más sobresaliente en México. En resumen, podemos afirmar que Mathias Goeritz llegó a México en una fase de rupturas, tanto en la pintura como en la arquitectura, que significó la coyuntura ideal para la realización de sus numerosos proyectos e ideas.

Torres Satélite, Mathias Goeritz, Luis Barragán, 1957, Ciudad de México El Ángel (ca. 1952) escultura para el vestíbulo de la Casa Prieto López en Jardines del Pedregal de San Ángel,Ciudad de México.

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33. MUSEO EXPERIMENTAL “EL ECO” Por: Alexandra Itzel Mazatán Álvarez Irma Azucena Reveles Murillo

Contra el funcionalismo encaminado a la ingeniería, Goeritz quiere devolverle a la arquitectura su calidad de arte. “Solo recibiendo de la arquitectura emociones, el hombre puede volver a considerarla como un arte”, aseveraba. De ahí que al construir el Museo Experimental El Eco en la Cd. de México, tuvo la oportunidad de realizar una obra de arte total. La arquitectura, la más completa de las artes, le iba a permitir poner en práctica algunos conceptos relativos a su pensamiento estético, como la función del artista, su concepción sobre la obra y su recepción, aspectos que a grandes rasgos serán señalados más adelante; consciente de que la complejidad y riqueza del pensamiento del artista rebasa cualquier intento de resumen, aquí solo serán señaladas algunas de las premisas que planteo en el manifiesto.

una armonía espiritual, porque los elementos plásticos habían conjuntado de una manera armoniosa, el proyecto y la construcción fueron desarrolladas estrechamente por los artistas.

El Eco es difícil de catalogar ¿arquitectura escultórica?, ¿escultura arquitectónica? No solo en ella se cumplía con ese programa, el artista argumenta: “Las torres de Satélite para mi eran pintura, eran escultura, eran arquitectura emocional… para mí –absurdo romántico dentro de un siglo son fe- han sido y son un rezo plástico”.

Plantas arquitectónicas de “El Museo Experimental El Eco”

El Museo Experimental El Eco (1952 – 1953), patrocinado por Daniel Mont, fue concebido como un espacio museístico con servicios tales como restaurante y bar. Para Mathias, en esta obra se fusionaban dos características de su idea de la integración: el equipo había logrado 197

Perspectiva aérea de “El Eco”

un instrumento de comunicación emocional. Este debe ser, es decir, al transformar la estética en una ética, el artista tiene la responsabilidad moral de procurar al espectador hombre de la calle- un ambiente espiritual, ideas enraizadas en una formulación trascendente del arte.

Fachada principal de “El Eco”

En un momento en que se vivía un individualismo extremo, la obra tenía que ser el resultado de una interacción entre varios creadores. Así, una necesidad creadora no quedaba en un simpe hecho individualista, sino como resultado del quehacer de un equipo de artistas. El estilo de Goeritz, se ha dicho, depende de una actitud, no de un proceso formal, depende de un proceso de carácter ético. La emoción es concebida como una categoría de lo estético y el arte como

En el Eco, un arte público a contracorriente de la arquitectura oficial, monumental, funcional y mexicana, se ve reflejado el interés constante en la obra de Goeritz, por crear espacios urbanos alternativos. El “experimento de El Eco “un museo vivo” no solo conmovió al público, sino a la crítica, historia y filosofía del arte, mexicana y extranjera. La poética de este pervivirá por estar enlazada con la idea de la obra de arte como una transmisión de sentimientos y emociones, como un oasis espiritual en la modernidad de mitad de siglo o un mensaje cómplice entre artista-receptor y un golpe directo al nacionalismo arquitectónico.

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con los cánones establecidos por la política urbana de la Ciudad de México. Pani encarga a Luis Barragán que diseñe el acceso principal al desarrollo. Barragán contacta a sus amigos, el escultor y Arquitecto alemán Mathías Goeritz y el pintor Jesús Reyes Ferreira para que colaboren en el proyecto. La intención principal fue la de jugar con la percepción del paisaje en movimiento. La proyección original del Arquitecto Pani incluía una fuente, la cual fue descartada por Barragán y Goeritz. Se empezó a jugar con volúmenes altos, de hasta 200 mts, simulando un perfil urbano (unos edificios).

Escultura del Museo “El Eco”

Museo Experimental “El Eco”

TORRES DE CIUDAD SATÉLITE Por: Fátima Cortés

del

Rocío

Reyes

Ciudad Satélite es conocida por nativos y visitantes por las Torres de Satélite; para los lugareños simbolizan: un monumento, un estandarte, un símbolo, una obra valiosa de la arquitectura. Ciudad Satélite.- Fue proyectada al noreste de la Ciudad de México en 1957, por el Arquitecto Mario Pani. La urbanización del fraccionamiento fue vanguardista pues después rompió

El resultado fueron 5 prismas triangulares de concreto, huecos y sin techos, con distintas alturas y colores. Se observan claramente las estrías a cada metro por la manera en que se dispuso la cimbra de madera para colar las estructuras que se elevan entre 30 y 52 metros. La forma triangular y su ubicación permiten que la percepción de las torees cambie dependiendo de la posición, movimiento y velocidad del observador. En un principio fueron pintadas de blanco, amarillo y ocre. En 1968 como preparativo a las Olimpiadas, Goeritz sugirió que se pintaran de naranja para contrastar con el color del cielo.

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En 1989 Goeritz participó en una restauración de las Torres, pero falleció antes de estipular los colores definitivos: azul, rojo, blanco y amarillo. El conjunto artístico de las Torres de Satélite se ha convertido en un hito urbano y un punto de referencia de la ciudad. Además, se considera una obra representativa del movimiento artístico desarrollado durante la década de los años 50´s en México, ya que cuenta con el trabajo de arquitectos, escultores y pintores.

Primero trazos de Ciudad Satélite EL PÁJARO AMARILLO Por: Francisco Jesús del Hoyo Viramontes

Escultura monumental de Mathias Goeritz, Ubicada en la confluencia de Av. Arcos y Av. Inglaterra, colonia Jardines del Bosque, en Guadalajara, Jalisco.

Un pájaro que no tenía más característica importante que ser semi abstracto, pero monumental en sus dimensiones, era imposible no verlo o encontrarlo. Un icono del lugar donde estaba, pero al mismo tempo un guardián del mismo, al pasar cerca de él infundía respeto, admiración, alegría, y por supuesto temor, meditación y observación. Lograba Goeritz su cometido con algo tan simple como unas lozas de concreto contrapuestas, pero con formas y dimensiones creadas para su propósito, así como el color y la textura. Su escultura estaba completa. Esto fue en el año 1955, pero con el paso de los años y del crecimiento de la ciudad en todos sus aspectos, como son urbano, social, vial, demográfico, político, etc., la vida de este cambio, y así la de todos sus componentes. No hay uno solo que no lo haya hecho. No podía ser la excepción el fraccionamiento Jardines del Bosque y todas sus partes, como viviendas, avenidas, calles, parques, y por supuesto esculturas. Y lo más triste es que aquel que fue un bosque de más de un millón de m², ahora no es más que un reducto de un par cuadras mantenidas como parques en un 200

inmenso mar de casas y edificios, en una zona urbana sin control, donde lo mismo se venden pescados y mariscos, que ferreterías y muebles para baño, donde pasa una vía de ferrocarril y donde existen más locales comerciales que cajones de estacionamiento. El pájaro amarillo es una obra volumétrica creada en concreto aparente con cimbra de duela, técnica favorita de los escultores de obras monumentales en esa época, pintada en color amarillo canario. Es una figura semiabstracta, que mide 12.5 m. de altura y 15.0 m. de largo entre sus puntos más lejanos. Mediante esta obra, el autor trato de crear una relación entre el espectador y lo construido, ya que está fue construida originalmente en la entrada a la reserva de más de un millón de m² del Bosque de Santa Eduviges, y colocada en la entrada principal al fraccionamiento que ahí se construía, Se trataba de crear una relación con la naturaleza, con el entorno y con lo que se planeaba para el acceso principal, entrar a un bosque habitable por el ser humano en concordancia con la urbanización. En la actualidad esta obra carece del entorno e identidad para el cual fue creado, y desafortunadamente se encuentra en una encrucijada de caminos urbanos, como son una vía de ferrocarril, y dos avenidas muy transitadas. No existe más el bosque en el que nació, y ahora está rodeada

de construcciones que no tienen ninguna relación entre sí, ni arquitectónica, ni de funcionalidad, ni de estética, ni del sentido urbano con el que el autor alguna vez soñó. Tan es así, que al realizar una pequeña encuesta, de una pregunta muy simple, la cual fue “¿Sabes que escultura hay en la esquina de Av. Inglaterra y Av. Arcos?”, las respuestas fueron muy variadas y dispares, como “una obra inconclusa….” o “una picos amarillos…”, pero en muy pocos casos se dio como respuesta “un pájaro”. Desafortunadamente casi nadie sabe quién es el autor, y en la mayoría, si no es que en su totalidad, la opinión fue que esta obra está totalmente fuera de lugar. Pero aun sin esa identidad con la que nació “El Pájaro Amarillo”, este se mantiene como un emblema de la zona y un referente del crucero donde se encuentra. El tema elegido por Goeritz no podía haber sido más simple, un ave o pájaro a la entrada de un bosque, él solo representaba algo que en la naturaleza ya existía, deseaba realzarlo, darle mayor importancia, el bosque era el mundo y el pájaro era el hombre. Pertenecía a él y vivía en él, pero al mismo tiempo lo dominaba, lo controlaba, o por lo menos eso pensaba. Goeritz también tenía una simbología basada en parte en el misticismo, en la divinidad. Siendo él de religión 201

judía, trataba de enaltecer al Dios que eligió a su pueblo, lo veneraba como el creador de todo lo existente, y parte de su obra era creada para servirlo. Inclusive su amigo y compañero, el catedrático de medicina y ginecología en la Universidad de Guadalajara, Dr. Hilarión Hernández Camacho, decía que Goeritz quiso crear una semejanza visual entre la estructura de El Pájaro Amarillo con la Estrella de David, el símbolo de identidad del pueblo de Israel. El Pájaro Amarillo era una obra que destacaba por ser diferente, pero no solo en su concepto, sino también por el lugar y momento en que fue creada. Guadalajara era, y es, una ciudad que se destaca por ser conservadora, con tradiciones sociales y religiosas tan arraigadas en sus habitantes que le han dado esa identidad de “una señora mayor saliendo de misa, con la cabeza cubierta por un chal y con el rosario colgando de la mano”. Si en esta época, en pleno siglo XXI, en que las sociedades e ideas de todo el mundo se han mezclado, y las distancias se han acortado, la sociedad tapatía se resiste a soltar ese hilo que la amarra a sus tradiciones. “Toda imagen se transforma en representación de algo que supera los propios límites físicos y perceptivos del reconocimientos para dilatarse e indefinidamente hasta constituirse en “visión del mundo”, que a su vez es reflexión y parte constitutiva de este.”

BIBLIOGRAFIA 

Anda Alanís, Enrique X. de. “Arquitectura emocional”, en los Ecos de Mathias Goeritz. Ensayos y Testimonios, IIE-UNAM, 1997.

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Scheneegas, Christian. “Mathias Goeritz, artista y constructor”, en Los Ecos, op.cit.

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http://www.museocjv.com/mathiasgo eritzarticulo_archivos/mathiasgoeritz pajaro.pdf

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http://es.wikipedia.org/wiki/Torres_de _Sat%C3%A9lite.

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www.youtube.com/torres-de-satelitereportaje

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34.- El arte de la arquitectura en los contenedores, movilidad y sustentabilidad. Bernal Ramírez Zaira Anahí Dueñas Macías Javier Gerardo García Baylon Beatriz Reyes Mier Cindel Patricia Rosales Cazares Astrid Marlene Sánchez Anais Grisel

El archigram, dentro de los años 60, quizá no se vio reflejada con la construcción de alguna obra, sino que utilizó solamente la ideación del proyecto, el papel y el lápiz, sin embargo marco el rumbo que los años posteriores tomaron. Surgen nuevas ideas tecnológicas, promovidas por seis jóvenes, los cuales tienen muy presente la utilización de materiales y estructuras desechables, mismas que al no ser lo suficientemente realistas, no pueden ser llevados a cabo por lo que el Archigram es una arquitectura utópica. Al relacionar el archigram directamente con una utopía, no significa que no cobre importancia, ya que esta corriente vino a servir a la arquitectura moderna para la creación de varios edificios. Ahora bien, existieron varios proyectos que destacaron durante los 60, y aunque no fueron pensados para llevarlos a cabo en México, tuvieron su relevancia en el país en la manera en la que se proyecto en ese tiempo. Algunos proyectos fueron: The Walking City (1964) y Plug-in City (1962-|966).

Por consiguiente, se van planteando ciudades elevadas y móviles que van dependiendo de las necesidades del usuario, lo cual implica una nueva forma de pensamiento, de sentir y de vivir cada espacio. Donde esta tendencia arquitectónica se vuelve fundamental en los proyectos de casas móviles, las cuales surgieron hacia los años cuarenta en Estados Unidos respondiendo a la necesidad que tenían los surfistas para desplazarse con comodidad y poder mantenerse en un lugar a bajo costo, posteriormente en 1950 aparecen las primeras casas móviles en España. Actualmente existe una cantidad exagerada de contenedores ya desechados en el mundo por lo que surgen las casas móviles en contenedores, los cuales logran alcanzar en México su relevancia ya que vienen a formar parte de una arquitectura que incorpora material reutilizado y reciclado que responde a las necesidades de vivienda de la población, adquiriendo la ventaja de su resistencia a las diversas condiciones climatológicas. El proyecto que ha ofrecido innovaciones para los retos de la vida actual y que ha llegado a nuestro país, constituye un departamento estilo industrial, con un espacio de 90 m2, el cual es obra del Arquitecto tapatío Taufic Gashaan, pionero en la arquitectura en contenedores no solo en México sino en el mundo, el cual trabaja conjuntamente con la firma 203

Karen Collignon para el diseño de interiores.

Arquitectura informal.” Favelas”, periferia de Brasil

Exterior, Departamento contenedor móvil. Estilo industrial.

Nunca antes en la historia, las sociedades que habitan dentro de las grandes ciudades tuvieron tantos servicios urbanos como en la actualidad. Es a partir del siglo pasado con los acelerados avances tecnológicos, que el hombre tuvo la posibilidad de construir enormes avenidas y soberbios edificios, además de innumerables aparatos y vehículos electromecánicos para facilitar la transportación y el quehacer cotidiano. Es a partir de este periodo que la ciudad alcanza su máxima grandeza, pero a pesar de todos los adelantos a su servicio, en ningún lugar del mundo, se ha podido erradicar un fenómeno común a todas las grandes urbes, sobre todo en Latinoamérica y los países del tercer mundo: la arquitectura informal, y los asentamientos irregulares que se ubican en la periferia.

Las grandes urbes, a pesar de los adelantos a su servicio, también albergan extensas zonas donde la miseria se manifiesta con una gama de múltiples problemas: hambre, insalubridad, promiscuidad y delincuencia, debido principalmente a la explosión demográfica. El aumento de población en las ciudades conlleva una serie de necesidades: mayores fuentes de trabajo, aumento de servicios urbanos, aumento en el número de viviendas e incluso el incremento de centros de esparcimiento, que lamentablemente por la carencia de recursos económicos en los países en vías de desarrollo son imposibles de satisfacer. Ante la imposibilidad de atender de manera oportuna los requerimientos de sus habitantes, las ciudades se ven invadidas por chozas amontonadas unas junto a otras, que desafían a las leyes de la gravedad, en las que las condiciones de vida para sus habitantes son la mayoría de las veces infrahumanas.

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Barrios enteros son construidos sobre la base de la improvisación, compuestos por viviendas hechas con infinidad de desechos industriales, buscando adecuarse al clima y a los vientos. Estas colonias no son sino el símbolo de la contradicción de la sociedad y el urbanismo modernos. La aparición de las arquitecturas informales, e incluso de colonias enteras donde habitan cientos de familias se construyen muchas veces en unas cuantas horas. Este fenómeno urbano ha generado infinidad de debates, que incluso han ido más allá del diseño urbano y de la arquitectura. Durante mucho tiempo se ha discutido sobre cómo resolver el problema de la arquitectura informal, y lo que se ha podido comprobar es que la solución no consiste en erradicar este tipo de asentamientos, pues así como llegan las autoridades a desalojarlos, en unos cuantos días, los denominados paracaidistas- se instalan en algún otro predio, siguiendo el mismo procedimiento que utilizaron con anterioridad.

A lo largo de más de medio siglo, se ha comprobado que ni la creación de modelos urbanos perfectos, como sucedió justamente durante el periodo moderno, ha podido terminar con el problema de los asentamientos irregulares, por lo que lo más adecuado quizá sea reconocer lo

informal para integrarlo urbanización formal.

Entonces el espacio, como consecuencia de un crecimiento desorganizado, está mal distribuido. Esto lo podemos ver tanto en la distribución de tierras destinadas a los diversos campos de desarrollo humano, como en las mismas viviendas o complejos de oficinas, donde los espacios son cada vez más reducidos. A causa de este fenómeno de desarrollo urbano, es que surgen nuevas ideas en cuanto al concepto de vivienda. Se comienzan a crear nuevas formas de obtener las comodidades y la estética de un hogar, minimizados a espacios meramente funcionales, en donde la idea principal nace de la necesidad humana tan grande de contribuir con nuestro medio ambiente para así vivir en armonía con él, creando espacios dignos, funcionales y económicos reciclando materiales para ello. Aquí es donde entran empresas de diseño como lo es la del arquitecto tapatío Taufic Gashaan, quien es un verdadero pionero en la arquitectura en contenedores, no solo en México sino en el mundo, ya que sus proyectos han llegando a internacionalizarse rápidamente por la gran calidad de sus proyectos.

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habitacionales. Son cerca de mil unidades que bajo el nombre de Keetwonen, albergan principalmente a estudiantes. España también tiene su versión, en la ciudad de Portugalete; y otros países como Estados Unidos o Chile no se quedan fuera de la lista. Arq. Taufic Gashaan creador de arquitectura en contenedores

Taufic Gashaan quien lo viene haciendo desde hace diez años, cuando levantó una casa de 500 metros cuadrados en El Cielo Country Club. Es por ello que la milenaria tradición constructiva del ladrillo con cemento hoy se ve obligada a compartir escenario con un objeto que originalmente está hecho para transportar mercancías de un lugar a otro, sea por tierra o por mar. Se trata del contenedor de acero, unas cajas metálicas en las que caben tanto objetos pequeños como automóviles, y que tienen por medidas estandarizadas 2.44 metros de ancho, hasta 2.90 de alto y un largo que puede ir de los 2.50 a los 16.15 metros. Pero debido a que la vida útil de estos contenedores por reglamentación internacional llega hasta los 20 años, estos cajones están siendo ahora reutilizados para vivienda en todo el mundo. En Ámsterdam, Holanda, hoy en día existe un barrio completo hecho con este tipo de módulos perfectamente equipados con todos los servicios

El contenedor es un recipiente consistente en una gran caja con puertas o paneles laterales desmontables.

México ha incursionado en esto tímidamente. Si bien en la colonia Santa Fe del Distrito Federal actualmente inicia a cobrar realidad un fraccionamiento con contenedores como sistema constructivo. Las características que poseen estos contenedores, resultan benéficas para la construcción de una vivienda dentro de ellos. Son baratos y la resistencia es una de sus características, ya que fueron construidos para sufrir el clima marino, y los golpes y movimientos que surgen de su transporte en barco. Se estima que el 90% de las mercaderías del planeta se transportan en un contenedor, y que

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cada año hay 1 millón de ellos moviéndose por los océanos. Este proyecto tiene previsto que las casas sean prefabricadas con materiales ecológicos y luego sean transportadas en barco o camión hasta su destino final. Las casas son de un estilo muy atractivo y moderno, además de contar con tecnología que reduce su consumo de energía y su huella ecológica.

muestra un departamento de lujo, demuestra que esa casa habitación tiene todo el confort y más de lo que puede uno querer, además de que es una casa ecológicamente responsable, con todos los mecanismos que le garantizan sustentabilidad y amabilidad con el entorno en que se pueda instalar, con la ventaja de que si hubiera necesidad esa casa se levanta se traslada a otro lugar y ahí se vuelve a plantar.

¿La arquitectura verde es costosa? Muchas personas tienen la idea de que construir una casa que no dañe el medio ambiente puede ser sumamente costoso y difícil, ya que no en todos los lugares del mundo existen los materiales ecológicos o con certificación de sustentabilidad. Por ello, Taufic Gashaan está trabajando en un proyecto que permitirá que las casas ecológicas lleguen a cualquier parte del mundo gracias a su diseño modular. Uno de esos locos que México más necesita. El arquitecto Taufic Alfonso Gashaan es de esos mexicanos que necesitan en el país. Un día de tantos, hace poco más de diez años se topó con un contenedor al que no vio como caja que transporta mercancías sino como una casa o una cómoda oficina. Y hoy por la noche en Guadalajara Jalisco abajo del puente Atirantado se

Interior departamento móvil.

Gashaan convierte una caja de transportar mercancías en arte. Este empresario que planta casas y oficinas es un arquitecto al que mucha gente tachó de loco y él hizo caso omiso de dichos comentarios, hasta que gran parte de quienes así lo tildaron hoy se reconfortan reconociéndole la capacidad de transformar un contenedor seminuevo en un muy confortable espacio capaz de albergar dos recámaras de cuatro por cinco metros, dos baños 207

de 2.40 por 3 metros, sala comedor, cocina, con espacio para tener un espacio de oficina, terminados de lujo con granito exótico planta de luz conversión de luz solar en energía eléctrica, calentamiento de agua, también boiler solar e incluso mecanismos de baterías para su sustentabilidad en caso de un apagón.

Estancia Casa Sustentable Olivo, en Fraccionamiento Bugambias.

Su capacidad constructiva le permite levantar diez casas habitación en 1 o 2 semanas con materiales de alta durabilidad con la ventaja de que para el caso de las oficinas, se puede montar en un sitio y si el sitio no resultó lo que de él se esperaba se desmonta y se traslada a otro lugar. Otra de las grandes ventajas de este empresario consiste en que ha desarrollado un esquema de arrendamiento puro directo, lo que permite que una familia no tenga que desembolsar grandes cantidades de dinero sino simplemente pagar una renta y al término del arrendamiento puede tener acceso al inmueble.

La ventaja del modelo de construcción de este mexicano permite reducir en 40% el tiempo constructivo, costos por supuesto en 25%, las estructuras son mucho más eficientes sustentables resultan en vivienda que de alguna manera se ha reciclado y superior a lo que en Europa se ha hecho en la materia.

Vista nocturna Casa Olivo, realizada con 4 Contenedores.

Se puede pensar en complejos de consultorios, oficinas, restaurantes, loncherías, bueno incluso se podría hablar de conteiners citys o de ciudades de estudiantes Lo interesante es que el mercado comienza a tener gusto por esta alternativa habitacional que lejos de quedarse con las casas que usted puede distinguir en esa página a la que le remito asegura que lo que ha hecho es tan sólo la punta del iceberg y que lo mejor está por llegar. Apoyando a Taufic Gashaan en este nuevo concepto se encuentra Karen Collignon, con su firma de diseño

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interior, la cual le da vida a los espacios de Gashaan. Diseño de Collingnon

interiores,

Kare

mucha textura, pero sin perder la calidad de una sensación acogedora, contrario a lo que se suele pensar respecto a que la construcción en contenedores es fría.

La firma de Karen Collignon cuenta con más de 40 años de experiencia, dando a conocer al público el buen gusto en el mobiliario y artículos decorativos. Realizando proyectos decorativos mayores tanto en México como en el extranjero. La firma está altamente especializada en el diseño de interiores, y se ha caracterizado por crear soluciones decorativas de carácter único, que resuelven las de necesidades de bienestar, comodidad y estética de cada espacio interior. En el año de 1988 es inaugurada la sala de exhibición, en la ciudad de Guadalajara. En este espacio se manifiestan la diversidad de tendencias decorativas, estilos, colores, texturas y complementos cuidadosamente seleccionados, diseñados y manufacturados de una calidad insuperable, por dicha firma. El diseño interior en los contenedores de Taufic Gashaan se realizan en conjunto con la firma Karen Collignon. En los que se demuestra una sensación de amplitud, en un espacio pequeño en el cual hay lugar para todo. En el diseño interior de estos contenedores se utilizan regularmente colores oscuros y

La recámara principal, con un toque más clásico, es un espacio cálido que invita al descanso. El contraste entre la plástica exterior y los finos espacios interiores es bastante marcado, lo cual, lejos de afectar al proyecto, lo posiciona como una propuesta de infraestructura móvil que podría marcar una nueva tendencia sobre la forma en que vemos los espacios habitables.

En el caso de las recámaras, el uso de closets especiales facilitan el almacenamiento a la vez que se convierten en parte esencial de la decoración: las paredes interiores recubiertas con duela embellecen los espacios y cumplen una función de aislante térmico y acústico.

Como es lógico, la mayoría de estos proyectos quedaron en el papel, pero a modo de ver esto, no fueron pensados en vano, estos soñadores optimistas, por llamarlos de alguna manera, soñaban (como su nombre lo dice) con una arquitectura capaz de solucionar todos aquellos problemas de ese entonces, incentivando el cambio y la flexibilidad, plasmándolos 209

de una manera llamativa (lo cual es lo que más llama la atención). ejemplo de ello, Plug-in-city, Walking City, Instant City, en la que logro interpretar cómo se conectan tanto el espacio urbano y las relaciones domésticas tratando de crear una “conectividad” en la vida social. Vemos a archigram como un grupo de arquitectos soñadores, que lograban plasmar de una manera maravillosa y llamativa sus propuestas, unas propuestas futuristas e innovadoras, quizá esto es lo que más llama la atención de ellos y ver cómo de esta manera lograron influir tanto en obras de la modernidad, en donde existían tantos problemas de habitabilidad y archigram busca de una mejor manera dar solución a éstos. Pero su influencia no sólo se ve en el tema de la habitabilidad, sino en su gran cantidad de colores y formas novedosas que resultarán atractivas para los nuevos diseños.

VIDEOS 

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http://www.youtube.com/watch?feature=player_emb edded&v=slT0YG3V3Og http://www.youtube.com/watch?v=F41BNu8mu7Y http://www.youtube.com/watch?v=rSHmh3Zr_qE

BIBLIOGRAFIA

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http://tauficgashaan.com/ http://www.opengap.net/arquitecto/taufic-agashaan--basil-detrell/987/ http://www.esadse.fr/postdiplome/Azimuts/pdf/34 __az34_archigram.pdf 54/Repère Marie‑Pierre Vandeputte http://www.especialistas.com.mx/saiweb/viewer.as px?file=4ejBjxeato5yStCGOR9vKiREj4k53iZjEG@@ly /mu/jljeth3FQEmeAdzPDuEnCTPZPkYTvYB24eVClIb OeWu5Q==&opcion=0&encrip=1 http://www.casahaus.net/2013/01/departamentocontenedor-por-taufic-gashaan/

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35.- EL MINIMALISMO EN EL TIEMPO

Escrito por: Mildred Sarahi Sauceda Nava Investigación: o Daniela Contreras Hernández. o Alejandra Alvarado Trejo o Edson Medina de la Cruz o Daniel Alvarado Esquivel o José Alejandro Jiménez Montalvo o Laura Marlen García López

Este es un problema que ha ido agudizándose en los talleres de diseño y que a falta de creatividad e innovación en la búsqueda de soluciones estilísticas, se abusa en su uso. Pero este problema trasciende a una realidad cotidiana, donde se suele etiquetar de “minimalista” a todo diseño que carece de exceso de ornamentación. Es por esto que es de suma importancia que este estilo sea reinventado y reinterpretado por las personas, para que así vuelva a tener ese verdadero sentido y valor que merece como estilo artístico y arquitectónico.

Introducción Características del Minimalismo El Siglo XX trajo un cambio drástico en la manera de producir la forma arquitectónica. El Minimalismo es un fenómeno, que se ha expandido por todas las disciplinas artísticas, estableciendo múltiples relaciones entre las diversas artes. Se inició como una categoría para interpretar la escultura norteamericana en los años sesenta, pero la ya tan conocida frase “Menos es más” de Mies van der Rohe, constituye el más genuino anuncio del Minimalismo en la arquitectura. El Minimalismo es la perfección de la sencillez, la reducción a lo esencial, sin ornamentos ni excesos. Sin embargo, desde hace algún tiempo, se ha convertido en un recurso cada vez más utilizado de manera general para justificar un mínimo de esfuerzo y de trabajo por parte de los estudiantes de diseño en todas sus vertientes, y una moda a destiempo de todo aquel involucrado en la materia, lo cual provoca que se vaya perdiendo el verdadero sentido de este estilo.

No es un estilo o una moda; es una tendencia, una búsqueda que cada autor desarrolla con las técnicas de su disciplina con un objetivo maximalista (conseguir la máxima emoción estética y el máximo impacto intelectual con los medios mínimos). Esa idea de menos es más, donde lo importante no es lo que se incluye, sino lo que se deja de poner, concibe el espacio como un espacio de ausencias, esencialmente estructural y de volúmenes puros, como uno de los puntos nodales de su estética. Se elimina todo accesorio, con el fin de conseguir un máximo de legibilidad (lectura) y un mínimo de retórica (discurso), con la intención de alcanzar una economía de recursos que hiciera que los escasos elementos presentes adquieran un alto grado de significación. Su importancia se debe a que constituyó una de las vías de acceso al arte propiamente conceptual. Puntos clave en el diseño: 211

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Se diseña con planos limpios, los espacios fluyen entre las habitaciones y nunca se siente la sensación de encerramiento. Es un viaje conceptual y experimental de la búsqueda del límite máximo de vacío con el mínimo de geometría. Se trata de sacar el máximo partido a los escasos recursos disponibles. Predominio de la forma estructural, interpretada como razón oculta y profunda del fenómeno artístico. La aspiración inconsciente a la atemporalidad. Presenta los elementos base en su estado puro y crudo, dando mayor importancia al vacío que al lleno. Búsqueda de perfección, simplicidad, armonía, repetición y unidad. Predominan el volumen, la superficie, la materialidad y la luz. Se une lo urbano con lo natural. El Minimalismo se dirige a un sujeto que ha de adoptar una nueva actitud de acción e involucrarse en el espacio y de realizar un esfuerzo para interpretarlo. Utilización de colores puros.

A partir de estas características se puede obtener una idea más clara acerca de la conceptualización de este estilo en lo cual se establecen ciertos parámetros que, independientemente de la variación en su aplicación, son capaces de definir las obras que forman parte de éste.

El Minimalismo en México A pesar de que la arquitectura actual mexicana tiene, en su gran mayoría, tendencias minimalistas, durante el siglo XX se encuentran algunas manifestaciones arquitectónicas que, por sus principios estéticos, se consideran como base de este estilo dentro del país, el cual se creó a partir de una arquitectura moderna, pero a la vez tradicional, donde conjuga el método de construcción típico con el lenguaje de la modernidad. Nuestro país buscaba la actualización constante en las tendencias internacionales, sin embargo es de suma importancia recalcar que durante el Modernismo, más que la imitación hacia los estilos in boga en el resto del mundo, se buscó tomarlos y reinventarlos para darles una personalidad propia. Los primeros esbozos de una arquitectura minimalista mexicana se presentan en algunas obras de Luis Barragán, Pedro Ramírez Vázquez, Ricardo Legorreta, entre otros, los cuales, a pesar de que el estilo minimalista tiene principios básicos fundamentales como la ausencia de toda ornamentación y no contener ninguna alusión simbólica, en las obras de estos arquitectos estos toman un sentido diferente, ya que toda su obra hace referencia a tradiciones mismas del país utilizando colores y materiales típicos regionales, además de una clara integración de elementos naturales en la obra, lo cual nos habla de una reinterpretación de este estilo al conservar sus principios formales, pero brindándoles un sentido propio aludiendo a la cultura mexicana, con 212

el objetivo de continuar con la clara tendencia nacionalista, desarrollada en pleno auge del movimiento moderno. Es por esto que es difícil definir el surgimiento del minimalismo como tal en México, ya que éste se re-concibe para ser una tendencia arquitectónica abocada a despertar las sensaciones de los expectantes y usuarios de las edificaciones proyectadas en base a este estilo, creando espacios cuya composición es capaz de reflejar sus principios estilísticos, pero al mismo tiempo integrando expresiones propias de nuestra cultura. Actualmente en México son realmente escasos los ejemplos de verdaderos exponentes del Minimalismo ya que, por lo antes mencionado, ha sido muy difícil determinar esta vertiente dentro del país a consecuencia de que, por un lado se toma como estandarte para crear proyectos con un mínimo esfuerzo y carencia de sentido arquitectónico, y por otro muy pocas veces sus principios son aplicados de modo puro. Sin embargo en la actualidad uno de los arquitectos más influyentes en la arquitectura mexicana debido a su estilo tan particular y emotivo, precisamente con principios minimalistas, es el Arq. Miguel Ángel Aragonés. Arq. Miguel Ángel Aragonés

Nació en la Ciudad de México en 1963 y durante más de dos décadas ha realizado una vasta y original obra, además de ser expositor y conferencista en múltiples universidades mexicanas y del extranjero. A través de su obra se entiende que la arquitectura llega sobrepasar su función, que es el de dar alojo a las personas, y que pasa a tener, además, un valor majestuoso que sensibiliza los sentidos, y sobre todo brinda la capacidad de poder tener en mente que no solo la naturaleza puede llegar a provocar profunda admiración sino que el hombre es capaz de crear y con ello formar parte de lo que ya existe. Por otro lado, el arquitecto Aragonés considera que la arquitectura tiene que mutar urgentemente y ser más eficaz, inteligente democrática y accesible a todos, ya que considera que al volverse un gran negocio, por todos los insumos y materiales involucrados, la creatividad en la arquitectura ha menguado. Todo a causa de que hacer dinero en construcción se volvió fácil, y la actitud que se mantiene en la gran mayoría del mundo es la de para qué cambiar lo que funciona como negocio, perdiéndose el verdadero 213

sentido de este arte, por más “diseño” que se le brinde. Para que la arquitectura pueda tener valor en todos los sentidos se requiere encontrar un equilibrio ambivalente entre la productividad, en todos los sentidos y la estética. En primer lugar Aragonés considera que se requiere eficiencia en el uso los materiales: saber aprovechar al máximo todos los recursos físicos pertinentes a una construcción, es la parte cuantificable, objetiva, que no puede perderse de vista, por más creativa o por más artística que quiera ser la arquitectura. La parte física es la medible y la parte subjetiva se ocupa de la parte espiritual, no tangible. Las dos tienen la misma relevancia y debe lograrse su sintonía. Un arquitecto que sólo atiende a la parte emocional, vuelve su obra una especie de escultura, y esto tiene más que ver con un ejercicio plástico. Para Miguel Ángel Aragonés la arquitectura es un lenguaje de espacios, que debe proteger y dar refugio y paz a las personas que los habitan. Estilísticamente considera que el funcionalismo no contempló los estados psicológicos, ni los estados de ánimo de las personas, ni tomó en cuenta que hay espacios que son capaces de provocar pánico, por ejemplo, o que la "la belleza es necesaria como aliciente para la vida"; manifestándose esto en muchos otros estilos modernos en los que incluso pudiese ser considerado el minimalismo.

Sin embargo este arquitecto es un exponente claro del estilo minimalista, no obstante, como todo buen proyectista, busca continuamente brindarle autenticidad a cada uno de sus diseños, brindándole un verdadero toque personal a este estilo, buscando romper un poco con la rigidez y frivolidad que la gran mayoría de las veces este implica, inquiriendo despertar las sensaciones de las personas que se encuentren en cada uno de los espacios; los cuales tienen siempre elementos auténticos a pesar de seguir principios formales y estéticos simples; a partir de esto se logra un trabajo realmente interesante y excitante al espectador, y fuera totalmente de una concepción trivial e intrascendente en la cual muchas veces se ve envuelto el arquitecto minimalista. Aragonés logra en cada una de sus obras elevar el significado y la comprensión de este estilo. Conceptualización Aragonés El punto de partida de la conceptualización de este arquitecto es que no se debe de caer en la tentación de explicar todo ya que la arquitectura debe ser un lenguaje expresado a través de sus espacios, mediante un principio congruente y lógico en la integración de un todo. El arquitecto Aragonés se visualiza como una persona racional, postura que trata de mantener en el diseño, manteniendo en todo momento el orden a través de la simetría y ritmo en cada uno de sus elementos, con el firme objetivo de que el diseño quede totalmente en un estado de armonía y funcionalidad, sin caer en la simpleza. 214

Con un principio de diseño minimalista el arquitecto cree que un elemento cargado de imágenes, como una computadora, provoca que este vaya más lento, haciendo metáfora ,definitivamente, a que con el cerebro de las personas pasa lo mismo: mientras más imágenes o elementos se observan dentro de la arquitectura o de cualquier otra arte, menos se procesan las sensaciones que esta pueda llegar a provocar, pues prácticamente todo está dicho; siendo éste precisamente el verdadero objetivo del Minimalismo. Otro punto de gran importancia es que toma los elementos de la naturaleza para dar una perspectiva de bienestar en donde cada elemento representa la vida misma del ser; las áreas verdes son también parte del diseño sin dejar atrás la importancia de la edificación. En las obras de Miguel Ángel Aragonés se puede observar el predominio del color blanco ya que este invita que en un espacio es abrir las puertas al pensamiento y a la reflexión, además de que este color brinda la oportunidad de que, a través del trabajo de la luz, se obtengan muchos colores y tonalidades, así pues ésta juega un papel de gran importancia dentro de sus proyectos.

Área de estar. Casa Eucaliptos 65. Fotografía: Joe Fletcher

En sus obras las texturas son predominantemente lisas como parte de la simplicidad abstracta de su estilo al considerar que un objeto cargado de líneas y formas es una invitación a llenarlas y procesarlas. Un espacio con pocos elementos te invita a leer hacia adentro, es decir a pensar. Durante una trayectoria de más de dos décadas Aragonés ha realizado diversas obras como lo son la Casa Lago de Guadalupe, Casa Arroyo, Casa Arrayanes, Avellanos, Eucaliptos, y el diseño de iluminación de Casa Cubos, siendo éstas de carácter habitacional, predominantemente, evitando un poco los proyectos grandes ya que considera que estos no permiten profundizar tanto en el diseño y las sensaciones, ya que se deben seguir principios más rígidos funcionales y normativos en lo que a estos concierne . Sin embargo una obra grande y de gran reconocimiento de este arquitecto es el Hotel Encanto en la ciudad de Acapulco, en el cual 215

logró capturar todos sus principios estéticos del diseño arquitectónico, además de cumplir, por supuesto, con la funcionalidad que éste requiere al ser un edificio público y turístico, y así superar todas las expectativas del cliente y de cada una de las personas que lo han visitado, ya que es un complejo que conjuga, desde su diseño y construcción, hasta su funcionamiento, gran cantidad de elementos arquitectónicos relevantes, así como económicos y de gran adaptación al contexto en el que se encuentra.

La arquitectura serena y minimalista de este hotel-boutique de cinco estrellas se debe a que el arquitecto mexicano se inspiró en el mar para proyectar este singular edificio, donde cada uno de sus rincones provoca una sensación diferente y se ofrece como una oportunidad para contemplar el océano Pacífico.

Hotel Encanto: Minimalismo blanco en Acapulco.

Ubicado en Brisas del Marqués (Acapulco) con vista privilegiada hacia la bahía Fotografía: Joe Fletcher.

Fachada Principal iluminada Fotografía: Joe Fletcher

   

Arquitectos: Miguel Ángel Aragonés Año de la Obra: 2010 Área construida: 45931.758 m² Ubicación: Acapulco, México

Esta es la obra más reciente en esta ciudad del Arquitecto Aragonés, la cual ha sido admirada y ovacionada por muchos críticos y publicaciones a nivel mundial; siendo acreedora además por el “Merit Award” por IALD International Lighting Design Awards, por el mejor diseño en iluminación.

En este homenaje al mar, el elemento arquitectónico más característico es precisamente el agua, que se complementa con la brisa constante y el aprovechamiento impecable de la luz, que juega en los muros, dándoles tonos cálidos y diversos efectos a cualquier hora del día. Explica Miguel Ángel Aragonés que el Hotel Encanto se construyó con “pocos recursos, materiales austeros y mano de obra de la zona. La obra arquitectónica siempre es mejor cuando predomina la economía y se transmite el mayor contenido con el menor número de materiales. Decir más, con menos: nada más ecológico y sustentable que eso”.

216

minimalista y majestuosa por su simplicidad, impregnada de un blanco místico capaz de transformarse cuando llega la noche y queda iluminada por un juego de luces de colores, creando auténticos escenarios tanto en los espacios exteriores como en el interior.

Fachada Posterior/ Ingreso de huésped. Fotografia: MAA

La edificación trata de guardar la escala humana. En ocasiones estrecha, reducida, en diálogo o contraste con grandes alturas; rincones donde sólo caben dos personas, espacios muy íntimos que cubren y protegen a los huéspedes. El hotel está ubicado en una parcela de 13.000 m2 y consta de dos volúmenes cerrados en la parte posterior, con fachadas totalmente abiertas. Dispone de 44 habitaciones en total, 20 de ellas con su propia piscina y 24 con terraza. Todas ellas diseñadas bajo el concepto de privacidad total.

Vista Panorámica Nocturna desde una de las terrazas del Hotel. Fotografía: Joe Fletcher

El arquitecto cuidó específicamente cada detalle, buscando el equilibrio entre las formas y su disposición, buscando la simetría y ritmo en su diseño, lo cual le brinda ese carácter pacífico tan claro. El manejo de materiales de la región y de uso común, como lo son el mármol, el concreto, el yeso y otros materiales en estado natural provocan una economía sostenible para su edificación, además de que al existir un balance correcto entre estos, se provocan sensaciones de armonía total dentro del edificio.

Interior de Habitación iluminada. Fotografía: Joe Fletcher.

En este “menos es más”, destaca la arquitectura geométrica del hotel, 217

través de este estilo, pues la mayoría del tiempo la gente solo logra observar sus formas y texturas sin ornamento, encontrándolo poco interesante. Para lograr hacerle justicia al estilo minimalista es necesario que tanto el arquitecto diseñador como el espectador o usuario amplíe su panorama sobre esta vertiente y sepa de qué va. Área de Restaurant. Fotografía: Joe Fletcher.

En este hotel todo el tiempo cabe el asombro y no hay manera de no observar cada lugar; es un juego donde todo fue creado para generar una continuo encuentro con el mar; para hacer que quienes lo habiten, busquen y encuentren la salida, lleguen siempre a él con la mirada, lo atrapen.

Vista nocturna del edificio con iluminación. Fotografía: Niccola Laourusso.

CONCLUSIONES El minimalismo es una corriente artística y arquitectónica que la gran mayoría de las veces es poco valorada debido a su carácter simple, siendo contadas las ocasiones en que verdaderamente se logra transmitir y penetrar en la sensibilización de las personas a

En México es poco conocido este estilo arquitectónico, sin embargo a través de la obra de un arquitecto como Miguel Ángel Aragonés las personas pueden ampliar su perspectiva acerca de esta vertiente, ya que es inevitable admirar su carácter estético envolvente y lleno de significado, que, independientemente de los diversos gustos de las personas, resulta realmente complaciente e imposible de ignorar. Desgraciadamente en nuestro país es poco reconocido el trabajo de este arquitecto al ser muy pocas las personas que conocen su obra, ya que aún no se le brinda la importancia a su aportación a la Arquitectura Mexicana, ya que sale de los esquemas conocidos, y dominados en un país en el cual es más valorizada la construcción y su carácter económico que un diseño que conjugue esto y además un gran valor artístico. Teniendo como consecuencia que su trabajo sea más admirado en el extranjero que en su propio lugar de origen. Según este reconocido edificador mexicano es muy tentador para cualquier arquitecto sentirse artista, pero más bien él considera que estos 218

profesionistas son ese híbrido que tiene que aterrizar, tomar en cuenta los requerimientos específicos de quienes van a habitar el espacio que se crea; concretamente necesidades espirituales, físicas y económicas. Sin esos valores, la arquitectura fácilmente se diluye independientemente de cuál sea el estilo o vertiente de cada edificador.

 Artículo. “Hotel Encanto Acapulco / Miguel Angel Aragonés”. 14 Marzo 2013. Autor: Alexandra MOLINARE.

Bibliografía

 socializarq.com. Publicación: El Hotel Encanto, México | Miguel Ángel Aragonés. 17 enero 2013



Documento Académico del ITZ. Juicio Crítico de la Obra del Arq. Miguel Ángel Aragonés. Autor: Marcela Alejandra Macías González.



Plataformas Web. sobre Arquitectura.  www.interioresminimalistas.co m. Hotel Encanto: minimalismo blanco en Acapulco, por Miguel Ángel Aragonés. 11 Marzo 2013

Sustento Bibliográficos:  Conferencia Impartida el 7/Julio/2007 por el Arquitecto Aragonés en el ITZ. 

Páginas Oficiales Web. del Taller Aragonés/ Miguel Ángel Aragonés.  www.aragones.com.mx  www.facebook.com/tallerarago nes  Revista Obras.  Artículo: “Arquitectura en México, lejos de la Eficiencia”, opinión Arq. Miguel Ángel Aragonés. Sábado, 27 de octubre de 2012 a las 17:37. Guadalajara, Jalisco. Por: Anasella ACOSTA. 

Revista México.

Web.

Arch

Daily

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36.- LA MAQUILA DE LA CONSTRUCCIÓN: ESTRAGOS DEL PRODUCTIVISMO EN LA ARQUITECTURA.

Aunque la latinoamericana

arquitectura moderna se iniciará como

Autores: Del Río Martínez César Iván; Esquivel Miranda Miguel Ángel; Gómez González Jazmín; Saucedo Nava Sandra Patricia; Romero Murillo Líbano Manuel.

Todos los que de alguna forma tienen un poco de cercanía y conocimiento de las manifestaciones arquitectónicas coincidirán en que no se puede encajonar una expresión artística como definida, pura, terminada y superada en el transcurso de un tiempo totalmente delimitado.

manifestación a lo largo de los 30’s y 40’s, Delegación Cuauhtémoc. 1972. México, D.F.

será hasta esta década de los 70’s en que adquieren profundidad y madurez los No solo porque no fuese esto posible de principios racionalistas en gran parte de las una manera exhaustiva, sino porque, regiones latinoamericanas50. Es muy primero, es generalmente y casi imposible concretamente dentro del marco de la abarcar el total de las obras de un estilo década de los 70’s en que tratamos de concreto, y en segundo lugar, la realización ubicar este escrito. Década que desde el de las mismas no obedece a tan solo una andamiaje político social se consagra época o a un periodo histórico determinado. grandemente, y muy concretamente en No obstante, el México, a la inversión en infraestructura; presente ensayo potenciando como punto de partida la busca documentar ampliación carretera a todo lo largo y ancho y caracterizar lo del territorio nacional, esto como en ningún que, desde otro momento gubernamental. Aunado a nuestro programa ello, se despliega todo el dinamismo de los de análisis primeros Planes de Desarrollo Urbano tanto histórico de la en las regiones del altiplano central como arquitectura en en las regiones norte y occidente. Logrando México, hace evidenciar en todo este dinamismo Instituto Mexicano del correspondencia conjunto, el cómo se llega, a partir de este Comercio Exterior. 1970 -1976. a concebir la actividad dentro del momento, México, D.F. horizonte de la arquitectónica en sus más diversas segunda mitad del siglo XX, a lo que se nos ha manifestaciones. Abarcando desde el circunscrito con el término de manejo de nuevas metodologías del diseño PRODUCTIVISMO en la arquitectura.

Benevolo, Leonardo. Historia de la Arquitectura Moderna. Ed. Gustavo Gili. España. 1990. Pp. 773.

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y uso de materiales más diversificados, hasta las propuestas más generales en cada una de las ramas o tipologías constructivas. Todo ello tratando de dar lugar a soluciones tan diversas como las necesidades experimentadas.

Museo Rufino Tamayo. 1980. México, D.F.

del término (arquitectónico).

“productivismo”

El segundo reto, es el de especificar qué características concretas pudieran definir o pertenecer a un tipo de arquitectura que quisiera reunirse bajo esta denominación o calificación. Esto debido a que es relativamente fácil enunciar las características y las diferencias típicas de una arquitectura moderna, de la de una deconstructivista; de una funcionalista a la de una de estilo barroca. Ya sea dentro de un periodo concreto, o bien en periodos tardíos, como lo es casi siempre en el proceso de desarrollo mexicano, pero que aun así son muy claramente diferenciables.

Por ello mismo, siguiendo al autor y crítico de Y un tercer reto, la poca justificación de la arquitectura Leonardo Benevolo, en su atender un periodo tan específico y tan análisis histórico de la arquitectura en México, cercano a nuestros días como es la década se puede decir que el panorama en esta de los 70’s respecto al poco valor y sentido década es innegablemente multifacético; ya que se va de manera indistinta de lo racionalista a lo nacional e incluso al antirracionalismo; y aún más, de ahí se abre el panorama a lo neo-tecnológico y lo monumentalista. Tenemos como protagonistas las obras y el desempeño de arquitectos importantes, entre los que sobresalen Legorreta y González de león; Zabludovsky y Ruau Uribe51, entre otros, que imprimirán a la década alguna característica concreta y que marcarán polivalentemente el rumbo de las El Colegio de México. 1975. México, D.F. décadas siguientes. histórico que se le confiere. Esto lo Ante todo, el primer reto a vencer es la poca o afirmamos debido a que no hay un nula documentación sobre esta forma de auténtico, uniforme, ni disciplinado, e calificar o cualificar a la arquitectura dentro incluso ni serio, ejercicio de análisis de la evolución arquitectónica mexicana en este 51

Ibidem. p. 802

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marco de tiempo propuesto. Los factores de Partamos aquí con una pregunta, como para fondo son varios: A) Tanto la desigualdad cualquier estilo arquitectónico que se estudie: de desarrollo de las diversas regiones ¿solo las obras que se dicen majestuosas, económico – sociales, como a las monumentales o excepcionales son dignas condiciones sociales – culturales presentes de llevar las características y personalidad en cada una de dichas regiones territoriales propia de dicho estilo? ¿Dónde quedan y en mexicanas. B) (Uniendo a ello) la limitación qué campo caen las construcciones del posible análisis crítico de la arquitectura consideradas rudimentarias, seriadas y sin por la muy y tan marcada tendencia más cabida que en la funcionalidad generalizada a los eclecticismos, las habitacional? Y finalmente un recordatorio, descontextualizaciones y la combinación siempre se corre el riesgo de traicionar con incluso ingenua de estilos arquitectónicos; y palabras o discurso escrito a aquello que no C) el uso de materiales constructivos tiene mejor manera de identificarse sino es a diversificados y aplicados de manera tan través de una imagen, dibujo, fotografía o abrupta y ligera como para identificarlos con testimonio gráfico. En el caso muy concreto un entorno y contexto específico que de la arquitectura muy aplicable y más con “personalice” este estilo de arquitectura los medios y tecnología con los que ahora se cuenta. Para comenzar tratemos solo de referir un poco al posible origen del término productivismo aplicado a la actividad arquitectónica.

Hotel Camino Real (Cancún, México). 1975.

frente a otros muy definidos.

Existen últimamente tendencias, dentro de los teóricos de la Arquitectura, a clasificar las etapas del siglo XX en fases o épocas más o menos definidas. En base a esto, el

Recordemos que es la época también de contrastes intensos y dinámicos: se empieza a proyectar la programación y diseño urbanos pero se asume también la realidad de los asentamientos marginales e irregulares; entorno a la urbe selectiva con servicios y recursos está una realidad de la precariedad de elementos para subsistir en las barriadas contiguas.

Centro Operativo Bancomer. 1974-1976. México, D.F.

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productivismo vendría a ubicarse dentro del periodo correspondiente al periodo de la posmodernidad o inmediatamente sucediéndole. Es aquí, que “a partir de 1970 la arquitectura parece verse reducida a una producción de objetos incluida en la sociedad de consumo: la arquitectura se consume como cualquier otro objeto. La arquitectura que construye objetos se va a Plaza COMERMEX. 1976 - empezar a 1978. México, D.F. medir por su apariencia visual. Ya no son objetos simbólicos, ahora son ya cualquier objeto. Unos llegan a ser simbólicos porque así los hacen los medios de comunicación, pero los verdaderamente simbólicos deberían ser aquellos que conserven aún su significado social. Pero al reducirse a lo meramente visual, la arquitectura se transforma de arte en solo una moda, apareciendo gran cantidad de “estilos” o “modas” en un corto espacio de tiempo, pervirtiendo la idea de monumento o expresión arquitectónica a no más que una obra que aunque permanece inalterable con y en el tiempo no logra trascender y solo se transforma en un producto más”. La función y la tipología será lo único que les conceda un poco de

personalidad.52 (Estas son oficinas, estas son empresas, esto es un hotel, etc.)

Clínica de Gineco-Obstetricia del IMSS. 1976. México, D.F.

En México, de manera muy concreta en la década de los 70’s comenzó a hacerse notar un movimiento en contra del racionalismo, buscando potencializar la forma más que la funcionalidad interna. Dicho movimiento “utilizó conceptos como el predominio del muro sobre el vano, monumentalidad, asimetría, introducción de muros segmentados u oblicuos, así como el uso de pequeñas ventanas en sentido horizontal y desplazadas hacia adentro, lo que aunado a los cambios volumétricos provocaba un juego de luz y sombra. La fachadas eran terminadas en concreto aparente, a veces con grano de mármol, otras veces el acabado era estriado”.53

Apuntes de Teoría de la Arquitectura. Enciclopedia de Arquitectura Plazola. Tomo VIII. Pág. 118. 53

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higiénicas…Las negociaciones a que se refiere el párrafo primero de esta fracción, situadas fuera de las poblaciones, están obligadas a establecer escuelas, enfermerías y demás servicios necesarios a la comunidad. Además, en esos mismos centros de trabajo, cuando su población exceda de doscientos habitantes, deberá reservarse un espacio de terreno,…para el establecimiento de mercados públicos, instalación de edificios destinados a los servicios municipales y centros recreativos.54 Oficinas de INFONAVIT. 1973 - 1975. México, D.F.

Pero todo este dinamismo en México no fue algo surgido así como así, sino que de antecedente estaba todo el movimiento social iniciado una vez que se fragua el proceso revolucionario de inicios del siglo XX mexicano, y se constituye con ello el horizonte jurídico de la vida de las clases sociales involucradas en todo el nuevo fenómeno social inaugurado y entonces ya suficientemente madurado. De este condicionamiento y ambiente surge la nueva condición social de la arquitectura. La cual se fundamenta y además se irá consolidando desde la redacción y aplicación del artículo 123 constitucional en las décadas inmediatas. “Artículo 123. Toda persona tiene derecho al trabajo digno y socialmente útil; al efecto, se promoverán la creación de empleos y la organización social de trabajo, conforme a la ley…XII. Toda empresa agrícola, industrial, minera o de cualquier otra clase de trabajo, estará obligada,… a proporcionar a los trabajadores habitaciones cómodas e

Es decir, que uno de los frutos a largo plazo de todo este movimiento político social fue el hermanar lo arquitectónico con el urbanístico. Vinculando la vivienda con los servicios y el equipamiento urbano respectivo55. Anunciando un cambio radical en la práctica y los destinatarios del ejercicio de la arquitectura, antes privilegio solo de las clases urbanas acomodadas, a partir de entonces, una atención nueva al ámbito rural y a la solicitud de espacios

Hotel Presidente Chapultepec. 1977. México, D.F.

habitables

adecuados

nueva

Constitución Política de los Estados Unidos Mexicanos. DOF. 26-02-2013. http://diputados.gob.mx/LeyesBiblio/pdf/1.pdf 55 Historia de la Arquitectura y el Urbanismo Mexicanos. FCE. Vol. IV Tomo II. Pág. 33.

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dinámica social y a las condiciones y modalidades de vida de las clases trabajadoras. Así los promotores de la producción de espacios habitables eran el gobierno, la iniciativa privada, los futuros habitadores y los arquitectos.56

Unidad Habitacional Ixtacalco. 1972. México. D.F.

Consolidación – es en 1931 que se da la Sera de 1952 al 1964 cuando se configura Primer Convención Nacional de la red de agua potable en la Ciudad de Arquitectos Mexicanos - (1933 – 1940); y México que la vivienda se convierte en la del Surgimiento de los Planes objeto de estudio desde perspectivas Nacionales (1943 en delante).58 diversas, en relación a materiales y técnicas constructivas relacionadas ahora con la Esto trajo como consecuencia la higiene y el financiamiento, además de la planeación y desarrollo de locales para exigida implementación de redes sanitarias, empresas industriales en las zonas eléctricas e hidráulicas.57 Todo marca el urbanas más importantes; se precisaba horizonte a desarrollar: uniformidad en las de nuevos fraccionamientos, tipologías y especificaciones conforme a residencias, centros de atención social, manuales y reglamentos (respondiendo a de salud, centros deportivos, hoteles, una inversión y una ganancia) antes que a espacios de diversión y recreación. la expresión artística y la valoración y Lo que se cristaliza en obras como: el sentido humano de la arquitectura. conjunto habitacional Mixcoac-Lomas Se marca la verdadera separación entre la de Plateros (1969 – 1971); las oficinas arquitectura destinada al “bienestar social” del INFONAVIT (1975); la clínica de de la arquitectura definida por los poderes Gineco-obstetricia del IMSS (1976); el empresariales. Centro Cultural Universitario (1976– 1980).59 Y dado esto podemos ya decir cuáles pueden ser las connotaciones de esa Son también por ello representativos de arquitectura que se califica de productivista esta década edificios como: Oficinas según nuestro enfoque. Plaza Comermex (1976-1978); Instituto Nacional de Cardiología (1976-1977); oficina de Seguros América (1976); Podemos decir que el productivismo unidades habitacionales El Rosario como horizonte de expresión (1970), Iztacalco 1972), Integración (1977); el Hotel arquitectónica en México encuentra sus Latinoamericana antecedentes en las etapas de: Presidente Chapultepec (1977); el edificio Experimentación (1917 – 1930), de de Citibank (1976-1978); la terminal de 58 59

Ibidem. Pág. 44 - 52. Enciclopedia de Arquitectura Plazola. Pág. 118.

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autobuses de pasajeros de oriente y el centro operativo Bancomer (1979). Entre otros.60

o del mismo entorno social en que se le proyecte.

Estos ejemplos manifiestos dentro del desarrollo metropolitano de la Ciudad De México. No opacan los que se presentaron en las ciudades de la zona del Bajío, del Occidente tapatío, e incluso del Norte en Nuevo León (que pueden abordarse concretamente en un estudio posterior); y aunque no se dieron de forma simultánea en todas estas regiones del país, sin embargo responden a las mismas directrices y características de desarrollo urbano expuesto en el desarrollo de este texto. Es pues también posible ubicar obras arquitectónicas concretizadas en las diversas regiones urbanas de México con el sentido de responder a un carácter meramente productivista, funcional y de solo tipología desde servicios; esto ante una tipología habitacional serializada y deshumanizada, concretamente para las clases sociales menos consolidadas desde la economía. Bastará enfocarse a cada región en específico para descubrir los momentos y las maneras concretas de este productivismo arquitectónico que sin tener una fisonomía determinante, sin embargo determina la actividad del arquitecto y evidencia una arquitectura paradójicamente al margen de toda identidad, estilo o una especificidad de carácter arquitectónico nacional, regional 60

Ibidem. Pág. 119.

226

37.- SORDO MADALENO El arquitecto Juan Sordo Madaleno fue uno de los arquitectos mexicano más reconocido nacional e internacionalmente por tener una extensa variedad de obras que sobresalen por su distinguido estilo de contemporaneidad. Utilizando líneas en el diseño, texturas, colores, espacios, una fusión de la arquitectura tradicional mexicana con la de la arquitectura global ha hecho de Juan Sordo Madaleno un digno representante de la arquitectura mexicana nivel mundial. Uno de sus principales maestros, influencia determinante en su obra, el arquitecto Luis Barragán y expresaba que para la comprensión de cada proyecto se debe tener perfectamente definidas sus expectativas, necesidades y requerimientos, la solución arquitectónica pueda abordarse con bases firmes y claridad en los objetivos que garanticen resultados exitosos. Y así lograr espacios claros y definidos, que cuenten con gran fuerza y personalidad. A lo largo de su trayectoria realizo proyectos en conjunto con diversas compañías mexicanas y extranjeras. Entre las firmas internacionales, se encuentran: Foster Associate de Londres, Graham & Solano LTD de Boston y Copeland Novac Israel & Simmons de Nueva York, por mencionar algunas.

arquitectónica ha realizado hoteles, centros comerciales, edificios de oficinas, iglesias, salas cinematográficas, fábricas y numerosas residencias que se encuentran tanto en México como en el extranjero.

Historia

Juan Sordo Madaleno (México, D. F.; 28 de octubre de 1916 —13 de marzo de 1985) fue un arquitecto mexicano. Realizó sus estudios superiores en la Escuela Nacional de Arquitectura de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) y estableció su despacho en 1937, colaborando desde entonces con otras firmas de arquitectos reconocidos como Luis Barragán, José Villagrán García, Augusto H. Álvarez, Ricardo Legorreta, Francisco Serrano y José A. Wiechers. En un principio mantuvo influencia por el estilo de la Bauhaus y de Le Corbusier. Sus obras estuvieron centradas principalmente en hoteles, edificios residenciales y de oficinas, así como centros comerciales.

Juan Sordo Madaleno fue un destacado exponente de la arquitectura contemporánea en México, en su amplia trayectoria 227

Obras Algunas de sus principales obras se enlistan a continuación. 1946 — Torre Contigo (nombrada en un principio Torre Anáhuac) - México, D. F.



1952 — Edificio del Auditorio de la Facultad de Ciencias Químicas de la UNAM (en colaboración con los arquitectos Luís Martínez Negrete y José Luís Certucha) México, D. F.

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1958 — Hotel El Presidente Acapulco, Guerrero

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1961 — Hotel María Isabel México, D. F. (en colaboración con José Villagrán García

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1969 — Plaza México, D. F.

Universidad -

Desde sus inicios, SORDO MADALENO se constituyó como una 228

empresa que presta sus servicios en los campos de la planeación urbana, el proyecto arquitectónico y el diseño de interiores.

la Ciudad de México en contar elevadores de alta velocidad, además de contar con uno de los elevadores más rápidos del mundo para su época. El edificio se convirtió en el tercero más alto de la Ciudad de México, siendo el primer rascacielos de esa zona, actualmente es el vigésimo edificio más alto de la Ciudad de México y para el 2011 se espera que el edificio pase al trigésimo (30) lugar de la lista de los rascacielos más altos del Distrito Federal.

Una de las obras más importantes son los edificios llamados hotel Presidente ya que están en las principales ciudades del país utilizando una tipología similar en cada uno de ellos, pero con detalles representativos de cada uno.

El Hotel Presidente InterContinental es un rascacielos y fue uno de los primeros edificios en la Ciudad de México en contar elevadores de alta velocidad, además de contar con uno de los elevadores más rápidos del mundo para su época. De los más grandes cuentan con 15 elevadores (ascensores) que se mueven a 6.5 metros por segundo, fue uno de los primeros edificios en

El primer edificio fue construido en la zona de Polanco en los años 60s, una de las zonas más exclusivas y visitadas de América Latina, empezó el boom de construcción de edificios de más de 100 metros de altura por lo que en 1969 dio inicio el proyecto de lo que sería el Hotel más alto de Latinoamérica y uno de los más altos del mundo, los materiales que se usaron en su construcción 229

fueron, concreto reforzado vidrio en la mayor parte de su estructura y hormigón cabe destacar que se convirtió en la edificación más alta del mundo hecha a base de hormigón hasta 1979, récord del cual fue desplazado por la Torre del Parque Central Este en Venezuela y en México en 1987 por el edificio Hotel Nikko México. También fue uno de los edificios para su época con más habitaciones en todo el mundo y el mayor en Latinoamérica.

Su construcción comenzó en 1969 y finalizó en 1977, en ese mismo año se convirtió en el tercer edificio más alto de la Ciudad de México, hasta mediados de la década de los años 80s. En su visita del 16 de abril de 2009, el Presidente de Estados Unidos Barack Obama se hospedó en este hotel. Características principales

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Su altura es de 130 metros y tiene 44 pisos.

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El área total del rascacielos es: 51,000 m².

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La altura de piso a techo es de 3.62 m.

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Fue el primer edificio que superó la barra de los 130 metros en la Colonia Polanco, es además uno de los hoteles de 5 estrellas más exclusivos de la Ciudad de México. El hotel cuenta con 661 habitaciones convirtiéndolo en el segundo hotel de Latinoamérica con más habitaciones.

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Ha soportado al menos diez terremotos, Debido a la zona medianamente peligrosa en la que se encuentra el edificio, fue equipado con 40 amortiguadores sísmicos a largo de toda su estructura. El edificio puede soportar un terremoto de 8.5 en la escala de Richter.

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Se le considera uno de los rascacielos más seguros de Polanco junto con: Residencial del Bosque 1, Residencial del Bosque 2 y Hotel Nikko México.

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A sus pies se encuentra el imponente Bosque y lago de Chapultepec.

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Los materiales de construcción que usaron fueron: hormigón reforzado, concreto y acero.

230

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El Paseo de la Reforma se encuentra a 10 minutos aproximadamente a 40 metros.

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Abrió sus puertas a las 6 am del 1° de agosto de 1977. Oficialmente se inauguró el 18 de septiembre del mismo año por el entonces presidente José López Portillo.

Sistema de Extracción Mecánica Cuarto de basura. Sistema de Acondicionamiento de Aire automático tipo Mini-Split para cuarto de control, administración, venta y sala de juntas.

Sistema de Detección de Incendios

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Su arquitecto es: Juan Sordo Madaleno. Es considerado un edificio inteligente, debido a que el sistema de luz es controlado por un sistema llamado B3, El edificio cuenta con los siguientes sistemas: Sistema de Generación y distribución de agua helada ahorrador de energía. Sistema de Volumen Variable de Aire (Unidades manejadoras de aire y preparaciones de ductos de alta velocidad en cada nivel de oficinas). Sistema de Extracción Sanitarios Generales en cada nivel de oficinas. Sistema de ventilación Mecánica de aire automático en estacionamientos,

El edificio cuenta con sistemas de detección y extinción automáticos de incendios. Todas las áreas comunes, incluyendo los sótanos de estacionamiento, cuentan con sistema de rociadores y de detectores de humo conectados al sistema central inteligente del edificio. Además, como complemento del sistema se instalaron gabinetes con manguera, con un extintor de polvo químico seco tipo ABC de 6 kg. Sistema de Extracción de Humos En el cuarto se instalaron:   

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Una bomba Jockey para mantener la presión. Una bomba con motor eléctrico para el servicio norma. Una bomba con motor de combustión interna para el servicio de emergencia. Todos los tableros y accesorios para el funcionamiento de los equipos contra incendio son totalmente automáticos y son conectados al sistema inteligente del edificio. Altura- 130 metros. 231

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Área Total- 51,400 metros cuadrados. Pisos- 11 niveles subterráneos de estacionamiento y 44 pisos. Estructura de concreto reforzado con: 55,916 metros cúbicos de concreto 20,200 toneladas de acero estructural y de refuerzo 40 amortiguadores sísmicos AUTORES. -

Javier Lara Jaime Victor Hugo Sarmiento Arredondo Octavio M. de la Torre Martinez

37.-CONSTRUCTIVISMO HOLANDES PIET MONDRIAN Y NEOPLASTICISMO (O STIJL)

Proponía despojar al arte de todo elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo y, como consecuencia, universal. Junto con Theo van Doesburgfundó la revista De Stijl, principal órgano de difusión del movimiento, en cuyo primer número apareció publicado el manifiesto neoplasticista. Artistas y arquitectos agrupados alrededor de la revista Stijl defendieron el orden claro y geométrico del movimiento aplicando sus principios también en la construcción de edificios. Palabras claves: cubismo, futurismo

Neoplasticismo,

ABSTRACT EL

Elaborado por: DANIEL NORIEGA ZAMARRON RESUMEN Neoplasticismo es un movimiento artístico iniciado en Holanda en 1917 por Piet Mondrian. También ha sido denominado constructivismo holandés, por su paralelismo con el constructivismo soviético. Está vinculado al nacimiento del arte abstracto y las demás vanguardias (especialmente al cubismo y al futurismo).

Neoplasticismo is an artistic movement started in the Netherlands in 1917 by Piet Mondrian. Also it has been called Dutch constructivism, by its parallels with Soviet constructivism. It is linked to the birth of abstract art and other Vanguards (especially Cubism and Futurism).He proposed to strip the art of all accessory item in an attempt to reach the essence through a plastic target language and, as a consequence, universal. Along with Theo van Doesburgfundó the magazine De Stijl, main organ of diffusion of the movement, whose first issue 232

appeared in published the manifesto neoplasticism. Artists and architects grouped around the magazine Stijl advocated clear and geometric order of the movement by applying its principles also in the construction of buildings. Key words: Neoplasticism, Cubism and Futurism La intención del neoplasticismo es representar la totalidad de lo real, expresar la unidad de la naturaleza, que ofrece apariencias cambiantes y caprichosas, pero que, sin embargo, es de una regularidad absoluta. Sus principales características son: -Búsqueda de la renovación estética. -Lenguaje plástico objetivo y como consecuencia, universal. -Exclusión de lo individual y del objeto (limitado temporal y localmente). Se elimina todo lo superfluo hasta que prevalece sólo lo elemental, en un intento de llegar a la esencia. -Depuración de las formas hasta llegar a sus componentes fundamentales: líneas, planos y cubos.

Piet Mondrian neoplastica”(1920)

“pintura

-Planteamiento totalmente racionalista. -Estructuración a base de una armonía de líneas y masas coloreadas rectangulares de diversa proporción, siempre verticales, horizontales o formando ángulos rectos. -Nunca se recurre a la simetría, aunque hay un marcado sentido del equilibrio logrado por la compensación de las formas y los colores. Uso de pocos colores. Colores planos, de carácter saturado o puros (primarios: amarillo, azul, rojo) y tonal o neutros (blanco, negro y grises). -Empleo de fondos claros. Pinturas: equilibradas, ordenadas, optimistas, alegres. Es una orientación artística anti trágica: arte no como expresión purgativa de sentimientos trágicos interiores del artista, sino como metáfora visual de armonía espiritual.

233

Piet Mondrian (1872-1944) Piet Mondrian nació en Holanda. Sus primeras obras son escenas rurales donde se observa la influencia de su tío, Frits Mondrian, pintor impresionista de la Escuela de La Haya. Un ejemplo de estos paisajes es Vista de Winterswijk. Aquí apunta ya la idea que guiará toda su pintura, el deseo de sobrepasar la apariencia material de la realidad sometiéndola a un orden visual que la sitúe en un plano de universalidad.

La composición enfatiza la verticalidad de la torre y la horizontalidad de la línea del cielo, convirtiéndolos en ejes perpendiculares que organizan la estructura visual de la pintura, más allá de la pura descripción de un paisaje concreto. Poco a poco, entre 1908 y 1912, avanza hacia un estilo en el que la realidad es reducida a sus rasgos esenciales. El tema pierde toda relevancia, la línea y el color son los únicos vehículos de expresión del contenido del cuadro. Estos años son muy importantes para la obra de Mondrian. Desde 1908 viajará con frecuencia a Domburg, una ciudad costera a la que acudían intelectuales y escritores. En Domburg desarrolla un tipo de paisajes costeros en los que cada vez da más relevancia a los rasgos más simples, las fuertes verticales de los faros, las horizontales del mar o del horizonte y la rotundidad geométrica de las dunas. Ejemplos: la serie de Los Faros y la serie de Las Dunas. En 1912 siente la necesidad de trasladarse a París, ya que en esta ciudad se estaban forjando las nuevas ideas artísticas.

“Vista de Winterswijk” Piet Mondrian 234

“la serie de Las Dunas” Piet Mondrian Conocerá de cerca el fauvismo, el futurismo y el cubismo. Mondrian, que buscaba desde hacía algunos años la simplificación de la representación de la realidad, quedó tan impresionado al ver las obras de Picasso y Braque, que experimentó con la nueva disciplina. En su búsqueda de universalidad, utilizó los principios geométricos en el análisis de la estructura interna de las cosas, lo que lo llevó a reducirlas sólo a forma y color. Pero irá más lejos, reducirá todas las formas a la oposición y el equilibrio entre la línea vertical y la horizontal, que forman ángulos rectos y todos los colores a los tres primarios, además de incorporar la negación del color (el blanco, el negro y el gris) a la composición de la obra. La simplicidad de este lenguaje ha influido notablemente en la arquitectura y el diseño del siglo XX y en diversas tendencias de la abstracción.

Composición with Gray and Light Brown Piet M. Año: 1918-46 años Su vida pictórica comienza en 1889, aunque su primera exposición tendrá lugar en 1908. Es en estos años cuando comienza a interesarse por la filosofía y por la ciencia. En cuanto a la filosofía, acudirá a clases de Bolland en Leiden, de quien adquirirá el hegelianismo imperante en su estética y en su concepción de la Historia del Arte. En ciencia, se interesó por los cambios que entonces se estaban produciendo en la física moderna, por Gauss, Einstein, etc.... A ellos recurre sobre todo cuando intenta fundar la multidimensionaiidad, esto es, la unión del espacio y del tiempo, la introducción del dinamismo en pintura. 235

RITMO Y DIMAMISMO PICTORICO "BROADWAY BOOGIE WOOGIE"PIET MONDRIAN Fecha de realización: 1942 Material: Óleo sobre lienzo Estilo: Neoplasticismo Natural reality and Abstract reality En 1912, colaboró como crítico de arte en periódicos y revistas holandesas su primera serie de artículos aparecen en De Eenheid. En 1913, a parece un artículo dedicado a De lo Espiritual en el arte de Kandinsky. Su obra le abrió las puertas a la abstracción. En 1915, conoció la obra de Piet Mondrian, que exponía en el Stedelijk Museum de Ámsterdam.

Entre 1915-1917, realizó una serie de conferencias en Holanda sobre el desarrollo del arte, los principios de una nueva estética, y el arte del futuro. Reivindicación de lo recto frente a lo curvo. Las obras de estos años responden más a un cubismo al estilo de Delaunay, donde se preserva la curva a pesar de sus ideas teóricas, que al estilo con el que ya entonces trabajaban Mondrian y otros miembros del futuro de Stijl. A partir de estos años surge la idea de fundar una revista que fuera órgano de expresión y foco de reunión de aquellos que mantenían ideas estéticas renovadoras. A este proyecto son invitados el arquitecto J. J. P. Oud, el pintor Bert Van der Leck, 236

el pintor húngaro Vilmos Huszar, los arquitectos Wils y Rob Van´t Hoff, y el escultor Vantongerloo. En octubre de 1917, aparece el primer número. La purificación de los colores, la simplificación de las líneas a las dos posiciones: vertical y horizontal, la eliminación de toda impresión de profundidad y la defensa del arquitecto recto, dando lugar al lenguaje neoplasticista.

Desde el principio, el interés era puramente experimental pues el encargo consistía en llevar a cabo los proyectos sin vistas a una realización efectiva, con lo que podían eludir los requisitos prácticos y técnicos, concentrando todas sus fuerzas en una experimentación puramente estética.

A partir de 1920, comienza a desarrollar su producción arquitectónica, en este año, cuando aparece su primer artículo dedicado exclusivamente a la arquitectura.

Luego de realizado este análisis sobre el constructivismo, se puede concluir que:

En 1922, conoce en Weimar, al arquitecto holandés Cornelis Van Eesteren, con el que proyectara el hall de la Universidad de Amsterdam. Comenzó una serie de axonometrías y contra-construcciones de Rosenberg. Los tres proyectos dan prueba de la asimilación de los principios de Frank Lloyd Wright. El objetivo consistía en romper el cubo, descomprimiéndolo en planos y volviéndolo a componer en un todo dinámico, en donde las coordenadas de dentro (fuera, izquierda (derecha, abajo (arriba, etc.)) se hubieran superado. Los autores intentaban vencer el principio de gravedad natural, extendiendo los puntos de apoyo de los planos hacia el espacio exterior, de esta manera se creaba un todo que parecía que se resistía a la caída, que flotaba en el espacio.

La intención del neoplasticismo es, con todo esto, representar la totalidad de lo real, expresar la unidad de la naturaleza, que ofrece apariencias cambiantes y caprichosas, pero que, sin embargo, es de una regularidad absoluta, sobria y estética. FUENTES DIGITALES http://www.mentesalternas.com/2010/ 05/el-neoplasticismo.html http://miblogartistas.blogspot.mx/p/blo g-page.html http://www.arteygalerias.com/mondria n/mondrian-%e2%80%93-obra-vistade-winterswijk/ http://wwwutopicosanimicos.blogspot. mx/2010/08/piet-mondrian-y-elneoplasticismo-la.html http://www.mentesalternas.com/2010/ 05/el-neoplasticismo.html

237

BIBLIOGRAFIA EL CONSTRUCTIVISMO RUSO Christina Lodder, alianza editorial, 1987. CONSTRUCTIVISMO RUSO J.L. Cohen, EL SERBAL editorial, 1994.

238

CONCLUSIÓN

arquitectónica, debido a que los arquitectos con el paso del tiempo

Considerando que existe una gran

han

variedad temas, corrientes y estilos,

características

la arquitectura se expresa como una

para formar su propia arquitectura y

forma de identidad del ser humano

definirlas

que proyecta obras, y mediante los

específico es muy complicado por lo

materiales

que

trata

retomar

los

tradicionales para que al momento de la

construcción

identidad

expresen

propia

tomado

y de

como

predomina

han

dejado

algunos

estilos

concepto

eclecticismo

arquitectónico.

una

momento

Este trabajo de investigación es muy útil

histórico de su creación.

para

los

alumnos

que

posteriormente cursen esta materia, A causa de todos estos estilos, en la

haya registros más detallados acerca

actualidad es muy difícil encontrar

de los estilos, corrientes y

obras

sobre la arquitectura y sepan todas

arquitectónicas

realizadas

totalmente en concreto armado, o

temas

las características sobre él.

cien por ciento minimalistas o que se refieran

solo

estilo

239

RESPONSABLES DEL TRABAJO DE INVESTIGACIÓN ARQ. ROSALINDA NAVA ZUMALACARREGUI LIC. MONICA ELENA ECHEVARRIA CHAN

COLABORADORES

ADAME PÉREZ RODRIGO ARTEAGA CASTAÑEDA MIRNA A. BARRIOS MENCHACA EULISES BETANCOURT ESPARZA CARLOS COCOLÁN CALVILLO JOSÉ MANUEL DE LIRA DÍAZ BERTHA LIZETH DORADO GARCÍA OSKAR IGNACIO ESPARZA FLORES JUAN ANTONIO ESPARZA ROBLES GLORIA ELIZABETH GAMBOA LÓPEZ PEDRO GRACIA MÉNDEZ VIRIDIANA GÓMEZ HERRERA DIEGO JAZIEL GÓMEZ SOTO ISAÍAS VICENTE GONZÁLEZ PÉREZ JUAN PABLO HERNÁNDEZ SIERRA RAFAEL HUERTA AGUILAR JUAN ANTONIO JÁQUEZ MONTELONGO JORGE LUIS NAVA PASILLAS CINTHYA MARIEL NORIEGA ZAMARRÓN DANIEL

DEL HOYO VIRAMONTES FRANCISCO J. DEL RIO MARTINEZ CESAR IVAN DELGADO TARIN GETSEMANI DUEÑAS MACIAS JAVIER GERARDO ESQUIVEL MIRANDA MIGUEL ANGEL GARCIA BAYLON BEATRIZ GARCIA LOPEZ LAURA MARLEN GOMEZ GONZALEZ JAZMIN GONZALEZ CASTRO LUIS ALBERTO JIMENEZ MONTALVO JOSE ALEJANDRO LARA JAIME JAVIER LUNA BARRIOS URIEL MARQUEZ NAVA DIANA SULEMA MARTINEZ CASTRUITA ANGEL IVAN MARTINEZ DE LA ROSA BRAYAN DANIEL MAZATAN ALVAREZ ALEXANDRA ITZEL MEDINA DE LA CRUZ EDSON MEDINA OVALLE CHRISTIAN OCTAVIO MORENO RODRIGUEZ JUAN RICARDO 240

PADILLA DE LEÓN RODRIGO PINEDO PINEDO FLAVIO ALONSO QUINTERO GAITÁN ENRIQUE ALONSO RODRÍGUEZ CARRILLO JUAN ESTEBAN VALDEZ CALDERA HUGO ADÁN VAZQUEZ ALVAREZ LILIANA ZARAHIT ALVARADO ESQUIVEL DANIEL IVAN ALVARADO TREJO ALEJANDRA BERNAL RAMIREZ ZAIRA ANAHI CONTRERAS HERNANDEZ DANIELA CHAVEZ RUEDA DAVID ALEJANDRO DE LA TORRE MARTINEZ OCTAVIO M.

MUÑOZ MIRANDA SARAHI OLIVA MARTINEZ SALVADOR PIÑON MUÑOZ EDUARDO EMMANUEL REVELES MURILLO IRMA AZUCENA REYES CORTES FATIMA DEL ROCIO REYES MIER CINDEL PATRICIA RIOS ROJERO ANA PAULINA ROMERO MURILLO LIBANO MANUEL RONDAN PALMAS MONICA ROSALES CAZARES ASTRID MARLENE RUBIO RODRIGUEZ JOSE MARTIN

SALAS IBAÑEZ HECTOR ALONSO SANCHEZ CALDERON JESUS MANUEL SANCHEZ ESQUIVEL MANUEL ANGEL SANCHEZ LOPEZ ANAIS GRISEL SARMIENTO ARREDONDO VICTOR HUGO SAUCEDA NAVA MILDRED SARAHI SAUCEDO NAVA SANDRA PATRICIA VEGA ROBLES DIANA MARITZA

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