BARRAGE - Revista de Arte & Diseño

MAYO 2018 | #1

TEMA

LIMA - PERÚ • ARTE • DISEÑO • ARQUITECTURA

JULIAN CASABIANCA

DIRECTO DEL MUSEO

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• FOTOGRAFÍA • ARTE CALLEJERO

S./25

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BARRAGE!

TEMA

CARTA DEL

EDITOR O

h, bueno, se estarán preguntando, ¿qué demonios has hecho? Sé lo que pueden sentir los lectores más debotos sobre las revistas que aman, y yo respeto eso.

Un lector serio y leal puede ser nuestro activo más preciado. Seríamos tontos para jugar con eso haciendo cambios por el cambio. Pero también está la pregunta desconcertante, en este momento de agitación tecnológica, de cómo intensificar la experiencia de leer una revista impresa.

Cada pequeño aspecto del rediseño representa una decisión debatida, sudada y cuestionada hasta que nos quedamos sin tiempo y tuvimos que enviarla a la impresora. Pero lo que ves aquí no es una nueva fórmula. Es un comienzo. Nuestro objetivo es hacer todo más nítido, más claro, más vivo y dinámico, sin alterar los cimientos de la revista.

COLABORADORES

JEANCARLO VIZCARRA REDACTOR Amante de la lectura. Ha redactado para una serie de publicaciones, como la revista Times, Forbes y Magnum.

ALESSANDRA MORALES DISEÑADORA

Nuestro objetivo general con esto es monopolizar la mayor cantidad posible de su día, pero no nos detenemos ahí. Estamos trabajando en una nueva aplicación para que puedan leer nuestros artículos desde sus celulares y tabletas. Es el primer paso en lo que finalmente será una nueva presencia web para la revista. Todos en el personal contribuirán de vez en cuando. Esperamos que le den un vistazo y nos den sus opiniones y sugerencias, ya sea de cómo mejorar la experiencia o de algún artista y/o diseñador del cual les gustaría leer. De cualquier forma, queremos estar aquí siempre para ustedes.

John Misty Tillman - Editor en Jefe

Graduada de la carrera de Diseño Gráfico en SCAD. Ha diseñado para revistas como The New Yorker y Somos.

JOANNA CHO DISEÑADORA Amante de los colores y el baile. Fundadora de la agencia Puzzle, ganadora del HOW In-House Design Award 2017.

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A COLOR

SU HISTORIA

P. 5

BAUHAUS

LA ESCUELA

ARQUITECTURA:

CASABIANCA

JULIEN DE

ARTE CALLEJERO:

ESTRENOS

REMIX CLÀSICO

DISEÑO:

P. 8

FOTOGRAFÍA:

OCCIDENTE

ORIENTE VS

ANIMACIÓN:

CONTENIDOS 4 BARRAGE!

P. 18

P. 10

P. 16

P. 14

ANIMACIÓN

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FOTOGRAMAS L A ANIMACIÓN OCCIDENTAL VS. ORIENTAL EL ACERCAMIENDO, LAS VIRTUDES Y LOS DEFECTOS DE LAS DOS MAYORES ESCUELAS DE ANIMACIÓN EN EL MUNDO: LA AMERICANA Y LA JAPONESA

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BARRAGE! esde que la animación japonesa (también conocida como anime) cruzó continentes y se hizo popular entre las generaciones de televidentes estadounidenses, ha habido una gran controversia sobre cuál es superior: animación japonesa o estadounidense.

Los animadores y entusiastas de la animación estadounidenses desprecian el estilo y los métodos japoneses como flojos; Los entusiastas de la animación japonesa se burlan del estilo estadounidense como torpe o demasiado cómico. Pero, ¿cuál es la diferencia entre los dos, realmente?

EL ESTILO

La respuesta más fácil es el estilo: el aspecto visual de las animaciones japonesas frente a las animaciones estadounidenses, principalmente evidente en el diseño de personajes humanos. Los grandes ojos distintivos con numerosos reflejos y colores detallados son el sello distintivo principal del anime, junto con pequeñas narices y bocas generalmente denotadas por líneas mínimas. (Incluso ciertos estilos que favorecen las bocas generosamente amplias y poco realistas los representan con líneas mínimas.) El estilo en sí usa muchos ángulos y líneas fluidas y atenuadas. Cosas como las pestañas, el cabello y la ropa se representan con más detalle. El color a menudo usa más variantes y sombreados, prestando mayor atención a los reflejos y sombras no delineados para agregar más profundidad.

En contraste, la animación estadounidense cae en intentos de “realismo” al estilo de los cómics (lo más realistas que puedan obtener, de todos modos) o personajes de dibujos animados cómicos exagerados, con rasgos redondeados y muy exagerados. Generalmente hay menos detalles, enfocados en usar trucos de estilo para implicar los detalles de una manera más sutil y discreta, y menos atención al sombreado en lugar de colores de bloque sólidos, excepto en escenas dramáticas que lo requieren.

Sin embargo, donde la animación estadounidense parece carecer de ese aspecto, compensa la cantidad de animación realizada. La animación estadounidense incluye una gran cantidad de movimiento animado original, algunos de los cuales se usan de forma cíclica, pero aún animados, fotograma a fotograma. En contraste, el anime usa muchos trucos: escenas largas en las que solo la boca de un personaje (y tal vez algunos mechones de cabello) se mueve

Arte Conceptual Frozen

Arte Conceptual Mob Psycho 100

durante la entrega de información clave, o representa un movimiento rápido con un personaje congelado en una pose de acción contra un movimiento rápido, fondo estilizado que requiere poca animación. A menudo usan tomas fijas dramáticas contra fondos estampados con unos pocos símbolos emotivos en movimiento que acompañarán a un monólogo. Ambos estilos reutilizan tomas y secuencias, pero la animación japonesa tiende a ser un poco más obvia al respecto. Esta es la razón por la cual los animadores estadounidenses a veces etiquetan el anime japonés como “flojo”.

ARTE

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Akira (Fotograma)

Sin embargo, el elemento de estilo va un poco más allá de los estilos de dibujo. La animación estadounidense tiende a usar toma de cámara directa, menos preocupada por ángulos cinemáticos y dramáticos que por representar claramente los eventos, aunque hay excepciones a esa regla. La animación japonesa a menudo hará uso de ángulos, perspectivas y acercamientos exagerados para intensificar el ambiente de una escena y mostrar acciones con un efecto extremo.

“Ambos estilos reutilizan tomas y secuencias, pero la animación japonesa tiende a ser un poco más obvia al respecto.”

La mayor diferencia, sin embargo, está en el contenido y la audiencia. En Estados Unidos, en su mayor parte, los dibujos animados y las películas animadas se consideran para niños y están dirigidos a esa audiencia. En Japón, el anime puede ser para niños o adultos, y algunas importaciones japonesas han causado algunas sorpresas interesantes cuando los padres descubrieron que sus hijos tenían una

naturaleza más madura. Además, la idea de qué es apropiada para los niños y apropiada para los adultos puede diferir entre las dos culturas, y lo que es apropiado para un niño de diez años en Japón puede no ser apropiado para un niño de diez años en Estados Unidos. La mayor parte de eso se puede explicar por las diferencias culturales, y un anime japonés observador estadounidense puede notar referencias culturales o claves de contexto de las ubicaciones que no estarían presentes en las animaciones estadounidenses.

Más allá de eso, sin embargo, las diferencias no son realmente tan grandes. Ambos buscan contar una historia en un medio animado, utilizando métodos digitales y tradicionales. Ambos utilizan la exageración para enfatizar la emoción en las acciones de los personajes, así como otros trucos, como la anticipación, la música en el momento oportuno, y el squash y el estiramiento. Ambos siguen los principios de la animación y requieren una dedicación absoluta a la artesanía. Al final, realmente no hay nadie que sea mejor; es solo una cuestión de gusto y preferencia.

Redacción: Jeancarlo Vizcarra

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BARRAGE!

REMIX

CLÁSICO TRES PROYECTOS DE DISEÑO GRÁFICO QUE LLEVARON EL ARTE CLÁSICO Y NEOCLÁSICO A LA MODERNIDAD.

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on la llegada de la edad de la información la búsqueda por nuevas propuestas visuales ha consistido en el “remix”. El proceso creativo hoy en día consiste en tomar un poco de lo que vino antes, deconstruirlo y juntarlo para así llegar a un resultado interesante; siendo el diseño gráfico no ajeno a esto. Es así como el día de hoy venimos a presentarles tres proyectos que representan este nuevo sentimiento de modernidad y mezcla usando como base una de las expresiones artísticas más fundamentales: el arte clásico.

Uno de los proyectos más interesantes es el Swoosh Art Tumblr, creado por Davide Bedoni, que contiene una colección de imágenes de famosas obras maestras clásicas con el Nike swoosh hábilmente insertado. La yuxtaposición de este logotipo icónico y universalmente reconocido con estas obras de arte histórica y culturalmente significativo hace un comentario claro sobre el consumismo.

Junto a este encontramos el proyecto “Not Art” (traducido como “No es arte”) de los diseñadores Hadi Alaeddin y Mothanna Hussein. Los diseñadores radicados en Jordania, que toman el nombre colectivo de Warsheh, llevan los mejores éxitos de la historia del arte a sus principales personajes, empalmando las imágenes restantes basadas en la Proporción Áurea.

“No sabemos nada sobre estas pinturas, incluso utilizamos la búsqueda de imágenes de Google para buscar los nombres”, continúan los diseñadores. Es esta actitud absolutamente no pretenciosa lo que hace que el esfuerzo de Alaeddin y Mothanna sea tan refrescante y entrañable. Sin mencionar el hecho de que, separados de sus orígenes y entrelazados en la geometría que permitió su creación, lo mejor de Jacques-Louis David, Johannes Vermeer y la compañía obtienen un atractivo hipnótico y contemporáneo.

TEMA Si estás buscando un mensaje profundo detrás de la impresionante serie, no te hagas ilusiones. “Nos enorgullece ser diseñadores y no artistas, la principal diferencia es que a veces admitiremos con alegría que trabajamos en algo por pura casualidad y no para decir ningún significado más profundo y filosofías ocultas”

“El proceso creativo hoy en día consiste en tomar un poco de lo que vino antes, deconstruirlo y juntarlo para así llegar a un resultado interesante...”

Finalmente, tenemos los retratos digitales de Dimitris Ladopoulos, el cuál utiliza una serie de algoritmos para subdividir sus obras de arte favoritas, desglosando las composiciones de colores de pinturas antiguas en el software de animación 3D Houdini.

Con este proceso, vemos cómo Ladopoulos observa digitalmente la paleta del Retrato de Johannes Wtenbogaert de Rembrandt Harmensz van Rijn.

Fotografía: : Swoosh Art

Las dos composiciones digitales proporcionan una visión contemporánea de las pinturas históricas, mostrando cómo cada una puede analizarse como un objeto diseñado en lugar de un trabajo pintado. Definitivamente una intervención que solo podría salir del diseño contemporáneo.

Redacción: Jeancarlo Vizcarra Fotografía: : Warsheh

Fotografía: : Dimitri Ladopoulos

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BARRAGE!

1 DE JUNIO DEL 2018

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¡A LA CALLE! E L M A N I F I E STO D E L A R T I STA J U L I A N D E CASA B I A N CA E N E L 2 0 1 4 , A R T I S TA V I S U A L Y C I N E A S TA I N I C I Ó O U T I N G S P R O J E C T, Q U E A DÍA DE HOY SE EXTIENDE POR LOS CINCO CONTINENTES. SU OBJETIVO: SACAR EL ARTE A LAS CALLES; TRASLADAR SU BELLEZA DESDE LAS PAREDES DE LOS MUSEOS A LAS DE LAS CIUDADES.

Fotografías: Outings Project

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BARRAGE!

os habíamos convertido en vegetarianos de museos. Peor todavía: en veganos de museos. Esa era la doctrina: cómete el arte crudo, sin cocinarlo, sin sal, sin especias. Para ver arte en un museo lo único permitido eras tú, la única actitud correcta era la de “tú contigo a solas”, sin nada más. De alguna manera la desnudez como una liberación, como una forma de abrirse a la obra de arte. Pero algo pasó. El trabajo de los ordenadores del programa espacial Apolo se traduce ahora en una única búsqueda en Google. Y aun así, ¿os gustaría que las personas siguiesen siendo crudívoras del arte en un museo cuando en sus bolsillos llevan más poder que el que nos mandó 17 veces a la Luna?

Nos sorprende el hecho de que no se queden “desnudas” y “puras” delante del cuadro, únicamente conectadas con sus ojos, mirando, sintiendo. Por el contrario las vemos sacando fotos con sus móviles, y pensamos que se están perdiendo algo. Pero hoy día no solamente queremos mirar, también queremos mostrar, queremos compartir nuestros sentimientos. Son los tiempos de las redes sociales. Del mismo modo que antes lo fue de la pintura. La obra de arte era la mejor tecnología para compartir. Su verdadero valor era su función social, como indicador de un modelo de vivir y de recordar. Resumiendo: esto es justo lo que hacemos ahora con nuestros móviles e Instagram. Con la mejor tecnología de nuestro tiempo.

Sí, vamos a sacar fotos en los museos. Y se supone que así no estamos mirando de la manera correcta porque nuestra atención se diluye. Al contrario, cuando vas a sacar una foto te estás concentrando en un tema, no te estás distrayendo. Sí, vamos a sacar fotos, no vamos a mirar estando “desnudos”.

Además, lo que estamos mirando no es el patrimonio del museo, es nuestro patrimonio. El museo solo es el encargado de conservar y mostrar, pero los propietarios somos nosotros. Y miramos como nos da la gana. Por primera vez en la corta historia de los museos la gente está delante de un cuadro con más tecnología en la mano de la que disponía el pintor mismo. Son los tiempos de la reapropiación.

Fotografías: Outings Project

ARTE CALLEJERO Outings es eso: reapropiación. Yo hago una foto de un retrato en un museo de arte y lo pego en la calle, y descubro cómo la gente se conmueve más y está más agradecida en barrios pobres. Es allí donde voy a pegarlo, porque es de donde soy yo también. Cuando me dedico a pegar durante el día –no a escondidas– la gente comparte conmigo sus sensaciones, y es precioso. Cuando les digo que lo que estoy pegando viene de un museo, me dicen que fueron al colegio muy poco tiempo... Es alucinante cómo la gente asocia el museo al conocimiento. Y se sienten excluídos. Yo soy de un barrio pobre y por eso sé lo mucho que necesitamos la belleza, lo mucho que necesitamos reapropiarnos del arte de los museos, porque muchas veces sentimos que el arte es para los ricos y para los turistas, no para los vecinos, aunque esto no sea cierto.

Hablo de lo que creo que mucha gente siente. ¿Por qué no van al museo municipal aunque vivan cerca? Creo que no lo hacen porque intuyen que el museo es un lugar de conocimiento, y ellos sienten modestia acerca de su propio conocimiento, creen que no saben mucho, y sienten que el museo no es para ellos.

“cuando me dedico a pegar durante el día –no a escondidas– la gente comparte conmigo sus sensaciones, y es precioso. “

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Y esto es así porque en un museo es difícil encontrar emociones, se trata más bien un lugar de conocimiento, donde el arte se clasifica por siglos, periodos, pero no por emociones: no hay una sala del amor, o del miedo, o del odio o de la amistad. Los museos son algo increíble, pero para mucha gente es difícil sentir algo allí dentro. Bien, pues yo soy artista. Y estoy aquí para enseñarle algo al mundo. No estoy para arreglarlo.

Pero sí puedo mostrarlo. Y esto es lo que hace Outings.

Por este motivo elijo en un museo algunos cuadros sin conexión, aislados, sin razón previa. Decido que sean aquellos que me proporcionan emociones. Yo necesito belleza, emociones, sentimientos. Es simplemente una nueva manera de mirar en un museo: entras con la idea de llevarte contigo a la calle algunos retratos. No eres pasivo, sino totalmente activo, miras los cuadros con una visión propia y sacas una foto, para luego pegarla en la calle. Es fácil de hacer. Por eso casi 200 personas lo están haciendo ahora mismo, se unen a Outings en todos los países de los cinco continentes.

Cita textual de Julian De Casabianca Redactor: Jeancarlo Vizcarra

Fotografías: Outings Project

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BARRAGE!

LA HISTORIA DE LA FOTOGRAFÍA A COLOR

GAMA COMPLETA

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FOTOGRAFÍA

uando la fotografía se inventó en 1839, era un medio en blanco y negro, y se mantuvo así durante casi cien años. La fotografía era un proceso frágil, engorroso y costoso. Para practicar, los fotógrafos necesitaban mucho dinero y tiempo extra, o un patrocinador.

En ese período inicial, las personas que avanzaban en la tecnología fotográfica tendían a concentrarse no en obtener fotografías en color, sino en mejorar los aspectos ópticos, químicos y prácticos de la fotografía.

Para muchos, el objetivo era hacer que la fotografía fuera más adecuada para el retrato, su aplicación más deseada. Para eso, la tecnología fotográfica necesitaba ser más estable, portátil y asequible, no más colorida.

Pero la gente quería fotos en color. (Los retratos antes de la fotografía eran pinturas, en color completo y glorioso). En 1880, una vez superados los primeros obstáculos técnicos, los fotógrafos de retratos comenzaron a experimentar con el color. Emplearon artistas para teñir los daguerrotipos y los calotipos de los fotógrafos a mano.

Los fotógrafos británicos introdujeron fotografías a mano en Japón, donde la práctica se generalizó y los artistas japoneses perfeccionaron aún más la técnica.

El refinado y delicado color de las manos se convirtió en una característica definitoria de la fotografía turística japonesa, cuyos resultados fueron trasladados a Occidente, influyendo en el arte de pintar a mano allí.

Esta técnica tremendamente popular persistió en Europa y América hasta veinte años más tarde cuando llegaron las placas de Autochrome. En Japón, el coloreado a mano duró otros veinte años más.

Debutado en Francia en 1907 por Auguste y Louis Lumière, Autochrome fue el primer proceso fotográfico en color generalmente práctico. Los autochromes eran hermosos, pero el proceso fue complicado. Los autochromes requieren tiempos de exposición más largos que sus procesos contemporáneos en blanco y negro. El proceso también fue aditivo: el resultado fue una transparencia de color positiva que solo se podía ver contra una luz de fondo o como una imagen

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proyectada. La fotografía en color se había convertido en una alternativa posible, pero se necesitaban mejores tecnologías de color.

Entra en la película de Kodachrome. En 1935, mientras trabajaba en Kodak Research Laboratories, Leopold Godowsky Jr. y Leopold Mannes dieron paso a la era moderna de la fotografía en color inventando Kodachrome, una película de color positivo (o “slide”) producida con un proceso de fotografía de color sustractivo. Los acopladores de tinte se agregaron durante el procesamiento; requiriendo que la película fuera procesada por laboratorios especialmente equipados, pero la ausencia de acopladores de tinte en la emulsión significaba que la película capturaba detalles finos. El procesamiento de la película fue bastante complicado, pero Kodak mantuvo su lema de “presiona el botón, nosotros hacemos el resto” y simplemente hizo que sus clientes devolvieran por correo sus rollos terminados para impresiones / diapositivas.

A partir de la década de 1960, Kodachrome de Kodak, junto con otras marcas de películas, había comenzado a establecer una presencia en el mercado, pero aún eran mucho más caras que las películas en blanco y negro estándar. En la década de 1970, los precios podían disminuir lo suficiente como para que la fotografía en color fuera accesible para las masas. Y finalmente, en la década de 1980, la película en blanco y negro ya no era el medio dominante utilizado para las instantáneas diarias de la vida.

“Autochrome fue el primer proceso fotográfico en color generalmente práctico.”

Hoy, para decepción de muchos entusiastas del cine, Kodachrome ya no se produce ya que el último rollo de película salió de la línea de producción en 2010. Y, por supuesto, para el resto de nosotros, el digital, hemos cerrado silenciosamente la puerta del color. fotografía de película y pasó a los sensores digitales. Solo recuerde, la próxima vez que levante su cámara digital, agradezca a Maxwell por su teoría de color RGB y los desarrollos en fotografía en color que han seguido hasta el día de hoy.

Redactor: Jeancarlo Vizcarra

Fotografía: Steve McCurry

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BARRAGE!

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ARQUIITECTURA

I

nteresado en la creación de una nueva forma de diseño que se encuentra en la intersección de la arquitectura, el arte, el diseño industrial, la tipografía, el diseño gráfico y el diseño de interiores, Walter Gropius se inspiró para crear una institución conocida como la Bauhaus en Dessau, con un estilo emergente que influiría para siempre la arquitectura.

El creciente resentimiento político obligó a trasladar la escuela desde Weimar a Dessau. Gropius tomó esto como una oportunidad para construir una escuela que reflejara sus esperanzas para la educación que se tendría entre sus paredes. El estilo de las instalaciones del proyecto Dessau insinúa el estilo más futurista de Gropius en los años alrededor a 1914, que también muestra semejanzas con el estilo internacional más que con el estilo neo- clásico.

Las amplias instalaciones en los planes de la Bauhaus en Dessau incluyen espacios para la enseñanza, viviendas para los estudiantes y miembros de la facultad, un auditorio y oficinas, los cuales fueron fusionados en una configuración de molinete.

Desde la vista aérea, este diseño hace alusión a la forma de hélices de aviones, que fueron fabricadas en gran parte en las áreas circundantes de Dessau .

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El edificio se compone de tres alas conectadas por puentes.

Los espacios de la escuela y los talleres están asociados a través de un gran puente de dos pisos, que crea el techo de la administración ubicada en la parte inferior del puente.

Las unidades de vivienda y construcción de escuelas están conectadas a través de un ala para crear un fácil acceso al salón de actos y las salas de comedor. El ala educativa contiene administración y aulas, sala de profesores, biblioteca, laboratorio de física, salas de modelo, sótano totalmente terminado, planta baja y dos pisos superiores.

Como arquitecto practicado, Gropius estaba interesado en la inclusión de avances estructurales y tecnológicos en el diseño de esta escuela revolucionaria para la arquitectura y estudiantes de diseño. Algunas de las distintas progresiones incluyen un cristal de la ventana, un esqueleto de hormigón armado y ladrillo, techos en forma de hongo en la planta baja, y techos cubiertos con tejas de asfalto que estaban destinados a ser pisados. El área total de construcción de la Bauhaus de Dessau fue de 113,400 pies cuadrados, el edificio en sí que contiene aproximadamente 250.600 pies cuadrados. El costo total fue de alrededor de 902.500 marcos.

“Como arquitecto practicado, Gropius estaba interesado en la inclusión de avances estructurales y tecnológicos en el diseño...”

Redactor: Jeancarlo Vizcarra

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ESTRENOS

JOAN MIRÓ

DÍA DEL COMIC

EXPOSICIÓN

FESTIVAL

Por primera vez, las obras del reconocido artista español Joan Miró llegarán a nuestro país con la exposición “Miró: La experiencia de mirar”, que se exhibirá durante 3 meses en el Museo de Arte de Lima (MALI).

Evento cultural anual con la finalizadad de incentivar la lectura entre los niños y jovenes a traves del cómic y para dar a conocer e impulsar la producción artística nacional; realizado en Campo Marte.

LOVING VINCENT

DÍA DEL LIBRO

PELÍCULA

EVENTO

Ha sido considerado, literalmente, una obra de arte de la animación al usar por primera vez en la historia del cine una técnica con la que cobran movimiento más de 62,450 pinturas al óleo. Su llegada a Netflix a menos de un año de su lanzamiento la celebran quienes no alcanzaron a verla en cine.

La Biblioteca Nacional del Perú (BNP) realizará diversas actividades culturales gratuitas, del domingo 23 de abril hasta el viernes 05 de mayo, en su sede San Borja y en la Gran Biblioteca Pública de Lima (GBPL), ubicada en la cuadra 4 de la Av. Abancay.

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